El Sónar vuelve a celebrarse este fin de semana en Barcelona, los días 15, 16 y 17 de junio, celebrando además su 30 aniversario. El cartel cuenta tanto con gigantes como Aphex Twin, Oneohtrix Point Never o Bicep como con joyas imperdibles del calibre de Amelie Lens, Black Coffee o Shygirl. La programación del Sónar, históricamente un espacio de representación y celebración del arte hecho por personas queer y LGBTQ+, vuelve a brillar también en este aspecto, con un línea de artistas en la que nos queremos detener hoy, pues vuelve a ser imprescindible en toda su amplitud y eclecticismo: aquí hay tecno, voguing, disco «popper», saxofón, hip-hop, ritmos latinos y más.
Honey Dijon
Leyenda del house de Chicago, Honey Dijon publicó el año pasado una de las sorpresas de la temporada, el divertido ‘Black Girl Magic’, un disco de house hedonista que nos lo hacía pasar en grande en la pista de baile. Después de las colaboraciones de Dijon con grandes del pop como Beyoncé o Madonna, la DJ y productora no decepcionaba.
700 Bliss
El dúo de Filadelfia formado por la rapera Moor Mother y DJ Haram tiene mucho que decir en su disco, aunque este se titule ‘Nothing to Declare’. Sobre duras bases de hip-hop y de house y simples del derbake, un instrumento de percusión árabe, 700 Bliss denuncian la violencia política de Estados Unidos y de paso reivindican su lugar en el mundo como mujeres queer y no blancas.
Samantha Hudson
La reina de los bajos fondos vuelve al Sónar para presentar su nuevo EP, ‘AOVE’, y que con él un nuevo show en el que seguirá habiendo mucho ritmo makinero y bakala, pero también inteligencia artificial, gráficos 3D. Samantha nos tendrá como ella en ‘Adicta al sonido’, pegada a la pista.
MikeQ
El voguing y la cultura drag se harán un hueco en el Sónar de la mano de MikeQ, uno de los nombres más reconocidos de la escena ballroom actual. El vogue-house de Michael Cox ha dado la vuelta al mundo, sus vogue balls en Nueva Jersey son imperdibles y uno de sus temas, ‘Feels Like’, es sampleado en el disco de Beyoncé.
JOVENDELAPERLA
Con su colectivo y fiesta CULPA, Jovendelaperla ofrece un espacio de representación para las personas trans y no binarias de nuestro país, un espacio en el que, como DJ, Perla Zúñiga da rienda suelta a sus interesantes exploraciones electrónicas y también a su poesía.
Cakes da Killa
La representación LGBTQ+ en el hip-hop ya la damos prácticamente por sentada, pero cuando Cakes da Killa empezó a rapear desde su perspectiva gay, el artista estaba abriendo camino casi sin saberlo. En Sónar presentará su disco ‘Svengali’, en el que se entrega a los ritmos del Jersey club o el ballroom house.
Manuka Honey
Uno de los sets más delirantes del Sónar es el que ofrecerá Manuka Honey, cofundadora del colectivo queer latino de Londres SUZIO y DJ conocida por sus divertidos sets que mezclan electrónica de club con sonidos latinos. Ella dice que es una chica “desquiciada y hostil” y seguro en su sesión lo demuestra.
Bendik Giske
Entre las apuestas a descubrir del Sónar por su peculiaridad se encuentra la de Bendik Giske, saxofonista conocido por su técnica de respiración circular y por la fisicalidad de sus actuaciones. En su música, Giske explora lo queer como un concepto inherentemente propio del futuro.
Horse Meat Disco
Si buscas un set de disco “con aroma a popper” en el Sónar solo tienes que acudir al de Horse Meat Disco. El grupo, nacido de una fiesta queer semanal los domingos en Londres, lleva sus ritmos disco y house por todo el mundo y en Sónar se acompañará de Prosumer, conocido residente del Panorama Bar berlinés.
Colin Self
En su obra, el artiste, compositor y coreógrafe estadounidense Colin Self explora ideas de género, comunicación y conciencia. En el Sónar presenta ‘The Architecture of Friendship’, su precioso proyecto con el compositor aragonés Santiago Latorre, en el que explora el cuidado comunitario.
ISAbella
Hablar de cultura queer en Barcelona es hablar de la fiesta MARICXS, que este año ha cumplido un lustro de vida convertida en una meca de la rave barcelonesa. Su cofundadora ISAbella estará en el Sónar pinchando con la australiana Roza Terenzi, uno de los primeros fichajes del también sello y colectivo LGBTQ+ dedicado a la liberación feminista y queer por la vía del tecno.
Héctor Oaks
Madrileño afincado en Berlín, Héctor Oaks se ha dado a conocer por su sonido de tecno bruto y energético. El DJ ha pinchado en algunas de las fiestas gay más importantes del mundo, como la Herrensauna berlinesa, y también en el icónico club Bassiani, de Tbilisi. En Sónar presentará nuevo show, ‘Fuego universal’.
‘Donde quiero estar’ de Quevedo recupera el número 1 de Discos en España, tras el paréntesis Bunbury de la semana pasada. El álbum de este ‘Greta Garbo’ se desploma del puesto 1 al puesto 14.
La entrada más fuerte es ‘5-Star’ de la boyband surcoreana Stray Kids: es número 5. Tan solo un puesto más abajo, en el número 6, encontramos ‘Casanova’ de Recycled J. Recycled J mejora el top 15 logrado por el EP ’Sad Summer’, aunque no el número 5 conseguido junto a Natos y Waor con ‘Hijos de la ruina III’. Este disco además estuvo 95 semanas en lista.
Foo Fighters, top 1 en vinilos
En Reino Unido, Foo Fighters ha dejado a Noel Gallagher’s High Flying Birds sin el número 1 por primera vez en su carrera, y en España, también ganan la batalla. ‘But Here We Are’ llega al número 8, mientras el disco de Noel ‘Council Skies’ tiene que conformarse con un modestísimo puesto 33. Además, Foo Fighters se quedan el top 1 en la tabla de vinilos.
Entre ambos encontramos otras entradas interesantes como ‘El príncipe’ de Blas Cantó en el puesto 11 y ‘Epicentro’ de Mantra en el 21. Disco este último que justo cuenta con Blas Cantó entre los invitados. Más o menos a esa altura de la lista, en el número 15, entra la banda sonora de ‘Spider-Man’ comisariada por Metro Boomin’, que cuenta con nombres como Swae Lee, Lil Wayne, Offset, ASAP Rocky, Future, Lil Uzi Vert, JID, James Blake y mil invitados más. En el Billboard 200 llega al puesto 7.
Bob Dylan y Roger Waters cuelan rarezas en el top 100
‘Shadow Kingdom’ de Bob Dylan aparece en el 35. Se trata de la banda sonora de ‘Shadow Kingdom: The Early Songs of Bob Dylan’ y la encontramos en puestos modestos internacionalmente: un top 14 en Reino Unido, un top 71 en Estados Unidos. Francia e Italia dan a Dylan peores puestos que España (número 82, número 70, respectivamente). Entre los países más devotos, Alemania, donde ha llegado al número 10.
Las entradas de la semana se completan con el disfrutón ‘Mezcalito’ de Nil Moliner en el 37; ‘Rock&Ríos and Cía. 40 años después’ de Miguel Ríos en el puesto 40 (es un directo en el que aparecen Amaral, Mikel Izal, Javier Bardem…); ‘Dark Blood’ de los surcoreanos Enhypen en el 48; ‘Life Is But a Dream’ de los metaleros Avenged Sevenfold en el 53; ‘The Lockdown Sessions’ de Roger Waters en el 63 (grabaciones de pandemia); ‘Aguilera’ de Christina Aguilera en el 76; y ‘Mirror to the Sky’, el 23º disco de Yes, en el 99.
Efecto Renaissance y Primavera Sound
Por otro lado, los conciertos en nuestro país producen dos noticias: Beyoncé protagoniza la subida más fuerte de la semana con ‘Renaissance’, que pasa del número 43 al 29; y Depeche Mode vuelven al 96 con ‘Memento Mori’ tras su paso por Primavera Sound Barcelona. El efecto Madrid se conocerá la semana que viene. También avanza la «Motomami»: lo último de Rosalía pasa del número 25 al 19, aún certificado como doble platino.
Olivia Rodrigo tuvo uno de los grandes éxitos de 2021 con ‘Sour‘. Fue el disco más popular de aquel año, ganó el Grammy y Mediatraffic estima que ha vendido lo equivalente a 8 millones de copias. Ahora la cantante tiene que darle continuidad y será este mismo mes.
La cantante ha confirmado en redes sociales que su nuevo single se llamará ‘Vampire’ y estará disponible el 30 de junio. Habrá además CD singles y también vinilos de 7″.
Se confirma así lo visto en teasers previamente. La cantante había posado en redes sociales delante de un calendario del mes de junio en el que estaba rodeado el día 30. No es ninguna tontería que fuera viernes, pues ese es el día de la semana en que se publica la mayoría de los singles y los álbumes nuevos. Tras algunas especulaciones, una cuenta atrás en oliviarodrigo.com nos conducía exactamente hacia ese mismo punto, finales de junio. En breve, pues, conoceremos el primer single de un segundo disco que plantea un gran reto: superar el impacto que tuvo en el día 1 ‘drivers license’, ya un clásico por encima de los 1.800 millones de streamings.
Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP, cumple 100 programas a finales de este mes. Ese capítulo lo grabaremos en directo el próximo jueves 22 de junio a las 20.00 horas en el Teatro Off Latina de Madrid. Las entradas están a la venta por 10 euros (más gastos de gestión).
En este capítulo revelaremos algunas anécdotas sobre episodios pasados, cuáles han sido nuestros capítulos favoritos, cuáles no hemos podido realizar… Pero no será un episodio de autobombo: también responderemos muchas de las preguntas que nos estáis dejando en redes sobre lo nuevo de Kylie, de Madonna, sobre el Primavera Sound, sobre nuestros artistas «revelación» favoritos y más «timo»… Prometemos estructurar todo esto para que tenga un sentido y no sea un popurrí, pero podéis preguntarnos lo que queráis o comentarnos cosas en los DM’s de Instagram, en los comentarios de este post, o en nuestros foros.
El programa número 98 de Revelación o Timo es el de Chanel. El número 99 lo compartiremos el próximo martes 20 de junio, y el número 100 lo celebraremos juntos en directo el jueves 22 de junio. Será el último capítulo regular, aunque puede haber algún especial de verano. ¡No os lo perdáis!
La Academia de la Grabación ha añadido tres nuevas categorías a los premios Grammy. Aunque se harán efectivas el año que viene, ya se conocen: Mejor Performance Africana, Mejor Grabación Pop Dance y Mejor Álbum de Jazz Alternativo.
Harvey Mason Jr., director de la Academia, ha explicado que estas nuevas incorporaciones «reflejan su compromiso de escuchar y responder al feedback de su comunidad musical». Además, añade que, con esto, tratan de «representar con precisión una amplia gama de géneros musicales y mantenerse en línea con el panorama musical». Tras la votación necesaria, los cambios se aprobaron el mes pasado.
Según Rolling Stone, la categoría de Mejor Performance Africana busca resaltar «tradiciones melódicas, armónicas y rítmicas regionales» de África. Aquí se incluyen los Afrobeats, el Afro Pop, Drill de Ghana o el Jazz de Etiopía, entre otros géneros.
Por otro lado, el premio a la Mejor Grabación Pop Dance, se lo llevarán temas que se definen como «up-tempo, música bailable con arreglos pop». Vamos, las típicas canciones que se te meten en el cerebro y estás una semana cantando el estribillo. Aun así, aquí no se incluirán remixes, seguirán en su categoría correspondiente. Mejor Álbum de Jazz Alternativo es la categoría perfecta para premiar el jazz que se mezcle con otros géneros de forma novedosa.
Los artistas y su música son los que fomentan estos cambios, han explicado desde la organización. También se espera que esto sirva para llegar a más oyentes, a lo largo y ancho del globo terráqueo.
El Mad Cool ha anunciado su cambio de recinto, ya no se hará en Valdebebas. Los días 6, 7 y 8 de julio, Villaverde será la nueva casa del festival en el llamado “Nuevo recinto de festivales de Madrid”. Mad Cool ya ha asegurado que los casi 185.000 metros cuadrados que formarán parte del recinto, tratarán de ser «un espacio artístico referente» en su sexta edición.
Tras este anuncio, las obras para conseguir un entorno fiel a las expectativas siguen en Villaverde. El festival contará con ocho escenarios diferentes a los que se subirán grupos como The Black Keys, Red Hot Chili Peppers, Lizzo, Mumford and Sons, Queens of the Stone Age, Ava Max, Sam Smith, The 1975, Nova Twins, Robbie Williams, Lil Nas X, Kaleo, Morgan, Franz Ferdinand, Tash Sultana, Paolo Nutini, Rina Sawayama, Jamie XX, Primal Scream y Machine Gun Kelly, entre otros.
Sí es cierto que este nuevo proyecto se ha encontrado con la oposición de algunos vecinos de la zona, que no lo tienen muy claro. Desde eldiario.es han recogido las opiniones de estos habitantes que consideran que el festival se hará demasiado cerca de las viviendas. A esta negativa le suman la queja de que el recinto se encuentra a más de un kilómetro de las paradas de Metro y Cercanías.
Las entradas están disponibles a los siguientes precios:
Abono normal – (agotados)
Abono VIP – 480€ + gastos de distribución.
Entrada de día normal – 85€ + gastos de distribución.
Entrada de día VIP – 185€ + gastos de distribución.
El líder de Queen of the Stone Age, Josh Homme, ha revelado en una entrevista para Revolver que el año pasado le diagnosticaron cáncer. Ha aprovechado para tranquilizar también, diciendo que se sometió a una cirugía que tuvo mucho éxito.
Aunque no ha dado muchos más detalles acerca de la enfermedad, sí ha admitido que «el cáncer solo ha sido la guinda del pastel a un tiempo… interesante». Seguramente los últimos años han sido particularmente difíciles para Homme. Las razones: la muerte de varios amigos cercanos y una batalla con su exmujer, Brody Dalle, por la custodia de sus tres hijos. «Nunca diré que las cosas no pueden ir a peor, no lo recomiendo. Pero sí que digo que pueden ir a mejor. Estoy muy agradecido porque voy a superar esto. Voy a poder mirar atrás, en un tiempo, y ver que fue una putada pero que me ha hecho mejor», decía en la entrevista.
Por otro lado, Queens of the Stone Age (que actuarán en el Mad Cool de Madrid) presentarán su nuevo álbum tras seis años. Josh Homme también ha hecho mención a esto: «Hemos grabado muchas cosas. Creo que es porque, cuando tengo problemas personales, es lo que hago. La música es a donde voy para estar bien». ‘In Times New Roman…’ ya tiene dos singles que se pueden escuchar: ‘Emotion Sickness’ y ‘Carnavoyeur’.
Pitingo, cantante de éxito, inventor de la «soulería» y protagonista de la mejor noticia de la historia de El Mundo Today (o una de ellas), vuelve a ser noticia por motivos políticos. Por un lado, Pitingo y, por el otro, el humorista Quequé, se han enzarzado en una riña tuitera a raíz del acercamiento de Pitingo a la derecha.
El origen de la discusión se encuentra en un tuit de Antonio Manuel Álvarez Vélez en el que el cantante animaba a sus seguidores a votar el 23 de julio para «echar a ese presidente sinvergüenza». Quequé se burlaba entonces del posicionamiento político de Pitingo en un tuit borrado, y el cantante contestaba: «Cuando me veas de frente agacharás la cabeza como la última vez que nos vimos, no tuviste cojones de cruzar una mirada conmigo. Eres un cobarde y lo sabes».
A Héctor de Miguel no le suena haberse cruzado nunca con Pitingo y se lo hacía saber: “No soy consciente de haberme cruzado contigo nunca, igual no te reconocí y te ignoré, como la mayoría de la población hace con tus crímenes musicales». A lo que añadía: «Hace mucho que no hago las cosas «por cojones», pero entiendo que tú el cerebro lo tienes ahí y eso explica casi todo». A continuación, Quequé daba la enhorabuena a Pitingo «por todos esos bolos que te van a caer en los ayuntamientos de Vox» y le daba la bienvenida «al mundo de los subvencionados», a lo que agregaba: «Ya tenían mujeres, negros y homosexuales y les faltaba un gitano. Creo que ya podemos llamarte Pidjango».
Al último mensaje de Quequé, Pitingo respondía contundente y tildaba al cómico de «racista»: «Me gustaría saber qué razas son las que deberíamos votar a vuestra querida y sectaria izquierda. Me parece miserable, pues antes que gitano soy persona. Te sale el racista que llevas dentro y lo dicho, cuando me veas, no agaches la cabeza como la última vez». El presentador de ‘Hora veintipico’ respondía: «Te falta comprensión lectora y las respuestas de tus fans son bastante homófobas. Oh, sorpresa. Lo dicho, felices bolos en los ayuntamientos de VX, Pidjango. Y tranquilo, no tengo pensado ir a Punta Cana en breve, patriota».
La trifulca ha terminado con Pitingo compartiendo un vídeo en el que Quequé manifiesta que el etarra ‘Txapote’ (que participó en el asesinato de Miguel Ángel Blanco) «ya ha cumplido su deuda con la sociedad, pero Pitingo no». El cantante responde: «¿Y tú dices que ya ha cumplido su deuda con la sociedad? Díselo a sus familiares, seguro se reirán de tu chiste, que tío más malo eres». En otro tuit, Pitingo asegura que él y su equipo están «estudiando» demandar al cómico.
Soto Asa no es Beyoncé, así que sacar ‘Coupé ‘ en diciembre significó su ausencia en cualquier lista de lo mejor de su año. Pero si hiciésemos ahora una lista con los mejores discos de 2020, tendría que estar ‘Coupé’, todo un monumento a la mezcla de electrónica y reggaeton oscuro de Soto Asa, con cero skips, trallazos como ‘Fleseo’ o ‘Christian Dior’, la mejor colaboración que ha hecho Bad Gyal (‘Kiyaera’) y, por supuesto, ‘Smartphone‘, esa genialidad que hace tiempo que dio el sorpasso y se convirtió en el tema más escuchado tanto de Soto Asa como de La Zowi. Desde ‘Coupé’, el ceutí ha ido sacando temazos sueltos (‘Spaceships’, ‘Jugador 9’ o la brillante ‘Si tu kiere’), un EP junto a Chico Blanco, e incluso uno de remixes, pero no teníamos una continuación en forma de álbum… hasta ahora.
‘Super Sintiendo 64’ es un paso importante para Álvaro Soto, porque lo saca con un acuerdo de distribución con Sony, y porque es el primero que lanza sin ninguno de los “padrinos mágicos” ni los colegas de La Vendición en los featurings: ni Yung Beef, ni La Zowi ni Bad Gyal repiten. En su lugar tenemos a un trío curioso formado por el bastante menos conocido Lucero2k, el revival dosmilero de Gusanito y ¡La Mala Rodríguez! Quizás ‘La primera’, el tema que junta al ceutí con la reina del rap español, supone una pequeña decepción pues de semejante mezcla uno esperaba mucho más, pero bueno, ahí está la diferencia entre la primera (‘Tra’) y la segunda (‘Kiyaera’) colaboración con Bad Gyal para dar esperanza de cara a un futuro doblete.
La aflamencada ‘Fendi’ con Gusanito suena mejor, pero donde se luce Soto Asa aquí es en sus temas en solitario. ‘Prometazina verde’ es otro nuevo trallazo que sumar a la colección, la divertida ‘Reggaeton cristiano’ podría ser la colaboración soñada entre Soto y La Dani (que esto ocurra, por favor), la melancolía le sienta como un guante a ‘Con el paso del tiempo’ y ‘Testigos’, y la mezcla de sensualidad, humor y chulería vuelve a funcionar en ‘No es amor’. ¿Hay un guiño a ‘La Jumpa‘ en ‘Verstappen’, por cierto?
Soto se ha rodeado de nuevo de antiguos colaboradores como Came Beats, rjmussic o Shake That Music, sumando a nuevos nombres como Tower Beatz (que ha trabajado con Bad Bunny o Anuel AA) y Hasa King Beatz (Rels B). El resultado es una producción que, aunque no consigue una atmósfera tan lograda como la de ‘Coupé’, por lo general ayuda a entregar una tanda de canciones que vuelve a confirmar a Soto Asa como uno de los nombres clave del reggaeton, la electrónica y el pop españoles.
Paul McCartney se encuentra trabajando en la «canción final» de los Beatles. ¿Pero esa no era ‘The End’, de ‘Abbey Road‘ (1969)? Sí, pero McCartney piensa lanzar otra que saldría a finales de 2023. Y está echando mano de la inteligencia artificial para que sea así.
En una entrevista para el programa Today, de BBC Radio 4, Paul ha explicado que está usando un programa de inteligencia artificial para «extraer» la voz de una maqueta vieja de John Lennon, y construir la que considera la canción final de los Beatles. El programa es el mismo que empleó el editor de diálogo Emile de la Rey en ‘Get Back‘, el documental sobre los Beatles, para separar las voces de los Beatles de los instrumentos.
La canción a la que se podría referir McCartney es ‘Now and Then’, una maqueta en la que lleva trabajando años, y que Yoko Ono le envió en 1994. Lennon la grabó en 1978, con grabadora y piano, dos años antes morir, con intención de que Paul la usara. La grabación de ‘Now and Then’ era demasiado precaria y contenía ruido de fondo, tanto que George Harrison se negó a trabajar en ella al considerarla inservible. Por eso, ‘Now and Then’ se excluyó de la ‘Antología’ de los Beatles de 1995, en el que se recuperaron dos maquetas grabadas por Lennon después de la separación de los Beatles, ‘Free as a Bird’ y ‘Real Love’.
McCartney no es un novato en esto de cantar con hologramas: en su última gira se marcaba un «dueto virtual» con John Lennon. «Juntos» cantaban ‘I’ve Got a Feeling’ del disco ‘Let it Be‘ mientras las pantallas proyectaban imágenes de la icónica actuación de los Beatles en aquella azotea de Londres.
Todo esto lleva a preguntarnos si es realmente necesario publicar una «canción final» de los Beatles… 50 años después del final de los Beatles. ¿Seguro que tiene algún interés o mérito artístico? ¿No prefiere McCartney seguir mirando al presente y al futuro, colaborando con gente como Pheobe Bridgers, Anderson .Paak o St. Vincent, como en su último disco?
Río Babel se celebra a finales de este mes en Madrid. Será los días 30 de junio, 1 de julio y 2 de julio en La Caja Mágica, como ya sucediera en la histórica edición del año pasado. Actuarán en Río Babel proyectos que arrastran masas como Morat, Macaco, La M.O.D.A., Arde Bogotá… y JENESAISPOP volverá a ser medio oficial del evento. Estos son los 8 imprescindibles que recomendamos especialmente de un cartel sobre el que volveremos estas semanas. Los 8 grandes que no debes perderte. Entradas de día y abonos, en su web.
Juan Luis Guerra
Mucho tiempo antes de que uno de los mayores éxitos del siglo XXI se llamara ‘La Bachata’, ya triunfaba ‘Bachata Rosa’ de Juan Luis Guerra. Un auténtico superventas internacional en 1990, aquel disco sucedía al también monstruoso ‘Ojalá que llueva café’. El artista dominicano llega a Río Babel consolidado como cabeza de cartel de festivales, pues es tan necesario reivindicar a los pioneros de la música latina, como a aquellos del rock o de la electrónica.
Jamiroquai
El proyecto de Jay Kay se convirtió en uno de los más reconocibles en un solo vistazo a mediados de los 90. Y cuando digo vistazo, no me refiero únicamente a lo visual. Jamiroquai hicieron de su mezcla de funk y acid jazz toda una seña de identidad que desplegaron en discos como ‘The Return of the Space Cowboy’ y ‘Travelling Without Moving’.
Sen Senra
Los últimos singles de Sen Senra, ‘No quiero ser un cantante’ y ‘Uno de eses gatos‘, anticipan su proyecto más ambicioso. Un disco mastodóntico llamado ‘PO2054AZ’ del que pronto conoceremos el primer volumen. Y ese primer volumen constará de 13 tracks con las canciones más eclécticas del artista, «con un sonido internacional que mezcla lo urbano, influencias americanas y su esencia vanguardista». Seguro que en Río Babel puedes escuchar algunas de ellas, así como sus habituales «greatest hits».
Alizzz
Otro que no suele fallar en festivales, en ocasiones acumulando más público que ciertos artistas de renombre internacional, es Alizzz. Tras el éxito del disco generacional ‘Tiene que haber algo más’, este año ha publicado el EP ‘Boicot’, con 5 canciones en ocasiones más orientadas al rock, y entre las que destaca ‘Que pasa nen’.
Bomba Estéreo
‘Ojitos lindos’ junto a Bad Bunny ya ha superado los 1.000 millones de streamings, pero es solo la punta del iceberg en la carrera de Bomba Estéreo. Los colombianos brillaron con ‘Amanecer’, su obra magna de 2015 y posteriormente han mostrado tener más cosas interesantes que decir, en discos preocupados por la tierra y la ecología, como el notable ‘Deja’.
Julieta Venegas
Este año se cumple el 20º aniversario de la edición de ‘Sí’, uno de los discos capitales de Julieta Venegas. ‘Lento’, ‘Andar conmigo’ y ‘Algo está cambiando’ son canciones habituales de su repertorio. Pero es que además su álbum del año pasado, ’Tu historia’ era un trabajo notable que dejaba temazos como ‘En tu orilla’ o ‘Mismo amor’, esta última presente en nuestro listado de Mejores Canciones 2022.
Guitarricadelafuente
Guitarricadelafuente se ha convertido por derecho propio en uno de los nombres fundamentales del pop español de los últimos años. En 2022 publicaba ‘La cantera’, de nuevo con la producción de Raül Refree, hits como ‘Ya mi mama me decía’ y ‘Mil y una noches’, y canciones tan chulas como ‘Quien encendió la luz’, presente también en nuestro Anuario con lo mejor de 2022.
Aterciopelados
Río Babel está especializado en traernos música de Latinoamérica (recordemos que fueron pioneros en fichar a Bad Bunny), pero además lo van a ser también en recordarnos que hay vida más allá del reggaeton al sur del otro lado del Océano. Este año lo comprobaremos con el concierto de Aterciopelados, una de las bandas más influyentes del rock colombiano. Su último disco ‘Tropiplop’ data de 2021, y su repertorio suele ser generoso en recuperar clásicos de su álbum ‘El Dorado’, de 1995. Allí estaban ‘Bolero falaz’, ‘Florecita rockera’ y ‘La Estaca’.
Inés Hernand
Río Babel tiene la peculiaridad de contar con un escenario dedicado a hacer reír. Una ocurrencia que ya mostró su viabilidad y éxito en un escenario abarrotado el año pasado. En esta edición se podrá ver a una decena de nombres expertos en humor, como por ejemplo Ana Morgade, Venga Monjas o Ignatius Farray. Presentan Iggy Rubín e Inés Hernand, toda una líder de opinión desde sus ocurrentes y no suficientemente pagados comentarios sobre Benidorm Fest. Por cierto, ¿recuerdas que Inés Hernand respondió nuestro Test sobre Discos Favoritos?
Cuando Rolling Stone reveló en un reportaje que el rodaje de ‘The Idol’ se había tenido que repetir debido a diferencias artísticas, y que la serie se había transformado en un nuevo caso de “porno de tortura”, a nadie le saltaron realmente las alarmas. Sam Levinson -director de ‘Euphoria’- es la persona involucrada, y The Weeknd su socio. ’The Idol’ iba a retratar el lado oscuro de la fama, pero a Abel Tesfaye le pareció que la visión del guion original era demasiado “femenina”, así que Levinson y él decidieron desecharlo y escribir uno nuevo.
En el estreno de ‘The Idol’ se nota esa falta de perspectiva. Es verdad que Lily Rose-Depp, que interpreta a la protagonista, Jocelyn, una pop star venida a menos que lidia con la muerte de su madre y sus propios problemas de salud mental; aparece desnuda en muchas escenas. Además, le gusta masturbarse mientras se ahoga a sí misma. Está OK, el problema es que dentro de la serie son escenas metidas con calzador que no aportan nada a la trama.
La visión masculina o, mejor dicho, machista de ‘The Idol’ se evidencia en su trato de los personajes femeninos. Jocelyn es una caricatura de Britney Spears, pero es evidente que Levinson ni Tesfaye se toman a Britney en serio en absoluto. Si lo hicieran, quizá el personaje de Jocelyn tendría más fondo o algún tipo de personalidad. Por ahora es un escombro humano que no canta, no baila, carece de disciplina, fuma como un carretero, odia su carrera y navega entre el empoderamiento woke (ella quiere enseñar las tetas en la portada de su disco porque «es mi cuerpo», dice, asertivamente) y la sumisión total y absoluta. Cuando Jocelyn descubre que una foto de ella con la cara cubierta de semen se ha filtrado, le da igual. “Podría ser peor”, dice. Luego es tan vulnerable y sumisa que se enamora de Tedros prácticamente al minuto de conocerle. Cómo resistirse a ese corte de pelo, ¿verdad?
El retrato femenino es igualmente holgazán en otros personajes. Nikki, la mánager de Jocelyn, es cruel hasta lo indecible, pero no sufre repercusiones por sus salidas de tono. Sus diálogos parecen inventados por alguien que solo se imagina qué tipo de cosas pueden ocurrir dentro de la industria. A Leia, asistente de Jocelyn, le da igual que Izaak (Moses Sumney) le acose de manera bastante explícita y que sea un «creep» de manual. El personaje es bobo a más no poder, ingenuo, sin capas. En una de las escenas más «polémicas», Leia comenta que Tedros transmite una «vibra de violador», y Jocelyn reconoce que eso le gusta. A Joceyln, de momento, le define su sexualidad, pero es una sexualidad imaginada -fantaseada- por hombres.
Uno de los principales problemas de ‘The Idol’ es que parece una serie nostálgica que en realidad quiere ser actual. El personaje de Jocelyn está evidentemente basado en Spears -por mucho que Sam Levinson y Abel Tesfaye digan que en realidad es una amalgama de diferentes pop stars- pero las estrellas del pop actuales no son como Britney. No estamos en 2003. Sí, Doja Cat baila, aunque su estilo es más Broadway, no tan VMAs; pero lo que le hace ser actual es su presencia en redes sociales. Jocelyn no está en redes, de hecho, parece vivir aislada del mundo. Es como la Britney de 2001 mezclada con la de 2007 mezclada con la que vivía tutelada. Es difícil creérsela porque no tiene talento, pero sobre todo porque parece salida de otra época.
‘The Idol’ ofrece una visión anacrónica de lo que significa ser pop star hoy y, por lo tanto, culturalmente no tiene nada que decir. Es como un sueño febril de The Weeknd hecho realidad y ya está. Algo evidente en su personaje, Tedros, un dechado de clichés que solo existe para regocijo del propio Tesfaye, al que le debe encantar verse a sí mismo encarnando ese personaje que en realidad él no es. Tesfaye tiene una evidente fascinación por la figura del manager turbio, pero el personaje de Tedros tiene tan poco fondo, es tan predecible, y Tesfaye actúa tan mal, que es imposible creérselo. De momento, a los dos episodios estrenados de ‘The Idol’ les pasa exactamente lo mismo.
Entre los nuevos discos publicados esta semana se encuentra ‘Fountain Baby’, el nuevo trabajo de Amaarae. Se trata de su debut en Interscope y será el Disco de la Semana en estas páginas.
‘Co-Sign‘, el segundo sencillo de ‘Fountain Baby’, ya fue Canción Del Día gracias a sus divertidas referencias zodiacales. En ‘Fountain Baby’ son varios los cortes destacados, entre los cuales hoy nos detenemos en otro de los singles oficiales.
‘Wasted Eyes’ es uno de los temas más potentes de ‘Fountain Baby’ a nivel de producción. Es evidente porque su base contiene efectos de disparos, una idea que no podemos asociar ya solo a M.I.A., pues también La Zowi le ha sacado jugo.
El contraste entre la dureza de la base y la dulce voz de Amaarae sobresale en ‘Wasted Eyes’, construyendo una dignísima producción de afrobeat moderno. En ella, Amaarae nos canta que es una «ninja» en la discoteca, pero que prefiere no enamorarse: «tengo demasiadas cosas que perder, y tú no me quieres con todo tu honor».
El videoclip de ‘Wasted Eyes’ continúa en la paleta de color azul oscuro que podemos ver por ejemplo en la portada de ‘Fountain Baby’ o en la imagen que ilustra este post. Dirigido por Lauren Dunn, en el clip vemos a Amaarae haciendo de ninja frente a una pecera. Misteriosos visuales para una canción imponente.
Slappy Av, el proyecto de Moisés Mena Díez, es uno de los jóvenes emergentes que ha apostado por el hyperpop en España. Lleva unos años haciendo música pero sus últimas mixtapes suenan especialmente actuales. ‘Warro Namorao’, ‘Astrozorras’ o ‘Tóxico Namoradizo’ son perfectos titulares de lo que son sus letras y estilo. Slappy Av es el invitado de nuestra sección Meister of the Week, comisariada por Jägermusic, en la que un artista nos habla de una pasión oculta. Él ha elegido hablar de un tema (o temas) que a simple vista parecen muy poco homogéneos: el skate, la ropa ancha y la música.
¿Por qué has elegido hablar de skate, ropa ancha y música en esta sección?
El skate fue lo que me introdujo en el mundo de la música, la ropa y todo lo relacionado. Lo que me cambió la forma de pensar e hizo que descubriese mundos que no estaban a mi alrededor.
¿De qué manera son términos que se puedan unir en tu día a día?
Aunque ya patino muy poco, ha seguido influyendo en mí en la forma de vestir, en las marcas que llevo y en la música que hago, en la que meto alguna referencia de skate.
El skate para ti, ¿es una estética o un hobby?
De pequeño me pasaba el día en la plaza de mi pueblo patinando horas y horas todos los días. Ahora está más en un segundo plano detrás de la música, pero claramente es un hobby antes que una estética, aunque vayan muy ligados.
¿Cómo entraste en contacto con este mundo?
Empecé a patinar por mi primo mayor y me junté con su grupo de amigos, los que mantengo hasta hoy. Por eso pasé mi adolescencia con gente 2 o 3 años mayor que yo. Igual hizo que viera algunas cosas de otra manera. Actualmente en el grupo patinamos poco, pero sigo manteniendo otros colegas que hice gracias al skate que siguen patinando a diario.
¿Qué opinas del prejuicio generalizado de que los skaters son unos rompecorazones y terribles compañeros amorosos?
(risas) Totalmente cierto. Los skaters solo piensan en ellos y su skate, nunca te van a tener como prioridad. Quizá es eso (risas). Supongo que habrá de todo, pero muchas veces el prejuicio acierta.
Ropa ancha, ¿para acompañar al estilo skater o por comodidad?
Por las dos, supongo que también es lo que más me ha gustado siempre. Con lo que mejor me he visto y lo que mejor creo que le queda a mi físico.
En tu último lanzamiento hablas de que a tu Maison Margiela no se le van unas manchas muy específicas y muy difíciles de quitar… ¿en qué situación te pones una prenda de haute couture como esa?
Sinceramente hasta para cocinar a veces. No me doy cuenta. Suelo ir por casa vestido. Nunca me ha gustado mucho llevar pijama, así que en cualquier situación (risas). Tampoco tengo tantas prendas de diseñador, no soy rico, pero sí me gusta ir teniendo más.
Gus Van Sant retrató la estética skate en su peli ‘Paranoid Park’. ¿Es un referente para ti? ¿Algún otro cinematográfico?
Lo conozco, pero tampoco es que sea uno de mis referentes. Siempre me han gustado más las pelis de Woody Allen y su humor absurdo.
La ropa, la moda, ¿te inspira a la hora de hacer tu música?
Siempre. Me gusta meter referencias de moda en los temas, es algo que hacen muchos. También me gusta influir con ello en el público y que conozcan cosas de la moda que no conocen, sin ser tampoco yo un experto.
Si pudieses robarle el armario a un artista, ¿a quién sería?
(Risas) Supongo que a alguien como Lil Uzi Vert o Bladee. Seguro que tienen mucha ropa, sobretodo Uzi.
¿Cómo de importante es la forma de vestir a la hora de ser artista musical?
Más que la forma de vestir, para mí es muy importante la imagen en general. Tampoco hay que llevar una imagen forzada ni ponerte cosas que no te gustan solo por moda, hay que intentar cuidarla vistiendo como te salga a ti mismo.
Rosalía ha visitado El Hormiguero para presentar ‘Tuya‘, su nuevo single. En la entrevista, Rosalía habla de las influencias del tema, que van del reggaetón al tecno pasando por la música japonesa que ha estado escuchando, y recuerda que el rodaje del videoclip fue intenso por la escena de las aguas termales, que son naturales, y en las que se «achicharraba».
Rodado en Tokio, el vídeo de ‘Tuya’ ha servido de excusa a Rosalía para volver a visitar uno de sus países favoritos. Cuenta que Japón le hace sentir segura y admira el sentido de ritual que caracteriza a la población japonesa.
En otros puntos de la entrevista, Rosalía vuelve a hablar sobre temas de los que ya ha hablado en entrevistas previas, como la gira de ‘Motomami‘, que lleva un año en carretera; su relación con Rauw Alejandro, su amor por la producción musical o su afición a cocinar tacos.
La sorpresa de El Hormiguero viene después: Rosalía se ha vuelto a disfrazar y ha protagonizado una «cámara oculta» en la que se hace pasar por camarera de un bar madrileño. «Cristina» toma pedidos mientras interpreta partes de la letra de ‘Tuya’ y deja confundidos a los comensales. Rosalía pasa desapercibida al principio, pero pronto es reconocida.
Cuenta Vila Tobella en la entrevista que, gracias al gag, ha ganado un gran respeto por la profesión del camarero, debido a lo «dificilísimo» que es sostener una bandeja llena de platos mientras debe atender otros mil «frentes abiertos».
Primavera Sound Madrid cierra su primera edición con 150.000 asistencias a lo largo de toda la semana pasada. 42.000 personas fueron a la jornada del viernes en Arganda del Rey, y 48.000, el sábado. Las 60.000 restantes proceden del Brunch Elektronik del domingo, el concierto gratuito en el Metropolitano de Pet Shop Boys, el improvisado show de Blur en La Riviera, los múltiples conciertos en distintas salas repartidas por toda la ciudad y ese inabarcable etcétera que lleva unos años caracterizando al festival.
No son los 253.000 asistentes de Primavera Sound Barcelona 2023, pero no está mal. Sobre todo teniendo en cuenta los 30 kilómetros que separan la Ciudad del Rock de Madrid, y que hubo que cancelar una jornada en Arganda por lluvia. Además, las mismas lluvias durante días seguramente desmotivaron la venta de última hora. Durante demasiadas horas la previsión del tiempo fue desoladora. Bien pensado, es una suerte que el festival se haya podido celebrar, pese a bajas tan importantes como Halsey o New Order.
De hecho, aunque ya ni nos acordemos, el pasado jueves se vivieron momentos desconcertantes respecto a la celebración o no de Primavera Sound Madrid. Circulaban todo tipo de bulos y manipulaciones por las redes sociales. Cada cual decidió dar su opinión, cuando estaban pronosticadas tormentas eléctricas a la misma hora a la que tenían que tocar Blur en medio de la nada. «¿Qué opinas de la cancelación de esta noche?», me preguntó una compañera que me encontré en el Metro. «Nada. ¿Hay algo de lo que opinar?», fue mi respuesta. ¿Qué había que decir cuando no se sabía ni siquiera si iba a diluviar, ni durante cuánto tiempo?
Y es que por un lado estaban los de que no había que cancelar, pues no existía la certeza de que fuera a llover (y al final no llovió tanto). Y por otro, los que aseguraban que se iba a cancelar todo porque el recinto estaba ya destrozado.
En esta última línea, se tuitearon fotos del recinto encharcado que en realidad eran de 24 o incluso 48 horas antes. Se compartieron fotos del montaje de escenarios que en realidad ya habían circulado en torno a una semana antes. Había quien perjuraba que la mismísima organización quería cancelar el festival porque no había vendido entradas suficientes. Y el baile de cifras en los mentideros había sido realmente rocambolesco. Hace no tanto alguien me aseguró que Primavera Sound Madrid solo había vendido 1.500 abonos. En un evento el mismo jueves 9 de junio, alguien dio la cifra de 20.000. Y de ahí pasamos a que el festival estuviera a punto de morir de éxito (al menos en lo que a Arganda respecta), cuando durante unas horas habíamos creído que no iba a celebrarse en absoluto, por una supuesta falta de interés del respetable, lo cual resultó otra invención por completo.
El recinto el viernes lució bastante lleno, a lo largo de su decena de escenarios, con momentos de grandes aglomeraciones, sobre todo cuando se juntaron los fans de Depeche Mode actuando con media hora de retraso, con los de Kendrick Lamar, que no acertaban a adivinar a qué hora iba a salir el rapero finalmente en el escenario contiguo. Y el sábado era evidente que el festival estaba abarrotado, que era un éxito y que allí había decenas de miles de personas con la pulserita de abono o entrada de día. No, no todo el mundo lucía como invitado, que es otra de las cosas que circulaban por doquier.
Tanta gente había allí, que no hubo forma rápida de huir de Arganda, salvo que fueras uno de los afortunados que reservó plaza en el parking hace tiempo. Antes de suceder el último dramático desplazamiento de asistentes de Arganda a Madrid en la madrugada del sábado al domingo (aquello terminó siendo la mañana del domingo más bien), la organización había dado una rueda de prensa a las 17.00 horas del sábado para hacer una primera valoración sobre esta edición. Y la conversación la capitalizaba el problema de los accesos, como es normal. El tiempo medio de llegada a un recinto de conciertos desde el centro de Madrid no puede ser de 2 horas y media. Más que nada porque eso es lo que tarda el AVE de Atocha a Sants, y la tentación del Fòrum sigue siendo demasiado fuerte. Sí, escaleras, incluidas.
Almudena Heredero, directora de Primavera Sound Madrid, aceptó que valoraría si continuar en Arganda. La razón principal es la movilidad, concretamente la movilidad en situaciones excepcionales de lluvia, como las que se han visto en Madrid estos días. Un 50% de plazas de párking quedaron inhabilitadas por las tormentas: “Solo se pudieron habilitar el 50% de las plazas de párking. Nosotros apostamos por un modelo de transporte colectivo con lanzaderas, también de taxis, pero es verdad que la falta de aparcamientos dificultó ayer los accesos al recinto y tuvo que ver con las zonas inhabilitadas por las lluvias”.
Sobre la posibilidad de cambiar de recinto, Heredero indicó: «La voluntad es continuar en Madrid. Creemos en Madrid y en los madrileños. Desde la próxima semana vamos a trabajar para 2024. Consideraremos Arganda del Rey, pero tenemos que reflexionar sobre varias cuestiones (…) Hay cuestiones que tenemos que evaluar para el futuro, como la movilidad y la meteorología, porque con el agua se sufre y se hace sufrir. Una vez reflexionemos, veremos, aunque este recinto es idóneo para el festival, con limitaciones de aforo y sin inclemencias del tiempo”.
El recinto sí es idóneo para el festival, porque permite la fácil accesibilidad de un escenario a otro, multitud de barras y puestos de comida, y multitud de baños por todas partes. También hay que elogiar dos cosas que no se pueden dar por garantizadas. Una es el ambiente. Parece un milagro que no se registraran incidentes en las colas de las lanzaderas, pese a que doy fe de que la situación era desesperada tras 1, 2 y hasta 3 horas en la fila. Por suerte no llovió, ¿os imagináis? Se me ocurren varios eventos donde creo que habría ardido Troya en la misma situación. Y todo lo contrario: el ambiente era sano, por momentos divertido (¿está por ahí el malabarista de vasos?), el personal responsable de acomodar al público aguantó estoicamente, y por ejemplo nosotros terminamos compartiendo una furgoneta de taxi con otras personas de la cola, resultando en una ridícula cuenta de 60 euros entre 5 personas, por 30 kilómetros de carrera.
Y por otro lado, está la espectacular línea artística, tan diferente al resto de festivales, tan preocupada por la paridad y el público LGTB+ (incluso con puestos de información y lemas sobre lo que es «normal»), que nos ha dejado conciertos de Rosalía, St Vincent, Caroline Polachek, pero también Kelela, Sevdaliza, Kyary Pamyu Pamyu, Villano Antillano… Es este un festival que lo mismo te trae a Moldy Peaches que a Laurie Anderson, a Bad Religion que a My Morning Jacket, y no son cosas tan fáciles de ver por aquí. Salvo casos aislados, se nota que el público ha pagado 200 o 300 euros por su abono, es decir, está muy interesado en escuchar música, y así, el silencio por ejemplo ante una propuesta tan arriesgada como la que ofreció Christine and the Queens fue sepulcral. No demos nada de esto por garantizado.
‘WHERE SHE GOES’ de Bad Bunny sigue siendo el número 1 de singles en España. La batalla contra Shakira y su ‘Acróstico’ comenzaba hace tres semanas, pero parece que se ha estancado. Shakira se mantiene en la 2ª posición. Da la impresión de que han hecho una alianza por los dos primeros puestos y ni siquiera Bizarrap ha podido con ellos.
Al tema de Peso Pluma con Bizarrap (y su orgullo mexicano) le ha costado un poco más llegar a esas primeras posiciones, aunque consigue el número 3. El listón estaba alto con las últimas «sessions» de Shakira o de Duki, que sí lograron el número uno.
Además, entran en el número 9 Sky Rompiendo, Feid y Myke Towers, que se han unido en ‘El Cielo’. La posición 13 grita «Argentina» por los cuatro costados con ‘Los del Espacio’ de LIT killah, Duki, Emilia, Tiago PZK, FMK, Rusherking, Maria Becerra y Big One. Por otro lado, Quevedo entra en la lista de singles con dos temas: en el número 37 con De La Ghetto en ‘My Love’ y en el 54 ‘Quevedo #49’ con DJ Saot ST.
‘LAS BABYS’ de Aitana también ha entrado en la lista. Lo hace en el puesto 46, pero probablemente subirá más en las próximas semanas, pues el tema no se editó un viernes sino que se adelantó. Finalmente, en el puesto número 100 están Tainy y Jhayco con ‘FANTASMA / AVC’.
‘Tuya’, el nuevo tema de Rosalía, ha dado lugar a muchas especulaciones en redes sociales (para variar). La canción ya había sido calificada de historia de amor incluso antes de su estreno. Y el protagonista no era Rauw Alejandro.
El detonante fue una vocal malentendida en el estribillo: «Solo esta noche soy tuya, tuya / Solo esta noche ere’ mío, mío». El acento y la pronunciación de la segunda frase hacen que parezca que Rosalía dice «mía». Por su lado, los fans en Twitter quisieron creer que la canción estaba dedicada a una mujer. Las sospechas incluso se aventuraban a relacionar ‘Tuya’ con la amistad entre Rosalía y la actriz de ‘Euphoria’ Hunter Schafer.
Estos rumores no son nuevos: ya se había relacionado a ambas antes de que Rauw entrase en escena. Pero en esta ocasión, Rosalía sí ha dicho algo. Esta mañana ha dado una entrevista en LOS40 en la que le han preguntado por este tema. Normal, porque el hilo de Twitter en el que se explicaba toda esta teoría lleva ya 11 millones de impresiones. «Algo he visto por ahí, sí…», respondía.
Pero luego no se ha dejado caer para ningún lado de la historia. «Con lo bonito que es que cada uno se haga su historia… A mí como escritora me gusta que cada uno se haga su propia película. Es la gracia. Yo como escritora tiro de ficción y de experiencia personal. Nunca voy a romper la magia de decir esto es ficción y esto es personal. La mayoría de veces está mezclado».
Posteriormente ha hablado acerca de una colaboración soñada con Lana del Rey o del significado de ciertos números en el videoclip. También ha desmentido el discurso secreto que se les había dado. De todas formas, en Twitter, siempre habrá alguien con más imaginación que ella misma que le dé otras connotaciones. Quizá alguna vez acierten.
El próximo single de Rosalía 'TUYA' esconde una dedicación MUY especial. Nos cuenta la historia de una noche de pasión entre ella y alguien que fue muy importante en su vida: Hunter Schafer
Empieza la semana del Sónar. El festival barcelonés celebra su 30 aniversario con una programación que incluye grandes nombres como Aphex Twin, Fever Ray u Oneohtrix Point Never, entre otros imprescindibles que hemos repasado. El festival se celebra del 15 al 17 de junio, como siempre, dividido entre Sónar de Día (Fira Internacional, en la Plaza de España) y Sónar de Noche (en Fira Gran Via L’Hospitalet). Sin olvidar la siempre interesante programación de Sónar +D, el Sónar celebra 30 años de vanguardia con otro cartel lleno de joyas imperdibles como los que comentamos a continuación.
Black Coffee
El Sónar tiene fama de guardarse muchas de sus grandes joyas para el Sónar de Día. Ahí encontramos al sudafricano Nkosinathi Maphumulo, conocido por el alias de Black Coffee. Su elegante sonido rítmico, que no se centra «ni el tecno melódico, ni en el afrohouse, ni en el amapiano, sino en todo a la vez», le ha valido hasta un Grammy anglosajón. Tampoco es que lo necesitara…
Amelie Lens
“This is where I wanna be / in the club for days / I’m addicted to bass”. Este es el lema de uno los temas más populares de Amelie Lens. La DJ y productora belga está desde hace rato posicionada en el Olimpo del tecno gracias a sus intensos sets de tecno ravero, en los que confluyen influencias del acid y del tecno tribal, construyendo un show colosal.
Shygirl
Cualquiera que haya leído últimamente Jenesaispop sabe que Shygirl es una de las artistas favoritas de la redacción de los últimos años. Su innovador sonido de pop electrónico -en el que caben influencias de UK bass, garage, deconstructed club, etc- ha conquistado a Björk y Shygirl ha aparecido en el disco de remixes de Lady Gaga, pero es su disco ‘Nymph’ el que debes escuchar.
2manydjs y Tiga
Entre las propuestas únicas que se podrán ver por primera vez en Sónar 2023 se encuentra una colaboración de órdago, la de 2manydjs y Tiga, que pincharán juntos por primera vez, acompañados de la DJ británica Peach. Se avecina uno de los sets más divertidos de la jornada, seguramente.
Daito Manabe
Viejo conocido del Sónar y también de Sónar +D, el artista digital Daito Manabe, uno de los más prestigiosos de nuestra época, vuelve al festival para presentar su live show “antidisciplinar”. Además, estará poniendo visuales para ‘Continua’, el show de Nosaj Thing. Y, por partida triple, Manabe estará dando una masterclass sobre inteligencia artificial en Sónar +D.
Marina Herlop
Después de dejarnos con la boca abierta con ‘Pripyat’, un álbum que le ha llevado a girar por todo el mundo y que también ha hecho cosquillas a Björk, que ha pinchado alguno de sus temas, la catalana presentará en Sónar un nuevo show con el que buscará “expandir su imaginario audiovisual”.
Kode9
Steve Goodman, fundador del sello Hyperdub, y DJ bajo el alias de Kode9, casi no necesita presentación. Y no la necesitará para los asistentes al Sónar, que tienen tres citas con él este año: Kode9 presentará su show ‘Escapology’, primera muestra de su proyecto multidisciplinar ‘Astro-Darien’, que explora un posible futuro en el que Escocia se separa del Reino Unido y se dirige hacia las estrellas. Además, con Sherelle pinchará juke, footwork y jungle en un emocionante set colaborativo. Y, en Sónar +D, Goodman y Moor Mother compartirán un rato de charla sobre ficción especulativa y futurismo.
Jokko Collective
Una de las propuestas más interesantes que nos llegan recientemente del underground barcelonés es la de Jokko Colletive, un colectivo de músicos que busca investigar y difundir el sonido de la electrónica africana más futurista. Entre sus integrantes destacados se encuentran Ikram Bouloum y Baba Sy. En la mixtape de Jokko Collective de 2020, en sus oscuros y brutales beats, está el sonido del futuro.
Merca Bae
Otro de los estrenos de Sónar 2023 es el primer live de Merca Bae. Conocido por ser productor de Bad Gyal, Aitana, María Escarmiento o Erik Urano, Alejandro Silva se ha hecho un nombre también como DJ buceando entre ritmos de jungle y grime pero también de dancehall y reggaetón. En ‘2048’ dará un paso adelante como artista de directo.
Erika de Casier
El Sónar es conocido por promover la vanguardia electrónica, pero también pone sus tentáculos en otros géneros. Erika de Casier, recuperadora del R&B dosmilero desde Dinamarca, también es una de las joyas de esta edición, y lo sabe cualquiera que haya escuchado su disco ‘Sensational’, su excelente single ‘Little Bit’ o su preciosa y aterciopelada voz.
Janelle Monáe se dio a conocer por sus proyectos ambiciosos y conceptuales. ‘The ArchAndroid‘, su primer disco, publicado en 2010, continuaba en realidad con un relato presentado en epés anteriores, inspirado en la ciencia ficción y protagonizado por la androide Cindi Mayweahter, que venía a salvar el mundo del odio y la destrucción. ‘The Electric Lady’ era el siguiente episodio y ‘Dirty Computer’ (2018) rompía la tradición pero aún su lanzamiento se acompañaba de una película.
En ‘The Age of Pleasure’, Monáe se va de vacaciones creativas y entrega su disco más libre y relajado. En las entrevistas, Janelle cuenta que antes era una “futurista” y que ahora es una “turista del presente”. En su presente actual, Monáe se desnuda y disfruta del placer del sexo. Es humana, por fin.
Claro que lo de vacaciones creativas va en serio: estas nuevas canciones de Janelle son las menos inspiradas de su carrera. La paleta de sonidos es idónea para la creación de un trabajo sexy y seductor: aquí hay afrobeat, soul latino, reggae, trompetas, maracas… Pero las canciones están tan desdibujadas que no transmiten ningún magnetismo. Más bien dejan indiferente.
El primer single, ‘Float’, ya anticipaba cierto desgaste. Nunca un primer single de Janelle ha pasado tan desapercibido… pero tampoco es que su colaboración con Seun Kuti & Egypt 80 a ritmo de trap sea muy excitante. El reggae relajadito de ‘Lipstick Lover’ es simpático pero lo mejor que se puede decir de él es que no es tan olvidable como ‘Paid in Pleasure’, que continúa después con el mismo sonido.
Extrañan algunas decisiones tomadas en ‘The Age of Pleasure’. El organillo de ‘Champagne Shit’, que también trae ritmos reggae, es pegadizo, pero no hacía falta recuperarlo en el interludio de ‘Haute’ un par de pistas después. Más raro es que la siguiente pista a ‘Haute’ sea otro interludio en el que además aparece Grace Jones recitando un texto en francés. ¿Para eso llamas a esta diosa? Otra estrella invitada, Sister Nancy, pionera del dancehall, pasa por aquí sin pena ni gloria.
Hay un evidente intento en ‘The Age of Pleasure’ por sumar una aportación a la tendencia del afrobeat actual. La de Janelle es más veraniega y orgánica. Muchas pistas se basan en ese sonido y cuentan con algunos de sus mayores representantes: ‘Phenomenal’ con Doechii, ‘The Rush’ con Amaarae y ‘Know Better’ con Ckay. Nadie puede dudar del buen gusto de Monáe para las colaboraciones, pero estas canciones, aún graciosas, pasarían desapercibidas en el catálogo de estos artistas y lo hacen en el de Monáe.
Janelle presentó las canciones de ‘The Age of Pleasure’ en fiestas organizadas por ella misma en su casa, a la que acudían sus amigos de la comunidad panafricana. Cuenta que si una canción no funcionaba en ese contexto de fiesta, no entraría en el disco. Pero es difícil imaginar alguna de estas canciones animando cualquier fiesta, a menos que se conformen con sonar de fondo, pues no parecen querer llamar la atención en absoluto.
El viaje de ida a la Ciudad del Rock en la jornada del sábado fue más llevadero que el viernes, con menos tráfico y mejor preparación para recibir a los asistentes (el verdadero infierno sería la vuelta a casa). Fue más sencillo llegar a un concierto de la tarde que el día anterior, así que se agradeció no ver a Arlo Parks con la lengua fuera.
La cantante británica, que recientemente ha publicado su último disco ‘My Soft Machine’, convence con su dulce indie-rock y su humilde presencia en el escenario. Vestida con una camiseta ancha de Rage Against the Machine y sin ningún aire de grandeza, brilla por su bonita voz y su conexión con la banda que la acompaña. En alguna ocasión las notas más graves retumbaban demasiado y ensuciaban ligeramente el sonido, pero por lo general, todo el espectáculo fue agradable y bonito. Canciones como ‘Eugene’ o ‘Caroline’ (donde Parks incitaba al público a cantar con ella), crecen en directo y atrapan con sus melodías delicadas y sofisticadas. Merece mención el pasaje guitarrero con el que termina ‘Devotion’ antes de dar paso a ‘Softly’, cerrando con honores un más que digno concierto.
Poco después, en el escenario Estrella Damm, Sevdaliza atraía a un número considerable de personas teniendo en cuenta que aún era bastante pronto (las 20:05h), entre ellas, Samantha Hudson. Tras una introducción instrumental con dj, violonchelo y batería, aparecía en el escenario la cantante iraní-holandesa y abría con ‘Darkest Hour’, una canción misteriosa que paulatinamente va creando su momentum. “It’s a perfect world / I’m the perfect girl / I am the dream” repite constantemente sobre una base electrónica guiada por la melodía del chelo mientras va de un lado al otro moviendo su larguísima melena.
Le lleva un par de minutos sentirse plenamente cómoda en el escenario, pero para cuando termina el primer tema, ella ya está totalmente concentrada y el público absorto. Siguen las pistas atmosféricas con ‘Human’ y ‘Human Nature’, asegurando la potente presencia de la artista en el escenario y mostrando su buen hacer como vocalista. ‘Oh My God’ vira progresivamente el ambiente hacia algo más discotequero. La canción se cierra con unos minutos de electrónica ravera mientras se proyectan frases como “Nothing is special. Everything is important. Reduce work. Refuse work”. De repente, el show de Sevdaliza ha mutado en algo totalmente distinto, pero lo mejor de todo es que más sorpresas aguardan pronto. Presenta su nuevo sencillo, que saldrá en un par de semanas con Villano Antillano, que es una mezcla de su característico r&b experimental con reggaeton. Poco más tarde, anuncia que ha colaborado con Grimes en una nueva canción y procede a mostrarnos cómo esta aúna los estilos de ambas de forma efectiva.
Cuando aún quedan aproximadamente 20 minutos para que termine, la banda y Sevdaliza abandonan el escenario sin avisar. Los técnicos colocan rápidamente una mesa de mezclas y la cantante vuelve a aparecer en el escenario y ofrece un improbable y excelente DJ Set. El público sorprendido y encantado lo da todo y ella, por supuesto, también. Una vez termina, reaparecen los músicos y cierra la faena por todo lo alto cantando ‘Rhode’. Fernando García.
Un terremoto llamado Villano Antillano
Villano Antillano es otra de las grandes sorpresas que nos deja Primavera Sound, tras haber derrochado carisma frente a un Escenario Amazon Music completamente abarrotado. Es una alegría que el festival haya evolucionado hacia el apoyo a artistas LTGB+ con discursos tan potentes, y tanto brillaron sus hits con y sin Bizarrap (‘Kaleidoscópica’ tiene por ejemplo poco que envidiar a la famosa Session 51, que cierra el set); como su discurso.
Villano Antillano presenta canciones que critican la transfobia y los feminicidios, grita «¡vivan las lesbianas!» y es dura con los comentarios racistas que ha tenido que sufrir Vini Jr, del Real Madrid, recientemente. «Las personas racistas me parecen mierda. ¡Basurísima!», chilla. Y va más allá aún: «El racismo es algo que nos enseñan, y luego hay que deconstruirse». La cantante mandó por tanto al futbolista «todo su amor» y su apoyo en un set tan desmelenado en lo bailable como político.
Maggie Rogers es capaz de sobrevivir al hecho de competir con grandes nombres del cartel desde el coqueto Escenario Cupra, al final uno de los más cómodos y recogidos del festival. Conquista a su séquito de fieles con un buen sonido, un buen repertorio en cuyo primer cuarto de hora suenan ya temas con la pegada de ‘Want Want’ y ‘Give a Little’ y con su actitud. Al mismo tiempo, The Voidz se asoman por el Escenario Brugal sin advertir en los titulares que lo que allí está sucediendo es que estamos viendo al líder de los Strokes. Julian Casablancas luce de día tan ido como siempre, oculto tras sus gafas de sol mientras las canciones pululan libremente y sin guías entre el rock velvetiano, los ritmos jamaicanos, los sintetizadores… Sebas E. Alonso.
Dos gigantes bien dispares: de St Vincent a Kelela
En los primeros compases del concierto de St. Vincent ya queda clara una cosa: Annie Clark es una profesional y ha nacido para esto. Qué presencia en el escenario, qué carisma y qué gran repertorio de canciones memorables. Con una puesta en escena minimalista pero bastante lucida y con inclinación teatral (muy pensada para las pantallas), la artista salió al escenario acompañada de su banda y una corista. El inicio estuvo marcado por su álbum homónimo y su trabajo más reciente, ‘Daddy’s Home’. Daba rabia observar que no había demasiada gente viéndola, al menos no de cerca, y tampoco es que el recinto fuese poco a poco llenándose, pero la hora a la que estaba programada coincidía con varios artistas jugosos.
No pude ver el set completo por esto mismo, pero al menos la primera mitad ofreció algunos de los momentos más especiales del festival, como la preciosa ‘New York’, donde Clark se bajó a interactuar con el público e hizo un amago de hacer crowdsurfing. La voz de la cantante brilló en todo momento, así como su talento como guitarrista. Tras las excelentes interpretaciones de ‘Los Ageless’ -con su intenso juego de luces-, ‘Sugarboy’ y ‘Fast Slow Disco’, me alejé del escenario con el corazón dividido mientras oía de fondo ‘Pay Your Way In Pain’. Quería estar ahí pero tampoco quería perderme ni un minuto de Kelela, que presentaba uno los mejores discos de lo que va de año.
En el Plenitude, un escenario más pequeño y apartado de los principales, Kelela apareció sola, con una pantalla de colores detrás. Muy emocionada con el cariño con el que la recibieron los fans madrileños, la cantante, que empezaba con la ambient ‘Washed Away’, dejó claro nada más terminarla que estábamos asistiendo a un espectáculo dance y que, por ello, quería ver a todo el mundo bailar. Lo consigue la mayor parte del tiempo, pese a tener algún percance con sus auriculares in-ears y tener que ausentarse unos segundos entre canción y canción.
Principalmente sonaron temas de ‘Raven’, como el corte homónimo junto a ‘Bruises’ -un excelente combo de r&b electrónico-, ‘Happy Ending’, ‘Contact’ o ‘Enough for Love’. De ‘Take Me Apart’ únicamente hubo espacio para ‘Bluff’ y ‘Waiting (sorprendiendo la ausencia de ‘LMK’, su canción más pop). Kelela hizo gala de su fuerza como vocalista, aunque quizá faltó algo de gancho en la puesta en escena para poder lucirse más. El show terminó con la fantástica ‘All the Way Down’, coreada por el público. Fernando García.
Calvin Harris arrasa sin merecerlo; Bad Gyal cumple
Calvin Harris empezaba puntual a las 00:20 en el escenario Santander ante miles y miles de personas. Desde el primer instante de su set, el productor escocés dejó clarísimo -si es que alguien aún no se había dado cuenta- que es una fábrica de hits. Asistir a uno de sus conciertos es inmediatamente una experiencia familiar: te sabes la gran mayoría de las canciones porque han sonado hasta la saciedad allá por dónde hayas ido. Sorprende que un festival como Primavera Sound lo haya elegido su cabeza de cartel, ya que dista bastante de su habitual línea editorial, poblada de propuestas a menudo más cerebrales y menos mainstream. Pero lo cierto es que, incluso desde lejos de las primeras filas, el público cantaba todas las canciones con entusiasmo y grababa con sus móviles sin cesar. A veces es agradable simplemente dejarse llevar por la música que conoces y no darle mucha importancia a nada más.
Harris no ofrecía nada que fuese imprescindible ver en el escenario, oculto entre varios proyectores gigantes (uno delante de él, otro detrás y dos a los lados) que mostraban imágenes abstractas de diferentes colores. De vez en cuando salían ráfagas de humo y usaba juegos de luces genéricos que no conseguían calar al público con su personalidad. Todo el rato sonó correcto pero monótono, más cercano a un DJ set que a un directo como tal. En ocasiones se creaban momentos bonitos entre los asistentes cuando llegaban las canciones más famosas (dentro de que todas lo son) como ‘We Found Love’, ‘One Kiss’ o ‘How Deep Is Your Love’, ya que todo el mundo las coreaba a voz en grito y generaban esa sensación de unidad que puede llegar a ser tan poderosa.
Desgraciadamente, en lo musical no hay demasiado que rascar. Hay varios temas buenos, aunque podrían haber puesto una lista de grandes éxitos de los 2010s en los altavoces y el resultado hubiera sido el mismo o muy parecido. Sin carisma ni alma, lo mejor que se puede decir es que fue una hora y cuarto entretenida. Y ya.
Calvin Harris (Clara Orozco)
Nada más terminar el concierto de Rosalía, a las 3.20 horas Bad Gyal daba comienzo a su esperado bolo multitudinario en el escenario Amazon Music. Con el recinto a reventar, la catalana ofreció exactamente lo que uno esperaría de ella: un buen puñado de hits con los que bailar y pasárselo bien. Con aires de diva inalcanzable, Alba Farelo y sus bailarines daban al público un recital de autotune, perreo y movimientos sexys con el que cerrar la noche. Con gran ayuda del playback, la artista defendía sus temas a veces de forma solvente, otras algo desganada. ‘44’, ‘Santa María’ o ‘Nueva Tork (Tot*)’ fueron grandes momentos de euforia colectiva, mientras que ‘Zorra’ y ‘Flow 2000’ quedaron bastante deslucidas en sus muy inferiores respectivas versiones remezcladas. La única explicación a esta elección es que la cantante así podía coger aire mientras el verso del artista invitado sonaba.
Nunca nadie va a un concierto de Bad Gyal esperando ver grandes interpretaciones vocales, pero al menos sí un poco más de interacción con el público, menos seriedad y algo de humor. Incluso la invitación a Tokischa al escenario para el inminente remix de ‘Chulo’ fue algo extraña, por breve y poco entusiasta. Pese a todo, viendo el resultado, no se puede negar que la cantante ha trabajado duro para conseguir confianza y seguridad en el escenario. El show es irregular y va algo a trompicones, pues hay demasiado tiempo entre canción y canción y no se entiende muy bien por qué todo el escenario se funde en negro entre pista y pista, pero en sus puntos más álgidos proporciona la diversión que promete. Fernando García.
Épico cierre con DJ Coco
Si entre las decepciones de la jornada, además de a Calvin Harris, podemos añadir a la misma Tokischa (con un abuso del playback con el que era muy difícil meterse en su set, por muchas bailarinas y almohadas que portasen); entre las alegrías, el cierre con DJ Coco. Es absolutamente historia de Primavera Sound que la última jornada los trabajadores se suban al escenario junto al co-director, y ahora acompaña ya todo tipo de parafernalia. Confeti, cañonazos pirotécnicos, pompas de jabón… convivieron en el Escenario Ron Brugal mientras sonaban temas de Daft Punk, Caribou, Kate Bush, Jessie Ware (en una remezcla muy adecuada), coronando una gran jornada en lo artístico, a destacar la apuesta por las cabezas femeninas: Rosalía y Caroline Polachek. De hecho, la sesión de DJ Coco se había abierto con ‘Antihero’ de Taylor Swift y ‘CUFF IT’ de Beyoncé. Sebas E. Alonso.
Nothing But Thieves anuncia conciertos en España para 2023. El grupo de Essex actuará el 29 de febrero de 2024 en la sala Razzmatazz de Barcelona y el 1 de marzo en La Riviera de Madrid. Las entradas estarán a la venta el viernes 16 de junio a partir de las 10 horas en los puntos de venta habituales. Habrá preventa el 14 de junio también a las 10 horas.
El motivo de la gira de Nothing but Thieves es por supuesto el lanzamiento de su nuevo disco, ‘Dead Club City’, que sale el 30 de septiembre. El disco ha dejado ya dos singles, el pop-rock ochentero de ‘Overcome’ y ‘Welcome to the DCC’, de ecos a Michael Jackson. El grupo se acerca por tanto al pop, después de darse a conocer con un sonido más guitarrero y duro.
Es el que exhibía por ejemplo en ‘Amsterdam’, su mayor éxito, que supera los 100 millones de reproducciones, o ‘Sorry’. Ambos singles pertenecen al segundo disco de Nothing but Thieves, ‘Broken Machine’, que llegó al top 2 de Reino Unido en 2017. Antes, su debut homónimo de 2015 había llegado al 7º puesto y, después, el tercero, ‘Moral Panic’, alcanzó el número 3.
El grupo, formado en 2012 por el cantante y guitarrista Conor Mason, el guitarrista Joe Langridge-Brown, el guitarrista y tecladista Dominic Craik, el bajista Philip Blake y el batería James Price, nunca ha huido de la política en su música. En ‘Broken Machine’, por ejemplo, dedicaban temas a la intolerancia o a Trump y ‘Moral Panic’ hablaba sobre las «tensiones» en nuestra sociedad. De hecho, aunque su lanzamiento coincidió con la pandemia, su génesis es anterior.
‘Dead Club City’, el nuevo álbum de Nothing but Thieves, se ambienta en la ciudad que le da nombre y cuenta una historia protagonizada por «diferentes personajes y arcos narrativos». La ciudad puede ser una «conciencia compartida», «otro planeta» o un «basurero corporativo», por lo que parece que el capitalismo atravesará de alguna manera las canciones.
Aleesha es una cantante de Ibiza afincada en Barcelona que será ya una vieja conocida para todos quienes estén interesados en la música urbana. Aleesha cuenta con dos discos publicados, ’19:19′ (2019) y ‘La Patrona’, y con varios singles multimillonarios, a destacar ‘Angelito’ con Recycled J, que supera los 11 millones de reproducciones en Spotify.
Otro de los hits insignia de Aleesha es ‘La patrona’, el que le da su mote, y varios cortes incluidos en el álbum igualmente titulado han alcanzado gran popularidad: es el caso de ‘828’, ‘Ke sientes’ y ‘Arrepentío’, en el que participa Nicki Nicole.
A Aleesha le ha tocado la fortuna de colaborar recientemente con JC Reyes en ‘ESO’, pero ella no necesita necesariamente asociarse con nadie. Especialmente sus últimos singles, sin «featurings», pueden ser los mejores que ha publicado.
‘cómo t va?’, disponible desde este 9 de junio, es una de esas producciones que pasan por diferentes estados. De base rítmica cambiante, próxima a la favela funk, la Canción Del Día de hoy empieza con una extraña mezcla de guitarras eléctricas y voces apitufadas, para después ir hacia otros lados. Melódicamente, es una de las canciones de Aleesha más cercanas al R&B…
…como la que publicó previamente. ‘Sin kerer’ se coloca en el lado opuesto de ‘cómo te va?’, pues no puede transmitir una energía más diferente. En un estilo de R&B y hip-hop clásic, ‘Sin kerer’ plantea un escenario de desolación frente al recuerdo de un episodio de violencia doméstica, un episodio que ha dejado a Aleesha «con el cora frío», pero también fortalecida. No hay, de momento, noticias de nuevo disco. Esperaremos.
Parte de la redacción evalúa ‘LAS BABYS’, el nuevo single de Aitana, que se basa en la melodía de ‘Saturday Night‘ de Whigfield, y ya se ha posicionado en el top 5 de Spotify España.
«Me dice el otro día una amiga, medio escandalizada: “¡Aitana ha hecho una versión del ‘Saturday Night’ de Whigfield ! ¡Ahora la gente joven no conocerá la original!”. Yo le recordé que nuestra generación se tragó que el ‘Désenchantée’ era una canción de Kate Ryan, hasta que descubrimos que la original era de Mylène Farmer. Empatados. ‘LAS BABYS’ es una versión bastante fiel (“Dee dee na na na” inicial incluida), desenfadada y vitalista, que potencia el elemento épico, añade subidón y rebaja la melancolía de la original. De paso la convierte en una oda a la sororidad y al carpe diem. Lo que faltará por ver es quién va a ganar la batalla de bodas, saraos y fiestas mayores este verano. Porque el mayor handicap de ‘LAS BABYS’ es que no tiene coreografía… O la mayor ventaja: las que nunca logramos aclararnos con estas cosas de mover ahora la mano así, ahora la pierna asá, le agradecemos a Aitana que nos la permita bailar, al fin, a nuestra bola». Mireia Pería
«Aitana es la última en subirse al carro de la moda de arrasar con éxitos antiguos de eurodance para conseguir uno propio con LAS BABYS, cuyo gancho se lo debe enteramente a Saturday Night de Whigfield. Ni aquella es una canción particularmente buena -digamos que es simplemente graciosa- ni por supuesto lo es esta. La música de Aitana no se caracteriza precisamente por su originalidad pero esto ya es una fórmula tan desganada, tan predecible que no causa indiferencia sino puro rechazo. De la misma manera que la espantosa ‘I’m Good (Blue)’ de David Guetta y Bebe Rexha, se las apaña para que los menos de 3 minutos que dura sean absolutamente irritantes. Qué bajón ver cómo Aitana ha pasado de sacar una canción tan sólida como ‘Los Ángeles‘ a LAS BABYS, una horterada en la que no funciona nada, ni siquiera cuando quiere ser graciosa con ese «Fuck you, baby (iba a decir sorry perdón)» a lo Rigoberta Bandini. No quiero volver a escucharla en mi vida, pero todo parece indicar que me espera un verano largo, largo…» Fernando García
X, Pidjango. Y tranquilo, no tengo pensado ir a Punta Cana en breve, patriota».
El próximo single de Rosalía 'TUYA' esconde una dedicación MUY especial. Nos cuenta la historia de una noche de pasión entre ella y alguien que fue muy importante en su vida: Hunter Schafer
