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La Casa Azul: «Vivimos una época súper excitante en la música pop… estoy feliz de vivir este momento»

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La Casa Azul es el nuevo top 1 semanal de JENESAISPOP votado por el público con su nuevo single ‘El momento’. Guille Milkyway nos responde unas preguntas sobre esta canción, hablando de sus influencias, sintetizadores, y derivando hacia el pop actual o ‘Lo malo’. El titular que nos deja es llamativo si recordamos que las influencias de su proyecto suelen concentrarse entre la década de los 60 y los 80.

Aunque ya has dicho que La Casa Azul es un proyecto con su sonido particular y que tu afán “nunca ha sido sorprender ni innovar”, sí que creo que ‘El momento’ es bastante diferente respecto a lo que sueles hacer. ¿A ti mismo te parece continuista o de las más distintas?
Bueno… hay varias en este disco que supongo que suenan algo diferentes respecto al sonido habitual. Aunque a mí me cuesta juzgar eso… en los dos últimos años digamos que estoy grabando cosas con BPM’s más lentos, con algún cambio en mi paleta de sonidos, introduciendo algunas cosas nuevas que me han ido interesando en estos últimos años. Lo que pasa es que en el disco hay canciones grabadas hace 5 ó 6 años y otras grabadas hace 5 meses… supongo que eso se tiene que notar. ‘El momento’ es una de las canciones que ilustra más o menos ese impass.

Elefant la ha comparado con Daft Punk, a mí me lleva más que nada a la electrónica de la segunda mitad de los 70, pero creo que no doy con los artistas exactos: ¿Kraftwerk, Jean Michel Jarre, Yellow Magic Orchestra? Creo que no estoy muy acertado con mis referencias. ¿Qué tipo de sonido o sintes has usado esta vez sobre todo en esas notas tan melancólicas de las estrofas y de dónde han salido? Quizá así lleguemos a dar con una referencia más acertada una vez conocida la procedencia de los aparatos…
Bueno… las referencias… es complicado siempre. Se suelen nombrar grandes referentes para ubicarse un poco… pero claro, respecto a los grandes referentes uno siempre sale perdiendo. Daft Punk se deja influenciar por esos que nombras, entonces supongo que todo está bien. A nivel de sonido he utilizado algunos sintes que se suelen identificar con algún momento entre 1982 y 1985: Oberheim (en mi caso un par de Matrix 1000 porque no accedo a más, jajaja), un Roland jx3p, dos Alpha Juno y las “cuerdas» de un Elka. Me gustan mucho esos sonidos… otra cosa es la canción en sí, que como siempre intento que sea muy melódica, que es lo que me gusta… y eso en realidad es más italiano o francés que alemán, ¿no?

«De las cosas que más me interesan de los últimos años en la evolución de la música pop es la desaparición del estribillo como “totem”»

Como proyecto pop, siempre has cuidado mucho los estribillos, pero en esta canción me gusta más el pre-estribillo y el puente del final que el estribillo en sí (que también está muy bien). ¿Estás de acuerdo? ¿Te has propuesto a conciencia trabajar otras estructuras ahora que está de moda jugar con ellas (la moda de los estribillos instrumentales, falsos o inexistentes) o simplemente ha salido así?
Yo creo que la canción tiene un estribillo claro, pero es totalmente cierto que de las cosas que más me interesan de los últimos años en la evolución de la música pop es la desaparición del estribillo como “totem” y la aparición del “drop” heredado de la electrónica como un elemento que puede competir por el trono dentro de la música pop. Es interesante. Creo que vivimos una época súper excitante dentro de la música pop… estoy feliz de vivir este momento.

Esta es la segunda canción seguida que editas sobre la muerte del amor, ¿va a ser la temática principal de ‘La gran esfera’ o habrá otros temas, quizá más alegres?
Bueno, como te decía antes, es un disco que tiene canciones grabadas hace casi 6 años que estaban compuestas incluso antes y otras que tienen pocos meses. Hay de todo… como siempre. Son ciclos. Por otro lado una cosa es hablar sobre la muerte venidera y otra describir la muerte una vez muerto. Y como nadie puede hacer eso… supongo que en toda muerte venidera hay resquicios lumínicos, jajajaja… Yo qué sé…

En la línea de lo anterior, según leo en un texto que hiciste para Rockdelux, el mencionado Nico no es otro que uno de tus hijos, ¿este podría por tanto ser tu disco más personal? Diría que las historias de tus inicios eran más genéricas y abstractas…
Bueno, en realidad es mi hija… No sé, siempre he intentado ser muy personal en todo lo que he escrito. Es como me sale mejor. Me cuesta hacerlo de otra forma. Quizás intento esforzarme por ser más costumbrista y menos metafórico… pero no sé, todo tiene su momento, supongo.

«Soy adicto a las esdrújulas, a la aliteración… Y bueno, no me voy a privar de esos placeres en mis propias canciones»

Es imposible no concluir que te has mimetizado un poco con Fangoria en ese estribillo larguísimo absolutamente imposible de recordar entre “morfogénesis mental” o “maglev”, y luego con el “evo laser” y “micro-tig”. Todos notamos la influencia que has ejercido en Fangoria, ¿pero quizá a su vez ellos te han influido en algo en este disco tanto como Dinarama en su momento?
No lo sé. En cualquier caso no soy muy consciente de ello. Los elementos científicos y tecnológicos creo que los he utilizado siempre. Me gusta hacerlo porque ayudan a que los conceptos emocionales tomen una relevancia así como exagerada. Si apoyas e “hiperbolizas” con “evo-laser y micro-tig” el concepto de precisión, es una exageración que deja claro lo que quiero decir. Yo soy muy así a la hora de hablar en general, lo de llevar un poco al extremo la exageración… me resulta divertido. Luego está el tema de cómo suenen las palabras, su métrica… soy adicto a las esdrújulas, a la aliteración… Y bueno, no me voy a privar de esos placeres en mis propias canciones.

Otra teoría sobre lo largo de la letra es que te hayas propuesto finalmente que te oigamos cantar entre todo el griterío de tus fans, en tus conciertos…
Jajajaja no, por Dios, no hace falta… Sé que ciertos trozos van en contra de un canto así global… no es algo que me guste especialmente. Creo que suele tener mérito en una canción pop que tenga una letra interesante pero que sea a la vez muy fácilmente cantable. Esta es menos cantable, supongo… voy a tener que esmerarme más.

Me pareció raro que la canción se presentase un lunes en lugar de un viernes. Yo estaba segurísimo de que la ibas a presentar por ese motivo en OT, pero no… ¿Nunca fue una opción?

Bueno… siguen saliendo novedades a lo largo de toda la semana, pero bueno… las plataformas digitales suelen centralizar esfuerzos y el viernes es el día de la actualización de novedades. No sé… no nos planteamos mucho ese tipo de cosas… Respecto a OT, no no… que joder, OT es un concurso con alegría. Esta canción es muy triste…

«‘Lo malo’ es una canción muy guay. La sobriedad es uno de los elementos que define bastante la música pop actual»

‘El momento’ es top 1 en JNSP, al haber recibido un voto más que ‘Lo malo’. No me resisto a preguntarte qué opinas de esta canción y si no opinas que un productor debería mejorarla. ¿O la gracia es que es así de sobria? Recuerdo pensar que ‘Shape of You’ era sobria de más y luego mira…
… Sí, mira, ya ves, tuvo algo de recorrido jajajajaja. ‘Lo malo’ es una canción muy guay. La sobriedad es uno de los elementos que define bastante la música pop actual pero aun así yo no la veo sobria en exceso para nada. Pero quizás hay elementos como la poca definición del bombo o algún otro que me despista… no sé, supongo que es personal.

Quizá por estilo igual no eres el indicado, ¿pero quizá Alizzz? ¿Alguna otra sugerencia para producir o remezclar ‘Lo malo’?
Hombre, Alizzz sería de puta madre… Es lo mejor. Pero vamos, que es una canción que yo imagino tranquilamente así rollo con los grandes del género del otro lado del océano, no sé, The Rude Boys, Luny Tunes o cosas así… Estos, ¿cómo son…? Los Evo Jedis estos también, ¿no?

Raveena y la belleza de la simplicidad

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Raveena Aurora es una cantante y compositora de música R&B y soul (fans de estos géneros en el foro, os invocamos) de Nueva York que en 2017 publicó su primer EP, ‘Shanti’. Como puede deducirse de su nombre y del título de este trabajo, Raveena es de origen indio, lo cual se plasma en su propio arte, como en el videoclip de ‘Sweet Time’, su mayor éxito hasta el momento, en el que Raveena aparece acompañada de amigas vistiendo atavíos tradicionales de su país de origen.

No así ocurre en su música. Su EP ‘Shanti’ recibe su título del sánscrito para “paz”, y eso es precisamente lo que transmite un trabajo que no absorbe influencias de la música india, pero sí se entrega con total simplicidad y transparencia a los sonidos R&B de siempre, buscando la sensualidad en ‘If Only’ y ‘Natural’ en dos canciones que, como los singles posteriores ‘Sweet Time’ y ‘Wherever U Go’, son muy propias de Janet Jackson o Aaliyah. Y en otros temas como ‘Spell reina el romanticismo del soul más clásico, mientras en la exquisita ‘Johnny It’s the Last Time’, la fusión de sonoridades jazz y ritmos hip-hop remite a Macy Gray o a la primera Amy Winehouse, dando lugar a una de las mejores canciones de Raveena.

El nuevo single de Raveena es aún más sencillo todavía. ‘I Won’t Mind’ se compone de un arreglo de piano jazz, muy 50s, de unos detalles de arpa y de la melódica voz de Aurora para crear una preciosa balada de amor que suena como si procediera de esa misma nube en la que se encuentra su autora por culpa de un nuevo amor. “Eres mi hombre en la luna”, canta, “deja que te arrope”. La cantante consigue, con poco, que no podamos dejar de prestarle atención, dando gran sentido a la expresión de “menos es más”.

‘Maestros de la Costura’ sí es la versión «de-sastrería» de ‘Masterchef’

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RTVE ha estrenado los lunes ‘Maestros de la costura’, un formato que dio la campanada en 2013 en BBC Two, conquistando durante 4 temporadas a una audiencia media nada desdeñable superior a los 3 millones de telespectadores. ¿Cuál ha sido el truco de la cadena para enganchar a esta adaptación de The Great British Swing Bee a aquellos que no sabemos nada de moda y utilizamos la ropa hasta que se nos cae a cachos? Vestirlo abiertamente de Masterchef en cuanto a jueces -duros pero mordaces-, estructura, guión, montaje y cásting.

En este último lugar, el cásting repite el patrón de Masterchef de mezclar concursantes de distintas edades, unos más apegados a la tradición y otros a la vanguardia, pero sin duda se ha apuntado un gran tanto alternando con orgullo la pluma inherente al mundo de la moda (gay o no), con amas de casa y hasta una profesora de religión. Sobre todos ellos, salva el programa del hastío desde el primer plano Eduardo, un joven estudiante de diseño de moda y pelo lacio, que resulta todo un «consejos vendo, para mí no tengo». Es además responsable de llevar a ‘Maestros de la costura’ el lenguaje de la calle, de «la última caja sorpresa va a ser un buen pedazo de mierda» a «mira a Mahi, pidiéndole fuerzas a Extremoduro» pasando por «Vanessa, ¡te han puesto fina filipina!».

Como en Masterchef, la torpeza de los concursantes es parte de la gracia: no hay más que echar un vistazo a la de-sastrosa Anna. Hay dos gemelos y uno de ellos -Sergio- ha definido al otro -Vicente- como «la persona más lenta de España». Así, se han vivido momentos surrealistas solo vistos en este tipo de realities, como una horda de concursantes negando al jurado y a las jefas de taller de una empresa invitada Premio Nacional de Moda, que el corte de sus prendas estuviera mal hecho. Lorenzo Caprile, María Escoté y Palomo Spain (gran nombre), cada uno en un estilo muy diferente, pero todos tan imprescindibles como Pepe, Samantha y Jordi Cruz en Masterchef, tienen material de sobra para concluir cosas como «esto es un disfraz cutre de Blancanieves» o por otro lado ejercer de guía para el público elogiando un vestido con imperdibles por su parecido a una antigua colección de Versace.

Aunque todos sabemos que aquí nadie va a aprender a coser. El objetivo del programa es entretener y en ese sentido hay que elogiar que dure 1 hora menos que Masterchef pese a copiar su estructura y hasta pruebas como la subasta. Se agradecería un recorte de media hora más y algo más de riesgo (entre las pocas aportaciones está el comodín del Imperdible para casos de desesperación total, que solo se puede usar una vez en todo el concurso), pero el programa, el jurado y el cásting pueden dejarnos en semanas venideras grandes momentos televisivos. Sobre todo si recordamos la ausencia de Top Chef este invierno. 6.

Puedes seguir el programa en nuestro foro Maestros de la Costura.

Hit de ayer: ‘Anyone Who Had A Heart’ de Dusty Springfield (1964)

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En 1963 Dusty Springfield rompió definitivamente con The Springfields, el trío familiar de folk-pop que la había llevado a la popularidad pero con el que ya no se identificaba artísticamente. En su última gira con ellos por los EE.UU. la música negra que oyó en escenarios y transistores le había seducido completamente y la impulsó a emprender una nueva dirección musical en solitario. Tras un par de singles de transición, en 1964 llegó el álbum ‘A Girl Called Dusty’, cuyo primer impacto lo proporcionaba la portada: atrás quedaban los anticuados vestidos que la cantante había llevado con su anterior grupo. La nueva Dusty lucía un formidable “total look” denim, pantalones incluidos, que servía de explícita declaración de nueva estética con una velada referencia a su identidad sexual.

El disco es uno de los grandes debuts del pop de los 60, en el cual Dusty pudo elegir repertorio de entre los estilos negros que la estimulaban: en su vertiente más pop, con versión de Holland-Dozier-Holland o del ‘Mama Said’ de las Shirelles, en su lado más funk con el ‘Mockingbird’ de Inez & Charlie Foxx y en los tonos más rhythm and blues gracias a versiones de Earl King o Ray Charles. Pero en el álbum también quedaba espacio para las baladas: además de una estupenda reinterpretación del reivindicativo ‘You Don’t Own Me’ de Lesley Gore, una de las tres canciones de Burt Bacharach y Hal David del disco es la apoteósica ‘Anyone Who Had A Heart’.

En los 60 los artistas británicos (en toda Europa, en realidad) no tenían muchos miramientos a la hora de regrabar un éxito trasatlántico copiando los arreglos al milímetro. Así que la versión de Dusty de la original de Dionne Warwick de 1963 no es una relectura radical. De hecho casi a la vez que Dusty la grababa en los estudios Olympic de Londres en enero de 1964, Cilla Black hacía lo propio pocos días después (en ambos casos con las Breakaways de coristas), también con un arreglo inspirado en el americano. La versión de Cilla estaba destinada a editarse en single, y por tanto fue la versión inglesa que se conoció primero, llegando al número uno de las listas para irritación de la mismísima Dionne Warwick.

Sin embargo, la versión de Dusty -aparecida en abril con la publicación del elepé- aporta toda una riqueza de nuevos coloridos en dos aspectos principalmente: por un lado en la voz, que en su interpretación se retuerce y tensa en una cascada de matices de desesperación y deseo como sólo Dusty era capaz de hacer. En el libro ‘Dusty’ de Lucy O’Brien, el ingeniero de sonido Brooks Arthur -que trabajó en ‘A Girl Called Dusty’- habla de su técnica frente al micro: “lo trabajaba al máximo, consiguiendo fantásticos sonidos en su interpretación vocal, acercándose y alejándose del micrófono, e incluso cantando de lado”. En ‘Anyone Who Had A Heart’ se aprecia perfectamente ese magistral viraje de tonos, del susurro de las estrofas al lamento de los estribillos. Todo un viaje de sentimientos expresados, que contrastaban con la brillantísima interpretación de Dionne Warwick, mucho más correcta pero también más plana.

El otro aspecto es el de la producción, que aunque acreditada a Johnny Franz, iba comandaba a medias con Dusty (quien no se cansó de reivindicar en los 90 que ella de hecho coproducía, hecho nunca reconocido en la sexista industria del disco). Entre los dos recubrieron la canción de un oscuro y prolongado eco, que se proyectaba en la voz, en la increíble y trémula guitarra (¡el armónico del minuto 0:53 pone la piel de punta!) y en ese fantasmagórico solo de saxofón barítono, casi pre-lynchiano. El resultado es algo atmosféricamente bello, un paisaje sonoro onírico y opresivo perfecto para esa letra de amor mal correspondido y desesperado.

“Cualquiera que alguna vez haya amado / Podría mirarme y saber que te quiero / Cualquiera que alguna vez haya soñado / Podría mirarme y saber que sueño contigo (…) No puedes tener corazón si me has herido de esa manera / Y has sido tan deshonesto. ¿Qué voy a hacer?”

Toda una suma de elementos que convierte a esta en la versión definitiva de una de las más innovadoras piezas de pop sofisticado bacharachiano (ese compás que alterna 4/4 y 4/5 fue uno de los primeros ejemplos de polirritmia en el pop occidental). El álbum marcaría el comienzo de una fructífera sucesión de “covers” de Bacharach y David a cargo de la cantante inglesa. De hecho, para septiembre del mismo año ya habría clasificado en la lista de singles su versión del ‘I Just Don’t Know What To Do With Myself’.

‘Anyone Who Had A Heart’ suena en el último Popcasting de Jaime Cristóbal, ya disponible en este enlace.

Belle & Sebastian / How to Solve Our Human Problems (Pt. 3)

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Belle & Sebastian han publicado este viernes la tercera y última parte de su nueva sucesión de EP’s, cada uno con 5 canciones y conformando entre todas un nuevo álbum de 15 pistas. El objetivo del grupo era captar la atención durante 3 meses consecutivos ahora que los lanzamientos discográficos llegan en modo aluvión y se olvidan en un par de semanas. Ignoro si la banda está satisfecha con la repercusión conseguida con pequeñas joyas que se suman a su discografía como ‘Fickle Season’ en la parte 1, ‘I’ll Be Your Pilot’ en la parte 2 o ‘Too Many Tears’ en esta tercera parte, pero lo seguro es que, sin llegar al nivel de los mejores discos de Belle & Sebastian (‘If You’re Feeling Sinister’, ‘Tigermilk’, etcétera), aquí no hay prácticamente nada de lo que avergonzarse.

El paso del tiempo, pero a través de un prisma optimista, vuelve a ser uno de los temas principales en la versión completa de la contemplativa ‘Everything Is Now’, que se había adelantado como pseudo instrumental en la parte 1. En ella escuchamos cosas como «todo lo que quería me ha llegado demasiado tarde (…) lo que nunca ha pasado nos duele siempre» pero también «no existe el destino / no hay tal cosa como estar condenado al fracaso». También es motivador escuchar la mencionada ‘Too Many Tears’, un paseo desolado a través de la lluvia, lleno de celos y pequeñas tragedias que nos remite a los temas de Burt Bacharach con textos de Hal David, con unos estupendos arreglos que han de volver loco al Miqui Puig del inolvidable ‘Casualidades’.

En sintonía, cierra una canción girl group muy Motown llamada ‘Best Friend’, sobre una pareja enfrentada al problema de querer ser amigos («aquí estamos, intentando ser sofisticados / ser adultos y no enamorarnos»); después de una de las sorpresas del disco. Los Belle & Sebastian que ahora se asoman al «baroque pop», al glam e incluso al disco-funk en la pimpinelesca e inane ‘Poor Boy’, que tiene su gracia pero jamás debió ser el single de esta parte, retroceden para ofrecer un número de country-folk tan desnudo como ‘There Is An Everlasting Song’. Por supuesto, aprueban con nota, pues para ellos eso no es un reto desde hace tiempo.

Que ‘Best Friend’ sea la última canción del conjunto y no la versión definitiva de la épica ‘Everything Is Now’ seguramente sea una muestra de las intenciones optimistas de este disco de Belle & Sebastian, pues algunos textos son más luminosos de lo que parece. Al fin y al cabo, el título del largo hace referencia a la «solución» de los «problemas» tratados (la nostalgia de lo que nunca volverá, el desamor, etc). Sin embargo, también nos deja cierta sensación de desestructura: por momentos esto parece, más que un disco del grupo, uno de los proyectos paralelos y corales de Stuart Murdoch, bien su película ‘God Help the Girl‘ o una ajena a lo ‘Storytelling’. Quizá hay demasiados estilos y vocalistas: a veces parece que ha valido todo, cualquier palo estilístico, aunque hay algo que sí que no encontramos en ‘How to Solve Our Human Problems’ y es un grupo en decadencia.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘Too Many Tears’, ‘There Is An Everlasting Song’
Te gustará si te gusta: la Motown, Burt Bacharach, ‘God Help The Girl’
Escúchalo: Spotify

Nos Miran se presentan con ‘Humo’, una nueva victoria para la melancolía en la pista de baile

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Desde la desaparición de Sally Shapiro, no vivíamos una catarsis similar de melancolía en la pista de baile, como la que nos ofrecen el recién llegado dúo Nos Miran con su primer single, ‘Humo’. Aunque en este caso se trata de una canción que, más que al italodisco, remite al eurodance de finales de los 90 descifrado con el filtro indie de Elefant Records –no podía ser otro que el sello madrileño el que diera cobijo a este proyecto–.

Nos Miran son Marta Quintana y Sergio Rodríguez, que forman o formaron parte de proyectos como Ventolín y Capitán Sunrise –la referencia a su canción ‘Un verano en la luna’ no es casual, puesto que fue Santi Diego el que les presentó–. Ya tienen listo su primer EP – titulado precisamente como este single–, que verá la luz en la colección «New Adventures In Pop» de Elefant el día 16 de marzo y en el que tocarán palos muy distintos como el punk-pop o el tecno lo-fi.

Cuenta Sergio que ‘Humo’ fue escrita después de engancharse a ‘Another Night In’ de Tindersticks, pero dándole la vuelta con el filtro de La Casa Azul. Presentada con un vídeo sencillo pero bastante efectista en lo visual, jugando con lo onírico y lo simbólico, y con la inquietante presencia de una niña de pelo rojizo que conecta extrañamente a la pareja protagonista, ‘Humo’ se transforma casi instantáneamente en una de esas canciones que marca drásticamente la carrera de un grupo y le hace sobresalir de la masa.

Liam Gallagher intenta, sin éxito, convencer al mundo de que el disco de Noel es «una versión mierdera de Kula Shaker»

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Liam Gallagher no para. Con el nuevo año su propósito sigue siendo el mismo que el pasado: poner fino a su hermano Noel. Sus últimas declaraciones dicen que el álbum editado por su hermano en 2017, el más o menos experimental ‘Who Built the Moon?‘, es «tonto» y una «versión mierdera de Kula Shaker». La cita dice: «él hace su cosa del pop cósmico y yo estoy a lo mío, dándole a la gente lo que quiere. Que yo sepa, siempre ha sido así». Liam dice que ‘Dead In The Water’ (el bonus track) tiene melodía, pero que prefiere los dos primeros discos de Noel, que son más clásicos. «Me gusta su fórmula. No creo que las canciones nuevas sean tan buenas, hay mucha tontería y la producción no es ni siquiera tan buena».

Lo malo es que su concepto de «lo que quiere la gente» puede estar equivocado. Es verdad que en principio ‘As You Were‘, el disco de Liam Gallagher, se vendió mejor, llegando al top 9 de lo más vendido de todo el año 2017 en Reino Unido, frente al top 18 conseguido por Noel. Todo ello cuando hasta ahora Noel había vendido mucho más que Liam. Sin embargo, al final puede que haya vuelco.

Ambos discos están siendo apoyados por BBC 2, que tiene en su playlist «A» (lo que antes se llamaba «disco rojo») tanto ‘Paper Crown’ como ‘It’s a Beautiful World’, pero es el disco de Noel el que sube del puesto 28 al 18 en ventas británicas, mientras que Liam está en el puesto 24.

Traduciendo: el álbum de Noel está resistiendo en las listas mucho mejor de lo que se esperaba en un principio teniendo en cuenta su carácter experimental y puede dar alguna sorpresa aún en este 2018. Recordando la buena nota que tiene en Metacritic, ¿sería descabellada una nominación al Mercury, la primera en más de 20 años?

Os dejamos con la canción de Noel que le gusta a Liam, que no es nada significativa de cómo suena el álbum, lo cual tiene bastante guasa…

Manic Street Preachers ya no distinguen «izquierda y derecha» en la política ‘Distant Colours’

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La de Manic Street Preachers es una de las canciones que os presentábamos el viernes en nuestra playlist de novedades semanales «Ready for the Weekend». La canción recibe el nombre de ‘Distant Colours’, y es una de sus composiciones eufóricas, si bien tiene fondo, como revela la nota de prensa de su sello en España.

Según esta, «la canción habla del desencanto con la izquierda de la juventud del cantante James Dean Bratfield», reflexionando sobre cómo «ha terminado el clásico partido Laborista de Nye Bevan». El vídeo rodado en Gales muestra al personaje principal del single anterior ‘International Blue‘ (la actriz Sarah Sayuri) mientras recorre el país parando en lugares históricos y culturales clave y que, de alguna manera, están relacionados con los temas de los que habla la canción.

El director Kieran Evans recorre «Cofiwch Dreweryn en recuerdo a Treweryn (el monumento que se construyó en protesta por haber dejado bajo el agua al pueblo de Treweryn), la estatua del guerrero galés Llewelyn ap Gruffydd en Llandovery, los llanos de Brecon Beacons, las piedras de Aneurin Bevan en el ventoso Ebbw Vale, el monumento en honor a los mineros Guardianes del Valle en Six Bells, Abertillery, y Chartist Monument en las afueras de Blackwood antes de llegar al pueblo, al Little Theatre, el sitio donde los Maniacs ofrecieron su tercer concierto».

La letra de la canción acusa a su destinatario de “mentir”, se pregunta si “vivimos en el pasado” y sentencia: “ya no distingo mi derecha de mi izquierda”.

El álbum ‘Resistance Is Futile’ sale a la venta finalmente el 13 de abril.

La canción del día: Tom Boyle demuestran que el noisepop no morirá si hay canciones como ‘Hojas amarillas’

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Quienes siguieran nuestra web con asiduidad desde casi sus inicios y aún estén por aquí seguro recordarán a Tom Boyle, un grupo de Getxo que en algún momento se definió a sí mismo a medio camino entre el Getxo Sound (El inquilino coumnista) y el Donosti Sound (La Buena Vida, Le Mans…). Su estupendo debut de 2009, ‘Maniobra de aproximación’, añadía a la ecuación el nombre de Yo La tengo y, sin embargo, el combo no ha gozado en estos casi 10 años de la suerte que merecía, anunciando un parón indefinido por razones personales en 2011 con algún amago de retorno, publicando el escueto ‘Agur’ en 2015.

Sin embargo, Gloria Para y Xabier Setién ni han desistido ni han dejado de escribir canciones en este tiempo. Y ahora, con una formación renovada –Miguel Terán y Oskar Hernández se incorporaron a la batería y guitarra, respectivamente–, han publicado ese segundo disco que pensamos que ya nunca llegaría. Grabado por Raúl Pérez en los sevillanos Estudios La Mina, se titula ‘Vuelve a empezar’ y ya su primera canción supone un reencuentro con todo aquel encanto que nos cautivó en canciones como ‘Desdobladas’ o ‘La caja’.

Con un videoclip que nos sitúa de lleno ante Gloria, caminando por ese escenario otoñal al que alude su título, ‘Hojas amarillas’ es una auténtica preciosidad que funde en mágico equilibrio ruido, melancolía y melodía perfectos, que ellos mismos emparentan con ecos de Ride y Slowdive. Por si fuera poco, el hecho de imaginar que esas hojas que llenan los suelos de las ciudades y campos podrían ser pensamientos humanos, “unos secretos y otros abiertos, que viven por un momento” es terriblemente encantador. Cuando llega ese “no veo el momento de decirte que lo siento, que me dejo llevar por el viento, que he dudado algunas veces pero al final me quedo contigo”, la emoción es pura y real. Y la certeza de que el noisepop no puede morir mientras sigan apareciendo canciones así, también.

Marta Sánchez llora (de alegría) en la tele tras la reacción a su versión del Himno de España

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¿Todavía te dura el ataque de risa por la versión del Himno de España que se ha sacado de la manga Marta Sánchez? Pues espérate porque la cantante está riendo la última y ha podido apuntarse uno de los mayores tantos de su vida, si finalmente esta adaptación, que ha escrito ella misma, sigue prosperando, como parece que va a suceder tras las felicitaciones de Mariano Rajoy, Albert Rivera o el Ministro de Cultura, que ha pedido su teléfono. Rajoy y Rivera, en su pugna por ganar las siguientes elecciones generales del país, han peleado por resultar el más efusivo. Mariano ha escrito en Twitter: «Como a muchos de vosotros, me llega este vídeo. Muy buena iniciativa de @Martisima_SoyYo. La inmensa mayoría de los españoles nos sentimos representados. Gracias, Marta. MR». Rivera ha dicho: «Valiente y emocionante @Martisima_SoyYo poniendo letra y corazón al himno nacional».

Marta ha explicado en el programa de Susana Griso que hace un año ideó esta adaptación en su cama de Miami, terminándola a tiempo de presentarla en el Teatro de la Zarzuela. “La que se ha liado nunca lo habría imaginado”, declara antes de echarse a llorar de la emoción. Sobre la posibilidad de que Sánchez interprete esta versión en la Final de la Copa del Rey, que ha sido sugerida por un diputado del Partido Popular, responde: “No me quiero hacer esas ilusiones, con que se plantee ya me siento feliz”. Las mismas declaraciones las ha repetido en Al Rojo Vivo. A su vez, considera que la repercusión que ha tenido este tema es mayor que su concierto en el Golfo interpretando ‘Soldados del amor’, aquel tema de Olé Olé que produjo Nile Rodgers de Chic.

Marta ha declarado en el programa de Griso que esta versión se escribió antes de la problemática catalana: ”no hay ninguna doble intención», pues la hizo «antes de que explotara todo lo que explotó en este país y de que los españoles colgaran banderas en los balcones». En la mesa del programa, eso sí, hay un crítico con su versión, que recuerda que ya se han escrito muchas letras para el Himno, y esta no sería para él de las mejores.

¿Ha cambiado para siempre ‘La llamada’ la carrera de Leiva?

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Leiva ha protagonizado esta semana con ‘La llamada‘ una de las subidas más fuertes de la semana en la lista de singles española: la canción ha pasado del puesto 40 al puesto 14 en la tabla oficial de Promusicae, dando totalmente la nota en un top 20 en el que solo tienen cabida reggaetón, canciones de música urbana, bailables y temas que han sido promocionados en Operación Triunfo. Poco cantautor se ve por esos puestos.

Su espaldarazo definitivo ha sido la consecución del Goya a la mejor canción: la última lista publicada por Promusicae se corresponde con esa semana, los premios del cine español fueron en sábado y la lista va de viernes a jueves. Mejor, casi imposible. Fue el único galardón conseguido por la cinta de Los Javis, una de las mejores películas de 2017 para nuestra redacción, y Leiva estuvo allí para recogerlo, agradeciendo a los directores, esos «genios locos y libres». También hubo dedicatoria para las actrices de la película, entre ellas Macarena García, su pareja, y además hermana de Javier Ambrossi (su verdadero nombre es Francisco Javier García de la Camacha Gutiérrez-Ambrossi, y el de ella Macarena García de la Camacha Gutiérrez-Ambrossi).

Leiva hablaba anteriormente sobre su canción durante su visita a Late Motiv: «Les conozco (a Los Javis), he ido a ver la obra muchas veces. No soy compositor de bandas sonoras pero ellos están tan locos en el buen sentido, que arriesgan y me permitieron participar en la película. Estoy muy orgulloso de lo que ha pasado porque no pretendía ser una película grande. Ha ocurrido algo sin la pretensión de que ocurriera algo. Ellos se lo merecen porque son muy talentosos».

Con 10 millones de reproducciones a nivel global, la canción es disco de oro en España, pronto será platino, pues suma 100.000 reproducciones diarias solo en nuestro país y no es tan inimaginable que termine habiendo «sorpasso» y sobrepase en popularidad a los que hasta ahora son los mayores éxitos de Leiva, ‘Terriblemente cruel’ (20 millones de streamings) y ‘Sincericidio’ (12,6).

Pero al margen de las cifras, está claro que su inclusión en una película que cuenta con un repertorio tan variado y diferente a su canción (Whitney Houston, Presuntos Implicados); de temática LGTB y de ámbito underground, le ha acercado a un público que en su vida se había aproximado a Leiva. En la línea, por ejemplo dejaba estas declaraciones en El País, mientras promocionaba ‘La llamada’: “No me identifico con la figura del macho man. Creo que existen miles de masculinidades. Hay muchas opciones y todas son loables y respetables… David Beckham, por ejemplo, no es más masculino que David Bowie. El concepto de virilidad es rancio y antiguo, no me interesa”. Vaya, parece que este no es el cantautor «rancio y antiguo» que algunos intuían en él, llevados por prejuicios parecidillos a aquellos de los que habla la película. En resumen, si Leiva ya había sido número 1 en España dos y tres semanas con sus álbumes de 2014 y 2016, ‘Pólvora’ y ‘Monstruos’, imaginad con el siguiente.

Cuando entrevistamos a Los Javis, Ambrossi ya vaticinaba este éxito, indicando sobre la banda sonora que habría «canciones originales de Leiva que la gente se va a cagar cuando las oiga». No sabemos si ha pasado eso exactamente, pero sin duda el tema no ha dejado de crecer desde que se lanzara en octubre, y, por ejemplo, fuera «canción del día» en nuestra web. Entonces, mi compañero Raúl Guillén la llamaba «un innegable y emocionado golpe en la mesa: sutil en sus preciosos arreglos de piano y esas cuerdas y flautas que remiten a ‘She’s Leaving Home’ y ’Strawberry Fields Forever’», con «la melodía de sus estrofas como milagroso hallazgo digno del mejor Andrés Calamaro».

Os recordamos que las representaciones de la obra de ‘La llamada’ de Los Javis que inspiró la película siguen teniendo lugar en el Teatro Lara de Madrid. Entradas, en Ticketea.

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Nancy de ‘Stranger Things’ y James Bay sienten mariposas en el clip oficial de ‘Wild Love’

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Ya hablamos hace unas semanas de ‘Wild Love’, el sorprendente nuevo single del británico James Bay, que le alejaba del folk pop de su exitoso debut ‘Chaos and the Calm’ para, con co-autoría de Jon Green (Adele) y producción de Paul Epworth (Adele, Florence + The Machine), adentrarse en terrenos de soul electrónico contemporáneo a lo James B…lake. Hoy presenta el clip oficial para el mismo, en el que le acompaña una de las protagonistas de ‘Stranger Things’, la serie de ficción-científica-terror-adolescente de Netflix que se ha convertido en uno de los éxitos más sonados de la televisión reciente.

Se trata de Natalia Dyer, la chica que encarna a Nancy Wheeler, hermana de Mike (Finn Wolfhard), uno de los niños protagonistas. Aunque en su primera temporada Nancy protagonizaba la famosa trama de Barb, el personaje ha ido adquiriendo más peso en la segunda y ya ha finalizado la grabación de la tercera, de próximo estreno. En el vídeo de Bay, Natalia siente un flechazo con James en medio de una tumultuosa fiesta. La basca les impide juntarse, pero no es nada que no solucionen unas mariposillas que persiguen a Bay, que les elevan y reúnen entre la muchedumbre.

Bay, como fan de ‘Stranger Things’, se ha mostrado encantado de trabajar con Natalia. “Es encantadora, de un talento enorme y fue genial estar con ella rodando el vídeo. Soy un fan total de ‘Stranger Things’, así que tuve que esforzarme todo lo que pude por que no se me notara demasiado”, ha dicho Bay sobre su trabajo conjunto en el vídeo. ‘Wild Love’, que ha entrado de forma directa al puesto 39 en el chart británico –convirtiéndose en el tercer Top 40 de su carrera–, forma parte del segundo disco de James Bay que ya ha terminado pero del que aún no se conoce ni título ni fecha de edición.

El “punk dulce” de Panellet, la electrónica ambiental de Fuerte Bandido y la psicodelia de Vetviolet, en Bala Perduda

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La cuarta semifinal de Bala Perduda, el concurso de artistas noveles de Caprichos de Apolo, se batalla esta tarde naturalmente en la Sala Apolo de Barcelona entre Panellet, Fuerte Bandido y Vetviolet, a partir de las 18.30 y a un precio de 4 euros con consumición. El grupo que llegue a la final aspirará a actuar en Primavera Sound y grabar un disco.

Panellet es un trío de “punk dulce”, según su propio Bandcamp, con letras en catalán, procedentes de Terrassa y con aires de Ramones, surf y sobre todos de melodías que enganchan. Después de sacar su primer LP ‘Aloha’, Panellet está esparciendo su dulzura por toda Cataluña y Valencia, presentando sus canciones punkis en directos vertiginosos y azucarados.

Fuerte Bandido es el proyecto musical del tinerfeño Juan Hernández. IDM, techno, downtempo y house son algunos de los estilos que pueden ayudar a describir su música, en la que el contraste entre bases definidas y melodías ambientales, dibujan paisajes surrealistas acompañados de letras en las que plasma sus reflexiones. En su primer año de vida, participó en la final del 29 concurso Pop-Rock Villa de Bilbao y en la edición 25 de Valle Eléctrico.

Vetviolet es el proyecto en solitario de Brian Silva, conocido también por ser integrante de los Zephyr Bones. Esta vez, junto a Marc López a la batería y Genís Toral a la guitarra, Vetviolet se conjuga como un ambicioso proyecto donde la autoproducción y los sintetizadores se convierten en los reyes de la pista. Teniendo como referente el pop sesentero, Vetviolet dan un paso más y son capaces de crear su propia odisea de psicodelia, fuzz, reverb y ecos capaces de sumergir al espectador en un evocador paisaje.

Belle & Sebastian / How to Solve Our Human Problems (Pt. 2)

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Belle & Sebastian han dejado lo mejor para la segunda parte de los 3 EP’s que conforman su nuevo álbum, ‘How to Solve Our Human Problems’. Y la mejor composición aparece exactamente en el lugar central de lo que sería ese disco. La pista 8 de estas 15 canciones sería una preciosa ‘I’ll Be Your Pilot’ en la que el grupo vuelve a sumergirse en el folk de los años 60.

Pero esta vez no hablamos de sus venerados Love, una referencia recurrente y con razón en los inicios de su discografía, sino de aquel «baroque pop» que inspiró el primer disco de David Bowie. El repertorio a mediados de los 60 de gente como The Zombies, The Kinks, Burt Bacharach, Anthony Newley o Four Tops puede venir a la mente al escuchar esta canción dedicada al hijo de Stuart, aparentemente inspirada en ‘El Principito’: además del piloto del título, hay una mención al desierto del Sahara que parece sacada del conocido libro de Antoine de Saint-Exupéry.

Sonoridades parecidas encontramos en la canción final, de título 100% Belle & Sebastian, ‘A Plague On Other Boys’, otra canción que parece fluctuar entre la pérdida de la inocencia, la disfunción social y el desencanto político. Como contraste a su melancolía, el tema que queda en medio de ambos, un divertimento llamado ‘Cornflakes’ a cargo de Stevie Jackson que, como el corte inicial, nos remite a los mismos años 70 en que se fijaron en ‘The Life Pursuit’ (2006).

Finalmente, como sucedía en la parte 1 de ‘How to Solve Our Human Problems’, hay que volver a detenerse en la canción de Sarah Martin. Su voz no es tan bonita como la de Isobel Campbell, pero el equilibrio entre los diferentes arreglos es estupendo: entre ritmos Motown, campanillas navideñas spectorianas y guitarras glam, termina reluciendo la sección de metales. Otra de las canciones estupendamente arregladas de Belle & Sebastian, en este caso hablando con nostalgia de un amor pasado («ni siquiera veo tu rostro / te has evaporado de la ciudad / quizá un día nos llevamos bien / creo que tus propuestas estaban envueltas en pena») aunque también mirando al futuro.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘I’ll Be Your Pilot’, ‘The Same Star’
Te gustará si te gusta: el «baroque pop» de los años 60 y ‘The Life Pursuit’ por igual.
Escúchalo: Spotify

Ojete Calor pondrán el punto subnopop a un SanSan que cierra cartel también con The Zombie Kids

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SanSan Festival presenta todos los nombres de su quinta edición, que se celebrará los días 29, 30 y 31 de marzo en Benicàssim, coincidiendo con las vacaciones de Semana Santa. El cartel de estas tres jornadas se completa con Ojete Calor, que presentarán su última colección de canciones subno-pop, ‘Pataky‘; los maestros de la fiesta The Zombie Kids y los diferentes DJ’s de la carpa de Sansito Club, estos son NinhodelosRecaos, DJ Plan B, Ángel Carmona, Las Chillers, Bitches DJ’s, snorquel Dj, Dj Caries, Rocket Dj y Pablo Marmol.

Se cierra así una programación que contará también con la sorprendente presencia de Celtas Cortos, y también con Sidonie, Space Elephants, La M.O.D.A., Despistaos, Juanito Makandé, Sexy Zebras, Iván Ferreiro, Nunatak, Rufus T. Firefly, Muerdo, Los Tikiphantoms, Txarango, Ñeku, Elefantes, Viva Suecia, Varry Brava (foto), Arco, La Sra. Tomasa, Nixon y Meridian, entre otros.

Os recordamos que Sansan Festival contará con zona de acampada ubicada en la zona de Teresetes, junto al casco urbano de Benicàssim, y también se facilita desde la web otras opciones de alojamiento que incluyen check-in bienvenida a la llegada del Festival.

Además, se ofrece la posibilidad de viajar desde Madrid, Barcelona o Valencia desde autobuses oficiales del festival, y una vez en Benicàssim exisitirán los servicios lanzaderas para poder llegar desde el pueblo al Festival y viceversa.

Los abonos están disponibles en estas opciones:

ABONO GENERAL
45,00 € +GG

ABONO VIP
80,00 +GG

ABONO KIDS (De 0 a 10 años incluidos)
10,00 € +GG

ABONO KIDS (De 11 a 15 años incluidos)
30,00 € +GG

Nubla convierte ‘Gloomy Planets’ de The Notwist en una intensa secuela de ‘San Junipero’

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Luciana Carlevaro es una músico barcelonesa que, aunque es muy joven, tiene ya un largo recorrido musical. En su faceta más conocida, incluye tres álbumes de estudio firmados como Nubla. Tras debutar en 2005 con ‘Voayeur’ (sic), en el que equilibraba trip-hop y pop con influencias latinas y jazzies, su segundo disco ‘Una maleta y un perro’ (2008) incluso obtuvo respaldo multinacional. 10 años y un ya lejano tercer disco (‘Saipán’; 2011) después, Nubla vuelve a aparecer en el panorama con un nuevo álbum bajo el brazo, con el que se presenta renovada.

Y esa renovación se plasma, curiosamente, versionando a artistas ajenos. ‘Multiplexpo’, que verá la luz el próximo mes de septiembre, retrata quién es –artísticamente– Carlevaro en este momento a través de nueve canciones de artistas y proyectos tan dispares como Broadcast, Jeanette, Serge Gainsbourg, Lhasa de Sela, George Harrison, Aimee Mann o The Notwist. Un disco en el que ha trabajado codo con codo con Ander Agudo (Rayo-60) y Pol Batlle (Ljubliana & The Seawolf), pero en el que también ha contado con colaboraciones estelares como Carlos Sadness, Steve Smyth, la actriz Irene Montalà o Lluís Gavaldà, que interviene en la adaptación de su propia canción ‘Pantalons curts i els genolls pelats’.

El pasado viernes Nubla presentaba ‘Gloomy Planets’, la primera de estas canciones que marcan su regreso al primer plano de la escena musical, un dueto entre Carlevaro y Batlle que va de lo íntimo a lo expansivo y transporta a un nuevo terreno la canción de los alemanes The Notwist. Y hoy en JENESAISPOP tenemos el privilegio de estrenar su vídeo oficial. Un clip de gran calidad, producido por el estudio creativo Bungalow y dirigido por Ibon Landa, que en cierto modo se recrea en “el colorido mundo ochentero de ‘San Junipero’, el ya mítico episodio de ‘Black Mirror’”. Kira Anzizu y Joan Esteve, los protagonistas, deambulan por un engañoso juego de espejos temporal que confunde tanto como multiplica la gran intensidad emocional de su final.

Fergie, criticada por destrozar el himno nacional americano en el All-Star Game de la NBA

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Este fin de semana se ha celebrado en Los Ángeles una nueva edición de All-Star Game de la NBA, que, como la Super Bowl, incluye interpretación del himno americano previa al partido y actuación musical durante el intermedio. La primera ha corrido a cargo de Fergie y la segunda, de Pharrell y Migos. Pero quien se está llevando todo el protagonismo es la primera, y no para bien.

Fergie ha cantado ‘The Star-Spangled Banner’ en clave de jazz sexy, pero lo que se está llevando más palos no está siendo su inexplicable actuación seductora del himno americano, cual Marilyn Monroe cantando el cumpleaños feliz a Kennedy, sino su exagerada interpretación vocal, que, entre gritos y salidas de tono, ha horrorizado al país. Claramente, la intención de Fergie por presumir de potencia vocal se ha tornado en su contra en una “performance” del “national anthem” torpe, en una actuación que, sumando malas decisiones, podría ser una de las peores de todos los tiempos, como sugiere una tuitera.

Las redes sociales, claro, se han cebado con la actuación de Fergie, dejando memes bastante divertidos, como el que compara su interpretación con un perro aullando. Fergie no ha hecho ninguna declaración al respecto de la polémica, pero como veréis, su actuación ha sido subida al canal oficial de MLG, la cadena que ha emitido el partido, así que le va a ser difícil borrarla de su memoria.

Belle & Sebastian / How to Solve Our Human Problems (Part 1)

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Hubo un tiempo en que los EP’s de Belle & Sebastian eran lo mejor, lo máximo, el culmen de la guayedad. A miles de personas no nos llegaron a su salida, pero el final de los 90 y el principio de los 2000, para muchos, estuvieron ligados al descubrimiento de canciones no contenidas en sus discos como ‘Legal Man’, ‘Take Your Carriage Clock and Shove It’, ‘Dog on Wheels’, ‘Beautiful’, ‘I Love My Car’, ‘Le Pastie De La Bourgeoisie’ o ‘Lazy Line Painter Jane’. El grupo escocés intenta recrear la magia de aquellos tiempos publicando su nuevo disco dividido en 3 EP’s que se han editado escalonados por meses, en diciembre, enero y febrero, bajo el título de ‘How to Solve Our Human Problems’.

El primero de ellos venía presentado por la canción ‘We Were Beautiful’, perteneciente a su vertiente de electrónica desasosegante, que no es fruto de sus últimos experimentos sino también de sus inicios (recordemos ‘Electronic Renaissance’ de ‘Tigermilk’ (1996)). Se trata de una canción sobre el paso del tiempo, en la que se recuerdan tanto la belleza como el sufrimiento de la adolescencia, contraponiéndolos a los sentimientos de la vida adulta. Suena tristón ese «éramos hermosos antes de que pasaran los años», pero suena mejor «éramos hermosos antes de ser sabios», dejando la sensación agridulce de que ambas virtudes no se pueden tener a la vez.

Es una buena canción, aunque algo larga de más debido al reiterado regreso a las incontables estrofas, puentes y outros, y la misma imperfección puede achacarse a la canción que abre, ‘Sweet Dew Lee’, una delicia de pop jazzy sesentero con algo de bossa y también algo de las bandas sonoras más divertidas de los 70 (hay algo de ‘Los Ángeles de Charlie’ por algún lado), en la que no obstante el estribillo no es tan bueno como las estrofas de Stuart. E igualmente algo atolondrada es la electrónica ‘The Girl Doesn’t Get It’, en la que el mito, la falacia de tener que dar con la media naranja -una y nada más- topa con la falacia política («se beneficiarán de la gente / harán del país algo grande otra vez / mientras sean blancos y feos»).

No sé si se entiende el paso de lo concreto a lo general de la banda o nos quedamos como la protagonista de este último título, pero lo seguro es que los textos son lo mejor esta vez, en estas canciones agradables pero olvidables, en la que han descuidado hasta los conceptos: la final ‘Everything Is Now’ se presenta oficialmente como la versión «instrumental» de la canción completa del EP 3 cuando «instrumental», «instrumental» es. La viajera y sesentera ‘Fickle Season’, entonada por la violinista Sarah Martin, puede ser la canción más mona de un disco en el que lo que más poso deja son las letras. Por ahí sí que The Yearning no pueden hacerles sombra. «Las generaciones van pasando / en un abrir y cerrar de ojos», entona Sarah de manera melancólica en su bonita canción-viaje. «No pensé que después de 20 años, estaría justo en el mismo sitio», afirma ‘Sweet Dee Lee’, antes de concluir: «El glamour se apaga a medida que pasa el tiempo». Verdades como puños que en este EP se vuelven un pelín en su contra.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘Fickle Season’, ‘Sweet Dew Lee’
Te gustará si te gustan: los primeros Cardigans, los últimos Belle & Sebastian, las bandas sonoras de los 70 y el folk de los 60
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Así será el sencillo videoclip de ‘Tu canción’ de Amaia y Alfred para Eurovisión

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Amaia Romero, ganadora de Operación Triunfo, y Alfred García, cuarto finalista, representarán a España en el próximo festival de Eurovisión, que se celebra el 12 de mayo en Lisboa, con una canción escogida por voto popular durante el paso de ambos por el concurso, una bonita balada sobre un primer amor titulada ‘Tu canción’.

Los dos cantantes, que son pareja -se han conocido en la Academia-, han grabado este fin de semana el videoclip para esta canción. RTVE ha compartido las primeras imágenes del rodaje, de los que se deduce que el vídeo será sencillo. Presentará a Amaia y Alfred en un único set, cantándose el uno al otro de pie, pero también sentados en sendos sillones de cuero, jugando el uno con el otro. La amiga de Zahara vestirá un vestido vaporoso, mientras Alfred irá más rockero, con una chaqueta de cuero.

Sobre el vídeo, su director Gus Carballo ha dicho que “trata sobre las primeras veces, los primeros encuentros, los primeros amores”. “Es la primera vez que los chicos hacen su videoclip y era muy importante que no perdieran la frescura y la inocencia ni todo lo que tiene que transmitir y lo que están viviendo”, ha apuntado. Por su parte, Alfred ha asegurado que quedará “precioso” y además ha agradecido al equipo y a Amaia por su trabajo en Twitter.

Marta Sánchez canta su propia versión con letra del himno de España

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Marta Sánchez ha celebrado este sábado sus 30 años en la música realizando un concierto en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Por este concierto, Sánchez es hoy trending topic en Twitter, concretamente por una de las canciones que ha interpretado, nada menos que el himno de España, al que ella misma ha añadido texto de su propio puño y letra.

“Vuelvo a casa, a mi amada tierra, la que vio nacer mi corazón”, “rojo, amarillo, colores que brillan en mi corazón”, “grande España, a Dios le doy las gracias por nacer aquí, honrarte hasta el fin” son algunas de las frases del himno de España de Sánchez, cuya letra completa os adjuntamos bajo estas líneas. Cabe recordar que el himno de España, en su estado actual, se compone únicamente de la denominada “marcha real” y por tanto no tiene letra alguna. Algo que Sánchez viene a cambiar. ¿Qué opinarán de su letra el Gobierno, la Monarquía, etc.?

“Vuelvo a casa, a mi amada tierra, la que vio nacer mi corazón aquí
Hoy te canto para decirte cuánto orgullo hay en mí, por eso resistí
Crece mi amor cada vez que me voy, pero no olvides que sin ti no sé vivir

Rojo, amarillo, colores que brillan en mi corazón, y no pido perdón
Grande España, a Dios le doy las gracias por nacer aquí, honrarte hasta el fin
Como tu hija llevaré ese honor, llenar cada rincón con tus rayos de sol

Y si algún día no puedo volver, guárdame un sitio para descansar al fin”

Starcrawler / Starcrawler

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Celebremos el regreso de la teatralidad y la pose en el rock’n’roll. Tras años en que la actitud ceñuda y sobria parecía haberse convertido en la máxima, llegan los imberbes californianos de Starcrawler, comandados por la singular front-woman Arrow DeWilde –ya hemos explicado antes que proviene de una casta artística–. DeWilde, como demostró en el pasado Primavera Club 2017, es el prototipo de animal escénico pese a su corta edad, que se entrega y se transforma en una suerte de remedo de Alice Cooper y Courtney Love, perfecta para el rock de ascendente garajero y punk de singles como ‘Ants’ (aunque se han dado el lujo de prescindir de esta) o ‘I Love L.A.’. Quedaba por ver si esa parafernalia funcionaba igual “bajándoles” del escenario y plasmándola en un álbum de estudio.

Para este debut largo homónimo han confiado en un productor reputado, nada menos que Ryan Adams que, como bien sabemos, de vez en cuando desata su faceta más punk disco de americana a disco de americana. ‘Starcrawler’ suena sucio y ruidoso, como debe, aunque sin enterrar ese punto de glam-rock, psicodelia y blues que asoman en números como la hendrixiana ‘Chicken Woman’ o unas gamberras, –a lo MC5 o Slade– ‘Pussy Tower’ (con sus cómicos grititos), ‘Let Her Be’ o la breve ‘Train’. Pero ‘Starcrawler’ suena también, en muchos momentos, a la manera de entender el pop de Kurt Cobain, que en voz de Arrow rememora, cómo no, a los Hole más festivos, como ‘Full of Pride’ o la citada ‘I Love L.A.’. El grupo de Love emerge de nuevo cuando aflora la melancolía en ‘Tears’, pero estas canciones dejan claro que la rabia y la angustia del grunge va mucho menos de lo que parece con Starcrawler: lo deja claro la veta clásica, un poco The White Stripes, que emerge con los riffazos de guitarra de Henri Cash, amigo de la infancia de Arrow que también comparte protagonismo vocal con ella de cuando en cuando.

‘Starcrawler’ es a la postre un buen debut, con tres o cuatro momentos destacados, pero no lo suficientemente excitante o apabullante como para caer rendidos ante él. Por el momento parece solo una herramienta para poder desplegar su poderío en directo –su gran baza– pero hay que darles tiempo para madurar.

Calificación: 6,9/10
Lo mejor: ‘I Love L.A.’, ‘Let Her Be’, ‘Pussy Tower’, ‘Full of Pride’
Te gustará si te gustan: Hole, The White Stripes, Stooges
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La canción del día: ionnalee monta una rave gótica junto a TR/ST en el hit escondido de su disco, ‘HARVEST’

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ionnalee, el nuevo proyecto de Jonna Lee, integrante junto a Claes Björklund de los fascinantes iamamiwhoami, ha publicado este viernes finalmente su primer disco, ‘EVERYONE AFRAID TO BE FORGOTTEN’, junto a una película de 55 minutos en la que suenan varias canciones incluidas en él, como los singles ‘SAMARITAN’ y ‘GONE’.

Entre las canciones que no aparecen en el filme se encuentra una canción hundida en el “tracklist” del álbum, ‘HARVEST’, pista 14, que sin embargo Spotify ha decidido destacar en su “playlist” de novedades del viernes, y con razón. ‘HARVEST’ es una colaboración con TR/ST, el proyecto de synth-pop gótico liderado por el canadiense Robert Alfons, autor del aclamado ‘TRST’ y recientemente del single ‘Bicep’, y es uno de los hits (en este caso prácticamente escondidos) del disco.

La unión de talentos entre ionnalee y TR/ST se percibe claramente en esta canción de rápidos bpm, en la que la sensibilidad melódica de la primera, definida por su dramatismo y carácter atmosférico, entra en conexión con los ritmos bailables y oscuros del segundo, montando rave gótica como celebrada en la profundidad de un bosque sueco, y que volvería loco a aquel grupo de colegas ciber-góticos que bailaban bajo un túnel en aquel famoso vídeo. De hecho, la sinergia entre Jonna y Robert en ‘HARVEST’ da lugar a una canción que, con otra producción, podría ser de Grimes, otra artista asociada al electro gótico.

“Yo he venido de mi casa”… pros y contras de salir con un músico (2ª parte)

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Primera parte de “pros y contras de salir con un músico”.

Todos los «Yo he venido de mi casa», aquí.
Oli + Glu son la ilustradora Oli, líder de Axolotes Mexicanos, y el músico Gonzalo R. Checa.

Pros y contras de ‘Black Panther’, el superhéroe negro de Marvel

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El inesperado exitazo de ‘Guardianes de la galaxia’ y, sobre todo, ‘Wonder Woman’, ha abierto la puerta a un cine de superhéroes que se aleja, por lo menos en cuanto a los personajes, del modelo estándar. Sin esos precedentes, dudo mucho que un superhéroe negro como ‘Black Panther’ hubiera protagonizado un blockbuster de estas dimensiones (por no hablar de tener un reparto casi exclusivamente afroamericano). Su lugar hubiera sido el de la clase media, el de las “pequeñas” pero muy disfrutables ‘Ant-Man’ o ‘Doctor Strange’. En ese sentido, el valor simbólico de ‘Black Panther’ es indudable. Pero, ¿es suficiente con eso?
Estos son los pros y los contras de la nueva película de Marvel.

Lo mejor de ‘Black Panther’

1. Su irresistible estética afrofuturista. Desde que se presentó el primer avance de la película parecía evidente que el diseño de producción iba a ser uno de los puntos fuertes de ‘Black Panther’. Y así es. El trabajo de la diseñadora de producción Hannah Beachler (‘Moonlight’, ‘Lemonade’) y el de la de vestuario Ruth E. Carter (‘Malcolm X’, ‘Amistad’, ‘Selma’) es excepcional. La variedad de escenarios y tribus que forman la inevitablemente kitsch nación de Wakanda, mezcla de vanguardia tecnológica y cultura ancestral, permite lucirse a las dos creadoras como nunca se había visto en una película de superhéroes. ¿Podría llegar el primer Oscar para Marvel en un apartado diferente al de los efectos visuales?

2. El prólogo y la secuencia de Corea. Son los dos segmentos de ‘Black Panther’ (casi los únicos) donde se aprecia una mayor inventiva estilística. El primero es un deslumbrante prefacio donde se narra la historia de Wakanda a través de un recurso visual sorprendente y, como se verá en los rituales posteriores, lleno de significación: la arena. El segundo es una larga secuencia ambientada en Busan compuesta de dos partes: una virtuosa set-piece de una pelea en el interior de un casino rodada en (falsa) toma única, y una vibrante persecución automovilística, con la música de Kendrick Lamar de fondo, impregnada de un gozoso sentido del humor y la acción.

3. La música de Ludwig Göransson y las canciones de Kendrick Lamar. Aunque en algún momento se escape algún molesto alarido a lo ‘Rey León’, la mezcla entre la música de ritmos africanos de Göransson (con rugidos de percusión que dan ganas de saltar en el cine como un masai) y los tres temazos de Lamar (‘King’s Dead’, ‘Pray for Me’, ‘All the Stars’) funciona de maravilla. Aportan ritmo, potencia dramática y capacidad de evocación. Las tres canciones forman parte de ‘Black Panther: The Album’, el notable disco que ha publicado Lamar inspirándose en la película.

4. Erik Killmonger, uno de los mejores villanos de Marvel. Interpretado por Michael B. Jordan (‘Creed: La leyenda de Rocky’), el antagonista de ‘Black Panther’ tiene todo el carisma, atractivo, complejidad psicológica y profundidad dramática de la que carece un soso y anodino T’Challa (Chadwick Boseman). En realidad, ¿esto es una virtud o más bien un defecto?

Lo peor de ‘Black Panther’

1. El discurso monárquico. ‘Black Panther’ habla sobre conflictos –raciales, políticos- que no se suelen exponer en una película de superhéroes. Pero lo hace sobre la base de una disputa dinástica tan rancia y complaciente (y también aburrida) que haría volverse jacobino hasta a nuestro Felipe de Borbón. ¿No es un poco contradictorio hablar de derechos civiles y utopías sociales desde el solemne trono de una monarquía absolutista? Si por lo menos le hubieran puesto una capa de ironía…

2. La batalla final. A pesar de una feliz idea –la pelea en el túnel donde se van activando y desactivando los superpoderes de los contendientes-, la alargada batalla final parece horneada con el mismo molde que el de todas las películas de Marvel. Toda la emoción, inventiva y fuerza expresiva de la mencionada secuencia de Corea aparecen aquí más desactivadas que los trajes de los protagonistas. Una puesta en escena convencional y unos efectos digitales bastante mejorables logran la que quizá sea una de las batallas multitudinarias peor filmadas en un blockbuster de los últimos años. 7.