DELLAFUENTE y Morad tienen un nuevo hit con ‘Manos Rotas’, y el buen recibimiento del tema tras su primera semana así lo certifica. La propuesta de los artistas combina el reguetón con el flamenco, y su resultado está siendo todo un éxito en nuestro país. El tema ha debutado en la sexta posición en España, mientras que en las plataformas de streaming sigue logrando peaks: hoy ha ascendido hasta el tercer lugar en Spotify España.
Pero lo cierto es que Iñigo Quintero no da tregua. El cantante sigue dominando con ‘Si No Estás’, el pelotazo sorpresa de este final de año. Impide así que Bad Bunny se haga con otro número 1 en España, continuando en segunda posición por su tema ‘Perro Negro’ junto a Feid. Rauw Alejandro completa el top 3 con ‘Diluvio’, haciendo que sea idéntico al de la semana pasada.
Ana Mena, por su parte, sigue en plena ascensión con ‘Madrid City’, que ha estado semana tras semana alcanzando nuevos peaks. En esta ocasión, se hace con la octava posición y continúa su escalada dentro del top 10. ¿Ha tocado ya techo, o todavía puede escalar algún puesto más? Además, en la lista también entran Nicki Nicole y Bad Gyal de la mano de su nuevo single, ‘Enamórate’, que va directo al lugar 24.
Cerrando la lista, Ozuna mete algunas canciones de su recién salido álbum, ‘COSMO’: ‘Vocation’ junto a David Guetta entra en la posición 69, la colaboración con Jhayco ‘Fenti’ va al número 79, mientras que el tema ‘Pa Ti Estoy’ con Anuel AA y Chris Jedi debuta en el 81. La última entrada de la semana se la adjudican Arcángel y Quevedo gracias a ‘Los Roques’ en el 87.
El Primavera Sound ultima los detalles para su próxima edición, que se celebrará en Barcelona del 30 de mayo al 1 de junio. Entre los grandes nombres confirmados, Lana Del Rey, SZA, The National, Mitski, Troye Sivan o Vampire Weekend. Hoy, además, el festival ha anunciado qué artistas actuarán cada día.
El 30 de mayo, Pulp, Vampire Weekend y Justice serán los cabezas de cartel. Lana Del Rey, por el contrario, lo será el 31 de mayo, día en el que también actuarán The National, Troye Sivan o Rels B. La última jornada está reservada para los conciertos de SZA, Mitski, FKA Twigs o Charli XCX.
Por otro lado, el evento gratuito del festival, que tendrá lugar el 29 de mayo para inaugurar la nueva edición, contará con las actuaciones de Phoenix o Stella Maris, el grupo ficticio de la serie La Mesías. Las entradas de cada día saldrán a la venta mañana martes a las 11:00 horas. JENESAISPOP es medio colaborador.
Defendiendo ese indie pop atemporal que ya no se estila tanto, El buen hijo han publicado, este año, otro disco que invita a seguir queriéndolos. En ‘Viene y va‘, El buen hijo han seguido construyendo su particular imaginario.
Los singles ‘Me lapidaría’ y ‘Un buen lago’ han sido dos buenos anzuelos hacia el segundo proyecto largo de la banda afincada en Madrid. Pero había otras sorpresas, otros tesoros escondidos. Hoy nos detenemos en la que, ‘Con seguridad’, es la mejor balada que El buen hijo han escrito.
En una entrevista con JENESAISPOP, Marco Frías declaraba que las influencias de El buen hijo han servido de faro de guía en el sonido de su nuevo disco. Le Mans era uno de los grupos citados. ‘Con seguridad’ emite ecos más cercanos a Los Planetas, pero Marco cita dos influencias concretas, ‘Hard, Fast & Beautiful’ de Cinerama y ‘Something Changed’ de Pulp.
Que «algo ha cambiado» se percibe en la letra de esta conmovedora balada. Aquí, Marco expone que algo ha mutado en él. Marco canta sobre la necesidad de «procesar lo vivido» y también de esa «sensación de que por una vez sé lo que digo, con seguridad». «Me fumaré un cigarro, frente a este cristal, que me levanta el guapo, creo que me quiero conquistar» es otra de sus bonitas rimas.
En palabras a JENESAISPOP, Marco explica que ‘Con seguridad’ «habla del momento concreto en el que uno/a se levanta un día esperanzado con el presente y el futuro, sin un motivo claro, pero a fin de cuentas se levanta esperanzado, y así se afirma de manera literal en el tema». «Esta sensación suele ser efímera», apunta, «pero al grabarla y plasmarla en una canción de alguna manera se convierte en una sensación eterna». En ‘Con seguridad’, El buen hijo congela un momento efímero de pura felicidad, para siempre en el tiempo.
Un año después de que Jennifer Lopez diera los primeros detalles sobre ‘This Is Me…Now’, su noveno trabajo discográfico y la secuela de su disco de 2005 ‘This Is Me…Then’, la artista por fin ha anunciado la fecha de lanzamiento del disco: 16 de febrero de 2024. Pero eso no es lo único que hay en camino, pues el single principal y un documental de la cantante también llegarán el próximo año.
La cantante ha confirmado que ‘This Is Me…Now’ es el «álbum hermano» de ‘This Is Me…Then’, y supondrá el primer álbum de Jennifer Lopez en solitario desde su ‘A.K.A.’. Se encuentra escrito y producido por Loez y Rogét Chayed, junto con Jeff «Gitty» Gitelman y HitBoy. La lista de compositores y productores también incluye a Angel Lopez, Drew Love, INK y Prince Chrishan.
Aunque el disco no salga hasta el 16 de febrero, no tendremos que esperar hasta entonces para escuchar el nuevo sonido de la artista. El single principal de ‘This Is Me…Now’ se titula ‘Can’t Get Enough’ y estará disponible en todas las plataformas musicales a partir del 10 de enero.
Junto al lanzamiento del disco, Jennifer Lopez estrenará en Prime Video una película dirigida por Dave Meyers descrita como una «reimaginación musical narrativa, íntima, reflexiva, sexy, divertida, fantástica y muy visual de su públicamente escrutada vida amorosa». A falta todavía del primer tráiler, la artista ha compartido en redes sociales un pequeño teaser del proyecto audiovisual ‘This Is Me…Now’.
Un año más, Monkey Week nos dio la oportunidad de descubrir a muchas artistas que de momento vuelan por debajo del radar de muchos medios, mientras traían a gente ya establecida (este año menos que de costumbre, eso sí) y a un tótem como Los Planetas. Y, un año más, en la Puerta del Sol desde JENESAISPOP os traemos un repaso de lo que, a nuestro juicio, fue lo más destacado de tres jornadas muy intensas. Este año ha vuelto a haber mudanza, pero no ha sido hacia Alameda: ya con el COVID alejado, podría pensarse que el festival iba a volver al lugar que tantas alegrías le dio, pero han optado por alejarse del Cartuja Center para devolver los conciertos al aire libre en dos carpas situadas en el parking del Teatro Central -una de ellas, eso sí, recuperando el clásico escenario “coches de choque” (que llegó a inspirar canciones)-. Sí que repetían los conciertos en el Espacio Santa Clara, y en salas como Holiday, FunClub, Mutante o las noctámbulas Sala X, La 2 y Even.
Durante la jornada del viernes se paseó por el parking del Central un misterioso personaje al que no se le veía la cara, y que repartía unos papeles con un QR… que daba acceso al pre-save de ‘Vaciador’, el nuevo disco de VVV [Trippin’ you]. La banda madrileña publica en breve este nuevo largo, y el hype que había ido creando antes se tradujo en uno de los mejores bolos del festival. La decadencia de muchas de sus letras no se correspondía desde luego con la atmósfera entre su público, sobre todo en el pogo de las primeras filas.
El escenario de los coches de choque no hacía sino reforzar el ambiente del concierto, como le pasó el día siguiente a Hofe, quizás el que mejor supo aprovechar el lugar y conducir la pasión del público, ofreciendo el que para quien escribe fue el mejor bolo de esta edición. El vasco acaba de lanzar ‘Amorrua’, su nuevo EP junto a los productores Xabier Lafuente y Marcos Galech (4:40), y estuvo presentándolo y dominando el escenario como nadie. Igotz Mendez apelaba a la energía del público y sabía exactamente cómo picarle (mira que es arriesgado decirle a un sevillano “¿no érais muy flamencos aquí?” siendo de fuera y que se reciba con buen rollo) para que se te entregue. Preguntando en varias ocasiones al público si “estáis cómodas” y “disfrutando”, Mendez conseguía que te lo pasases pipa ya fuese dándolo todo en el clima de diversión y libertad que se creaba, o desde lejos jugando a pillar las mil referencias por minuto que suelta en sus canciones (lo mismo te mezcla a Kurosawa, Wes Anderson y Kanye en una, que rima “me escupe en la boca” con “estoy loko como El Xokas” en otra).
Divertidísimo fue también el show de Ada Oda, que precedieron a Hofe en el Escenario Alhambra. Mi compañero Jordi les describía hace poco “un cruce entre Wet Leg, la frescura de los primeros Strokes y las voces chilladas de The B-52’s”, y si esto despertaba interés, en su directo solo pudieron confirmarlo. La banda belga levantó a los presentes con temas como ‘Niente da offrire’, mientras su vocalista Victoria Barracato saltaba por el escenario en sintonía con los allí presentes. Antes habíamos visto allí también a Crudo Pimento, que sorprendieron subiendo al escenario al mismísimo Kiko Veneno. Fue el highlight de un bolo en el que Raúl e Inma presentaban el reciente ‘El Carmen 13:7’, y que estuvo “teloneado” por Dharmacide en el escenario contiguo. Quizá demasiado fieles al espíritu shoegaze hasta el punto de bajar del escenario con actitud de “ala, pues ya hemos comido”, los madrileños sí que fueron de los pocos en aprovechar las pantallas trayendo sus propios visuales. También lo hicieron las Lisasinson, con unas proyecciones de mariposas. Las valencianas presentaban ‘Un año de cambios’, editado bajo el paraguas de Elefant, y, pese a problemillas de sonido, supieron defender muy bien temas como ‘Cuchillos’ o ‘Se me ha muerto una flor’.
Otro de los momentos destacados fue el de Ángeles, Víctor, Gloria & Javier, que ofrecían su primer concierto. La superbanda formada por la cantante Ángeles Toledano, el líder de Rufus T. Firefly Víctor Cabezuelo, la baterista Gloria Maurel y el productor Javier Martín ofrecían un concierto con cierta magia tanto por ellos mismos como por el material de base, el ‘Poema del cante jondo’ de Federico García Lorca. ‘Tengo tres estrellas y veinte cruces’, el debut que sacaron dos días antes del Monkey Week, es otro ejemplo de lo bien que puede funcionar la mezcla de nuestro folclore con la electrónica, y en el directo pudimos comprobar que las buenas ideas en el estudio son muy bien defendidas por un grupo que ya ha sido confirmado en el Primavera Sound del año que viene.
Antes de ellos, vibramos con la propuesta en Bar Mutante de Ortopedia Técnica, de quienes ya os habíamos hablado en una de las últimas entregas de nuestra Sesión de Control. La banda de Castellón prometía con los sencillos que había ido sacando, confirmaba en el debut ‘Sentencia’ que ahí había algo interesante, y ahora ha pasado con nota la prueba del directo. Jacob, Corvo, Nello, Mario y Cuki dejaron el bar a reventar (la cola de gente que se quedó fuera y que iba entrando a medida que otros salían llegaba a doblar la Calle Fresa) desbordando energía mientras repasaban temas como ‘Mírame’ o ‘Harakiri’.
Luis Romero
El día se cerraría a lo grande con el precoz Teo Planell, que llamó la atención en Sala X por la pegatina de Hello Kitty en su guitarra pero sobre todo por lo pulida que suena su propuesta en temas como ‘(The Place)’ o ‘JULIA!’; y sobre todo con Ghouljaboy. Jordi Arroyo ya nos gustaba cuando hacía trap en La Vendición, y luego nos flipó con el giro que dio a su carrera, y que le ha llevado a colaborar con gente como Depresión Sonora o, más recientemente, shego. El artista ofreció probablemente el mejor bolo de madrugada de esta edición, sabiendo meterse al público en el bolsillo mientras presentaba ‘OH NO SYZYGY!‘. También confirmamos al verle en directo el parecido de su voz con la de Alex Turner, por cierto… y que, aun así, ese es solo uno más de los múltiples aspectos curiosos dentro de un proyecto que ha acabado convirtiéndose en uno de los más interesantes del panorama nacional. Nos quedamos con las ganas de ver al jerezano en uno de los escenarios principales, aunque es cierto que un ambiente como el de la X a las 2 de la mañana le sienta como un guante. Como apunte personal personal, el catarro que empecé a cocinar la primera noche estaba ya diciendo “estoy aquí” en ese momento, así que os podéis imaginar lo bueno que fue el bolo si consiguió que mi atención se quedase allí.
Precisamente el público que se ha ido ganando Ghouljaboy puede parecerse a la fanbase que tiene también El Último Vecino, otro de los nombres destacados del festival, tanto por estatus como por lo ofrecido allí, en esta ocasión, en la Sala Holiday. Gerard Alegre tuvo que enfrentarse a una acústica que juega un poco en contra, pero aun así consiguió que su público bailase y le corease temazos como ‘Tu casa nueva’. En la misma sala actuaron Vera Fauna, que por supuesto reventaron el lugar, tanto por jugar en casa como por los fans que han ido sumando y sumando en estos años. La banda presentaba ‘Los años mejores’, su segundo disco, en el que cuentan con las colaboraciones de Kiko Veneno y Carmen Xía, y demostraron otra vez que no en vano son uno de los pocos grupos que no solo han sobrevivido a la difícil situación de la pandemia en la escena local, sino que han ido creciendo a nivel nacional hasta establecerse con comodidad.
Luis Romero
También hubo mucha conexión en el concierto de La Paloma, que venía además con un regusto especial porque, cuando estuvieron en la edición de 2021, solo contaban con tres canciones. Ahora vuelven con todo un nombre hecho en la escena y un debut largo, ‘Todavía no‘, que estuvieron presentando en el Escenario Jagermusic. Antes de ellos pudimos disfrutar también de Sistema de Entretenimiento, que bromearon sobre que iban a agotar el setlist antes de terminar el concierto: “estamos yendo muy rápido, fijaos que estoy bebiendo hasta agua y yo nunca bebo agua, voy estreñida por la vida”, comentó Anna.
Más multitudinario aún fue el bolo de Camellos, sobre todo en el momento culmen que supone ‘Arroz con cosas’. Los madrileños se centraron en el ‘Manual del estilo’ publicado el año pasado, pero no se olvidaron de clásicos como ‘Siempre saludaba’ o de la reciente versión de ‘Mi fábrica de baile’ de Joe Crepúsculo (que no está mal, pero la original es un poco insuperable). El plato fuerte de esa jornada -VVV aparte- fue Lorena Stadelmann, más conocida como Baby Volcano. Alternando francés y español, la suiza (de madre guatemalteca) derrochaba energía mientras bailaba y cantaba temas como ‘Kill tu ego’ o ‘FIN DE MUNDO (Peau)’, en los que parecen darse la mano Nathy Peluso, Princess Nokia y Bomba Estéreo.
Dejo para el final el nombre más poderoso del cartel, para dar la oportunidad a las bandas menos conocidas, pero también porque el concierto de Los Planetas fue bastante decepcionante. La banda repasaba sus treinta años en un denominado “Concierto Esencial” en el que solo se subían al escenario Jota y Florent Muñoz, junto al pianista David Montañés (también les acompañó Alonso, volviendo tras haber ejercido de telonero). Faltaba Eric Jiménez, de actualidad estos días por el documental ‘La importancia de llamarse Ernesto y la gilipollez de llamarse Eric’. La idea era repasar su discografía en un formato mucho más reducido, “despojando el sonido de peso, pero no de fuerza, y reduciendo el volumen, pero no la intensidad”, según la nota de prensa. El problema es que, precisamente en un concierto así, se aprecia mucho más la conexión con el público, la interacción y el refuerzo de la intimidad que puede crearse en el escenario… y, claro, también en negativo: se nota más cuando eso brilla por su ausencia.
Javier Rosa
Solo en momentos concretos parecían Jota y compañía conectar con los asistentes, siendo en general un ejercicio un poco de funcionario, uno que muchos no perdonarían a cualquiera de las bandas emergentes que escuchan por primera vez en Monkey Week, pero que aquí sale indemne en parte por el concepto “vaca sagrada” y en parte, al César lo que es del César, por la calidad de canciones como ‘Soy un pobre granaíno (Colombiana)’, ‘Santos que yo te pinte’, ‘Corrientes circulares en el tiempo’ o ‘Alegrías del incendio’. Antes de ellos, como decíamos, vino Alonso. Si con el nombre no caéis, se trata de Alonso Díaz Carmona, el líder de Napoleón Solo, que presentaba su proyecto en solitario en esta Monkey Week; el primer single, ‘Soy un humano’, salió hace escasas semanas. Lógicamente, esta canción sonó, pero también temas aún inéditos de ‘Qué es querer’, el disco con el que debutará, y que pudimos descubrir en la noche del jueves. Aunque algo lastradas por lo que parecieron problemas de sonido, las canciones auguran un proyecto interesante cuando podamos escucharlo en mejores condiciones.
Y antes aún de Alonso, pero en la Sala Funclub, tuvo lugar el OffMonkey, una serie de conciertos organizados por el colectivo Brecha, al margen de la programación oficial pero apadrinados por la organización del propio Monkey. Y la calidad no parece desde luego ser el motivo por el que esas artistas se quedaron fuera: además del r&b onírico de Andra Venus, fichaje de Snap! Clap! Club!, y de restinga, de quien ya os hemos hablado en la web, contaban con las propuestas de de los prometedores arrecíO (fans de Cariño, atended) o de LK6, proyecto de Inés Parish con el ojo puesto en VVV.
El cantante, productor y multiinstrumentista británico Jacob Collier anuncia 2 grandes actuaciones en nuestro país. El artista estará presentando las canciones contenidas en el volumen 4 de su serie «Djesse», que saldrá en tan excéntrica fecha como el próximo 29 de febrero. Collier es conocido por sus colaboraciones con gente como Coldplay o Brandi Carlile y acumula hasta 5 Grammys, principalmente por sus arreglos. ‘Djesse Vol. 3’ fue nominado a Álbum del Año, aunque perdió contra ‘folklore’ de Taylor Swift.
Los conciertos españoles son el 3 de noviembre de 2024 en el WiZink Center de Madrid y el 4 de noviembre en el Sant Jordi Club de Barcelona. Las entradas estarán a la venta el viernes 1 de diciembre a las 10h en www.livenation.es, Ticketmaster.es y JacobCollier.com/Tour. Los registrados en www.livenation.es tendrán acceso a una preventa el jueves 30 de noviembre a las 18h.
La gira anunciada será con banda, y se produce muy poco después del lanzamiento de un nuevo single llamado ‘Witness Me’, en el que vuelve a tener colaboradores de lujo: Shawn Mendes, Stormzy y la leyenda del gospel Kirk Franklin. Previamente habíamos conocido adelantos como ‘Little Blue (feat. Brandi Carlile)’, ‘Wherever I Go (feat. Lawrence & Michael McDonald) o ‘WELLLL’. Entre las maravillas de otros discos que habíamos escuchado, la muy Prince ‘Time Alone With You’ y ‘All I Need’.
Sorprende en cierta medida que Danny Brown siga vivo a estas alturas. Él mismo cuenta que durante la creación de ‘Quaranta’ pensaba que no viviría para ver el trabajo final. Toda una vida de excesos, retratados con un detalle terrorífico en ‘Atrocity Exhibition’, tienen que pasar factura de alguna forma. El título de este último trabajo es una doble referencia tanto a la época en la que se gestó, en plena pandemia, como a la edad de su autor, a punto de cumplir los 40 por aquel entonces. Todavía luchando con su adicción, sin la posibilidad de salir a la calle y tras romper con su «casi esposa», Brown se encontró totalmente solo en un apartamento de lujo en su Detroit natal, así que se puso a escribir.
Desde entonces, el rapero de 42 años se ha mudado a Texas, ha ingresado en una clínica de rehabilitación (con geniales resultados) y ha intentado recrear el “sentimiento” de su primer disco de éxito, ‘XXX’ (2012). Más que repetirlo, que era complicado, lo ha actualizado. ‘Quaranta’ es un disco hecho desde el arrepentimiento y Brown lo resume en la primera frase del tema que le da nombre, con su no tan característico registro grave: “Esta mierda del rap me ha salvado la vida, y la ha jodido al mismo tiempo”.
El de Detroit prueba cosas nuevas en este proyecto. La mayoría de los temas son contemplativos, sobre todo en la segunda mitad, y muestran al rapero previamente conocido por sus relatos hedonísticos y su humor negro poniendo en orden su pasado o lamentando haber sido el culpable del fin de su última relación, entre otros temas.
También hay de lo otro, por supuesto, como en la caótica ‘Tantor’, grabada en mitad de un viaje de ácido al más puro estilo George Clinton (lo cual Brown ha descrito como «no recomendable»), o en ‘Ain’t My Concern’, en la que asegura haberse metido “tanta coca, que hay un gramo en mi moco”. Sin embargo, estos cortes se sienten más como algo hecho para los fans de Danny Brown que como algo que le apetezca hacer al propio Danny Brown. Él mismo ha dicho que eliminó ciertos temas del disco por un contenido excesivo de drogas.
Si ‘XXX’ estaba al borde de la glorificación y ‘Atrocity Exhibition’ era una crónica con moraleja, ‘Quaranta’ es el rechazo a estas sustancias. De ahí que se saque de la manga canciones como ‘Y.B.P.’, en la que relata cómo cambiaba de canal de televisión con unos alicates sobre un beat que parece sacado de una sitcom (en el buen sentido), o ‘Jenn’s Terrific Vacation’, una denuncia a la gentrificación (ojo al juego de palabras).
‘Down Wit It’ es uno de los tracks más interesantes en cuanto a desarrollo del personaje de Brown. De forma desoladora, este admite que no solo es el culpable de haber echado de su vida a la mujer que ama, sino que además a sus 40 años es posible que nunca vuelva a encontrar a nadie igual. ‘Celibate’ y ‘Shakedown’ tienen dos de los beats más delicados y adictivos del álbum, que se caracteriza por usar bases más melódicas y suaves, en consonancia con la nueva vida de Brown. Sin embargo, estos dos temas sufren del mayor fallo de ‘Quaranta’. En vez de profundizar, Danny suele repetirse.
‘Shakedown’ vuelve a tratar el tema de su exnovia sin grandes novedades, lo cual también prueba que le ha afectado considerablemente, y en ‘Celibate’ Brown vuelve a asegurarnos que ha cambiado, que ahora es “célibe”. ‘Hanami’, por otra parte, es igual de pegadiza que de superficial, con Danny lanzando cliché tras cliché sobre el paso del tiempo encima de una base clásica de boom bap (“El tiempo no espera a nadie, así que no puedes desperdiciarlo”).
Eso sí, el disco termina en un punto alto con ‘Bass Jam’, seguramente la canción más conmovedora que ha escrito nunca el de Detroit. Con un beat calmado y minimalista en el que el bajo es protagonista, Brown enumera artistas como Sade o Anita Baker para contar cómo su madre y él hablaban “a través de la música”. Siendo una buena colección de canciones para cualquier fan de Danny Brown e incluso un cambio de ritmo acertado, es inevitable pensar que, por desgracia, ‘Quaranta’ no ha llegado a alcanzar su máximo potencial.
Sandra Valero ha acariciado con los dedos la victoria en Eurovisión Junior 2023. La valenciana, que representaba a nuestro país con el tema ‘Loviu’, ha quedado en segunda posición tras ser una de las grandes favoritas de la edición. El triunfo, sin embargo, ha ido a parar a Francia, que también partía como favorita con la canción ‘Coeur’ de Zoé Clauzure.
Esta es una de las mejores rachas de Francia en su paso por el festival infantil. El país ha ganado en tres de las últimas cuatro ediciones (2020, 2022, 2023). En esta ocasión, su victoria ha sido con 228 puntos, despegándose de los 201 que han dado a España su segunda posición. Sandra Valero ha logrado con ‘Loviu’ el tercer puesto para el jurado y el segundo para el público, mientras que Zoé Clauzure ha ganado ambos.
Este es el mejor puesto de España desde que Antonio José nos representara en 2005 con ‘Te traigo flores’, quedando también en el segundo lugar. Un año antes, María Isabel ganaría el festival con ‘Antes muerta que sencilla’, nuestra única victoria en la historia de Eurovisión Junior.
Como Francia ya ganó Eurovisión Junior el año pasado, esta edición se ha celebrado en la ciudad de Niza, situada al sur. La delegación del país tendrá que decidir ahora si vuelve a celebrar Eurovisión Junior en 2024 o si, por el contrario, deja que la subcampeona España sea su sede. No obstante, todo indica que volverá a celebrarse en Francia.
Francia gana por segundo año consecutivo Eurovisión Junior y España queda en segunda posición en #EurovisiónJuniorRTVE
El proceso de regrabaciones de Taylor Swift está volviendo a abrir muchos capítulos que se creían cerrados. No es para menos, pues la artista ha de regresar a sus eras pasadas para crear sus nuevas versiones, las Taylor’s Version, y recuperar así el control de su música. Sin embargo, por el camino también se están volviendo a recordar antiguas narrativas. Y, si por algo destaca la discografía de Taylor Swift, es sin duda por las historias que cuenta en sus canciones.
‘Is It Over Now?’ es uno de esos temas inéditos que la cantante descartó en su momento y que, aprovechando el proyecto de las regrabaciones, ahora ha visto la oportunidad perfecta para sacar «del baúl». Perteneciente a su quinto álbum de estudio pero relegada entonces, es la pista que cierra ‘1989 (Taylor’s Version)’, jugando de esta forma con el título de la canción: ¿ya se ha acabado?
Sin embargo, más allá de la referencia que deja con su posición en el tracklist, ‘Is It Over Now?’ trata sobre una relación en estado intermitente. «Cariño, ¿se había terminado entonces? / ¿Y se ha terminado ahora?», canta Swift en el estribillo de uno de sus temas más mordaces. «¿Había terminado todo cuando ella se acostó en tu sofá? / ¿Había terminado todo cuando él me desabrochó la blusa?», se pregunta la artista delatando la verdad de una pareja en llamas.
Pero, a diferencia de otras canciones de ‘1989’, la pluma de Swift alterna aquí su lado más vengativo con la vulnerabilidad producida por la traición, dando lugar a la honestidad más cruda. «Si tiene ojos azules, supongo que probablemente saldrás con ella / Sueñas con mi boca antes de que te llamara traidor mentiroso / Buscas en la cama de cada modelo algo más grande, cariño» pueden ser sus versos más atrevidos desde «Yo seguiré creciendo, pero tus amantes siguen teniendo mi edad» en ‘All Too Well (10 Minute Version)’.
No obstante, el mejor momento del tema es el puente, una de las grandes fortalezas de la artista. «¿Y pensaste que no te vería? Había luces parpadeantes / Al menos yo tuve la decencia de mantener mis noches ocultas», canta en el inicio del mismo, que llega a repetir hasta dos veces a lo largo de la canción. Es el puente, junto a las magníficas expresiones de su voz en segundo plano como las constantes «Pero no» o «Oh, Dios», lo que asciende la canción a otra dimensión.
Continuando la historia que cuenta en ‘Style’ o ‘Out of the Woods’, Taylor Swift proporciona en la fantástica ‘Is It Over Now?’ una mirada mucho más profunda y devastadora que viaja entre la incertidumbre, los celos y la lujuria. Probablemente los más curiosos ya sepan sobre qué relación habla la artista y cómo fue su final, pero ‘Is It Over Now?’ siempre dejará la pregunta en el aire.
‘Amadora‘ es nuestro Disco de la Semana. Miren Iza de Tulsa lo defiende más segura de sí misma que nunca. Ha dejado temporalmente la Psiquiatría para centrarse en esto, con el aliciente de que algunas de las presentaciones ya realizadas del álbum, son en forma de obra de teatro en un proyecto conjunto con la directora María Velasco.
Es un disco que habla sobre la mujer, sobre su posición de cuidadora en la sociedad, pero que deja un final optimista, sobre todo desde que en el álbum aparezca el tema ‘024’, sobre la prevención del suicidio. Ella misma nos lo explica.
¿Qué quieres transmitir con ‘Amadora’?
El disco habla de un personaje del que tenía apuntado el nombre hace años. Antes de ‘Ese Éxtasis‘. Cuenta el dolor de las mujeres enraizado en lo cultural, lo social, lo familiar, no en algo individual. Después del disco anterior, caí en la cama, con una lesión de espalda, y quería hablar de cuánto el dolor limita nuestro cuerpo. Hablo de dos dolores distintos. El de Amadora es masivo, no localizado, tiene que ver con la interrupción del discurso y del lenguaje. Es entonces cuando el cuerpo empieza a hablar. Y es muy difícil de aliviar.
¿Qué dolor es peor?
Mucho peor el que no se puede aliviar. ¡Yo con Ibuprofeno y Diazepam estaba mejor! (risas). Es que estoy hablando de un dolor físico también. En una canción digo que «me duele hasta el pelo». El origen es emocional, familiar, cultural. Los cuerpos se rompen por pura entrega y abnegación.
¿Qué canción habla expresamente del dolor físico?
‘Cuando venga el león pálido’ habla de los cuerpos embrollados. El embrollo de los cuerpos es un término de Lacan. Explica que cuando no hay una simbolización en el lenguaje, es el cuerpo el que toma la palabra. Son cuerpos bloqueados. Es un dolor fantasmático que se abalanza sobre ti en oleadas. Se va pero luego vuelve. En ‘SANTAMÁRTIR’ hablo de lo previo al dolor. Cuando mi rol femenino está entregado a los otros.
Amadora es una palabra muy potente per se. Hay nombres que tienes que documentarte para ver qué significan, pero este lo tenemos claro, ¿no?
Es la que ama. Es algo literal. Me fijé en el nombre gracias a la ciudad de Portugal que se llama así. Me encantó. Es alguien que se dedica a amar. Ahí se me quedó. Y ahora se ha llenado de contenido.
En el disco hablas mucho de la maternidad, de la madre que ama y cuida.
Hay una especie de herencia invisible que confundimos con el instinto de cuidar, de entregarnos a los demás, de ser dulces y buenas y eternamente disponibles. Romper con eso es una lección dolorosa. Es un camino no siempre fácil. Tanto seguirlo como desviarte tiene un coste. Yo tenía ese conflicto por llegar a la edad de ser una señora, preguntándome por ejemplo si tenía espacio en el mundo de la música. No estaba siguiendo el precepto de mi madre, de mi hermana. Tenía un conflicto que el disco me ha ayudado a resolver. Llegas a los 40 y no has cumplido nada de lo que tu madre quería para ti: tienes un conflicto.
«Romper con una herencia invisible (como mujer) es una lección dolorosa. Tanto seguirla como desviarte tiene un coste»
El concepto de mujer como cuidadora está en el disco. ¿Es algo del presente o cada vez es más pasado?
Es súper presente. Lo veo en muchas amigas. Ahora hay una doble jornada. Todas tienen que trabajar fuera. No tengo amigas que puedan NO trabajar. Tienen el rol de sostener su casa y el de trabajar fuera. Trabajos en el mundo de las finanzas, las ingenierías. Se ha hecho esa incorporación al mercado, pero sin delegar el rol de casa.
Hay un punto del disco en que hablas de no seguir en la música. Hablas sobre cosas que no has hecho en ‘024’.
024 es el número de atención al suicida. «Ya no sé si sirvo para esto, ya no sé si seguir aquí». Es el punto de inflexión del disco, que va del dolor a plantearse el suicidio. En la propia canción se resuelve eso de manera pretendidamente humorística (risas) Te atan a la vida las cosas que no has hecho. Sé que hay cosas más profundas que comer en Can Roca (risas) Puedes divorciarte. En lugar de suicidarte, puedes divorciarte.
Hay una sensación de dar un paso adelante en el disco. ‘024’ suena esperanzadora. Y ‘Melocotón’ es un tema de autoconvencimiento, de dejar de lado dilemas absurdos. ¿Hay un punto de «atreverte a» en este disco?
De lanzarte al cambio. Todo pretende ser una descripción de una transformación, un cambio de piel. Al hacerte mayor descubres cosas geniales. Ves que has hecho cambios profundos, que no son baladís o superficiales. Hay cosas que cambian de significado, y que si no tienes muchos años no las puedes percibir. El disco es una oda al cambio.
«Yo sigo haciendo discos, parece que no ha cambiado nada, y sí. Ahora no tengo miedo»
¿Qué cambio que has hecho puede parecer baladí y no lo es?
Yo sigo haciendo discos, parece que no ha cambiado nada, y sí. Ahora no tengo miedo, me da igual que la gente se vaya, gente de la banda o del sello o de la oficina. Veo que no es el fin del mundo. Ya tienes experiencia para saber que las cosas te dan alimento, aunque sean pérdidas.
¿Cuándo has sentido que te has ahogado en un vaso de agua?
Mi gran talón de Aquiles han sido siempre las separaciones de pareja. Han sido mi gran dolor. Me destruían como persona. Eso era un alimento de canciones y gracias a eso he tenido una carrera musical (risas). Me apego mucho a la gente. Las marchas de músicos me dan mucha pena, y en Madrid hay mucho movimiento y la vida es más volátil que en País Vasco. Cuando se me va un guitarrista o un batería, es como si perdiera a alguien de mi familia. Yo quiero que seamos felices de gira en la furgoneta, y cuando alguien se va siento que el proyecto se cae. Angel Luján (productor) se ríe de mí, me dice: «no le cojas cariño a ese músico, que te va a durar un telediario».
Igual no se nota tanto de un disco a otro, pero sí de los primeros a los últimos. Ahora eres una artista de música electrónica.
(carcajada) No es un disco de banda, lo hemos hecho Ángel y yo codo con codo. Estoy en un espacio ultra seguro, puedo decir la mayor chorrada, jugar a lo que me dé la gana y sin dar explicaciones.
«¿Qué depositan las madres en nosotras para que veamos que las estamos decepcionando?»
‘Tacones lejanos’ es uno de los temas que habla de la maternidad. ¿Es autoficción?
Soy yo hablando a mi madre. Amadora sería mi madre, pero no es mi madre exactamente. Mi madre siempre trabajó fuera de casa. Pero sí es una carta a mi madre.
Cuando yo escucho ‘Amadora’ y sale el personaje de Joaquín, me doy cuenta de que en tu caso no va a ser una narración tan fácil, que va a ser un proyecto complejo, esquinado, con interpretaciones… ¿no? María Pérez y yo íbamos a escribir una serie. Una madre y una hija. ‘Sonata de otoño’, ‘Postales desde el filo’… Yo tiro para Almodóvar. La serie era un intento de resolver algo nuestro. ¿Qué depositan las madres en nosotras para que veamos que las estamos decepcionando?
¿Es como que la sororidad no ha llegado a la relación de madre e hija?
Quería hablar de diálogo, de perdón. Yo me lo llevaba más a la consulta. María Velasco (directora de la obra de teatro) se lo ha llevado a su casa, a intentar entender a su madre. Ella había vivido por oposición a su madre.
Ahora por fin hablas de tu trabajo como psiquiatra en tus letras…
Ya lo he integrado, ya está curado, Sebas (risas). Porque ahora igual lo dejo ya. He estado 20 años trabajando de esa manera, y he estado a punto de enfermarme. Una de las herramientas de curación ha sido hacer este disco y pedir una excedencia. Me encanta la Psiquiatría y me he identificado con ella, pero el sistema de la Seguridad Social se ha roto. El sistema intenta sobrevivir a costa de los profesionales. Hay muchísima demanda. Estás achicando agua y sabes que no llegas. Es el Síndrome de Burnout que hay en la sanidad y en la enseñanza. Son profesiones de riesgo y lo quiero decir así porque la gente tiene miedo de decirlo. Mi jefe que me quiere mucho me dijo que me tomara una excedencia. Sobre todo para hacer las cosas de otra manera.
«Me encanta la Psiquiatría, pero el sistema de la Seguridad Social se ha roto. El sistema intenta sobrevivir a costa de los profesionales»
Qué susto, te había entendido al principio que ibas a dejar la música.
¿Y qué hago, pongo una tienda de tornillos? (risas) Esta vez es la primera vez que no quiero dejar la música.
La nota de prensa menciona a Lucia Berlin y a Otessa Mosfegh, que me flipa.
No la conozco, me tienen que regalar el libro.
Es una autora muy sórdida, da asco y lo pasas muy mal leyéndola. Me puso uno en Instagram que cómo podía haber recomendado eso.
Ah, qué bien, es un revulsivo. Me gusta. Qué potente que llegue a traspasar esa frontera.
A lo que voy es que tu música tiene ese punto sórdido también. Lo siento…
¡No lo sientas! Siempre quiero ponerle un punto sórdido, si quieres describir la realidad, no puedes evitar la mugre. No puedes fingir que no existe la mugre.
Esta esa frase de «Me ha salido musgo en el coño»…
En realidad es una frase light. A mí me gusta mucho Aidan Moffat, Arab Strap, me gustaría ir más allá. No creo que sea un disco sórdido. Estoy súper contenta, me parece el mejor disco que he hecho.
Si titulo la entrevista así, va a ser un «eye rolling»… Es lo que siempre decís los artistas.
No lo hagas, que los lectores de JENESAISPOP me dan mucho miedo.
«No titules así, que los lectores de JENESAISPOP me dan mucho miedo»
Me interesa el punto de oscuridad del disco, pero el final es optimista.
La alternativa era hacer algo sangriento. De venganza. ‘Kill Bill’, ‘Carrie’… que rodaran cabezas. Tengo una lista de Spotify de «Murder Ballads». Pero es más poético de esta manera. Veía que el final tenía que ser así.
¿Qué había en esa playlist? Recuerdo que sucumbiste a C. Tangana. No sé si a Bad Bunny.
No he entrado en el nuevo, pero el anterior me pareció brillantísimo, lo escuché mucho. En la playlist estaba ‘Johnny 99’ de Bruce Springsteen, la de ‘John Wayne Gacty’ de Sufjan Stevens que hablaba de una matanza, el de Nick Cave…
Ibas a ‘Kill Bill’…
Hay una referencia muy clara. Ángel y yo hablamos mucho de la reverb de Lana del Rey.
El final de ‘amor o transferencia’ es muy claro al respecto…
Me alegro de que lo sitúes tanto. Esa canción tiene una manera de frasear nada mía. Qué bien que puedo hacer algo diferente y huir de mis vicios. Esa y ‘024’ es como «hay futuro».
¿De qué estás más orgullosa a nivel producción?
Estoy orgullosa de que hemos sido muy felices grabando y eso va metido en el disco. La consigna fue minimalismo, que a veces se dice y no se mantiene. Cuesta.
¿Alguna curiosidad?
Carasueño (productor) no abrió una pista por error y nos la devolvió sin arpegio de piano. Yo había compuesto ‘una parte de mí’ con un piano que estaba por toda la canción. Y él no abrió esa pista. Fue un accidente brillante. O eso nos contó, igual no le gustó (risas). El caso es que nos gustó más así, GRACIAS. ‘La estrella’ es la más antigua, iba a ser un tema con La Estrella de David y Betacam, y se transformó en un final con mis sobrinos cantando. Es la más extraña, pero me permito esa licencia como final de un disco que mezcla a Morente con el himno de Santa Águeda que sale en ‘SANTAMÁRTIR’. Es una festividad que se hace en el País Vasco cada 4 de febrero, en la víspera de Santa Águeda, cuando le pides a la tierra que se abra por el solsticio de invierno. Santa Águeda es una santa que se corta las tetas. Por eso digo «en una bandeja mis tetas exprimidas».
Te noto muy contenta..
Estoy súper bien, Sebas. ¡La excedencia! Estaba desubicada, muy cansada, con un poco de amargura. Pero ya llevo un tiempo siendo consciente de la suerte que supone la vida que tengo, y la que tienes tú seguramente, con perdón. Al final trabajamos con un material que es bello y tenemos unos medios de vida muy óptimos.
En plena promoción de su nuevo single, ‘Houdini’, Dua Lipa sigue ofreciendo entrevistas para hablar sobre su nuevo proyecto musical. Sin embargo, en su paso por el podcast ‘Awards Chatter’, también ha tenido tiempo para hablar sobre su pasado. Y ha confesado que estuvo a punto de cancelar el lanzamiento de ‘Future Nostalgia’.
Como nos ocurrió a todos en 2020, Dua Lipa no esperaba que una pandemia hiciera cambiar todos los planes que se tenían para aquel entonces. ‘Don’t Start Now’, el single principal de ‘Future Nostalgia’, salió el 31 de octubre de 2019, por lo que el comienzo de la «segunda era» de la cantante acabó coincidiendo irremediablemente con la pandemia por COVID-19 que ocurriría nada más empezar el 2020.
«En aquella época había conversaciones de ‘Bueno, ¿vamos a publicar el disco en este momento? ¿Qué deberíamos hacer?’», dice la artista cuando se le pregunta sobre el álbum en el podcast. «Me sentía tan fuerte sobre el hecho de que, aunque en mi cabeza había imaginado que este era un disco que iba a ser escuchado y que iba a poner a la gente a bailar, era… No sé, sentía que era necesario sacarlo», reconoce.
‘Future Nostalgia’ finalmente fue publicado el 27 de marzo de 2020: «Me dije: ‘¿Sabes qué? Lo que tenga que pasar con él, pasará’. Lo que sucedió después todo el mundo lo sabe, pues el disco fue reconocido como uno de los mejores del año, valiéndole el Grammy a Mejor Álbum Pop. «Mantuvo a la gente bailando en sus casas. Por eso estoy muy agradecida», reconoce Dua Lipa.
| @DUALIPA reveals that when COVID-19 hit, conversations took place on whether to cancel the release of Future Nostalgia [@AwardsChatter]
“I felt so strongly, that even though in my head this was an album that would get people dancing, it felt necessary to me get it out… pic.twitter.com/2Yzq0u2tQi
Si alguien tuviera que escribir una lista con los artistas revelación de este final de año, el nombre de Tate McRae probablemente se encuentraría entre los primeros. Y no precisamente porque acabe de llegar, pues ya publicó su álbum debut a principios de 2022, sino porque ha sido en este 2023 cuando se la ha empezado a tomar en serio dentro de la escena del pop.
Su canción ‘greedy’ se ha convertido en uno de los grandes éxitos de los últimos meses. El tema sirvió como carta de presentación ante una Tate McRae completamente nueva, que deja el lamento característico de sus mejores canciones hasta el momento como ‘you broke me first’ o ‘feel like shit’, para mostrar una imagen fiestera y hasta irónica ante sus fracasos amorosos.
Pero si hubo gente que se preguntaba si ‘greedy’ sería una excepción, la publicación de ‘exes’ confirma las intenciones de la artista. El single sirve como segundo adelanto de su nuevo trabajo discográfico, ‘THINK LATER’, que llega el próximo 8 de diciembre a plataformas musicales. En este, vuelve a reunir los mismos elementos que la hicieron destacar en ‘greedy’, aunque quizá sin el factor sorpresa y asumiendo las inevitables comparaciones.
Usando una narrativa similar a la de ‘greedy’, Tate McRae se ríe de sus parejas anteriores en ‘exes’, llegándole a enviar besos a aquellos «a los que les importo una mierda». «Nos reconciliamos, luego rompemos, luego juran que nunca me llamarán», canta en el estribillo. «Siento que me quieras», se ríe más tarde.
Más empoderada que nunca, Tate McRae se acerca al lanzamiento de su segundo álbum de estudio con un hit y un buen tema pop. Y, a diferencia de con su álbum debut, lo hace tras haber logrado aumentar considerablemente el número de gente interesada en su música. Ahora le queda por conseguir lo más difícil: no decepcionarlos ante las altas expectativas.
Pronto aterrizará en Movistar ‘Esta ambición desmedida’, el documental que detalla la creación de ‘El Madrileño’ y de la gira ‘Sin cantar ni afinar’, y que de momento en cines está siendo uno de los docus más taquilleros del año (el más taquillero obviamente no va a ser, porque todo sabemos cuál es, ¿verdad?). Distribuido por Avalon, el resultado de seguir a C. Tangana 24/7 se preestrenó en el Festival de San Sebastián, detallando que tendríamos tanto la versión de cines como la versión por capítulos para Movistar, y que probablemente habría cambios en el metraje.
No sabemos si finalmente los habrá habido, pero, a juzgar por lo que vimos en Donosti, ‘Esta ambición desmedida’ es interesante si te interesa la figura de Tangana, el hype alrededor de lo que hace o los colaboradores de los que se rodea (hay aquí entrevistas a gente como Nathy Peluso o Niño de Elche, junto a personas anónimas de su entorno), pero no es el gran proyecto que (suponemos) algún día se hará sobre él ni, desde luego, un documental de artista a la altura de los grandes del género.
‘Esta ambición desmedida’ toma su título de ‘Un veneno’, uno de sus mejores temas, en el que demuestra que, efectivamente, “sin cantar ni afinar”, talento tiene Antón de sobra. Olfato comercial, sí, pero también talento para componer temazos, para crearse el personaje, hacer distintas músicas, e incluso recuperar al rapero que quizás nunca se fue, ya sea con el regalo de ‘Estrecho/Alvarado’ o con el “bonus track” que se nos ofrece hacia el final del documental. Según dice su trailer, “esto no es un documental” (hola, Zahara y Guille Guerrero) sino una tragedia, pero ‘Esta ambición desmedida’ funciona mucho mejor cuando es comedia, cuando se toma menos en serio. Porque su propuesta “seria” está lejos de ser lo que cree ser.
Cristina Trenas, Santos Bacana y Rogelio González, los responsables, son personas muy cercanas a C. Tangana; no en vano, la productora Little Spain está detrás de muchos de sus videoclips. Y no sabemos si por ese motivo, pero uno de los principales fallos del documental es la enorme distancia que se siente respecto a la persona retratada… que suele ser debido a que hay muy poca distancia detrás de las cámaras. Un problema común en documentales sobre artistas es el ego del artista en cuestión, la no-desmedida valentía de los responsables, o la mezcla de ambos factores. Pero qué ego puede ser mayor que el de Madonna, y ahí está ‘Truth or Dare’ siendo todo un referente. Incluso ‘Miss Americana’, aunque radicalmente distinto, se las apañó para mostrar aspectos de Taylor Swift que no se conocían mucho, y acercarla a gente que no la soportaba.
La comparación podría ser injusta si hablamos de presupuesto, pero es que ése no es el problema aquí. Está también en los aspectos más técnicos; por poner un ejemplo, el montaje se hace bastante monótono para lo que han hecho antes desde Little Spain, y esto podría tener sentido si se mostrase un lado hasta ahora desconocido del autor de ‘Llorando en la limo’… pero es que eso no termina de pasar. Porque, y ahí vamos, ‘Esta ambición desmedida’ juega con el clásico “los genios son así” y comparte varias salidas de tono; en entrevistas, de hecho, han dicho (incluso el propio artista) que se le muestra como un “hijo de puta”. Pero es que hasta eso parece calculado. Tienes la sensación de que hay mucho más que se están guardando, y que el decir “enseñemos su lado oscuro” es otra operación de marketing.
Y además, qué coño, que es C. Tangana. Mostrarle siendo un gallito no es ninguna revolución; la verdadera novedad sería haberse centrado en su vulnerabilidad. O en mostrar más a Antón que a C. Tangana. Porque prácticamente en ningún momento de ‘Esta ambición desmedida’ dejas de tener la sensación de estar viendo a un personaje, no a una persona. Y el interés que tiene eso se acerca más al del publirreportaje.
El retorno de Slowdive con su brillante ‘Everything Is Alive’, ha sido la gran noticia de 2023 para fans del shoegaze. Pero corremos el riesgo de que su resplandor eclipse otro disco que merece por lo menos el mismo cariño y atención. Se trata del sorprendente estreno en solitario de la más tímida de las co-líderes de otra leyenda del género: Lush. Cuando la reunión del grupo en 2016 no llegó a cuajar un nuevo LP, Emma Anderson se vio con canciones nuevas en las manos pero sin un proyecto donde materializarlas. Finalmente -animada por Robin Guthrie de los Cocteau Twins- se decidió a probar suerte por su cuenta, dando como resultado este precioso ‘Pearlies’ que edita el sello Sonic Cathedral.
Menos seguidor del canon shoegaze/dream pop que ‘Everything Is Alive’, el disco abre algunas nuevas y fascinantes vetas estilísticas en la obra de Emma Anderson, quien sin perder lo esencial de su ascendencia musical añade novedosas chispas de psych-folk al estilo de Broadcast, e incluso destellos de space rock a lo Spiritualized. Para ello ha contado con los pinceles sonoros de James Chapman de Maps en la producción y sintetizadores, y con las guitarras del Suede Richard Oakes.
Las diez canciones de ‘Pearlies’ basculan en torno a dos polos: uno más meditativo y ambiental, a ratos incluso desprovisto de percusión alguna, y otro más pop y midtempo, que a ratos puede recordar más a Lush o a Sing-Sing (el proyecto de Emma en los años dos mil). Los adelantos que precedieron al lanzamiento en los pasados meses se han centrado en esta faceta: la preciosa ‘Bend the Round’ nos sorprendió en julio con su ritmo entre baggy 90s y guiños al groove gainsbourgiano, con exquisitos arreglos de admirable armonía entre las guitarras de Emma y Oakes y los sintes de Chapman. ‘Clusters’ es una brillante melodía muy Lush pero que desarrolla con admirable dominio de los espacios vacíos (esas atmosféricas estrofas) y el arreglo sutil.
Por suerte el resto del disco está completamente a la altura de lo que los singles prometían. Así, los aires cinemascópicos y misteriosos de ‘I Was Miles Away’ mantienen la tensión de un ritmo que no arranca hasta los cuatro minutos entreteniéndonos con una exquisita instrumentación que recuerda a lo mejor de los High Llamas, Stereolab, o incluso a la muy reivindicable Gemma Ray, a base de Farfisas, clavicordios sintetizados y guitarra con efecto psicodélico Leslie. Las letras están en perfecta consonancia en su sucesión de imágenes casi de viaje astral (“Cruising through stars that sing my name / Marking the space, a single frame / And looking down, it’s just a dream / Seeing the oceans change to streams”).
A la par, piezas como ‘Inter Light’ y su melodía folk y psych-pop recuerdan a los misterios melódicos de Trish Keenan, con una coda final fantasmagórica con sonido de theremin, al parecer inspirada en las bandas sonoras de John Barry. Sobre ese lienzo, la voz de Emma tiene una cualidad muy inglesa: ligeramente nasal, con una entonación lejos de la ultra-estilización, perfecta, a veces conducida a un falsete muy 60s, otras a una gravedad esotérica cercana a la añorada cantante de Broadcast. Se confirma en la pieza quizá más en esa vena: ‘Tonight is Mine’ añade una nueva piedra preciosa a ese maravilloso subgénero musical británico que es el folk con sintetizadores.
Y con ser todo esto una maravilla, las partes más ambientales, que son también tremendamente melódicas, terminan conformando las cumbres del disco. Balsámicas canciones en las que se permite dejar espacios, sostenidas por sí mismas sin apenas percusión, con la simple presencia meditativa de los sonidos, texturas, y misterios de la canción. ‘Taste the Air’ y ‘Xanthe’ concluyen la cara A con ese exquisito tono reflexivo. La primera es un glorioso 3/4 con evocador vibráfono, órganos, y atmosféricos arpegiados de guitarra con una de las melodías más encantadoras del disco. Aunque el modo de escribir letras de Emma -como ya hacía en Lush- tiene que ver con la escritura automática, en ‘Taste the Air’ hay un mensaje más definido, en este caso sobre (en palabras de Emma) “el triste pero necesario final de una relación”: “Every time I look away / Every single word I say / Every single part you play / It’s over, it’s over”.
Por su parte ‘Xanthe’ es muy posiblemente el más precioso semi-instrumental (la voz son ‘la-la-las’) del año, una nana a ratos dulce a ratos inquietante inspirada por la banda sonora de Krystof Komeda para ‘La semilla del diablo’. La conduce en volandas el líquido “twang” de un Richard Oakes que demuestra a lo largo y ancho del disco una impresionante versatilidad a la guitarra, en este caso con un melancólico rasgueo reminiscente de James Wilsey.
Podríamos seguir y seguir: el gancho pop de la excelente ‘The Presence’ nos recuerda por qué Emma fue responsable de algunas de las más deslumbrantes piezas de Lush entre 1988 y 1996 (Emma la define como “Abba meets Siouxsie”). De nuevo, economía de elementos, pero muchos detalles sutiles maravillosos para una letra sobre la ansiedad. O el casi homenaje a ‘El hombre de mimbre’ de ‘Willow and Mallow’ (“Sauce y malva”) con su acústica y oboe, muy bucólico y muy folk setentas pero con ambientales sintetizadores de ahora mismo, y un increíble solo de guitarra de Richard Oakes extremadamente Hank Marvin (The Shadows). Incluso los momentos en las piezas finales ‘For a Moment’ y ‘Clusters’ donde Emma revisita los micro-océanos de guitarras en los que nadó tan bien hace 30 años, desempolvando la Santa Trinidad de efectos shoegaze: chorus + fuzz + reverb.
La pregunta en el aire al terminar estas diez canciones es qué forma habrían tomado de haber sido parte de un nuevo disco de Lush. Y la respuesta es que no importa, y que qué suerte que Anderson haya decidido darles vida por su cuenta. Porque la sospecha de que mucha de la magia chispeante y reposada de ‘Pearlies’ se habría disipado se vuelve por momentos insoportable.
‘Houdini’ sí arrasa en JENESAISPOP y es lo más votado tanto en la web como en X, donde ha conseguido más del 58% de los votos. Es la 6ª vez que Dua Lipa conquista por completo a los lectores de JENESAISPOP. Las anteriores fueron ‘New Rules’, ‘Don’t Start Now’, ‘Physical’, ‘Break My Heart’ y ‘Levitating’. ‘Houdini’ ha quedado en cambio en el puesto 2 en Reino Unido -donde baja al 7 en su segunda semana- y en el top 11 de Estados Unidos. En España es número 24.
Otras entradas destacadas son las de The Smile y Olivia Rodrigo, en ese orden, y la gran subida es la de María José Llergo con ‘Superpoder’. Más abajo encontramos otras novedades como las de nudozurdo, Depresión sonora o Mon Laferte.
Daryl Hall y John Oates, conocidos mundialmente como miembros del dúo de rock homónimo Hall & Oates, se alejan cada vez más. Este jueves, Daryl Hall ha presentado una damanda contra su antiguo compañero John Oates, alegando incumplimientos en el contrato que el dúo firmó y que fijaba los derechos de su música.
Pese a que no se tiene mucha información sobre este conflicto legal, sí se ha dado a conocer que, este mismo viernes, el tribunal ha accedido a la petición de Hall de una orden de alejamiento temporal. Esta orden entraría en vigor el 30 de noviembre.
Como no es público el acuerdo firmado, todavía no se han desvelado los puntos que, supuestamente, Hall acusa a Oates de haber incumplido. No obstante, según CNN, la orden de restricción es una medida que suele dictarse en medio de una disputa comercial, con el fin de evitar que una de las partes perjudique los intereses económicos de la otra.
A finales del pasado año, Hall ya daba pistas sobre el posible desencadenante del conflicto. En el podcast ‘Club Random’, Bill Maher habló de Oates como su «socio comercial» en lugar de su «socio creativo», lo que se pudo interpretar como una manifestación de que no cree que su compañero pueda interpretar en solitario los éxitos del dúo, como ‘Private Eyes’.
Axl Rose, vocalista de Guns N’ Roses, ha sido denunciado por violación tras la acusación de haber agredido sexualmente a la modelo y actriz Sheila Kennedy. Los hechos habrían ocurrido en la habitación de un hotel en 1989, según ha podido saber Rolling Stone.
Sheila Kennedy, en una demanda presentada este miércoles en la Corte Suprema de Nueva York, alega que Axl Rose abusó de ella sexualmente la noche que se conocieron, cuando ella tenía 26 años. Según la denuncia, ambos se vieron por primera vez en un club nocturno, justo el día en que la habría violado más tarde en una habitación de hotel.
Sheila Kennedy ha afirmado en la demanda que un amigo la había invitado a dicho club para conocer a la banda, según detalla Rolling Stone. Más tarde, Axl Rose invitaría a Kennedy a una fiesta organizada en una de las habitaciones del hotel. Allí, cuando Kennedy fue al baño, Rose supuestamente estaría esperando fuera de la puerta y, cuando la modelo salió, la «empujó contra la pared y la besó».
«Kennedy encontró atractiva a Rose y no le importó este encuentro. Ella estaba dispuesta a acostarse con él si las cosas progresaban», dice la demanda. Sin embargo, ella cuenta que no dio su consentimiento para el supuesto encuentro sexual con Rose que ocurriría esa misma noche.
Luego, según relata la demanda, Rose tendría relaciones sexuales con otra modelo, e incluso llegaría a proponer sexo en grupo. Más tarde se pelearía con la otra modelo, a la que llamaría «puta de mierda», para después encontrarse con Kennedy y agarrarla de malos modos hasta violarla.
Esta no es la primera vez que Sheila Kennedy comparte los detalles sobre su supuesta experiencia con Axl Rose, escribiendo sobre ello en su autobiografía de 2016, ‘No One’s Pet’. Axl Rose, quien ha sido acusado de abuso doméstico y sexual varias veces en el pasado, ha negado tales acusaciones.
Sound Isidro cumple sus primeros 10 años y, para celebrar el aniversario de su décima edición, ha presentado un cartel con más de 30 nombres entre los que destacan Cecilio G, Hofe x 4:40 y rusowsky.
La edición se llevará a cabo en casi una veintena de salas del circuito madrileño de música en directo entre los meses de abril y junio de 2024. Entre los artistas confirmados también se encuentran Mushkaa, Finale, Nerve Agent, John Pollõn, Zuaraz, sistema de entretenimiento, Atención Tsunami, The Change, El Bobo de las 3000 o Ferran Palau.
El festival ha anunciado que estos 30 artistas no serán los únicos que se suban a los escenarios del Sound Isidro 2024, pues hay nombres que todavía no se han revelado. De momento, ya es posible comprar las entradas para quienes sí han sido anunciados.
Viernes 5 de abril: Mushkaa @ Shoko [entradas]
Viernes 5 de abril: Carmen Xía @ Café La Palma [entradas]
Sábado 6 de abril: Zuaraz @ Sala Villanos [entradas]
Sábado 6 de abril: Marala @ Clamores [entradas]
Lunes 8 de abril: Folly Group @ Maravillas Club [entradas]
Martes 9 de abril: Courting @ Maravillas Club [entradas]
Viernes 12 de abril: Mundo Prestigio @ Siroco [entradas]
Viernes 12 de abril: Hofe x 4:40 + Mirua @ El Sol [entradas]
Martes 16 de abril: Francis of Delirium @ Maravillas Club [entradas]
Viernes 19 de abril: Cecilio G @ Shoko [entradas]
Viernes 19 de abril: Casapalma @ Cadavra [entradas]
Sábado 20 de abril: airu @ Sala Vesta [entradas]
Jueves 25 de abril: Xina Mora @ Clamores [entradas]
Viernes 26 de abril: Nerve Agent @ BUT [entradas]
Viernes 26 de abril: Atención Tsunami @ El Sol [entradas]
Sábado 4 de mayo: Dellachaouen @ El Sótano [entradas]
Jueves 9 de mayo: Júlia Colom @ Clamores [entradas]
Viernes 10 de mayo: rusowsky @ La Riviera [entradas]
Viernes 10 de mayo: The Change @ The Bassement [entradas]
Sábado 11 de mayo: Quentin Gas & Los Zíngaros @ Siroco [entradas]
Jueves 16 de mayo: sistema de entretenimiento @ El Sol [entradas]
Viernes 17 de mayo: John Pollõn @ Shoko [entradas]
Viernes 17 de mayo: Bulego @ Hangar 48 [entradas]
Sábado 18 de mayo: Prison Affair + Finale @ BUT [entradas]
Sábado 18 de mayo: Playback Maracas @ Clamores [entradas]
Viernes 31 de mayo: kindapatri @ Clamores [entradas]
Viernes 31 de mayo: El Bobo de las 3000 @ El Sol [entradas]
Viernes 14 de junio: Ferran Palau @ Sala Villanos [entradas]
‘La novia’ fue una de las sensaciones españolas de 2015. La película de Paula Ortiz llegó en un momento en el que el cine español se encontraba algo estancado de ideas. Su adaptación de ‘Bodas de sangre’ de Federico García Lorca, que proponía una vistosa puesta en escena, no tardó en llamar la atención y en despertar pasiones entre cierto sector de la cinefilia española. A esas pasiones, como siempre sucede, también se le unieron fervientes detractores, que alegaban que no había demasiado que rascar detrás de su grandilocuente envoltorio.
El siguiente proyecto de la directora se ha hecho esperar. Recientemente en cartelera pudo verse una película británica que rodó por encargo y que se estrenó en festivales el año pasado llamada ‘Al otro lado del río y entre los árboles’. En cambio, ‘Teresa’, su cuarta película, es mucho más personal y la que sigue la senda que dejó ‘La novia’. Adaptando esta vez una obra de Juan Mayorga, la película muestra una lucha dialéctica entre Santa Teresa de Jesús y el Inquisidor, interpretados por Blanca Portillo (Greta Fernández en su versión joven) y Asier Etxeandía.
Ortiz sigue insistiendo en un cine presuntuoso, con cámaras lentas, símbolos y voces en off, solo que esta vez, al servicio de un guion más endeble que en la película que la puso en el mapa. Todas esas imágenes preciosistas y sinuosas de mujeres levitando por las praderas y personajes atrapados en la grandiosa arquitectura de un monasterio nos recuerdan lo valioso que es el cine de Terrence Malick y lo difícil que es de imitar.
En ‘Teresa’ todo suena impostado, y no únicamente en su pretenciosa propuesta visual. También en un texto extremadamente teatral que no ha sabido adaptarse a la gran pantalla. En la película de Paula Ortiz co-existen dos universos que nunca llegan a complementarse ni a converger: lo visual y lo textual. No hay fluidez narrativa, sino una contaste sensación de letargo. Ni la situación está expuesta de manera atractiva, ni los personajes generan el más mínimo interés. El conflicto de Santa Teresa queda constantemente diluido por el ímpetu de la cineasta en ser ella misma la protagonista de su película, en que se note que ella está detrás de cada plano, de cada movimiento de cámara.
Las interpretaciones, que deberían ser el punto fuerte de la historia, también quedan relegadas a un segundo plano, ya que no se sustentan en nada que funcione. Blanca Portillo intenta darle enjundia a su personaje y plasmar su dolor, pero el guion la sabotea continuamente, haciéndola enunciar discursos feministas que jamás hubieran salido de la boca de una mujer del siglo XVI y que no son más que una forma muy poco elegante de sobreexplicar la importancia histórica de Santa Teresa. Por otro lado, Etxeandía cae de lleno en la sobreactuación con un personaje que ni él mismo parece comprender.
Las ambiciones de Ortiz por hacer una obra importante le juegan una mala pasada en esta ocasión. La película, que fusila la fórmula de ‘La novia’, necesitaba ser mucho más que un ejercicio estético; necesitaba, sobre todo, un objetivo.
Marina Herlop es una de las grandes curiosidades salidas desde Cataluña o España en los últimos tiempos. Músico formada en conservatorio, Marina Hernández López se da a conocer con dos álbumes ambientales y, en el tercero, abraza la electrónica cantando en un idioma inventado. Los puzzles sonoros de ‘Pripyat’ (2022) reciben elogios de medios internacionales como Pitchfork y Björk pincha una de sus canciones, ‘abans abans’, en una sesión.
La proyección de Herlop es internacional desde que el sello berlinés PAN edita ‘Pripyat’, y sus giras son globales. Hoy colabora lo mismo con Clara Peya que con Loraine James que con Iglooghost. ‘Nekkuja’, su nuevo disco, ha salido haciendo poco ruido, pero confirmando la singularidad de su visión.
‘Nekkuja’ parte del sonido del disco anterior, pero abraza un concepto vinculado a la naturaleza. Poco antes del lanzamiento de ‘Pripyat’, Herlop se sienta insegura sobre el devenir de su carrera. Para serenarse, Marina se tumba en el suelo de su balcón, cierra los ojos y se imagina a sí misma regando las plantas de su jardín. Sin darse cuenta las primeras semillas de ‘Nekkuja’ se plantan en su imaginación.
Las bases del sonido de Herlop que tan fascinados nos dejó con ‘Pripyat’ -y a cualquiera que la haya visto en directo- siguen presentes en ‘Nekkuja’. Las (auto)armonías vocales salen proyectadas como un chorro de luz, dibujando ángulos rectos, y recordando a las de los Dirty Projectors de ‘Bitte Orca’. La música, sin embargo, sale disparada hacia mil direcciones. Marina crea su propia orden dentro del caos. O su propio caos dentro del orden.
En el laberinto sonoro de ‘Nekkuja’ las referencias a la naturaleza son constantes. ‘Busa’ abre el disco deslizándose en un glissando de arpa, pero cuando los beats electrónicos entran en acción, lo hacen atacando y dejando una sensación de peligro. Sin embargo, la voz de Marina alivia la tensión cantando la melodía “damunt de tú només les florS” (“encima de ti solo las flores”), la cual recupera en ‘Babel’, la pista final. El disco vuelve a su punto de origen.
Las referencias naturales en ‘Nekkuja’ son constantes y aportan equilibrio a un disco que resulta deliberadamente desconcertante. En el rompecabezas jazz-funk de ‘Cosset’ Herlop sostiene “un trozo de luz” en sus manos mientras la base rítmica se entrega a la hiperactividad. En ‘Karada’, Herlop canta a la tierra acompañada del sonido de los pájaros y del punteo de un arpa. Y ‘La Alhambra’ puede ser la producción de Marina Herlop más ambiciosa hasta la fecha. Y la canción señera de este disco.
Por un lado, ‘La Alhambra’ es una canción interpretada desde el punto de vista de unos árboles a los que los “ojos les queman” y que están “cansados de los humanos”. Por otro, las baterías jazz y polifonías vocales típicas de Marina Herlop dan paso a una segunda parte más dramática y solemne donde las voces agudas de Marina le guían en el camino como si fueran el quejido de esos mismos árboles. Al final, un acorde de guitarra eléctrica sume la pieza en la melancolía.
‘La Alhambra’ también representa un elemento de ‘Nekkuja’ que no hemos mencionado: su visión global. Aún utilizando un idioma inventado, ‘Busa’ transmite ecos del gagaku japonés, ‘Reina Mora’ pasa del frenesí total a un piano de ecos etíopes (parece un remix de una pieza de Emahoy Tsegué‑Maryam Guèbrou) y ‘Babel’, aunque melódicamente vuelve al principio del disco, incorpora el sonido de unas cuerdas que no pueden sonar más italianas, más mediterráneas. En la fotosíntesis de Marina Herlop cabe todo.
En 2021, Björn Ulvaeus de ABBA, y el actor británico Ian McKellen, protagonizaron un curioso gag en el que tejían juntos ropa navideña, como gorros o jerséis. En 2022, Björn y Ian volvieron a sentarse juntos en el sofá para tejer y felicitar las fiestas a sus seguidores.
A punto de convertirse en una tradición navideña, como la canción de Mariah Carey, Björn y Ian se han vuelto a reunir en 2023. Y esta vez, han recibido una inesperada llamada, la de Kylie Minogue.
Kylie llama a Björn para pedirle un favor. «Estoy en Las Vegas, es Navidad… ¿Podrías improvisar algo para la banda, los bailarines y para mí? Lo que has estado haciendo últimamente es increíble». Björn contesta a Kylie que no puede hablar y promete que le llamará más tarde.
En redes, ABBA ha anunciado que «un pedido especial ha llegado este año para nuestro famoso dúo de tejedores. ¿Quién le diría que no a Kylie Minogue?» Ni Kylie ni ABBA confirman el motivo exacto de esta colaboración navideña. En el vídeo, Björn explica a Ian que Kylie le ha llamado para «hacer algo para el estreno de su show en Las Vegas», a pesar de que el show se inauguró hace semanas. Björn anuncia que viajará a Las Vegas para ayudar a Kylie y pide a Ian que le acompañe, y este acepta encantado.
Por supuesto, Kylie Minogue tiene su historia con ABBA, pues en el año 2000 cantó ‘Dancing Queen’ durante la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos en Sídney. En 2009, Kylie apareció como artista invitada en el concierto tributo a ABBA celebrado en Londres, y cantó ‘When All is Said and Done’ de ABBA acompañada de Benny Andersson. Además, existe una foto de Kylie y Anni-Frid Lyngstad juntas y cogidas de la mano, pues ambas se conocieron hace años.
‘Voyage‘, el último álbum de estudio de ABBA, vio la luz en 2021, 40 años después del último. ‘Voyage’ contenía un tema navideño, ‘Little Things’, que era lanzado como single en diciembre de ese año. En mayo de 2022 se estrenaba el espectacular concierto de ABBA protagonizado por avatares digitales.
Girls Aloud ha anunciado gira de reunión. ‘The Girls Aloud Show’ abrirá el 18 de mayo en Dublín y cerrará el 29 de junio en Liverpool. Las fechas confirmadas abarcan únicamente Reino Unido e Irlanda (Glastonbury, que se celebra del 26 al 30 de junio, encajaría por agenda). Las entradas para la gira de Girls Aloud se ponen a la venta el 1 de diciembre.
Girls Aloud es ahora el cuarteto formado por Cheryl Tweedy, Nadine Coyle, Kimberley Walsh y Nicola Roberts. Sarah Harding falleció en 2021 a consecuencia de un cáncer de mama.
En nota de prensa, Girls Aloud ha explicado que su vuelta a los escenarios se habló mucho antes de que Harding enfermara, pero que, una vez Harding recibió su diagnóstico, «nuestras prioridades cambiaron». Cuando Harding falleció, al grupo naturalmente le pareció «demasiado pronto» para reunirse. 2022 fue el año que marcó realmente el 20º aniversario de Girls Aloud.
Girls Aloud anunció parón indefinido en 2013, una vez finalizada su gira de éxitos ‘Ten’. El último álbum de estudio oficial de Girls Aloud, ‘Out of Control’, data de 2008. Por separado, sus integrantes han emprendido proyectos musicales: especialmente reivindicable era el disco de Nicola Roberts.
Acorde con UK Official Charts, Girls Aloud «no ha grabado» nuevo disco, pero el portal ni confirma ni desmiente que vaya a salir, al menos, un nuevo single. Se limita a informar de que el grupo «no ha anunciado nuevo material».
Sat 18 May – 3Arena Dublin
Mon 20 May – SSE Arena Belfast
Thurs 23 May – Manchester AO Arena
Fri 24 May – Manchester AO Arena
Mon 27 May – Cardiff Utilita Arena
Fri 31 May – Newcastle Utilita Arena
Sat 1 Jun – Newcastle Utilita Arena
Tues 4 Jun – Aberdeen P&J Live
Sat 8 Jun – Glasgow OVO Hydro
Weds 12 Jun – Nottingham Motorpoint Arena
Sat 15 Jun – Leeds First Direct Arena
Tues 18 Jun – Birmingham Resorts World Arena
Sat 22 Jun – London The O2
Sun 23 Jun – London The O2
Sat 29 Jun – Liverpool M&S Bank Arena
Christina Rosenvinge publicará nuevo disco el 15 de diciembre, ‘Los versos sáficos’. Rosenvinge, que, en los últimos tiempos, ha protagonizado la obra de teatro ‘SAFO’, basada en la vida de Safo de Lesbos, la conocida poetisa griega, continuará explorando al personaje en este nuevo trabajo, el primero que firma en un lustro.
El primer avance de ‘Los versos sáficos’ es ‘Poema de la pasión’, una adaptación del poema 31 de SAFO, que habla sobre el deseo sexual femenino y, en palabras de Rosenvinge, fue «todo un hit en la antigüedad».
En ‘Poema de la pasión’, las guitarras eléctricas que ya estaban presentes en ‘Un hombre rubio‘ (2018) no se van a ningún lado, pero, esta vez, se rinden a la distorsión, como Rosenvinge al deseo cuando canta «siento que muero de amor» y la grabación se electrifica.
“El poema 31 de SAFO es probablemente la primera canción de la historia donde se habla de los síntomas físicos que produce el deseo sexual», cuenta Rosenvinge en la nota de prensa oficial. «Fue todo un hit en la antigüedad, se transmitió boca a boca y se versionó por reyes y poetas. Safo era una estrella pop en el siglo VII A.C , pero posteriormente su obra se censuró y enterró por ser demasiado explícita sobre su sexualidad líquida. La hice originalmente para la obra de teatro SAFO presentada en el Festival de Mérida, pero esta versión es totalmente distinta a la que se interpretaba en la obra. La grabamos una vez acabada la gira como una canción pop que se podría haber escrito ahora mismo».
Christina Rosenvinge estará presentando su nuevo disco este invierno: este sábado 25 de noviembre estará en L’Hospitalet de Llobregat (Festival Acròbates), y el 10 de enero llegará al INVERFEST de Madrid.
Vuelve a no ser especialmente abultado el calendario de lanzamientos discográficos de hoy 24 de noviembre, viernes de Black Friday. Sí salen nuevos discos de Tulsa (ya reseñamos ‘Amadora‘ en portada), Take That (les entrevistamos), Spector, Guided by Voices, Busta Rhymes, Stella Maris, Musgö o Muchachito Bombo Infierno.
La cosecha es mayor en materia de singles. Ya puedes escuchar en nuestra playlist «Ready for the Weekend» nuevos temas de Christina Rosenvinge, Kali Uchis con Karol G, Viva Suecia con Valeria Castro, Queralt Lahoz, Zara Larsson, Blanca Paloma, Galantis, Marc Seguí, Paloma Faith, bb trickz, Danny Ocean, Tu Otra Bonita con Bebe, Winona Oak…
El single destacado de la semana no ha sido otro que ‘Oral‘ de Björk y Rosalía, publicado en el día de cumpleaños de la islandesa. Por otro lado, en portada hemos estrenado el nuevo single de BRAVA y su loco vídeo.
Algunas de las curiosidades que deja el día de lanzamientos de hoy son la versión de ABBA por The Japanese House, la versión de Pet Shop Boys por Sleaford Mods, el nuevo single de Diplo que samplea a Tove Lo a saco, o el nuevo tema navideño de Abraham Mateo.
Más novedades de hoy son las que presentan Santa Salut, Emily Burns, Oliver Heldens, Chill Mafia Records, Suerte Campeón, Besmaya con Yarea, Gucci Mane, Rels B, Eyedress, María Blaya y más.
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