Al menos en lo artístico, Zara Larsson ha dado este año con una de sus mejores canciones. Tras el resbalón que supuso ‘Venus‘, ‘Midnight Sun‘ es ese tema que sirve para asentar su marca, al margen de los números que le aporte.
Si alguna vez te pareció que su voz sonaba demasiado a la de Rihanna, o que sus producciones eran genéricas, esta es la grabación emblema que hará que nunca confundas a Larsson con otra cantante. La artista contempla la noche de verano que en el norte nunca acaba, con toda la intención de dar con un himno bailable, y a la vez cierto aire de espiritualidad. Nos metemos de lleno en su Suecia natal.
‘Blue Moon’ es su continuación lógica en la secuencia del álbum también llamado ‘Midnight Sun’, pues estamos ante otra forma de contemplación del cielo, a través de la luna y de las estrellas. Igualmente hacen buenas migas estas canciones con otro de los singles, el noventero ‘Crush‘, una historia de amor frustrado con similar potencial comercial; con la explosiva ‘Hot & Sexy’, e incluso con ‘Eurosummer’, con todo lo diferente que esta pueda parecer. Dominada por un acordeón, es mucho más mediterránea, eurovisiva y kitsch, en el buen sentido de la palabra. Pero su intención hedonista es idéntica: «seré tu chica durante dos meses, le dirás a tus amigos que soy demasiado divertida / Desnuda, nunca sobria, esto es un euroverano». O sea, lo que la mayoría espera de un álbum de Zara Larsson.
Sin embargo, ella ha querido ofrecer más, con resultados desiguales. El primer single del álbum fue en verdad ‘Pretty Ugly‘. El susto que pega en la secuencia es tal que Zara Larsson ha tenido que meterle una intro al final del tema anterior, ‘Blue Moon’. Escuchamos una conversación en la que ella y su co-productor MNEK, con quien ha vuelto a trabajar en este álbum tras casi una década, charlan sobre volverse «locos», «locos de verdad». ‘Pretty Ugly’ tiene todo su derecho a defender lo feo, a reivindicar que las mujeres no tengan que ser siempre unas princesas, y a sonar como un grupo de k-pop imitando a Gwen Stefani o incluso a Die Antwoord. Pero no hay correspondencia ninguna con el resto del álbum ni tiene demasiado sentido aquí. Pegaría más en un álbum de Kesha.
Y finalmente el álbum adopta un tono confesional un tanto inesperado y deprimente. Zara Larsson nos cuenta que no ha conseguido ser la estrella que quería en las letras de ‘The Ambition’ y ‘Saturn’s Return’. La primera habla amargamente sobre pelear por la validación, sobre lo que siente al verse en carteles, sobre su aspiración de que su nombre llegue a Hollywood Boulevard y sobre el dolor de que «los números importen más que las palabras». Peor aún, la segunda dice lo siguiente: «cuando tenía 17, no tenía paciencia / dije que para los 20 estaría llenando estadios, no ocurrió, así que cambié la fecha objetivo / puede que me lleve otros 20 años y está bien / ¿no es muy loco el concepto del tiempo? / éramos unos críos y ahora mis amigos están teniendo hijos». Si Zara Larsson quiere llenar estadios, estas dos canciones no parecen el camino.
Tras esta bajona, la artista remonta con una ‘Puss Puss’ de ambiente ligeramente tropical, austero, que al final se acelera. «Puss Puss» significa «Beso Beso» en sueco, lo ha colocado en la matrícula de un coche que aparece en el vídeo de ‘Pretty Ugly’, también en el estribillo de ‘Hot & Sexy’ y ahí es de nuevo, donde sí percibimos el sello de Zara Larsson.
El rapero Morad, uno de los más populares de nuestro país tras haber sido top 2 en España con su segundo disco, ‘Reinsertado’, ha portado la bandera Palestina durante un concierto.
Ha sucedido este sábado 27 de septiembre en Toledo. El artista, que es de L’Hospitalet de Llobregat y origen marroquí, considera a esta población «hermana», por lo que ha realizado un «speech» de apoyo.
En él ha cargado contra Ayuso, presidenta de la Comunidad de Madrid por el Partido Popular, y una de pocas las líderes políticas españolas que se ha mostrado próxima a Netanyahu. Recientemente, durante la Vuelta Ciclista, el día que las protestas consiguieron cancelar la última etapa, ella acudió a fotografiarse con el equipo de Israel.
Morad ha dicho durante su concierto: «No os dejéis engañar, yo nunca he creído en la política, no creo en uno ni en el otro, ni en izquierdas, ni en derechas, ni arriba ni abajo. Yo nunca pienso en eso, pienso en mi madre, en ayudarla y lo que me toque en la vida será. Pero también hay que entender una cosa, hay gente que habla muy mal y tienen derecho a estar ahí en la tele hablando (…) De corazón, no quiero decirlo, pero lo voy a decir, no me importa…»
Y continuaba: «Te lo voy a decir con respeto: ojalá en la vida nunca te pase una desgracia, Ayuso, por hablar así de mis hermanos palestinos. Tiempo al tiempo, la vida te pondrá en su lugar. Espero que nunca te pase la vida. Se lo digo a ella, que quien la sigue, la consigue, tarde o temprano».
Íbamos tarde para conocer quién protagonizaría el intermedio de la Super Bowl. Cardi B se descartaba a sí misma, en los últimos días Taylor Swift quedaba fuera de la carrera. Finalmente se ha informado en la noche de este domingo de que el protagonista en 2026 será Bad Bunny. El show se celebrará el domingo 8 de febrero de 2026 en el Levi’s Stadium de Santa Clara, California, y será transmitido por NBC.
El artista ha declarado: «La emoción que siento, más que por mí, es por aquellos que corrieron innumerables yardas para que yo pudiera hacer touchdown… por mi gente, mi cultura y nuestra historia. Ve y dile a tu abuela, que seremos el HALFTIME SHOW DEL SUPER BOWL».
La nota de prensa distribuida por Apple Music, patrocinador del evento, incluye también declaraciones de apoyo de Jay-Z, pues Roc Nation colabora en el show: “Lo que Benito ha hecho y sigue haciendo por Puerto Rico es verdaderamente inspirador. Es un honor tenerlo en el escenario más grande del mundo».
Por su parte, Jon Barker, SVP of Global Event Production de la NFL, ha añadido: “Bad Bunny representa la energía global y la vitalidad cultural que definen la escena musical de hoy. Como uno de los artistas más influyentes y escuchados en streaming en el mundo, su capacidad única para conectar géneros, idiomas y audiencias lo convierte en
una elección emocionante y natural para tomar el escenario del show de medio tiempo del Super Bowl (…) Sabemos que sus actuaciones dinámicas, su visión creativa y su profunda conexión con los fans ofrecerán la experiencia inolvidable que ya esperamos de este icónico momento cultural».
El nombre de Bad Bunny no estaba en las quinielas que habían distribuido medios como Billboard. Sin embargo, resulta lógica la apuesta: el artista vuelve hoy mismo al top 10 del Billboard 200 con ‘Debí tirar más fotos‘, tras haber sido número 1 en su momento. Y eso es justo antes de que se conozca la noticia. Además, ‘Un verano sin ti’ ronda el top 40 aún en su 177ª semana, 3 años después.
Eso sí, parece muy difícil que Bad Bunny prepare algo muy distinto y específico para la Super Bowl observando su calendario. Según su web, noviembre y diciembre estará de gira por República Dominicana, Costa Rica y México. En enero estará en Colombia y Perú. El 31 de enero estará en Lima y el 5, 6 y 7 de febrero en Santiago de Chile. Y el día siguiente a estar en Chile hará la Super Bowl. ¿Qué esperar, pues, de su intermedio? Ni más ni menos que algo muy parecido a lo que su tour esté ofreciendo entonces.
Por otro lado, recientemente Bad Bunny indicó que no realizaría gira por Estados Unidos debido a la política migratoria de Trump. Esta será su gran actuación. Nos preguntamos, por tanto, cuántos guiños políticos a la población latina habrá en su show, después de que el set de Kendrick Lamar de este 2025 tuviera varios guiños muy sutiles a la población afroamericana. Ya lo avanza en su declaración: si hace el show es «por su gente, su cultura y su historia»…
Cada nueva edición de Drag Race España suele decirse que “ha subido el nivel”. En este caso vuelve a ser cierto: cuando en un mismo episodio conviven el travestismo folclórico de Satín Greco y el mimo arty de Denébola Murnau, y ambos brillan, sabes que el casting ha sido un acierto. Por no hablar del ballet con ‘Toxic’ de Britney Spears de Dafne Mugler o ese “Bujía rap” de Ferrxn que pide ya un lanzamiento oficial en plataformas de streaming. Supremme Deluxe augura hit.
El nivel de la quinta temporada de Drag Race España ha sido generalmente alto en looks y pasarelas, tanto que fallos grandes (el vestido de Nori) y pequeños (el plato de Margarita Kalifata) se han magnificado. Pero, como ha indicado el jurado con acierto, en este caso Javier Ambrossi, desde luego no la invitada, Amaia, tan enredada como siempre, a quien ha podido patinar con el humor la ha salvado el riesgo, como ha ocurrido con Nix. A veces la intención, el concepto o la idea valen más que la ejecución. O, como mínimo, valen lo mismo.
Aunque tan agudos como siempre tirando geniales puyas a Pitita, Carmen Farala o los «pesados de Los Javis», no todos las concursantes han destacado de la misma forma sobre el escenario. El humor escatológico de Alexandra del Raval no es para todo el mundo, pero al menos es memorable. Laca Udilla no ha terminado de imponer su régimen, aunque su propuesta es distinta. No se puede decir lo mismo de Krystal Forever, cuyo parecido a RuPaul no ha pasado desapercibido en el plató: ninguna de sus presentaciones ha resultado especialmente recordable. Eva Harrington tiene vozarrón, pero ¿cuántas veces vamos a ver a Jessica Rabbit imitada?
La mejor novedad de Drag Race España 5 es su apuesta por el positivismo. Ninguna concursante ha sido expulsada en el primer capítulo. Y como señaló Supremme Deluxe: “Habrá una nueva dinámica en la que el corazón será protagonista”. El programa potenciará así la empatía y la sintonía entre sus participantes, en lugar de los malos rollos: tener «corazón» -literalmente- será premiado. Ana Locking ya ha llorado dos veces en el primer episodio. En un momento de tanta crispación y tragedias, se agradece ver cosas bonitas en la tele.
El jurado -con Los Javis, Locking y Supremme- está en mejor forma que nunca. En primer lugar, su criterio ha evolucionado. Claro, ya van cinco ediciones, pero recuerdo pocos episodios en los que estuviera absolutamente de acuerdo con cada una de sus intervenciones. Por supuesto, su papel se complicará en los capítulos venideros. Pero lo mejor es la manera en que han sabido construir un universo interno propio que implica directamente al espectador. En resumen, Drag Race España da más y mejor, una temporada más.
Cuando en 1999 se publicó ‘Todo lo que muere’ (Tusquets, 2008), los cimientos de la novela negra crujieron como los huesos de la nariz tras un puñetazo. ¿De qué cabeza había surgido esta historia criminal que mezclaba los códigos del hard-boiled clásico con elementos sobrenaturales, atmósfera gótica y asesinos terroríficos, protagonizada por un detective violento y atormentado con nombre de mito del jazz, Charlie Parker, acompañado por una pareja sentimental formada por un asesino a sueldo afroamericano y un ladrón profesional de origen latino?
El responsable de esta herejía, que luego se convertiría en tendencia –no se entiende ‘True Detective’ sin las novelas de Charlie Parker-, fue John Connolly, un humilde periodista irlandés con alma de novelista de Maine (Stephen King es uno de sus referentes), que desde su Dublín natal puso patas arriba el thriller norteamericano. Medio siglo y una veintena de novelas después, llega una nueva entrega de la serie.
‘Los mensajeros de la oscuridad’ (Tusquets) tiene todo lo que un fan de las novelas de Charlie Parker puede esperar: una absorbente trama criminal, que se va oscureciendo a medida que van apareciendo elementos siniestros y ominosos; una prosa enormemente fluida (más de 500 páginas que vuelan), con un ritmo que alterna la acción del thriller con pasajes reflexivos más pausados; unos diálogos llenos de ingenio y punzante ironía; una multiplicidad de voces hábilmente entretejidas con la voz central en primera persona del protagonista; y una atmósfera sombría y melancólica que impregna toda la novela como la niebla en los densos bosques de Maine.
Pero la novela también ofrece todo lo que un neófito puede querer cuando se adentra por primera vez en un universo desconocido como el de Charlie Parker: no perderse. Y es que no hace falta haber leído todas las entregas anteriores para disfrutar de ‘Los mensajeros de la oscuridad’. Connolly se ocupa de explicar, con naturalidad y sin recurrir a recordatorios reiterativos, quién es cada personaje y qué carga vital lleva a cuestas.
Veintiuna novelas después, Parker continúa persiguiendo fantasmas -los suyos y los ajenos- y arrastrando al lector por parajes tan oscuros y perturbadores como hipnóticos y evocadores. ¿No ha llegado ya el momento de que Hollywood o alguna plataforma se fijen en el universo literario de Charlie Parker? ¿Para cuándo una adaptación televisiva con, no sé, Colin Farrell en el papel del detective?
Tate McRae, que sigue de gira por Estados Unidos con su Miss Possessive Tour, gira que pasó por España el pasado mes de mayo, ha lanzado nuevo single, ‘Tit for Tat’, presumiblemente el primer adelanto de una reedición de ‘So Close to What‘ (2025) aún por anunciar.
‘Tit for Tat’, que ha entrado directo al puesto 5 del global de Spotify, es una respuesta a una canción previa de The Kid LAROI, ‘A Cold Play’. Como quizá recordaréis, Tate McRae y The Kid LAROI salían y ‘So Close to What’ incluía un dueto de ambos llamado nada menos que ‘I Know Love’. Recientemente, Tate y LAROI lo han dejado y han empezado a tirarse mensajes en canciones. LAROI abría la veda y, en ‘A Cold Play’, osaba declarar: «¿Quién era yo para pensar que podía arreglarte?»
Tate McRae usa ‘Tit for Tat’ para poner los puntos sobre las íes: «Vamos canción por canción, tú un mensaje y yo el siguiente, lo uno por lo otro, chico, tú lo has pedido». A continuación, vacila: «¿Eso es lo mejor que tienes? ¿La buena dónde está?» En una variación del pre-estribillo, Tate replica: «Tú eres el que tiene que arreglarse, bésame el culo».
Musicalmente, ‘Tit for Tat’ ofrece un medio tiempo de influencias pop y cloud rap, en la línea atmosférica de cortes como ‘Run for the Hills’, pero mucho más ambiental, digital y envolvente, incluyendo efectos cristalinos.
El buen debut de ‘Tit for Tat’ en listas apunta a que puede convertirse en un nuevo éxito de Tate McRae. La línea «Let’s go song for song, let’s go back to back» es pegadiza, aunque esta vez el uso de reverb y ambientaciones resulta excesivo. Mientras, ‘Just Keep Watching’, el single de McRae para ‘F1 The Movie’, sigue fuerte en listas y suma ya más de 300 millones de streams.
Lola Young ha sufrido un desmayo este sábado durante su concierto en el festival All Things Go de Nueva York. Young se encontraba cantando su canción ‘Conceited’ cuando perdió el conocimiento y cayó de espaldas al suelo. Según relata Billboard, Young estuvo inconsciente durante unos 30 o 45 segundos antes de despertar y ser trasladada al backstage por su equipo.
Poco después, Young publicó un stories en Instagram para informar de que se encontraba «bien» y agradecer al público su apoyo.
Young había cancelado un concierto la noche anterior en el evento We Can Survive, en Nueva Jersey, de manera «abrupta», por razones de salud mental. Su mánager, Nick Shymansky, citaba un «asunto delicado», e indicaba: «Lola es muy sincera sobre su salud mental y, en ocasiones muy puntuales, mi equipo y yo tenemos que tomar medidas para protegerla. Ella es una persona increíble y siempre se toma muy en serio a sus fans, su carrera y sus conciertos. Solo puedo enviar unas enormes disculpas por los inconvenientes ocasionados”.
Young había aludido a la cancelación de su concierto anterior durante su presentación en All Things Go, poco antes de desfallecer. Declaraba: “Hoy me he despertado y he tomado la decisión de venir aquí. Quería estar, quería actuar, y no quería quedarme atrapada en mi tristeza. A veces la vida puede lanzarte limones y solo tienes que hacer maldita limonada… Realmente aprecio a todos los que estáis aquí esta noche».
En 2022, Lola Young reveló que le habían diagnosticado un trastorno esquizoafectivo tres años atrás y que estaba siguiendo un tratamiento con medicación. Young describía episodios de «intensas manías y depresiones inmensas».
Young acaba de publicar su tercer disco, el recomendable ‘I’m Only F*cking Myself‘, que ha entrado en el puesto 3 de álbumes de Reino Unido. Además, la autora de ‘Messy’ es una de las artistas confirmadas en el cartel de Primavera Sound 2026.
Casi cuatro años después de lanzar ‘Paraíso‘ (2022), una de sus mejores canciones, aunque prácticamente nadie se enterara, Ana Torroja vuelve con ‘Se ha acabado el show’, el primer single de un nuevo disco que publicará en 2026.
Si ‘Paraíso’ destacaba por su estilo italo disco, ‘Se ha acabado el show’ apuesta por un sonido de pop-rock con teclados abiertamente ochentero. En los primeros acordes recuerda a ‘Good Luck, Babe’ de Chappell Roan, pero después las guitarras se imponen.
‘Se ha acabado el show’ vuelve a juntar a Torroja con jóvenes talentos, en este caso, GOMZ (‘Tu canción’ de Amaia y Alfred) y Liam Garner (‘Ping Pong’ de Chanel y Petazeta). El sonido no es moderno y la melodía no es tan buena como la de ‘Sonrisa‘, pero la canción es eficiente, y de aquel single de 2010 recupera su espíritu positivo y luminoso.
Podría no haber sido así. ‘Se ha acabado el show’ es al fin y al cabo un título negativo, y la canción nace de una inquietud de Torroja: creía que ya no tenía más que decir en la música. «Pensaba que ya no tenía nada más que decir, que ya era momento de despedirme. Pero escribir esta canción me ayudó a abrir un nuevo capítulo», ha declarado en El País.
‘Se ha acabado el show’ es un diálogo directo de Torroja con la música misma, o con la inspiración. «No me dejes no, no me dejes sin canción / Hagamos un intento más / Puede que aún tengamos algo que contar», suplica Torroja. «Si no hay palabras al final / En silencio nos marchamos y ya / Yo no imagino una balada más sin ti». Más bien, esto es un ‘Bienvenidos al show‘.
Hay discos que nunca pondría a una visita porque son para escuchar en soledad y hay otros que se prestan 100% a ello. Entre los últimos, los de Parcels. La banda australiana es especialmente querida en la Europa continental, quizá por su vinculación inicial con Daft Punk. Con ellos compartían su admiración hacia las guitarras de Nile Rodgers de Chic, y el gusto por las melodías bailables pero tranquilas, sin salidas de tono.
Su tercer álbum se llama ‘Loved’ porque tiene el cometido de «proporcionar alegría a la gente». La palabra «amor» aparece en el 25% de sus títulos. Tras algo tan estival como ‘Summerinlove’ encontramos otro tema llamado ‘Leaveyourlove’, en el que la frase «no quiero dejar tu amor» aparece repetida más de 20 veces.
Las melodías de Parcels son pura calma; suaves y agradables como los prados que la formación recorre en la portada. ‘Thinkaboutit’ es puro buen rollo, por poner un ejemplo. El disco ha sido escrito de manera individual por diferentes miembros, solo que después poniendo entre todos elementos en común, y se nota en el modo en que mantiene en todo momento una línea artística muy clara.
Patrick Hetherington se ha encargado de ‘Sorry’, un gran número construido a través de una caja de ritmos lo-fi, un teclado hipnotizante y esas guitarras tan disco, robadas de 1977. La letra es una lista de cuestiones que lamentamos («que el amor duela», «el caos que te produjo tu madre»), como ‘Yougotmefeeling’ de Noah Hill, lo es de «cosas que me haces sentir».
Esta última es una de las pocas canciones realmente bailables, pues ‘Tobeloved’ prefiere ir desarrollando una estructura in crescendo a través de un piano muy 70’s; y ‘Everybodyelse’, recrearse en la monotonía. Es todo un retrato de lo predecible que es la vida: «A veces estoy bien, y a veces me coloco. Como todo el mundo (…) Me enamoré y la jodí. Como todo el mundo». Y así todo el rato.
Una sensación, la de monotonía, que empapa todo el álbum. Al final te preguntas si la idea de la música de fondo implicaba algo necesariamente bueno. La única canción algo diferente es ‘Iwanttobeyourlightagain’, una composición de Patrick mucho más narrativa, hablando de la muerte del padre de alguien, de un montón de litros de vino blanco y de los tiempos en los que Parcels fueron «cool».
Florence + the Machine sigue presentando ‘Everybody Screams‘, el disco que publica en Halloween. El segundo single, ‘One of the Greats’, es una interesante reflexión sobre el lugar de Florence + the Machine en la industria musical y sobre su sacrificada presencia en ella. En sus palabras: «En este sueño hecho carne, soy una mujer que saca rendimiento a su locura».
‘One of the Greats’ también está atravesada por la tragedia: en 2023, Florence estuvo al borde de la muerte debido a un embarazo ectópico. Las alusiones a la muerte y a la resurrección en la canción son constantes. El estribillo repite como un mantra: «Los brazos bien estirados, de vuelta del mundo de los muertos». Sigue la línea temática de terror.
Pero el núcleo de ‘One of the Greats’ lo proporciona su satírica reflexión sobre la construcción del canon musical. Florence se pregunta a qué artistas se les permite ser «uno de los grandes» y lo hace a través de la figura de una mujer que planta cara al hombre en la cima. Ambos son artistas, pero probablemente también amantes, como sugiere esa frase en que Florence habla de ciertos hombres que temen a las mujeres poderosas.
En una cascada de frases que revelan que ‘One of the Greats’ fue originalmente un poema, Florence no se corta en uno de los mejores versos que ha firmado: «Estaré ahí arriba con el tío, y las otras diez mujeres, y los 100 mejores discos de la historia, debe estar bien ser un hombre y hacer música aburrida simplemente porque puedes; no me malinterpretes, soy fan tuya, eres mi segundo frontman favorito». Y concluye: «Y tú podrías tenerme si no me tuvieras miedo, es divertido cómo los hombres no consideran el poder sexy».
‘One of the Greats’, grabada en una sola toma, es un tema de rock pantanoso y distorsionado en el que participa Mark Bowen, guitarrista de IDLES. A diferencia de ‘Everybody Screams’, es elegante y contenido, aunque la tensión de sus guitarras deja entrever la «frustración» acumulada por Florence a lo largo de “los últimos 15 años”. “Al inicio de mi carrera fui ridiculizada de forma constante por mi expresión grandilocuente”, explica en una nota de prensa. “Me empujaron al centro de la atención solo para después decirme que no lo merecía”.
Doja Cat publica hoy nuevo disco, ‘Vie’, el mismo que presentará el año que viene en Primavera Sound, donde es una de las cabezas de cartel. ‘Vie’ es a todas luces el disco más ochentero de Doja Cat: el primer single, ‘Jealous Type‘, con su sonido a lo new jack swing, no engañaba.
A Doja le ha influenciado el pop negro de la época; nombres como Janet Jackson, Prince o la dupla de Alexander O’Neal y Cherelle (quien ya fuera reivindicada por Mariah Carey en ‘Glitter’) vienen a la mente escuchando el álbum. De hecho, diría que la melodía de ‘Strangers’ es la misma que la de ‘LUV‘ de Janet… solo que la producción lleva a ‘Control’ (1986).
Ritmos como los de ‘Cards’ o ‘Gorgeous’ -nuevo single- tienen la impronta de Jimmy Jam & Terry Lewis; y ya sabemos que al productor principal, Jack Antonoff, le encanta reproducir sonidos del pasado. Esta vez, logra una frescura innegable en temas como el delirante ‘AAAHH MEN!’, que parece de Prince… y de Jessie Ware. ‘Keep Me Dancing’ con SZA -único featuring- no es un mero intento de replicar el éxito de ‘Kiss Me Once’, sino que incorpora unos sintetizadores que encantarían a Bruno Mars.
‘Gorgeous’ es uno de los puntos destacados de ‘Vie’ gracias a una producción que une sensibilidades nostálgicas y actuales. El estilo sintético del R&B-pop de los 80 (pienso en Michael Jackson, Lionel Richie) dialoga con los códigos del rap y el trap, en esta co-producción de Jack Antonoff, George Daniel (The 1975) y Sounwave, entre otros, que explora la idea de belleza como crimen, pero que sobre todo transmite una gran positivismo.
A lo largo de 15 pistas, Doja no sostiene el hilo sónico de ‘Vie’ de principio a fin. Temas como ‘Act of Service’ o ‘Make It Up’ proponen un tipo de R&B más ordinario -y actual- que no habría desentonado en ‘Planet Her‘ (2021). Otros cortes como ‘Lipstain’ o ‘One More Time’ engrosan un repertorio que no iguala exactamente el nivel de ‘Jealous Type’ y de otros singles potenciales.
Y para los que pensaban que iban a echar de menos el rap de ‘Scarlet‘ (2023), en ‘Vie’ hay unas cuantas barras memorables: Doja no ha olvidado que es rapera, lo cual probablemente tampoco era una posibilidad en un disco lleno de black pop lujoso, con mucho eco al ‘I Feel for You’ (1984) de Chaka Khan.
The Hives siguen siendo la banda que recordabas. El séptimo disco del quinteto sueco, ‘The Hives Forever Forever The Hives’, sigue manteniendo la potencia que ha caracterizado todos sus trabajos anteriores. Ellos están más decididos que nunca a mantener su título como una de las mejores bandas en directo del rock.
Después de ‘The Death of Randy Fitzsimmons’, The Hives no han perdido nada de tiempo, siendo la vez en la que más rápido han vuelto al estudio para crear un disco. Ya les sale de forma natural. Durante la entrevista con el batería Christian Grahn, este me asegura en varias ocasiones que están en plena forma. Solo hay que escuchar la canción titular o cualquiera de los singles disponibles para darse cuenta de que no lo dice por decir.
The Hives pasarán por España el próximo noviembre: el día 1 en el Sant Jordi Club de Barcleona y el día 2 en el Movistar Arena de Madrid.
Este es un disco explosivo. Habéis dicho que todas las canciones son singles. ¿Cuál fue vuestra primera idea al ir al estudio después de vuestro último disco?
Siempre hemos intentado hacer cada canción lo mejor que podemos en todos los discos, pero este se siente como si estuviese lleno de «bangers». Hemos tenido problemas eligiendo los singles porque podía ser cualquiera de ellas. Así que, de alguna manera, es intencionado. Siempre quieres hacer las mejores canciones posibles. Diría que sí y no a la vez. Hemos intentado hacer un gran disco, que al final ha acabado teniendo grandes canciones, por lo que cualquiera podría ser un single.
¿Y qué os ha hecho decantaros por estos singles?
Al principio, hace 20 años, nunca pensamos que ‘I Hate To Say I Told You So’ fuese un single. Así que siempre hemos preguntado a otras personas sobre las canciones que creen que deberían ser singles, porque resulta que somos bastante malos escogiéndolos. Y por eso, volviendo a tu pregunta anterior, para nosotros todas podrían ser singles, pero puede que haya gente que opine lo contrario. Todas las canciones son como hijos para nosotros, así que es muy difícil.
¿Qué crees que es importante para crear un buen single?
No lo sé, supongo que cuando empezamos, las canciones eran mucho más rápidas, así que… Muchos de nuestros grandes éxitos han sido a «mid-tempo». Parece ser el ritmo perfecto para que la gente nos aprecie más. Hacemos canciones más rápidas, hacemos canciones más lentas, pero a la gente le encantan las de «mid-tempo». Así que supongo que, en nuestro caso, para crear un gran éxito para estadios, diría que un buen comienzo es que la canción esté entre 130 y 145 BPMs.
«Nunca pensamos que ‘I Hate I Told You So’ fuese un single»
Después de 30 años en activo, ¿por qué habéis esperado tanto para hacer un disco con vuestro nombre en el título?
Antes del último disco hicimos una especie de descanso y el plan ya era hacer estos dos discos. Queríamos hacer ‘The Death of Randy Fitzsimmons’ un poco más crudo, y eso es ‘The Hives Forever Forever The Hives’. Es un poco más, no sé, quizá no tan punk, pero al final resultó así. Parece que no podemos decidir de antemano qué hacer. Puedes ponernos cualquier tipo de canción y meternos a los cinco en una habitación, y va a sonar de cierta manera y la energía va a tener una cierta intensidad. Así que, no sé, simplemente ha salido así. Estamos en muy buena forma, en cuanto a tocar se refiere. Pasa mucho tiempo antes de que entremos en el estudio, pero cuando lo hacemos, somos bastante rápidos. Es básicamente darle a grabar y ya, porque estamos muy rodados y tenemos una visión muy clara de lo que queremos hacer. Así que no sé por qué hemos esperado tanto tiempo. No sé. Somos mayores. Siempre pensamos que hacemos un tipo de disco muy novedoso. Lo pensamos cada vez, pero la gente no parece estar tan de acuerdo. Como he dicho, siempre seguirá sonando como una cumbre.
¿Cómo os las habéis arreglado para manteneros en buena forma? Muchas bandas se vuelven un tanto obsoletas o rancias, pero no es vuestro caso.
Simplemente nunca hemos querido ir por ese camino. Siempre hemos dicho que cuando no podamos hacerlo, cuando ya no podamos mejorar más, si sentimos que estamos haciendo un espectáculo mediocre o un álbum mediocre o lo que sea, simplemente lo dejaremos, porque eso no es divertido. No queremos convertirnos en ese tipo de banda, así que simplemente nos esforzamos al máximo. Siempre lo hemos hecho y seguiremos haciéndolo mientras exista esta banda.
¿Cómo sería un álbum mediocre para vosotros?
No sé, el que tenga canciones con las que no estamos contentos.
En la producción del disco han trabajado Mike D, de los Beastie Boys, y Josh Homme…
Hemos seguido trabajando con Pelle Gunnerfeldt, que ha producido muchos de nuestros discos, pero también hemos tenido ayuda de Mike D y Josh, aunque Josh no está en sí en el disco. Estaba al teléfono.
¿Al teléfono?
Sí, hablamos con él y le preguntamos qué opinaba y simplemente dijo que le parecía jodidamente genial, así que seguimos adelante. Mike D sí vino a Estocolmo y trabajamos con él en el estudio. Fue divertido. Es como un sueño hecho realidad, ¿no? Los Beastie Boys han hecho algunas de las cosas más geniales que se han grabado jamás. Así que tenerlo allí con su energía e incluso haciendo algunos coros en la canción fue muy divertido.
Habéis dicho que estabais bastante nerviosos al trabajar con él.
Por supuesto, es una leyenda. Cualquiera se pone nervioso al conocer a una leyenda. Incluso las leyendas se ponen nerviosas al conocer a otras leyendas (risas).
¿Cuál es tu canción favorita del disco?
Cambia de vez en cuando. A veces, cambia cuando las tocamos muy alto. La que realmente disfruté grabando y trabajando para que sonara perfecta es una canción llamada ‘Legalize Living’. Si tuviera que decir una, sería esa.
Para mí, la última canción, ‘The Hives Forever Forever The Hives’, suena como una que os ha llenado mucho.
Queremos vivir para siempre. Y esta banda probablemente lo hará. Esa canción es como un himno, así que a la gente le va a encantar. Me pregunto qué pasará cuando la toquemos en directo.
Sois conocidos por la energía de vuestro directo. Te quería preguntar si ha sido así desde el principio.
Sí, siempre intentamos ser la mejor banda en el escenario. Es casi como un deporte. Si tocamos en festivales o lo que sea, si tocamos con otras bandas, simplemente tenemos que ser mejores. Lo que se queda en la mente de la gente cuando sale de un concierto nuestro es que fuimos los mejores. Esa es la idea. Solo queremos ser la mejor banda de la historia en el escenario.
Habéis tocado desde 2012 hasta 2023 sin descanso. Tenía entendido que tocar en directo pasa mucha factura. ¿Cómo lo habéis hecho?
De hecho, estuve hospitalizado durante un tiempo. Los demás siguieron tocando con diferentes baterías durante un año o dos. Justo cuando estaba a punto de recuperarme, llegó la pandemia, así que no pudimos tocar mucho durante ese tiempo. Bueno, hicimos el World Wide Web Tour y cosas así. Simplemente seguimos tocando. En cuanto paras, pierdes práctica al tocar. Estos últimos dos discos los hemos hecho muy rápido en el estudio porque estábamos en buena forma. Todos sabíamos qué hacer, cuándo hacerlo y cómo. Y sí, supongo que estamos en un buen momento. Siempre nos ha gustado dar conciertos, así que hemos tocado todo lo que hemos podido desde 1993. Y si es difícil, no lo sé. Es lo que hacemos. Simplemente no podemos dejarlo. No podemos tomarnos descansos de más de, no sé, dos meses. Ahora mismo estoy en casa, sentado debajo de este árbol, tomando una taza de café. Se está bien, pero ya tengo ganas de empezar la gira. Vamos a tocar en Finlandia en un par de semanas y después nos vamos a Japón y Australia, que llevamos mucho tiempo sin tocar allí.
¿Tocáis todo lo que os ofrecen?
Ahora podemos elegir un poco más (risas). Cuando empezamos, tocábamos en cualquier sitio. ¿Podéis venir a tocar a nuestra casa? Lo hacíamos. Dos personas en el público. Tocábamos en todos los sitios.
Como banda, ¿hay algún secreto para llevar tanto tiempo juntos y que os podáis llamar amigos cercanos?
Que no sabemos qué haríamos si no estuviésemos haciendo esto. Es lo que hemos hecho durante toda nuestra vida. Mis compañeros son más familia que amigos, llegados a este punto. Queremos hacer los mejores conciertos y discos posibles y, si estáis apuntando a lo mismo, sin importar lo lejos que esté, en algún momento vais a llegar allí.
«Si sentimos que estamos haciendo un espectáculo mediocre o un álbum mediocre, simplemente lo dejaremos»
Empezando en los años 90, habéis presenciado el panorama del rock cambiar mucho durante todo este tiempo. ¿Cómo habéis vivido las diferentes opiniones sobre el estado del género?
Va por ciclos. Un año alguien dice que el rock está acabado, al otro dicen que ha vuelto por todo lo alto.
Lo llevan diciendo durante 20 años.
Exacto, y es una gilipollez. La buena música es buena música, y resulta que nosotros hacemos música rock. Hay bandas y músicos muy buenos en otros géneros. Y mientras haya calidad y algo único que atraiga a la gente, algo que les guste escuchar, vas a seguir haciendo lo que haces para siempre, supongo. Lo curioso de estar en una banda de rock durante tanto tiempo es que tienes generaciones de gente viniendo a tus conciertos. Los hijos, las madres, los padres… Tenemos mucha diversidad en nuestros conciertos, lo cual es divertido. Significa que estás haciendo algo bien.
También es una señal de que no te estás quedando estancado ni nada por el estilo. Con gente joven en los conciertos…
Totalmente. Hicimos una gira enorme en el Reino Unido teloneando a los Arctic Monkeys y tienen un público muy joven. Conseguimos muchos nuevos fans en esa gira, que fue super divertida. Tocar con los Monkeys cada noche, que son una gran banda, y ver a todos estos jóvenes disfrutar sus canciones… Creo que para muchos era la primera vez que oían hablar de nosotros, lo cual es raro, porque llevamos muchísimo tiempo por aquí, pero es divertido ganarte los corazones de la gente.
Cuando empezasteis, el rock era la fuerza dominante, pero ya no es el caso. ¿Cuáles son las bandas que os mantienen viva la esperanza? ¿Son más difíciles de encontrar?
Tienes a Amyl and The Sniffers, Viagra Boys… Todavía hay bandas muy buenas y crudas. Soy muy malo al recordar nombres, pero no creo que sea más difícil. Quizás no estén tanto en la radio mainstream o en TikTok, pero siguen ahí.
Hablábamos antes sobre conocer a leyendas y realmente habéis conocido a unas cuantas. Habéis tocado con AC/DC y The Rolling Stones, lo cual no es algo que puedan decir muchas bandas. ¿Cómo os eligieron?
Creo que fue cosa de boca a boca. Cuando tocamos con los Stones, estaban algo nerviosos por ir después de nosotros porque habían oído que éramos una gran banda en directo. Las hijas de Keith Richards estaban en el escenario, viéndonos tocar. Si te gusta la música, vas a encontrar bandas chulas para ir de gira con ellas. Supongo que les gustamos a The Rolling Stones y a AC/DC. Tener el rumor de ser una de las mejores bandas en directo de la historia, como nosotros tenemos, hizo que ellos quisiesen que nos encargáramos del calentamiento.
Después de la entrevista, tengo muchas ganas de veros en directo.
Te sorprenderá. Vas a salir de allí con una gran sonrisa en la cara, preparado para contárselo a tus nietos algún día.
Tras su entrada al puesto 2, ‘The Dead Dance’ logra ser lo más votado de la semana en JNSP, al obtener el 35% de los votos en las Stories de Instagram, frente al 32% de JADE. Sólo 6 votos las han separado. Se trata del 12º número 1 de Lady Gaga en nuestra web tras la buena aceptación de ‘Poker Face’, ‘Bad Romance’, ’Applause’, ‘Perfect Illusion’, ‘The Cure’, ‘Shallow’, ’Stupid Love’, ‘Rain On Me’, ‘911’. ‘Disease’ y ‘Abracadabra’. Curiosamente, ‘Die With a Smile’, el mayor éxito de la carrera de Lady Gaga no ha llegado a la cima. La artista desempata de Amaia o Florence y es la 2ª artista con más números 1 en JENESAISPOP de la historia, solo por detrás de la inalcanzable Lana del Rey.
Ya podéis escuchar cómo ha quedado el top 40, junto a las 10 nuevas candidatas, en Apple Music.
Love of Lesbian ha comunicado que no participará en ningún festival vinculado al inversor pro-israelí KKR. «Desde Love of Lesbian queremos compartir con vosotros que hemos tomado la decisión de desvincularnos de los festivales en los que la empresa KKR tenga participación accionarial», dice el texto que ha sido difundido en el programa Mañaneros 360 de TVE. Como consecuencia de esta decisión, Love of Lesbian cancela su actuación en el festival Interestelar de Sevilla de 2026.
«Esta decisión es el resultado de una serie de debates internos que han requerido tiempo», explica la banda liderada por Santi Balmes. «No somos sun grupo que tome decisiones impulsivas; intentamos siempre construir una respuesta común, honesta y compartida. Y no mentimos: no siempre es fácil ya que somos plurales, imperfectos y con tantas dudas y miedos como cualquier otro».
Love of Lesbian, que ha pedido la libertad de Palestina, y condenado el genocidio nombrando a su perpetrador, Benjamin Netanhyahu, en festivales como el Cruïlla, añade: «Hemos necesitado tiempo y muchas conversaciones para tomar esta decisión que conlleva consecuencias que, a veces, no se ven a simple vista. En algunos conciertos pasados habíamos expresado nuestra postura sobre este genocidio del pueblo palestino, desde el altavoz que nos proporciona el escenario, intentando ser un pequeño caballo de Troya desde dentro. Pero ahora ha llegado el momento de dar el siguiente paso. Esta decisión, supone, inevitablemente, renunciar a algunos festivales con los que ya teníamos conversaciones avanzadas para 2026, pero creemos que la coherencia con lo que pensamos y sentimos ahora mismo debe prevalecer».
«Dicho sea de paso, queremos aclarar que siempre nos hemos sentido muy bien tratados por estos festivales», puntualiza la banda. «En realidad, esa fantástica relación forjada a través de los años, ha hecho que nuestra decisión haya sido aún más difícil porque conocemos a los equipos humanos que hay detrás de ellos y que nada tienen que ver con esta situación».
Love of Lesbian se suma, desde España, al boicot cultural contra Israel en protesta por el genocidio en Gaza y para presionar al gobierno israelí a detener la invasión. A escala internacional, Björk y Paramore, así como Hayley Williams en solitario, se han sumado a la campaña No Music for Genocide, que insta a los artistas a bloquear su música en todas las plataformas musicales israelíes y cuenta con el apoyo de unos 400 artistas. Recientemente, Massive Attack se ha unido a esta iniciativa y, paralelamente, ha anunciado que ha solicitado a Universal la retirada de toda su música de Spotify debido a los lazos militares de la empresa sueca.
El caso por terrorismo contra el rapero de KNEECAP, Liam Óg Ó hAnnaidh, ha sido desestimado debido a un error técnico en el procedimiento judicial. Según ha explicado el juez, Paul Goldspring, la acusación fue presentada desde el principio de manera incorrecta, por lo que ahora ha sido calificada como «ilegal» y «nula».
“Considero que estos procedimientos no se iniciaron en la forma correcta, ya que carecían del consentimiento necesario del DPP (Director de Procesamientos Públicos) y del AG (Fiscal General) dentro del plazo legal de seis meses», ha señalado el letrado.
Liam, cuyo nombre artístico es Mo Chara, había sido acusado de promover el terrorismo alzando una bandera de Hezbolá durante un concierto.
Mo Chara ha negado el cargo desde el inicio y lo ha calificado de político. A la salida de los tribunales, ha celebrado el fallo: Este proceso nunca fue sobre mí. Nunca fue sobre amenazas al público. Nunca fue sobre terrorismo. Siempre fue sobre Gaza, sobre lo que ocurre cuando te atreves a alzar la voz. Sus intentos de silenciarnos han fracasado porque nosotros tenemos razón y vosotros estáis equivocados».
Daniel Lambert, abogado de Liam, ha aplaudido también la decisión: “Hemos ganado. Liam Óg es un hombre libre. Dijimos que lucharíamos contra ellos y ganaríamos. Lo hicimos (dos veces). Kneecap no tiene cargos ni condenas en ningún país, jamás. La represión política ha fracasado. Kneecap está del lado correcto de la historia. Gran Bretaña no».
Michelle O’Neill, primera ministra de Irlanda del Norte, ha mostrado su apoyo a Mo Chara, afirmando que “estos cargos formaban parte de un intento calculado de silenciar a quienes se levantan y denuncian el genocidio israelí en Gaza». Según O’Neill, “Kneecap ha utilizado su plataforma en escenarios de todo el mundo para denunciar este genocidio, y es responsabilidad de todos nosotros seguir alzando la voz y oponernos a la injusticia en Palestina».
KNEECAP es uno de los fenómenos musicales del momento salidos de Irlanda, y acaba de ser confirmado en la programación de Primavera Sound 2026.
Hoy 26 de septiembre se publican los esperados discos de Mariah Carey -el primero en 7 años- y Doja Cat, así como el segundo trabajo de la estrella revelación Olivia Dean. También ven la luz nuevos álbumes de Barry B, Zara Larsson, Cate Le Bon, Tú peleas com una vaca, Purity Ring o SPRINTS. Y si hace días salía el disco de JADE, hoy es el turno de otra Little Mix, Perrie.
La semana antes del huracán Taylor Swift, lanzan nuevo single también Florence + the Machine, Tame Impala -que anuncia shows en España- o FKA twigs, que detalla su disco ‘EUSEXUA: Afterglow’. En portada estos días hemos estrenado el nuevo tema de Turista Sueca.
El pop internacional deja estrenos destacados de Tate McRae o Ice Spice sampleando a M.I.A. y presentan disco The Temper Trap, Juana Molina o Danny Brown. Entre los temas favoritos de la redacción, ‘booboo2’ de yaeji junto a Underscores y Aliyah’s Interlude.
De la cosecha nacional hay mucho que rascar, ya que Amaia y Judeline lanzan su primera colaboración, Luna Ki estrena baladón y hay temas interesantísimos de Júlia Colom o Teo Planell que destacamos en la playlist. Además, vuelve Nadadora tras 15 años y hay singles de Ana Torroja y Chanel. Por su parte, Juanjo Bona se alía con Confeti de Odio.
Mel Blue, MINIÑO, Night Tapes a saco con el parecido a Fleetwood Mac o la colaboración de Daniel Caesar y Bon Iver son algunas de las recomendaciones que dejamos hoy, y que puedes escuchar en la playlist «Ready for the Weekend», disponible en Apple Music y de momento también en Spotify.
Tame Impala ha compartido las fechas de la gira europea de ‘Deadbeat‘, su quinto disco. España es uno de los países afortunados: Kevin Parker presentará ‘Deadbeat’ el 7 de abril en el Movistar Arena de Madrid y el 8 de abril en el Palau Sant Jordi de Barcelona. JENESAISPOP es medio oficial.
Las entradas se pondrán a la venta en Fever a partir del 3 de octubre a las 10 horas para ambos conciertos. Además, se ha habilitado una preventa para fans a través de la web de Tame Impala.
‘Deadbeat’ se publica el 17 de octubre. Incluye el single tecno de 7 minutos ‘End of Summer‘, así como los más reconocibles ‘Loser’ y ‘Dracula’.
Si ‘Loser’ recuperaba la psicodelia guitarrera de los primeros álbumes de Tame Impala, ‘Dracula’ apunta a la sofisticación bailable de ‘The Less I Know the Better‘ o ‘Borderline‘. Como mínimo, la melodía es igual de instantánea y pegadiza.
Como pensada para Halloween, que se acerca, ‘Dracula’ habla de un amor disfrutado «en la oscuridad» de la noche y la producción disco-house incluye campanas y otros efectos halloweenescos. ¿Ha podido ser Kim Petras una influencia? Parker es Dracula, claro, porque «huye de la luz» para refugiarse en los brazos de la persona amada. En su papel de fugitivo, compara su carisma con el del «puto Pablo Escobar»… solo para incordiar a sus amigos: «Shut up, Kevin, just get in the car», le contestan.
‘Dracula’ está presumiblemente dedicada a Sophie Lawrence, esposa de Kevin Parker y madre de su hija, Peach, nacida en 2022 y que aparece en la portada de ‘Deadbeat’, sujetada por el australiano, en una tierna imagen diseñada en blanco y negro.
De vez en cuando, todo plumilla que lleve 20 años escribiendo sobre artistas, necesita un revulsivo que le renueve las ideas y le motive. Ese aliciente fue para los madrileños C. Tangana en torno a 2015, y el colectivo Rusia IDK lo está siendo durante esta década. La diferencia es que antes las cosas crecían más despacio. Antes la noticia era que Puchito tenía un viral y llenaba la Sala Caracol, con capacidad para 800 personas, 3 o 4 noches seguidas. Y ahora la noticia es que tienes un viral, alquilas el Movistar Arena, vas ampliando el espacio, y terminas vendiendo todas las entradas.
Ha sido el caso de rusowsky para lo bueno y para lo malo. Sus canciones llevan 5 años sonando: son los que tiene ya ‘Dolores’, una de sus grandes obras junto a Ralphie Choo. Pero no ha sido hasta este verano que ha pegado el petardazo definitivo con el viral de ‘malibU‘, que acaba de alcanzar el top 10 en España. ¿Ha tenido tiempo de preparar un show y oportunidad para así exhibirlo frente a 15.000 personas, cuando su debut largo ha salido hace tan sólo 4 meses?
Los primeros instantes, ruso titubea. Hay problemas técnicos: se proyecta un vídeo suyo vapeando sin el audio, el segundo tema no termina de sonar. «¿Problemas técnicos tan pronto? ¡Vaya coñazo!», exclama, haciendo alarde de su naturalidad. El público, que se lo estaba cantando todo desde el segundo 0, le apoya y aclama su nombre. Nadie pita. En ese momento, esta crónica se va a llamar «El cariño de toda esta gente salva el concierto de rusowsky». Por suerte, enseguida es capaz de salvarse a sí mismo.
Ruslán Mediavilla ha preparado a conciencia este concierto, de composición quizá inspirada en Kanye West. Hay proyecciones ocurrentes, 100% generación Z; una docena de músicos y coristas se sitúa en un alto al fondo del escenario, todos vestidos de blanco y con gafas de sol cual maniquíes; el mismo ejercicio de peluquería y vestuario de ruso es un meme en sí mismo. Una mezcla entre un pijama lleno de brilli-brilli y unas pantuflas que hubieran hecho las delicias de Carmina Barrios o Carmen Sevilla, y luego un traje de lentejuelas que ni Raffaella Carrá. De esta guisa, ese momento en que sube unos peldaños y los salta, cual estrella de música jevi, hasta en 4 ocasiones consecutivas, es delirante y entrañable a partes iguales. Ainhoa Laucirica
Los estímulos son tales que se van perdonando los problemas propios de alguien que obviamente nunca había llenado estos tamaños de estadio. El problema de audio regresa en una ocasión. La realización no debería hacer un zoom a una guitarra que no está sonando, sino a la que alguien sí está tocando. Cosas que se pueden corregir en el futuro, porque rusowsky ha venido para quedarse. Lo que no se puede trabajar, ni comprar, ni buscar, es la química entre artista y público, tan espontánea.
Cuando en el último tramo del setlist, ruso introduce ‘malibU’, dice que llega «el momento que todo el mundo está esperando». Su interpretación, con la letra proyectada sobre un fondo amarillo como el que ha identificado la era ‘DAISY’, es un delirio. Pero es que dudo que tanta gente la estuviera esperando, al menos en exclusiva. Ya habíamos visto muchos momentos mágicos antes, y a cuál más variado: el intimismo tipo bedroom pop de ‘4 DAISY’, el R&B futurista de ‘ALTAGAMA’, los beats entre el trap y el folclore de ‘pink + pink’. La gente no para de cantar cosas como «y si te digo, te quiero», «tengo su mirá clavada», de bailar cosas como ‘SOPHIA’.
También hay muchísimo amor para las canciones pre-‘Daisy’. Sobre todo para ‘mwah :3’, paradigma de la producción mutante, multigénero, sencillamente inclasificable del colectivo al que pertenece rusowsky, Rusia IDK. Un momento es una balada, al siguiente, un reggaeton. «Daría lo que fuera por decirte, que me dejes en paz, si me miras de esa forma, es imposible». Hablando de lo cual, fue muy significativo que sus colegas aparecieran como invitados. Tristán! fue el primero en una plataforma circular giratoria para ‘Cell’. mori solo se pasó a modo de wasap proyectado (también se exhibió un vídeo sobre el sello).
Ralphie Choo, cada vez más metido en su papel de sex symbol, descamisado, como llegando del after-party del día después porque así de futurista es todo lo que toca este sello, generó grandes vítores en ‘BBY ROMEO‘ y ‘GATA’, esta última sorteada de memes de ídems. Los abrazos que se daban ambos artistas eran bonitos de llorar. Se les veía eufóricos. Fue precioso ser testigo -JENESAISPOP como medio oficial del evento- de lo que han conseguido sin el apoyo de radiofórmulas y al principio tampoco de las plataformas de streaming. Solo gracias al boca a boca, y al buen gusto de un público muy joven, a menudo estigmatizado por los medios. En este show solo se respiraba buen rollo, nada de «nosequién, hijo de puta». Si acaso «La Zowi Puta».
Y es que hubo más invitados sorpresa para poder llegar a los 90 minutos de concierto. Yo no sé si traerse a Latin Mafia desde México, para cantar un par de frases de ‘neo roneo’, mereció la pena. Yo no haría 20 horas de avión y aeropuertos para esto. La Zowi sí exhibió todo su carisma y devoró su propia cámara en ‘sukkKK!!’. Pero quienes terminaron de levantar al estadio -en sentido figurado, porque todo Dios pasó todo el concierto en pie- fueron Las Ketchup. A su parte en ‘Johnny Glamour’ sumaron un vibrante y 100% orgánico ‘Aserejé’ mientras rusowsky saboreaba el escenario, consciente de estar viviendo un momento histórico. Insisto: el ‘Aserejé’ en el Palacio de los Deportes, en pleno 2025.
Este momentazo, que ocurrió después de las colaboraciones con Ralphie, ‘mwah :3’ y ‘malibU’, enfilaron un final de concierto de órdago. Ralphie volvería para ‘Dolores’ y tras un par de brevedades más, todo el mundo se uniría a un playback de ‘VALENTINO’ que más que un bis, fue una outro para la celebración colectiva. «Hace tiempo que esto rebasó todas mis expectativas», dijo el artista. «Ha sido uno de los días más felices de mi vida. Lo voy a llevar siempre en mi corazón». Y nosotros, ruso, y nosotros… 8.
Justo cuando Confeti de Odio ha anunciado su disolución, su líder, el cantante y autor madrileño Lucas de Laiglesia, aparece acreditado como compositor en ‘Así soy ahora’, el nuevo single de Juanjo Bona, ex concursante de Operación Triunfo 2023.
Bona ha publicado este año un disco absolutamente recomendable, ‘Recardelino‘ (2025), influenciado por la música folclórica de Aragón, su tierra. Magallón, su pueblo, es citado en las letras, y vuelve a aparecer en ‘Así soy ahora’, un tema sobre el anhelo del hogar. En su casa, Bona cocina migas, «charra» con sus abuelos y se olvida de los problemas.
La conexión de ‘Así soy ahora’ con Magallón es coherente con el repertorio de Juanjo Bona. Su amor a la tierra es un tema que ya había explorado en ‘Mis tías‘ o en la preciosa ‘Moncayo‘.
Después, es cierto que algunas rimas suenan excesivamente naíf, tanto por su literalidad («Aquí sentí mucho terror, también me dieron mucho amor») como por su uso de expresiones coloquiales («Lo que más deseo, es que no me hagáis otro feo»).
La frase «Lo que quiero es quedarme en Magallón» concluye cada estribillo sabiendo a jingle publicitario. A esta apreciación contribuye el estilo musical: ‘Así soy ahora’ es un pop-punk blandito que Confeti de Odio habría convertido en un himno de su famoso patetismo lírico. Quizá tendría algo más de garra en su voz.
Bona, que actualmente concursa en ‘Masterchef Celebrity‘, continúa su gira de teatros: su próxima actuación es el 10 de octubre en Salamanca.
Amaia y Judeline han sorprendido esta semana anunciando su primera colaboración. Su estrategia ha sido publicar dos imágenes de ambas jugando al ajedrez, cara a cara. Solo este jueves se ha revelado el título de la canción, ‘Com você’, y su lanzamiento durante la medianoche.
‘Com você’ («contigo» en portugués) es una bossa nova de ensueño, escrita a medida para las voces de Lara Fernández y Amaia. Ambas le cantan a una persona amada, de la que no se quieren separar: Judeline, en su estilo, habla de una «noche divina», referenciando un amor casi místico. Amaia, por su lado, entrega un juego de palabras muy propio de ella: «Quiero que quieras quedarte en mi vida / Puedo controlar tu mente si me miras». El estribillo une las dos voces en un mantra de «la la las».
‘Com você’ es una canción co-escrita por Carlos Ares, y producida en un estilo que devanea entre la bossa clásica y la rumba chill. La melodía referencia directamente la de ‘Amores como el nuestro’ (1992) de Jerry Rivera y su autor, Omar Alfanno, está debidamente acreditado. Se trata de la canción en la que se basó ‘Hips Don’t Lie’ (2006) de Shakira.
Vídeos como el de ‘Com você’ recuerdan al mundo que efectivamente es el siglo XXI. Dirigido por Daniel Dalfó (colaborador habitual de Amaia y ex pareja) y Carlos Marcenaro, muestra a las dos artistas interpretando la canción en espacios elegantes y futuristas, y destaca por su uso de efectos especiales en tres dimensiones, añadiendo un elemento de surrealismo al clip.
Tras ‘Marco’ (2024), los Moriarti, el prolífico trío creativo formado por Jose Mari Goenaga, Aitor Arregi y Jon Garaño, regresan con ‘Maspalomas’, una película dirigida por los dos primeros que se centra en Vicente (José Ramón Soroiz), un hombre gay de 76 años que acaba de separarse de su pareja desde hacía más de dos décadas y que vive plácidamente en la localidad canaria, llenando sus días de sexo, playa y despreocupaciones.
Todo cambia cuando sufre un accidente que le hace tener que regresar a San Sebastián y ser ingresado en una residencia de ancianos. Allí, sus libertades se limitan hasta el punto de verse obligado a volver al armario y a renunciar a todo por lo que un día luchó.
La cinta comienza con un prólogo atrevido e hipnótico, donde los cineastas filman de forma inquietante esos cuerpos que se desean en medio de las dunas o en la furtividad de un cuarto oscuro. Esa fuerza narrativa consigue dejarte pegado a la butaca desde el primer minuto hasta que aparece el título de la película en pantalla. A partir de ahí, la película deriva en otra cosa muy diferente, trasladándose al frío aséptico de un centro de mayores en el País Vasco.
Goenaga y Arregi exponen a través del personaje de Vicente las dificultades e inseguridades a las que aún se enfrentan las personas mayores LGBTQ+, la exclusión social con la que a menudo tienen que vivir para no ser juzgadas. Al hacerlo, los directores recurren a subtramas que abren muchos frentes narrativos, pero que, en su gran mayoría, no terminan de funcionar.
La discrepancia política entre el protagonista y Xanti (Kandido Uranga), su compañero de habitación, por ejemplo, está retratada de una manera brusca y poco creíble, mediante diálogos poco orgánicos y explicativos. También la relación que se va estableciendo entre ambos a lo largo del metraje deja unas cuantas incongruencias en su desarrollo. Una verdadera lástima, ya que Xanti es un gran personaje sobre el papel, una suerte de antagonista que refleja mucho de lo que Vicente quiere ser y que, por sus propios miedos, es incapaz.
Mejor construida está la subtrama con su hija (Nagore Aramburu), con quien no ha tenido apenas contacto en 25 años. Hay una conversación entre ambos que logra un momento de emoción genuina, no solo gracias a las fantásticas interpretaciones de ambos actores, sino a la mirada sensible de los cineastas, que muestra una verdadera pasión por lo que se está contando. Es por ello por lo que ‘Maspalomas’ resulta tan frustrante, porque pese al evidente cariño de los creadores hacia sus personajes y su plena implicación en su importante temática, está excesivamente recargada de detalles que en lugar de aportar matices, emborronan el foco (la trama del cuidador de la residencia, ambientarla a principios de 2020, los gags humorísticos etc.).
Hay una gran película dentro de ‘Maspalomas’ que nunca llegamos a ver. Son demasiados los cambios estilísticos en su puesta en escena y demasiadas las ideas a medio cocinar para lograr un todo satisfactorio, pero es imposible no ver que también hay mucho corazón detrás de cada uno de sus planos. Es la honestidad con la que los cineastas se acercan a lo queer en la tercera edad, la mirada desprejuiciada a la vida sexual de las personas mayores, lo que eleva un filme que nos deja deslumbrantes destellos de lo que podría haber sido.
La argentina Juana Molina ha anunciado que su nuevo disco se llama ‘Doga’ y sale en breve, el 5 de noviembre. El álbum viene acompañado de esta preciosa portada, mientras el single, ‘Siestas ahí’, de título polisémico, diría que es más bien gatuno.
Este es el primer álbum de Juana Molina desde 2017. El punto de partido de ‘Doga’ fueron una serie de conciertos de improvisación junto al teclista Odín Schwartz en 2019. La idea era tocar «como si estuvieran en casa», sintetizadores y secuenciadores. Los shows fueron únicos, pero luego Molina retomó algunas de las ideas que habían salido, junto al productor Emilio Haro. Ese otro trabajo se hizo entre 2022 y 2024.
Esta será la secuencia del disco, con títulos tan ilustrativos como ‘Uno es árbol’:
01 Uno Es Árbol
02 La Paradoja
03 Desinhumano
04 Caravanas
05 Siestas Ahí
06 Indignan a un Zorzal
07 Va Rara
08 Miro Todo
09 Intringulado
10 Rina Soi
The Cure y Doja Cat presentando sus nuevos discos, Addison Rae por primera vez en España, los regresos de The xx y My Bloody Valentine, Gorillaz de nuevo en nuestro país… encabezan el cartel de Primavera Sound 2026, que se celebra días 4, 5 y 6 de junio en el Parc del Fòrum. JENESAISPOP es media partner. Massive Attack y Skrillex aparecen también entre los primeros nombres confirmados en el anuncio publicado hoy.
En 2026 el Primavera Sound acogerá las presentaciones de algunos de los mejores discos del último año, como ‘Black Star‘ de Amaarae, ‘Essex Honey‘ de Blood Orange, ‘Spanish Leather‘ de Guitarricadelafuente, ‘Willoughby Tucker, I’ll Always Love You‘ de Ethel Cain o ‘I’m Only F*cking Myself‘ de Lola Young. Todos ellos están confirmados junto a MARINA y JADE: sus nombres aparecen juntos en el cartel, una probable referencia a aquella concursante de Operación Triunfo 2017. JADE es el actual DISCO DE LA SEMANA en JENESAISPOP.
PinkPantheress, que lo está petando con ‘Illegal‘, y Ravyn Lenae, que lo está petando con ‘Love Me Not‘, figuran también entre los nombres confirmados, así como Dijon, que presentará su discazo ‘Baby‘, los iconos de Rusia-IDK Ralphie Choo y rusowsky o las rockeras favoritas del indie actual Wet Leg. Artistas del pasado y presente como Slowdive, Smerz, Father John Misty o Ashnikko engrosan el cartel.
La venta general comenzará el 30 de septiembre a las 11 horas. En esta fase, el abono general tendrá un precio de 350 euros + tasas, mientras que el abono VIP mantendrá el precio de 545 euros + tasas. Toda la información sobre las diferentes modalidades de entradas está disponible en la web del festival.
Entre las ausencias destacadas, las de Lorde y Rosalía, favoritas del festival, y cuya presencia muchos asumían dado que presentan nuevo disco. Tampoco traerá Oasis a Primavera Sound su gira de regreso.
¿Cuánto tiempo puede seguir dedicando la crítica musical a discos que reciclan una y otra vez el sonido guitarrero y ruidoso de Pavement, Dinosaur Jr. y Sonic Youth? Wednesday, la banda de Carolina del Norte autora de ‘Rat Saw God‘ (2023), se ha desmarcado de sus competidores gracias a las desgañitadas interpretaciones vocales de su líder y vocalista, Karly Hartzman, y a su afinidad por escribir letras llenas de historias truculentas, que rara vez se escuchan en la música popular.
Véase por ejemplo ‘Townies’, una pieza emblemática de Wednesday por su fusión de country y noise, que recuerda de esta manera una amistad adolescente:
«Met you in the neighborhood you had
Connects to get us high and then
You sent my nudes around
I never yelled at you about it
‘Cause you
…
Died»
Las letras de Hartzman impactan porque exponen escenas traumáticas de forma natural, casi apática, como cuando en ‘Wound Up Here (By Holdin On)’ describen el descubrimiento de un cadáver en un riachuelo, inspirada en una historia real, o cuando en ‘Pick Up that Knife’ relatan la manera en que está a punto de acabar con todo, porque hasta el más mínimo inconveniente la desborda. En esta misma pieza, amenaza: «Un día acabaré con la zorra que hay dentro de mi cabeza». En otro verso recuerda la vez en que «vomitó en el pogo de un concierto de Death Grips».
Hartzman extrae oro tanto de sus propias relaciones personales (la pantanosa ‘The Way Love Goes’) como del true crime (los asesinatos de Murdaugh inspiran la inquietante ‘Carolina Murder Suicide’). Ella podría decir que su propia existencia es un crimen: «Wednesday Bleeds» es la frase que surge de juntar nombre de banda y título de disco, porque sus letras e historias no pueden ser más sangrantes.
Y sangrantes también son las texturas distorsionadas que Wednesday han obrado esta vez junto al productor Alex Farrer, puras hemorragias sonoras que explotan, se retuercen y se estrangulan de forma despiadada, pero que no olvidan la ternura de un álbum al fin y al cabo dedicado a una persona fallecida, Gary King, y a su espacio Haw Creek, epicentro de la escena local de Asheville, donde se ha grabado el álbum.
‘Bleeds’ llega además marcado por la ruptura sentimental entre dos de sus integrantes, Hartzman y MJ Lenderman, quien tiene su propia y exitosa carrera en solitario (Lenderman seguirá grabando con Wednesday, pero no acompañará al grupo en sus directos). La fusión de noise y country vuelve a señalar la senda del álbum, con ‘Reality TV Argument Bleeds’ abriendo paso en modo slacker, después la preciosa ‘Elderberry Wine’ apuntando a la atemporalidad del country clásico, y piezas como la liviana ‘Phish Pepsi’ o la mencionada ‘Pick Up that Knife’ uniendo los dos estilos.
Es sumamente referencial la propuesta de Wednesday en el aspecto musical, pues revisa con suma atención el trabajo de bandas de los noventa que asentaron un estilo: a Wednesday les inspira el ruido clásico de Sonic Youth, la distorsión melódica de Dinosaur Jr., el filo rasposo de Hole y por supuesto cierto trasfondo de country extraño y polvoriento. Sin embargo, el trabajo sonoro de ‘Bleeds’ es espectacular, y las historias de Hartzman piden ser escuchadas y contadas.
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