Ace Frehley, guitarrista principal fundador de Kiss, ha fallecido a los 74 años a causa de las heridas sufridas tras una reciente caída en su casa, ha confirmado un representante del artista a Rolling Stone. La caída había provocado la cancelación de todos sus conciertos previstos para 2025. “En sus últimos momentos, tuvimos la fortuna de poder rodearlo con palabras, pensamientos, oraciones e intenciones llenas de amor, cuidado y paz mientras dejaba esta tierra”, ha compartido su familia.
Frehley, nacido en el Bronx, se unió a Kiss en diciembre de 1972, tras responder un anuncio que Paul Stanley, Gene Simmons y Peter Criss habían publicado en el Village Voice, y no solo aportó los grandes solos de Kiss en la primera etapa de su carrera, sino que terminó diseñando el icónico logo de Kiss. Su personaje en la banda era «Space Ace» o «Spaceman».
Frehley tocó en la mayoría de los discos más icónicos de Kiss, incluyendo su álbum debut homónimo, ‘Destroyer’ y ‘Alive!’, y en sus directos su guitarra parecía prender fuego. En el disco ‘Love Gun’, de 1977, Frehley grabó por primera vez una toma vocal principal, en la canción ‘Shock Me’. Frehley abandonó Kiss en 1982 por diferencias creativas.
Frehley, como el resto de componentes de Kiss, publicó un disco en solitario en 1978, y su proyecto fue el más exitoso de todos, ya que su versión de ‘New York Groove’ de Hello -la cual en principio no quería grabar- alcanzó el puesto 13 del Billboard Hot 100. Recientemente, Frehley había seguido publicando discos con su banda Frehley’s Comet. El último, ‘10,000 Volts’, se lanzó el año pasado.
Este jueves se ha celebrado en el Palacio de Longoria de la SGAE la tradicional fiesta de presentación de Monkey Week Son Estrella Galicia. En el cartel ya figuraban nombres como Destroyer, Cupido, La Tania, Joe Crepúsculo, Sanguijuelas del Guadiana, Teo Planell, TRISTÁN! & The Jazz Band, Juventude y decenas de artistas más, muchos consagrados como Karmento o Le Parody, pero sobre todo noveles como Los Chivatos. «La música del mañana», que le dicen.
La noticia de la edición 2025 es el regreso a Puerto de Santa María tras unos años en Sevilla, donde la organización sentía cada vez con más presiones y menos apoyos por parte de las instituciones, fundamentalmente la alcaldía.
Tali Carreto, co-director de Monkey Week, se emocionó hablando de este regreso a la provincia de Cádiz, pues considera el evento «urbano». El espíritu de Monkey Week es ocupar el centro histórico de una ciudad, no estar cada vez más situado a las afueras, y el Puerto de Santa María sí se lo permitirá. Algunos de los escenarios serán el Monasterio de la Victoria, el Castillo de San Marcos, las Bodegas Caballero, el Teatro Pedro Muñoz Seca… lo que implicará que, por ejemplo, veamos algunos de los conciertos en una capilla. No faltará la pista de los coches de choque.
Las instituciones presentes apoyaron a un viejo conocido como es Tali y a la industria musical independiente allí reunida, en general. Tomás Fernando Flores, director de Radio 3 y ex presentador de Siglo 21, manifestó cuánto le ha decepcionado este siglo. «Este último par de años hemos visto y oído cosas que no habríamos imaginado», sentenció refiriéndose a «la amargura» de los tiempos presentes «a nivel global». Elogió la música como refugio.
La misma línea siguieron los artistas presentes, como Maximiliano Calvo, que ofreció un precioso concierto acústico que fue de lo desenchufado al cuasi-rock, en compañía de un violinista. Durante la rueda de prensa, declaró: «Este verano he estado en festis como artista y como público y parece que la música tiene cada vez menos peso. Y eso en Monkey Week no ocurre (…) Vuelve al lugar donde empezó: más honesto, imposible».
En cuanto a las últimas confirmaciones de un cartel que parece que nunca se termina de cerrar, hay 22 nuevos nombres, encabezados por La Paloma, que vienen de publicar el notable ‘Un golpe de suerte’, top 3 de vinilos en España. También se han sumado Los Sara Fontán, Ajou!, Anouck The Band, Capitão Fausto, CastaZabal, Dear Joanne, Delfina Campos, Devon Rexi, Drûpe, Euskoprincess, La Valentina, Lagoss, Marineros, Mitsune, Moundrag, Pleito, Salvana, Susobrino, TOC, Winona Riders y el uruguayo Gonzalo Brancciari, ganador del Premio Graffiti 2024 al Mejor Artista Nuevo, y protagonista del intercambio hispano-uruguayo de Fundación SGAE.
En cuanto a las jornadas profesionales, estarán presentes Anamaria Sayre (productora de Tiny Desk a cargo de sesiones como las de Ca7riel y Paco Amoroso, Karol G o Nikki Nicole), Rodrigo Duarte (programador de Rock Al Parque), Javier Hernández (coordinador de Viva Latino México), Oskar Strajn (booker en Eurosonic y también involucrado en la iniciativa ESNS Radar y los Music Moves Europe Awards), Phoebe Lou Smolin (publicista y manager que ha trabajado con sellos como Captured Tracks y artistas como Lido Pimenta) o Canan Yurdakul (booker en la prestigiosa agencia europea EBB Music), entre otros invitados.
Ya están disponibles en la web oficial los abonos para público general, que permiten el acceso a conciertos y showcases, así como los abonos profesionales, que facilitan también el acceso a las jornadas Monkey PRO.
La mayoría de los cuentos de hadas contienen elementos terroríficos. En su origen, dentro de la tradición oral, los relatos dirigidos a los niños eran narraciones moralizantes: cumplían una función pedagógica y aleccionadora. La violencia, la crueldad y el miedo servían como catarsis, como una forma de purificación emocional.
Los más sádicos fueron, sin duda, los hermanos Grimm. Su versión de ‘La Cenicienta’ incluye uno de los episodios más perturbadores de la historia de la literatura infantil: las dos hermanastras cortándose los pies -una los dedos y la otra el talón- para lograr encajar en el minúsculo zapato de cristal y casarse con el príncipe. Por si eso no fuera suficiente, el cuento culmina con un castigo aún más cruel: durante la boda de Cenicienta, unas palomas pican los ojos de las hermanastras, condenándolas a la ceguera eterna.
La debutante Emilie Blichfeldt parte de la Cenicienta de los Grimm para mutilarla y sacarle las entrañas. Lo hace mediante tres estrategias narrativas, tres operaciones que van mucho más allá de una simple cirugía estética. La primera consiste en adoptar el punto de vista de la hermanastra mayor. Este cambio de perspectiva permite a la guionista y directora centrar la atención en el sufrimiento de un personaje que lucha por encajar en un ideal estético simbolizado en un delicado zapatito.
La segunda estrategia es reinterpretar el cuento en clave feminista. La presión estética produce monstruos, y esa presión no surge de la nada: la ejerce una estructura social patriarcal que no permite a las mujeres (sobre)vivir sin un hombre que las mantenga, un príncipe azul por el que hay que competir a muerte. En este sentido, resulta especialmente significativo el nuevo rol que adquiere la hermanastra pequeña, el cambio más radical que introduce Blichfeldt respecto al relato original.
Y la tercera, apostar por la comedia y el terror. Con ‘La sustancia’ como referente ineludible (aunque no llegue a alcanzar su potencia visual y alegórica) y guiños formales al cine de Walerian Borowczyk, ‘La hermanastra fea’ combina el humor granguiñolesco, la ironía pop y el horror corporal para coser una afilada sátira gore que funciona igual de bien como divertimento macabro, fantasía de época (la dirección de arte es una maravilla) y perverso cuento de hadas con sustanciosa moraleja.
Charlie Puth es uno de los pop stars masculinos dedicados al pop en quien más podemos confiar, ya que su catálogo de temazos es considerable, tanto los que ha escrito para sí mismo (‘Attention’) como los que ha cedido a otros artistas (‘Harleys in Hawaii‘ de Katy Perry).
Ahora, un año después de que Taylor Swift declarara al mundo entero que «Charlie Puth debería ser un artista más famoso» en la canción que daba título a su anterior disco, Puth pone en marcha la promoción de su próximo álbum, ‘Whatever’s Clever’, que se pondrá a la venta el 6 de marzo.
La portada es… curiosa, cuanto menos. Pero ‘Changes’, el primer adelanto, es indudablemente una de las mejores canciones que ha escrito. El homenaje al pop salpicado de jazz de los 80 y 90 es evidente -por ejemplo, a hits como ‘Higher Love’ (1986) de Steve Winwood-, pero lo mejor de ‘Changes’ es su in crescendo, que introduce sorpresas por el camino y, sobre todo, su alegre espíritu, justo cuando más lo necesitamos.
‘Changes’ parece tratar sobre cómo el tiempo y la distancia cambian una relación cercana; el narrador siente nostalgia por lo que compartían antes (“we would share our fears”) y percibe la separación emocional (“I can feel the distance”), aceptando al final que quizá “that’s just the way it is”.
Las referencias noventeras se acentúan en el vídeo de ‘Changes’, que incluye animaciones y un Charlie Puth vestido un poco al estilo de ‘Doctor en Alaska‘. En el clip hace un cameo Brooke Puth, esposa de Charlie: ambos anuncian que están esperando un bebé.
A veces la vida te sonríe… y después, sin que lo esperes, te pasa por encima. La mexicana Silvana Estrada vivió el momento más dulce de su carrera con ‘Marchita‘ (2022), su debut, que le llevó a ganar un Latin GRAMMY a Artista Revelación y a tocar por todo el globo. Pero cuando empezó a componer su próxima obra, Estrada perdió a su mejor amigo, asesinado a finales de 2022, y enfrentó otros “falsos comienzos y convulsiones personales” que la hicieron sentirse, de repente, perdida.
Durante el duelo, Estrada no compuso un disco ipso facto, sino que esperó a “sanar y reorientarse”. Se reencontró con su “intuición” creativa, y el resultado es ‘Vendrán suaves lluvias’, un disco cuyo título refleja la esperanza del futuro. La de Veracruz lo ha tomado prestado de un poema de 1918 escrito por Sara Teasdale, ‘There Will Come Soft Rains‘, publicado durante la Primera Guerra Mundial y la pandemia de aquel año. Escalofríos.
Las nuevas canciones de Estrada transmiten el confort y la luz de ese momento en que empiezas a dejar el duelo atrás. ‘Cada vez te extraño menos’, el precioso inicio, casi acústico, es una afirmación de la posibilidad de seguir adelante pero, también, una invitación a seguir recordando. Estrada, que produce el disco sola, riega con sus canciones allí donde solo hay desolación, y decide no cantar “donde no crecen flores”. Pocas canciones sobre la muerte han sonado tan luminosas como ‘Un rayo de luz’; su reflexión “cómo será de hermosa la muerte, que nadie ha vuelto de allá” es maravillosa.
Para contar estas nuevas historias, Estrada se vale de sus habituales influencias del jazz y el folk, pero añade una considerable dimensión orquestal con la ayuda del genial compositor canadiense Owen Pallett. Su mano se nota en las exuberantes y épicas orquestaciones de la alegre ‘Dime’ -una reflexión sobre la ira, aunque no lo parezca- o la balada ‘No te vayas sin saber’, sobre aprender a despedirse. Aunque en pistas como ‘Un rayo de luz’ los arreglos de cuerda amenazan con sobreponerse a la composición.
El equilibrio entre desnudar la canción y sobrecargarla no siempre se logra en ‘Vendrán suaves lluvias’: a pesar de que, por supuesto, las ideas orquestales enriquecen las composiciones, a veces menos es más. Por eso, la melosa ‘Tregua’, sobre un amor que no se termina de superar (“estamos mejor así, pero quisiera pedirte una tragedia, salir a buscarte, volver a lo de antes”), brilla desde la sutileza; y la pizpireta ‘Lila alelí’ logra un equilibrio perfecto: convierte la historia de un crush no correspondido en absoluta poesía.
En el centro de la historia se encuentra la mejor canción del conjunto, ‘Como un pájaro’. Nominada al Latin Grammy, añade a su conocida fórmula de jazz y folk el bonito sonido de un silbido. A pesar de que los arreglos de cuerda son majestuosos en ‘Flores’, termina llamando más la atención un ejercicio de estilo como ‘Good Luck, Good Nights’. Influenciado por Tom Waits, no capta exactamente la esencia del americano, pero sí la lleva al ámbito reconfortante, de dulce calma, que manda en el disco.
Que Pipiolas es uno de los grupos nacionales más frescos de los últimos tiempos no solo lo pensamos nosotros, sino que queda patente en la cartera de artistas que han colaborado con ellas, de Rigoberta Bandini a Kiko Veneno. Su notable debut, ‘No hay un Dios‘, se lanzó en 2024.
El dúo de Adriana Ubani y Paula Reyes, uno de los grandes fichajes recientes de Elefant, se dio a conocer con temas de synth-pop tan chulos como ‘Bailes o qué?’ o ‘Domingo raro’. Su último single es automáticamente uno de los mejores que han lanzado.
‘No tocar’ es una de esas grabaciones complejas que, debajo de su envoltorio alegre y feliz, esconden un mensaje oscuro. El aviso del título revela una historia sobre hombres que acechan, controlan y manipulan, y la metáfora sobre tíos que «mienten», «cuentan una pena» y «nunca cierran la puerta», apunta al abuso emocional y sexual. La respuesta de Pipiolas es huir («yo sólo quiero que nadie me toque / Y si me miran que no me dé cuenta») y evadirse («Yo lo que quiero es hacer lo que no deba / Hacer el tonto y que llueva»).
Y esa evasión se logra en el sonido de ‘No tocar’, definitivamente inspirado en el new wave de los ochenta, y también en el romanticismo clásico: las pre-estrofas incluyen el sonido de lo que parece un clavicordio, pero después la base rítmica del estribillo es machacona y 100% ochentera. ‘No tocar’ lleva a la época de los New Romantics, y quizá por eso el vídeo se ha grabado en el Museo del Romanticismo de Madrid.
El vídeo de ‘No tocar’ «representa, precisamente, a dos mujeres románticas que se han perdido en el Romanticismo y quedan convertidas en una pieza más de un museo en el que nada se puede tocar». Indica la nota: “Una vuelta a los ochenta, con el carácter irreverente de las divas de la época, para reclamar que nadie nos toque, que nadie nos mire, pero que todos nos escuchen”.
Los Puñales de Martín es un grupo de indie-rock formado en Valencia en 2019, e integrado por Daniel Latorre, Pablo Montoliu y Álvaro Harnández. Con un epé y varios sencillos publicados, Los Puñales de Martín ha desplegado un sonido guitarrero, que bebe de décadas de rock y punk, y que «se mueve entre la épica emocional y la energía del directo». Esta apreciación se evidencia en temas como ‘Ruido Blanco’, donde conviven la distorsión con la accesibilidad de un coreable estribillo. Te gustará si te gustan Mujeres, pero también Carolina Durante… asumiendo que no te gusten ambos grupos a la vez.
‘Mala Racha’, con su implacable energía guitarrera, expone también el estilo narrativo de Los Puñales de Martín, que «nace del desgarro cotidiano». Aquí, el vocalista se retrata en la peor de las caras, afirmando que «en hacer daño (es el) campeón de España». Emerge el recuerdo del extinto Confeti de Odio también en la apesadumbrada ‘Nada especial’, que rima: «No soy nada especial, porque pierdo cada fin de semana, me da miedo mirarte a la cara, por si acaso la tengo que olvidar».
‘Monta una banda (y acaba mal)’ es otra grabación de Los Puñales de Martín con potencial de himno de directo. Ojo a su estribillo: «Un, dos, tres, responde otra vez, y dime algo que no se me olvide». Por otro lado, a ellos también se les ha ocurrido versionar ‘En qué estrella estará’ de Nena Daconte, pero la adaptan al punk garajero (se nota que es una canción ideal para ensayar).
‘Miénteme’, el nuevo single de Los Puñales de Martín, introduce ahora influencias del jangle-pop, un tanto The Cure, aunque en seguida se deja envolver por capas de distorsión. Si los temas de «Puñales» hablan de «relaciones que se rompen, calles que arden, promesas que se deshacen y madrugadas que no terminan», ‘Miénteme’ va un paso más allá: una súplica directa a la persona amada para que no diga la verdad. El estribillo, tan pegadizo como desesperado, lo resume todo: “Miénteme, dime que todo va a estar bien, y luego lo vemos: te quiero».
El videoclip de ‘Miénteme’ es un breve corto inspirado en el cine de terror, y JENESAISPOP tiene el gusto de estrenarlo en primicia. Es un vídeo dirigido por Sebastián del Valle y Diego Sebastián Carrasco y protagonizado por Lula Sáez y un extraño personaje inspirado en el hombre del saco; lo que en principio parece una escena de pánico inminente, se convierte en la historia de una tierna amistad.
Esta misma semana, la industria musical se volcaba con Valeria Castro después de que las redes criticaran duramente su irregular actuación en Operación Triunfo junto a Dani Fernández, muy alejada de lo que ofrece normalmente la artista de 26 años. Ahora, anuncia una «pequeña pausa» para recuperarse «física y mentalmente».
La cantautora ha publicado un comunicado en Instagram en el que explica que «los últimos meses» no han sido fáciles para ella, al igual que las últimas semanas: «De manera progresiva, todo se me ha ido agarrando a la gargante», se lee en las primeras líneas. En este primer párrafo también aborda lo ocurrido en OT: «Por mucho que haya intentado dar lo mejor de mí en cada escenario al que me he subido, hay veces en las que todo esto es imposible de gestionar».
Es por ello que, después de reflexionar y de pedir consejo a expertos, ha decidido tomarse un descanso: «Tengo claro que en ningún sitio soy tan feliz como encima de un escenario, pero también creo que les debo a ustedes y a mí misma hacerlo desde el estado y el lugar que merece», asegura.
Castro termina el comunicado anunciando que sus próximos conciertos de octubre y noviembre serán reubicados entre diciembre y febrero. Lo mismo ocurrirá con su gira latinoamericana, que pasará a primavera. «Necesito parar para que esto siga teniendo sentido y poder volver con fuerza, porque lo haré», concluye, no sin antes mostrar un trozo de una canción que escribió en febrero titulada ‘globo’ y que «hoy toma más sentido que nunca».
La calidad musical de Valeria Castro fue defendida a principios de semana por artistas como Viva Suecia, Alcalá Norte o el propio Dani Fernández. Esta es evidente en discos tan destacados como ‘con cariño y con cuidado’, su debut de 2023, o ‘el cuerpo después de todo’, que ya es uno de los mejores discos de 2025.
Hace unas semanas, RTVE aseguraba que el regreso de ‘Cachitos de hierro y cromo’ sucedería a partir del sábado 4 de octubre. Rápidamente, la entidad suspendió el lanzamiento de la 14ª temporada del programa. Finalmente, el formato de Ángel Carmona ya tiene fecha de estreno en La 2. Será este domingo 19 de octubre a las 23:30 horas.
Esta temporada contará con 10 capítulos y el primero ya tiene nombre y temática. Este se titulará ‘Por el mundo’ y se centrará en el mejor dance alrededor del globo.
La temporada pasada, el programa se emitía los sábados a las 23h y ahora ha cambiado para adaptarse a la nueva estrategia de los fines de semana de la cadena. Así, ‘Versión española’ también pasa a emitirse los sábpados en prime time, mientras que el programa de Henar Álvarez se pasa a los domingos.
Poco antes de su incómodo y reciente intercambio de tweets con Cardi B en X, Nicki Minaj apuntaba al lanzamiento de un nuevo disco el próximo 27 de marzo de 2026. Sin embargo, no solo ha cancelado la salida del álbum, sino que parece que el culpable se trata de Jay-Z.
«Vale, ya no voy a lanzar el disco. No más música. Espero que estés feliz», publicó Minaj en X mencionando a Jay-Z al final del mensaje. «Adiós Barbz, os amo de por vida», finalizó Minaj, que también parece mandar una despedida en general.
Horas antes de este tweet, Minaj habló de algunas personas o entidades que «no quieren que saque música»: «Yo ganando les hace pensar que han perdido. Tienen razón. Sin embargo, no tenía que ser de esta manera. Mucha gente separa sus caminos en los negocios. Saben lo exitoso que va a ser mi próximo disco», escribió Minaj en otro mensaje en X.
En otro tweet más, en el que también mencionaba a Jay-Z, da a entender que el rapero y su sello Roc Nation le pidieron un disco y una gira, lo cual ella rechazó: «Necesitaban ayuda de la REINA y las BARBZ. Llamé a las barbz en el teléfono secreto de barbz y fue un retumbante NOOOO», publicó.
La relación entre Jay-Z y Nicki Minaj está claramente deteriorada desde el año pasado, cuando la rapera aseguró que él le debnía alrededor de 200 millones de dólares por sus acciones en la plataforma de Tidal.
Ok I’m not going to put out the album anymore. No more music. Hope you’re happy now @sc
They don’t want me to put out music. Me winning makes them feel like they lost. They’re right. However, it didn’t have to be this way. Lots of ppl part ways in business. They know how successful my next album is going to be. Tried to sign Wayne, Drake, me. So they keep wanting to… https://t.co/YH4ePk3NEm
Miss Caffeina publican esta noche ‘Buena suerte’, su sexto álbum. En esta ocasión han trabajado con Pablo Rouss una producción más electrónica, seducidos por el trabajo que este había realizado con Belén Aguilera en el excelente ‘Metanoia’.
Hoy se presenta el cuarto single del álbum, el notable ‘Hoy va a ser el día’. Pero es ‘Que seas feliz’ el mejor de todos, cerrando el álbum como pista 10 y sirviéndole de alguna manera de resumen. Es nuestra Canción del Día hoy.
Con ese irresistible bombo a negras que se introduce al mismo tiempo que el estribillo, ‘Que seas feliz’ es la mejor producción en un álbum exento de guitarras eléctricas que agradecería incluso remezclas que llevaran las canciones un poco más allá. ‘Que seas feliz’ dura apenas 2 minutos en un álbum de media hora de duración.
También es la canción resumen del disco porque este retrata una ruptura, pues el divorcio y el desamor (también la pérdida) ha marcado el rumbo de los tres miembros de Miss Caffeina últimamente. «Que seas feliz», una canción tan celosa como ‘¿Y cómo es él?’ de Perales, es en verdad «Que no seas feliz en absoluto» si atendemos a la ironía de sus frases.
«Que sufras un poquito como yo» dice una letra por la que asoman «incendios» y malos deseos, además de una cita a Lana del Rey que nos habla de complejos e inseguridad. Que «si os parte un rayo, os pille juntitos» es su nada sutil conclusión.
Miss Caffeina han anunciado ya su primera decena de fechas 2026, que podéis consultar en su web.
«A mí no me saques tu genio que te lo mato» es el primer escupitajo que oímos en el debut de Mala Rodríguez, un ‘Lujo ibérico’ editado primero en pequeño y finalmente adoptado por Universal. Entre Sevilla y Jerez de la Frontera, María había crecido interesada por los jóvenes que bailaban breakdance en su barrio, las cintas de rap que le pasaban y “flipando” con los americanos negros que veía en Rota.
‘Lujo ibérico’ venderá más de 50.000 copias en España sin llegar a pasar jamás por más lista de ventas que la que distribuía la trágicamente extinta tienda Madrid Rock, a la que parecía abonado.
El talento de la nueva rapera no era ningún secreto en el underground, e incluso aquellos poco seducidos por el hip-hop se acercaban con curiosidad a temas tan tarareables como ‘Tengo un trato’, tan bailable en sus juguetones beats, y singles tan subyugantes incluso desde su título como ‘Yo marco el minuto’, toda una declaración de intenciones y un dechado de sensualidad en ese “tengo lo que tú quieres”.
‘Lujo ibérico’ opta por la vertiente más pausada y minimalista del hip hop, con momentos próximos al dub y al funk como ese ‘Con diez o con veinte’ en el que los beats ácidos topan con scratches y voces apitufadas. La Mala ya promete como superestrella y frontwoman capaz de devorar un escenario con frases que son puro carisma como “Yo no me arrepiento de na, tú critica” (‘No van’), y estribillos como “soy la cocinera de tus mejores platos / deja que te empape con lo que yo me empapo” (‘La cocinera’) o “Solo hay cabrones y cobardes” (‘Especias y especies’).
La crítica de la época concede demasiado mérito a la producción de Jota Mayúscula y Supernafamacho, por lo que es justo decir que es la “soundsystem” que rodea a La Mala Rodríguez lo que peor ha envejecido de ‘Lujo ibérico’. Toda la crew masculina suena hoy bastante desfasada, lo que incluye a ese Kase.O que aparece por ‘En mi ciudad hace caló’ para hablarnos de su “pene” y de su “semen”.
Aquí quien manda es ella, que con el tiempo ofrecerá producciones más sofisticadas como ‘La niña’ y discos tan abiertos de mente como ‘Malamarismo’ (2007) y ‘Bruja’ (2013). Aun así, no puede pasarse por alto la enorme influencia que ejercerá este disco en gente como Gata Cattana o Rosalía. Mucho antes de colaborar con Raimundo Amador, ya hablaba de la influencia del flamenco a raíz de este álbum: “Que dejen a los flamencólogos en paz, porque ni creo que les apetezca escuchar rap. El rap es para los raperos, para los que les guste la chulería y el mamoneo”, decía en Mondosonoro.
Rosalía ha actualizado su avatar en sus redes sociales con la imagen de halos de luz. También ha posteado «LUX = LOVE», lo que parece confirmar un secreto a voces y es que su 4º trabajo lleva el nombre de ‘LUX’.
Así se lleva rumoreando desde verano, aunque desde antes incluso ya se especulaba que el álbum tendría una profunda carga religiosa. Estos eran todos los rumores la pasada primavera.
Rosalía también ha colgado una partitura en las Stories de Instagram, que sus seguidores están ya transformando en música en las redes sociales. En concreto se ve un tema que podría llamarse ‘BERGHAIN’.
Además, una serie de carteles han aparecido en Madrid (Callao, Gran Vía) con una foto de Rosalía y una partitura. Otro Stories de Rosalía lamenta la muerte de D’Angelo, sin duda un referente para ella, pero es de esperar que el anuncio de ‘LUX’ llegue en los próximos días.
Seguiremos informando. Mientras tanto, atentxs a nuestro foro de Rosalía.
Rosalía de nuevo adelantada a los tiempos, involucrando de cierta manera al público en el proceso creativo, generando que se visibilice la música antes que todo. Es emocionante ver las interpretaciones de la partitura que compartió.
Es llamativo lo poco que sigue el primer disco de TRISTÁN el estilo popularizado por el sello y colectivo al que pertenece, Rusia-IDK. Mientras rusowsky y Ralphie Choo han seguido triturando géneros, cada uno a su manera, ‘Tristán, Ahora Con Reloj’ prefiere dedicarse con calma, en cada canción, a un estilo diferente, centrándose de manera sorprendente en las guitarras.
El resultado es inclasificable, quizá porque el madrileño Tristán Rodríguez, que no tiene ni 20 años, no concibe la música de otra manera. En ‘Tristán, Ahora Con Reloj’ lo mismo se marca un precioso easy listening en ‘Verónica’ con rusowsky, que un extraño new age con flauta en ‘Kung Fu Beat’, que parece la música de fondo que suena en la sala de espera de un terapeuta.
‘Tristán, Ahora Con Reloj’ se mueve entre el pastiche y el kitsch, entre la imitación y la recontextualización posmoderna. En el primer grupo se cuentan cortes destacados como el new age italiano de ‘Tutta la notte’ con Calcutta, que imita de manera muy divertida el estilo de Franco Battiato. En el segundo, ‘#7 Transhumacia’, que apunta a Hawái… pero a través del exotismo de Les Baxter y la distorsión guitarrera. Podría haberlo firmado Cindy Lee.
Esta mezcla de conceptos hace que ‘Tristán, Ahora Con Reloj’ funcione como inventario de intereses musicales de TRISTÁN, no tanto como obra completa. El disco alterna composiciones clásicas como ‘Life is a Movie’, un medio tiempo country que parece de Alex G o Mac DeMarco, con experimentos desconcertantes como ‘Voyage’ con mori, un funk psicodélico exquisitamente tocado y producido, pero que parece un capricho.
‘Tristán, Ahora Con Reloj’, que se abre con un aparente homenaje al Disco de Oro de las Voyager en ‘Mapamundi’, ni es tan global ni tan enfocado. ‘Capitán Cocodrilo’ es una linda canción acústica, pero el disco habría agradecido empezar con el alegre indie pop de ‘Green Love’, que cierra. En la segunda mitad, el experimento lo-fi ‘Baby Don’t Miss It’ enrarece la energía del álbum.
Decepciona especialmente ‘Estoy amándote tan fuerte’, una colaboración con Guitarricadelafuente que se adhiere a la línea clásica del álbum, incluso al estilo pianístico de Teo Planell, pero que es inferior a las pistas contenidas en ‘Spanish Leather‘, donde tanto TRISTÁN como Planell colaboran.
El valor principal de ‘Tristán, Ahora Con Reloj’ reside en la manera en que recupera estilos aparentemente inconexos, algunos anticuados y rara vez reivindicados, y los pone en el centro de su proyecto. En el mejor de los casos, le salen canciones tan adictivas como ‘Verónica’. En el peor, el álbum se dispersa y solo ocasionalmente -y utilizando un símil cartográfico- vuelve a encontrar el norte.
Irving Azoff, ejecutivo de la industria musical, ha declarado recientemente que Taylor Swift es «nuestros Beatles» actuales. Sus palabras han generado burlas en algunos sectores: a sus 77 años, dicen algunos, Azoff puede decir que sus Beatles son, de hecho, los Beatles (una afirmación edadista que asume que Azoff, por ser mayor, vive en otra realidad distinta a la de los jóvenes). Y han suscitado los enfados esperados. Aunque Azoff no va desencaminado en su comparación.
Por supuesto, las palabras de Azoff están pensadas para provocar, están dichas con brocha gorda, y no deben ser tomadas completamente en serio. Pero Azoff sí lleva parte de razón en cuanto a que la saturación cultural de Swift se parece a la de los Beatles. Y ahí está el quid de la cuestión: Azoff está hablando de popularidad e impacto cultural, no de otra cosa.
Se pueden hacer matices infinitos: los Beatles publicaron menos discos (y duraron menos, se nota que eran un grupo), pero innovaron más. Fueron pioneros en experimentar con sonidos globales y con técnicas de estudio, y en conceptualizar discos. Swift, por su lado, no es una revolucionaria musical, ni una creativa en ese sentido… pero sí representa un modelo de carrera distinto, con mayor control sobre el repertorio y una relación profunda con el fandom.
El problema es que el legado de los Beatles perdura desde hace décadas, mientras que Swift sigue construyendo el suyo. Un dato: los Beatles suman 20 singles número 1 en Estados Unidos. Taylor Swift, de momento, 13. En otras palabras: los Beatles siempre serán el estándar. Los fenómenos de Michael Jackson, Britney Spears o Lady Gaga también se parecieron al de los Beatles. También hubieron una Madonna-mania y una Spice Girls-mania, como hubo una Beatlemania. En ese sentido, la idea de Azoff se le podría haber ocurrido a cualquiera.
El matiz es la relevancia, la medida de éxito: Swift es la única artista actual que puede ser comparada con los Beatles, Elvis Presley o Madonna. En el futuro, otra megaestrella será la nueva “nuestra Beatle”.
El aspecto del éxito Swift más llamativo reside en la manera en que su impacto comercial y cultural desafía un mercado digital y fragmentado. Su éxito no es exactamente el mismo que el de los Beatles: en los 60, los medios eran más centralizados en radio, televisión y prensa, y era más fácil que un fenómeno impactara de forma homogénea. El éxito de Swift se parece más al de los artistas de k-pop, en cuanto a que genera un nivel de devoción extraordinario dentro de su base de fans, pero esa movilización no equivale a una hegemonía cultural universal, como sí ocurrió con los Beatles en los 60 o con Michael en los 90. Simplemente, en una era de medios fragmentados, es imposible.
Entonces, el bueno de Irving Azoff tiene razón, pero solo en parte. Él tiene edad para recordar que la fama de los Beatles era total: sonaban en todas las casas, estaban en todas partes, representaban la corriente principal absoluta en su tiempo. Los Beatles eran el pop. El fenómeno Swift es masivo y global, pero no hegemónico ni total, porque hoy en día eso es imposible.
En realidad, lo interesante de la frase de Azoff no es si tiene razón o no, sino por qué seguimos buscando “nuestros Beatles” en cada generación. Parece que cada época necesita una figura masiva, representativa de su tiempo, inescapable, que equilibre fama masiva, innovación y conexión con los fans. La gran pregunta es quién será la próxima Taylor Swift dentro de 10, 20 o 30 años.
La Oreja de Van Gogh comunica oficialmente el regreso de Amaia Montero a la formación, y también la salida temporal de otro de sus miembros fundadores, Pablo Benegas, quien se retira de la banda para «centrarse en su familia y explorar nuevos retos profesionales”. Benegas seguirá formando parte de la banda, pero no la acompañará en los directos de esta nueva etapa.
ElDiario.es publica la primera imagen del regreso de Amaia a La Oreja de Van Gogh, frente a sus compañeros Xabi San Martín, Álvaro Fuente y Haritz Garde.
El comunicado oficial, citado por ElDiario.es y disponible en Instagram, revela que el grupo, junto a Amaia, ha pasado «un año en San Sebastián» escribiendo «nuevas historias y también recordando todas las anteriores», y señala que «pronto contarán más detalles y noticias».
“Necesitábamos levantar hoy la mano y deciros que sí, que estamos aquí y que el horizonte está repleto de noches mágicas como aquellas en las que vuestra pasión y nuestras canciones se mezclaban en un hechizo inolvidable”, declara el grupo en el texto reproducido por el periódico.
La Oreja publica ya un vídeo en Instagram de Amaia, Xabi, Álvaro y Hartiz ensayando en el estudio, lo que parece una canción inédita.
Casi al mismo tiempo, Leire Martínez parece haber respondido al comunicado de La Oreja, publicando un vídeo de los concursantes de Operación Triunfo ensayando ‘Mi nombre’. «¡Cómo va a sonar esto!», ha clamado la artista, quien cantará ‘Mi nombre’ con los participantes en la gala del próximo lunes.
Nathy Peluso ha sido ‘La Sandunguera‘, la ‘Mafiosa‘, ‘La Presa‘ y ‘La Tirana‘. No contenta con todos estos apodos (y más, si contamos ‘Business Woman’ o ‘Nattikilah‘), Peluso se convierte ahora en ‘Malportada’ en su reciente single, la Canción Del Día de hoy.
‘Malportada’ se une a la lista de temazos de salsa de Nathy Peluso, entre los cuales se cuentan también ‘Puro Veneno’, ‘La Presa’, ‘Mafiosa’ y ‘Erotika’. Formará parte del EP ‘Malportada’, dedicado a la salsa, un proyecto que el público de Peluso lleva demandando hace tiempo.
‘Malportada’, el primer adelanto, es una salsa escrita en el estilo de los grandes, de Willie Colón o Héctor Lavoe. La trompeta de Roinel Vega y el tormbón de Johan Escalante adquieren especial protagonismo en la grabación, una colaboración con Rawayana que no teme recurrir a ciertos clichés del género: en ‘Malportada’, Peluso es la «peligrosa» y Rawayana, el «sinvergüenza».
Ambos son «delincuentes» del amor, por usar una expresión que usaría la autora de ‘Delito’. Las metáforas criminales y/o delictivas son uno de los recursos favoritos de Peluso, aunque suenen ligeramente anacrónicas, y en ‘Malportada’ se pregunta cómo es posible que aún «no la hayan encarcelado», después de todo el «castigo» al que ha sometido a su amante.
‘Malportada’ es otra salsa de Peluso llena de ‘GRASA‘ de la buena. Os recordamos que la gira de ‘GRASA’ concluirá con dos grandes fechas en España: el 14 de febrero en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 17 de febrero en el Movistar Arena de Madrid.
Bad Gyal lanzará su segundo álbum en 2026. La autora de ‘La Joia’ iniciará una nueva etapa el año que viene con un nuevo disco y una nueva gira que le llevará por los principales recintos de nuestro país, además de alrededor del mundo.
Por el momento, no se conocen mucho más detalles del segundo LP de Bad Gyal, aparte de que incluirá los singles ya publicados ‘Da Me’ y ‘Última Noche’, junto a Ozuna. Los singles están producidos por Cromo X y Jorge Milliano, especializados en el sonido caribeño contemporáneo, por lo que es probable que el resto del disco siga esta línea.
La gira de este proyecto arrancará en España y pasará por el Palau Sant Jordi de Barcelona, el Movistar Arena de Madrid, el Roig Arena de Valencia, el Live Sur Stadium La Cartuja de Sevilla, el Arena Miribilla de Bilbao y el Coliseum de A Coruña.
El link de registro para la preventa ya está disponible. Esta comenzará mañana, 16 de octubre, a las 12h. La venta general de entradas será el día 17 de octubre a la misma hora.
BAD GYAL TOUR 2026
20 MARZO | Palau Sant Jordi – Barcelona
11 ABRIL | Movistar Arena – Madrid
24 ABRIL | Roig Arena – Valencia
09 MAYO | Live Sur Stadium La Cartuja – Sevilla
16 MAYO | Arena Miribilla – Bilbao
23 MAYO | Coliseum – A Coruña
Ana Mena ha comenzado su nueva era y está preparada para mostrarse tal y como es. Después de tomarse un descanso tras casi una década yendo a tope, la artista de 28 años sigue construyendo el sucesor de ‘bellodrama’, que verá la luz en 2026. Ella asegura que en este disco, que sigue «en construcción», volcará muchas de las inseguridades que nunca ha mostrado, desde su timidez hasta su rechazo a los eventos de la industria.
El próximo disco de la artista malagueña también ha sido creado en unas condiciones distintas a cualquier otro proyecto de su carrera. En resumen, sin presión y a su ritmo. ‘LÁRGATE’ es la primera muestra de ello: una fantasía homicida divertidísima, con muy mala leche y que también es una de sus mejores canciones. El vídeo, en el que la cantante aparece dando de comer a unas gallinas en lencería y conduciendo un tractor por el campo, no tiene ningún desperdicio.
Hablamos con Ana Mena sobre las razones de su descanso, la faceta personal de su próximo disco, el origen detrás de la idea de ‘LÁRGATE’ y el lío con la portada del single.
Lo primero de todo, ¿qué tal por Tokio?
Qué locura lo de Tokio, ¿eh? Pues super bien. Una experiencia muy loca para mí, pero muy divertida. Todavía sigo sin dar crédito de todo lo que vivimos allí, en ese concierto tan increíble.
¿Habías estado alguna vez por allí?
No, nunca. Fue un shock de todo. El recibimiento, el concierto y el descubrir la ciudad. Me encantó.
Es de lo poco que has hecho este año, porque te has cogido un merecido descanso después de 9 años dándole a tope. ¿Cómo estás? ¿Cómo te ha sentado el descanso?
Maravillosamente.
¿Por qué no te habías permitido parar hasta ahora?
Bueno, yo creo que no era el momento. Hasta después del Wizink de diciembre, cuando dimos por cerrado todo el tour de ‘bellodrama’ y tal, no sentí que podía suceder este descanso. Y yo tampoco me había sentido tan agotada hasta ese punto. Entonces, llegaron las navidades y se me alargaron.
En el comunicado que subiste a Instagram contabas que tu disco se iba a nutrir de todo eso. Tú misma hablabas de los nervios de estar delante de las cámaras, de ir a los eventos, ese tipo de presión… ¿Qué te ha inspirado a hacer un disco tan personal?
Para empezar, el disco lo estamos haciendo todavía. Está en construcción (risas). Lo que me ha llevado ahí son las ganas de abrirme un poco. Sentía que a lo mejor en ‘bellodrama’ sí que musicalmente encontré mucho mi identidad, pero probablemente pasaba por encima de las canciones, sin ahondar mucho. En general, en mi vida, cuando me ponía delante de una cámara, cuando me tocaba hacer una entrevista, cuando yo que sé… Me pasa mucho también en mis relaciones sociales, cuando tengo que conocer gente por primera vez. Soy una persona que tiende a ser reservada de primeras y tímida. Puede no parecerlo, pero es así. De alguna manera, ahora he sentido la motivación, las ganas y la seguridad de querer mostrarme más a mí misma y de querer profundizar mucho más en las cosas que he vivido o que vivo y que quiero contar en las canciones.
Todos pensamos o la mayoría de la gente igual piensa que por ser una estrella del pop y todo eso tienes que ser una bestia social, pero no necesariamente.
Para nada. Yo soy la antítesis de todo eso, te diría. No, no, no… Odio ir a los eventos, me dan un perezón tremendo. Siento como que tienes que estar colocado todo el tiempo en un sitio… No sé fingirlo, no me sale. Me siento muy fuera de ese rollo. Es verdad que hay que estar y que muchas veces es necesario y en algunos sitios incluso te lo pasas bien, pero a priori soy un poco reacia, no te lo voy a negar.
«En ‘bellodrama’ encontré mi identidad, pero no ahondaba mucho en ella»
Enseñar esta faceta de ti, que igual no habías mostrado tanto, imagino que tiene una parte de liberador, pero te quería preguntar si hay un punto de vértigo por tener demasiada exposición.
Y eso que todavía el disco no ha salido… Pues un poco sí, porque te preguntas qué van a pensar si digo tal o cual. El reto está en pasar ese pensamiento a otro lado cuando te viene.
También me llamó la atención que mencionabas «escribir canciones sin presión ni prisas». Justo hace un año, cuando salió ‘CARITA TRISTE’, estábamos hablando y me dijiste que siempre hay una pequeña presión por superar lo anterior, porque le guste a la gente, etc. Y ahora que te has desprendido un poco de todo eso, y entiendo que has hecho canciones a tu ritmo… ¿Qué cambios has notado en la música o cómo ha sido de diferente el proceso?
Me la he gozado tanto… Me lo he pasado muy bien, me he permitido el lujo de probar cosas nuevas, de desechar, de borrar, de seguir, de repente utilizar algo que no habría utilizado antes o de arriesgarme mucho más a la hora de escribir, de hablar, de contar algo que no habría contado… ¿sabes? Y sobre todo eso, que me la he gozado porque no tenía la prisa ni el reloj ahí al lado diciéndome que está pasando mucho tiempo, o que tengo que sacar un single, que tengo que tener preparado otro hit por si acaso… Eso es una presión añadida que tenemos todos pero yo creo que para dar calidad todo el tiempo es inviable someterse a esa presión y esa velocidad a la que va la industria. Muchas veces tienes que elegir, y habrá veces en las que uno tiene que correr todo lo que puede y otras veces en las que, afortunadamente, como yo a principios de este año, se siente que uno puede descansar. Aproveché para escribir canciones a mi ritmo, escribir lo que me gustaba y hacer lo que sentía en ese momento.
Y a partir de ahora, ¿cómo crees que va a ser?
Yo quiero seguir creando así, la verdad, con tranquilidad dentro de lo que se pueda.
Vamos a hablar de ‘LÁRGATE’. Imagino que surge un poco de todo esto también. Enhorabuena, porque nos ha encantado.
Muchas gracias por el artículo del otro día, que lo leí y me emocionó mucho.
¿Cómo se te ocurrió la idea para la canción?
¿Quieres que te cuente la verdad? No lo he dicho en ninguna entrevista. Llegué al estudio ese día y estaba muy contenta. Estábamos en Los Ángeles, habíamos dado un paseo por la mañana en Beverly Hills, nos habíamos comprado un montón de cosas… y de repente empezamos a hablar de programas de televisión con los chicos del estudio y dije: ¿Os acordáis hace mil millones de años de un programa que había en Discovery Max que se llamaba ‘1000 maneras de morir’?. ¿Tú te acuerdas de ese programa? La gente se moría de maneras súper ridículas. Y dije: ¿Por qué no hacemos una canción así? Me acordé de algunos y algunas y dije: venga, vamos. Así fue, te lo juro.
Me acuerdo que había un capítulo en el que un tío iba en un descapotable, levantaba la cabeza y una paloma se lo llevaba por delante.
Te juro que me flipaba ese puto programa. Era una fantasía. Luego ya entra la verdad del asunto que es que todos tenemos ese sentimiento o hemos tenido alguna vez ese sentimiento por alguien. Eso siempre ha pasado. Evidentemente, no estamos locos, no vamos a llevarnos esto a la verdad más absoluta, porque nadie mataría a nadie en esta habitación. Pero empezó así como una broma y luego dijimos: espérate, porque esto lo has sentido tú, lo ha sentido él, yo lo he sentido, y todos tenemos un ex que nos ha jodido la vida. Lo llevamos por ahí, pero al principio la idea empezó por unos jajas.
Más allá de la temática, que es super divertida, es que además la canción es un temazo. Te quería preguntar, ¿para ti qué es esencial en una canción de pop?
A mí me encanta contar historias, entonces una buena historia es esencial en una canción de pop. Un buen concepto. Eso y alguna que otra frase que te llame la atención, que se te clave y que se te quede. Sobre todo, una buena historia y un buen concepto.
«Odio ir a los eventos y me dan un perezón tremendo»
El vídeo de ‘LÁRGATE’ nos ha hecho pensar en Sabrina Carpenter, que también es una fantasía. Ambas habéis tenido un pequeño lío de portadas. ¿Por qué no te dejaron poner la del desnudo en el single?
Fue una tontería en realidad, porque no fue una persona la que me censuró la portada como tal, pero digamos que para meter la portada y tal, primero tienes que introducirla en una especie de filtro y es un robot realmente el que, a causa de ciertos patrones, te la aprueba o te la cancela. En este caso, este robot en cuestión no me dejó ponerla. Dentro de un par de semanas vamos a volver a intentarlo, porque yo quiero esa portada. La quiero y la quiero.
¿Y te enteraste de la polémica que tuvo Sabrina con su portada?
Sí, sí. A mí me encanta la portada de Sabrina. Me parece una genialidad.
En tu vídeo, hay un momentazo al final en el que destrozas un reloj que justamente marca las 12. Yo lo he interpretado como un adiós a la Ana Mena anterior.
Para mí es como que se viene lo nuevo, ¿sabes? Pues eso, que abrimos otra era, pero no dejo de casarme con lo anterior. A mí lo anterior también me encanta y me representa mucho. Pero, claro, de alguna manera quería contar, de alguna manera metafórica, que está llegando un nuevo álbum, unas nuevas canciones y una nueva etapa.
Valeria Castro actuó junto a Dani Fernández en la Gala 4 de Operación Triunfo. Ambos interpretaron ‘¿Y si lo hacemos?’, un tema incluido en el exitoso ‘La jauría’, el último álbum de Dani. La interpretación vocal de Valeria Castro fue titubeante, marcada por una extraña dicción que nada tiene que ver con lo que estamos acostumbrados a ver en directo por parte de Valeria, y las redes se le han lanzado a la yugular.
Han sido varios los artistas que han aparecido en las redes para defender la calidad musical de Valeria Castro, perfectamente demostrada en discos tan notables como ‘con cariño y con cuidado‘ o ‘el cuerpo después de todo‘, que ya tiene un sitio reservado entre los mejores discos de 2025.
El propio Dani Fernández ha escrito en X: «Los artistas somos más que una actuación, una nota o un momento televisivo… Juzgarnos por una fotografía tan estática de nuestro trabajo es perverso, y como siempre, se esconde tras el anonimato de las redes y muchas veces, el total desconocimiento de lo que realmente pasa. Valeria, tu talento, sensibilidad, profesionalidad y compañerismo son indiscutibles. Siempre me vas a tener a tu lado, arriba y abajo del escenario, porque cualquiera que te conoce, sabe la persona tan maravillosa que eres. Te admiro y te quiero, amiga 🌹».
Viva Suecia, que también han colaborado con ella y acaban de editar ‘Hecho en tiempos de paz‘, han escrito: “Conocemos bien a Valeria Castro, compartimos estudio y escenario, y no solo te aplaca con su voz, sino que lo hace tan solo con su presencia… No sabemos qué ha pasado, pero os deberíais lavar la boca con lejía antes de perder el respeto y la empatía ante una persona tan maravillosa”.
Alguien tan inesperado como Alcalá Norte ha contribuido: “Las fandoms de niñatos que te acosan y te insultan si dices que no te ha molado el tema de su triunfito favorito ayer quedaron todos retratados tirando mierda a Valeria Castro a lo bestia. Os tendríais que lavar la bocaza antes de tirarle mierda a un gran referente como es Valeria».
Andrés Suárez contribuye: «Valeria Castro es de las mejores voces y autoras que me he encontrado. Veremos dónde está en 20 años y dónde la crítica de hoy. Qué asco de redes sociales nos están quedando, de maldad cobarde gratuita. Y ahora me voy a poner su último disco, que es una barbaridad. ¡Salud!». Y Roi Méndez suma: «Estamos tan acostumbrados a voces ultraprocesadas con autotune que cualquier cosa que se aleje de lo perfecto, os choca. Hay mil factores que influyen en un directo. Basta ver a Valeria Castro en concierto para entender que es de las artistas más talentosas de este país».
— Ivo Delgado (ᴄʀɪᴛɪᴄᴏᴇɴsᴇʀɪᴏ) 39 🎬 (@criticoenserio) October 13, 2025
Los artistas somos más que una actuación, una nota o un momento televisivo… Juzgarnos por una fotografía tan estática de nuestro trabajo es perverso, y como siempre, se esconde tras el anonimato de las redes y muchas veces, el total desconocimiento de lo que realmente pasa.
Los artistas somos más que una actuación, una nota o un momento televisivo… Juzgarnos por una fotografía tan estática de nuestro trabajo es perverso, y como siempre, se esconde tras el anonimato de las redes y muchas veces, el total desconocimiento de lo que realmente pasa.
Conocemos bien a Valeria Castro, compartimos estudio y escenario, y no solo te aplaca con su voz, sino que lo hace tan solo con su presencia… No sabemos qué ha pasado, pero os deberíais lavar la boca con lejía antes de perder el respeto y la empatía ante persona tan maravillosa
En un mundo en el que el electroclash no termina de desaparecer (The Dare, Svsto), vuelve su versión más punki. Peaches saca un nuevo tema en anuncio de una nueva gira, al menos de momento sin parada en España, y un nuevo álbum. Será su primer disco después de una década, pues ‘Rub’ data de 2015.
El nuevo trabajo de Peaches se llama ‘No Lube So Rude’, saldrá en una fecha por determinar de 2026 y viene precedido de un single de 2 minutos titulado ‘Not In Your Mouth None of Your Business’. Lleva la marca de la casa. La temática vuelve a ser de corte «queer» y el título del álbum es una referencia al lubricante.
Dice la artista: «Cuando el mundo es fricción, el lubricante no es un lujo. Es una necesidad. Es la manera de convertir esa fricción en placer, en poder, en orgullo. Quiero que la gente entienda que aún puede tener voz, sin importar quién sea o lo que el mundo diga de ella. Ahora más que nunca, que hay tantas fuerzas que solo quieren que te rindas y te calles, si este álbum puede ayudarte a resistir eso, para eso está». El vídeo de ‘Not In Your Mouth None of Your Business’ se dedica a la comunidad «trans y queer».
En cuanto a la gira por Norteamérica, que tendrá lugar en febrero y marzo, será con Model/Actriz y Cortisa Star.
Katy Perry no solo actuará en Madrid y Barcelona el próximo mes de noviembre. Esta semana anuncia su participación en dos festivales de nuestro país. La autora de ‘Prism’ estará el 5 de julio en el madrileño Río Babel y también actuará en O Son do Camiño, que se celebra en Santiago de Compostela entre los días 18 y 20 de junio.
Otros cabezas de cartel de O Son do Camiño son Linkin Park. La organización informa de que será una actuación exclusiva en un festival en España en 2026 tras agotar 60.000 entradas en una hora para sus dos shows de Madrid del próximo mes de junio. Además, recuerdan que Linkin Park es «la banda más vendedora de discos en el mundo durante el siglo XXI, con ventas que superan los 100 millones de copias».
Los abonos para O Son do Camiño estarán a la venta el próximo viernes 17 de octubre a las 12 del mediodía en www.osondocamino.es.
«Su peor disco, me temo». «Mala deriva de este que fue un buen grupo». «Es lo peor que han hecho desde que empezaron». Me acuerdo mucho de los comentarios que algunos dejasteis en la crítica de ‘El amor de la clase que sea‘ porque el anterior álbum de Viva Suecia ha terminado convirtiéndose en un clásico del pop español. No es que haya sido disco de platino por los pelos, es que debe de estar al caer el segundo: el álbum acaba de ser excluido de la lista de Promusicae al superar el máximo permitido por las normas. Tres años enteros en lista. Última semana, aún top 23.
Me acuerdo mucho de aquellos comentarios no porque tuvieran razón ni porque no la tuvieran. La calidad y el éxito comercial no son ni sinónimos ni antónimos; pueden ser compatibles, y muchas veces no lo son. Me acuerdo de ellos sobre todo por su radicalidad. Muchas veces me he preguntado si Viva Suecia habían cambiado tantísimo desde sus inicios. En mi opinión, si su álbum superventas era el peor de su carrera, lo era por una décima o dos. Nunca aprecié una decadencia creativa en su trayectoria, ni la aprecio ahora después del éxito masivo y de aquella polémica tan jugosa que tuvieron con Rockdelux, precisamente sobre la calidad de su música.
En la prensa española deberíamos estar analizando con más interés a qué se debe el macroéxito de Viva Suecia. El camino abierto por Vetusta Morla e Izal tienen que ver. La demanda que hay en España tradicionalmente hacia los grupos de guitarras, también. Y la fidelidad que despiertan una vez asentados. La aversión de una parte del público hacia el reggaeton o todo lo que huela a música latina, ha debido de contribuir. Pero sobre todas las cosas, porque las modas vienen y van, me referiría a su habilidad para escribir estribillos coreables. En su caso, en directos impecables.
En este nuevo disco, está claro que esos estribillos más grandes que la vida que van a resonar en arenas y festivales son los de los singles ‘Querer’ y ‘Dolor y gloria’. Uno dice «dime que me quieres, yo sé lo que hay que hacer» antes de que se sume un gancho instrumental a los teclados que ni A-ha. El otro rima: «voy a joderte el presente» con «voy a quererte siempre», como muestra de esas contradicciones humanas con las que todos podemos empatizar. Reconozco que estas nuevas canciones no me han impactado como en su día lo hicieron ‘Adónde ir’ o ‘Bien por ti’, pero en absoluto las percibo a años luz de aquellas. Desde luego siguen sonando a Viva Suecia.
¿No hay ninguna evolución en ‘Hecho en tiempos de paz’? Su mayor novedad es la sección de vientos. El modo en que convierten a Viva Suecia en una suerte de E Street Band. Sus conciertos se crecerán con una docena de músicos. El grupo asegura que se ha atrevido a abrir puertas que no había abierto antes. Sobre todo ‘Mala prensa’ les encuentra en un registro más puramente rock&roll, ya muy poco «indie» sea lo que sea lo que eso signifique. Sería una canción más Ronaldos, Rolling o Bruce Springsteen que Planetas, cuya letra equipara «mala prensa» con «buena publicidad».
Me transmiten menos estos Viva Suecia intentando reafirmarse a sí mismos o moviéndose hacia lo más canónico del rock, para lo que también han llamado a colaborar a Siloé. El cantante más palabrotero de la historia de España dice «joder» nada más entrar en ‘Sangre’, aunque por suerte luego aporta una reflexión más interesante, tras una referencia a ‘Se nos rompió el amor’: «¿Y si me miras con la misma emoción con la que miras al pasado?».
Este inconmensurable nivel de testosterona se encuentra, en cualquier caso, equilibrado con las apariciones de la murciana Hoonine en la costumbrista ‘Tú y yo contra los demás’ y la de Samuraï en ‘Melancolía’, que pasa de ser una balada a piano al cielo. Dos colaboraciones que eximen a Viva Suecia de ser esa banda de cuatro tíos, en los vídeos ya incluso un poco pasados de rosca, que como diría Isa de Triángulo, «no tienen amigas».
El contraste chico/chica hace bien a unas canciones que contienen minúsculas aproximaciones al góspel o al folk (‘Los afortunados’), pero que en general son mejores cuanto más «Viva Suecia» son. ‘Fuimos felices aquí’ lo es 100% desde su mismo título, aunque los teclados apuntan más bien a algo tipo Talk Talk en ‘It’s My Life’. Hacia el final del álbum ‘Deja encendida una luz’, un tanto Strokes, deja un poso positivo con otro de sus estribillos-lapa: «Si me derrumbo… tú deja encendida una luz».
En verdad de eso iba ‘Hecho en tiempos de paz’, de tratar de dejar atrás guerras personales -como sugiere ‘Querer’- y «hacer las paces con el universo» -como sugiere ‘Dolor y gloria’-. «Nos debemos una tregua y un abrazo maternal», propone ‘Gente normal’, que en absoluto es una versión de Pulp. Viva Suecia tratan de concentrarse en el amor que obtienen de su público e intentar devolverlo hasta a quien no lo quiera. Hasta que el cuerpo aguante, y que sea mucho tiempo.
D’Angelo, pionero del R&B y el neo soul, ha fallecido a los 51 años tras una batalla privada contra el cáncer de páncreas. La familia ha confirmado su muerte a Variety, aunque todavía no ha publicado un comunicado oficial: «Estamos eternamente agradecidos por el legado de la extraordinaria música que deja con nosotros». Angie Stone, expareja y colaboradora de D’Angelo, con quien tenía un hijo, murió el pasado mes de marzo en un accidente de tráfico.
Marc Lamont Hill, periodista asociado con BET News, ha sido la primera figura pública en hablar de la muerte del cantante: «Mis fuentes me dicen que D’Angelo ha fallecido. No tengo palabras». A este se han sumado diferentes personalidades del hip hop, como los productores DJ Premier o The Alchemist, incluso antes de que la familia confirmase lo sucedido. Tyler, the Creator, por otro lado, ha llenado sus redes de fotos del artista.
Con tan solo tres álbumes de estudio, Michael Eugene Archer nos deja una de las pocas discografías en las que todos los proyectos son considerados clásicos modernos. Y así, su influencia está presente en todo artista posterior que coquetee con el R&B, desde Frank Ocean hasta Dijon.
Su debut de 1995, ‘Brown Sugar’, sentó las bases de lo que sería el movimiento neo soul de los 90, también encabezado por artistas como Erykah Badu y Lauryn Hill. Su inconfundible voz e inigualable habilidad para mezclar de forma atemporal el góspel, el funk, el jazz y el hip hop marcaron de forma irrepetible la historia del género.
‘Voodoo’, lanzado 5 años después de su primer disco, cementó el papel de D’Angelo como uno de los artistas más importantes de la historia del R&B. Este proyecto le valió ni más ni menos que dos premios Grammy, a la Mejor Interpretación Vocal Masculina de R&B por la sensual ‘Untitled (How Does It Feel)’, y al Mejor Disco de R&B. Al igual que su predecesor, es considerado hoy en día como un disco esencial.
Nacido en Virginia y con un talento para la música desde una temprana edad, el cantante, compositor, multiinstrumentista y productor ya era toda una leyenda cuando, por sorpresa, lanzó su tercer disco en 2014. La llegada de ‘Black Messiah’ sacudió la industria musical, rompiendo un periodo de 14 años en el que D’Angelo se alejó totalmente de la vida pública para volver de la nada con otro clásico más.
Originalmente, el proyecto iba a salir un año después, pero el artista adelantó el lanzamiento como respuesta al movimiento de Black Lives Matter en Estados Unidos, surgido tras el asesinato de Michael Brown por parte de la policía. Alan Leeds, tour manager del artista, aseguró a The New York Times que, después de que el agente fuese declarado inocente en el juicio, D’Angelo le dijo lo siguiente: «Quiero hablar».
D’Angelo aprendió a tocar la guitarra y reclutó a un equipo de músicos impecable para la grabación del disco, entre los que se encontraban Questlove, Pino Palladino, Isaiah Sharkey y Roy Hargrove. ‘Black Messiah’ demostró que D’Angelo no había perdido un ápice de su magia y fue considerado, de nuevo, una obra maestra llena tanto de jams de funk psicodélico como de poderosas expresiones políticas. Con él, otros dos premios Grammy: Mejor Disco de R&B y Mejor Canción de R&B, por ‘Really Love’.
