Revelada la causa de la muerte de Sinéad O’Connor

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29 julio, 2024

Toumani Diabaté, músico de Mali que acercó la música de África Occidental al mundo, ha muerto este viernes a los 58 años de edad «después de una larga enfermedad», ha confirmado su hijo, Sidiki Diabaté. Conocido por su uso virtuoso de la kora, un instrumento de 21 cuerdas típico de África parecido al arpa, Diabaté ha sido uno de los mayores representantes de la música maliense en el mundo, colaborando con artistas occidentales desde el inicio de su carrera.

Nacido en Bamako, Diabaté provenía del linaje del griot, como se denomina a los narradores de historias, poetas y músicos de África Occidental (algo así como el juglar en España). Diabaté tocaba la kora de manera innovadora mezclándola con estilos occidentales, por ejemplo, en el disco de 1997 ‘New Ancient Strings’ con Ballaké Sissoko, o en su trabajo con Ali Farka Touré, ‘In the Heart of the Moon’, ganador de un Grammy en 2006.

Desde el principio de su trayectoria la música de Diabaté se ha contaminado de diferentes culturas. Tan pronto como en 1988 publicó ‘Sanghai’, un disco con Ketama, la banda gitana de flamenco fusión liderada por Antonio Carmona. También son recordadas sus colaboraciones con Björk en el disco ‘Volta‘, de 2007, y con la London Symphony Orchestra. En 2023 se editó el último trabajo de Diabaté, ‘The Sky Is the Same Colour Everywhere’.

Lady Gaga muestra fragmentos de dos canciones nuevas

Por

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29 julio, 2024

Lady Gaga, que acaba de actuar en la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos, en París, ha agradecido a sus fans el apoyo mostrando fragmentos de dos canciones nuevas a las puertas de su hotel, donde una horda de seguidores la ha estado esperando. Es la primera muestra de la música que -presumiblemente- contendrá su próximo disco de estudio, el séptimo, y viene de primera mano.

Así lo ha confirmado Stefani Germanotta en sus stories: «Estoy realmente conmovida por mis fans franceses, que esta semana me han estado esperando a la salida de mi hotel. Esta noche voy a salir a despedirme, y voy a mostraros unos pocos segundos de #LG7».

Gaga ha cumplido su promesa y, apoyando su ordenador en la capota del coche, ha reproducido fragmentos de dos canciones nuevas. La cuenta de X Lady Gaga Now reúne dos vídeos. Aunque en el primer vídeo los gritos de los fans ahogan el audio, en el segundo se escucha claramente una producción de sonido electrónico, próximo a Justice o incluso Nine Inch Nails. ¿También, quizá, un tanto ‘ARTPOP‘? En todo caso, la probable confirmación de que el séptimo álbum de Lady Gaga no tirará por lo clásico.

Han pasado cuatro años desde el lanzamiento del último trabajo de Lady Gaga, ‘Chromatica‘, en pandemia. De aquel disco se editó después una colección de remixes, ‘Dawn of Chromatica‘.

En otro orden de cosas, Lady Gaga ha confirmado su compromiso con el empresario Michael Polansky, su pareja desde hace cuatro años.

Este año se estrena la nueva película de ‘Joker’, con Lady Gaga en uno de los papeles protagonistas. Un segundo tráiler se puede ver desde hace días.

[HD VIDEO AND AUDIO] Lady Gaga plays two snippets from #LG7 in Paris. pic.twitter.com/a7Rt72VJva

— Lady Gaga Now 🃏 (@ladygaganownet) July 28, 2024

Juanjo Bona se alía con El buen hijo para hacer una jota pop

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JNSP

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28 julio, 2024

Varios concursantes de Operación Triunfo 2023 se han puesto de acuerdo para publicar single a la vez en este primer mes de verano. Es el caso por ejemplo de Paul Thin, que acaba de lanzar ‘Alondra’, y también de Juanjo Bona, que ha estrenado ‘Mis tías’.

Cuarto finalista de Operación Triunfo 2023, el zaragozano Juanjo Bona se ha curtido en la jota. ‘Mis tías’ precisamente lleva la jota al pop, pero sobre todo sorprende comprobar que en sus créditos figuran Alicia Ros y Marco Frías, dos de los cinco integrantes de El buen hijo (Alicia forma parte también de Cariño). En la mesa de producción hallamos a Marcel Bagès y David Soler.

En ‘Mis tías’, por tanto, Juanjo Bona apuesta por llevar la tradición al pop, en una canción autobiográfica que dedica a las «mujeres de su vida». No a sus tías de sangre, sino a las trabajadoras de la residencia universitaria donde vivió durante dos años y medio mientras estudiaba Ingeniería Naval en el Colegio Mayor Mendel de Madrid.

Juanjo retrata en ‘Mis tías’ a Luisa, Paqui, Macu, Bea, Maribel, Choni, Eva y Filo, a las que menciona por nombre, recordando con nostalgia sus diferentes interacciones con ellas, mientras las guitarras acústicas marcan el ritmo de la jota. La sensibilidad de El buen hijo se percibe en la melodía de ‘Mis tías’, al mismo tiempo que Juanjo exhibe ese poderío vocal por el que es conocido.

El homenaje de Juanjo Bona a sus «tías» se remata con un videoclip rodado precisamente en el Colegio Mayor Mendel en el que aparecen las mujeres citadas. ‘Mis tías’ va rumbo ya de marcar un millón de reproducciones en Spotify.

Los 90 triunfan en Low con Suede y Los Planetas, que van más allá de ‘Super 8’

Por

Gabriel Carey

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28 julio, 2024

LOW FESTIVAL 2024_viernes_©Rafa Galan-8051 (1) — Rafa Galán

Es la tercera vez que veo a Los Planetas presentar ‘Super 8’ en directo. En cada una de estas ocasiones, ha sido uno de los conciertos más esperados. Los fans ya van avisando desde el bus o el medio de transporte del festival que sea, luciendo decenas de camisetas a juego con la ocasión. De estas, la mayoría suelen ser de ‘Una semana en el motor de un autobús’, con su mítica cruz. Hasta ahora, no había tenido mucho sentido, pero quizás anoche en Low Festival J vio todas esas camisetas, le sobró tiempo y dijo: «Bueno, vale».

La sección de ‘Super 8’ no ha cambiado en ninguna fecha de las que he estado, pero ni hace falta. Temas como ‘Si está bien’ o ‘La caja del diablo’, que suele ser el clímax del set, no dejan de emocionar. En esta última, te puedes perder en los visuales de Javier Aramburu. Otro aspecto que no cambia es la lealtad incondicional de los fans. Es normal escuchar comentarios como «¡J, te queremos!» o «¡Los putos Planetas, tío!» a tu alrededor. Asimismo, los discursillos del vocalista son prácticamente calcados en cada ocasión.

En WARM UP, se trataba del primer concierto de la gira. Llegaron hasta ‘Nuevas sensaciones’ y se terminó el set. En Bilbao BBK Live, se atrevieron a incluir ‘Un buen día’. Anoche, tiraron la casa por la ventana. La primera sorpresa fue ‘Santos Que Yo Te Pinte’. ‘Un buen día’ también entró, provocando la euforia del público. Lo que nadie vio venir fue ‘Segundo Premio’, sin ningún tipo de introducción y siendo la segunda vez que la tocan en esta gira. Sabes que se trata de un clásico absoluto cuando solo hacen falta cuatro golpes de bombo para reconocerlo. Sorprendentemente, la respuesta del público fue bastante tibia. Quizás estaban flipando demasiado.

En realidad, la fiesta noventera había empezado con Suede a eso de las 21:00, hora que decenas de asistentes consideraron como demasiado temprana, manifestándolo en las redes sociales del festival. Viendo todo lo que llenó Mikel Izal más tarde, la decisión de la organización cobra mucho más sentido. Sin embargo, en cuanto a espectáculo, Suede siguen victoriosos.

Por el día, Brett Anderson se pasea con su familia por los pasillos de mi hotel como uno más. Si no supiese que es el vocalista de uno de los grupos clave del britpop, no me llamaría nada la atención. Por la noche, es una hiperactiva estrella del rock. Desde los primeros instantes de ‘She’, Anderson empieza a trabajarse al público mediante gritos y palmas. Para la segunda canción, ‘Trash’, ya lo tiene en su mano. ‘Animal Nitrate’ suena de seguido y Brett ya es una fuerza de la naturaleza, saltando por la tarima, balanceando el micro a modo de lazo de cowboy y uniéndose al público sin más motivación aparente que la de dar espectáculo y pasarlo bien. Todos ganamos.

El show de Suede es uno clásico, en el que todo el peso recae sobre los temas y la actitud del frontman. A la vez, los asistentes también tienen que poner de su parte. Es un concierto muy coreable y Anderson está constantemente pidiendo la colaboración del público. Su voz se oye perfecta, pero la música es un poco barullo, así que hay que suplirlo como sea. La gente cumplió con ‘She Still Leads Me On’, que empezó como una desconocida para la mayoría pero acabó convenciendo ampliamente. «You’re fine boys tonight», exclama el cantante con una sonrisa. No te adelantes, Brett.

El traspié del show llegó con ‘The Wild Ones’. «Vamos a ganarle al tambor del otro escenario con vuestros cánticos, de todos y cada uno de vosotros», ordenó Anderson adelantando el desastre. Reservó el estribillo totalmente para que lo cantásemos nosotros, pero resulta que nadie se la sabía. Era una versión acústica, así que la desconexión se notó todavía más. Menos mal que con ‘Beautiful Ones’ la misma estrategia funcionó perfectamente, consiguiendo el final triunfal que Suede merecía.

Como he adelantado, Mikel Izal llenó totalmente el escenario Vibra Mahou. Incluso en las gradas costaba encontrar asiento. Izal se encuentra en el ‘Muleta Tour’, tras romperse el menisco y someterse a una operación. De ahí, que haga el show sentado en una silla de oficina. Su set está dividido en cuatro capítulos inspirados en su último disco, ‘El miedo y el paraíso’. Él mismo lo describió como «un viaje». Izal se han separado, pero sigue vivo en los conciertos de Mikel. La mayoría de los temas (13 de 20) pertenecen al repertorio del grupo y no faltan favoritos del público como ‘Copacabana’, ‘Qué bien’ o ‘La mujer de verde’.

Que la gente estaba viviendo al máximo el concierto del pamplonés es innegable. Para mí, ocurrió algo parecido a lo del primer día con Mäximo Park, con el escenario Radio 3 ofreciendo una alternativa más atractiva y desafiante. Pareados como «Al miedo que le den por saco, vamos a decirle adiós al ‘Pánico Práctico'» no me conquistan tanto como el «Aquí hace más sudor que en la mili» de Morreo. Con un batería y un guitarrista adicionales, Germán y Joseca cada vez presentan un espectáculo más sólido, concierto a concierto. Estos son una mezcla de desenfreno, tradición y futurismo, exhibido a la perfección en temas como ‘Pesadilla Pop’ o ‘Fiesta Nacional’.

El descubrimiento del día fue Will Butler + Sister Squares, que suenan como el hijo secreto de Belle and Sebastian y Arcade Fire: indie pop con toques de folk, góspel (gracias a los angelicales coros de las hermanas) y psicodelia. Will es mucho más excéntrico en su estilo vocal, que ya es decir, y expresivo que su hermano. La bassline de ‘Stop Talking’ y toda ‘Willows’ fueron los highlights de un exitoso concierto que terminó con el público pidiendo un bis que nunca llegó. La jornada terminó de forma épica con Kavinsky y su envolvente sesión de synthpop con toques ochenteros. Los lasers se veían desde todos los rincones del festival. El productor francés, que le dio al público lo que quería presentando su versión más machacona, dio fin a su set de forma totalmente cinematográfica con ‘Nightcall’. Solo por ese momento, con la silueta del DJ perfilada en la luna llena de la pantalla, merecería la pena tragarse todo el concierto.

Daga Voladora: «A veces una quiere ser un rayo de luz y otras, un rayo láser»

Por

Jaime Cristóbal

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28 julio, 2024

Daga_funda_LP__Ricardo_Roncero — Ricardo Roncero

‘Los Manantiales’ es el nuevo disco de Daga Voladora, alias artístico de Cristina Plaza, que hemos elegido como Disco de la Semana en JNSP. En una reciente conversación tan iluminadora y cuidadosa por los detalles como el propio disco, Cristina nos ha hablado de sus tiempos en el indie nacional como parte de Clovis, sus fuentes de inspiración, su proceso creativo, y también nos recomienda escuchas y habla del precioso diseño del disco.

Me gustaría preguntarte por tus tiempos en Clovis (y después Los Eterno), me interesa saber qué hilo conductor hay entre aquel indie-pop de guitarras y este nuevo material. O si no lo hay, claro. También qué recuerdas de aquella escena, cómo fue tu vivencia de aquellos años.
Fue un momento raro, hubo un cambio de paradigma y nos pilló en medio. De La Buena Vida, Los Planetas, Chucho o Astrud, que eran todos los padres del asunto, a grupos que empezaban como Los Punsetes, Joe Crepúsculo, Klaus & Kinski… y Clovis no encajaba realmente en ninguno de los dos lados. A veces pienso que, si hubiéramos salido un poco antes o un poco después, nos hubiera ido mejor. De todas maneras, creo que hicimos buenas canciones. ‘Mundo’, por ejemplo, fue “la mejor canción de 2005” para los oyentes de Disco Grande y no ha envejecido mal. Y muchas otras.

Recuerdo que llevar un grupo de 5 personas ya entonces empezaba a ser inviable económicamente. Y como además nuestros discos salían en Sinnamon y todos les odiaban, estábamos vetados en el 80% de festivales de entonces. Así que nos tocó buscarnos la vida: nos pusimos a hacer acústicos los dos solos cuando casi nadie se atrevía, porque daba la imagen de “rebajarse”. Cargábamos todo en el coche y podíamos tocar por ahí en salas pequeñas y en bares de jueves a domingo durante varias semanas ¡y hasta volvíamos con dinero a casa! Y aun así, empezó a parecerme todo muy ingrato. Fino venía de Los Enemigos que han sido siempre muy currantes; él ya llevaba casi 20 años tocando, pero para mí era el primer grupo que tenía y después del segundo disco de Clovis me deprimí un montón y no quise seguir en ese rollo. Me fui aislando y empecé a hacer canciones sola, sin ninguna expectativa, sin marcarme estándares de nada, ni tener que condicionar mi música a ningún parámetro de “viabilidad”.

Por seguir «genealógicamente»… ¿cómo contemplas/valoras tus entregas anteriores como Daga Voladora en relación a ‘Los Manantiales’? Personalmente veo un cambio muy interesante entre la época ‘Chiu-Chium’ y ‘Primer segundo’ frente a las canciones sueltas hacia 2020-22, donde todo parece apuntar hacia este nuevo disco. ¿Lo ves así?
Considero que todo es parte de un continuo. En ‘Los manantiales’ parece que la cosa esté más destilada, pero si empiezas a rastrear hacia atrás, hay muchas ideas y elementos que ya estaban en los dos primeros discos como Daga Voladora y desde luego en los otros dos que hice antes, cuando me llamaba Gran Aparato Eléctrico. En este disco no he metido ningún pasaje raro, no hay instrumentales… para mí es quizá en lo que más se puede diferenciar éste de todo lo anterior.

Después de hacer simplemente canciones sueltas, ¿cómo llegamos hasta ‘Los Manantiales’? ¿Qué te mueve a volver a grabar un álbum?
Llevaba mucho tiempo queriendo hacer otro disco – o diciendo que quería hacerlo. En primavera de 2022 me quedé sin empleo, y ahí vi la oportunidad de encerrarme por fin a cacharrear y ver qué iba saliendo. La idea inicial era: termino una canción, la subo a Bandcamp y cuando me junte con 9 o 10 terminadas, hale; ya tengo disco. Lo hice con ‘Madriguera de siete cerrojos’ y con ‘El último día de paz’. Pero a partir de enero de 2023 estuve muchísimo más concentrada, me dejé de historias y ya no subí ninguna canción más. Lo que quiero decir es que esas dos han quedado ahí en Bandcamp como “canciones sueltas”, pero realmente salen del mismo encierro y del mismo impulso que las que conforman finalmente ‘Los manantiales’.

¿Sentirá vergüenza ajena alguien escuchando ‘Cristinópolis’? Pues puede ser, pero es que me da igual; yo también paso mucha vergüenza escuchando cosas que se oyen por ahí

Creativamente, ¿fue un proceso bonito? Hay quien sufre creando y quien goza. ¿Dónde te has situado tú particularmente con este disco?
En cualquier proceso creativo se pasa por todos los estados; el primer día estás contenta porque se te ha ocurrido una melodía guay, luego te tiras diez días de bajón porque todo lo que te sale te parece vulgar… es un poco infernal, la verdad. Pero diría que esta vez me divertí bastante porque me atreví a hacer casi todo lo que quería, sin decidir de antemano si una cosa molaba o no. Incluso cuando creía que solo iba a hacerme gracia a mí, me valía. ¿Sentirá vergüenza ajena alguien escuchando ‘Cristinópolis’? Pues puede ser, pero es que me da igual; yo también paso mucha vergüenza escuchando cosas que se oyen por ahí. Quería hacer una canción como si fuera parte de un musical, la he hecho, y estoy satisfecha. No sé, cuando más sufro realmente es cuando tengo que enseñar las canciones. O a la hora de mezclar; ahí lo paso mal de verdad porque soy muy cerrada, quiero controlarlo todo y no tengo una actitud, digamos, cordial. Cuando le di a Fino las canciones para mezclarlas estuve un mes de los nervios. ¡Me salió una calva en la cabeza y todo! Y ya ves al final lo bien que ha quedado. Él hizo un trabajo increíble mezclando porque hay mil sonidos diferentes y ha conseguido darles espacio y que el resultado final tenga una coherencia. Fino es el mejor.

¿Compones con algún instrumento predilecto? ¿Te viene primero la letra o la música?
No tengo ningún método definido. A veces se me ocurre una frase, le busco una melodía, y después busco a qué acordes corresponde. Otras veces me pongo a trastear con un sinte y de pronto saco un sonido que me gusta y lo tengo que grabar corriendo porque no sé cómo he llegado ahí y entonces tengo que ponerme a hacer la canción sobre la marcha.

Las letras del disco me han encantado. ¿te gusta la literatura o la poesía, o simplemente las letras de algunxs artistas? ¿De dónde nacen tus letras?
Voy cogiendo de aquí y de allá. Apunto frases. Puede ser algo que sale de una conversación, o que leo en un libro, en una noticia, o hasta en la etiqueta del champú. Con el tiempo vas desarrollando una especie de olfato y reconoces más fácilmente dónde hay material para una canción. Y luego están las cosas que yo quiero decir, mis cosas. Una vez leí que la cineasta Chantal Akerman estaba harta de oír: “oh, tus películas han sido una gran fuente de inspiración para hacer las mías”, y se quejaba de no recibir ningún porcentaje de las ganancias de esas pelis de otros. Alguien le dijo “bueno, mujer, tú también habrás cogido la inspiración de alguien, ¿no?”, y ella contesta: “¡sí, de mí misma: yo soy mi mayor fuente de inspiración!”. Pues a mí me pasa igual. Y no significa que las canciones hablen de mí, es solo que intento aplicar mi punto de vista.

Es un poco atrevido hablar de «temas» de las canciones, yo las he recibido más como viñetas, a veces más visuales o impresionistas (como ‘Catedral’), a veces más «narrativas», sean ficcionadas o no (como «Me pasará contigo»). ¿Ves ese tipo de dicotomías?
Sí. Eso me dio un poco de miedo en algún momento, pero al final creo que no tiene importancia si hay una canción que describe una escena y a continuación otra que cuenta una historia. Precisamente la búsqueda de coherencia total es lo me ha bloqueado en el pasado, así que ignorar esa premisa y hacer con cada canción lo que se me iba ocurriendo me ha dado buen resultado – al menos esta vez.

Mi favorita es quizá ‘Quise ser’. Me gusta mucho que suena más desencantado que un ‘Quiero ser’ o un ‘Quisiera ser’. ¿Denota eso una carrera artística que viene de lejos, la experiencia? ¿Encierra frustración porque el mundo creativo es duro, o son imaginaciones mías? ¿Es este un disco más «adulto»?
¡Argh! ¡Odio la palabra “adulto”! El otro día alguien me preguntó por mis “melodías infantiles” y mis “sonidos de juguete” y me sentí tan ofendida que me entraron ganas de estrangularle. Pero luego pensé “¿es que acaso hay “melodías adultas?” y me dio como repelús. A ver, no puedo negar que yo ya voy teniendo una experiencia, pero ‘Quise ser’ no tiene nada que ver con la frustración, sino con quererlo todo en la vida, hasta cosas que son opuestas. A veces una quiere ser un rayo de luz y otras más bien un rayo láser.

«El otro día alguien me preguntó por mis “melodías infantiles” y mis “sonidos de juguete” y me sentí tan ofendida que me entraron ganas de estrangularle. Pero luego pensé “¿es que acaso hay “melodías adultas?”»

Sobre ‘Fosforito’ también te tengo que preguntar, ¿cómo se te ocurre cantar una oda (tan bonita) a la cerilla? Me encanta.
¡Gracias! Pues es una mezcla de asuntos que acabaron encajando. Empecé a trabajar en este disco en una aldea perdida en el verano de 2022, cuando ya sufrimos una sequía importante. Había un bosque cerca y a la entrada veía siempre un cartel de esos tan bonitos que tienen una cerilla gigante dibujada y pone “prohibido hacer fuego”. Por otro lado, la siguiente fase de grabación del disco la pasé en Linneo que es (entre otras cosas) un taller de reparación de cachivaches analógicos. Yo había empezado a hacer una canción en plan dub, y un día charlando con la gente de allí me cuentan que tienen por ahí aparcada una mesa de sonido que había pertenecido a Lee “Scratch” Perry, patriarca del dub y el reggae. Este señor estaba como una chota y una vez prendió fuego a su propio estudio. Total: que juntando unas cosas y otras, salió la letra. Cuando me puse a cantarla pensé “dios mío”. Pero fui adelante con todo y si la escucho ahora, a mí también me encanta.

La amalgama de estilos del disco es otra de sus muchas cualidades: ¿qué escuchas habitualmente como aficionada? ¿Hay algún disco o artista (nacional o internacional) que recomendarías últimamente?
Ahora mismo estoy enganchada al nuevo de Cassie Ramone, se llama ‘Sweetheart’, búscalo en YouTube; es maravilloso. Me gustaron mucho el último de Laura Groves (‘Radio Red’) y el de Kacey Johansing (‘Year Away’). El de MGMT es maravilloso. El nuevo de Mount Kimbie también me está molando un montón. Y de aquí… el disco que sacó Florent el año pasado me encantó. El de Alonso es buenísimo también. Todos estos, recomendaría. Y el próximo de Espanto. ¡Y a Sofía!

Creo que hace poco hiciste un directo en Madrid para presentar ‘Los Manantiales’. ¿Qué tal fue la experiencia? Vi una foto contigo y un ukelele. ¿Fue una cosa muy «unplugged»? Y de ser así, ¿cambiaban mucho las canciones de atmósfera, de rollo? En el disco la producción tiene un papel muy importante.
El directo no puede ser igual que el disco. Tampoco es algo con lo que yo disfrute mucho: ni con Clovis, ni cuando tocaba el bajo con Anntona, ni cuando me sacaba Alondra en algún concierto a cantar… A mí me gusta más grabar, y hacer miles de arreglos sin pensar que tienen que sonar después en directo. Aún no me veo haciendo playback ni karaoke. Si viene alguien y me dice “toma 6000 euros, búscate 4 o 5 músicos y empieza a ensayar que tienes un concierto dentro de un mes”, igual me lo pensaría. Como eso no va a ocurrir, si sale algún concierto, será acústico; yo cantando y tocando el guitalele (que no ukelele!), o una guitarra eléctrica. En Madrid la gente se portó fenomenal, súper atenta y muy respetuosa. Fue una sorpresa para mí porque anuncié el concierto prácticamente de un día para otro, algo improvisado, encima en julio que en Madrid ya la gente se empieza a marchar… ¡y resulta que se agotaron las entradas! Yo estaba hecha un flan, claro. Fue muy guay.

Respecto a eso precisamente -producción y arreglos- oyendo el disco me imaginaba un trabajo de orfebrería, despacito, añadiendo un detalle aquí, otro allá… inspirado pero también constante. ¿Fue así la labor de «vestir» las canciones?
Sí. Ten en cuenta que hago todo en soledad, así que por fuerza voy despacio. Tampoco soy músico de conservatorio, no estoy actualizada ni tengo mucha pericia tecnológica. Repito y repito y borro y vuelvo a borrar. Además, compongo y grabo a la vez, en el mismo proceso. No hay maquetas previas, si acaso una nota de voz de 15 segundos en el móvil. Es todo bastante artesanal. En total he empleado un año casi casi a tiempo completo solo en lo que es inventarme las canciones y grabarlas, sin mezclar ni nada. Para el siguiente disco igual me busco una “Wrecking Crew”… y a correr.

¿Producirías discos a otrxs artistas si tuvieses la oportunidad?
Dependiendo del artista, sí. Y sería un desastre porque no tengo paciencia.

“Soy perfeccionista en el sentido de querer que las cosas queden a mi gusto 100%, más que en que algo tenga una factura impecable. Ese tipo de perfección no me interesa”

La portada y diseño son preciosos. ¿Nos puedes hablar del trabajo con Beatriz Lobo? Hace poco te leí en Twitter «protestando» en broma porque hay quien no quita el plástico retractilado del disco y se pierde el bonito acabado mate. Lo primero: bravo por ese mate, hay que reivindicarlo más. Lo segundo: ¿eres maniática o perfeccionista en el aspecto visual de tus obras? ¿Y en el musical?
Soy perfeccionista en el sentido de querer que las cosas queden a mi gusto 100%, más que en que algo tenga una factura impecable. Ese tipo de perfección no me interesa. Yo es que vengo del grunge y del DIY y a veces me da un poco de rabia no tener un sentido estético más desarrollado, una visión más en conjunto de lo que hago. Veo por ejemplo a Rebe, esas fotos de su Instagram, esa performance que hace en directo, esa estética tan definida y reconocible. Me da una envidia total. En cuanto a Bea Lobo, qué voy a decir: que me flipa. Sus portadas de discos y de libros, sus carteles, ella misma como persona. Es un genio, o quizá debería decir que es bastante genialoide.

¿Cómo conseguiste el permiso para utilizar un óleo de Javier de Juan? ¿Conocías su obra, otras portadas… ? Hace poco un amigo me mencionó la portada de ‘Entre flores raras’ de La Unión, también suya, yo no la conocía.
Conocía la obra de Javier de Juan porque mi padre compraba la revista Madriz, y me encantaban sus ilustraciones y sus historias – llegué a forrar alguna carpeta del colegio con ellas. Él hizo la portada de ‘El maldito viento’ de La Unión, creo que fue el primer disco que me compré con mi dinero, y casualmente es mi favorito de ellos. Le había perdido la pista hasta que el verano pasado vi unos carteles suyos en las marquesinas de los autobuses. Me dio un flashazo y le busqué por internet. Le mandé un email y me invitó a su estudio. Me enseñó obras suyas de todas las épocas, yo flipaba porque todo lo que veía me gustaba. Al final entre los dos elegimos ese cuadro que pintó en 1986. Poder usar una obra suya fue determinante para que me decidiera a sacarlo en formato LP. Él me decía “las cosas tangibles son importantes, no puede ser todo digital”. Para mí es un lujo tener esta portada. Tanto Javier como Bea han sido muy generosos. Todo el mundo lo ha sido, realmente: Fino, Andrés Arregui que accedió a tocar el saxo, los de Lovemonk que sacan el disco… a mí se me llena mucho la boca diciendo que lo hago todo sola y es verdad que me cuesta echar mano de otra gente, pero a los que he pedido ayuda me lo han puesto muy fácil. Estoy muy agradecida con todos y con todo lo que va pasando con este disco, de verdad.
<a href="https://dagavoladora.bandcamp.com/album/los-manantiales">Los manantiales de Daga Voladora</a>

Daga Voladora habla de contradicciones en ‘Quise ser’

Por

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27 julio, 2024

Daga_Test_1__Fino_Oyonarte — Fino Oyonarte

Nuestro Disco de la Semana es ‘Los manantiales’ de Daga Voladora, a la que conociste en su momento como miembro de Clovis. Una de las composiciones idóneas para adentrarse en su magnético mundo es ‘Quise ser’, nuestra Canción del Día hoy.

‘Quise ser’ comienza guiada por una guitarra acústica y termina embadurnada de guitarras eléctricas distorsionadas. Y sin embargo no será una canción folk en absoluto ni mucho menos un tema indie-rock. Con sus sintetizadores y su ritmo cercano al reggae, podría haber sido una de esas canciones que Single hacían con anti a los coros. Su letra parece hablar de viejas posibilidades y traumas, que van de lo profesional a lo personal.

«Yo quise ser / Héroe de ficción / Pintora expresionista / Actriz revelación» es la primera estrofa de la canción, mientras otros puntos de la canción versan más sobre amor hablando de «La camarera de tu amor», «Estrella en tu constelación» y finalmente «Objeto de tu perdición».

En una entrevista de Jaime Cristóbal que publicaremos este domingo, Daga Voladora niega que ‘Quise ser’ hable sobre frustración. Y también que este sea un disco «adulto».

Estas son sus palabras: «¡Odio la palabra “adulto”! El otro día alguien me preguntó por mis “melodías infantiles” y mis “sonidos de juguete” y me sentí tan ofendida que me entraron ganas de estrangularle. Pero luego pensé “¿es que acaso hay “melodías adultas?” y me dio como repelús. A ver, no puedo negar que yo ya voy teniendo una experiencia, pero ‘Quise ser’ no tiene nada que ver con la frustración, sino con quererlo todo en la vida, hasta cosas que son opuestas».
<a href="https://dagavoladora.bandcamp.com/album/los-manantiales">Los manantiales de Daga Voladora</a>

Charli xcx pincha su remix con BB trickz

Por

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27 julio, 2024

Tras el éxito del remix de ‘girl, so confusing’ junto a Lorde, que ha cambiado por completo el sentido de la canción, Charli xcx aseguraba en Billboard que habría nuevos remixes de ‘BRAT’.

Lo que no viste venir es que uno de ellos estaría protagonizado por la española BB trickz. La cantante, presente en lo mejor de 2023 con ‘Missionsuicida’, ha tenido un viral este año en México en compañía de Kevin AMF, ‘Jálale alv’.

Y ahora BB trickz canta en un remix de ‘Club Classics’ que ha podido escucharse durante la Boiler Room de Ibiza. Algunos usuarios bromean con que Charli ha escogido a BB trickz sobre Bad Gyal por el “shade” que esta le lanzó hace unos años. Fue en una entrevista con JENESAISPOP.

Charli xcx debuts her Bb Trickz collaboration during Boiler Room set.

pic.twitter.com/mCqk4OdElF

— Pop Crave (@PopCrave) July 26, 2024

charli xcx collabing with bb trickz and not bad gyal after reading how she shaded her

— web diva lain iwakura (@themexicanbjork) July 26, 2024

Pixies conquistan y Shego dan la sorpresa en Low Festival

Por

Gabriel Carey

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27 julio, 2024

El mismo día que la fallida inauguración de los Juegos Olímpicos en París, otra edición de Low Festival daba comienzo con un gran sabor de boca. El sold out total ya se ha cumplido. Si el resto de días son como el primero, es probable que muchos se arrepientan de no haber estado a tiempo. 23.000 personas han disfrutado de esta primera jornada en el festival de Benidorm.

En las primeras horas de la tarde, mientras los asistentes con abono VIP POOL intentaban sacar su cerveza de la privilegiada zona sin éxito, Ginebras se quejaban del «puto calor». «Es muy fuerte ver a tantísima gente a esta hora», dice una sorprendida Magüi. Aunque llevan dos meses sin subirse al escenario, el cuarteto no ha perdido la capacidad de transmitir el buen rollo que tanto les caracteriza. Por ejemplo, con la amena ‘Bailando Mal’ junto a ELYELLA. Es el chute de energía necesario para aguantar de pie todo el festival. El otro ingrediente esencial es algo de emoción, y en ello la experta es Amaral.

El grupo zaragozano estrenaba el escenario Vibra Mahou, apartado del resto y con gradas incluidas para prensa y VIP. Un mini estadio dentro de un festival. Sin embargo, creo que una parte de la gracia de los conciertos de Amaral es compartir las canciones con el mayor número de personas posible, así que la pista era el lugar indicado. ‘Marta, Sebas, Guille y los demás’ no tiene sentido fuera de la muchedumbre y los abrazos. La banda, maravillosos como siempre, congregó a uno de los públicos más grandes de la jornada tan pronto como a las 21 de la noche. Normalmente, la programación de Amaral está más cerca de la medianoche, pero es cierto que esta colección de clásicos podría funcionar a cualquier hora. Repion, que gozaron de un público en el escenario Radio 3 que no tuvo nada que envidiarle al de Maxïmo Park, fueron invitadas para cantar ‘El universo sobre mí’. Momentazo. Todos nos sabemos la letra de pe a pa. Aun así, me gusta pensar que las hermanas Iñesta le dieron un vistazo antes de salir para asegurarse. Es lo que habría hecho yo.

«Está cantando el Ferreiro ahí», oigo a mis espaldas en la cola de un puesto de comida, uno de los 19 disponibles en todo el recinto. «Es su hijo», respondo, sin que me hubiesen preguntado. A continuación, la interacción más escuchada al hablar de Querido, el grupo de Andrés Ferreiro, hijo de Iván, que casi se ha convertido en un reclamo de marketing: «¡Pues suenan igual!». Además de mirar el cartel, la otra forma de darse cuenta de que no estaba cantando Iván Ferreiro es justamente lo que estaba sonando. Una versión de ‘Solo quiero bailar’ de Zenttric, aquel clásico de la radio de 2009 que seguramente Andrés creció escuchando.

Para clásicos, Pixies. El grupo de Boston regaló el que es ya uno de los conciertos clave de esta edición de Low. La punzante, rasgada y viva voz de Black Francis brilló desde el primer momento con ‘Gouge Away’, a la que siguieron con el torrente sonoro de ‘Wave Of Mutilation’. Pixies son maestros en conseguir el equilibrio perfecto entre lo ruidoso y lo melódico, y el show de anoche exhibió esto a la perfección, cambiando de ritmo constantemente entre tema y tema. Entre la parte vocal e instrumental del concierto, es difícil elegir una. Lo que es fácil es quedarse embobado con los mil registros del vocalista y sus gritos improvisados o con la mágica voz de la última incorporada al grupo, Emma Richardson. En ‘In Heaven’, esta brilló. Por otro lado, los momentos en los que cobraba protagonismo el guitarrista Joey Santiago también eran dignos de éxtasis. El puente instrumental de ‘Hey’ era capaz de cortar el calor en el aire y la cover de ‘Winterlong’, de Neil Young, estaba llena de experimentación y melodía a partes iguales. Santiago puntea, aporrea y sacude su guitarra con un cariño pasmoso.

Hacia la mitad del show, estaba muy claro que no iban a decir ninguna palabra fuera de la música. De hecho, así fue hasta el final del concierto. No dieron ni las gracias. Para suplir los momentos de calma que brinda la comunicación con el público, Francis se entretenía con su guitarra acústica entre canciones, dando una serie de acordes aflamencados sin ningún propósito aparente. En uno de estos momentos, como de sorpresa, suena el primer acorde de ‘Here Comes Your Man’ y todo el Vibra Mahou empieza a bailar. Seguramente, el momento más pop friendly del recital. A falta de ‘Monkey Gone To Heaven’ y pese a la aparente prisa de Francis por despachar ‘Where Is My Mind?’, el concierto de Pixies lo fue todo: ruido, silencio, caos y paz. ‘Debaser’ fue el pelotazo final, dejando la energía del público en su punto más alto.

Después de los de Boston, los siguientes en ocupar el escenario grande fueron Maxïmo Park, y les vino demasiado grande. La pista tenía demasiados huecos libres y, mientras Pixies eran capaces de cantar ‘I feel like a chicken’ sin ningún tipo de contexto, el vocalista Paul Smith parecía sentir la necesidad de explicar cada canción minuciosamente antes de que sonase. ¿Dónde estaba la gente? Maite, de Shego, estaba igual de sorprendida: «Hostia, ha venido todo el Low, ¿no?».

Charlotte, Maite y Raquel anunciaron que estaban en medio de una transición en su directo, contando que muchas de las canciones que hasta ahora tocaban en vivo iban a dejar de formar parte de su setlist. Es una cuestión de renovación. «Lo mismo que hay temas que se van, hay temas que vienen», contaba Maite hilando muy fino. Tienen material nuevo y quieren presentarlo. Una de estas novedades se trata de un temazo absoluto sobre rendirse al lado oscuro de la juerga: «Da igual donde sea la fiesta / Estamos ahí todos juntos entre la mierda / Te quieres venir?», cantan de forma súper pegadiza.

No sé que canciones van a eliminar de su repertorio, pero hay dos que me dolería mucho no volver a presenciar. ‘qué voy a hacer’ y ‘Vicente Amor’ son los mejores ejemplos del carisma, presencia y estilo descarnado, y hasta desinteresado, del grupo madrileño. «Cállate, cierra la boca / Ten cuidado conmigo / Que me vuelvo loca», cantan en esta última. Digo cantan, porque realmente suelen cantar juntas. Diría que les falta algo de rodaje al empastar las voces para que suene redondo, pero es claramente una parte de por qué molan tanto. Lo dicho. Shego, escenario principal.

Britney postea que odia ‘Lucky’ de Halsey y luego lo borra

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27 julio, 2024

‘Lucky’ de Halsey, con su referencia al tema homónimo de Britney Spears, ha sido una de las novedades más comentadas de este viernes. Pocas horas después de salir, un mensaje en la cuenta oficial de Britney dejaba helado al mundo. La cantante decía sentirse «acosada y violada» por el uso que Halsey había hecho de su canción, concretamente en su videoclip.

El vídeo de Halsey contrapone la vida de una estrella con la de una niña en su casa soñando con ser alguien. También aparecen imágenes de Halsey sometiéndose a un tratamiento por la enfermedad que le fue diagnosticada hace un par de años, y de la que ya se ha recuperado. Su próximo álbum habla de eso.

Las palabras de Spears, refiriéndose al vídeo de ‘Lucky’, fueron algo así como: “No sabía que una artista como ella y alguien a quien admiraba me retrataría de manera tan ignorante, como una estrella de pop superficial sin corazón ni preocupación en absoluto. Tengo mis propios problemas de salud y por eso cerré mi Instagram ayer. Lo vuelvo a poner online porque ME IMPORTA. Estoy hablando con mis abogados para ver qué podemos hacer con esto. Parece ilegal y sobre todo cruel”.

Cuando el mundo estaba frotándose los ojos, Britney decidia borrar el post, asegurando que no había sido ella quien lo había escrito: «Fake news. No era yo en mi teléfono. Me encanta Halsey y por eso lo he borrado».

En un alarde de educación y saber estar, Halsey ha respondido que le encanta Britney: «Me encanta y siempre me ha encantado. Fuiste la primera persona que me hizo darme cuenta de lo que significa sentirse inspirado. Y sigues inspirándome a diario».

Britney Spears says she did not post the statement claiming she was suing Halsey over her song “Lucky,” which interpolates Spears' classic hit of the same name:

“Fake news !!! That was not me on my phone !!! I love Halsey and that’s why I deleted it 🌹 !!!” pic.twitter.com/gNeCYZw2OW

— Pop Crave (@PopCrave) July 26, 2024

Céline Dion y la diversidad salvan del desastre «París 2024»

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27 julio, 2024

París ha celebrado la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos en medio del caos. Si no era suficiente con el boicot a su red ferroviaria, la lluvia no ha dejado en paz la gala programada a las 19.30 horas. La decisión de desarrollar el desfile de un par de cientos de países navegando por el Sena tenía cada vez menos y menos sentido a medida que la tormenta no arreciaba.

Algunos países compartieron barcos, otros parecían abandonados en el río como pateras y sobre todos caía una tromba de agua que manchaba cámaras y dificultaba una realización llena de fallos. ¿Lo mejor de la parte del río? Cuando París se rio de sí misma incorporando un osado golpe de realidad: las ratas.

Lady Gaga no tardaba en salir a actuar, con una versión en rosa de ‘Mon truc en plumes’ correcta y cabaretera que hubiera lucido mejor en el paisaje de Montmartre -o sea, Moulin Rouge- que en mitad del río, sin público ni calor por ningún lado. Al menos no le llovió encima, se dice que porque su actuación estaba pre-grabada.

Solo la energía y las ganas de vivir 15 segundos de gloria salvaron la ceremonia del hastío absoluto después. Los homenajes a la cultura vogue, a la inclusividad y a la rave de puro after fueron lo mejor de una gala de presentación que en principio lució demasiado austera. El tributo a ‘Jules et Jim’ -hoy evolucionado a poliamor- realizado por una trieja racializada recordó quién ha ganado las elecciones en Francia. La organización parisina pareció regodearse en ello todo el rato a través de maquillaje, vestuario y montaje. El espectáculo cuando caía la noche era ya de pura ball.

Hubo varios homenajes a la cultura pop, como esos Justice de fondo, esa producción de Cerrone o -por elipsis- ese trending topic continuo anhelando a Daft Punk. Los metaleros Gojira dieron una de las mejores actuaciones, tirando de María Antonietas en lo que parecía un número dirigido por Sofia Coppola.

La noche decayó en algunos números entre esa amazona que no llegaba nunca, y esos charcos de agua que daban cada vez más y más tristeza, y quien realmente salvó el show al final fue Céline Dion. Tras publicar el documental sobre su enfermedad, se repuso a tiempo de subirse a la Torre Eiffel para entregar una versión de cortar el hipo de la enorme Édith Piaf. Entre todas las decisiones desacertadas de que fuimos testigos esta noche, la elección de ‘Hymne à l’amour’ no fue una de ellas.

Los jóvenes se gastan el Bono Cultural en grandes almacenes… y reggaeton

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26 julio, 2024

El Diario publica hoy un interesante reportaje sobre en qué se están gastando los jóvenes que cumplen 18 años su Bono Cultural de 400 euros. Aprobado por el gobierno de coalición durante la legislatura anterior, se trata de una ayuda que ha de repartirse de la siguiente manera: 200 euros han de ir para artes como la ópera, el cine, la danza, la música en directo, museos, bibliotecas, festivales o espectáculos taurinos.

Otros 100 euros deben ir para productos físicos a elegir entre libros, revistas, prensa o videojuegos y los 100 euros restantes son para consumo digital en línea, por ejemplo, audiolibros, podcasts, videojuegos en línea o libros digitales.

El Diario informa de que no se puede averiguar cuáles son los libros o los videojuegos más vendidos, pero sí se puede acceder a unos datos curiosos. Por ejemplo, a qué festivales están yendo estos jóvenes, o a qué empresas.

Más de 3.000 empresas distintas se han beneficiado del Bono Cultural, pero el 95% de los 124 millones de euros gastados en total lo concentran solo 200 empresas, capitaneadas por Fnac y El Corte Inglés. Según los datos aportados a este medio tras una solicitud amparada en la ley de transparencia, sabemos que Fnac y El Corte Inglés acapararon respectivamente 20 millones de euros y 13 millones de euros, respectivamente, de parte del Bono Cultural. Sería un 16,2% y un 10,75% del total, entre los meses de septiembre de 2022 y mayo de 2024. Es decir, solo entre estos 2 grandes almacenes se ha ido casi un tercio de las ayudas.

Casa del Libro aparece en 5º lugar, Enterticket en el 6º y Ticketmaster en el 7º con 4,6 millones de euros (menos de un 4%). Cierran el top 10 Netflix y Yelmo, cada uno con unos 3,5 millones de euros en ingresos.

El tercer lugar llama mucho la atención, pues se trata del Reggaeton Beach Festival. Se ha llevado más de 7 millones de euros gracias al Bono Cultural, y lidera, por mucho, el listado de festivales que más dinero han recibido. El Diario publica un top 13 en el que encontramos Puro Latino en el puesto 2, Boombastic en el puesto 3, Arenal Sound en el puesto 6 y Primavera Sound (con solo 241.450 euros) en el puesto 12. Es decir los jóvenes se gastan 30 veces más en el Reggaeton Beach Festival que en Primavera Sound.

Reggaeton Beach Festival es un evento que se celebra a lo largo del verano en diferentes ciudades. A lo largo de junio, julio y agosto tienen actividades en Oropesa, Tenerife, Benidorm, Málaga, Santander, Mallorca, Madrid, Barcelona, Avilés, Gran Canaria, Nigrán y Torrevieja.

Los Campesinos! / All Hell

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Entre los grupos que podían vivir un resurgir de su carrera en 2024 probablemente pocos habrían pensado en Los Campesinos!, el grupo barra colectivo de Cardiff que conocimos allá por 2008 con su debut, ‘Hold On Now, Youngster…’, practicando una mezcla de emo, punk y twee-pop que ellos llamaban tweex-core. Muchos pasamos página de Los Campesinos! hace rato, pero su fanbase no ha parado en realidad de crecer -y de rejuvenecerse- en todo este tiempo. Y sin la ayuda de TikTok ni virales de ningún tipo. El pasado mes febrero, Los Campesinos! ofrecieron el concierto más multitudinario de su carrera. En palabras de su líder, Gareth David, “fue una puta locura”.

Puede que el resurgir del pop-punk haya tenido que ver con el renacimiento de Los Campesinos!. O puede que sus letras sobre relaciones sentimentales, crisis varias, política, salud mental o fútbol, a menudo patéticas y pesimistas, a menudo, también, pasando de las referencias cultas al puro costumbrismo, hayan sabido conectar con una nueva generación, de manera que otros artistas solo pueden soñar. ‘All Hell’, el primer disco de Los Campesinos! en 7 años, se acaba de ganar un “Best New Music” de Pitchfork y las reseñas de los medios están siendo excelentes. El mérito es mayor cuando descubres que ‘All Hell’ es un disco totalmente autoeditado y autoproducido.

Precisamente a sus fans, en concreto a los más insufribles que les han salido, dedican Los Campesinos! uno de los cortes de ‘All Hell’, ‘Clown Blood; or, Orpheu’s Bobbing Head’. David se retrata como “titiritero parasocial” en esta guitarrera composición que suena a los Fall Out Boy clásicos. Aunque en realidad ‘All Hell’ recuerda sobre todo a Los Campesinos! de siempre, tanto que da la sensación de que el disco podría haber salido en algún momento entre 2008 y 2012. Parece de otra época.

Son varios los “infiernos” retratados en ‘All Hell’, no obstante. ‘Adult Acne Stigmata’ -uno de los mejores títulos de 2024- plantea el concepto del disco en el mismísimo final, valiéndose de una forma acústica, calmando las aguas. Ese dilema entre la esperanza y su opuesto que ha recorrido siempre las letras de Los Campesinos!, vuelve a estar presente aquí: “eres tan bella, el cielo es azul, pero sabes muy bien que todo es un infierno”.

Para Los Campesinos! no existe manera de escapar el dolor en un mundo sumido en el capitalismo, el auge de la ultraderecha y la dictadura de las playlists. Le suman a todos estos problemas, el mayor de todos: estar vivo. Así, las canciones de ‘All Hell’ se funden en catarsis guitarreras en casi todas las ocasiones, incluyendo arreglos de cuerda que enriquecen la producción. Tanto cuando se ponen urgentes, como en ‘Holy Smoke (2005)’, sobre ese momento en que te das cuenta de que todos tus amigos se han casado y tienen hijos y tú no; como cuando se ponen grandilocuentes y épicos, como en ‘A Psychic Wound’, a Los Campesinos! les salen canciones estupendas, aunque suenen esclavas de otro tiempo.

Las tendencias socialistas de este grupo al fin y al cabo llamado Los Campesinos! se plantean ya en el corte inicial, ‘The Coin-Op Guillotine’, que, en la faceta más épica e indie-rock del septeto galés, pinta una imagen distópica del mundo incluyendo una referencia a un poema de James Oppenheim de 1911. En la apabullante ‘Long Throes’, otra de las canciones agarradas al “in crescendo” de ‘All Hell’, atacan el activismo de pega e indirectamente también a las bandas de punk que se venden por cuatro duros (sus fans en Genius tienen una idea de a qué banda se refieren). La también urgente ‘To Hell in a Handjob’ habla de “el apocalipsis climático y de machacar a los fascistas a puñetazos”.

Aunque escuchar ‘All Hell’ probablemente habría tenido más sentido hace una década, pues las composiciones de Los Campesinos! pueden sonar aún inspiradas en los primeros Arcade Fire o Death Cab for Cutie, dos décadas después, no cabe duda de que a Gareth David y a sus compañeros de banda les han salido canciones sólidas en este disco que tantos años ha tardado en llegar, y en la que ya puede considerarse la mejor etapa de su carrera. Para colmo, Los Campesinos! han dicho -medio en broma, medio en serio- que ‘All Hell’ solo existe porque el grupo se “ha quedado sin cosas que reeditar”. La inspiración viene sola y lo de que te descubra una fanbase completamente nueva, también.

‘Full of life’, el pequeño triunfo de Christine and the Queens

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26 julio, 2024

Christine and the Queens publicó en 2023, hace poco más de un año, el disco más ambicioso de su carrera. ‘Paranoïa, Angels, True Love‘ ampliaba la historia del disco anterior de Héloïse Letissier, ‘Redcar les adorables étoiles‘; publicado primero pero grabado en realidad después; se basaba en la historia de la obra de teatro ‘Angels in America’ de Tony Kushner, se dividía en tres cedés y contaba con la participación de Madonna en tres cortes.

Muy lejos de los logros comerciales de su debut, ‘Chaleur humaine‘, que lograba vender medio millón de copias en Francia hace una década, ‘Paranoïa, Angels, True Love’ sí conseguía ser una obra rica y fascinante que descubrir con las escuchas, uno de los claros mejores discos del año pasado.

De manera inesperada, ‘Paranoïa, Angels, True Love’ acaba de dar a Christine and the Queens un pequeño aunque destacable triunfo. El corte número 5, ‘Full of life’, se ha usado en un anuncio de Amazon; el público está descubriendo a Christine and the Queens gracias a la canción y a la ayuda de Shazam, y ‘Full of life’ no ha tardado en colocarse entre los temas más populares de Letissier en Spotify. Actualmente, en segunda posición, solo por detrás de ‘Tilted’.

Los números de ‘Full of life’ no son espectaculares y su uso comercial no se ha traducido en una aparición de ‘Full of life’ en las listas de streaming o estatales, de Francia o de ningún lado. Pero llaman la atención los datos de Shazam: ‘Full of life’ es actualmente la 2ª canción más buscada en esta plataforma en Reino Unido, la 4ª en Irlanda, la 7ª en Italia, la 27ª en España y la 30ª en Alemania. No extraña: pon Youtube y te saldrá el anuncio seguro.

No se puede hablar de gran impacto, pero el anuncio de Amazon ha servido para que ‘Full of life’ amase más de tres millones y medio de reproducciones en Spotify, superando las escuchas de dos canciones de ‘Paranoïa, Angels, True Love’ que sí fueron single, ‘True love’ con 070 Shake y ‘Tears can be so soft‘. Seguro que su sample del ‘Canon en re mayor’ de Pachelbel ha tenido que ver en su popularización, pero sobre todo hay que celebrar que ‘Full of life’ haya hecho resucitar levemente ese gran disco que era -y sigue siendo- ‘Paranoïa, Angels, True Love’. Hay que contar los éxitos por pequeños que sean.

Por qué SOMMA está acercando el deep-house a las masas

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26 julio, 2024

SOMMA es uno de los grandes «secretos» de la música house actual. Sin aparecer reiteradamente en revistas de tendencias ni ser el DJ más seguido en redes, cuenta más de un millón de oyentes en Spotify y las cifras de sus temas en esta plataforma quitan el hipo. Por dar un dato, varios de estos temas se acercan o superan los treinta millones de reproducciones. Uno, ‘I Don’t Wanna Know’, sobrepasa los sesenta millones. Y el resto no baja de los diez o veinte millones.

Es el caso de ‘Body on Fire’, ‘Harder We Fall’, ‘Troubles’, ‘Howling’, ‘I Can’t Sleep’, ‘Fever’… la cartera de hits de SOMMA es asombrosa. Su éxito es fácil de comprender: sus producciones de deep-house son eficaces y asequibles, nada sesudas o retorcidas. Evocando puestas de sol, aún contienen «grooves» irresistibles. Y los vocalistas que se suben a las producciones de SOMMA, como Dillistone o Fast Boy, saben aportar la dosis justa de calidez y alma a las grabaciones.

SOMMA es el alias del DJ y productor danés afincado en Berlín Morten Aamodt. Criado en China, además es actor. No obstante, Aamodt se encuentra plenamente dedicado a la música y es miembro del colectivo LE YORA junto a JEWELS y YUMA. Este sábado 27 de julio, SOMMA ofrecerá una sesión en La (1) de Razzmatazz a partir de las 1 horas, con DJ2D2 también presente en la cartelera. No cabe duda que en la noche del sábado al domingo la magia llenará el ambiente gracias a los ritmos de SOMMA y su emotiva visión de la música de baile.

Cariño propone su propio ‘b2b’ y anuncia gira

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26 julio, 2024

Cariño prepara el lanzamiento de su tercer disco para algún momento de 2024. La gira ‘Tanto por hacer’ acogerá el material de este nuevo álbum y el de los anteriores, ‘Movidas‘ (2018) y ‘CARIÑO‘ (2022), y comenzará el próximo mes de noviembre, extendiéndose hasta los primeros meses de 2025.

El primer adelanto del tercer disco de Cariño, ‘Nada importa tanto‘, ha sido otro acierto, y vuelve a ser el caso del nuevo single, ‘b2b’, la Canción Del Día para hoy viernes.

‘b2b’ puede ser una de las producciones con más chispa de Cariño. Lo logra mezclando un ritmo de punk-pop contundente, más Avril Lavigne que Sum 41, con las voces filtradas por autotune de rigor, y una letra que no podrás cantar de una sentada sin ahogarte.

El b2b o «back to back» es la práctica de dos DJs que pinchan juntos alternándose la mezcla de las canciones. Cariño utiliza este concepto últimamente explorado por Charli XCX para hablar de amor y deseo: «Te propongo un b2b / Tú ponte encima de mí / Y luego yo encima tuya / y lo grabamos en un CD» es la cuca frase del estribillo. Pronúnciese «cee-dee», en inglés.

La energía de b2b es en todo momento de júbilo. A su amante, Cariño le da «cinco estrellas» y la «competencia» que pueda haber contra ella, le resbala. La música, por su lado, apunta al positivismo sin filtros. No hay en ‘b2b’ grietas ni sentidos oscuros.

2024
21 de noviembre – Bilbao (Kafe Antzokia)
29 de noviembre – Murcia (Mamba)
20 de diciembre – Málaga (La Trinchera)
21 de diciembre – Sevilla (Custom)
30 de enero – Valencia (Palau Alameda)

2025
31 de enero – Granada (Aliatar)
1 de febrero – Almería (Berlín Social Club)
28 de febrero – Barcelona (Razzmatazz)
1 de marzo – Zaragoza (Oasis)
2 de marzo – Madrid (La Rivera)

Los Mejores Discos de 2024 (de momento)

Por

JNSP

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26 julio, 2024

Seguimos repasando la cosecha musical del ecuador de 2024 destacando los mejores discos que ha dejado el año de momento. El pop ha estado especialmente sembrado produciendo obras maestras de Billie Eilish, Beyoncé o Charli XCX. El verano de 2024 será recordado como el verano BRAT como el de 2023 fue el verano Barbie. Entre los primeros discazos del año en este estilo, el de Empress Of. Después, a caballo entre España y Argentina, Nathy Peluso se ha superado.

En un órbita experimental el álbum de Julia Holter puede ser el mejor de su carrera. La gran sorpresa del año la ha dado Cindy Lee publicando un disco mastodóntico que no está disponible casi en ningún sitio. Beth Gibbons ha demostrado que la espera por su disco ha valido la pena. Y en el terreno del country y raíces norteamericanas tanto Waxahatchee como Cassandra Jenkins han publicado grandes obras.

Las guitarras han seguido vivas gracias a SPRINTS o St. Vincent, pero sobre todo 2024 ha sido en este sentido el año de Alcalá Norte, que han publicado uno de los mejores debuts que España ha visto en los últimos tiempos. En la playlist de Mejores canciones de 2024 (de momento) escucharéis muchos de los temas incluidos en estos excelentes discos.

Billie Eilish / Hit Me Hard and Soft

En apariencia estamos ante un disco de estilo indefinido, casi inconexo, capaz de pasar de lo acústico a lo ravero en tan sólo un cambio de pista, o incluso dentro de la misma. Parecen los golpes «fuertes» y «suaves» mencionados en el mismo título del disco. O mejor: los estilos del álbum fluyen como la propia sexualidad de Billie Eilish, quien sale del armario durante la promoción del disco, afirmando: «¿no era obvio?». En números, el single principal, el punki ‘Lunch‘, es superado por el segundo, ‘Birds of a Feather‘, una canción de amor perfecta. Con otras sorpresas asombrosas como el cambio de tercio de ‘L’amour de ma vie’ o la profunda ‘Blue’, ‘HIT ME HARD AND SOFT’ es un álbum rico, profundo a la vez que ligero, al tiempo que comprensible por cualquiera, de la adolescencia a la vejez, que haya recibido tantos golpes… que haya terminado dando algunos a su vez.

Beyoncé / Cowboy Carter

Experta en obras conceptuales mastodónticas desde el álbum audiovisual ‘Beyoncé’ y el perfecto ‘Lemonade’, Beyoncé vuelve a entregar un disco-enciclopedia rico, complejo, abierto a las interpretaciones y al debate. No es un «disco de country», sino un «disco de Beyoncé», como ella misma comunica en sus redes sociales. En ‘Cowboy Carter‘, Beyoncé samplea a artistas afroamericanos pioneros del género desde el siglo XIX, reivindica a Linda Martell, reúne samples de Sister Rosetta Tharpe o Chuck Berry y te descubre el Chitlin’ Circuit, todo mediante canciones divertidas y emocionantes que no se ciñen al country clásico, colaboraciones con Dolly Parton, Miley Cyrus o Post Malone y transiciones que lo elevan, siendo uno de esos pocos discos en los que el interludio suma, nunca resta.

Charli XCX / brat

En ‘brat‘, Charli XCX vuelve a tratar sus dilemas entre el underground y el mainstream. Sobre todo, ‘brat’ es un disco que vuelve a ser muy divertido. Como ya mostró en ‘1999’ junto a Troye Sivan, lo meta le funciona muy bien y en este largo lleno de bangers como ‘Von dutch‘, ‘360‘, ‘Talk Talk’ o ‘Apple’, la artista nos está contando qué música le gusta bailar, facturando un homenaje evidente al sonido Ministry of Sound, Republica y al electroclash de los 2000. En cuanto a producción, Charli XCX se sitúa en el punto medio perfecto: ni copia demasiado, ni se reinventa por completo. La campaña promocional, además, consigue que se hable de Charli más que nunca en su carrera: la estética de la portada se pone de moda, inspirando a Kamala Harris, y el remix de ‘Girl, so confusing‘ de Lorde desata la locura.

Vampire Weekend / Only God Was Above Us

Vampire Weekend no han sacado ni un solo disco decepcionante en sus 15 años de historia. Cada álbum ha sido un paso adelante en lo sonoro, siempre con multitud de historias e interpretaciones que debatir y ‘Only God Was Above Us’ no es ninguna excepción. La premisa para la continuación de ‘Father of the Bride‘ es zambullirse en el Nueva York del siglo XX. No obstante, si algo llama la atención de los textos es su riqueza y también su universalidad. Pero lo realmente excitante de ‘Only God Was Above Us’ es que puede disfrutarse sin prestar atención a nada de esto, simplemente como una hermosísima obra de pop, cuidada al milímetro. La producción es un tsunami de ideas impredecible y no, a Rostam no se le echa de menos en absoluto: su breve aportación al disco es de las menos inspiradas.

Alcalá Norte / Alcalá Norte

Las canciones de Alcalá Norte son capaces de sonar 100% generacionales… y a la vez podrían ser perfectamente de una banda ficticia que Carlos Alcántara va a ver en un capítulo de los 80 de ‘Cuéntame’. Es impresionante la personalidad que destilan casi todas las composiciones. ‘La vida cañón‘, el gran himno de Alcalá Norte, recomendado por Rosalía, se convierte en una expresión que usaremos para siempre. Y la mejor prueba de que Alcalá Norte no son un hype es que se puede escribir una crítica de su disco sin ni siquiera mencionar la que es una de las canciones más potentes, ‘420N’. Es imposible confundir una canción de Alcalá Norte con otra y esa es la gran baza que juega este nada sobrevalorado disco: la manera en que fácilmente identificamos sus 11 piezas.

Julia Holter / Something in the Room She Moves

Que Julia Holter no está interesada en apelar a las masas se vuelve a confirmar en ‘Something in the Room She Moves’, un trabajo abstracto y misterioso donde su vocación experimental y exploratoria permanece intacta, proponiendo un viaje sensorial al interior del cuerpo, a aquello que se esconde bajo la piel. En sus canciones siempre hay cientos de detalles en los que perderse, sonidos no siempre identificables que se entremezclan entre sí y cobran vida propia, creando momentos de belleza estremecedora. Julia Holter ha creado una aventura que seguir destapando en cada escucha, rebosante de creatividad e imaginación.

Cindy Lee / Diamond Jubilee

Cindy Lee, el proyecto drag y lo-fi del músico canadiense Patrick Flegel, ex integrante de Women, ha facturado una obra inmensa en forma y fondo que se atreve a ir más lejos y a sumergirse más hondo que muchas obras de su estilo. En ‘Diamond Jubilee’, que es un disco doble, las influencias reconocidas de Cindy Lee, especialmente de las girl group de los 60, como las Supremes o las Ronettes, pero también de vocalistas como Patsy Cline o Karen Carpenter, son exploradas hasta sus últimas consecuencias. A la vez, en 32 pistas a Cindy Lee le da tiempo de introducir en su imaginario otro puñado de referencias de diferentes décadas de pop y rock n’ roll a cada cual más dispar. Mientras, la estética garajera de Cindy Lee enturbia hasta la más familiar y reconfortante de las melodías, convirtiendo ‘Diamond Jubilee’ en uno de esos trabajos que nos recuerdan que el “indie” sigue vivo.

Adrianne Lenker / Bright Future

En ‘Bright Future’ vuelve a brillar la sensible poesía de Adrianne Lenker, capaz de transmitir un mar de emociones revueltas de la manera más simple. Sus característicos juegos de palabras y su honestidad a flor de piel junto a su preciosa voz elevan cada minuto del álbum. Más ambicioso que ‘songs‘, es también en un trabajo, al contrario que aquel, intencionalmente rústico. Sin pretensiones y grabado con cuatro amigos en mitad del bosque, ‘Bright Future’ muestra a una cantautora con un talento descomunal para componer melodías bellísimas y para escribir versos cuya vulnerabilidad, sabiduría y sensibilidad encogen el corazón.

Beth Gibbons / Lives Outgrown

El segundo disco de Beth Gibbons en solitario está marcado por el adiós a amigos y familiares, e incluso a su viejo yo. El paso del tiempo es el tema más importante del álbum, en el que aparece un tema dedicado a la menopausia, ‘Oceans’. El single ‘Floating on a Moment’ la encuentra «flotando en ese instante que nadie sabe cuánto va a durar, y en el que nadie se puede quedar». La muy Leonard Cohen ‘Burden of Life’ habla de «todo el amor de las generaciones que se han marchado». En ‘Lives Outgrown’ Gibbons no ofrece respuestas, pero sí nos da es otra producción exquisita con la garantía de calidad de la casa, en la que, además de su voz, brillan la docena de instrumentos utilizados.

Jessica Pratt / Here in the Pitch

Con la salvedad del single ‘Life Is‘, que recuerda a Jefferson Airplane, el nuevo disco de Jessica Pratt tira del hilo de ese folk taciturno que ya exploraba en su trabajo interior y ahonda más que nunca en los misterios de la bossa nova. En ‘Better Hate’ “aguarda tiernamente un amor” esculpiendo una melodía que vale oro. Desde esas coordenadas Pratt suma un nuevo clásico a su repertorio llamado ‘World on a String’, otra canción de Pratt preocupada por el paso del tiempo y la trascendencia que, irónicamente, logra detener el presente. Aunque parece una extensión del disco anterior, melodías tan bellas como la de ‘Get Your Head Out’ o ‘The Last Year’ sigue dándonos lo que queremos.

Nathy Peluso / Grasa

Nathy Peluso ha ido cimentando un estatus a base de hits que ya quisieran muchos, y ‘Grasa‘ vuelve a ser un disco lleno de temazos que, además, es un disco visual, pues se ha lanzado una película con videoclips de todos los temas. ‘Grasa’ es un disco muy bien atado, que empieza diciendo “esta ambición me está matando” en el bolero ‘Corleone’ y se cierra con la belleza costumbrista de ‘Mamá’. El temazo del disco puede ser ‘Legendario‘, pero ‘Grasa’ está a la altura pasando del R&B (‘Real’) a la balada (‘Envidia’) o del hip-hop (‘Todo roto’) a la salsa (‘La presa’). La garra, la emoción, la experimentación, la versatilidad, el exceso y el punto de folclórica de Nathy Peluso llevan a la artista a superarse y publicar su mejor disco.

Viva Belgrado / Cancionero de los cielos

Uno de los temas principales de ‘Cancionero de los cielos’ es el amor/odio por la música. Su aversión hacia la industria y hacia la dinámica de la misma es palpable en el primer tema del álbum, ‘Vernissage’. Paradójicamente, «Saturno» es una canción capaz de hacerte llorar. Pero el grupo no se ha conformado con seguir a pies juntillas los mandamientos de la escena post-hardcore y, en su mejor disco, amplía su paleta sonora con nuevas influencias y referencias complicadas que van de Miguel Hernández a Chéjov. En algún momento entre ‘Nana de la Luna Pena’ y ‘Ranchera de la Mina’, Viva Belgrado nos están hablando sobre lo lamentable que es tener que excavar en lo peor de sí mismos para hacer buenas canciones.

Alizzz / Conducción temeraria

En ‘Conducción temeraria‘, Alizzz sigue la máxima «si no está roto, no lo arregles», solo que ahora dotando de mayor protagonismo a las guitarras eléctricas de Ferran Gisbert. Son un tipo de guitarras que no empujan el disco hacia el noise, hacia el metal o hacia el grunge, como en los últimos tiempos han hecho Grimes, Poppy u Olivia Rodrigo. Distorsionadas, adulteradas y tratadas hasta la extenuación, se confunden con sintetizadores. La cohesión la hallamos también en unas letras totalmente pasionales y coloquiales. «Me cago en todo» y «me fumo uno y después me enciendo otro» son algunos de los ganchos de la muy Strokes ‘Mirando al techo’. En ‘Vuelve a disparar’ le oímos suplicar «Vuelve a disparar y remátame», como si fuera un cervatillo atropellado. Alizzz sí que sabe cómo 1) conectar con la gente y 2) redondear un buen disco.

Guillem Gisbert / Balla la masurca!

Gisbert -conocido por ser vocalista de Manel- es un compositor demasiado curioso como para no explorar a fondo todos los caminos que se le ponen por delante. Y ‘Balla la masurca!’ es, en este sentido, un trabajo tremendamente ambicioso, que no le hace ascos a casi nada ni a nadie: este no es un disco producido entre dos o tres personas, sino entre muchas más. Aunque en ‘Balla la masurca!’ desborda sobre todo la imaginación de Gisbert a la hora de contar historias y arreglarlas. El costumbrismo de Manel sigue formando parte del imaginario de Gisbert, pero en ‘Balla la masurca!’ demuestra que no existe mezcla ni camino que Gisbert tema recorrer.

Arooj Aftab / Night Reign

En ‘Night Reign’ la dedicación de Arooj a la noche es explícita, pero diferente a la del álbum anterior. ‘Vulture Prince’ se inspiraba en la muerte del hermano de Aftab y era un trabajo marcado por el duelo. Tres años después, Arooj está saliendo del hoyo. Dice que empieza a sentirse contenta e incluso sensual, y la noche que retrata ‘Night Reign’ no es emocional, no es depresiva ni de tristeza; es ociosa y calurosa, excitante como el principio de algo nuevo. El concepto nocturno a Arooj le sirve para seguir estableciendo diálogos entre pasado, presente y futuro, y también entre diferentes culturas. Su sobrecogedora voz sigue siendo difícil de creer.

Waxahatchee / Tigers Blood

Los discos indie-rock de Waxahatchee ya vislumbraban su talento, pero ha sido su acercamiento al country lo que le ha hecho encontrar su verdadera voz. ‘Tigers Blood’ no tiene una narrativa lineal. No se trata de un álbum conceptual o uno que orbite continuamente sobre los mismos temas. Más bien, ofrece un amplio abanico de experiencias y sentimientos que Waxahatchee narra desde una perspectiva más madura y segura que nunca. Si ‘Saint Cloud’ era un perfecto giro de guion, ‘Tigers Blood’ es la confirmación de que hay potencial para muchas más temporadas.

Empress Of / For Your Consideration

El último disco de Empress Of es el mejor de toda su carrera. Estamos ante un disco bastante divertido, con sus momentos melancólicos, sí, como la preciosa melodía de ‘Kiss Me’ junto a Rina Sawayama, a piano, pero también tan chanantes como ‘Femenine’. Como Rosalía en ‘MOTOMAMI’, Empress Of hace funcionar momentos un tanto «cheesy» con producciones excelentes que en sus puntos más creativos suenan influidas por Björk o M.I.A. La artista, además, se beneficia de sus orígenes latinos para integrar las diferentes influencias con plena naturalidad. For Your Consideration’ es un disco constantemente en Spanglish con un gran carácter rítmico, muy ágil, puntualmente amparado en lo que podríamos llamar post-reggaeton.

St Vincent / All Born Screaming

En ‘All Born Screaming’ ya no hay tonos pastel ni chillones. Al contrario, la oscuridad se impone: Annie aparece en la cubierta quemándose viva. Las canciones sospechan que el “infierno está cerca” y que vivimos “tiempos violentos” y hablan de amores que «chupan la sangre» y de gente que «se tira de un tren». La música, a su vez, es un asalto a los sentidos. El paralelismo de la portada de ‘All Born Screaming’ con la autoinmolación de Aaron Bushnell insufla poder a un disco que suena tan agresivo y atormentado como la época en la que nos encontramos.

Ariana Grande / eternal sunshine

El cuidado de las melodías y la producción siguen presentes en un disco de Ariana Grande, como lo ha estado desde su debut. El ritmo disco a lo Donna Summer de ‘bye’ da pie a una canción realmente pletórica que Ariana canta como nadie. Y solo su voz convierte ‘supernatural’ en algo grande. Max Martin e Ilya se encargan de producir la mayoría ‘eternal sunshine’ y el sonido es inmaculado. El disco se presenta con un single inspirado en ‘Vogue’, ‘yes, and?‘, superado en listas por el Robynesco ‘we can’t be friends (wait for your love)‘. Se edita un tercer single, ‘the boy is mine’, pero podría haber un cuarto o un quinto o un sexto.

SPRINTS / Letter to Self

Editado tan pronto como un 5 de enero, ‘Letter to Self‘ es uno de los debuts más prometedores del año. Como dejando las ganas de revolucionar esquemas y estructuras para primavera o verano, SPRINTS nos hacen plantearnos más bien por qué a principios de 2024 tantísimas cuestiones planteadas en los tiempos del post-grunge continúan vigentes. Por qué sigue siendo común esa rabia interior. Por qué tenemos que aparentar que somos felices cuando el sistema no nos lo permite. Desde luego no habrían sobrevivido a la crítica de aquellos señoros que tanto se reían de autoras directas y sencillas de los 90, mientras rendían pleitesía a rimas tipo «Feeling supersonic / give me gin and tonic». Pero los tiempos han cambiado. Y ‘Letter to Self’ da lo que quiere a un público víctima de sus inseguridades.

The Last Dinner Party / Prelude to Ecstasy

En ‘Prelude to Ecstasy’ convergen los diferentes intereses de The Last Dinner Party. Por un lado, el barroquismo de los arreglos. Por otro, el rock melódico de los 60 y 70, de Bowie a Queen. Por otro, las armonías a lo ABBA. Todos ellos empaquetados en un producto de amable pop. En ‘Prelude to Ectasy’, el sonido de The Last Dinner Party suena totalmente decidido y construido, tan pronto como en su primer disco. Y las canciones son inolvidables a primera escucha, especialmente los singles ‘Nothing Matters’, ‘Caesar on a TV Screen’ o ‘The Feminine Urge’; pero todo el disco está bien rematado, atado con un lazo.

MGMT / Loss of Life

En ‘Loss of Life’, su primer lanzamiento independiente, MGMT buscan no solo complacerse a sí mismos, sino también contentar a sus distintos tipos de fans. Porque en el disco hay pop, pero también canciones que, como un cubo de Rubik sigues escuchando, atrapado por ellas, hasta que por fin encajan en tu cabeza. Junto al productor Patrick Wimberly (ex-integrante de Chairlift, justamente), MGMT siguen envolviendo de una pátina psicodélica todo lo que tocan. Y esto puede sonar tan a britpop como el single principal, ‘Mother Nature’, deliberadamente inspirado en Oasis, o tan ochentas como ‘Dancing in Babylon’, que con la participación de Christine and the Queens. ‘Loss of Life’ suena a los MGMT de siempre y, a la vez, a unos MGMT nuevos.

Cassandra Jenkins / My Light, My Destroyer

‘My Light, My Destroyer’ es continuista de aquel sonido sofisticado y elegante con el que Cassandra Jenkins nos enamoró, pero también expande sus horizontes hacia diferentes estilos. En el frágil y existencial documento que es ‘My Light, My Destroyer’, Cassandra Jenkins lucha contra la monotonía y por encontrar el significado de la vida en un mundo en el que nada es para siempre y donde todo cambia muy deprisa. La muerte, la pérdida o la soledad forman parte de la experiencia humana, y todo lo que podemos hacer es aceptarlo y celebrar la intermitente belleza del mundo que nos rodea. Salir de nosotros mismos, mirar al cielo y dejarnos cegar por la luz de la esperanza.

Fabiana Palladino / Fabiana Palladino

El disco de Fabiana Palladino, desarrollado a lo largo de diez años junto al enigmático productor británico Jai Paul, es a la vez nostálgico y actual: basándose fielmente en el sonido del pop de los años 80, en concreto el de Janet Jackson y Prince, Palladino le pasa un paño y lo hace sonar completamente nuevo y reluciente. No está de más que Fabiana viene cargada con una serie de canciones estupendas que ningún pero merecen. Destacan el baladón de ‘I Care’, ‘Stay With Me Through the Night’ y la inicial ‘Closer’. El debut de Palladino es, desde el principio hasta el final, un ejercicio de elegancia y virtuosismo musical de los que no sobran.

Bad Gyal / La joia

Ajena a quienes opinan que en el camino a ‘La Joia’ ha perdido su “esencia”, Bad Gyal presenta su faceta “más elevada y reafirmada” en un disco que suena mucho mejor producido que los otros reuniendo otro surtido de hits que solo Alba Farelo podría haber firmado. A éxitos conocidos como ‘Chulo’, ‘Sin carné’ o ‘Sexy’, Bad Gyal suma nuevos pepinazos marca de la casa como ‘Perdió este culo’, ‘Mi lova’, ‘Bota niña’ o ‘La que no se mueva’. Joyas escondidas como ‘Así soy’ también valen la pena. Manteniéndose absolutamente fiel a sí misma, Bad Gyal va poco a poco apretando tuercas, dando un paso por delante sin que nadie se dé cuenta. Hasta que le cogen el ritmo, claro.

Lola Indigo y Suzete se ponen diosas en ‘Kombolewa’

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26 julio, 2024

Los últimos concursantes de Operación Triunfo han dejado temas interesantes, pero de momento ningún hit transversal. Eso podría cambiar en breve, con el lanzamiento de un remix de ‘Kombolewa’ de Suzete, al que Lola Indigo ha decidido subirse.

‘Kombolewa’, con su beat afropop, ya era una de las mejores canciones que han salido de Operación Triunfo 2023, y hasta ahora contaba con 1,5 millones de streams en Spotify. El remix incluye nuevos versos de Lola Indigo, cuya voz es la primera que se escucha en la grabación. La rima «erótico-co-co / cálido como un siroco-co-co» suma definitivamente al gancho de la canción, que ya se pegaba gracias a su estribillo «kombolewa / wa-wa kombolewa». «Kombolewa», por cierto, significa «liberada» en suajili.

La producción de ‘Kombolewa’ corría a cargo de KICKBOMBO, un trío conocido por su trabajo por ejemplo junto a Belén Aguilera o Vicco, al que se ha añadido Tunvao, colaborador de Omar Montes o la propia Mimi Doblas.

Al margen de su resultado, ‘KOMBOLEWA’ tiene la gracia de reunir a dos de las que han sido las primeras expulsadas de Operación Triunfo: una hace unos años ya, y otra en su última edición. La próxima edición del programa no se espera hasta 2025.

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QUE LOLA INDIGO Y SUZETE VAN A SACAR KOMBOLEWA REMIX QUEEE MADRES SUPREMAS pic.twitter.com/9CYEFN2733

— ‎rs10 (sigo aquí) 🎹 (@rafalozzz) July 17, 2024

Videoentrevista con Lola Indigo:

Halsey se apropia de ‘Lucky’ de Britney y le da la vuelta

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26 julio, 2024

Halsey sigue presentando su próximo disco y hoy publica ‘Lucky’ sumergida en una estética inspirada en el teen-pop de los 2000 y en la época de los tabloides. Si Britney Spears viene a la mente como icono de esa época, ‘Lucky‘ sube la apuesta y se apropia del estribillo precisamente de ‘Lucky’, el clásico de Spears del año 2000.

Halsey le da una vuelta personal a ‘Lucky’, el segundo single de ‘Oops!…I Did it Again’, tanto que cambia el punto de vista de la canción de Spears de tercera a primera persona. «Tengo tanta suerte, soy una estrella, ¿por qué estas lágrimas vienen en la noche?», dice ahora el estribillo.

En la letra de ‘Lucky’, Halsey reflexiona sobre su propia fama, cantando que «no está hecha» para ella, mirándose de alguna manera en Spears también. E introduce meditaciones sobre su enfermedad o su experiencia como madre soltera, e incluso rumia sobre su propio deceso: «Cuando muera no tendré tiempo de gastar mi dinero, pero espero que me sigas queriendo».

Para volcar esta serie de personales reflexiones, Halsey elige una estética sucia y maquetera apropiándose de poco más que una guitarra y una caja de ritmos. También Halsey da la vuelta al lustre teen-pop de ‘Lucky’ de Spears, enseñándonos la cara oscura y menos amable de la fama.

Halsey ha revelado que solo ha podido publicar ‘Lucky’ con la aprobación de Spears. Cuenta que, para ganarse la simpatía de Britney, le escribió «la carta de fan loca más larga y cursi», y que Spears le dio el visto bueno. El videoclip, dirigido por Gia Coppola, se publica esta tarde.

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RFTW: Ice Spice, Empire of the Sun, Adiós Amores, Cults…

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26 julio, 2024

Hoy se publica el debut de Ice Spice, muy esperado en el mundo del pop y el rap. También se editan nuevos trabajos de Empire of the Sun, Cults, Porter Robinson, Humanist o Fuerza Regida.

Mientras Sen Senra sigue ampliando su último disco con nuevos temas, otros hacen borrón y cuenta nueva. Halsey inicia era invocando a Britney Spears, Belén Aguilera hace lo propio con Mecano, Pixies presenta disco con baladón y Katie Galvin, cantante de MUNA, debuta en solitario.

Entre los momentos destacados del día, Lola Indigo se sube a ‘Kombolewa‘ de Suzete, Adiós Amores entrega ranchera, Calvin Harris y Ellie Goulding vuelven a colaborar, Alba Morena presume de vozarrón evocando a Sara Montiel y Gwen Stefani y Anderson .Paak publican tema juntos por las Olimpiadas, que empiezan hoy.

Dos nuevos temas de SOPHIE pueden escucharse desde esta semana, y también siguen adelantando sus próximos trabajos Hinds, Nick Cave & the Bad Seeds, Foster the People, Miranda Lambert, Oso Oso o los tíos más ocupados del planeta, King Gizzard & the Lizard Wizard.

En la playlist de novedades actualizada escucharás también interesantes novedades de Cariño, Sunflower Bean, My Brightest Diamond, Elsa y Elmar, Muni Long, The New Raemon, Bastille, DEVA, Hemlock Ernst y más.

Travis / L.A. Times

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Travis consiguieron hasta 9 discos de platino en su país, Reino Unido, con su segundo álbum, el precioso ‘The Man Who’ (1999). Después de aquel, lograron entregar un single muy exitoso, el más popular de su carrera, ‘Sing’, y algún álbum notable al que el mundo ya decidió hacerle el vacío social, como ‘The Boy With No Name‘. Aunque fueron pioneros reivindicando a Britney tan pronto como en el año 2000, jamás exploraron su faceta pop. No han colaborado con Rihanna, ni mucho menos con The Chainsmokers. Llegados a su 10º álbum, se mantienen fieles a sí mismos.

‘L.A. Times’ está marcado por la residencia del cantante de Travis, Fran Healy, en California durante los últimos años. El grupo, que siempre tuvo algo de folkie, ofrece por tanto un sonido ligeramente más americano en este álbum, próximo a veces a proyectos como The Mamas and the Papas, Simon & Garfunkel o incluso Bruce Springsteen en su faceta más acústica.

Lo que no cumple este nuevo álbum de la banda es ser «el más personal de su carrera desde ‘The Man Who'». Un recurso promocional ya demasiado visto que no cuela cuando las canciones nos hablan de bares que han cerrado (‘Raze the Bar’), deciden sonar a Beck solo porque produce Tony Hoffer (‘I Hope That You Spontaneously Combust’) o hablan de manera genérica sobre el paso del tiempo (‘Live It All Again’).

En el álbum anterior había un tema en el que Fran Healy recordaba cómo le preguntaba a su madre de pequeño si no había tiendas para comprar un padre. No sé si puede haber algo más personal que eso. Como mínimo, todos los álbumes de Travis han sido de una manera o de otra discos personales. Y este no lo es especialmente, sobre todo porque a menudo decide asomarse por varias puertas, sin atreverse a atravesar ninguna.

Están las canciones que se acercan a los U2 de finales de los 80 y principios de los 90. ‘Rattle & Hum’ parece una referencia clara en la aproximación americana de ‘Alive’ y ‘Home’. Además, ‘Raze the Bar’ -con créditos de Chris Martin y Brandon Flowers, porque pasaban por allí- con su punto góspel, recuerda por melodía a ‘So Cruel’. ‘Bus’, por el contrario, se acerca a los Fleetwood Mac de los 80, y el disco se resuelve en última instancia con un pequeño rapeo spoken-word, en la inusual ‘L.A. Times’. Un registro que les sienta bien y que podría haber inspirado todo el proyecto.

Y es que ‘L.A. Times’ es un álbum mono. ¿Cómo no va a ser mono un disco que incluye un tema acústico de 2 minutos llamado ‘Naked in New York City’? ‘The River’ hace bien en elevar el nivel de épica en los últimos momentos del álbum, hablando de cómo los tropiezos en la vida no deben llevarse tus sueños por delante. Otra cosa es que nos pregunten cómo diferenciaremos este disco de otros de Travis dentro de unos años. Ni tan californiano, ni tan personal, ni tan alegre, ni tan triste.

Nominados Mercury 2024: Charli XCX, Beth Gibbons…

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25 julio, 2024

El Mercury Prize ha revelado los artistas y discos nominados de su próxima edición, que se celebra presumiblemente en septiembre. ‘Brat‘ de Charli XCX se encuentra entre los discos citados, así como ‘Lives Outgrown‘ de Beth Gibbons y ‘Prelude to Ecstasy‘ de The Last Dinner Party, tres de los mejores discos de 2024 (de momento).

Como recordaréis, Beth Gibbons ya es ganadora de un Mercury gracias a ‘Dummy‘ (1994), la obra maestra de Portishead. Esta vez, podría hacerse con uno por su trabajo en solitario.

Entre las nominadas se encuentra Corinne Bailey Rae, en otra época artista superventas con su debut de 2006. ‘Black Rainbows‘ es su disco más político.

Nominada, también, queda la genial CMAT con su disco ‘Crazymad, For Me‘, y revelaciones recientes como Nia Archives, con ‘Silence is Loud’, o Barry Can’t Swim, con ‘When Will We Land’, competirán también en la entrega de premios.

Cat Burns con ‘Early Twenties’, Corto Alto con ‘Bad with Names’, English Teacher con ‘This Could Be Texas’, Berwyn con ‘Who Am I’ y Ghetts con ‘On Purpose, with Purpose’ completan la lista de nominados.

En 2023, el ganador del Mercury fue el grupo Ezra Collective, que logró anteponerse a Arctic Monkeys, Jessie Ware o Shygirl.

Introducing the artists on the Shortlist for the 2024 Mercury Prize! ⚡️🏆@BarryCantSwim @berwynberwyn_ @realbethgibbons @catburns @CorinneBRae @charli_xcx @cmatbaby @cortoalto @Englishteac_her @THEREALGHETTS @archives_nia @lastdinnerparty #MercuryPrize pic.twitter.com/fxwsViIm7C

— Mercury Prize (@MercuryPrize) July 25, 2024

Mon Laferte: «Vivimos en una sociedad que tiene “viejofobia» y “tristezofobia”»

Por

Pablo Tocino

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25 julio, 2024

Boleros, techno, salsa, tango, power ballad, cumbia, trip-hop, reggaeton… ‘Autopoiética‘ era una prueba de que a Mon Laferte (que, recordemos, también es metalera declarada y tiene un dueto navideño con Gwen Stefani) no se la puede encasillar en un sitio concreto. Hablamos sobre este estupendo disco con Mon Laferte, que está estos días presentándolo en España dentro de su gira europea, y que recientemente ha lanzado otro temazo, ‘Obra de Dios’, considerado un “cierre” al proyecto. Ésta es mi tercera entrevista a la artista (las otras fueron en Mondosonoro), y vuelve a ser un gustazo: por un lado, porque Mon impone, pero en absoluto va de diva, y se muestra siempre educada y a la vez cercana. Por otro, porque las charlas con ella siempre son interesantísimas: hoy hablamos de su proceso de creación, de las novedades en su gira o de aspectos técnicos de la producción, pero también de la “felicidad obligada”, del miedo/desprecio a envejecer, de la necesidad de aceptación o de la polarización en redes. Y de una colaboración que puede sorprender pero tiene mucho sentido: Arca.

Es común decir, al empezar una entrevista, eso de “enhorabuena por tu disco”, pero en este caso no puedo no decírtelo, porque ‘Autopoiética’ me parece uno de los mejores discos del año pasado, a nivel internacional…
¡Ay, muchas gracias!

…y, aunque cada uno tendrá su favorito, me parece tu mejor disco. No sé si tú tienes esta misma opinión, o prefieres otro. También entiendo que es muy complicado elegir entre ellos si son como tus bebés.
[sonríe Sí, pero… yo sí creo que lo es, que es mi mejor disco. De hecho, cuando empecé a hacer el álbum, me propuse hacer mi mejor disco. Es mi bebé, sí, lo amo.

Precisamente uno de los mejores discos que he escuchado este año, ‘Grasa‘ de Nathy Peluso, me parece que tiene un punto en común con ‘Autopoiética’, pese a lo distintos que son. Siento que hay mucha versatilidad en ellos, muchos géneros, muchos tonos… pero notas la personalidad de la artista en cada una de las canciones del tracklist.
Sí, a mí me gustó mucho el disco de Nathy también, lo escuché y entiendo perfecto eso que dices, convivo con eso. Nathy es una artista muy bonita, siento que hay artistas que son así, que tienen mucha personalidad y que se nota cuándo están presentes. En cada cosa que hacen.

Uno de esos estilos que vemos en ‘Autopoiética’ es el acercamiento al trip-hop en ‘Tenochtitlán‘. Había un pequeño precedente en ‘Amado Mío’ de ‘Seis‘, pero aquí ya fue una entrega total, a la que luego se ha vuelto de manera distinta en ‘Obra de Dios’.
A mí el trip-hop me gusta mucho, lo escuchaba desde muy chiquitita. Y me pareció que vestía muy bien la historia que quería contar. Antes de tener canciones, tenía el concepto del álbum, pero no tenía ninguna canción. Tenía el concepto, quería que fuera un álbum más oscuro y experimental. Escuchando música me armé mi playlist de trip-hop, y me atrapó totalmente. Después seguí con esto en ‘Obra de Dios’, una canción que no está en ‘Autopoiética’ pero podría haberlo estado totalmente. Es muy loca esta manera de trabajar, no tener canciones pero saber cómo quieres que suene el álbum y qué quieres decir, tener el concepto visual, el imaginario. En este caso yo quería usar todo el imaginario religioso en el disco, eso lo tenía claro.

Cuando salió ‘Tenochtitlán’ se bromeó mucho con que parecía que Mon Laferte había hecho un tema de 007, como cuando Lana del Rey sacó ’24’.
Tengo varias canciones que tienen esa onda a lo James Bond. ‘Aunque te mueras por volver’, de ‘Seis’, podría ser perfectamente el soundtrack de la película también. Me gusta mucho esa estética. Amo el tema de la cuerda, que sea muy dramática y oscura, y siento que mi música… más que músico, una artista de música, yo me siento artista y performer, una artista a la que le gusta explorar lo visual, lo plástico y lo teatral, todo lo escénico. Me gusta mucho la estética sonora de James Bond porque funciona muy bien para lo teatral, para el escenario.

(NdE: pese a haber establecido un tiempo de veinte minutos, me indican aquí que tengo que ir terminando, así que en las siguientes preguntas intento unir varias a la vez) ‘Mew Shiny’ es como una power ballad de los ochenta y ‘No+SAD’ es un reggaeton oscuro, pero luego llega ‘Casta Diva’, que es ópera pero de repente salen unos beats de reggaeton… Al final en todo ‘Autopoiética’ se te ve caminando por distintos territorios.
Sí, era lo que yo quería. Sé que hoy es muy difícil crear algo nuevo, porque todo está ya influenciado, ya todo se hizo. Pero yo decía, bueno, dentro de mi mundo estético nunca he hecho algo así, nunca he hecho una pieza clásica de ópera, además electrónica y con una base de dembow.. todo esto era algo que no existía dentro de mi mundo. Así que tomé riesgos conscientes, pero quería jugármela.

También ‘Mew Shiny’ es como un baladón ochentero; quise meter un solo de guitarra porque amo esos solos donde a los guitarristas les vuela el pelo (se ríe mientras toca muy intensa una guitarra imaginaria), pero también quise vestir ‘Mew Shiny’ de otra manera, buscando que fuera mucho más contemporánea y que tuviera sentido con mi universo. También la música que yo escucho está impregnada de eso; yo me armé una playlist que publiqué con todas mis influencias para este disco.

Quizás es una idea un poco loca o quizás a ti también se te ha pasado por la cabeza, pero escuchando el disco pensé que sería muy interesante si hicierais algo Arca y tú.
La amo. Empecé a seguirla hace mucho tiempo, cuando vi que trabajaba con Björk, porque siempre he sido muy, muy, fan de Björk. Diría que Björk es una de mis máximas influencias. A raíz de Björk empecé a escuchar a Arca y, desde aquel momento, he querido trabajar con ella. Pero no sé cómo acceder a ella. Es cierto que soy muy ermitaña, soy muy de quedarme en mi casa y hacer álbumes en mi casa y, quizás, eso me limita a la hora de trabajar con otras personas. Me encantaría trabajar con Arca, pero cuando empiezo a hacer un disco me encierro en mi casa y no salgo. Pero sí, siento que tenemos que hacer algo juntas, sería hermoso.

Ahora que has hablado de trabajar en tu casa, en otra entrevista comentabas que habías empezado a usar mucho bibliotecas de sonido. ¿De qué manera lo has ido usando?
Me gustó mucho trabajar el álbum así, porque me posibilitó hacer mucho sample de cosas que ya ni se parecen al original que tomamos. Hay mucho sampleo, usé mucho las bibliotecas de sonido, y amé trabajar así porque me permitía tener mucho más control. Yo soy una persona bastante controladora, creo (ríe). Cuando me toca ir al estudio y alguien más tiene el poder de hacer sonar la batería o lo que sea, me empiezo a desesperar. Tengo muy poca paciencia y sufro de ansiedad, así que cuando están otras personas manejando la computadora, me desespero. Así que lo hice todo yo; todas las bases rítmicas, todos los samples, tenía yo el poder de armarlos en mi computadora. El álbum lo hice con dos de mis mejores amigos. Uno es productor y el otro es ingeniero, e hicimos un equipo de tres donde nos pasábamos tareas: “este audio necesito que lo samplees y que armemos esto, y tú Jalil (NdE: Manú Jalil), necesito un arreglo de cuerda”. Después fuimos a un estudio a grabar los instrumentos reales, pero fue muy rico trabajar en computadora. De hecho, quiero hacer ahora todos los discos así. No quiero volver a grabar una batería en mi vida (ríe)

¿Para ‘Obra de Dios’ has repetido con ellos, ha sido con otras personas, o tú sola?
Dano, mi amigo ingeniero, ya no estaba, pero Jalil sí, aunque sobre todo la hice yo solita en la computadora.

«Tengo claro el concepto de mi próximo disco y ya sé cómo se va a llamar»

¿Puede considerarse un añadido de ‘Autopoiética’ o es el inicio de otro proyecto nuevo?
Es un añadido, es como un cierre del álbum, y también como un cierre del discurso. ‘Autopoiética’ es un disco que habla de la auto-reparación, y también aborda muchos temas religiosos, porque me di cuenta de que la religión había afectado mucho a mi vida, a mi infancia… Mi abuela y mi madre eran muy religiosas, y siempre crecí con estas ideas del perdón y del castigo, y de que tengo la culpa. La conclusión de esta autopoiesis es que soy perfecta, así como soy, porque soy una obra de Dios. Tomando a Dios como algo mágico, no como este Dios religioso que tenemos en mente. Que todas las personas somos obras de Dios y somos perfectas con nuestras virtudes, nuestros errores y nuestros pecados. No hay nadie que te pueda señalar. Me acepto tal como soy.

Entiendo que hay un mensaje de cuidarse y quererse a una misma, también por frases como “otra vez estoy llorando, pero esta vez estoy mejor” o “sé perder, pero ahora voy a reinar”.
Siento que vivimos en una sociedad que todo el tiempo está obligándote a ser esta idea de la perfección, la felicidad… y la juventud. Como una “viejofobia” y una “tristezofobia”, no sé. “¡Vaaamos arriba! ¡Hay que ser feliz!”. Somos súuper capitalistas también porque, claro, “¡hay que ser feliz!” porque “¡hay que salir a trabajar!”, “¡hay que producir!”. «¡Y hay que inyectarse la cara! ¡Hay que verse joven! ¡Vamos arriba!» Y es como “espérate, eso está cool, pero también hay que darle espacio a la melancolía, permitirnos aceptar esa oscuridad, ese dolor, no temerle. Vamos a experimentar todo, vamos a aceptar también que estamos envejeciendo. Yo decido abrazar esto y ver que, dentro de esa oscuridad, también estoy bien, que voy a reinar desde ese lugar. Algunos días voy a estar vestida de rosal, voy a saltar, y el Sol es maravilloso. Y otros días voy a estar en cama leyendo el libro más deprimente mientras llueve, y está bien.

Hay una frase que me gusta mucho de una entrevista que te hicieron: “Nunca he encajado en ninguna parte, pero es que tampoco quiero”. Hablas ahí de géneros musicales o incluso de arte, porque no te dedicas a un único tipo de arte. Pero no sé si también sientes que te representa a nivel personal, a la hora de encajar en grupos.
Sí, totalmente. Es que… (piensa) siempre soy demasiado para algo, ¿no? Era demasiado rara para ser la más cool, y tampoco era tan rara o tan nerd para estar dentro de los nerds. Parece que no encajo en ningún estereotipo. Pero tal vez es algo que le pasa a todo el mundo en cierto sentido, porque lo que más queremos los seres humanos es encajar. Queremos que nos amen, queremos ser parte de algo. Creo, de hecho, que de ahí vienen muchos problemas actuales, de tan polarizado que están el mundo y las redes sociales. Queremos que nos acepten, mientras ponemos posts incendiarios acerca de una ideología, porque son posts que acumulan más likes y se comparten más. Y todo tiene que ver con la aceptación, con que los demás te acepten.

A la hora de trasladar ‘Autopoiética’ a los directos, ¿cómo has ido planteando llevar al escenario esa mezcla que hay en el disco? No sé si también habrá una novedad para tu parte europea ahora.
Estoy muy emocionada con ir a Europa. Es cierto que las giras europeas son más sufridas, son más pequeñas. Fui muy feliz en Latinoamérica y Estados Unidos, tuve mi concierto más masivo en Los Ángeles con 15.000 personas, que para mí es brutal. Por un lado veo que tengo que llevar este álbum y esta propuesta estética a algo mucho más humilde en cuanto a asistentes. Armé un escenario mucho más teatral, más pequeño, pero a la vez la gira europea me ha permitido algo distinto. Porque el show ya tenía toda esta estética un poco religiosa, un poco queer, pero ahora hay unos tintes mucho más carabaretescos, por decirlo así; más burlesque, más sexuales, algo de bondage también. Estoy muy emocionada, porque siento que Europa es más abierta de mente, así que veamos cómo nos va con esta versión autopoiética más adulta.

Me dicen que termine ya, así que solo darte las gracias, desearte mucha suerte en la gira… y por supuesto preguntarte si hay algo que estés pensando ya sobre el siguiente disco, y si se puede decir el qué.
Sí que hay, de hecho tengo la idea del álbum, y eso es muy emocionante porque a veces tengo canciones sueltas pero no tengo concepto, lo que te comentaba antes… y ahora tengo muy claro el concepto. No tengo ninguna canción, pero ya sé cómo se va a llamar y cómo se va a ver. (sonríe) Pero no te puedo decir, no podemos matar la sorpresa aún.

Mon Laferte actúa hoy 25 de julio y mañana 26 de julio en La Riviera de Madrid, el 28 de julio en el festival Pirineos Sur de Aragón y el 29 de julio en Jardins del Real de Valencia.

Cher anuncia la primera parte de sus memorias

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25 julio, 2024