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Julia Holter: «El periodismo es crucial en este momento»

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A finales de enero, Julia Holter pasó por Madrid para promocionar su sexto álbum de estudio, ‘Something in the Room She Moves’. En JENESAISPOP tuvimos la ocasión de hablar con ella sobre este nuevo y excelente trabajo. La artista, pese a estar visiblemente muy cansada por el jet-lag, fue generosa en sus respuestas, hablando pausadamente y tomándose el tiempo necesario en articular bien sus pensamientos. Su presencia es sumamente agradable y cálida, y su capacidad de elaborar argumentos sobre su música es admirable. Si su disco no fuera suficiente para demostrarlo, esta entrevista debería disipar cualquier duda: es una artista en pleno dominio de su arte.

Conversamos sobre la visceralidad de lo corpóreo, lo evocador de la nocturnidad, la sensación líquida de su música y el estado actual del periodismo musical, entre otras muchas cosas.

Empecemos por el título, ‘Something in the Room She Moves’, ¿qué significa para ti?
No sé, creo que es un sentimiento, como gran parte de mi disco. El título surgió cuando estaba nombrando un archivo de proyecto para una de esas canciones, que acabó convirtiéndose en ‘Something in the Room She Moves’ (la canción), y pensé que era divertido. Simplemente me vino y me lo guardé. Después, por alguna razón, nombré así otro archivo donde estaba trabajando en unas letras, así que se volvió como algo importante para mí. Tenía sentido por alguna razón, también tenía un punto que recordaba a los Beatles, así que llamé así al proyecto. Esto fue como en 2020.

Más adelante, los Beatles seguían reapareciendo. Le cantaba canciones de ellos a mi hija, que en ese momento era un bebé, y después vi el documental ‘Get Back’, que me pareció realmente interesante. Me obsesioné un poco… Me encanta la exploración del proceso creativo en ese documental. Además, estaba pensando mucho en el cuerpo. En este disco hay mucho del cuerpo y su sensación, hay movimiento. Simplemente todo encajó para que ese título tuviera sentido. Es un poco aburrido decirlo, pero creo que hay alguna especie de subversión ahí, como que la canción de los Beatles se llama ‘Something’, pero la letra dice “Something in the way she moves”, como si estuvieras observando a alguien. En el título de mi disco le doy la vuelta. Es ella quien está haciendo una acción, como moviendo algo en las habitaciones. Me pareció un buen gesto.

Todos tus discos son como una especie de viaje, pero esa sensación la he tenido aún más todavía con este. Las melodías son desde juguetonas (‘Sun Girl’, ‘Spinning’) a muy misteriosas (‘Meyou’). ¿Cómo empiezas a planear este viaje?
Muchas veces me guío por el sentimiento. Estoy tratando de capturar sobre todo un sentimiento específico, quizás por eso da esa sensación de viaje. Es porque normalmente no tengo estructuras de canciones tradicionales. No suelo trabajar bien con esas estructuras, así que hago las mías… A veces las tengo, no estoy diciendo que siempre sea súper rompedora, pero generalmente me gusta dejarme llevar adónde quiero ir. Probablemente sea eso lo que experimentas. Me gusta que mi música tenga esa sensación de viaje. Muchas de las canciones tratan de capturar un sentimiento concreto, como ‘Sun Girl’, quiero que tenga esa sensación juguetona y que se sienta tangiblemente juguetona o muy visceral. Así que, sí, con este disco esperaba algo así.

Las letras son a menudo bastante crípticas, muchas veces no sé bien de qué hablas pero a la vez son muy expresivas, como que lanzas palabras sueltas por aquí y por allá pero consigues crear un sentimiento. ¿Cómo de importantes son las letras para ti y cómo llegas a ellas?
Suelo trabajar en las letras durante mucho tiempo porque no llego a ellas fácilmente. Los elementos sonoros generalmente llegan primero y luego las palabras se ajustan en ciertos lugares, las moldeo y lleno con palabras y se convierten en algo más claro. Comienzo desde un lugar de desconocimiento y dejo que las cosas surjan, así que, aunque dedico mucho tiempo a mis letras y pienso mucho en ellas, también intento que los momentos reales de creación de las letras me permitan inventarlas y dejar que emerjan del subconsciente o como quieras llamarlo y ver qué son realmente. Esta es la única forma que conozco de escribir letras.

Creo que, si hay una manera correcta, lo que estás describiendo es exactamente la manera correcta. Cuando lees o escuchas las letras, o la música en general porque está unida a las letras, ¿qué te hace sentir? Esa es realmente la clave para mí. También es como, ¿en qué te hace pensar? Pero no estoy tratando realmente de llegar a conceptos específicos de una manera profunda. No estoy tratando de conseguir conceptos, estoy tratando de provocar sentimientos.

¿Hay temas específicos que quieres tratar o surgen naturalmente durante la escritura?

Los temas surgen. Creo que los temas no son algo en lo que piense inicialmente nunca. No impongo temas en mi música, simplemente surgen naturalmente y luego respondo a ellos y tal vez surjan patrones. Si comienza a surgir un patrón, entonces comienzo a responder a ese patrón, y se convierte en algo que tiene vida propia. Pero generalmente no me siento a escribir con un tema en mente de manera directa.

Tu música es muy nocturna. Sueles hablar mucho de la noche, la luz… ¿Por qué es tan fascinante para ti y por qué te inspira tanto?
Me inspiré en un ensayo de Hélène Cixou, ‘Writing Blind’, para eso. Fue como un punto de partida en ciertos aspectos, me resultó muy inspirador. Básicamente, lo que sucede en ese texto, bueno, suceden muchas cosas, pero hay un enfoque en la noche y en la pérdida del sentido visual, en la manera en que el hecho de no poder ver favorece a la imaginación. Para mí, esto tiene que ver con el proceso de creación y lo escurridizos y misteriosos que son. La noche permite este misterio porque no puedes ver, así que tu imaginación es lo que toma más control. No sé si pensé mucho en eso hasta que lo leí, probablemente sí, pero siento que ese texto realmente me inspiró. También estaba leyendo un libro llamado ‘Night‘ de Etel Adnan. Tal vez eso fue lo que estaba pasando. Estaba leyendo muchos textos nocturnos. También es que yo trabajo mucho por la noche, algunas veces mejor que otras, pero trabajo por la noche. A veces es más fácil para mí porque hay muchas distracciones durante el día.

Y tu música es muy onírica también.
Sí, exacto. Me encanta lo misterioso. Me gusta el misterio. Me gusta no saber qué está pasando todo el tiempo.

¿Qué puedes decirme sobre la sugerente portada del álbum?
La portada es de mi amiga Christina Quarles, que ahora es una pintora muy reconocida. Es amiga mía desde la infancia, pero puedo decirte que ha estado haciendo arte desde que teníamos como ocho o siete años y es increíble. La portada es una pintura preexistente suya llamada ‘Wrestling’ que me dejó usar para el disco, lo cual aprecié mucho. Ella a menudo trabaja con figuras, y yo no podía pensar en una forma de capturar lo que quería, y fue cuando pensé en su trabajo.

El cuerpo me pareció una buena forma de capturar lo que estaba intentando transmitir en este disco, que es esta sensación de visceralidad y fragilidad, el latido del corazón y la respiración, y quería sonidos y cosas así… Hay un sonido de ultrasonido… Quería investigar el cuerpo por varias razones. El cuerpo parecía ser el enfoque del disco. En cierto modo, surgió de esa manera y hay muchas razones para ello. En cualquier caso, me estaba costando encontrar la forma de tener una buena representación en la portada del álbum de eso porque no quería que fuera algo desagradable. Seguía pensando que tenía que ser algo realmente visceral pero no quería poner unas entrañas ahí [risas]

Pensé que el trabajo de Christina sería genial porque tiene todas estas figuras y son simplemente tan buenas… Tienen colores muy hermosos y ricos, hay tantas capas… Y, en esta pintura en particular, es como si hubiera dos personas, que tal vez están teniendo relaciones sexuales, o, tal vez, están peleando o luchando. Me encanta las capas que tiene. En este caso, casi claramente hay dos figuras, pero, en otros trabajos suyos, hay múltiples. Son figuras diferentes, están en movimiento y, a menudo, muestra partes del cuerpo, en un lado sexual, pero también sensual… Quería una sensación sensual pero que también pudiera ser violenta o dolorosa. Me encanta la multiplicidad del cuadro porque las figuras casi parecen estar moviéndose en el tiempo. Me encantaron todos estos elementos. También hay otros aspectos de su trabajo (que me interesan), como el hecho que ella es una persona queer y birracial. Obviamente yo no tengo esa experiencia, pero muchas personas sí. Hay tantos elementos de su trabajo que son tan poderosos y que capturan muchas capas que pensé que sería bueno tener su arte en el disco porque me encanta que mi música tenga muchas capas. Veo que hay algunas conexiones ahí.

«si tienes un ecosistema saludable para la música y el periodismo musical, no tendrás problema por que alguien te haga una crítica negativa»

Me gustaría preguntarte por algo un poco personal. Hace no demasiado tiempo perdiste a tu sobrino a una edad muy temprana y también has sido madre. Ambas son experiencias radicalmente opuestas y que te cambian la vida, ¿cómo te han afectado en tu manera de ver el mundo y a la hora de crear?
Creo que este disco se siente como un trabajo de amor en contraposición con… no sé. Hay una frase en una de las canciones que dice «el amor puede ser desgarrador». Y creo que eso no es algo que habría dicho en mis otros discos. Simplemente me siento mucho más directa, más visceral. El amor es difícil y precioso, pero también completamente desgarrador, puede ser terrible y doloroso, pero también puede ayudarte a aprender mucho y puede ser increíble. Mientras que en el pasado tal vez era un poco más romántica o nostálgica. Ahora es como si estuviera dentro del cuerpo, cuando antes estaba fuera.

Todas las canciones del disco son bastante barrocas, pasan muchas cosas, pero hay una de ellas, ‘Materia’, que solo es tu voz y un teclado…
Lo he hecho antes en todos mis discos, pero supongo que este destaca porque está hecha particularmente a flor de piel, supongo. Para esa canción, me pasó eso de que empiezas de cierta manera y luego el resultado te lleva a un lugar diferente. Siempre estoy tratando de trabajar en mi estilo vocal, tratando de cambiar las cosas. A veces la forma en que canto es muy silábica, es decir, canto una nota para cada sílaba. Es como si hablara cantando. Siempre quiero intentar ser más melismática, cantar varias notas para una sílaba [pone el ejemplo cantando]. Intentaba hacer eso en esa canción. Particularmente me inspiró la música medieval de Hildegard von Bingen, que tiene este tipo de melodías saltarinas.

Es como una canción de amor. Me imaginé a una cantante de música antigua haciéndola, como una soprano, pero en cambio la canté yo. Creo que la forma en que la canto es un poco cruda y un poco difícil de escuchar para mí personalmente, pero creo que está bien así. Es difícil de decir, pero sí, simplemente pensé que esa crudeza funcionaba para el contenido de la canción. Además, no siempre quieres tener muchas cosas sucediendo, a veces se necesita tener un poco de contraste entre las canciones. Entonces, tiene sentido que sea más sencilla.

Hablando de referencias medievales, la primera vez que usaste las gaitas fue en ‘Aviary’ y aquí vuelves a ellas brevemente, ¿han llegado a tu música para quedarse?
Sí, en una sola canción: ‘Sun Girl’. Mi marido [el músico Tashi Wada] toca la gaita y me encanta. Adoro la gaita, así que sí, creo que han llegado para quedarse [risas].

Me interesa mucho el sonido de ‘Evening Mood’. Es una de mis favoritas, parece como un sueño. Es como si cada instrumento se transformara en el siguiente que suena, o al menos así es como lo siento yo…
Sí… Con cada canción de este disco, al menos con la mayoría de ellas, tenía en mente un sentimiento. Quería capturar un sentimiento más que nada, y el que quería en esta era la oxitocina, la hormona del amor. Quería capturar la sensación de una oleada de hormona del amor. Esto sucede durante el sexo, pero también durante el parto, pasa todo el tiempo. No son solo cosas intensas como esas, también cuando alguien a quien amas te toca, por ejemplo. Quería capturar la sensación de cercanía y amor en una canción. Y para la producción, me obsesioné con esta idea.

Trabajé mucho en la producción tratando de obtener el sentimiento exacto que quería. También programé percusión para esa canción, aunque Beth [Goodfellow, percusionista en su banda] hace una interpretación muy bonita que hicimos todos juntos en el estudio. Procesé la batería como loca y le puse un plug-in de GRM para hacer que se sintiera como debajo del agua, y luego también usé un ultrasonido de cuando estaba embarazada. Es el sonido de los latidos de un feto, y luego le puse un efecto que causa un sonido como chk-chk-chk que es como un hi-hat. De esta manera creé esa sensación de fluidez, quería esa sensación de estar bajo el agua, tal vez dentro del cuerpo.

Quizá te suena raro, pero el sonido general del álbum es como líquido.
¡Sí!… Qué guay eso.

«La situación de la prensa es bastante mala y lo encuentro muy triste porque personalmente amo lo que hacen los periodistas de música. Los periodistas en general son obviamente cruciales en este momento»

Vi que retuiteaste un comunicado sobre lo que pasó con Pitchfork, que han tenido mucha influencia e impulsado a muchos artistas independientes, ¿cuál es tu opinión sobre lo que ha pasado? ¿y qué piensas sobre la crítica musical? A veces la relación de los artistas con los críticos es complicada…
Es difícil porque creo que a veces hay cierto antagonismo hacia los periodistas. Tienen mucha responsabilidad de hacer las cosas de manera profesional, es decir, asegurarse de verificar los hechos y demás, y a veces los artistas se molestan porque las cosas no son correctas o lo que sea. La cosa es que, si tienes un ecosistema saludable para la música y el periodismo musical, no tendrás problema por que alguien te haga una crítica negativa, porque otra persona hará una positiva.

Pitchfork era uno de los más importantes, obviamente hay muchas publicaciones diferentes, pero en el mundo de la música había esta especie de obsesión con Pitchfork siendo la principal, calificando a los artistas con números y tal. Así que hay esta especie de frustración, pero no es realmente culpa de Pitchfork. Es como, ¿por qué existe esta especie de consolidación? Y creo que todo esto es un asunto corporativo. Es en Estados Unidos principalmente de lo que estoy hablando porque sé que es diferente en otros países, pero creo que hay una situación en la prensa más fuerte aquí, o en Europa en general. En Estados Unidos es realmente difícil: hay tantas huelgas y cosas así. Yo soy de Los Ángeles y en Los Angeles Times, 50 trabajadores fueron despedidos la semana pasada. Así que la situación de la prensa es bastante mala y lo encuentro muy triste porque personalmente amo lo que hacen los periodistas de música, y los periodistas en general son obviamente cruciales en este momento. Tenemos muchos problemas en el mundo y necesitamos periodistas que informen sobre ellos y necesitamos periodistas que informen sobre arte y necesitamos que informen sobre música. Nunca me enfadaría con un periodista por escribir una crítica negativa sobre mi música al menos que fuera algo directamente contra mí. Yo trato de no leer críticas sobre mi música, pero creo que los periodistas necesitan hacer su trabajo y sentirse libres de decir lo que quieran decir siendo profesionales obviamente. Puede que esté divagando, pero me resulta muy triste que todo sea como un asunto corporativo. Cualquier cosa que no esté orientada a ganar toneladas de dinero y beneficios no es útil para una gran corporación que está tomando el control de todas estas revistas. Pitchfork como ejemplo, ya sabes. Ellos reseñan todo tipo de cosas: música pop, cosas más experimentales… especialmente en los últimos 10 años. No soy una experta, pero creo que hay una necesidad real de más escritura sobre música.

Soy parte de UMAW (Músicos Unidos y Trabajadores Aliados), y el tuit que mencionaste fue de ellos. He estado involucrada en este grupo tratando de trabajar en nuevas ideas para el streaming porque la economía del streaming es realmente mala para los artistas. Del mismo modo, intentamos pensar qué hacer con el periodismo. Alguien tendrá que pensar en algo para mejorarlo.

Sí, es un tema complejo, y lo triste es que esto afecta principalmente a nuevos artistas.
Sí, totalmente. Es algo en lo que pienso mucho. Por eso estoy en UMAW, me preocupa. Hay algunas personas que son buenas para tener ideas de cómo mejorar las cosas. Yo no soy realmente muy visionaria en eso, pero quiero ayudar colectivamente a cambiar las cosas.

Para terminar con algo sobre ‘Something in the Room She Moves’, ¿tienes canción favorita?
No lo sé… No sé si tengo una favorita, pero me gustaba mucho escuchar ‘Ocean’, que es instrumental, cuando estaba trabajando en el disco. Me parecía muy terapéutica para el cerebro, como agradable. Las vibraciones que tiene me llegan mucho.

Martin (OT2023) trabajará con Los Javis en ‘Mariliendre’

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Martin Urrutia, sexto finalista de Operación Triunfo 2023, se suma al elenco de ‘Mariliendre’, la nueva serie de Los Javis, confirma FormulaTV. Martin sigue así los pasos de Amaia, Nerea, Raoul o Cristina Rueda, entre otros concursantes de Operación Triunfo que también han trabajado bajo la directriz de Los Javis. En el caso de Amaia y Cristina, haciendo de hermanas en ‘La Mesías‘.

Martin Urrutia ya había expresado su deseo de trabajar con Javier Ambrossi y Javier Calvo durante la visita que estos realizaron a la Academia de Operación Triunfo. «¿Tú quieres ser actor? Pues aquí estamos. Cuando salgas de aquí nos llamas» le contestó Javier Calvo.

Martin ha demostrado en Operación Triunfo ser un talento inclinado a los musicales, por lo que no extraña que Los Javis quieran contar con él en ‘Mariliendre’, que será eso mismo, un musical. FormulaTV confirma, además, que Martin interpretará uno de los «personajes regulares» de la serie.

‘Mariliendre’, creada por Javier Ferreiro (‘Vestidas de azul’), estará protagonizada por Meri Román, una «antigua reina de la noche gay madrileña que, diez años después de alcanzar esa fama, se ha convertido en una diva destronada y atormentada por su pasado», explica el citado medio. «Después de la muerte de su padre, Meri vuelve a contactar con su antiguo séquito, que le ayudará a encauzar su vida echando la vista al mejor momento de su vida.

Los Javis confirman ‘Mariliendre’ mientras siguen con la creación de la próxima serie dedicada a la vida de Tamara Ambar Yurena, ‘Superestar‘, cuyo elenco ya se ha confirmado.

Por su parte, Martin acaba de lanzar el primer single de su carrera, un tema atmosférico y electrónico llamado ‘Rompeolas’ que estará disponible en exclusiva en Amazon Music hasta que se publique oficialmente este viernes en el resto de plataformas.

Tomavistas cierra el cartel de su edición más ambiciosa

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Este martes Tomavistas ha celebrado una fiesta en la Sala El Sol, para recordar a la ciudad que este año estrenan nuevo recinto, con una capacidad más ambiciosa. Tras el paso por el Parque Enrique Tierno Galván e IFEMA, apostarán por La Caja Mágica con un cartel de letras grandes en cuanto a contratación internacional. Este año actuarán en Tomavistas gente como Phoenix, Belle and Sebastian, The Blaze, The Jesus and Mary Chain, Villagers o Dinosaur Jr. Hurray for the Riff Raff, que ha publicado nuestro penúltimo «Disco de la Semana«, al fin actuará en el festival tras la cancelación de hace un par de años. Los Planetas tocarán ‘Super 8’ por su 30º aniversario.

En este evento han actuado Dharmacide como muestra de la supervivencia indie-rock, Pipiolas pasando de la coreografía de «Diazepam» (‘Romancero propio’) al clásico concierto de indie pop, y Cariño como gran cabeza de cartel. Entre el público, las personalidades habituales de la industria independiente y algunos de los artistas confirmados estos u otros años: estaban por allí Carolina Durante. Pero sobre todo las ganas de conocer los últimos detalles en cuanto a nombres y cartel por días.

The Reytons, Hinds, Laetitia Sadier and the Source Ensemble, Los Estanques, Aiko El Grupo, las mismas Pipiolas, Rocío Saiz y Bum Motion Club son las últimas confirmaciones en sumarse a la 8ª edición de Tomavistas.

Además, se comunica ya el cartel por días. El viernes 24 de mayo, la Caja Mágica acogerá los directos de The Blaze, Editors, Los Planetas (30 aniversario «Super 8»), Dinosaur Jr, The Reytons, Dry Cleaning, Joe Goddard, Standstill, Baiuca, Hinds, Bodega, La Luz, Repion, Melenas y Pipiolas.

Y el sábado 25 podremos disfrutar de Phoenix, Belle and Sebastian, The Jesus and Mary Chain, Villagers, Alizzz, Cariño, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Hurray for the Riff Raff, Georgia, Laetitia Sadier & The Source Ensemble, Los Estanques, Aiko El Grupo, Adiós Amores, Rocío Saiz y Bum Motion Club. Tanto abonos como entradas de día están disponibles en la web oficial.

YG Marley, hijo de Lauryn Hill, devuelve el reggae a las listas

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Muy mal lo tienes que hacer para que no te salgan bien las cosas siendo el hijo de Lauryn Hill y el nieto de Bob Marley. Este es el caso de YG Marley, que ha conseguido colar una canción de reggae -la única que tiene- en el puesto 39 del Hot 100. ‘Praise Jah In The Moonlight’ es nuestra Canción del Día.

Esta es la primera canción del género que entra en el Top desde ‘Bam’, la colaboración de Damian Marley y Jay-Z para el álbum de este último, en 2017. YG Marley comienza el tema con un sample de su abuelo, concretamente de la canción ‘Crisis’, y mantiene ese groove durante toda la canción. Junto a unos coros capaces de llenar tus auriculares, Marley se acerca al reggae desde una perspectiva moderna en lo vocal, recordando al rap melódico de Roddy Ricch u otros artistas contemporáneos.

Al mismo tiempo, los temas tratados son de reggae clásico. Marley recuerda que “la libertad es el camino” y advierte sobre aquellos que “intentarán manipularte a través de tus bolsillos”, en determinados momentos de la canción.

La canción se viralizó rápidamente en TikTok el pasado noviembre a raíz de un concierto de Lauryn Hill en el que YG Marley la cantó por primera vez. Un mes después, ya estaba en plataformas de streaming. En poco más de dos meses, el tema ya cuenta con casi 130 millones de reproducciones y no hace más que subir. Así, Joshua Omaru Marley se convierte en el sexto miembro de la familia en aparecer en el Hot 100. No se conoce mucho más, excepto que hay un disco en camino.

Amateur / Impasse

Las canciones de La Buena Vida ya eran nostálgicas cuando sus autores tenían 20 años. Así pues, ¿qué cabía esperar de ellos 30 años después? Deshecho el grupo tras el abandono de la co-líder Irantzu Valencia, la muerte del bajista y co-autor Pedro San Martín, y el penoso maltrato a un catálogo que continúa sin subirse a las plataformas de streaming, lo único que parece quedarnos es Amateur.

En realidad, el tercer co-autor que tuvo el grupo donostiarra, Javier Sánchez, sobrevive ya en la independencia más absoluta a través de AMA. El año pasado publicaron un disco llamado ‘Disociación‘, producido por Joaquín Pascual. Amateur suenan muchísimo más a La Buena Vida, aunque solo sea por la vinculación de los dos miembros que quedan: Mikel Aguirre fue co-líder, voz y autor; Iñaki de Lucas, su más mítico productor.

‘Impasse’ es el segundo disco de Amateur, publicado hasta 7 años después de su debut y 13 años después de aquel accidente de tráfico que traumatizó -si es que no mató- a una escena entera. De aquí a la eternidad, el tiempo vuela, dirían ellos mismos.

La Buena Vida eran tan versátiles como para adaptar a la Velvet, cantar indistintamente sobre bicicletas y los grandes dolores de la vida, descubrir a una generación a Georges Moustaki, sonar a Nick Drake o emular ritmos bossa nova. Ahora que tanto se llevan los ritmos latinos, habría estado bien recuperar esto último, pero Amateur optan por lo que todo el mundo recuerda que era el sonido del grupo, el de su etapa adulta. En joyas como ‘Maneras de quererte’ y en las entrevistas muestran que no han cambiado nada: les obsesiona Neil Young, el último disco que han comprado es el nuevo de los Rolling, el que más anhelan, el nuevo de The Jesus & Mary Chain.

Lo que se traduce en una nueva muestra de pop indie de inspiración sesentera, canción melódica, piano, cuerdas, vientos, una armónica tipo Dylan, medios tiempos y baladas con algún modesto arrebato uptempo, aquí materializado por ‘El marcador’, de tímida -timidísima- vocación social: “de repente soy un pobre desgraciado, de una historia dickensiana en Navidad. Tan desahuciado estoy”.

Es una excepción, si es que lo es en absoluto, porque las letras de Amateur continúan hablándonos del amor que pudo ser y no fue (‘Claro de luna’), del que ocurrió únicamente por accidente por mucho que nos duela (‘Fue una vez’) y del que dejó demasiadas preguntas (‘Jane, dulce Jane’).

Entre algún amago de optimismo con el sello de las composiciones clásicas de Mikel (‘Vendrán días mejores’), las canciones de Amateur nos hacen más pupa cuando parecen una metáfora del trágico destino de La Buena Vida. Un grupo que debería estar en los altares tras haber sido reivindicado por gente como La Oreja de Van Gogh o Amaia, y que permanecerá en el olvido mientras Siesta y los supervivientes de la formación no sepan acordar cómo hacer justicia a su impresionante legado. Es por esto que ‘Duelo sin cumbre’ me suena tan desasosegante. Un tema que nos habla de un “deambular en paz” que aún no ha llegado, de “desandar el camino hacia ningún lugar”, y para el que además han contado con otro gran talento olvidado, Diego Vasallo de Duncan Dhu.

La otra gran colaboración del disco es tan inesperada como Triángulo de Amor Bizarro, ahora compañeros de sello en Mushroom, que pudo reeditar en vinilo los discos de La Buena Vida editados por Sinnamon, y ciertamente Isa Cea hace de Irantzu Valencia. Porque canta, como ella, en masculino, y porque ‘El huerto provenzal’ no es un dúo chico-chica al uso, sino una canción de comeback, ilusionada y propositiva, que trata de animar al público a cantar y bailar. Ojalá Amateur lo consigan desde semejantes anacronismos.

Beyoncé: «‘Cowboy Carter’ no es un álbum de country»

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«Esto no es un álbum de country, esto es un álbum de Beyoncé». A poco más de una semana para el lanzamiento de ‘Cowboy Carter’, Beyoncé ha desvelado la portada de su octavo álbum de estudio y ha hablado sobre el proceso de creación. Supone la segunda entrega de un proyecto de la artista que comenzó hace dos años con ‘Renaissance’.

Para amenizar la espera hasta su publicación el 29 de marzo, Viernes Santo en España, Beyoncé por fin ha presentado oficialmente ‘Cowboy Carter’ en una publicación de Instagram. «Este álbum lleva más de cinco años gestándose. Nació de una experiencia que tuve hace años en la que no me sentí bienvenida… y estaba clarísimo que no lo era. Pero, a raíz de esa experiencia, profundicé en la historia de la música country y estudié nuestro rico archivo musical», escribe la cantante, posiblemente refiriéndose al rechazo que recibió cuando actuó junto a las Chicks en los CMA interpretando ‘Daddy Lessons’.

«Me hace sentir bien ver cómo la música puede unir a tanta gente en todo el mundo, al tiempo que amplifica las voces de algunas de las personas que han dedicado gran parte de su vida a educar sobre nuestra historia musical», continúa Beyoncé. «Las críticas que recibí cuando empecé a trabajar en este género me obligaron a superar las limitaciones que me imponían. Act II es el resultado de desafiarme a mí misma y de tomarme mi tiempo para mezclar géneros y crear este trabajo».

La artista hizo uso de la pasada Super Bowl para publicar dos adelantos del disco: ‘Texas Hold ‘Em’ y ‘16 Carriages’. El primero se ha convertido en un hit absoluto en Estados Unidos, rompiendo numerosos récords desde su lanzamiento. Beyoncé también ha aprovechado para agradecer su éxito: «Me siento honrada de ser la primera mujer negra con un single top 1 en la lista Hot Country Songs. Esto no habría sido posible sin vuestro apoyo. Mi esperanza es que, dentro de unos años, la mención de la raza de un artista, en lo que se refiere al lanzamiento de géneros musicales, sea irrelevante».

Beyoncé todavía no ha anunciado el tracklist, pero se espera que lo haga de manera inminente. Mientras que eso sucede, la cantante ha adelantado que habrá colaboraciones: «Tengo algunas sorpresas en el álbum y he colaborado con algunos artistas brillantes a los que respeto profundamente. Espero que podáis escuchar mi corazón y mi alma, y todo el amor y la pasión que he puesto en cada detalle y en cada sonido».

«Enfoqué este álbum como una continuación de ‘Renaissance’… Espero que esta música sea una experiencia, creando otro viaje en el que puedas cerrar los ojos, empezar desde el principio y no parar nunca. Esto no es un álbum de country, esto es un álbum de Beyoncé. Esto es el Act II COWBOY CARTER, ¡y estoy orgullosa de compartirlo con todos vosotros!», finaliza la artista.

Miley Cyrus será reconocida como «leyenda Disney»

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Kevin Mazur

Miley Cyrus jamás había acumulado tantos reconocimientos como en 2023. El éxito de ‘Flowers’ le permitió añadir a su vitrina dos Grammys y un Brit, siendo la primera vez en su carrera que ganaba los premios más importantes de la industria musical. Ahora, también será honrada por Disney por su trayectoria.

«Ser nombrado ‘leyenda Disney’ es el mayor honor que nuestra compañía puede conceder a alguien, y se encuentra reservado a aquellos cuyo talento y logros les han hecho merecedores de un lugar perdurable en nuestra historia», informa Disney respecto a su premio honorífico. Y ese premio le será concedido a Miley Cyrus el próximo 11 de agosto.

Lo cierto es que la cantante fue catapultada a la fama gracias a su papel como Hannah Montana, que la convirtió en un icono de Disney Channel. La serie se estrenó en marzo de 2006 «con la mayor audiencia para una serie original de Disney Channel, con una media de 4,4 millones de espectadores por episodio». Además, Disney confirma que «un episodio de la serie en 2007 sigue siendo la emisión de una serie por cable más vista de la historia, con 10,7 millones de espectadores».

Miley Cyrus se convertirá en la persona más joven en ser reconocida como leyenda Disney por la compañía. El 11 de agosto ella no será la única que recibirá el estatus, pues también lo harán Colleen Atwood, Angela Bassett, Martha Blanding, James L. Brooks, James Cameron, Jamie Lee Curtis, Steve Ditko, Harrison Ford, Mark Henn, Frank Oz, Kelly Ripa, Joe Rodhe y John Williams.

Gonzy deja a Lola Índigo y Manuel Turizo sin número 1

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Gonzy repite en el número 1 de la lista de singles española gracias a su hit ‘X’CLUSIVO’. El artista, que debutó con la canción hace ocho semanas, se mantiene en el top 1 por segunda semana consecutiva. Y su hazaña es tal que deja a Lola Índigo y Manuel Turizo sin número 1 con sus ‘1000COSAS’.

Lo cierto es que todo apuntaba a que iba a ser la semana de Lola Índigo. La cantante viene de llenar el Bernabéu en apenas unas horas y había conseguido uno de sus mejores debuts en Spotify con su nuevo single ‘1000COSAS’. Sin embargo, probablemente no estaba en las cartas de Lola Índigo y Turizo la tan buena estabilidad de Gonzy con ‘X’CLUSIVO’, que sigue haciendo grandes números ayudado por el remix junto a Saiko y Arcángel y que ya alcanza el estatus de Disco de Platino. ‘1000COSAS’ se queda con el top 2.

Otro trío de artistas que debutan alto esta semana son Morad, Bey JR y RVFV. Lo hacen de la mano de su recién estrenado single, ‘Lo Que Tiene’. La canción acumula cerca de seis millones de reproducciones solo en Spotify y eso le vale para colarse en el top 10 de la lista en séptima posición.

Asimismo, también destaca Ariana Grande debido al lanzamiento de ‘eternal sunshine’, que ha acariciado el top 1 en la lista de álbumes. La artista mete hasta cinco temas del disco dentro del top 100 de España, con ‘we can’t be friends’ (#21) en el puesto más alto. Le siguen ‘yes, and?’ (#54), ‘bye’ (#91), ‘supernatural’ (#92) y ‘the boy is mine’ (#99).

En cuanto al resto de entradas, encontramos a Cyril Kamer con ‘Thalía’ (#56), Yandel y Saiko de la mano de su colaboración ‘Caserio’ (#57), Cris MJ y Dei V con ‘Diabólica’ (#61), el hit internacional de Djo ‘End of Beggining’ (#78) y Young Miko con su ‘curita’ (#94).






Sufjan Stevens, a Broadway con el musical de ‘Illinoise’

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Sufjan Stevens viene de firmar uno de los mejores discos de 2023 para JENESAISPOP, ‘Javelin’. Sin embargo, su décimo álbum de estudio no está ahora en la cabeza del artista. Sufjan Stevens planea hacer presencia en Broadway con ‘Illinoise’, musical basado en el disco homónimo del cantante, para esta misma primavera.

El primer espectáculo de ‘Illinoise’ se representará el 24 de abril en el Teatro Saint James de Nueva York. Desde entonces, el musical se celebrará hasta el 10 de agosto, que es la última noche prevista. Ambientado en el álbum de Stevens de 2005, la obra girará en torno a un grupo de excursionistas que se reúnen alrededor de una hoguera para contar sus historias.

«Este proyecto lleva rondando por mi cabeza casi 20 años, lo que hace que este momento sea aún más bonito», ha comentado Justin Peck, coreógrafo de ‘Illinoise’ que trabajó previamente en ‘West Side Story’ o ‘Carousel’. «Nos sentimos afortunados de poder seguir compartiendo este espectáculo único con el futuro público de Broadway. En nombre de mi equipo, acogemos esta rara oportunidad con el corazón lleno».

Por otro lado, será Timo Andres, frecuente colaborador de Sufjan Stevens, quien compondrá ‘Illinoise’, que no tiene diálogos y es interpretado por una banda de 11 miembros y tres vocalistas. El musical se traslada a Broadway tras dos producciones con todas las entradas agotadas en el Park Avenue Armory y el Chicago Shakespeare Theater.

John Grant anuncia ‘The Art Of The Lie’, su nuevo disco

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John Grant no ha tenido tiempo que perder desde que el año pasado publicara ‘Yawning Abyss’ junto a Creep Show. El artista ha pasado este último año escuchando a Dead Can Dance, Cocteau Twins y Laurie Anderson para la creación de su próximo trabajo discográfico: ‘The Art Of The Lie’.

El nuevo disco de John Grant se publica el 14 de junio y está compuesto por un total de 11 canciones. Su mayor fuente de inspiración han sido los cantantes anteriormente mencionados, que lo han vuelto a llevar al estudio. «Hay mucho humor en su música, pero también eran serios como un ataque al corazón», afirma.

Eso mismo se refleja en la curiosísima ‘It’s A Bitch’, que ya está disponible en plataformas digitales y cuyo sonido está acompañado de sintetizadores y una letra bastante irónica. «Fue una pasada hacer este tema, que trata de divertirse con las palabras, los teclados, los ritmos y las líneas de bajo, y también de burlarse del malestar post-COVID», ha comentado sobre la composición.

Según John Grant, la vida «va de estar en un taxi, la situación más normal del mundo, y ver pasar la grandeza, el peso y la majestuosidad de una gran ciudad, contemplándola con asombro». «Me fascina la capacidad de captar lo que realmente se siente al ser humano», confiesa el artista, que ya prepara una gira para Reino Unido el próximo verano.

Este es el tracklist de ‘The Art Of The Lie’:
1. All That School For Nothing
2. Marbles
3. Father
4. Mother And Son
5. Twistin Scriptures
6. Meek AF
7. It’s A Bitch
8. Daddy
9. The Child Catcher
10. Laura Lou
11. Zeitgeist

Justin Timberlake / Everything I Thought it Was

El nuevo disco de Justin Timberlake es muchas cosas a la vez. Es ameno. Es largo. En ocasiones es hasta atrevido. En el mejor de los casos, es entretenido y, en el peor, aburrido. Lo seguro es que el contenido de ‘Everything I Thought it Was’ no invita ni a defender apasionadamente a Justin Timberlake de sus «haters» -y en los últimos ha reunido a un ejército de ellos- ni a criticarlo con avaricia.

Justin tenía material del que escribir. Su imagen pública ha quedado seriamente erosionada en una época en que la conciencia feminista obliga a revisar actitudes que antes eran normales pero hoy merecen ser reprobadas (él sigue colgando carteles de todo agotado en sus conciertos, cancelado no está). Sus disculpas han llegado tarde y mal y no han dado ganas de tomárselas en serio. Saliéndose del guion, él ha retado a los críticos espetando en medio de un concierto que no va a pedir perdón “a nadie”.

En este contexto, ‘Everything I Thought it Was’ llega para corregir daños. Concretamente, el ocasionado por ‘Man of the Woods’, un disco que, publicado en 2018, ni público ni crítica recibieron con entusiasmo. Pero, sobre todo, el disco de Justin trata de evitar desde el principio que cualquier daño pueda ocurrir. Es un disco escrito con un plan de prevención de riesgos sobre la mesa. Justin no defiende su honor, menudo error habría sido ese, sino que recurre a unas letras impersonales y formuleras que podría cantar cualquiera. Las canciones juegan sobre seguro. Y este hecho, viniendo del autor de ‘FutureSex/LoveSounds’ (2006), invita necesariamente a la decepción.

Las canciones de Justin no tienen que ser vanguardistas por defecto. Aunque, históricamente, han sido las mejores. Pero ‘Selfish’ es un single estupendo que, en una línea R&B-pop blandito y mono, ni necesita a Timbaland ni se merecía el fracaso estrepitoso que ha acabado protagonizando en listas. Aunque, quizá, Timberlake se lo ha buscado él solo firmando una letra que parece sacada de otro tiempo.

En el marco en que ‘Everything I Thought it Was’ busca ser todo lo digerible posible, las canciones que contiene se suceden en todo momento amables y correctas. Cuando se ponen bailables siguen exhibiendo el buen hacer de Timberlake para los ganchos pop. Sucede en el «late nite disco» de ‘Fuckin’ Up the Disco’, en el funky ‘Play’, un buen homenaje a Prince animado con trompetas, o en ‘Imagination’, que, en un estilo de disco-pop inofensivo a lo Lizzo, efectivamente sabe a “nube de azúcar”. Claro que, para llegar a saborear este caramelo, hay que recorrer un largo bosque.

El camino de ‘Everything I Thought it Was’ se embarra demasiado pronto. Las canciones, aunque escritas con suma profesionalidad, suenan cohibidas, encorsetadas, incluso cuando su intención es la de sacarte a la pista de baile. El nu-disco de ‘No Angels’ debería ser más divertido de lo que es, pero tanto composición como letra (“you got that somethin’ new / that sexy attitude”) suenan a cliché. A ‘My Favorite Drug’ le sobra ‘Trollz‘ y le faltan drogas. ‘Infinity Sex’ tiene más de lo primero que de lo segundo.

En otras pistas, Justin, como si en seis años de retiro discográfico no hubiera podido hacer acopio de ideas, no duda en copiarse a sí mismo. ‘No Angels’ sorprende -para bien- incorporando una coda de inspiración Timbalandesca que no esperas. Pero, aunque ‘Drown’ es un buen tema, es solo la sombra de ‘Mirrors’. Y ‘Technicolor’ se extiende hasta los siete minutos sin ni remotamente igualar la magia de ‘The 20/20 Experience’, el último disco realmente visionario de Timberlake.

El mayor delito de las canciones de ‘Everything I Thought it Was’ no es que recurran a ideas pasadas, sino que durante un gran tramo del disco la llanura de las melodías hace que el disco quede desprovisto de toda adrenalina. ‘Love & War’ es la típica balada ladrillo, y ni siquiera cuando Justin experimenta con el afrobeat (‘Liar’) o con el rock llenaestadios (‘Sanctified’), las canciones hace que salten chispas. Después, ‘Paradise’, la colaboración con *N SYNC, es más blanda que el pan de molde.

En ocasiones el disco sí arriesga un poco. Timberlake podría haber grabado un repertorio de canciones cortas y tiktokteras, pero en absoluto es este el caso de ‘Everything I Thought it Was’. Sin Timbaland produciendo todo, Justin -como hace en ‘No Angels’- se sigue atreviendo a extender minutajes y a explorar los diferentes caminos a las que sus canciones le llevan. El disco se abre con ‘Memphis’, un slow jam lleno de distorsiones vocales, y ‘Flame’ va más allá de lo que imaginas. No transgrede, pero sí rompe su propio esquema. Esto es algo que la mayor parte de ‘Everything I Thought it Was’ parece evitar a toda costa.

«No me avergüenzo de mi rabia»: 5 canciones de Deap Vally

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Deap Vally, el dúo de rock ‘n roll de Los Ángeles formado por Lindsey Troy y Julie Edwards, se despide de los escenarios con una gira que le traerá a España la próxima semana. Deap Vally estará presentando la reedición de su debut de 2013 ‘Sistrionix’, primero el día 21 de mayo en La Boite de Madrid y, después, el 22 de mayo en la Sala Razzmatazz de Barcelona.

Desde su formación en 2011, Deap Vally ha publicado cuatro álbumes de estudio y su sonido de rock robusto y primitivo le ha llevado a girar por todo el mundo. Las voces agrietadas de Lindsey y Julie y sus despiadadas guitarras eléctricas han conquistado a algunas de las bandas de rock más grandes que pueden venir a la mente: Blondie, Garbage o Marilyn Manson se encuentran entre las bandas a las que Deap Vally ha teloneado.

Además de ‘Sistrionix‘ (2013), ‘Femejism’ (2016) y ‘Marriage’ (2021), Deap Vally ha lanzado un disco colaborativo con Flaming Lips, ‘Dead Lips’ (2020), y ha creado alianzas musicales con otros artistas como KT Tunstall o Jamie Hince. Ahora, el grupo se despide de la industria musical porque asegura que el sistema es «incompatible» con sus vidas actuales. Con motivo del paso de Deap Vally por España recordamos cinco de sus canciones más emblemáticas.

Baby I Call Hell
Guitarras pesadas como el acero, coros «oh oh oh» y voces arrugadas a lo Janis Joplin en el que ha pasado a la historia como el gran himno de Deap Vally. «Lo que llamas amor, yo lo llamo infierno, más te vale tratar bien a esta mujer» es el canto de Deap Vally contra el amor tóxico.

Royal Jelly
En el tema que abre ‘Femejism’, Deap Vally entrega su propio ‘Work Bitch’ cambiando los sintetizadores por guitarras y percusiones blues-rock más densas que un pantano. «Si quieres ser la reina, tienes que hacer la miel, si quieres ser la princesa, más te vale empezar a currar» es su mensaje.

End of the World
A los artistas les encanta apelar al fin del mundo. Lo han hecho desde Skeeter Davis hasta, últimamente, Ariana Grande. También Deap Vally ha utilizado este recurso para transmitir un mensaje positivista: «Hay demasiado odio, tómate un respiro, deja que el amor te ilumine» canta el dúo en esta composición que pasa de la rigidez mecánica a la libertad.

Bring it On
En este single suelto de 2018 que ha terminado siendo uno de sus temas más escuchados, Deap Vally se pone desafiante cantando que «no me importa de dónde vengas ni a dónde vayas, voy a ponerte en tu sitio, no me puedes parar». Con una percusión que pisa fuerte y una instrumentación de rock n’ roll vertebral y pura, el dúo cumple su promesa.

Smile More
Contra el manido mensaje «sonríe que estás más guapa», Deap Vally contesta que no debe a nadie ni una sonrisa ni mucho menos un ideal de perfección. «No me avergüenzo de mi peso, no me avergüenzo de mi rabia, no me avergüenzo de mi edad, no me avergüenzo de mi vida sexual», canta. «Aunque podría ser mejor» apunta a continuación el grupo. Lindsay y Julie, que se separan, entre otras cosas, para poder dedicar tiempo a la maternidad, buscan como todo el mundo el amor pero, mientras llega, no renuncian a la diversión.

Por qué amamos a Ariana Grande

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Ariana Grande es responsable de uno de los lanzamientos más esperados de 2024. Dedicamos el nuevo episodio de REVELACIÓN O TIMO, el podcast de JENESAISPOP, a decidir si ‘eternal sunshine‘ es desde ya uno de los mejores discos de 2024 o en cierta medida, una pequeña decepción. Tenemos argumentos a favor y en contra porque por un lado pasaremos la temporada primavera-verano escuchándolo, y por otro, cabía pedir algo más después de 4 años de espera para el que es ya su 7º disco.

Precisamente dedicamos la segunda parte del podcast a repasar rápidamente la carrera de Ariana Grande, yendo desde este nuevo álbum hacia atrás. Nos centramos en sus mejores discos, ‘thank u next‘ y ‘Sweetener‘, pero también hablamos largo y tendido del punto de inflexión que supuso el tercero, ‘Dangerous Woman‘ o incluso el segundo. ‘My Everything‘ ya quería abrirse al pop más de lo que lo había hecho su debut.

Hablando de puntos de inflexión, no podemos pasar por alto la vida personal de Ariana, por lo que ha representado de cara a su carrera artística. El atentado de Manchester al término de un concierto suyo, en el que murieron 22 personas, y el modo en que lo afrontó en ‘No Tears Left to Cry’; y el modo en que afrontó también la muerte de su ex pareja, Mac Miller, han sido decisivos en su carrera.

‘thank u next’ aparece en el libro editado por JENESAISPOP ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XXI’. Solo esta semana podéis comprar en nuestra tienda online usando el código descuento THANKUNEXT.

Alba Morena trabaja, luego existe, en ‘Yo te quiero pero’

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Alba Morena, la cantante y compositora autora de ‘Nadie‘, una de las mejores canciones de 2023, sigue dando pasos adelante en su carrera. Esta semana, Morena ha publicado su primer lanzamiento bajo el paraguas de Universal, el epé ‘Yo te quiero pero’, compuesto por cinco cortes.

En ‘Yo te quiero pero’, Alba Morena refina su propuesta de pop electrónico y la esculpe hasta dar con su forma más pura y esbelta. Esto es evidente en el corte titular, en el que la imponente voz de Alba Morena -fácilmente imaginable en contextos más folclóricos o tradicionales- y la producción electrónica de goma o tipo «glitch» se unen en perfecta armonía.

El «pero» al que alude Alba Morena no es otro que el trabajo. La frase termina «yo te quiero pero tengo que producir». En la canción, la de Salou cuenta que la productividad la consume, hasta el punto de no poder dedicar tiempo a la persona amada.

Equiparando «tiempo ocupado» con «ansiedad», como si una cosa no pudiera existir sin la otra, Alba Morena reflexiona en ‘Yo te quiero pero’ sobre la cantidad de tiempo dedicada al trabajo. Incluso sugiere que la necesidad de ser productiva le impide tomar decisiones personales importantes, las cuales pasan a un segundo plano, a un nivel menos prioritario. «No nos precipitemos», canta, que «aún queda mucho trabajo».

En medio de la locura de «fichas, notas, partituras» y «Whatssaps» de «qué tal ha ido tu semana», Alba Morena construye una canción que hace cosquillas y da para pensar al mismo tiempo. Ella, al menos, ve un pequeño rayo de luz que la ayuda a imaginar otra realidad: «Tomémonos un tiempo de autocuidado», sugiere.

Os recordamos que Alba Morena es una de las artistas confirmadas en el cartel de Sound Isidro 2024.

10 joyas de SanSan para descubrir antes de que Inés Hernand pete la carpa

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Quedan apenas unos días para que se celebre en Benicàssim una nueva edición de SanSan, marcando el inicio de la temporada festivalera. Los días 28, 29 y 30 de marzo SanSan acogerá a los cabezas de cartel internacionales Two Door Cinema Club y reunirá en un mismo cartel a grupazos nacionales del tamaño de Amaral, La Oreja de Van Gogh, Vetusta Morla, La Casa Azul o Viva Suecia. Igualmente imperdible es la apuesta de SanSan por el talento emergente o por los grupos transatlánticos más desconocidos en nuestro país. En este artículo repasamos 10 joyas perdidas de SanSan 2024 que tampoco Inés Hernand -confirmada como DJ- se debería perder. Las entradas siguen disponibles.

Peces Raros
Aunque en España el nombre de Peces Raros no suena demasiado familiar, el dúo de Argentina compuesto por Lucio Consolo y Marco Viera suma ya varios singles con cientos de millones de streamings, entre ellos su colaboración la superestrella Trueno. SanSan ofrece una oportunidad ideal de descubrir en directo el rock electrónico de este grupo que, con la pegada de temas como ‘No van a parar’ o ‘Cicuta’, no ha parado de subir. Y más que debería.

Natalia Lacunza
Una de las carreras más interesantes surgidas de la nueva oleada de Operación Triunfo es la de Natalia Lacunza. ‘Tiene que ser para mí’, un disco de pop soft, elaborado con todo el mimo del mundo, fue uno de los mejores de 2022, y el epé que Lacunza acaba de publicar, ‘DURO’, vuelve a ser igual de recomendable, esta vez partiendo de un estilo que bordea el hyperpop, a su manera.

Morreo
El dúo de Germán y Joseca ha despuntado en los últimos tiempos labrando una agradecida mezcla de influencias psicodélicas y castizas. En su debut, ‘Fiesta nacional’, se hacían paso himnos como ‘Pesadilla pop’ y, después, en el segundo, ‘Alegría’, el grupo entregaba posiblemente su mejor canción, ‘Mambo’. Últimamente su versión de ‘Las 12’ de Ana Mena ha seguido enriqueciendo su repertorio.

Travis Birds
La inconfundible propuesta de Travis Birds, con ecos a Estopa o Bebe, ha culminado estos meses en el lanzamiento de ‘Perreo Deseo’, su fantástico último trabajo. En el repertorio de este disco, las canciones pueden ser tan impredecibles como ‘A veces sueño’ o ajustarse tan bien al contexto post-‘El Madrileño’ como ‘A mis aires’. Ni remotamente su colaboración con Joaquín Sabina es lo más interesante que ha grabado.

La Paloma
Que La Paloma es uno de los grupos punk clave del momento es evidente en la pegada de sus mejores himnos. ‘La edad que tengo’, el último de ellos, es implacable. ‘Bravo Murillo’, por ahora, su obra maestra. El paso de ‘Todavía no’, el debut de La Paloma, por la lista de álbumes española, no fue ninguna ilusión. Los continuos sold-outs que cuelga el grupo, tampoco. En resumen, hay La Paloma para rato.

Rocío Saiz
No todo son guitarras en esta vida. Entre las apuestas de SanSan entregadas al synth-pop y a los teclados con brillantina de los 80 destaca el de Rocío Saiz. A ella las buenas melodías le salen de serie y eso hace que de su disco ‘Autoboicot y descanso‘ cueste elegir canción favorita.

Karavana
En la tradición de grupos de punk que ha versionado hits de reguetón, Karavana ha añadido su aportación últimamente adaptando el ‘Tití me preguntó’ de Bad Bunny. Pero la mejor canción de Karavana suena a los Strokes y se llama ‘Strokes’ pero no es una versión de los Strokes. El grupo radicado en ‘Madrid’, ciudad a la que ha dedicado otro de sus éxitos, es uno de los grandes fichajes de Vanana Records, y su energía guitarrera lo vale.

Suu
“No quiero perderme, no quiero crecer” canta Suu en su último single de tintes synth-pop pero también acústicos, ‘Últimamente’. Susana Ventura es el talento que ha creado temazos como, sí, ‘Eres un temazo’ o ‘Tant de bo’ apegada a los sonidos tropicales de su productor, Carlos Sadness, y que después se ha ligado al pop-rock en su disco ‘Karaoke’ “como si estuviéramos en 2005”. Prevalece la luminosidad de Suu y sus composiciones.

Querido
Se da la circunstancia de que en el festival SanSan tocan tanto Iván Ferreiro como su hijo, Andrés Ferreiro, quien, como se ha podido comprobar en un vídeo viral en España, canta exactamente igual que su padre. Andrés es el vocalista de la banda Querido y ‘El Cosmonauta’ es su última carta de presentación. El grupo suma hasta ahora cuatro singles publicados, en un estilo también parecido al del ex integrante de Los Piratas.

Nadie Patín
Como esto va de dúos, terminamos con otro. Nadie Patín hace “skate pop” y la influencia de Blink-182 o Sum 41 se hace notar por ejemplo en ‘Alegrías’, uno de los temas incluidos en el debut de Nadie Patín de 2022. Las guitarras noventeras de Selu y Gome huelen a surf y olas de mar en ‘Persiguiendo a Amy’ -llamada como la comedia de 1997- o ‘Pedregalejo’, y el grupo ha abierto fronteras versionando ‘Espíritu Olímpico’ de Los Planetas y La Bien Querida. Pero ojo, ‘Súper 8’ ya parecía una referencia para ellos en una de sus composiciones originales.

Muere Cola Boyy a los 34 años

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Cola Boyy, autor de la enorme ‘Don’t Forget Your Neighborhood’, una de las mejores canciones de 2021, y de otras composiciones igualmente queridas como ‘Penny Girl’ o ‘Stage 70’, ha muerto a los 34 años.

El músico de California, cuyo nombre real era Matthew Urango, se llamaba a sí mismo el «innovador con discapacidad de la música disco» tras haber nacido con espina bífida y escoliosis. Su primer disco, ‘Proshetic Boombox‘, vio la luz en 2021.

Aquel álbum incluía colaboraciones de The Avalanches en ‘Don’t Forget Your Neighborhood’ y de Andrew VanWyngarden de MGMT en otra de sus pistas estrella, ‘Kid Born in Space’. Precisamente, MGMT había sido una de las primeras bandas en apoyar el trabajo de Cola Boyy invitándole a tocar de telonero en sus conciertos. También Nicolas Godin con Air colaboró con Cola Boy en un par de ocasiones, primero, invitándole a su canción ‘The Foundation’ y, después, apareciendo en ‘Prosthetic Boombox’, en la pista ‘Song for the Mister’.

La alianza de Cola Boyy y The Avalanches fue especialmente fructífera. El dúo australiano no solo produjo ‘Don’t Forget Your Neighborhood’ sino que, uno año antes, había invitado a Cola Boyy a cantar en ‘We Go On‘, una de las mejores canciones de su obra mestra ‘We Will Always Love You‘, la que sampleaba a los Carpenters.

En los últimos tiempos, Cola Boyy se encontraba trabajando en su próximo álbum de estudio. Hace solo unos días, Urango confirmó que la mezcla del disco estaba «terminada». Su lanzamiento, tristemente, ya será póstumo.



Kanye West dice que inventó su género; Kid Cudi responde

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Kanye West vuelve a estar en el centro de la polémica. El artista, que acaba de sacar la primera entrega de su proyecto ‘Vultures’ junto a Ty Dolla $ign, ha ofrecido una entrevista a Big Boy en la que ha hablado sobre cómo influyó a algunos de los artistas más importantes del panorama internacional.

«Yo inventé todos los estilos de música de los últimos 20 años. Yo creé el género», ha dicho Kanye West sin andarse con rodeos. El rapero no ha tenido ningún escrúpulo en apuntarse como la causa del sonido que actualmente están explorando Drake o The Weeknd: «Yo creé el género de The Weeknd, Travis Scott, Drake… de todos. Es más, voy a ir un paso más allá y señalar que también el de Future y Young Thug».

Durante la entrevista, a Kanye West también le dio tiempo a reflexionar sobre cómo nunca ha tenido una reunión con el jefe de Apple, Tim Cook, a pesar de ser como el nuevo Steve Jobs: «Soy el nuevo Steve. ¿Cómo no voy a reunirme con Tim Cook? Tú fuiste empleado de Steve. Yo soy Steve».

Las reacciones a las declaraciones de Ye no se hicieron esperar. La más destacada hasta el momento es la de Kid Cudi, quien publicó en Twitter una captura de pantalla de su Wikipedia donde se afirma que su sonido sirvió como catalizador para que Kanye West hiciera su disco de 2008 ‘808s & Heartbreak’.

Más allá de la polémica, Kanye West volverá a la escena musical el próximo 3 de mayo con ‘Vultures 2’, su segunda entrega en colaboración con Ty Dolla $ign. A pesar de haber sido anunciada para publicarse el 8 de marzo, el rapero ha cambiado la fecha y no se sabe si esta será la definitiva.

Ariana Grande, sin top 1 en España por Operación Triunfo

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Después de las buenas y malas noticias que dejó Reino Unido para Ariana Grande, la artista ha acariciado el top 1 en la lista de álbumes de España con su ‘eternal sunshine’. El fenómeno ocasionado por Operación Triunfo 2023 ha sido lo que se ha interpuesto entre la cantante y el número 1, que no toca en nuestro país desde que lo hiciera con ‘Sweetener’ en 2018.

Ariana Grande se tiene que conformar así con el top 2, mejor debut del logrado con ‘thank u, next’ (#3) y ‘positions’ (#5) en España. Además, en la lista de singles mete hasta 5 canciones del álbum, con el nuevo single ‘we can’t be friends’ (#21) en el puesto más alto. En Estados Unidos ha corrido más suerte, pues el tema se ha convertido en su noveno top 1 en el Hot 100.

Por otro lado, el número 1 vuelve a ser para Operación Triunfo por el lanzamiento de la segunda parte del disco de la edición. La primera parte del disco (#7) no ha desaparecido del top 10 desde su publicación hace 7 semanas, mostrando una sorprendente estabilidad. Actualmente, son esos dos discos y el de la gala 3 los que se mantienen en la lista de álbumes más vendidos.

Asimismo, el top 3 de esta semana lo completan Judas Priest con su nuevo trabajo discográfico, ‘Invincible Shield’. La banda de heavy metal ha sacado su decimonoveno álbum de estudio, compuesto por un total de 14 canciones, y ha logrado situarse en un buenísimo tercer lugar que habría sido top 1 de no ser por la competencia.

Otra de las artistas que destaca esta semana es Kylie Minogue, que ha conseguido meterse en la lista con una reedición de su disco ‘Body Language’ (#45). Junto a ella, también entran los Rolling Stones con la reedición de ‘Live At The Wilterin’ (#55), Norah Jones y su ‘Visions’ (#71), Loreena McKennitt con ‘The Road Back Home’ (#84) y Anari con ‘Giza Zarata’ (#97).



Céline Dion habla de la «experiencia más difícil» de su vida

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Céline Dion ha vuelto a hablar sobre su enfermedad, el síndrome de la persona rígida. Lo ha hecho en una publicación de Instagram, coincidiendo justo con el Día Internacional de Concienciación sobre dicha enfermedad. La legendaria artista ha desvelado que ha sido una de las «experiencias más difíciles» de su vida.

«Como muchos de vosotros sabéis, en otoño de 2022 me diagnosticaron el síndrome de la persona rígida (SPS)», escribe Céline Dion en su recién publicado post. «Tratar de superar este trastorno autoinmune ha sido una de las experiencias más duras de mi vida, pero sigo decidida a volver algún día a los escenarios y a llevar una vida lo más normal posible».

La artista ha confesado así que su objetivo es volver a dar conciertos en el futuro, algo que no se sabía hasta el momento. Céline Dion también reconoce el apoyo de su familia y sus seguidores: «Estoy profundamente agradecida por el amor y el apoyo de mis hijos, mi familia, mi equipo y todos vosotros». «Quiero enviar mis ánimos y mi apoyo a todos aquellos de todo el mundo que se han visto afectados por el SPS. Quiero que sepáis que podéis hacerlo. ¡Nosotros podemos!», finaliza la cantante.

Desde que anunciara la enfermedad que padece, Céline Dion no se había dejado ver públicamente. Sin embargo, asistió por sorpresa a los pasados Grammy 2024. Allí, la ganadora del Grammy a Álbum del Año en 1997 por ‘Falling Into You’ hizo una emotiva aparición antes de entregar la estatuilla más importante de la noche a Taylor Swift por ‘Midnights’.

Dua Lipa promocionará ‘Radical Optimism’ por coliseos

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Dua Lipa tiene un intenso verano por delante. La artista, que saca ‘Radical Optimism’ el próximo 3 de mayo, ya tiene varios conciertos programados para promocionarlo. Y, a falta del anuncio de un tour oficial para el disco, de momento pretende quedarse en Europa los próximos meses.

La artista, que es cabeza de cartel en el Mad Cool 2024 el 10 de julio, también estará unos días antes en el prestigioso Glastonbury Festival. Pero esos no son los únicos sitios en los que actuará Dua Lipa. La cantante ha anunciado hoy cuatro conciertos especiales por coliseos europeos.

Las cuatro nuevas fechas anunciadas por la artista son en Francia, Alemania y Croacia, y serán justo antes de que se embarque en la pequeña gira de festivales que tiene preparada. La autora de ‘Houdini’ actuará en los anfiteatros Waldbühne de Berlín el 5 de junio y Pula Arena de Croacia el 9 de junio. Además, cerrará con dos conciertos en el coliseo Arènes de Nîmes los días 12 y 13 de junio.

Dua Lipa continúa actualmente con la promoción de ‘Training Season’, el segundo single de la era. Sin embargo, parece que tendremos un tercer single antes del lanzamiento de ‘Radical Optimism’. La artista ha compartido fotos en Instagram grabando un nuevo videoclip… en Barcelona. ¿Se viene pronto un anuncio?

Ruïnosa y las Strippers de Rahola te pegan una ‘ETS’

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Ruïnosa y las Strippers de Rahola es un grupo de punk travesti de Barcelona que lleva tiempo dándose a conocer en el underground catalán. Entre los himnos de Ruïnosa y las Strippers de Rahola que el público ha podido descubrir en directo en los últimos años se encuentra el viaje en varias paradas por España de la ramoniana ‘Puta Renfe’ o esa ‘P0pper’ dedicada a la «droga de los maricas y los marineros».

En 2023, Ruïnosa y las Strippers de Rahola publica su primer epé, ‘Nuestra infancia travestida’, a través de Rebel Sound Music. El epé se abre con ‘Subnopunk’, la palabra que usa Ruïnosa y las Strippers de Rahola para describir su música. A ellas las han llamado las Vulpes del siglo XXI, lo cual tiene sentido porque versionan ‘Me gusta ser una zorra’ en sus conciertos.

Un año antes, Ruïnosa y las Strippers de Rahola gana el concurso Futuroa Sarao Drag de la Sala Apolo tocando en directo una canción original, ‘ETS’. Sobre el escenario, las cuatro integrantes de «Ruïnosa» visten atuendos estrafalarios y una bailarina metida en un casco de ET se mueve sensualmente o surfea el público. La estampa es divertidísima y surrealista a partes iguales. Mejor aún, la canción, más allá de que las rimas «la puta gonorrea le ha dejado la polla fea, el herpes genital le ha dejado el culo mal» provoquen que te partas de risa, es un temazo incontestable.

Precisamente, ‘ETS’, ahora bautizada ‘ET.S’, es la canción que Ruïnosa y las Strippers de Rahola acaban de publicar en las plataformas. Sin duda, se trata de su grabación más esperada y la que probablemente pasará a ser la más escuchada de su -hasta ahora- breve carrera. Y ellas han tenido la ocurrencia de convertirla en una colaboración con otro grupo entregado al humor macarra, Ladilla Rusa, aprovechando que de hecho la letra -naturalmente- menciona la enfermedad de transmisión sexual provocada por esos simpáticos parásitos.

A la vez guitarrera y bailable hasta el éxtasis, ‘ET.S’ -la Canción Del Día de hoy- es como una canción de las Bistecs poseída por los B-52’s e interpretada por Samantha Hudson, o algo así. También es la historia de un extraterrestre adicto al sexo que termina pillando de todo y va por ahí con el «ano» ardiendo. Soez como ella sola, hay quien dirá que ‘ET.S’ va de transgresora y es todo lo contrario. Quizá el pop también se puede permitir tener algo de mal gusto de vez en cuando, sobre todo si te hace echar unas risas por el camino.



Four Tet / Three

La música de Four Tet lleva más de 20 años empujándonos indistintamente a la melancolía o al éxtasis. Aunque en general instrumental, posee por un lado la capacidad de emocionarnos y por otro la de levantarnos, con un gusto exquisito que apenas han querido emular gurús como Caribou. Sus discos se llaman cosas como ‘There Is Love in You’, idea la del amor a la que ahora vuelve para inaugurar su nueva obra, ‘Three’.

Kieran Hebden ofrece en este trabajo lo que mejor sabe hacer: una deconstrucción electrónica de beats house o incluso guitarras eléctricas, siempre desde una perspectiva muy personal y reconocible. En los últimos tiempos le habíamos visto lucrarse haciendo el macarra junto a Fred Again.. y Skrillex en unas sesiones que han ido desde Coachella a Times Square. Y ahí ha pinchado más feliz que una perdiz ‘Party in the USA’ de Miley Cyrus o ‘Satisfaction’. Y no precisamente la de los Rolling Stones. Puede que no haya sido una sorpresa total después de oírle deconstruir a Nelly Furtado, pero lo seguro es que ‘Three’ no celebra de ninguna manera a este improbable «trío» sobre el escenario, sino que retoma el sonido introspectivo, evocador y minimalista del mejor Kieran Hebden.

Los paisajes son tormentosos en ‘Loved’, no tan lejos de la cadencia de los Massive Attack más ensoñadores. Hay un tema llamado incluso ‘Storm Crystals’, aunque este no es explícitamente tan lluvioso paradójicamente, sino más contemplativo. Las guitarras son protagonistas del final crepuscular de ‘Gliding Through Everything’ y sobre todo de ‘Skater’. Un tema casi post-punk que podríamos haber escuchado de mano de cualquier banda de indie pop en los años 80. Parece que vaya a aparecer cantando Morrissey (!). ¿No parecen esos coros femeninos de Elizabeth Fraser?

Entre temas más transicionales como ‘So Blue’ o ambient, como el mencionado ‘Gliding Through Everything’, destacan las dos entregas rompepistas de ‘Three’. El focus track para las playlists del día de salida ha sido ’31 Bloom’. Y es solo una recuperación tímida del desmadre house que había implicado el adelanto anterior ‘Daydream Repeat’, que no renuncia a su finísimo riff que recuerda de dónde viene la folktrónica. Aun con sus distorsiones, es una de las canciones más bailables que jamás ha publicado Four Tet.

La joya de la corona llega al final con esa maravilla titulada ‘Three Drums’: otra base medio trip hop sobre la que emergen unos teclados como los que llevaron a Moby a vender 10 millones de copias de ‘Play’. Adictiva, envolvente, preciosa, contiene -mantiene- todas las razones por las que amamos a Four Tet. Es un placer verle pasárselo bien sobre el escenario, mover a las masas, sumar streamings con los featurings de Skrillex o dejarse samplear por Tainy en una canción que canta Rauw Alejandro (‘Volver‘ es una de las mayores gemas perdidas de 2023). Pero este es el Four Tet que verdaderamente adoramos. En plena forma: con uno de sus discos más variados, entretenidos y dinámicos.

La música de Depeche Mode nunca morirá

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Manu Pasik (Live Nation)

Qué aspecto tiene el futuro que aguarda a la humanidad en el tiempo que queda de siglo XXI -y más allá- es una de las grandes cuestiones de hoy. ¿Se crearán nuevos tipos de urbes? ¿Cuántos millones de personas existirán en el planeta? ¿Iremos por ahí con chips implantados en el cerebro? ¿Estará la inteligencia artificial completamente integrada en el día a día? ¿Volverá el totalitarismo? Y, de manera no menos importante, ¿cómo sonará la música pop de hoy en 2084?

No puedo evitar pensar esta pregunta cada vez que asisto al concierto de un grupo legendario como Depeche Mode. Ahora que tantos artistas mainstream -de Justin Bieber a Shakira- están vendiendo sus catálogos para asegurarse el -ejem- futuro propio y el de sus familias, es más evidente que nunca la inversión de futuro que supone crear un catálogo musical de una calidad tan elevada. La música de Depeche Mode siempre -o casi siempre- ha sonado adelantada a su tiempo, y la reciente aparición de ‘Never Let Me Down Again’, una canción del año 1987, en un capítulo de ‘The Last of Us’, demuestra que sigue vigente hoy.

Este hecho da lugar a cierto optimismo, porque, aunque el tiempo pasa y la muerte llega, la música -grabada- permanece. Y la perspectiva cambia cuando te das cuenta de que todas estas canciones que hoy parecen viejas, porque lo son, en el contexto de todo el siglo XXI que aún queda por transcurrir, solo están empezando a vivir. Y lo de Depeche Mode ha sido una inversión a futuro de las históricas, porque el hecho que ‘Just Can’t Get Enough’ siga sonando tan bien cuarenta años después de su estreno, es prueba de el grupo ha sido visionario desde el principio. Hasta llegar a hoy.

La vigencia de la música de Depeche Mode se testifica en directo. En primer lugar, las bases de las canciones son exactamente las de las grabaciones originales. O, si no, son muy similares. Solo cambian cuando Dave Gahan y Martin Gore apuestan por desnudarlas al formato acústico, como en la gira de ‘Memento Mori’ sucede -sorprendentemente- en ‘Strangerlove’ y en ‘Condemnation’. Pero, al menos para estas orejas, las producciones de ‘Precious’ o ‘Never Let Me Down Again’ siguen sonando no solo apabullantes y espectaculares, sino también modernas. Y en directo, elevando los decibelios a la estratosfera, más aún.

En segundo, el sonido de Depeche Mode es excelente, también en el Palau Sant Jordi de Barcelona, en el tercero de los cuatro conciertos que el dúo está ofreciendo en España dentro de la gira de presentación de su último disco, ‘Memento Mori’ (la siguiente y última fecha, el día 21 de marzo, tiene lugar en el BEC! de Bilbao). Pero no hay que dar una cosa por sentada, y es lo tremendamente bien que cantan Dave Gahan y Martin Gore en vivo. Cada uno en su estilo, ambos se funden en una sinergia sublime.

Manuel Pasik (Live Nation)

Es, por cierto, el propio Dave quien dice que Martin tiene “voz de ángel”. No extraña que Martin se quede los momentos acústicos del show. Cuando canta ‘Heaven’ me asoma la lagrimilla por el ojo. En directo te das cuenta de que posee un timbre realmente bello, y evidentemente las canciones de los discos de Depeche Mode que canta él completamente solo, suelen ser especiales. Ahí está ‘Soul with Me’ aunque a ‘Memento Mori’, en la gira de ‘Memento Mori’, el grupo le da un protagonismo limitado.

Aunque el nuevo show de Depeche Mode -el mismo que se vio en el Primavera Sound el año pasado- se basa en ‘Memento Mori’, el grupo cita el disco lo justo y sobre todo recupera repertorio clásico. De esta manera está comentando -aunque sea de manera involuntaria- sobre el propio devenir de su carrera. Aunque el single ‘Ghosts Again’ ha sumado un nuevo clásico a su carrera, después de una década de intentos, el conjunto del disco -como todos los últimos que han lanzado- ha conectado menos… excepto para un fan que ondea la bandera de España emocionado mientras suena ‘Before We Drown’. Así que Depeche Mode despacha ‘Memento Mori’ más o menos rápido y ofrece al público sus mejores éxitos, exactamente como los recuerda de las grabaciones.

En las canciones de Depeche Mode parecen suceder más cosas que en el propio escenario, que, decorado con una M gigante, es asombroso pero no tan espectacular pasado el encuentro inicial. Sigue teniendo gracia ver a Dave Gahan desfilar por la pasarela con descaro o verle dar vueltas como una lavadora en marcha sobre su propio eje en más de una ocasión, pero ni el propio grupo parece capaz de competir en vivo contra las auténticas catedrales sonoras que ha dejado grabadas en su discografía. Una catedral gótica en el caso de ‘Black Celebration’ que en directo -como contemplar un edificio histórico- pone los pelos de punta.

Esto no quiere decir que no sea un goce ver a Dave Gahan en vivo o, sobre todo, escucharlo. Comanda como nadie el escenario y su muscular voz merece estar enmarcada en un museo. Es él quien se da un baño de masas en la enorme ‘Everything Counts’, quien alienta el coreo popular en ‘Just Can’t Get Enough’ o por supuesto quien en la engorilada ‘Personal Jesus’ -que cierra el concierto- se transforma en un Dios en la tierra.

Manuel Pasik (Live Nation)

Peter Gordeno a los teclados y Christian Eigner a la batería pasan ciertamente desapercibidos. Al que fuera tercer integrante de Depeche Mode, Andy Fletcher, fallecido en 2022, el grupo le dedica ‘Behind the Wheel’, aunque su recuerdo atraviesa todas las canciones del concierto desde el principio hasta el final, como no puede ser de otra manera, en esta primera etapa de Depeche Mode en formato dúo.

Pasando de lo acústico (‘Heaven’) a la energía uptempo de ‘A Pain That I’m Used To’, el concierto de Depeche Mode sigue a rajatabla los parámetros del show típico de rock. Una chica que ha cumplido treinta años vive el momento de su vida cuando Gahan le canta el ‘Cumpleaños feliz’ aunque, todo sea dicho, el ‘Cumpleaños feliz’ también forma parte del repertorio de la gira. Los visuales de Anton Corbijn que decoran las canciones en su puesta en vivo son también los mismos que ya has visto y Dave Gahan parece salirse brevemente del guion solo cuando suelta -un poco sin venir a cuento- que el público de Barcelona es “mejor que en Madrid” y a Isabel Díaz Ayuso le pica el ojo de repente. Claro que, hacer sentir especial a tu público también viene en el contrato cuando te dedicas a ser una estrella del rock. Y evidentemente funciona.

El concierto de ‘Memento Mori’ es perfectamente profesional y correcto, espectacular y tremendamente emotivo en sus mejores momentos. Es, sobre todo, “celebración” de uno de los mejores catálogos de la historia del pop. También uno de los más oscuros y visionarios. ‘Enjoy the Silence’, que cierra el setlist antes del bis, suena, eso sí, en una versión ligeramente diferente, pues incluye un “breakdown” bailable diseñado para los clubs, aunque después vuelve a puerto, relajándose en esa melodía de teclado que podría durar hasta el infinito. Cuando Dave concluye la canción cantando “enjoy the silence”, solemne, el mundo se para. En mi opinión, ‘Enjoy the Silence’ es la cumbre de la carrera de Depeche Mode, esa canción que enseñaría a los alienígenas que nos invadan en el futuro para demostrar que algo bien hicimos en la vida. No creo que ocurra en 2084 ni nunca, pero, que esta canción atravesará siglos, de eso no tengo duda.

Manuel Pasik (Live Nation)

La fan en silla de ruedas de Madonna habla con TMZ

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Todos hemos pasado por momentos vergonzosos en los que pensamos: «tierra, trágame». Y, por muy diva que sea Madonna, en el fondo también es muy humana. En uno de sus últimos conciertos, la cantante recriminó a una de sus fans estar sentada en lugar de bailando como hacían los demás. Pero la fan no iba a poder levantarse lo quisiera o no Madonna: la cantante se dio cuenta, demasiado tarde, de que estaba en silla de ruedas.

En uno de sus shows en el Kia Forum en Los Ángeles, la artista estaba preparada para cantar su siguiente canción hasta que una fan llamó su atención. «¿Qué haces ahí sentada?», le dijo a alguien próximo al escenario. Madonna se acercó hasta el borde del escenario para poder observar mejor… y darse cuenta de que la fan estaba en silla de ruedas. «Oh, vale», dijo Madonna al instante.

«Políticamente incorrecto, lo siento. Me alegra que estés aquí», le confesó Madonna tras haberla visto de cerca. El concierto continuó, y todo apunta a que la persona en silla de ruedas se lo pasó en grande. Pese a las críticas a la cantante, la fan ha asegurado a TMZ que no se siente ofendida por lo sucedido. «Algunas personas en silla de ruedas pueden quedarse de pie, pero yo no. Ella no tenía ni idea de que estaba paralizada», defiende a su ídola.