El primer disco de DIIV en tres años parte de una interesante metáfora. “Cuando arrojas una rana a una olla con agua hirviendo, tratará de trepar para salir de manera desesperada”, cuenta el grupo. “Pero si la metes despacio en una olla con agua tibia, y vas subiendo la temperatura, la rana alcanzará un estado de letargo total y, antes de que te des cuenta, con una sonrisa en la cara, dejará que la hiervas hasta la muerte”.
El título de ‘Frog in Boiling Water’ sirve de retrato de una sociedad consumida por el capitalismo salvaje, aletargada como una rana cociéndose viva. “El agua hirviendo es el capitalismo”, añade la banda compuesta por Zachary Cole Smith, Andrew Bailey, Colin Caulfield y Ben Newman. “Y nosotros somos las ranas”.
Esta premisa sirve a DIIV, en su nuevo disco, para dos cosas: en primer lugar, para agregar una nueva dimensión a su atormentado sonido, curtido en el shoegaze; en segundo, para cambiar el foco de sus letras. Las adicciones de Zachary Cole Smith ya no son el centro de los textos de DIIV. En su lugar en ‘Frogs in Boiling Water’ se hallan referencias a la clase política, conformada por “villanos que se aprovechan del sufrimiento ajeno” (‘In Amber’); al imperialismo americano (‘Raning On Your Pillow’) o incluso a ese “futuro que llegó” y que nadie vio. Alguien ha estado leyendo a Mark Fisher.
Esto no significa que las letras de DIIV sean su mejor faceta. Desde luego, no están a la altura de su capacidad para crear atmósferas shoegaze realmente arrebatadoras. Y tampoco significa esto que, en ‘Frogs in Boiling Water’, Cole Smith renuncie a su propia subjetividad. El nuevo disco de DIIV no es político, es un disco en el que las letras mezclan lo personal y lo social, de la manera que probablemente ocurre dentro de la cabeza de su autor, y en la de cualquiera.
Este tira y afloja se evidencia en las canciones. El torrente de guitarras de ‘Brown Paper Bag’ construye un baladón shoegaze como la copa de un pino. Sin embargo, la metáfora de la tristeza que propone su letra, representada por la imagen de una “bolsa de papel gastada”, es propia de la Katy Perry de ‘Firework’. Zach toca la fibra cuando compara su tristeza con una cárcel, como hace en ‘Soul-Net’, otra de las mejores baladas del disco.
Es en las capas instrumentales -no tanto en rimas como «the good guys won, everybody had fun»- donde DIIV brilla. En el modo en que trabaja la tensión y relajación del corte inicial, ‘In Amber’, de ecos grunge también, llevando al oyente a un viaje emocional apabullante. Es en la manera en que ‘Frog in Boiling Water’ equilibra shoegaze y melodía como pocas canciones en la carrera de la banda. O en el modo en que la emoción desborda el corte final, ‘Fender on the Freeway’. Un tema que se debate “entre el cielo y el infierno”, como la música de este disco.
Poco a poco, Sila Lua se está haciendo un hueco en el apretado panorama del pop nacional lanzando canciones de sabor internacional. El último paso en este camino es ‘BRASIL’, una canción que, como el resto de la discografía de la gallega, es más de lo que parece en una primera escucha.
«Me he ido tan lejos, tan lejos, tan lejos, y sigo pensando en ti» canta Sila Lua en el corte, que empieza siendo una pegadiza pieza de pop electrónico que podría funcionar en sí misma y termina convirtiéndose en un temazo experimental. Lua sentencia a su ex: «Te olvido desde Brasil», y nos transportamos directamente al país que da nombre a la canción, entre ritmos de funk carioca y reggaetón.
Estos detalles eclécticos llegan de la mano de los productores brasileños Marcio Arantes y DJ Gabriel Do Borel, que trabajó con Rosalía en ‘LA KILIÉ’, y del catalán Pau Aymí. En cuanto al origen del tema, Sila Lua cuenta que fue grabado durante la elaboración de ‘ROMPE’, su primer álbum, pero que no ha sido hasta que «había sentido que la canción estaba lista para salir a la luz».
Camila Cabello ha revelado nuevos detalles sobre su próximo disco, ‘C, XOXO’, en una entrevista con Billboard. Ahora sabemos que el disco está inspirado en Miami, que los colaboradores no pegan mucho y que Drake estará, no una, sino dos veces en el tracklist.
En palabras de Cabello, ‘C, XOXO’ es una «carta de amor» a Miami. En su última entrevista, Cabello ha compartido una serie de detalles importantes sobre su nuevo LP, que estará disponible el 28 de junio. Según la periodista de Billboard, el contexto sónico del disco mezcla «hip hop, afrobeat, R&B, reggaetón y electrónica», evocando los verdaderos «sonidos de Miami».
La cantante de ‘He Knows’ también ha revelado las colaboraciones que podremos escuchar, y aunque todas están en el reino del hip hop, sus estilos no podrían ser más diferentes. Como ya sabíamos, Playboi Carti y Lil Nas X estarán en el disco. Además, en ‘C, XOXO’ también podremos escuchar a Drake, The-Dream, City Girls y BLP Kosher. Este último, un joven rapero de Florida, viral en redes por abrazar su herencia judía tanto en su música como en su imagen. El junte promete.
Drake, por otro lado, no solo estará prestando su voz a ‘Hot Uptown’, la colaboración principal con Cabello, sino que también tendrá su propio interludio «de casi 2 minutos de duración». Este se titula ‘Uuugly’ y exhibe al canadiense cantando «sobre suaves sintetizadores y los fantasmales coros de Cabello».
Dua Lipa ha mostrado su apoyo a la causa palestina, pidiendo el cese del «genocidio israelí» con un post en sus Stories de Instagram.
Siendo una de las pocas celebridades que ha usado la palabra «genocidio», Dua Lipa se une a los millones de personas que han expresado su apoyo a Palestina en redes sociales en vista de los últimos acontecimientos ocurridos en Rafah. Durante los últimos días, una serie de bombardeos israelíes sobre los desplazados palestinos instalados en esta ciudad, al sur de la franja de Gaza, han dejado al menos 45 muertos y cerca de 300 heridos.
La autora de ‘Radical Optimism’ ha aludido a la imagen viral creada por IA que está circulando en todas las redes sociales con el lema ‘All Eyes On Rafah’ y ha compartido su postura: «Quemar niños vivos nunca puede ser justificado. Todo el mundo se está movilizando para parar el genocidio israelí. Por favor, muestra tu solidaridad con Gaza», escribía la superestrella.
Javier Calvo, Javier Ambrossi e Hidrogenesse han dado una charla en el CCCB como parte de las actividades del Primavera Pro. En ella han adelantado que en el concierto gratuito de esta noche de Stella Maris en el Fòrum de Barcelona sonará una «cover» que Hidrogenesse han ideado durante «semanas y semanas», tratando de ponerse en la piel de la banda ficticia de ‘La Mesías‘.
Ha sido siempre la línea de trabajo para la creación de las canciones de la serie. Hidrogenesse fueron de los primeros en leer el guión, acudieron varias veces al rodaje, e idearon una banda sonora con los recursos y referentes que las niñas pudieran tener en los 2010. También han revelado que en el último capítulo protagonizaron un cameo, aunque aparecen con peluca y nadie parece haberse dado cuenta. Calvo les ha llamado «genios» mientras Ambrossi ha comparado ambas formaciones, real y ficticia, en cuanto a técnica y humanidad.
Esta química no se dio siempre, pues cuando hicieron el primer Zoom, Ambrossi pensó por las caras de Hidrogenesse: «les hemos caído fatal». Carlos Ballesteros ha respondido, con una sonrisa ácida: «somos así».
Sobre el show de esta noche, Genís lo ha calificado como «una celebración de algo bien hecho». Ha sido preparado e ideado en estos meses por una coreógrafa con una gran presencia de la «corporalidad». Ambrossi ha elogiado «la inteligencia de Amaia» y su «visión artística» por aceptar involucrarse en algo así, cuando ella ya ha actuado en Primavera Sound. «Cualquier otro cantante no lo hubiera hecho, hubiera dicho: «van a pesar que soy tonta». Pero ella tiene mucha visión. Y eso la convierte en lo que siempre he pensado desde el día en que la conocí: una de las grandes artistas de este país».
Habrá feats esta noche, y Ambrossi ha recalcado que todo lo que se ha preparado es solo «para una noche. Es una despedida de Stella Maris y ‘La Mesías'», aunque ha puntualizado que nunca se puede descartar nada. «No me veo dentro de 10 años presentándolo en Nueva York, como ‘La llamada'». Sí ha reconocido que el dúo de guionistas y directores ha sufrido un poco de «bloqueo creativo» por todo lo que ha supuesto ‘La Mesías’, incluso lo han calificado «de luto», pero ya han decidido cuál va a ser su próximo proyecto y lo escribirán este verano. “’La Mesías’ me ha abierto las puertas del director que puedo ser”, ha recalcado Ambrossi.
En cuanto a la serie que han producido sobre Tamara/Yurena, ya está rodada y aseguran que va a sorprender. Respecto a otros proyectos de Hidrogenesse, han revelado que han compuesto la banda sonora, en este caso el «score» de la próxima película de Nacho Vigalondo (lo que en ‘La Mesías’ ha hecho Refree), ‘Daniela Forever’.
Ah, los solapes. ¿Qué sería el Primavera Sound sin ellos? Ahora, con la extensión del Primavera a la Ciutat, los solapes llegan ya a las jornadas previas a la oficial. Ayer martes me vi renunciando a The Mountain Goats en la Nau porque acababan media hora antes de que empezaran Yo La Tengo en la otra punta, el Apolo, y temía no llegar a tiempo. Porque lo de Yo LaTengo tocando exclusivamente versiones pintaba a bolo si no histórico, muy especial. No en vano, son unas de esas bandas favoritas en el corazón de muchos de los asistentes al Primavera Sound. En la sala se olía la devoción y la ilusión. Y había porras hechas sobre lo que iba a sonar esa noche (spoiler: acertamos pocas).
Yo La Tengo no tiraron de lo obvio. Lo más, llegar a tocar dos de The Velvet Underground. Pero se dejaron varias versiones que son ya insignias suyas, como ‘You Can Have It All’ o ‘Friday, I’m in Love’. Empezaron con su habitual furia de distorsión con el ‘Halloween’ de The Dream Syndicate. Pero a lo largo de hora y media nos ofrecerían sus diferentes caras: James McNew entonando una canónica ‘With a Girl Like You’ de The Troggs, a la cual acompañamos con todos sus “parapapapá”. Ira Kaplan forzando un falsete divertidísimo con ‘Get Ready’ de The Temptations…
Pero donde brillaron especialmente fue en los momentos íntimos, en que Georgia Hubley abandonaba la batería para cantar. Una versión acústica y delicadísima de ‘I’m So Lonesome I Could Cry’ de Hank Williams. Y, sobre todo, ‘Sunday Morning’. Ovación cerrada cuando arrancan, y piel de gallina cuando el público entona quedamente con Georgia esos “sunday morning” finales. Ira había dedicado el tema a Ignacio Julià de Ruta 66, que los trajo a Barcelona por primera vez hace 35 años.
La vuelta a la electricidad se produce con ‘Don’t Cry No Tears’ de Neil Young. Ira dedica a Steve Albini la siguiente canción: ‘He’s a Whore’ de Cheap Trick, que Albini también solía tocar. Pero para electricidad, ruido y, sobre todo, distorsión, la versión de quince minutazos de ‘Heroin’ de la Velvet. Ira la grita más que la canta, la deconstruye melódicamente, se retuerce sobre la guitarra. Me encanta cómo toca la guitarra Ira… pero me gusta más aún ver cómo la toca.
Tras tanta intensidad, toca una pequeña pausa, aunque los aplausos en la sala no cesan. Hay un pequeño conato de calma con ‘Somebody’s Baby’ de Jackson Browne, pero dura poco, porque rompen con el ‘Nervous Breakdown’ de Black Flag, que Ira dedica a The Messthetics, que han tocado en la 2 del Apolo. O una muy reconocible ‘Til the End of the Day’ de los Kinks.
Para el cierre recuperan la delicadeza. Georgia toma la guitarra acústica y nos regalan ‘Speeding Motorcycle’ de Daniel Johnston, una favoritísima mía. La entonan de manera casi hawaiana, levísima, con Ira cantando con fervor, casi a punto de romperse. No se escucha al público ni respirar. Georgia coge el relevo para entonar, también de manera casi religiosa ‘By the Time It Gets Dark’ de Sandy Denny. Y ahí se acaba. Una hora y 25 minutos, aunque en principio estaban programados dos horas. Para los allí presentes, podrían haber estado más de tres, como Bruce o Taylor. Las caras de felicidad que tenemos lo dicen todo. Ira Kaplan se queda en el puesto de merch haciéndose fotos con los fans. Me quedo un buen rato decidiendo si me hago una foto con él o no. Demasiado rato, porque la seguridad del Apolo nos acaba echando. Ya en la calle, un amigo me dice que Irreversible Entaglements, que estaban tocando a la vez en la 2, ha sido el mejor concierto al que ha ido nunca. Pero Bueno. Al contrario de lo que dice la canción, no siempre se puede tener todo.
Carlos Sadness es el nuevo invitado de REVELACIÓN O TIMO, el PODCAST de JENESAISPOP. Con motivo de la edición de su álbum ‘Realismo mágico‘, que incluye temas llamados ‘Feliz feliz’ o ‘Personita buena’, debatimos si la felicidad está tan bien considerada por la crítica como la tragedia, o si deja tanta huella en el público. Con sus momentos de tensión o piques, el podcast deja muchos momentos interesantes y para la reflexión.
El primero sucede cuando el artista nos habla de la influencia que ha ejercido en él viajar por Latinoamérica. De una primera etapa más influida por Vampire Weekend, Phoenix o Interpol, ha pasado a empaparse de cultura latina: “Hay una gran diferencia cultural sobre cómo se trata la felicidad o la alegría. Los latinoamericanos nos ven (a los españoles) como más tristes o enfadados. Nos dicen “ustedes parece que hablan enfadados” y eso tiene un trasfondo”.
Además, reflexiona: «Una canción triste o dramática va ligada a la emoción. La música tiene ese punto canalizador de emociones. Una canción alegre no va ligada a algo tan emocionante, sino a un hecho hedonista o de celebración. Una canción de reggaeton es alegre, pero no tiene emoción detrás: está vacía de emoción. Y la gente muchas veces busca emocionarse con la música, no solo entretenerse o bailar. Por eso muchas canciones exitosas vienen ligadas a algo emocionante, que es lo que más nos atrae de la música. Lo personifico en la canción ‘Feliz, feliz’ porque quería hablar no de la felicidad total sino de pequeñas cosas a las que me tenía que agarrar para intentar llegar a ella».
A su vez, Carlos Sadness es crítico con el mundo moderno: “La felicidad nunca ha sido moderna. Ser moderno, lo cool… Esto es un modernismo millennial que ya está pasado. Pero en algún momento los modernos vieron… ¿por qué los modelos no sonríen? Porque quieren transmitir ser inalcanzables. Ser moderna, ser seria era no sonreír. Esto está en muchos discursos de bandas. La foto haciendo el «fuck you», todas estas movidas… Ya está demodé. Está gastado. ¿Qué más da? ¿Por ser serio eres más interesante?»
«Cuando subo al escenario, yo no me transformo en absoluto. Si me tuviera que transformar, lo pasaría mal»
Sobre si ser cínico o excesivamente mordaz en X está también pasado, responde: «Ser cínico también está gastado. Twitter es un hervidero de gente que peinamos alguna cana ya. Imponerse la seriedad no es algo muy natural. Yo quiero ser natural. A veces leo de otros artistas: “cuando subo al escenario, me transformo”. Yo no me transformo en absoluto. Si me tuviera que transformar lo pasaría mal. Soy natural con lo que hago. Si me apetece hacer una coña, pues la hago. Si me apetece hacer una canción sobre ser feliz, la hago. ‘Feliz feliz’ dice: “no fue siempre así, déjame que disfrute y presuma de ser feliz». No me pongas un 0,5 menos de nota, como Sebas”.
Sobre lo que significa ‘Realismo mágico’ para él, es como un refugio en el que huir de todo eso: «Es donde yo me tuve que refugiar en este disco. No por los comentarios de Twitter de a ver quién es el más elocuente. Qué pelea absurda es esta, es un sinvivir. ¿Quién está en la última coña? ¿Quién lleva las Adidas Samba? Es una carrera hacia el absurdo. Yo no quiero que la gente que me rodea esté obsesionada con ser guapa y conocer el último meme. Igual prefiero que me diga “vámonos de camping, haz una maleta con 4 camisetas». Igual necesitaba un disco para ser infantil, poder ser ñoño, esas cosas que estaba perdiendo de mí. El dibujo de la portada del disco soy yo con unos animales, con una cometa. Es para encontrar la persona que algún día fui y estoy dejando de ser. Porque yo también caigo en el algoritmo social. Me da miedo dejar de tener mi propia opinión o tener mis propias cosas aunque sean cursis. No quiero llegar a eso. Llega un punto en que la gente te dice “es que haces música un poco ñoña» y me ruborizaba. No quiero llegar a avergonzarme de eso e igual ha llegado un punto en el que igual hasta me estoy avergonzando».
«Bad Bunny ha roto reglas y tiene mucha personalidad, cuando hoy en día es muy difícil tener personalidad»
Carlos Sadness defiende el uso de los diminutivos porque es habitual en Latinoamérica, y también defiende a Bad Bunny. «Me parece muy interesante. Ha roto reglas. Ha hecho que funcione una voz que no es atractiva de primeras. Ha educado el oído, con permiso de esta expresión, a muchísima gente: el tío hace «uh» y sabes que es él. Le puedes imitar utilizando una frase, tiene una personalidad… cuando hoy en día es muy difícil tener personalidad, con tanta variedad. Eso hoy en día vale mucho. Muchos grupos están reutilizando fórmulas. Y de repente hay alguien que rompe y genera tendencia. Para mí él ha generado tendencia. Yo respeto que no te guste, pero a veces es porque estás cerrado a que te guste. También te digo una cosa. Yo fui muy censor del reggaeton. Pero ha llegado un momento en que ahora ya no puedo oír una canción de reggaeton. De Bad Bunny sí. Pero otras todo el rato es lo mismo: “tu pantysito te lo quito”. Sé que decir esto es un cliché y que esto lo dice la gente que a mí me da rabia que lo diga. Pero por lo menos he pasado por la etapa de disfrutarlo. Al menos yo he dado la vuelta».
En otros puntos de la entrevista habla de lo duro que es para los artistas que el disco sobreviva un tiempo, cuando está en la calle, y después de los singles de adelanto; o cuestiona el supuesto regreso de los 2000. «Yo quería ser grunge en los 2000. Hacer un revival de lo que no molaba en su momento se me hace un poco tal. Pero tampoco está cuajando eso. Si me preguntas hacia dónde está yendo la música, ¡hacia ahí no!».
Chanel y Rigoberta Bandini vuelven a encontrarse en un proyecto común después de su sonada participación en la primera edición de Benidorm Fest. La segunda parte de la película ‘Del revés‘ (‘Inside Out’), en su doblaje en España, vuelve a unir a las dos artistas.
Chanel dobla al personaje de ‘Aburrimiento’ («Ennui»), y Rigoberta al de ‘Envidia’, en la segunda entrega de la famosa película de Disney y Pixar, que en España se estrena el próximo 19 de junio. Junto a ellas, Brays Efe interpreta a ‘Vergüenza’ y Michelle Jenner a ‘Ansiedad’.
‘Del Revés 2’ sigue la historia de Riley, la niña protagonista, y añade nuevas emociones a su vida en su paso a la adolescencia, entre ellas las protagonizadas por Chanel y Rigoberta, dos cantantes que, en realidad, ya tenían carreras en el mundo de la interpretación antes de dedicarse a la música: Chanel actuó en series y musicales y Rigoberta, de hecho, era actriz de doblaje.
Cuenta Mala Rodríguez que su nuevo disco ‘UN MUNDO RARO’ es un proceso de «liberación en tres actos». A través de él ha realizado un viaje interior, y considera el lanzamiento «la historia de una crisis con final feliz». Ese proceso de lucha explica los muchos sobresaltos en su desarrollo, las partes más fieras e indomables, incluso feístas, en contraste con otras que suenan más vulnerables y bonitas.
Una parte del álbum habla de libertad, desafío y «hate», quizá en referencia a sus muchas polémicas en las redes, quizá a otros asuntos desconocidos de su vida personal. ‘QUIÉN ERES TÚ’ se pregunta «quién eres tú pa hablar de mí» y se burla: «si traicionaron a Cristo, cómo no me van a traicionar a mí». ‘PAGANI’ recuerda que «a los que me tiran la Mala les rebota, no saben que estoy bendecida». En la balada a piano que cierra el disco, plantea que «lo que digan de nosotros no le importa casi nada». Subrayemos el «casi», que aparece hasta en el título.
En cuanto a libertad e independencia, el estribillo de ‘BRAVA’ es «no te pido que me salves». El tema llamado ‘UN MUNDO RARO’ parece hablar de cómo las mujeres no son bien vistas ni cuando van demasiado vestidas ni demasiado desnudas («Las visten para hacerlas desaparecer / A mí que me desnudo, no me ven»). En ‘PELIGROSA’ dice que «no hay forma que permita que un hombre quiera sentirse superior, la próxima vez que vuelva y me toque voy a mostrarle quién soy yo». Y continúa, por si quedaba alguna duda: «cogí clases de karate, un cuchillo, guardé un bate».
Musicalmente el disco continúa la senda de esa Mala Rodríguez seducida por el trap y el pop (‘No molestar’, con Polimá Westcoast), sin renunciar a su origen hip hop (‘VALOR’). En los créditos encontramos a gente como Bull Nene, Santto, Gabo y Tuny D. Aunque esta vez no son las canciones más raperas las que mejor relucen. ‘ROMPIENDO’ con JC Reyes tiene cierto flow, pero las barras de ‘BRAVA’ deberían remover tantas tripas como sus beats, Stories y entrevistas, y no es el caso. Por ahí, esta vez a la artista no le ha salido un hitazo como ‘La Niña’.
Por el contrario, luce bastante cómoda en las canciones que han buscado un poso más tribal o espiritual. Ahora que subasta una cita y show con ella misma en un hotel en lo que se va a considerar la «edición física» del disco, y que además va a donar lo obtenido a Save the Children; parece que hay un intento de reconciliación con el mundo. ‘YA NOS CONOCEMOS’ quiere ser más poética: «qué triste sería en el mar pasar la noche sin luna / pero más triste es vivir sin esperanza ninguna». Y ‘FLY GLÚ’, una especie de producción electropop, dembow y tropical… se construye en torno a una locución de ‘David El Gnomo‘. Comenzaba la serie explicando que los gnomos no entienden algunas costumbres de los humanos. Por ejemplo la de «prohibir, prohibir, prohibir» y «producir basuras». Hay que reconocer que, aunque no comulgues con sus ideas, lo recóndito de la cita tiene su gracia.
Y alguna cosa la sigue bordando. Es el caso del trip hop de ‘ÁNGEL’. Su toma vocal más desgarrada nos está confesando: «yo no soy un ángel, no puedo con todo este peso / las manos me arden, intento mirarte a los ojos pero soy cobarde». La Mala canta «la voz se me parte» y de hecho se le parte. Pero a continuación, cambia radicalmente de tono y no sabes si te ha estado tomando totalmente el pelo: «papi, se te ve demasiado bueno / yo tengo más trucos que los videojuegos». ¿Puro teatro?
Carolina Durante bajan las revoluciones en el primer single de su próximo disco, ‘Elige Tu Propia Aventura’, que promete ser el más maduro de la banda madrileña. El sencillo no tiene nada que ver con lo que nos tiene acostumbrados el grupo de Diego Ibáñez: balada, arreglos de cuerdas y vientos y sin estribillo. Es una de sus mejores canciones.
Basada en los conocidos libros para niños, ‘Elige Tu Propia Aventura’ trata sobre las decisiones que tomamos en la vida y que no tienen vuelta atrás, por dolorosas que sean. «A día de hoy me como la cabeza de forma obsesiva con cada cosa que hago mal o que podría haber hecho mejor durante días, semanas y meses como si sirviese de algo», cuenta el cantante y letrista de la banda.
Con un build up que comienza con unos íntimos punteos de guitarra y que termina con una brillante instrumentación, Carolina Durante construyen una letra que, de primeras, podría ir en la línea gamberra de la banda («Elige tu propia aventura, elijo comida basura»), pero que rápidamente se convierte en algo mucho más profundo: «Elige tu propia aventura, elijo ser un hijo de puta, elijo ser como mi padre, y elijo dejarte aparte».
El nuevo y sofisticado rumbo instrumental de Carolina Durante viene de la mano de Ali Chant, productor de artistas como Yard Act, Dry Cleaning o Perfume Genius, así como del multiinstrumentista David Grubb y el trompetista Pete Judge, que ha trabajado con artistas de la talla de Massive Attack. Según la nota de prensa, todo esto también lo podremos encontrar en el nuevo LP de Carolina Durante.
DELLAFUENTE viene de conseguir el mayor éxito comercial de su carrera gracias a ‘Manos Rotas’, junto a Morad, a finales del año pasado. Tras mantener el silencio, como es típico en el granadino, hoy ha anunciado que su próximo disco estará disponible el próximo 14 de junio. ‘Torii Yama’ es su título.
«Siento que vengo de un largo camino donde cada vez estoy más cerca de encontrarme conmigo. Todo cambia y me encanta esta sensación de sentirme empezando. Ya son 10 años de viaje. Y lo mejor de cada viaje, siempre, es volver a casa», se puede leer en la caption del post.
La semana pasada, DELLAFUENTE organizó en Madrid un evento único que se promocionó como «Lectura de Los Escritos de Torii Yama» y en el que se pudo escuchar el nuevo trabajo del artista. Estos escritos fueron presentados como una recopilación de letras inéditas de DELLAFUENTE y cada asistente recibió una copia para leer durante el evento, en el que se prohibió el usó del teléfono móvil.
El top 5 de la lista de singles en España llega prácticamente sin cambios respecto a la semana anterior, con lo urbano ocupando los cinco puestos. Corona Saiko una vez más con su hit ‘BadGyal’ junto a JC Reyes y Dei V. Por otro lado, la salida de ‘HIT ME HARD AND SOFT’ ha hecho que Billie Eilish protagonice la mayoría de entradas de la semana. Sin embargo, de diez canciones solo se han posicionado ocho. El tercer LP de Eilish sí ocupa el número 1 de la lista de discos.
‘LUNCH’ es la entrada más fuerte de la semana, directa al puesto 18. Aunque ‘THE DINER’ y ‘BITTERSUITE’ no han encontrado su sitio en el top de singles España, ‘CHIHIRO’ (#24), ‘BIRDS OF A FEATHER’ (#42), ‘SKINNY’ (#68), ‘L’AMOUR DE MA VIE’ (#69), ‘WILDFLOWER’ (#76), ‘THE GREATEST’ (#89) y ‘BLUE ‘ (#91) están esparcidas por toda la lista.
Feid protagoniza otras dos inclusiones: ‘GATITAS SANDUNGUERAS VOL.1’ junto a Álvaro Díaz, en el puesto 22, y ‘Brickell’ con Yandel, en el 97. Por último, la segoviana Isabel Aaiún ha colocado la canción ‘Potra Salvaje’ en el número 75, solo un escalón por encima de ‘WILDFLOWER’. En cuanto a la subida más grande del top, esta llega de la mano de NTG y Amenazzy con el hit ‘Suano’. Ha pasado del número 53, que ocupaba la semana pasada, al número 21.
Después de firmar sonadas colaboraciones con Shakira, Quevedo o Peso Pluma, Bizarrap vuelve a sus orígenes lanzando sesión con una artista emergente. La dominicana Lismar apenabas contaba unos 50.000 oyentes en Spotify antes de colaborar con Bizarrap. Ahora, la cifra se sitúa en torno al millón.
Bizarrap y Lismar se alían en la sesión número 60, que llega después de la 59, protagonizada por Natanael Cano. Lismar se sube a una producción de Bizarrap inspirada en el hip-hop de los ochenta, tan maximalista y llena de efectos como de costumbre.
En menos de una semana, la sesión 60 de Bizarrap ha superado el millón de escuchas, aunque en las listas de Spotify está pasando más desapercibida de lo que probablemente se esperaba, pues apenas asoma por el puesto 144 de España y por el 188 de Uruguay.
No será por el talento de Lismar para espetar barras a la velocidad de la luz. En sus versos se jacta de ser «la moda», muestra su orgullo de barrio afirmando que se «crió en la esquina» y que la calle le enseñó a ser «tíguere, pero fina», y se compara con la realiza británica, rapeando que «de República Dominicana yo soy una soberana / Me voy a morir corona’ como la princesa Diana».
Lismar, cuyo nombre real es Patricia Lismary Fernández Soto, lleva desde la pandemia dándose a conocer en el mundo de las llamadas músicas urbanas. Nacida en el barrio de Los Mina, Santo Domingo, se ha empezado a hacer un hueco con pequeños éxitos como ‘No me diga mah 2’ o ‘A mí mamá’. Ahora, tanto la sesión 60, como una segunda alianza con Biza en ‘Subió la tempratura’, prometen darla a conocer a una mayor audiencia.
Low Festival presenta la tanda final de confirmaciones de su edición de 2024, que se celebra los días 26, 27 y 28 de julio en Benidorm con Pixies, Amaral, Suede, Los Planetas, Maximo Park o Arde Bogotá entre los cabezas de cartel confirmados. JENESAISPOP es medio colaborador un año más.
El cierre del cartel de Low se centra en la pista de baile, concretamente en su Escenario Dancefloor, que se estrenará este año con sesiones de Joe Goddard, conocido por ser integrante de Hot Chip; PUTOCHINIMARICÓN o Chico Blanco.
La programación del Escenario Dancefloor por días revela que el viernes 26 ofrecerán sets Joe Goddard, Marcelo Pantani, Yahaira, Wisemen Project, Coolnenas, Lola Bozzano y Peredius b2b Bea Miau. El sábado 27 será turno de Horse Meat Disco, Two Ex, Álvaro Cabana, PUTOCHINOMARICÓN, Sama Yax, Stereo DJs y Miss Deep’in.
Finalmente, en la jornada del domingo 28 se pondrán tras los platos Chico Blanco, Argia, Second DJS, Jotapop, REM DJs, Mr Cong b2b Alexcurreya y Drizzyclare.
Los abonos y entradas de día siguen a la venta en la web de Low Festival a precio actual hasta este jueves a las 23.00 horas o hasta agotar cupo.
En la jornada inaugural del Primavera en la Ciutat en Sala Apolo hay montones de siniestros de la vieja escuela, además de camisetas de The Cure, Cocteau Twins y, claro, The Chameleons. Pinta a fiesta grande. Dos grupos señeros, Cranes y The Chameleons, junto con Johnny Jewel, visten la noche de oscuridad gótica y nostalgia sintética.
Cranes vienen a reivindicar su trono del dream pop tras once años de parón. Cuarenta minutos son escasos para toda la expectación por la banda de los hermanos Shaw. De hecho, una frase que se escucha bastante en la sala es: “yo he venido por los Cranes”. Alison Shaw, hierática y magnética, reina desde el lado izquierdo, mientras Jim dirige tras la batería. La voz de niña poseída de Alison es la máxima seña de identidad de la banda. No ha perdido fuste. Es más, esta noche brilla especialmente.
Jordi Pérez
Empiezan ensoñadores con ‘Cloudless’, pero enseguida marcan un tono marcial en ‘Da Da 331’. Las proyecciones son sencillas, pero oníricas y efectivas. Cranes logran dar a su concierto un ambiente de añejo film de terror, de esos que ya no dan miedo pero aún fascinan, van combinando ensoñación con ráfagas de furia. Alison, cuando no toca el bajo, se aprieta el diafragma todo el rato, como si quisiera entregarnos toda su expresividad. La culminación es ‘Starblood’ y, ahora sí, son una película de horror, entre golpes secos de batería y el guitarra aporreando su instrumento con una llave inglesa. Lo dicho: escasísimo.
Las estrellas de la noche fueron The Chameleons. La banda de Mark Burgess fue una de las más importantes de post punk británico de la primera mitad de los 80. Y aunque suene a tópico, en la sala se huele esa sensación de gran noche, de complicidad. No pueden sonar mejor. La introducción larga y los guitarrazos de ‘Silence, Sea and Sky’ pero, ay, la voz de Burgess suena floja. Por suerte enseguida se arregla y el clima que consiguen es mágico: un viaje en el tiempo, entre sintetizadores, líneas de bajo sincopadas y guitarras con el reverb a tope. No necesitan más que la potencia, los focos y los fans entregadísimos. La sala está completamente magnetizada cuando Burgess presenta a la banda y atacan ‘Swamp Thing’. Y ahí se acaba. Solo tienen cincuenta minutos. Hay pitidos, parece que la banda está negociando un tema más, pero finalmente no es posible. El público los reclama insistentemente, pero nada.
Jordi Pérez
Para Johnny Jewel se ha marchado casi la mitad del público. Está claro cuáles eran las prioridades góticas de la noche. Eso sí, los que se quedan demuestran bastante fervor. Lo de Johnny Jewel me recuerda un poco, salvando las distancias, al concierto de John Carpenter de 2016. Como Carpenter, Jewel goza revistiendo imágenes inquietantes a golpe de sintetizador sugerente, sofisticación hortera y efectismos. Jewel desgrana varios de sus temas de bandas sonoras, ya sea en solitario, con los Chromatics o Glass Candy. Va sin banda y lo fía todo a las proyecciones: giallo italiano, películas S de terror de los setenta, esa estética a la que la productora CANADÁ le debe tanto. Jewel se queda en el rincón, en la mesa, aunque de vez en cuando se arranca a bailar.
Cuando aparece la cara de Laura Palmer el público silba entusiasmado. Las imágenes de ‘Twin Peaks‘ son debidamente jaleadas, Jewel las llena de saxos sintéticos, de falso lujo. Luego más giallo y aplausos cuando se muestra una decapitación. Aunque la película que más rato va a ocupar la pantalla es ‘Lost River’, el debut a la dirección de Ryan Gosling (2014) que Jewel musicó. Un extraño film de imágenes fascinantes en que reina Christina Hendricks, que encuadran ‘Yes’ de Chromatics y ‘Shell Game’ de Glass Candy. La música recrea una iglesia tétrica, Jewel agarra el micro con vocoder y se arranca a cantar.
La máxima celebración se la lleva ‘Drive’ y la canción ‘Tick of the Clock’ de Chromatics. Aunque se pase de esteticismo un pelín vacío, la experiencia es bastante subyugante. Pena que cierre con cierto bajón con el remix de ‘Blinding Lights’ de The Weeknd, con un cartel bien grande con el nombre de la canción y el artista, como si no supiéramos quién es. Como si Jewel, después de mostrarnos su talento, fiara el triunfo a una carta ajena.
Masoniería, alias de Sònia Montoya, bajista de Papa Topo y Eterna Juventut, ha contado con Hidrogenesse para la producción de la mayoría de sus singles y para su edición en el sello Austrohúngaro. Entre estos sencillos se encuentran ‘El arquero’ (2020) o ‘Llorando por toda la ciudad’ (2022), uno de los temas de Masoniería incluidos en la banda sonora de ‘La amiga de mi amiga’. Vuelve a ser el caso con ‘Quiero ser tu novia’, probablemente la canción más discotequera que ha firmado la artista.
Se trata de un tema inspirado en el hi-NRG de los ochenta, tanto que no se corta en incorporar el sonido de unos buenos cascabeles. Eso sí, la melodía de ‘Quiero ser tu novia’ lleva al tecnopop español y, más concretamente, a Camela.
‘Quiero ser tu novia’ tiene capas, pues su letra se inspira en la vida de la famosa escritora francesa del siglo XIX Aurore Dupin, quien firmaba con el pseudónimo masculino George Sand para poder ver publicadas sus obras. Dupin vivió en Mallorca, ciudad a la que dedicó un libro, y era conocida por vestir indumentarias masculinas y por fumar en público, transgrediendo los códigos sociales de la época.
«Tu vida agitada está criticada por la sociedad» es una de las frases que escuchamos en ‘Quiero ser tu novia’. La historia de Dupin a Masoniería le fascina y, por eso, le «declara» su amor: le gusta que «fume por París», que «vista un traje gris» y que se haga pasar por hombre siendo mujer, y se imagina bailando con ella en Mallorca. En ‘Quiero ser tu novia’, Masoniería entrega una peculiar y divertida unión entre discoteca ochentas y literatura.
‘Quiero ser tu novia’ formará parte de un EP dedicado a George Sand, que verá en junio incluyendo nuevas versiones y remezclas del tema.
Billie Eilish coloca su nuevo disco, ‘Hit Me Hard and Soft‘, en el número 1 de álbumes en España. Como consecuencia, la mayoría de temas contenidos en el disco entran en la lista de singles.
‘Hit Me Hard and Soft’ da a Eilish su segundo número 1 de álbumes en España después de ‘Happier than Ever‘ (2021). En 2019, el debut de Eilish, ‘When We All Fall Asleep, Where Do We Go?‘, quedó en el puesto 2 de la lista de ventas, por detrás de ‘Nuclear’ de Leiva, pero entró en el número 1 de streaming, cuando la lista de Promusicae se dividía en dos listas. El EP ‘dont smile at me‘ no pasó de la 12ª posición.
Como hemos comentado, ‘Hit Me Hard and Soft’ acaba de dar a Eilish su mejor primera semana de ventas de su carrera en Estados Unidos, pero ha quedado en el puesto 2 de la lista oficial de álbumes debido a Taylor Swift. En Reino Unido, ‘Hit Me Hard and Soft’ ha entrado en el número 1 de la tabla de discos y el mismo dato se ha repetido en otros 16 países, entre ellos Alemania, Francia, Australia e Italia.
Curiosamente, Billie Eilish y Beth Gibbons vuelven a debutar a la vez en la lista de álbumes española, como ya ocurriera en 2019. Entonces, Gibbons presentaba su disco sinfónico, que entró en el número 40. ‘Lives Outgrown‘, el nuevo álbum de Gibbons, ingresa ahora en el puesto 36.
En realidad, la segunda entrada más fuerte de la semana en la lista de álbumes se la lleva Álvaro Diaz, que coloca ‘Sayonara’ en el puesto 5. Luis Fonsi entra en el 14 con ‘El viaje’, el álbum que incluye ‘Buenos Aires’ y ‘Marbella’ con Omar Montes.
Fuera del top 40, Ryan Castro mete ‘El cantante del ghetto’ en el puesto 43 y la reedición de ‘Leopoldo María Panero’ (con Bunbury y Carlos Ann, entre otros) aparece en el 73, mientras ‘Yo no soy yo’ de Nico Miseria lo hace en el 82 y la banda sonora de la tercera temporada de ‘Los Bridgerton’, en el 83. La última entrada en lista la firma Slash con ‘Orgy of the World’.
Con más de 15 años de carrera mezclando lo vintage del swing y el jazz con los ritmos modernos de la electrónica, Caravan Palace regresan con ‘Gangbusters Melody Club’, su quinto álbum de estudio, que además representa una vuelta a la pista de baile. Zoe Colotis, Arnaud de Bosredon y Charles Delaporte tampoco dejan de lado su amor por los vídeos musicales y vuelven a crear una tanda de visuales que prometen ser de los más locos que hayas visto nunca, tal y como nos tienen acostumbrados. El grupo francés traerá sus nuevas canciones a la capital española el próximo 11 de junio como parte de la programación de Noches del Botánico.
Hablamos con Zoe sobre los secretos para mantener la frescura después de tantos años, la creación de su particular estilo y la importancia de las redes sociales en la nueva industria musical.
¿Cómo ha recibido la gente vuestro quinto disco?
Creo que le gusta a la gente que escuchaba el grupo al principio y que le gustaba más esa música, a la vez que sigue interesando a los que disfrutan de la música electrónica moderna.
Seguís fieles a vuestro sonido, pero es un regreso al baile y a la música del club.
También lo hemos pensado mucho para que sea un álbum que sea fácil de hacer en los conciertos, porque algunos tenían un sonido que resultaba mejor en el estudio.
¿Y cómo conseguís manteneros frescos después de todos estos años?
Diría que la cosa buena con la música es que te puedes considerar un novato durante toda tu vida. Si tú sigues descubriendo nuevos sonidos, nueva música… no te puedes aburrir. La pasión por la música sigue siendo la misma. Y también algunos músicos se van, otros vienen. La manera de tocar el saxofón de Lucas, por ejemplo, nos ha dado ganas de hacer cosas distintas en el álbum. También seguimos con un respeto mutuo y una creatividad que nos conecta muy bien.
Siempre hacéis las canciones por separado. Arnaud y Charles hacen la música y luego lo juntan contigo, ¿no?
Empiezan solos y según lo que yo les digo cambian algunas cosas. Luego empezamos con las melodías del cante. No hay regla fija, pero la base lo hacen antes de cantar.
¿Qué facilidad da eso a la hora de crear?
Eso es porque tenemos la costumbre de hacerlo así, pero no sé si es la mejor manera. Es eso de que algunas cosas son más fáciles porque ya tienes una base de armonía, pero también la estructura deja menos sitio para el cante.
Tú tienes que encontrar los huecos para lo tuyo.
Eso es. También utilizamos muchos samples vocales, pero de canciones antiguas, distintas, y a veces no son cantes, son cosas de películas. Después de toda esa mezcla, empezamos a oír algo que parece como un principio de melodía. Entonces, yo empiezo a coger esas notas y a poner palabras.
He leído en la nota de prensa que vuestra música está «entre lo comercial y lo underground». ¿En qué lado os veis vosotros más?
Exactamente donde tú lo has dicho. El nombre del grupo es Caravan y Palace. Somos los dos extremos, de una parte y de otra. A la mitad es donde mejor nos encontramos, porque tenemos un pie en el underground y también en la música que nosotros escuchamos. Tenemos mucha música complicada, oscura, y también cosas que puedes oír en la radio. No tenemos racismo musical.
«Donde mejor nos encontramos es entre lo comercial y lo underground»
¿Tú cómo definirías vuestro sonido?
Una mezcla de música vintage, del pasado, y de una producción moderna, de música electrónica y club. También tenemos ese amor para las melodías orgánicas de la música del pasado, cuando no se preguntaban todas esas cosas de HiFi. La música de antes era una energía, y nosotros mezclamos esa energía orgánica con todo lo que la tecnología nos puede proponer para una experiencia sensorial total. La mezcla de esos universos nos inspira mucho. Por eso nuestra mascota es un robot, que es el símbolo de la tecnología, pero es un robot antiguo.
La música es tan estimulante que te puede distraer un poco de las letras, pero temas como ‘City Cook’ o ‘Mirrors’ tienen bastante chicha. ¿Cómo equilibráis ambas partes de la canción?
Intentamos que no sea demasiado evidente. Si es una melodía alegre, pues no decir que el sol brilla, aunque lo hacemos de vez en cuando. Otras veces nos gusta una melodía positiva con unas letras que tengan más oscuridad. Intentamos mezclar los ambientes. El título de la canción a veces también nos da una dirección. A veces escribimos algo por el título y al terminar la canción cambiamos el título.
Además de la música y las letras, están los vídeos. Los vuestros son bastante famosos. ¿De dónde viene vuestro amor por este tipo de vídeos musicales?
Somos niños grandes y nos gustan los dibujos animados. Lo bueno de eso es que no tienes ninguna limitación con lo que imaginas. Nos gusta mucho confiar en la creatividad de un artista que nos gusta, y le damos confianza para que nos proponga ideas. Es una conversación. Normalmente, ellos proponen las ideas y nosotros les vamos pidiendo cosas que se nos ocurren, por ejemplo, guiños a otros videoclips.
¿Qué piensas del estado del videoclip hoy en día?
Depende de lo que tú esperes de ello. Para mí, lo necesario es que la creatividad de los artistas se encuentre. Me encanta la idea de alguien que tiene algo fuerte con las imágenes, que tiene inspiración con la música. Para mí es como un regalo. Yo sigo pensando que el arte es muy importante en la vida de todo el mundo. No solo para comercializarla, una canción necesita un vídeo. Toda esa cuestión no me interesa mucho, pero me gusta mucho la idea de que la creatividad de los artistas sea compartida con el resto del universo y ojalá pudiéramos hacerlo para toda la música. A veces vienen a vernos en concierto con los trajes de los videoclips puestos. La niña grande dentro de mí es muy feliz cuando ve eso. Me encanta imaginar que toda esa creatividad conecta y va viajando de humanos en humanos.
Os va muy bien en redes, pero no es el caso de todos los artistas. El debate está en el aire y os quería preguntar si las redes sociales también forman parte de ser un artista hoy en día.
Es un debate sin fin. Si no lo haces, hay mucha frustración de la gente que te sigue, porque le gusta tener acceso a esto, pero la verdad es que cuesta mucho trabajo y tiempo en el que no estás haciendo música, videoclips, y entonces, dejas de lado lo que de verdad te da de comer. Tampoco puedes dar algo a medias. Si las cosas no vienen de los artistas, se nota que es como comunicación, publicidad y algo más comercial. O sea, que tampoco nos apetece hacer eso. Vamos intentando cosas. Es más fácil para nosotros ser activos en redes sociales cuando estamos de gira, porque estamos juntos. Cuando estamos cada uno en nuestros estudios, no nos apetece pensar en lo que podríamos subir. Yo me ocupo más de Instagram. Nuestro manager se ocupa de Facebook, Arnaud de Twitter y Charles de TikTok.
Os ha venido bien la llegada de Tiktok, ¿no?
La verdad es que yo lo he mirado 15 minutos y es que estaba como: no puedo. Demasiado rápido. No sabía si me gustaba o no lo que estaba viendo. No tenía ni idea. Entonces, yo lo he cortado. Yo me quedo con Instagram y ya me cuesta tanto trabajo que no hago nada. Sin embargo, hemos notado lo importante que es. Durante la exploración del nuevo álbum, salió un trend de TikTok con una canción del tercer disco, ‘Comics’. Pensábamos que esa canción estaba como, no muerta, pero que no iba a pasar nada con ella en la actualidad, y gracias a TikTok volvió.
Rosalía ha recomendado a Alcalá Norte en su canal oficial de WhatsApp, seguido por 1,5 millones de personas. En uno de los mensajes, Vila Tobella incluso canta un fragmento de ‘La vida cañón‘, la canción más popular del grupo de Ciudad Lineal. Cabe recordar que Alcalá Norte es un grupo independiente que suma cerca de 60.000 oyentes en Spotify, frente a los 24 millones de Rosalía.
En una serie de tres audios de voz, Rosalía cuenta que sus amigos le han recomendado una canción y que no se la puede quitar de la cabeza. A continuación, canta el estribillo de ‘La vida cañón’: «Peineta pa’ mi chica y un mantón, la vida cañón», seguido de una risilla.
En el tercer audio, Rosalía explica que ‘La vida cañón’ va «pues de eso, de la vida, la vida cañón, entonces, a la que me pasa una cosa buena, o me estoy gozando algo, yo digo «la vida cañón».
Rosalía ya sorprendió a Alcalá Norte hace unas semanas felicitando el cumpleaños por X a uno de sus integrantes, escribiendo «feliz día cañón». Alcalá Norte había estado etiquetando a Vila Tobella previamente, intentando llamar su atención. Sobre la mención de Rosalía, Rivas de Alcalá Norte afirmó a JENESAISPOP desconocer cómo había ocurrido: «No sé quién se lo habrá pasado. Tenemos buenos relaciones públicas por ahí y nuestro bajista es muy pesado. Lo intentó con Arde Bogotá, que pasan de él mazo, así que probó con Rosalía. Él conoce las reglas de Twitter, yo no. Como no lo entiendo, si hubiese hecho yo esa frikada, después de fracasar con Arde Bogotá habría ido a por unos menos pegados. Debió ser algún alma caritativa que nos quiere y que debemos tener en común con ella».
Uno de los amigos que ha podido recomendar Alcalá Norte a Rosalía es Diego Ibáñez, presuntamente su cuñado, y cantante de Carolina Durante. Rosalía ya fue noticia el año pasado por apoyar a Carolina Durante en sus redes.
Alcalá Norte, por su parte, se encuentra preparando la gira de presentación de su álbum debut, uno de los mejores discos de 2024. Este sábado, Alcalá Norte actúa en Primavera Sound.
Lizzo ha publicado un vídeo reaccionando en directo al último episodio de South Park, en el que aparece referenciada en una broma y que se centra en el uso del Ozempic entre famosos, un fármaco para bajar de peso. La autora de ‘Special’ se lo ha tomado muy bien.
En el episodio, titulado ‘El fin de la obesidad’, Eric Cartman no se puede permitir comprar el medicamento, por lo que su doctor le ordena tomar otro fármaco conocido como ‘Lizzo’, con el que supuestamente dejará de preocuparse sobre su peso y centrarse en la positividad corporal: «Debes escuchar a Lizzo cinco veces al día y ver sus vídeos justo antes de dormir», recomienda el médico.
En el clip publicado en redes, Lizzo está viendo el fragmento por primera vez: «Gente, mi mayor miedo se ha materializado. He sido referenciada en un episodio de South Park», comienza la cantante. «Realmente he mostrado al mundo cómo amarte a ti misma y que no te importe una mierda nada, hasta el punto de que estos hombres en Colorado saben quién coño soy y lo han puesto en su serie, que lleva emitiéndose alrededor de 25 años», cuenta emocionada.
Apareció en dos canciones de ‘COWBOY CARTER’ y dos semanas después, Shaboozey lanzó la canción que le posicionaría como estrella emergente. ‘A Bar Song (Tipsy)’ ocupa el cuarto puesto del Billboard Hot 100 y el número 10 en el Top 50 Global de Spotify, ¿puro efecto Beyoncé o hit por derecho propio?
Collins Obinna nació en Woodbridge, Virginia, y desde una temprana edad comparte un amor tanto por la música country como por el hip hop. Obtuvo sus primeras miradas como parte de la banda sonora de ‘Spider-Man: Into the Spider-Verse’, en 2018′, pero ‘SPAGHETTII’ y ‘SWEET HONEY BUCKIIN’ fueron sus cartas de presentación al gran público.
En ‘A Bar Song (Tipsy)’, Shaboozey propone mezclar el country más rancio con el rap, reflejado en los versos y en la interpolación del hit de J-Kwon en el estribillo, ‘Tipsy’, que alcanzó el segundo puesto del Billboard Hot 100 en 2004.
La instrumentación, plana y rozando el sonido de stock, y la letra, sobre trabajar y beber whisky, son totalmente lo que te podrías esperar de una canción genérica de country. El elemento diferenciador del artista de 29 años podría ser la voz -grave y profunda-, que recuerda a la de Lil Nas X.
Recientemente, el autor del macro hit ‘Old Town Road’ le contó a la BBC que estaba «feliz» por el éxito de Beyoncé y Shaboozey con el country. Sin embargo, este lamentaba haber estado adelantado a su tiempo: «Ojalá me hubiese pasado a mí también. No pude experimentar esto», añadió.
Zayn llega a su cuarto disco cambiando de sonido. Del R&B alternativo de sus trabajos previos, en ‘Room Under the Stairs’ ya no queda nada. Malik lo sustituye por un sonido de influencias soul, folk-rock y blues dado que ha producido el disco en Nashville junto al productor Dave Cobb, quien recientemente ha llevado a Take That por el mismo camino. A la voz de Zayn -la mejor de One Direction- el cambio de contexto le sienta bien, sobre todo cuando las composiciones están a la altura de su talento. Y no siempre es el caso.
En el soul-rock de ‘What I Am’, el sencillo principal, Zayn ruega a su chica que le acepte “tal y como es”. Sin embargo, Malik no termina de encontrar la felicidad, y sus adicciones y «problemas» siguen marcando las letras del disco. Le persiguen en la bonita ‘Alienated’ y en ‘Concrete Kisses’ va tan ebrio que «besa el suelo».
Esa metáfora aporta un pequeño destello de humor a un disco en habla sobre el amor como antídoto contra el tormento vital, aunque la luz entra por otros lados. El propio Zayn ha reconocido que ‘Room Under the Stairs’ necesitaba “un poco de amor” antes de escribir ‘Stardust’. Le salió la canción más adorable que ha escrito jamás. Ojalá el disco hubiera seguido su camino.
Pero no: a Zayn las melodías se le hacen bola esta vez. El inicio con ‘Dreaming’ promete, pero demasiado pronto las canciones divagan sin rumbo. ‘How it Feels’ podría ser un buen himno sobre la ansiedad si contara con una melodía más adherente, y ‘Gates of Hell’ no llevará otra vez la frase “I can’t feel my face” al éxito como ya hiciera su compañero canadiense.
La luz de ‘Stardust’ ilumina las canciones de ‘Room Under the Stairs’ que vienen antes y también las que vienen después. Y qué suerte, porque el camino se hace pantanoso en cortes como ‘My Woman’ -de inspiración góspel- o ‘Birds on a Cloud’. Al final es posible rescatar la mona ‘Something in the Water’, pero el tedio termina imponiéndose en ‘Room Under the Stairs’. ¡Y qué pena que una canción llamada ‘Fuchsia Sea’ sea tan aburrida!
Leticia Sabater ha lanzado la que será con muchas dudas la canción del verano 2024. En un intento de hacerle la competencia a Bad Bunny, Sabater ha publicado ‘Titi, cómeme el toto’, junto a un videoclip que no dejará indiferente a nadie.
Construida sobre una base electrónica que parece salida de un after, ‘Titi, cómeme el toto’ va a por el hit directo y simple. La frase que se repite mayoritariamente durante los 4 minutos de la canción es «titi, cómeme el toto, cómemelo to, to to, miau miau», con los maullidos prácticamente actuando como hook del tema.
El single adquiere un nivel más profundo, incluso con toques activistas, en la siguiente sección: «Verano caliente, baby empodérate, fiesta, DJ, playa, arena, sexo», seguido de unos gemidos muy incómodos. Sin embargo, el videoclip, como suele ser el caso en las canciones de Leticia Sabater, es la joya de la función.
Tras verlo, no queda muy claro su propósito, pero Sabater lo explica en su Instagram: «Con videoclip para que lo bailes y lo cantes en todas las pistas, fiestas, festivales, casa con tus colegas, playas». Ahora, los planos imposibles, las acrobacias aéreas de Leticia y toda la estética furry cobran mucho más sentido. Las partes en las que la catalana pasea a sus bailarines con una correa y en la que todos posan mientras se meten en la boca… algo con pelo, son los highlights del clip.
HYALYTE es el alias del productor y DJ Chesney Wielemans. Procedente de la provincia de Limburgo, en el sur de Países Bajos, Wielemans se está dando a conocer en el mundo del club gracias a sus sesiones llenas de mezclas excitantes. Los ritmos del house, el hip-hop, el drum’ n bass o la música disco tienen cabida en su universo, de maneras sorprendentes.
Entre los éxitos ajenos que HYALYTE se ha atrevido a mezclar se encuentra ‘Carnival’ de Kanye West o ‘Bizcochito‘ de Rosalía. Con sus agresivas revisiones, HYALYTE convierte las canciones pop en Transformers. Le gustan especialmente los ritmos funk y una de sus mejores producciones mezcla ‘Boy’s a liar’ de PinkPantheress y Ice Spice con la melodía de ‘Lady’ de Modjo y una contundente base carioca.
HYALYTE también ha hecho virguerías con ‘What Goes Around…Comes Around’ de Justin Timberlake y ‘Memories’ de David Guetta, y no ha dejado de firmar producciones propias. En ‘Sharks & Lions’ sube al rapero Grizmo a un ritmo de house espídico. Tendrás oportunidad de comprobar la magia de HYALYTE en directo viéndole actuar en la sala Razzmatazz de Barcelona el viernes 31 de mayo. Promete ser el «highlight» de la noche.
