Lola Young sigue haciendo ruido con ‘Messy’, tema que recomendamos el pasado año, y que se mantiene una segunda semana en el número 1 de las listas de singles británicas. El pasado 24 de enero, la canción alcanzó la cima de la tabla, impulsada por su primera aparición en el programa de Jimmy Fallon, en el que regaló una espectacular actuación.
Sacada del disco ‘This Wasn’t Meant For You Anyway’, ‘Messy’ fue originalmente lanzada como single el 30 de mayo de 2024. No fue hasta el pasado 13 de diciembre cuando Young se ganó su primera entrada en la lista de singles de Reino Unido, en el número 11. Una semana después, en la víspera de Navidad, llegó al séptimo lugar.
Un mes después, Lola Young se hizo con el número 1 tras una escalada de 11 semanas. Hoy, en Spotify, ‘Messy’ supera en reproducciones a ‘Like Him’, su colaboración con Tyler, the Creator, que siempre está avispado a la hora de descubrir artistas prometedores.
En la portada del nuevo disco de Alba Reche, y en el videoclip de la canción titular, una pareja discute. La cantante desechó una serie de composiciones y empezó de cero al final de una nueva relación, comenzando con ‘Digna de ti’. «Si lo he dado todo, ¿por qué no soy digna de ti? Si lo he dado todo, ¿por qué te alejas de aquí?», se pregunta en esta canción de inspiración acústica, con algún efecto a las voces y algún estallido «Y entenderás que ella nunca será yo, ¡nunca será yo!».
Pese a este exabrupto y al mal momento retratado en cubierta y vídeo, ‘No soy tu hombre’ es un álbum tranquilo. Su cadencia es tan reposada como el de un álbum feliz o como mínimo agridulce de Kings of Convenience. No en vano se ha compuesto en una casa rural de Valencia, «entre cabrillas». Los primeros discos de Zahara y Tulsa podrían ser una referencia también. La artista da con un sonido más folky, acaso más americano, perceptible por ejemplo en la bonita ‘Creí en ti’ y en su sutil crescendo con guitarras eléctricas. Se produce justo cuando la letra pasa de decir «siempre creí en ti» a «me obligaste a creer en mí».
El disco confesional de Alba Reche, pues la artista asegura que ahora es más fiel a la realidad en sus textos, incluye reflexiones sobre la necesidad de tener «menos miedo» (‘Mi casa’), sobre la relación con nuestro cuerpo (‘La mitad’) y relatos de puro costumbrismo (‘Tan guapa’). No incluye tanto hit, en cambio, en un desarrollo que confunde indistintamente singles (‘Todo lo que conozco’) con los que no lo han sido y lo parecen (‘Tal para cual’). Y esto sucede para bien y para mal.
Para mal, porque los álbumes del género agradecen canciones emblemáticas a las que agarrarse. Ya se sabe que cuesta a las baladas triunfar, pero cuando lo hacen es para siempre (Adele, Benson Boone, Bruno Mars). ¿Hay aquí alguna de esas? Para bien, porque ninguna canción te echa del álbum. Productores como Mayo y Tuiste, vatocholo y sobre todo Khotton han ayudado a Alba Reche en este disco intimista y elegante, con bastantes detalles electrónicos, que se aleja del sonido de gente del perfil de Manu Carrasco. Ni rastro de desesperación comercial, ni rastro de featurings, ella sigue su viaje sola como en aquel vídeo de la barca de Caronte.
En un álbum que tendía a lo monotonía, se agradece por tanto el correcto nivel compositivo que dan los puentes y las outros, a menudo dejando lo mejor de cada composición. Los coros al final de ‘Enemigo’, las guitarras eléctricas al término de ‘Tal para cual’, el cambio de acordes -tan clasicote- de ‘Tan guapa’… El álbum habría agradecido más beats como los del final de ‘Todo lo que conozco’. Tras una ruptura que parece convulsa, casi todo suena paradójicamente en su lugar en ‘No soy tu hombre’.
‘Hurry Up Tomorrow‘, el nuevo álbum de The Weeknd, ha llegado dejando varias sorpresas. En primer lugar, la total ausencia del single ‘Dancing In the Flames‘, que Abel Tesfaye ha preferio dejar fuera del repertorio posiblemente a causa de su pobre desempeño comercial. Ha sido un minifracaso para esa fábrica de éxitos llamada Max Martin. En segundo, la duración del álbum -22 cortes, 1 hora y 20 minutos- prácticamente constituye la de un álbum doble.
Que la duración de ‘Hurry Up Tomorrow’ esté justificada terminaremos de averiguarlo con las escuchas. En principio, en el disco conviven temas muy sólidos con otros que lo son menos. Por cada grower tipo ‘Open Hearts’ asoma un tema blandengue como ‘Red Terror’.
A The Weeknd se le escucha muy cómodo asentado en el estilo de synth-pop tenebroso de sus dos trabajos anteriores, ‘Dawn FM‘ (2023) y ‘After Hours‘ (2020), pues no hay que olvidar que ‘Hurry Up Tomorrow’ sirve de cierre para la trilogía. El italo disco está muy presente en estas nuevas producciones, por ejemplo en ‘Without a Warning’, pero Tesfaye no termina de llevar ese sonido y su fórmula más allá de lo conocido, salvo en algún tema contado como ‘Opening Night’. Es hasta gracioso que haya tardado tanto en sacar un tema llamado ‘Drive’.
Algunos cortes serán especialmente comentados por sus colaboraciones. ‘Wake Me Up’ abre el disco sonando a Justice porque está producida por Justice, Lana Del Rey contribuye unos tarareos en ‘The Abyss’ y suma una cuarta colaboración con el canadiense, y los coros de Florence + the Machine son fácilmente audibles en ‘Reflections Laughing’, que, además, cuenta con la participación de Travis Scott. El mismísimo Giorgio Moroder está invitado en ‘Big Sleep’ quizá porque el disco suena mucho al futuro disco que él popularizó.
‘Reflections Laughing’ es uno de los pocos temas más o menos experimentales de ‘Hurry Up Tomorrow’. En contraposición, ‘Open Hearts’ es uno de los bangers, y por tanto nuestra Canción del Día. Por ello, Tesfaye no ha dudado en presentarlo en directo esta noche en el programa de Jimmy Kimmel.
Está por ver si ‘Open Hearts’ logra amasar la barbaridad de streamings logrados por otro de los singles incluidos en este álbum, ‘Timeless‘. Lo que sí consigue ‘Open Hearts’ es tomar la fórmula de ‘Dancing in the Flames’ y mejorarla. Puede que su letra torturada («nunca es fácil enamorarse otra vez, pero tú cubres mis heridas») no sea lo más original que puede firmar Tesfaye en 2025. ¿Pero alguien se atreve a dudar de esta buena producción synthwave y de esta maravillosa melodía?
Un tuit de Madonna sobre Trump ha terminado en portada de medios de todo tipo, de El Diario a El Español, pasando por El País. Quizá porque no hay tantos artistas pronunciándose sobre la gravedad de sus primeras medidas de 2025: la deportación de inmigrantes; la eliminación de la lucha contra el sida en países vulnerables, lo que puede poner en riesgo la salud mundial; la supresión de tratamientos de transición hasta los 19 años. Selena Gomez subía un post llorando a lágrima viva porque no sabía cómo ayudar a los inmigrantes, y después tenía que borrarlo por la presión social.
“Es muy triste ver a nuestro gobierno desmantelando todas las libertades por las que hemos estado luchando y ganando a lo largo de los años”, comentaba Madonna, copando titulares, de Reino Unido a Estados Unidos.
Un par de días después de aparecer en agencias con este tuit, Madonna ha vuelto a la carga, ahora en Instagram. Posteando una foto de su adolescencia, de los días en que llegó a Nueva York, ha concluido: «No tenía ni idea de que un día viviría en un mundo en el que el Fascismo pudiera ser banalizado y la norma». La cantante se refiere, con frustración, al auge de la ultraderecha en todo el mundo.
No tantos medios han recordado que la aversión de Madonna hacia Trump viene de atrás. En su primer mandato participó en un acto feminista en el que llegó a declarar que soñaba con «hacer volar la Casa Blanca» desde que el magnate había llegado al poder. Donald Trump llegó a llamar por ello a la Ciccone «asquerosa«.
Suele pasar desapercibido porque el disco se presentó con un post-reggaeton junto a Maluma, pero en verdad el último disco de Madonna hasta la fecha, ‘Madame X‘, que salió durante el primer mandato de Trump, contenía varios temas que hablaban sobre el auge de la ultraderecha. Una frase del tema feminista ‘Batuka’ parece abiertamente inspirada en Trump («coge a ese viejo y mételo en la cárcel»). ‘Future’ hablaba de cambio climático. ‘God Control’, sobre la posesión de armas. ‘Dark Ballet’, sobre el estigma del VIH y el poder de las redes sociales. ‘Killers Who Are Partying’, sobre la necesidad de apoyar a los más desfavorecidos. El álbum y la gira acababan con ‘I Rise’, puño en alto, sobre la resistencia. Madonna explicaba mientras lo escribía que su disco no iba específicamente sobre Trump porque no sabía «quién gobernaría cuando saliera». Poco imaginaba entonces que volvería al poder, con peores medidas para la comunidad LGTBIQ+ que entonces.
En aquella época, tres periodistas españoles pudimos entrevistar a Madonna en Londres. Mi compañero Pablo Gil de El Mundo le preguntaba si consideraba que «la libertad estaba en peligro» y recuerdo que la cuestión le entusiasmó, pues se extendió especialmente con ella: «Está la libertad personal y la colectiva, y las dos están en peligro. Como comunidad, como grupo, como gente, como sociedad, nuestras libertades están en peligro en todos los sentidos. No debemos dar nada por sentado por lo que hemos conseguido (…) Creo que las libertades nos están siendo arrebatadas de manera sutil, poco a poco y delante de nuestras narices. Da mucho miedo». Puedes recordar su respuesta completa aquí.
It’s so sad to watch our new Government slowly dismantling all the Freedoms we have been fighting for and WON over the years. 🏳️🌈💔 Don’t give up the Fight! pic.twitter.com/6FiziYa2zM
Lola Indigo ofrecerá una de las actuaciones musicales en la 39ª edición de los Goya, que se celebra el sábado 8 de febrero en el Palacio de Exposiciones y Congresos de Granada. Mimi Doblas es de Granada y ha llegado a publicar un trabajo dedicado a su ciudad en el que colaboraba con otros artistas granadinos. ‘GRX‘ puede ser, de hecho, el mejor disco de su carrera, a pesar de ser un EP.
De aquel EP sobresalía el single ‘Yo tengo un novio‘, a todas luces una de las Mejores Canciones de 2024, aunque se publicó originalmente a finales de 2023. Seguro que «yo tengo un novio que me come el coño, me come el coño, me come el coño, me come le coño, me come el coño» no será lo que escuchemos cantar a Lola Indigo en los Goya. Siempre no quedará soñar.
La nota de prensa de Universal añade que «este anuncio ha generado gran expectación entre el público, dado el historial escénico de la artista, que siempre sorprende en sus directos por su detallista y cuidada puesta en escena».
Lola Indigo se encuentra preparando ‘La Bruja, La Niña y El Dragón’, el show que presentará en tres grandes recintos en España este 2025: en el Bernabéu de Madrid el 14 junio (con todo agotado), en La Cartuja de Sevilla el 21 de junio, y en el RCDE de Barcelona el 12 de julio.
El Goya a Mejor canción, este año, se disputa entre Maria Arnal por ‘La virgen roja’, para la serie del mismo nombre; Alondra Bentley & Isaki Lacuesta por ‘Love is the worst’, para ‘Segundo premio’; Valeria Castro por ‘El borde del mundo’, para ‘El 47’, Antón Álvarez y Yerai Cortés por ‘Los Almendros’, para ‘La guitarra flamenca de Yerai Cortés’ y Fernando Velázquez por ‘Show Me’, para ‘Buffalo Kids’.
Hoy 31 de enero se pone a la venta el nuevo álbum de The Weeknd, cuya lanzamiento se aplazó a causa de los incendios en Los Ángeles. Incluye colabo con Lana Del Rey en ‘The Abyss’. También llega al mercado el tercer disco de Amaia. Bonnie ‘Prince’ Billy publica su disco de country y, asimismo, se ponen en circulación nuevos trabajos de Desire, Circa Waves, Vicente Calderón, María Terremoto, Maribou State o Geologist (de Animal Collective) junto a D.S. (siglas de Doug Shaw).
Entre las reediciones que se lanzan hoy destaca la de ‘In Waves‘ de Jamie xx, que incluye colaboración con Erykah Badu.
Al focus track de The Weeknd de hoy, ‘Cry for Me’, que no es el tema más experimental de su disco, se unen, entre los singles destacados de la jornada, los que siguen presentando próximos trabajos de Rigoberta Bandini, JENNIE con Dominic Fike, Miya Folick (en la foto), SAMAMI (con Clairo), Julien Baker y TORRES, Tunde Adebimpe, MØ o Pau Vegas.
Además, esta semana ha conocido varios estrenos, primeros singles que avanzan próximos álbumes de Ghouljaboy, rusowsky, Black Country New Road, El Faro, Sparks, The Kooks, Deafheaven o Alison Krauss & Union Station, que se han reunido después de 14 años. Otro nombre que vuelve es Don Patricio.
Los más de 6.700 suscritos a la playlist «Ready for the Weekend» podéis escuchar, por otro lado, interesantes novedades de Bomba Estéreo, Sunflower Bean, Ouineta, DYLYN, Phoac, Gazella, Fermi con Maria Rodés, Sleigh Bells, Killin’ Cactuz, Gazella, Lucrecia Dalt con David Sylvian, Cat Burns, DEVA, Cheat Codes, Gordi, Pikeras con KICKBOMBO, Stereophonics, Shinova con En Tol Sarmiento, joan, Kaitlin Aurelia Smith o Yawners.
Patti Smith ha sufrido un pequeño percance esta semana actuando en San Paulo, Brasil. El pasado miércoles, mientras Smith recitaba un texto acompañada de la música del grupo berlinés Soundwalk Collective, se mareó y se vio obligada a abandonar el escenario.
Smith ha aclarado en Instagram que sufrió un mareo a causa de sus migrañas pero que no se desmayó, como se ha publicado en varios medios: «Se está contando una historia exagerada en los medios. Simplemente sufrí un mareo después de pasar días con migraña. Tuve un pequeño incidente, me retiré del escenario y volví 10 minutos después, hablé con la gente, aclaré que me encontraba bien y canté ‘Wings’ y ‘Because the Night’. Me atendieron los mejores médicos y me puse bien».
Smith concluye: «Por favor, no deis otra historia por válida. Con todo lo que está pasando en el mundo, este incidente es comprensible y no amerita tanta atención. Gracias a todos por vuestra preocupación pero os aseguro que estoy bien».
Según ha contado esta semana la prensa brasileña, Smith «colapsó» media hora después de salir al escenario, mientras recitaba un texto sobre la crisis climática. Smith fue «trasladada en silla de ruedas a los camerinos» y, después, salió al escenario para disculparse: «Desafortunadamente, me he puesto mala y los médicos me han dicho que no puedo acabar la actuación».
En un comunicado, Soundwalk Collective indicó que Patti Smith «está siendo atendida por los mejores médicos» y que está «tremendamente agradecida por vuestra paciencia y por vuestra misericordia, y manda cariño a todos los que asistieron al recital».
La primera semifinal de Benidorm Fest se saldó sin claro favorito: la mayoría de actuaciones parecía recién salida de una función escolar. Solo el liderazgo en audiencia y los chistes desvergonzados de Inés Hernand, «siempre al borde del despido, siempre cerca del INEM», salvaron la noche. Era imposible que el nivel musical y escenográfico fuera peor, y la segunda semifinal ha salido ganando en comparación, en ese sentido.
El show resultó mucho más entretenido desde que Chenoa abriera con un popurrí de sus éxitos, tan crecida después de su gran actuación en el Brava resurrección en Operación Triunfo. Y hubo un par de actuaciones que, sin abrir una puerta de la victoria para España en Eurovisión, esa que tanto anhelamos desde hace más de 55 años, al menos divirtieron. Fue el caso de DeTeresa, con una especie de chotis o pasodoble muy loco, digno de la deriva de las redes sociales aquí y en el mundo.
DeTeresa, de Madrid, aunó imaginería española hasta el punto de parecer una película de Bigas Luna, solo que con directora mujer o LGTBIQ+. Inclusive: ella misma usó una palabra parecida al pedir el voto. Cantó sobre cuánto prefería la fidelidad de la pena respecto a la de los hombres, sus bailarines resultaron portar un tanga con el nombre de DeTeresa, el mismo que le calzaron a una pelota de fútbol, y al final, se subió a un toro y montó un griterío que la realización debería haber alternado con la cara del jurado internacional, que no en vano enseguida procedió a eliminarla. ‘La pena’ no pintaría mucho en Eurovisión, pero solo Samantha Hudson haciendo ‘Por España’ en prime-time habría servido más coño. Gracias, DeTeresa, por darnos tanto a cambio de tan poco.
Otras fumadas menos estimulantes fueron el «potajito» (sic) de Mel Ömana, con sus partes Nathy Peluso, sus partes Beyoncé y sus partes «se me ha ido ya la mano con los cambios», que en cambio sí convenció a público y jurado. También se llevó el gato al agua por alguna razón J Kbello, a medio camino entre Mónica Naranjo y Chayanne, con más cuerpo de baile que voz y gracia. Quien no logró clasificarse aunque sí lo intentó muy fuerte Carla Frigo, con una puesta en escena ultra sexual en busca de un nuevo chanelazo.
La gran favorita para representar a España en Eurovisión parece hoy por hoy Melody, muy inspirada por Thalía, Gloria Trevi o Alaska. «Se nos ha ido la olla con la puesta en escena», anunció. Y era cierto. Una pena porque la letra de ‘Esa diva’ tenía un mensaje que merecía menos efectos 2005 y menos fallos de sonido. Su presentación es una insistencia en el pasado, pero no parece tener mucha más competencia. ¿Puede ganarle J Kbello? ¿Lachispa? ¿Lucas Bun? ¿Daniela Blasco? Who?
Entre los eliminados, Celine Van Heel llevaba una salsa de corte feminista que se podría haber beneficiado del regreso de este ritmo a las listas, de mano de Bad Bunny. No fue el caso de su puesta en escena, que se quedó en la Gloria Estefan de entre siglos. «¡Votadme, coño, votadme!», se atrevió a exclamar al final, y ese fue el riesgo que se echó de menos en su canción y en su puesta en escena, que por alguna razón llenó de MichaelJacksons y referencias a Marilyn.
Entre las sorpresas de la noche, la balada de Henry Semler, en plano secuencia: una canción bonita post-ruptura llamada simplemente ‘¿No lo ves?’, que ni público ni jurado comprendieron. Y luego está lo del verso suelto de Mawot, una improbable mezcla de Tino Casal, Guille Milkyway, Billy Corgan y Daniela Romo, que parecía estar allí solo para que su hijo le viera por la tele. Al jurado le debió de gustar el uso del italiano en el tema, porque a Italia siempre le va bien en Eurovisión y nos merecemos algo de lo suyo. Aunque es inevitable la pregunta «de dónde sacan a esta gente». Y si esta gente vio la actuación ganadora de Eurovisión 2024. ¿O se quedaron en ‘Dime’ y ‘Europe Is Living a Celebration’?
Marianne Faithfull, intérprete de canciones como ‘As Tears Go By’ o ‘It’s All Over Now Baby Blue’ e icono de la British Invasion durante los años 60, ha fallecido a los 78 años en su casa de Londres. Así lo ha comunicado su portavoz a la prensa británica: “Ha fallecido hoy en paz en Londres, en compañía de su querida familia. La echaremos mucho de menos”.
Faithfull empezó su camino musical tocando en bares, pero su carrera despegó cuando fue descubierta en una fiesta de los Rolling Stones. Su primer single, ‘As Tears Go By’, escrito por Mick Jagger, Keith Richards y su productor, Andrew Loog Oldham, fue una sensación que alcanzó el top 10 en las listas británicas en 1964. También fue conocido su paso por el cine en películas como ‘The Girl On A Motorcycle’ (1968).
La década de los 60 fue próspera para Faithfull, que publicó discos como ‘North Country Maid’ (1966), dándose a conocer también en Estados Unidos; participó en la grabación de ‘Yellow Submarine’ de los Beatles, en la que se la escucha, e inspiró varias canciones de los Rolling Stones a raíz de su mediática relación sentimental con Mick Jagger. Previamente, Faithfull había estado casada con el artista John Dunbar, con el que tuvo su único hijo, Nicholas Dunbar.
La vida de Faithfull tomó un giro brusco durante los años 70. Su ruptura de Jagger y la pérdida de la custodia de su hijo le llevó a intentar suicidarse. Durante dos años, adicta a la heroína y aquejada de anorexia, vivió en las calles de Soho. Su carrera musical no remontó hasta 1979, año en que publicó el disco mejor valorado de su carrera, ‘Broken English‘, inspirado en la moda new wave. Su voz rasposa encandiló a la crítica -a pesar de que era consecuencia de sus adicciones- y el álbum recibió una nominación a los Grammy.
La carrera musical de Faithfull continuó durante las siguientes décadas tomando caminos diversos. Experimentó con el jazz y el blues en su álbum de 1985 ‘Strange Weather’, que dedicó a un novio que se había suicidado, al que conoció durante su estancia en una clínica de desintoxicación. Durante los 90, Faithfull trabajó con Angelo Badalamenti en el álbum ‘A Secret Life’. Y, después, su cartera de colaboraciones es un «quién es quién» de primer nivel.
En 1997, Faithfull publicó su colaboración con Metallica, ‘The Memory Rains’. Después, Faithfull trabajó con Blur, Beck, Billy Corgan y Jarvis Cocker en su álbum de 2002, ‘Kissin Time’, y con PJ Harvey y Nick Cave en su disco de 2005, ‘Before the Poison’, que también contaba con colaboraciones de Damon Albarn o Jon Brion. En 2007, cantó con Patrick Wolf en la maravillosa ‘Magpie’.
En los últimos años de su vida, habían sido noticia tanto sus diversos problemas de salud (un cáncer de mama, una rotura de cadera, su estancia hospitalaria de 22 días a causa de la covid) como su buen gusto a la hora de abordar grabaciones como la de su fantástico álbum de 2014, ‘Give My Love to London‘. Sus dos últimos álbumes, ‘Negative Capability’ -donde volvió a aliarse con Nick Cave en la gran ‘The Gypsy Faerie Queen‘, y ‘She Walks in Beauty’, se publicaron en 2018 y 2021, respectivamente.
Bring Me The Horizon es la última banda en pasar por la serie ‘Spotify Singles’, en la que cada artista entrega una cover y una versión en directo de uno de sus temas. La canción elegida por la banda británica ha sido ‘Wonderwall’ de Oasis, fácilmente una de las más conocidas de la historia. Sorprendentemente, a Liam le ha gustado.
El tono pacífico de la canción original desaparece completamente. La guitarra acústica de Noel Gallagher es sustituida por un riff de heavy metal, insignia de la banda, mientras que la despreocupada voz de Liam se convierte en un festival de gritos, cortesía de Oli Sykes.
La versión tiene todos los ingredientes para que Liam diga barbaridades sobre ella. Menos ha necesitado en otras ocasiones. Sin embargo, para sorpresa de todos, le ha encantado. «I fucking LOVE it», ha escrito en X.
Después, ha respondido a un usuario que había predicho que el vocalista se iba a «enfadar». Liam ha aclarado su postura: «No estoy enfadado, es absolutamente increíble, me ha hecho el día, me voy a ir fuera con mi monopatín, que os den».
Bring Me The Horizon have released an unexpected cover version of Oasis’ classic ‘Wonderwall’
The band surprise dropped the track today (January 29) as part of the Spotify singles series with the artwork seeing them recreate a shot from the original’s music video. pic.twitter.com/SZqlqtURM2
Tres años después de que el vocalista Isaac Wood dejase la banda, Black Country, New Road vuelven con el anuncio de su tercer álbum. ‘Forever Howlong’ saldrá el próximo 4 de abril y el primer single, la tierna ‘Besties’, ya está disponible. Es la primera canción de la banda en la que Georgia Ellery canta en solitario.
‘Besties’ se trata de la canción inicial del disco y, tal y como indica su título, habla de los mejores amigos: «Quiero ver a mi mejor amigo saludándome». En el disco completo, Tyler Hyde y May Kershaw también se ocuparán de las voces principales: «Es muy diferente de ‘Ants From Up There’, por la perspectiva femenina, y la música que hemos hecho lo complementa», cuenta Ellery.
«Después de dos años escribiendo nueva música, lo pasamos muy bien grabando el disco el pasado otoño con el productor James Ford«, cuenta la banda en redes. Ford, que ha colaborado con grupos como Arctic Monkeys, Fontaines D.C. o Depeche Mode, anunció a mediados de mes que había sido diagnosticado con leucemia linfoide aguda y que se encontraba en tratamiento después de «sentirme bastante mal en la víspera de Navidad».
El nuevo álbum llevará a la banda a una gira por el Reino Unido, Irlanda, Estados Unidos y Europa, aunque no pasarán por España.
Tracklist:
1. Besties
2. The Big Spin
3. Socks
4. Salem Sisters
5. Two Horses
6. Mary
7. Happy Birthday
8. For the Cold Country
9. Nancy Tries to Take the Night
10. Forever Howlong
11. Goodbye (Don’t Tell Me)
La música de la película ‘Better Man’, que cuenta los años más tumultuosos de la carrera de Robbie Williams, ha conseguido llegar al número 1 de la lista de discos británica. En Reino Unido, Robbie Williams es Dios y este disco representa su 15º número 1 en esa tabla, la de álbumes. Empata a los Beatles. Si contamos los discos de Take That, podrían sumar 18, 19 o 20, como cuenta la OCC, dependiendo de qué recopilatorios cuentes (en unos sale más, en otros sale menos).
‘Better Man’ ha vendido 43.000 copias en una semana, solo dentro de Reino Unido, la mayoría en CD, 21.000, y en cassette, otras 21.000, esto último a través de dos ediciones. Eso sí, se espera que el disco a duras penas resista en el top 75 en su segunda semana, pues aparece ya en el puesto 69 en las midweeks.
Este otro mal dato está en sintonía con lo que han resultado ser los datos de taquilla de ‘Better Man’. La película costó 110 millones de dólares y va a tener graves problemas para resultar rentable.
En su principal mercado, Reino Unido, únicamente llegó a ser top 5 a su estreno en Navidad, pero luego no se ha mantenido muy bien, y tan solo ha recaudado 6 millones de libras a lo largo de 6 semanas de exhibición. Alguien esperaba que la película fuera un «sleeper» al modo de ‘The Greatest Showman’ del mismo director, Michael Gracey, pero no ha terminado de pasar.
En España, la peli llegaba al top 11 semanal de las más taquilleras según el Ministerio de Cultura, pero abandonaba el top 25 de películas más populares tras tan sólo 3 semanas. Había recaudado en esas 3 semanas un total de 350.000 euros a través de 51.000 espectadores.
Una pena porque el proyecto, con Robbie Williams convertido en mono, era más arriesgado e interesante que este tipo de biopics al uso. ¿Logrará el streaming convertirlo en película de culto, o simplemente caerá en el olvido?
Dani Fernández ha recorrido un largo camino desde su etapa como miembro de Auryn, de la cual habla sin reservas. El cantante y compositor de Ciudad Real es uno de los artistas con más éxito comercial de nuestro país. ‘La Jauría’, su último disco, entró fuerte en las listas, apostando por una mezcla de pop y rock clásico, y llegó al número 1 de la tabla. Después de Charli xcx, Coldplay y Dua Lipa, es el artista de Warner que más triunfa en España, según el último informe de Promusicae.
Con motivo de la celebración de SanSan Festival los próximos 17, 18 y 19 de abril, del cual JENESAISPOP es medio oficial, hablamos con el artista de 33 años sobre su relación con el odio en redes sociales, la gestión del éxito, lo difícil de reinventarse y su contrato con Warner. Además, en Instagram nos cuenta cuáles son sus artistas favoritos del cartel, desde Alcalá Norte a Zahara.
La conversación empieza desde que entra en la habitación de las oficinas de Warner, en The Music Station, con una actitud más que cercana. «A Auryn nos queríais muchísimo en JENESAISPOP. Os sigo desde hace muchos años y me mola mucho lo que transmitís, la verdad», comenta.
Han pasado algunos meses desde el lanzamiento de ‘La Jauría’, y ya se puede ver con algo de perspectiva. ¿Qué significa para ti este disco?
Pues un crecimiento musical bastante grande. A nivel conceptual, representa cómo se siente un artista cuando se expone a nivel musical. Al hacer este disco era: qué es lo que tengo que hacer, qué es lo que voy a hacer, hacia qué público voy, cómo voy a gestionar mi futuro a partir de este tercer disco… Y me di cuenta de que yo mismo tenía más prejuicios e inseguridades que la gente de fuera al escuchar una canción. Muchas veces estaba rayado por cosas externas que no venían a cuento. Llegó un momento en el que me empecé a sentir más a gusto con las canciones que estaba creando y me olvidé de esas inseguridades. En este disco toco los dos palos que más sé hacer: el rock y el pop. Unas tiran más al rock y otras al pop, intentando olvidarme del qué dirán. Como artista, uno no olvida que esto también es un trabajo y ese equilibrio entre profesión y persona es el que tienes que nivelar en tu cabeza, que es lo más difícil.
«En este disco he intentado olvidarme del qué dirán»
Puede que estemos en el momento en el que más difícil es hacer eso, porque con las redes sociales…
Pues sí, tío. Las redes sociales siempre han sido muy negativas para mi salud mental. Creo que me han dado muchas cosas positivas, porque he llegado a mucha gente a través de ellas, pero me afectaba mucho cuando alguien opinaba sin saber. Yo sé que hay otros artistas que cuanto más hate reciben, más ego tienen y más arriba se vienen. Yo, sin embargo, me venía más abajo y me sentía más pequeño. Ahora estoy intentando equilibrar esa parte de sentirme músico, porque al final he estudiado música muchos años, y no sentirme peor artista por la música que hago, o por si sueno o no en la radio.
¿Tienes algún truco o regla que sigas para que no te afecte tanto? No sé si sigues leyendo ese tipo de comentarios o si intentas evitarlos.
A mí me gusta que me digan la verdad. Me gusta que me digan con objetividad lo que piensan, pero con respeto. Sí me gusta leer críticas constructivas y con respeto sobre mi disco, la portada o una canción. Lo hago con mis amigos. Un día, le enseñé una canción a mi amigo Guille y me dijo: “Tío, esta canción es una mierda”. Eso a mí me hace crecer como artista. También me gusta leer si a mis seguidores no les ha llegado tanto un tema. Estamos para mejorar. Lo que no sé llevar y no creo que sepa llevar nunca es la gente que viene a hacer daño gratuitamente. Es como que además les gusta el hecho de que tú te sientas mal. Se nos llena la boca con hablar de salud mental y de que tenemos que ir al psicólogo y somos los primeros que intentamos joder al que tenemos al lado.
«Hay artistas que se vienen arriba con el hate; yo me venía más abajo»
Imagínate que haces un tema y crees que es la mejor canción que has hecho, pero no le gusta ni a tus fans ni a tus amigos. ¿Cómo gestionas eso? ¿Te has visto en esa situación?
Me ha pasado y me siento orgulloso de ello. En el disco hay una canción que se llama ‘La trama principal’, que tira al blues. Cuando se la enseñé al equipo, todos me dijeron que se iba un poco. A mí me parecía buena canción y que tenía un mensaje muy bueno. Hablé con la compañía y dije que la quería sacar, que me gustaba y que habría mucha gente que dirá que le gusta todo menos esta canción. Si me gusta a mí, tengo que seguir adelante con ello. El problema es cuando no me gusta a mí, que también me ha pasado.
Cuando no te gusta, pero al resto del mundo sí.
Exactamente, ese es el problema. Ahora me pasa que hay canciones con las que no conecto y no las quiero hacer en conciertos, pero yo sé que a mi público sí le gustan, entonces tengo ese debate interno de decir: ¿Qué hago? Siento que no voy a ser fiel conmigo mismo, pero también sé que mi público está esperando esta canción.
Tu equipo en Warner, ¿suele tirar por lo que puede ser más comercial?
Al principio, es verdad que Warner me intentaba tirar más a lo comercial. Por ejemplo, me decían que no saliese fumando en los videoclips, que no saliera alcohol, intentando que sea todo lo más blanco posible. Luego ya entendí que yo quiero ser natural y que si me tengo que beber una cerveza en algún momento, pues me la voy a beber. No soy ejemplo de nada. Soy una persona absolutamente normal y sigo viviendo exactamente igual que antes. Lo han ido entendido y cada vez me dejan más hacer mis discos.
Me alegro, porque además ‘La Jauría’ ha sido un éxito gordísimo. No sé si lo esperabas o no.
Nunca te esperas nada. Nos pasó con la gira. Mucha gente no está echando la bronca porque se nos han quedado pequeños los recintos. “Tú podías haber llenado el Palau”. Claro, pero no lo sabía. Tampoco me gusta adelantarme y creerme más de lo que soy. Tomamos nota para lo siguiente. Con las canciones me pasa lo mismo. Me gusta ser lo que soy y no creerme más músico que nadie. Que haya vendido los discos que he vendido, pues yo que sé. Me hizo mucha gracia una publicación que hizo Carolina Durante porque fui número 1 en ventas y ellos fueron segundos: “Vamos a por ti, Dani”. No soy mejor artista por ser el número 1. Debes tener eso en la cabeza y no decirlo con falsa modestia.
¿Pensar eso te ayuda a mantener los pies en el suelo? Es fácil creérselo estando en tu situación.
Me ayuda la gente que tengo a mi alrededor. Me he dado muchas hostias y cuando estaba en mi banda, podía creerme más de lo que soy ahora. Haber estado a punto de arruinarme cuando lo dejé con ellos y volver a empezar haciendo salas de 60 y 100 personas me ha hecho ver que mañana se puede acabar todo esto. En vez de ser número 1, mañana puedo estar en el top 500. Esto puede pasar. Hay muchos artistas y mucha gente, no solo ya en la música, que te dice esto de boquilla, pero yo soy consciente porque me pasó. Dejé de importarle a muchas personas. Gente conocida que me dejaba de seguir en redes porque ya no estaba en lo alto. Estoy intentando disfrutar de esto de una forma natural. A ver qué me depara la vida, ¿sabes?
«En vez de ser número 1, mañana puedo estar en el top 500. Soy consciente porque ya me pasó»
¿Qué es lo que más te costó al reinventarte?
Superar los prejuicios que tenía. No creía que tuviera una propuesta musical interesante. Pensaba que era un estafador. Eso fue lo que más me costó, poder olvidarme de mi etapa en Auryn y poder decir que tengo una propuesta, una banda, un productor, un equipo que me va a ayudar… Muchas veces me olvido de que soy afortunado por dedicarme a lo que me gusta porque esos prejuicios e inseguridades hacen que no disfrutes del momento en el que estás. Hace poco estaba con una chica que está empezando y le dije que tenía envidia sana por poder volver otra vez a crear mi primer disco, porque lo haría de una forma tan diferente… Con los conocimientos que tengo ahora. Hice lo que pude con lo que tenía y eso que yo viví, que también fueron muchas cosas negativas, hay veces que lo echo de menos.
Has conseguido un gran éxito comercial sin buscar el hit. ¿Tú crees que la gente nota eso?
¿Sabes qué pasa? Que para mucha gente parecerá que sí busco el hit. Como sueno en la radio, parece que estoy buscando esa comercialidad. Por ejemplo. Vetusta Morla eran los reyes del indie y llenaban estadios de 40.000 personas. Lo más complicado es gustarse a sí mismo y eso es lo que busco, sobre todo con las rayadas que puedes tener en la cabeza. Cuando vengo a Warner me llaman el antiartista, porque les digo que no quiero ser número 1. Y esto te lo digo con total sinceridad: no quiero ser número 1, no quiero ser una estrella. Yo quiero ser una persona absolutamente normal que hace su trabajo, lo que más le gusta, y que llega a casa y tiene una vida normal con su hija. Con la vida que tuve en su día con mi banda, cuando empecé en solitario me di cuenta de que la felicidad está en otro sitio. Está en poder dedicarte a lo que quieres y luego tener una vida normal.
«Cuando firmé con Warner, yo quería saber cuánto perdían y cuánto ganaban. Me dijeron «no puede ser, eso no se hace». No sé si otros artistas lo harán pero yo, cuando pido un adelanto, yo sé lo que genero»
Si te llaman el antiartista por no querer ser número 1. ¿Qué es para ellos ser artista?
Aquí en Warner se topan con, no sé cuántos artistas tendrán firmados, pero todos vienen a decirles que quieren estar en la radio, que quieren llenar el Wizink (Movistar Arena)… Cuando hicimos la primera vez el Wizink me vinieron y me dijeron: “Tío, que se ha liberado una fecha, que si quieres hacer el Wizink el 29 de diciembre”. Y yo les dije que no, porque no sabía si estaba preparado. No sabía si mi música estaba todavía para ir al Wizink. Le deje a mi representante la responsabilidad, porque confío en él muchísimo. Al final, metimos 12.000 personas y me demostraron que hay veces que yo no sueño alto. Nosotros ya estamos planificando para 2026 y ya tenemos cosas hasta en 2027. A mí, hay veces que me da vértigo. Entonces, es lo que te digo, me llaman cariñosamente el antiartista. Hay una cosa muy interesante y es que, cuando firmé con Warner, les pedí transparencia. Quería saber cuánto se gastaban en mí, porque soy consciente de que esto es un negocio y que están poniendo dinero para que vuelva después. Claro, ellos me dicen que no puede ser, que eso no se hace… Yo quería saber cuánto perdían y cuánto ganaban. No sé si otros artistas lo harán pero yo, cuando pido un adelanto, yo sé lo que genero. Entonces, necesito saber lo que te genero a ti, cuánto estás ganando y cuánto estás apostando, porque a lo mejor estoy haciendo el tonto. O al revés.
Es una petición que no haría un artista novel. Creo que está claro que todo lo malo que te ha pasado también te ha dado mucha experiencia y tablas.
Muchísima. De hecho, muchas veces le he dado alguna chapa a algún compañero más jovencito. En el mundo de la música se mueve mucho dinero y el foco va para los artistas. He visto chavales, sobre todo ahora en lo urbano, que se gana mucho dinero con el streaming, siendo engañados. Ellos sueñan con dedicarse a esto y no se dan cuenta de que a lo mejor la están cagando. No quiero ir de Robin Hood, pero no me gusta ver cómo un chaval que está soñando con eso se pega una hostia, porque yo ya me la di en su día. Así que imagínate, soy un chapas que flipas.
Sabemos que eres muy fan de Supersubmarina. Te vimos sacar a Jaime en el Sonorama del año pasado. No me puedo imaginar lo que significó eso para ti. Cuéntanos cómo se dio y cómo lo recuerdas.
Pues mira, solo pude verles una vez en Cartagena. De esto que vas a ver qué tal el directo, porque hay veces que se te baja un poco, pero me flipó. Cuando tuvieron el accidente, como fan absoluto de Supersubmarina, me llevé un palo. No les conocía de nada, pero yo creo que a su público, lo que le daba Supersubmarina era humanidad. Eran unos chavales normales de Baeza que se subían al escenario y luego se quedaban con la gente de birras. Cuando decidí hacer la versión de Supersubmarina me vinieron a la mente todos los talibanes del indie: “Qué hace este haciendo una versión”. Me armé de valor y justamente el día que saqué el disco murió mi abuelo. Chino y Juanca me mandaron un mensaje diciendo que habían escuchado la versión y que gracias por el cariño y la honestidad y, tío, me levantaron de un momento muy duro. El día del Sonorama, sabía que Jaime había vuelto a tocar la guitarra y se lo pedí, pero nunca pensé que se iba a montar la que se montó. Y surgió ese mismo día. Cuando vi a Jaime pisar las tablas del Sonorama y cómo la gente le aplaudía… No puedo explicar con palabras lo que yo sentí en ese momento.
Estuve ahí y creo que fue uno de los momentos más emocionantes que he vivido en un concierto. La energía era contagiosa.
La música es eso, tío. Vosotros también en JENESAISPOP, que apoyáis todo tipo de artistas, porque es muy fácil apoyar lo que ya está arriba. Y lo que tiene la música es que, cuando hay un momento mágico, da igual si eres fan o si no lo eres. Yo eso lo siento y estoy adicto a ello. Esos momentos previos de salir a tocar, el murmullo de la gente… A veces, voy a ver artistas que no me gustan y digo: «Hostia, qué guapo». Yo no soy fan de C. Tangana, pero la primera vez que fui a verle dije: «¡Guau!». Eso lo tiene solo la música. No hay nada que sea parecido.
Sparks, el original dúo de los hermanos Ron y Russell Mael, ha anunciado su 26º álbum, ‘MAD!’, que se pondrá a la venta en mayo a través de Transgressive Records, solo dos años después del lanzamiento de su último trabajo, ‘The Girl is Crying in Her Latte‘ (2023). Un par de temporadas atrás, Sparks firmaron la banda sonora de la fascinante película ‘Annette‘ (2021).
Sparks presentarán ‘MAD!’ en una gira que pasará por Japón, Reino Unido y Europa en junio y julio. No se ha anunciado cita en España, pero su equipo de prensa aclara que quedan «más fechas por anunciar». ¿Quizá depare alguna sorpresa? En cualquier caso, las entradas para los conciertos confirmados estarán disponibles en preventa a partir el 7 de febrero.
Como si no supiéramos que ellos siempre van a su bola, el primer adelanto de ‘MAD!’ presenta el título de ‘Do Things My Own Way’. La instrumentación se compone de un misterioso cóctel de guitarrazos y descargas eléctricas que traen a la mente el sonido de Suicide. En contraste, una melodía angelical cantada por un coro se hace notar en la última parte de la canción.
En ‘Do Things My Own Way’, Sparks afirman su independencia de diversas maneras: no «siguen consejos», le dicen «no» al Papa e invocan la figura del empresario y magnate estadounidense Howard Hugues, eso sí, llevando zapatillas de baloncesto. Hughes era conocido por su riqueza, su afición a la aviación y su excéntrica personalidad, sobre todo en los últimos años de su vida.
Oficialmente, según la nota de prensa, ‘Do Things My Own Way’ «se muestra como una especie de manifiesto personal y una celebración del libre albedrío». «La canción», continúa el texto, «parece abrazar la idea de tomar decisiones basadas en el propio deseo, sin seguir el camino fácil o convencional que otros podrían dictar». Sigue: «Es una canción que habla sobre la importancia de elegir, sin preocuparse por las presiones externas o las críticas. La banda nunca ha sido conformista, y esta canción parece ser un reflejo de esa filosofía: hacer las cosas a su manera y sin pedir disculpas».
‘The Bad Fire’, el 11º disco de Mogwai, no será uno más en su discografía. El grupo mantiene intacto su estilo, siempre pululando entre la explosión post-rock, la introspección shoegaze, algún gag electrónico… La diferencia aquí la ha marcado la enfermedad de la hija de uno de los autores principales, Barry Burns. Un día la pequeña se cayó, su almohada amaneció ensangrentada y en el hospital le diagnosticaron anemia aplásica. Barry quedó aterrorizado: alguien en su vecindario había fallecido a causa de la misma enfermedad durante su infancia. A partir de ahí, la familia vivió una pesadilla que se extendió durante dos años: quimioterapia, transfusiones y finalmente un trasplante que ha salido bien. Por fortuna, se está recuperando.
Los compañeros de Barry Burns fueron totalmente comprensivos con el multiinstrumentista. Decidieron trabajar en música sin él, desarrollando la continuación de ‘As the Love Continues‘, que recordemos fue el primer número 1 de Mogwai en UK, sin prisa y sin presiones. Cuando pudo incorporarse, Barry hizo su parte en 2 meses en lugar de en 12, como había sucedido con el disco anterior. El resultado es mucho más inspirado por diversos motivos.
Los títulos de Mogwai siempre han sido aleatorios y han contenido mucho humor, pero no podemos esquivar el infierno -el lugar para los malvados- al que apela el título del álbum, ‘The Bad Fire’. Ni tampoco que el tema que lo abre se llame ‘God Gets You Back’, dominado por un arpegio de teclado, tipo banda sonora de thriller. Barry Burns niega toda implicación religiosa en este tema, lo que no podrá negar es que su hija de 7 años escribió su letra sobre Dallas y no respirar «aire extraño» y que, como tal, aparece acreditada: Rosa Burns. De alguna manera, sí es un homenaje a su perseverancia.
Barry Burns también ha escrito el desgarrado tema ‘Hi Chaos’, cuyas guitarras y teclados recuerdan a obras maestras pasadas como ‘Friend of the Night’, así como otros cortes más discretos en intenciones como ‘What Kind of Mix Is This?’ o el final ‘Fact Boy’. Lo que significa que su compañero Stuart Braithwaite ha escrito dos de las mejores composiciones del álbum, en principio ajenas a la enfermedad, o al menos no tan vinculadas a ella.
‘Fanzine Made of Flesh’, escrita por cierto en la casa de Alex Kapranos en Brooklyn, puede guardar relación en unas frases («mi corazón se rompe con cada latido que te pierdes», «hay manera de volver a la vida»), no tanto en su título. Además, Agnes Haus le ha hecho un videoclip que, de manera abstracta y autobiográfica, habla sobre «crecer como no binarix sin saberlo». Lo que más caracteriza el tema es esa guitarra tan David Bowie circa ‘Heroes’ que torna en producción de Daft Punk, rebozada en vocoder. Y ‘Lion Rumpus’ suena absolutamente «heroica» también, superviviente, si queréis, resultando una de las grabaciones más identificables, tarareables, edificantes de Mogwai en sus fantásticos teclados y solos de guitarra.
Al final esto va de sensaciones y son obviamente desoladas las que nos va a dejar un tema llamado «Si te parece que este mundo es malo, deberías ver algunos de los otros». Cuesta imaginar un mundo peor que este, cuando otros grandes del post-rock, Godspeed! You Black Emperor, acaban de titular un álbum con el número de muertos que había en Gaza hace un año. Eran 28.000 entonces, son 45.000 ahora, ojalá sean muy pocos más. ’18 Volcanoes’, en su vertiente más shoegaze, podría contener la idea que nos sirve para aunar cuáles eran esta vez las inspiraciones de Barry y de Stuart: «la esperanza ha llegado otro día más, abrázame fuerte de todas las formas posibles».
En ‘The One that Got Away‘, el sexto y último sencillo extraído de su exitoso segundo álbum, ‘Teenage Dream‘ (2010), Katy Perry recordaba con nostalgia un rollete de adolescencia. En concreto, cantaba sobre un «verano» en que conoció a un muchacho y ambos se enrollaron dentro del coche de él, un «Mustang», mientras «Radiohead» sonaba de fondo.
‘The One that Got Away’ fue el único single de ‘Teenage Dream’ que no llegó al número 1 de la lista de singles de Estados Unidos: se quedó en el 3.
La referencia a Radiohead siempre ha destacado dentro de la letra de ‘The One that Got Away’. Pero la conexión de Katy Perry con la banda de Thom Yorke va más allá.
En una entrevista con Jimmy Kimmel emitida esta noche, Katy Perry ha contado que el segundo concierto al que acudió en su vida fue uno de Radiohead en el Santa Barbara Bowl de Santa Bárbara, California. Perry recuerda que acudió al show con su mejor amiga y que ambas fueron invitadas a entrar en el backstage de Radiohead, pero que el padre de Perry se lo prohibió. «Tenía 13 años, pero parecía que tenía 18; nos invitaron al backstage, pero mi padre, que nos vino a buscar, dijo que ni de coña».
Cuando Kimmel pregunta a la autora de ‘143‘ quién demonios la invitó al backstage de Radiohead cuando esta apenas tenía 13 años, Perry pone mirada sugerente y responde: «El rock n’ roll nos invitó». Perry finalmente regresó a casa después del concierto de Radiohead, avergonzada: «Sentía que había vuelto a primaria».
Perry añade que nunca ha hablado con Thom Yorke ni le ha contado su experiencia en el concierto de Radiohead porque, siempre que le ha visto, se ha «quedado helada». Dice que le parece un artista «increíble».
Curiosamente, los datos de Perry no cuadran. El concierto de Radiohead al que acudió en Santa Bárbara, su ciudad natal, solo puede ser uno de los dos que Radiohead ofrecieron en esa ciudad los días 29 y 30 de junio de 2001. Estos son los primeros conciertos de Radiohead en Santa Bárbara que aparecen registrados en Setlist.fm. Sin embargo, Perry, nacida en 1984, en 2001 cumplía 17 años, no 13, como cuenta en la entrevista. Perry cumplió 13 años en 1997, pero en 1997 Radiohead no dieron ningún concierto en Santa Bárbara. La extensa gira de Radiohead de 1997 incluyó varias paradas en California, pero ninguna en la ciudad natal de Katy Perry.
Tate McRae, una de las últimas sensaciones del pop internacional, prepara el lanzamiento de su próximo álbum, que lleva el extraño título de ‘So Close to What’ y se pone a la venta en menos de un mes, el 21 de febrero. Unos meses después, el 9 de mayo, McRae presentará ‘So Close to What’ en España, en el Palacio Vistalegre de Madrid, dentro de su gira de 2025.
‘So Close to What’ se había presentado hasta ahora con dos sencillos, el exitoso ‘it’s ok i’m ok‘ y ‘two hands’. El tercero está gozando de cierto impacto en las listas, y es la Canción Del Día para hoy jueves.
‘Sports Car’ es la nueva apuesta de Tate McRae por el sonido rítmico y explosivo que caracterizó la segunda época de gloria de Timbaland, la de 2006, año en que produjo discos superventas de Justin Timberlake y Nelly Furtado. ‘Sports Car’ tiene mucho de ‘Loose‘, aunque su gracia es la manera en que logra enganchar a través de un estribillo susurrado.
‘Sports Car’ es un despliegue de sensualidad que se manifiesta no solo a través de la actuación vocal de Tate sino, también, a través de una letra llena de insinuaciones sexuales. ‘Sports Car’ es una oda al sexo sin ataduras, simbolizado a través de la imagen de un «coche deportivo» que lleva a Tate McRae muy lejos, todo lo lejos que desea. Ella se imagina «haciéndolo» en todas partes, en la «esquina de la cama», en «la playa» o incluso ella sola mientras su chico le mira.
Sometida al placer, Tate McRae entrega en ‘Sports Car’ una canción que no tiene nada que envidiar a ‘Greedy‘ y que se está posicionando muy bien en las listas globales: ahora mismo aparece en el puesto 23 de la tabla global de Spotify, casi una semana después de su estreno. Su viralidad en redes, sobre todo en TikTok, está contribuyendo especialmente a su éxito. Con suerte no pasará desapercibido su entretenido videoclip lleno de modelazos y coreografía. Recuerda nuestra entrevista con McRae aquí.
Ghouljaboy, alias del jerezano Jordi Arroyo, es otro de esos artistas que se han hecho un nombre explorando los límites entre diferentes estilos musicales. En discos como ‘El Rascal’ (2020), ‘dreamcore’ (2021) o el reciente ‘OH NO SYZYGY!‘ (2023) han cabido influencias de guitar pop, trap, post-punk, funk, autotune, vaporwave, indie a lo Strokes, largo etcétera. La evolución de Ghouljaboy se explica en su cartera de colaboraciones: él empezó asociado a Yung Beef y, después, terminó colaborando con Depresión Sonora.
En ‘Dante Technicolor’, su nuevo álbum, Ghouljaboy ahondará en un sonido que ya ha explorado en el pasado, la psicodelia, encarnando al personaje que da título al álbum. ‘Dante Technicolor’ se pone a la venta en mayo a través de Mushroom Pillow.
‘Dante’ es el personaje principal de ‘Dante Technicolor’ y titula el primer adelanto del álbum, compuesto por una fusión de baterías industriales y atmósferas opresivas que se arrastran fatigosamente en la grabación. En la segunda parte los ritmos se animan y enervan, asustados por un grito de terror.
El estilo de ‘Dante’, que recuerda al de Yves Tumor y avanza un álbum en el que convivirán sonidos de trip-hop, indie-rock y trap, plasma el estado mental, de nerviosismo y angustia, que experimenta Jordi Arroyo durante un viaje de LSD. Sobre todo, es un estado psíquico de percepción alterada, en el que Ghouljaboy afronta el abismo («sentado al borde de una azotea») mientras le rodea un espacio que «se estira». En el lado más extremo, parece convencerse de su propia inmortalidad: «creo que soy eterno», canta.
PRÓXIMAS FECHAS:
07 JUN, Jerez de la Frontera
20 JUN, Sound Isidro, Madrid
27 JUN, Razzmatazz 3, Barcelona
Festival Río Babel ha revelado la mayor parte de su cartel de 2025, nombrando nuevos cabezas de cartel que se suman a los ya anunciados Cypress Hill, Estopa y Kase.O. JENESAISPOP será medio oficial.
Caravan Palace, Rawayana y Los Amigos Invisibles son los nombres principales que se añaden al 4 de julio. Este día contará con otro headliner aún por anunciar. Madness, Yerai Cortés y Bebe, que celebrará los 20 años de ‘Pafuera telarañas’, se anotan al día 5 de julio.
Además, el 4 de julio contará también con Mr. Kilombo, Reyna Tropical o Ácido Pantera, mientras el 5 de julio acogerá conciertos de Alamedadosoulna, Queralt Lahoz, Griso -en solitario, tras la separación de la banda Arnau Griso-, La Ganga Calé, Sanguijuelas del Guadiana y Swing Original Monks.
La programación de Babel Comedy suma también nuevos nombres, como los de Iggy Rubín o Laura Márquez el 4 de julio, o Ignatius Farray y No Hay Negros en Tíbet el 5 de julio. Dani Mateo finalmente no acudirá a la cita con Río Babel.
En la página web de Festival Río Babel están ya a la venta las entradas tanto individuales como los abonos para ambos días.
Los preocupantes vídeos de Britney Spears con voz aniñada (EuropaFM). Britney Spears alarma a todos sus fans (La Vanguardia). Preocupación por Britney Spears tras su último altercado (ABC). El entorno de Britney Spears hace saltar todas las alarmas (La Razón). Temor por la vida de Britney Spears (ABC). Inquietante video de Britney Spears (Clarín). Britney Spears parece prisionera, fans piden ayuda (MARCA USA).
Los titulares alarmistas se suceden sin parar cada vez que Spears sube un vídeo a Instagram de ella bailando, enseñando un vestido o hablando con acento británico. Las redes se llenan de comentarios señalando su “deteriorado” estado mental y sugiriendo que, quizá, “debería volver a estar tutelada”. De repente, someter a una mujer de 43 años a una tutela parece una buena idea, aunque un juez la haya liberado de una después de 13 años.
Es más alarmante que parece que no hayamos aprendido absolutamente nada en estos años, en los que la importancia de hablar apropiadamente sobre salud mental se ha puesto sobre la mesa. Ni siquiera teniendo como antecedente el caso de Brian Wilson, de los Beach Boys, a quien le tocó vivir en una época muchísimo menos preparada para hablar de estos temas. Pero tampoco el movimiento #FreeBritney parece habernos llevado a hablar de salud mental de forma más humana o empática.
El movimiento #FreeBritney sirvió para liberar a Spears de su tutela, pero a ojos del público sigue siendo una persona “loca”, y una persona loca no debe exponer su locura en redes sociales. La idea es que no está “capacitada” para ser una persona pública o que, directamente, no debería tener acceso a un teléfono móvil. Puede estar loca, sí, pero no hace falta que lo vaya pregonando. No hace falta que explique por qué esta idea es tan absurda y ridícula.
El contenido de Spears en Instagram se compone principalmente de vídeos de ella bailando o paseando modelitos, de recomendaciones de libros o de frases inspiradoras/espirituales. De vez en cuando, sube un vídeo familiar o de ella en un barco, de vacaciones en México o donde sea. A veces publica largas diatribas en las que critica a su familia. Otras veces sus textos parece haberlos escrito otra persona, concretamente su community manager haciéndose pasar ella. Nada que no sea habitual en el mundo de las megaestrellas.
Pero cuando sus vídeos resultan «raros» o “extraños”, su uso de las redes incita a la preocupación. “Saltan las alarmas”, dicen los medios. Su vida “corre peligro”. Irónicamente, también su ausencia de las redes causa preocupación: cabe recordar la vez en que desactivó su cuenta de Instagram -algo que ha hecho repetidas veces- y sus fans tuvieron la ocurrencia de llamar a la policía, preocupados, para que acudiera a su casa a comprobar que se encontraba bien. Spears declaró que la acción de sus fans le había parecido una «invasión».
Cuando Spears cantaba, en 2001, que se sentía ‘Overprotected‘, seguro que no vio venir cuán relevante sonaría su letra en 2024 o 2025. La supuesta protección de fans y medios, que creen velar por su seguridad mental y física, pero cuyo comportamiento revela un profundo capacitismo, se manifiesta en su forma más extrema en la sugerencia -compartida por muchos- de que quizá Spears debería volver a estar sometida a una tutela, que quizá liberarla de ella no fue una buena idea. A pesar, incluso, de lo que ella misma manifestó ante un juez en un audio de 22 minutos que todo el mundo escuchó.
Los vídeos de Spears en Instagram pueden incomodar; su contenido no es corporativo, sus fotos no proceden de sesiones profesionales autofinanciadas o editoriales, sus vídeos no forman parte de ninguna estrategia comercial o promocional, y los filtros que usa son los que mismos que cualquier otra persona. Su comportamiento, en algunos vídeos, puede parecer inusual o incluso «errático». Nada de esto justifica que se la deba privar de su libertad otra vez. Quizá, el problema, es que nos hemos acostumbrado a consumir contenido extremadamente adulterado, que en absoluto muestra la realidad como es.
La realidad de una enfermedad mental es que se puede convivir con ella. Una persona que convive con una enfermedad mental es -en los casos menos extremos- perfectamente capaz de llevar una vida funcional y de tomar las riendas de su vida. Una persona con una enfermedad mental que es una estrella del pop, también. Y podrá necesitar ayuda o cometer errores como cualquier otra persona que no es estrella del pop ni se llama Britney Spears. También es válido que reaccionemos con sorpresa o incomodidad ante sus vídeos; eso no significa que Spears merezca ser reducida a una enfermedad mental que ni siquiera tenemos constancia de que tenga.
Los continuos titulares y comentarios alarmistas sobre los vídeos que publica Spears en Instagram no hacen sino estigmatizar y deshumanizar a las personas que conviven con enfermedades mentales y, peor aún, pueden persuadir a otras de buscar ayuda por miedo a ser ridiculizadas. Al margen de que seamos capaces de ver a Britney Spears como una persona, y no como un producto, Spears tiene derecho a publicar el contenido que quiera, por mucho que nos incomode, sin que nadie tenga que venir a decir que estaba mejor encerrada. Tiene derecho a ser ella misma y ser libre, a la vez.
Julien Baker y TORRES, dos cantautoras muy conocidas en el mundo anglosajón -la primera, sobre todo, por su adhesión al supergrupo Boygenius junto a Phoebe Bridgers y Lucy Dacus; la segunda, por su trabajo en solitario-, han anunciado un álbum conjunto.
‘Send a Prayer My Way’ es un disco de música country producido por Sarah Tudzin de Illuminati Hotties. Como recuerda Stereogum, Baker y TORRES llevan tramando un disco de country conjunto, como mínimo, desde 2016, pero es ahora cuando se ha materializado.
El primer adelanto, ‘Sugar in the Tank’, se puede escuchar desde diciembre, y Baker y TORRES han podido presentarlo en el late night de Jimmy Fallon. Hoy, con el anuncio de ‘Send a Prayer My Way’, se pone en circulación un segundo avance.
‘Sylvia’ es una bonita balada country que demuestra que las armonías vocales de Baker y TORRES funcionan juntas a las mil maravillas. Su letra habla de amor, aunque está inspirada en la perra de TORRES, que se llama Sylvia.
TORRES escribió ‘Sylvia’ después de escuchar ‘Cracker Jack’ de Dolly Parton en la radio. Sylvia era solo una perra de acogida, pero cuando TORRES escuchó esa canción de Parton, rompió a llorar y se dio cuenta de que iba a quedarse con el can. TORRES quiso escribir una balada clásica, de las que suenan en la radio, y dedicarla a «los mejores amigos que una persona puede tener».
«Eres mi música, eres mi inspiración, cantaré durante horas, y escribiré un álbum sobre ti». Esta franqueza marca el camino del tercer álbum de la cantautora Anna B Savage, ‘You & i Are Earth’. «Eres mi música» es una expresión poética extraída del irlandés, «Mo Cheol Thú», que se usa para expresar afecto hacia la persona amada, y que titula una de las pistas incluidas en este disco.
Es un trabajo contento, feliz y tranquilo este ‘You & i are Earth’, porque, en él, Anna B Savage -quien se dio a conocer teloneando a Father John Misty– cuenta que se ha enamorado y ha echado raíces. En Irlanda, para más señas, siendo ella de Londres. A la ciudad de ‘Donegal’, Anna dedica una de las canciones destacadas de este trabajo producido por John ‘Spud’ Murph, valiéndose de un delicado tejido de guitarras acústicas, baterías y dulces percusiones.
A Savage le ha inspirado particularmente la naturaleza de Irlanda, en concreto su «musgo», citado en varias pistas, y la instrumentación de guitarras, cuerdas y vientos exhibe una textura igual de húmeda y tierna que la de esta curiosa planta. Las canciones, modestas y acogedoras, no necesitan sofisticarse en los arreglos. El sonido del mar se cuela en la mezcla de la preciosa primera pista, ‘Talk to Me’, y el mugido de gaviotas introduce ‘Lighthouse’, otra de esas canciones que utilizan el símbolo del faro como metáfora del hogar, de ese lugar al que acudimos a refugiarnos.
De este enfoque naturalista, Anna B Savage extrae curiosos conceptos como el que construye ‘Agnes’, en la que narra una sesión de terapia desde el punto de vista de una persona que en realidad es una planta siendo sembrada. ‘You & i Are Earth’ es -no cabe duda- el álbum más folk de su carrera, incluso desde su mismo título, sacado de una bonita expresión grabada en un plato en el siglo XVI, muy popular en redes durante los últimos años. Un disco publicado en 2019, de Vanessa Rossetto, ya se titulaba así.
Pero tiene especial gracia otra perspectiva, más sincera y biográfica: la de pistas como ‘I Reach You in My Sleep’, en la que Savage cruza sus dos realidades, la íntima y la de personaje público. Aquí, da con una frase que, si se me permite decirlo, habría gustado mucho escribir a Taylor Swift: «Valoras tu privacidad, y nunca me buscas en Google, espero que no te importe estar con una escritora como yo». Quédate con quien te dedique un disco tan bonito como este.
Anna B Savage presentará ‘You & i Are Earth’ en Madrid el 22 de abril de 2025 en la sala Moby Dick y en Barcelona el 24 de abril en el Club Sauvage. En ambas ciudades le acompañará, abriendo los shows, el también cantautor Daudi Matsiko.
Hoy es 29 de enero. Sí, nos está yendo la olla de lo lindo buscando tan pronto como ya el Mejor Álbum de 2025. Tan cierto es esto como que normalmente enero no es tan generoso en discos que den que hablar, y todavía no ha llegado el nuevo de The Weeknd, que lo hará este viernes. Al pelotazo masivo de ‘Debí tirar más fotos’ de Bad Bunny hay que sumar ‘Eusexua’ de FKA twigs. Muy bueno ha de ser 2025 para que no termine en muchísimos tops 10 dentro de 10 meses.
Nuestro Disco de la Semana ha obtenido calificaciones excelentes en diversos medios, como las 5 estrellas del NME o DIY Magazine, y además aspira a ser top 3 en Reino Unido y top 20 en Estados Unidos. En ambos mercados promete ser su mejor marca.
El buen gusto de FKA twigs para producir ya se vio en su debut ‘LP1’. En su segunda obra, ‘Magdalene‘, acentuó a la vez su gusto por lo conceptual y el cuidado de las melodías individuales más allá del conjunto. Siempre con una estética impecable y con una dirección artística sublime, Tahliah Debrett Barnett ha apuntado bien alto como referentes como Björk o Kate Bush. Esta tercera obra puede ser su definitiva si continúa jugando bien sus cartas, o si pasa algo con esa canción junto a North West que tan descolocado ha dejado a su fandom.
En el nuevo capítulo del podcast REVELACIÓN O TIMO debatimos sobre los pros y los contras de esta obra FKA twigs, también sobre sus influencias (de Madonna a la electrónica noventera en general), pasando por la temática entre lo sexual y lo espiritual del disco. Canciones sobre cruising o cuartos oscuros, algunas construidas en deliciosos antros de Praga, sirven a FKA twigs para averiguar quién es y qué parte de sí misma quiere dejar atrás.
El álbum sirve de hecho para huir de una relación de maltrato y una enfermedad recientes, que en varias ocasiones, han llevado a la artista a la prensa rosa. Os recordamos que FKA twigs actúa en el próximo Primavera Sound, ya con entradas y abonos agotados.
Pero también había otros datos interesantes. Datos que no hacen sino confirmar las tendencias que hemos visto en los últimos años: sube el consumo de streaming, de manera masiva, pero no lo suficiente como para compensar lo que se ha perdido en cuanto a ventas de soporte físico.
El streaming representa ya en 2024 el 90% del consumo de música en España. Se han producido más de 98,5 mil millones de escuchas en plataformas digitales de audio, un 13% más que el año anterior. El consumo digital equivaldría a un total de 30 millones de álbumes vendidos (en formato físico o digital), una cifra que queda lejos aún del pico de los 57 millones de álbumes vendidos alcanzados en 2002. Es de hecho poco más de la mitad en un mundo completamente distinto.
Sube el vinilo, pero no lo suficiente
Con este dominio del streaming, insistimos, al 90% del consumo total, no queda más que un 10% para otros soportes. La venta de vinilos continúa en alza y se ha incrementado un 9% en el último año. Pero este dato no sirve para compensar lo que se ha perdido en CD. El formato físico en conjunto cae, de hecho, un 2% respecto a 2023.
Las suscripciones de pago no se terminan de disparar
En España se consume mucha música, y según el informe de la IFPI “Engaging with Music”, en nuestro país el consumo de música está por encima de la media: 22,1 horas a la semana. Sin embargo, el gran problema que se plantea desde la industria es que las suscripciones de pago a los servicios de streaming no se terminan de disparar. Este año suben un 11% y suponen ya un 57% del consumo total de streaming. Pero este porcentaje es muy lejano al 80% que manejan en Francia o Reino Unido. Es decir, en estos países 8 de cada 10 personas pagan por su servicio de streaming, pero en España menos de 6 de cada 10. Y eso produce que los ingresos de la industria española sean más bajos. Desde los tiempos de la piratería, España ha dejado de aparecer entre las 10 industrias musicales más importantes del mundo. Es como si no estuviéramos dispuestos a pagar por algo que podemos obtener gratis: muchos prefieren escuchar los anuncios.
Ausencia de multiplatinos españoles
Otro factor que no apunta Promusicae pero que podría tener alguna relación es la ausencia de superestrellas en España que hayan editado disco a lo largo de 2024. Algunos llegaron solo a finales de año (Quevedo, Dani Martín), no a tiempo de salvar las cifras anuales. Promusicae destaca el amor por la música en español, y de hecho 94 de las 100 canciones más populares en España durante 2024 están en castellano, pero solo en 37 de ellas hay un artista español. Llama la atención que ni la artista que más discos vendió ni la que más reproducciones de un tema produjo sea española. En pocos países ocurre esto. La ausencia de multiplatinos de nuestro propio país, al estilo de Quevedo, Rosalía o C. Tangana durante los años anteriores, tampoco ha debido de hacer gran favor a las cifras globales. En países anglosajones, los discos de diamante de Adele o Taylor Swift sirven para inflar datos (e ingresos).
Ausencia de incentivos fiscales
Finalmente, el Presidente de PROMUSICAE, Antonio Guisasola, pide incentivos fiscales para la música grabada a los poderes públicos. Apela a «la necesidad de apoyar decididamente la producción e inversión que realizan los sellos discográficos españoles, para que los trabajos de los artistas españoles tengan las mayores opciones de promoción y competitividad en el actual ecosistema de la música en español, donde hay tantas oportunidades como retos por afrontar. No tiene sentido que, a día de hoy, no se hayan extendido los beneficios fiscales de los que gozan el resto de industrias culturales a la música grabada».
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