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Playboi Carti es un poco meme en ‘EVIL J0RDAN’

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Playboi Carti está rompiendo récords con ‘MUSIC’, su anticipadísimo disco. Este consiguió convertirse en el mejor debut de Spotify en 2025, de momento, con 139 millones de streams en su primer día; y en el séptimo mejor debut de la historia de la plataforma. Todo, usando el poder del meme en la canción más escuchada del proyecto, la errática ‘EVIL J0RDAN’.

Está claro que ‘MUSIC’ va a conseguir algunos de los números más impresionantes del año en su primera semana. Hits Daily Double estima que el disco termine con 250.000 unidades vendidas. Sin embargo, el propio Carti ha comentado que es «extraño» que en este dato no se incluyan las ventas físicas del proyecto. Aun así, sería suficiente para superar los números de Lady Gaga, por ejemplo, que vendió 219.000 unidades en su primera semana.

‘EVIL J0RDAN’ era una de las canciones más anticipadas de ‘MUSIC’, en gran parte porque ya había salido hace tiempo, pero no en plataformas. De hecho, la mayoría de los comentarios del videoclip en el canal oficial del artista bromean sobre el hecho de que el clip ya llevaba un año entero en YouTube.

Lo primero que llama la atención del tema, evidentemente, es esa curiosa intro de un minuto. Parece mentira que la canción haya tenido tanto éxito incluyendo un inicio tan largo, pero es justo lo que ha hecho que se viralice. Justo cuando va a entrar el beat, y después de un sample de ‘Popular’, suena un sonido de disparo, de stock total, que recuerda directamente a los edits más cutres de Tik Tok.

No es ni de lejos el único sonido de este tipo que aparece en el disco, que está totalmente plagado de ellos, pero ha resultado ser el más icónico. Carti sabe perfectamente lo que hace: si la canción es un meme, se promociona sola.

Lo siguiente que tenemos, además, es una canción canon de Playboi Carti, con un bajo atronador y unos sintetizadores tan hipnóticos como alarmantes. En la letra, tan caótica como el beat, Carti habla sobre su «fase emo» y cómo su vida está «fuera de control», sin ningún tipo de hilo aparente.

‘Hotbox’ es lo mejor de Lil Nas X en años

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Lil Nas X ha dado comienzo a la campaña promocional de su próximo disco, ‘Dreamboy‘, publicando cinco singles, a razón de uno por día. El primero ha sido el corte titular y, después, han ido llegando ‘Big Dummy!’, ‘Swish’, ‘Right There!’ y ‘Hotbox’.

‘Hotbox’ es la apuesta potente ahora mismo para la promoción del disco. Es este el mejor single de Montero en mucho tiempo, y no aquel tema producido por Thomas Bangalter de Daft Punk, ‘Light Again‘, que no estaba mal, pero no era el comeback que es ‘Hotbox’.

‘Hotbox’ capta una frescura que se echaba de menos en la obra de Lil Nas X. Quizás es porque la producción, elaborada a tres manos entre Take a Daytrip, Omer Fedi y Ojivolta, no se rompe la cabeza imitando (muy bien) el sonido de Pharrell Williams. Hay quien dice que ‘Hotbox’ de hecho samplea ‘Frontin’ de los Neptunes con Jay-Z, pero ninguno de los Neptunes está acreditado en la grabación de Montero.

‘Hotbox’ va como anillo al dedo a Lil Nas X desde dos puntos de vista. En primer lugar, la letra es el típico dechado de seducción y bragadoccio en el club. En segundo, la producción es alegre y liviana, pasando del hip-hop al bounce con gracia.

El lanzamiento de ‘Hotbox’ se acompaña de un videoclip muy resultón, ambientado en un mundo de rosa, muy ‘Barbie’. Lil Nas X es el Ken de este universo que toma prestada la piscina rosa del videoclip de ‘Super Bass’ de Nicki Minaj, y que pasa por el filtro rosa chicle otras posibles referencias como la armadura de Transformer de George Michael en ‘Freeek!’ o el videoclip de ‘Hey Ya!’ de Outkast.

Mariah Carey y Lady Gaga salvan los iHeart Music Awards

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Los iHeart Awards, destinados a premiar a los artistas más escuchados en las radios estadounidenses, celebraron anoche en Los Ángeles una nueva edición. Las claras protagonistas de la noche fueron Lady Gaga y Mariah Carey, que se llevaron respectivamente los premios Innovación e Icono, y amenizaron la gala con sus palabras y reacciones.

Lady Gaga decidió celebrar la «autenticidad» al recoger el premio Innovación, entregado por Doechii. Al subir al atril, Gaga decidió hablar desde el corazón: «Si he aprendido algo en estas tres décadas, es que la innovación más poderosa es tu autenticidad».

Después de dedicar unas palabras a la «valentía» de la comunidad LGTBIQ+, decidió mandar un mensaje a los artistas «diferentes»: «El mundo no necesita otra copia. Necesita desesperadamente que seas original», concluyó.

La otra gran diva de la noche fue Mariah Carey, que recibió el premio Icono y disfrutó de un medley dedicado a su carrera protagonizado por Muni Long y Tori Kelly. El momentazo viral llega con la versión de ‘We Belong Together’ de Long, cuando Carey es pillada poniendo una cara que solo ella puede hacer. Ya es un meme. También hizo honor al premio que recibía siendo icónica: «¿Está bien la iluminación? Porque no me gusta la mala iluminación».

La gala, que fue presentada por LL Cool J, también incluyó las actuaciones de Bad Bunny, Billie Eilish (que consiguió el premio a Álbum del Año), GloRilla, Gracie Abrams, Kenny Chesney y Nelly. Por otro lado, Taylor Swift recibió el premio a la Gira del Siglo por The Eras Tour, además de ser nombrada Artista del año.

«Guitarrica», Zahara, Doechii y #TETAS, en el top 40 de JNSP

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Juanjo Bona recupera el número 1 de JENESAISPOP al obtener el 40% de los votos en Instagram, frente al 27% de Guitarricadelafuente con ‘Full Time Papi’, que, ojo, es la subida más fuerte de la semana. La entrada más fuerte es Zahara con ‘Soy de un pueblo pequeño‘, el tema que interpretó en ‘La Revuelta’. Otras entradas en el top 20 han sido Doechii y «Hashtag Tetas«, el irónico tema de CA7RIEL y Paco Amoroso. Panda Bear y Youth Lagoon completan las entradas de esta semana.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 5 1 14 Moncayo Juanjo Bona Vota
2 11 2 2 Full time papi Guitarricadelafuente Vota
3 8 1 23 El destello Juanjo Bona, Martin Urrutia Vota
4 4 4 2 Venenosa Nebulossa, Mónica Naranjo Vota
5 2 1 59 Loneliness Pet Shop Boys Vota
6 6 2 5 M.A.P.S. Amaia Vota
7 1 1 5 Abracadabra Lady Gaga Vota
8 8 1 Soy de un pueblo pequeño Zahara Vota
9 7 4 5 KAIMAN Rigoberta Bandini Vota
10 10 3 4 Ahí estás Amaral Vota
11 3 3 3 Butterfly Marina Vota
12 12 11 6 Sports car Tate McRae Vota
13 13 1 Anxiety Doechii Vota
14 9 9 2 BAILAR Y LLORAR Vicco Vota
15 15 1 #TETAS CA7RIEL & Paco Amoroso Vota
16 17 1 12 Tengo un pensamiento Amaia Vota
17 14 9 3 High Fashion Addison Rae Vota
18 13 13 5 Born Again LISA, Doja Cat, RAYE Vota
19 18 6 8 Segundo intento Aitana Vota
20 32 3 9 IT girl JADE Vota
21 20 2 7 Childlike Things FKA twigs, North West Vota
22 22 1 Praise Panda Bear Vota
23 15 15 4 Everything Is Peaceful Love Bon Iver Vota
24 28 24 2 Love In Real Life Lizzo Vota
25 16 1 21 Disease Lady Gaga Vota
26 37 1 44 360 Charli XCX Vota
27 21 2 30 Die With a Smile Lady Gaga, Bruno Mars Vota
28 19 10 4 Idiot Box Sharon Van Etten Vota
29 25 1 32 Guess Charli XCX, Billie Eilish Vota
30 36 12 7 Party People Rose Gray Vota
31 22 8 6 Open Hearts The Weeknd Vota
32 31 3 8 DtMF Bad Bunny Vota
33 33 2 9 NUEVAYoL Bad Bunny Vota
34 38 1 71 Houdini Dua Lipa Vota
35 35 1 Gumshoe Youth Lagoon Vota
36 40 31 4 Conceited Lola Young Vota
37 29 29 2 Taste Coco Jones Vota
38 30 30 2 Flood Little Simz Vota
39 23 22 3 Building 650 Squid Vota
40 35 3 14 Pamela Anderson Rigoberta Bandini Vota
Candidatos Canción Artista
Pink Pony Club Chappell Roan Vota
Relationships HAIM Vota
Jungle Sugababes Vota
sentimentalmente Valeria Castro Vota
Sexy Clown Marie Davidson Vota
Canción de paz Rufus T. Firefly Vota
lo que pasó María Yfeu Vota
Megaloner Circuit des Yeux Vota
No es la mía Paul Thin Vota
Infancia mal calibrada Barry B Vota

Vota por todas las canciones que te gusten

  • Pet Shop Boys / Loneliness (13%, 80 Votos)
  • Lady Gaga / Disease (4%, 24 Votos)
  • Lady Gaga / Abracadabra (4%, 24 Votos)
  • Amaia / M.A.P.S. (4%, 23 Votos)
  • Paul Thin / No es la mía (4%, 23 Votos)
  • Chappell Roan / Pink Pony Club (3%, 21 Votos)
  • Amaia / Tengo un pensamiento (3%, 21 Votos)
  • Guitarricadelafuente / Full time papi (3%, 19 Votos)
  • Nebulossa, Mónica Naranjo / Venenosa (3%, 19 Votos)
  • Rigoberta Bandini / KAIMAN (3%, 19 Votos)
  • Lady Gaga, Bruno Mars / Die with a Smile (3%, 18 Votos)
  • Charli XCX / 360 (3%, 17 Votos)
  • Charli xcx, Billie Eilish / Guess (3%, 17 Votos)
  • MARINA / Butterfly (2%, 15 Votos)
  • Dua Lipa / Houdini (2%, 14 Votos)
  • JADE / IT girl (2%, 14 Votos)
  • The Weeknd / Open Hearts (2%, 13 Votos)
  • Tate McRae / Sports car (2%, 12 Votos)
  • FKA twigs, North West / Childlike Things (2%, 12 Votos)
  • Amaral / Ahí estás (2%, 11 Votos)
  • Haim / Relationships (2%, 11 Votos)
  • Rigoberta Bandini / Pamela Anderson (2%, 11 Votos)
  • Bad Bunny / NUEVAYoL (2%, 11 Votos)
  • Zahara / Soy de un pueblo pequeño (2%, 11 Votos)
  • Sugababes / Jungle (2%, 10 Votos)
  • Doechii / Anxiety (2%, 10 Votos)
  • Juanjo Bona, Martin Urrutia / El destello (1%, 9 Votos)
  • Bon Iver / Everything Is Peaceful Love (1%, 8 Votos)
  • LISA, Doja Cat, RAYE / Born Again (1%, 8 Votos)
  • Bad Bunny / DtMF (1%, 8 Votos)
  • Vicco / BAILAR Y LLORAR (1%, 8 Votos)
  • Lizzo / Love in Real Life (1%, 7 Votos)
  • Aitana / Segundo intento (1%, 7 Votos)
  • Rose Gray / Party People (1%, 7 Votos)
  • Juanjo Bona / Moncayo (1%, 6 Votos)
  • Rufus T Firefly / Canción de paz (1%, 6 Votos)
  • Barry B / Infancia mal calibrada (1%, 6 Votos)
  • Sharon Van Etten / Idiot Box (1%, 6 Votos)
  • Panda Bear / Praise (1%, 6 Votos)
  • CA7RIEL & Paco Amoroso / #TETAS (1%, 6 Votos)
  • Addison Rae / High Fashion (1%, 5 Votos)
  • Lola Young / Conceited (1%, 5 Votos)
  • Valeria Castro / Sentimentalmente (1%, 4 Votos)
  • Circuit des Yeux / Megaloner (0%, 3 Votos)
  • Youth Lagoon / Gumshoe (0%, 3 Votos)
  • María Yfeu / lo que pasó (0%, 2 Votos)
  • Squid / Building 650 (0%, 2 Votos)
  • Little Simz / Flood (0%, 2 Votos)
  • Coco Jones / Taste (0%, 1 Votos)
  • Marie Davidson / Sexy Clown (0%, 1 Votos)

Votos totales: 138

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Miley Cyrus y Kali Uchis presentan sus nuevos discos

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Miley Cyrus y Kali Uchis se han puesto de acuerdo para presentar sus respectivos discos en el mismo día. Por un lado, tenemos el «experimental» ‘Something Beautiful’ de Miley Cyrus, del cual ya sabemos que existe. Por otro, el anuncio oficial del quinto disco de Uchis, ‘Sincerely’.

La autora de ‘ORQUÍDEAS’ ha hecho el anuncio con un pequeño vídeo en el que muestra sus poderes psíquicos con la ayuda de unas velas. Lo único que se sabe de este LP es que será mayoritariamente en inglés y que fue inspirado por un «evento que alteró» la vida de la cantante, ya que aún no hay fecha de salida: «El álbum trata sobre las complejidades de la vida y encontrar formas de alegría a pesar del mundo», comentó en una entrevista con 10 Magazine.

Por otro lado, Cyrus ha hecho movimientos de forma más discreta. Su página web está preparada para que el anuncio de su próximo disco, el sucesor de ‘Endless Summer Vacation’, sea inminente. Así, tenemos la primera imagen oficial del proyecto, que además tiene pinta de ser la propia portada, en la que (no) vemos a la cantante con un peinado que despierta mucha curiosidad.

Cyrus había hablado sobre el proyecto, que promete ser lo «más experimental que haya hecho», en una entrevista con Harper’s Bazaar. Esta contó que ‘Something Beautiful’ está inspirado en el clasico ‘The Wall’ de Pink Floyd y que sería «igual de visual que musical», pero con «mejor vestuario».

Bryan Adams, que girará por España, vuelve al rock de los 80

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Bryan Adams ha lanzado ‘Make Up Your Mind’, que nos devuelve a los mejores temas ochenteros del artista canadiense. El autor de ‘Summer of ’69’ además también ha anunciado varios conciertos en nuestro país, los cuales tendrán lugar el próximo mes de junio en Alicante, Pamplona, Ávila, Mérida, Málaga y Santiago.

El nuevo single, que formará parte del nuevo disco de Adams que se publicará a finales de año, recupera la energía hímnica de canciones como ‘Run To You’. Según reza la nota de prensa del tema, este versa sobre «el dolor del amor perdidor y la embriagadora atracción de las segundas oportunidades».

‘Make Up Your Mind’ llega después de la salida del primer adelanto, ‘Roll With The Punches’, que también da título al próximo disco del canadiense. Adams ya se encuentra en la carretera y pasará por nuestro país después de agotar entradas en su paso por Nueva Zelanda, Australia, Reino Unido e Irlanda. Estas son las fechas de Bryan Adams en España para 2025:

Miércoles 4/6/25 – Alicante – Area 12
Viernes 6/6/25 – Pamplona – Navarra Arena
Sábado 7/6/25 – Ávila – Músicos en la Naturaleza 2025 (FEST)
Domingo 8/6/25 – Mérida – Teatro Romano
Martes 10/6/25 – Málaga – Auditorio Cortijo de Torres
Jueves 12/6/25 – Santiago – O Son do Camiño (FEST)

Lady Gaga deja a Juanjo Bona sin número 1 en España

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El leal fandom de Juanjo Bona no ha podido con el «star power» de Lady Gaga, que irrumpe directamente en el número 1 de la lista de Discos España. ‘Recardelino’, sin embargo, se queda en el segundo lugar de la clasificación.

Además, ‘MAYHEM’ también se mueve a lo más alto del Billboard 200, siendo este el séptimo álbum de la estadounidense en conseguirlo. Tanto Bona como Gaga han superado al casi inamovible ‘Debí Tirar Más Fotos’ de Bad Bunny, que venía de vender una media de 6.000 unidades semanales. Actualmente, ya tiene dos discos de platino, siendo cada uno 40.000 unidades.

JENNIE, con ‘Ruby’, y Los Planetas, con una nueva edición de ‘Unidad de Desplazamiento’, lanzado en el año 2000, también entran en el top 10 de la lista. El de la integrante de BLACKPINK debuta en el número 5, mientras que el conjunto granadino se planta en el séptimo puesto.

En esta primera mitad del ranking, también entran Ilegales con ‘Joven y Arrogante’ (#12), JC Reyes con ‘Nacer de Nuevo’ (#17), Jethro Tull con ‘Curious Ruminant’ (#31), y el dúo de Ca7riel & Paco Amoroso con ‘PAPOTA’ (#38), su último EP.

Quien no ha conseguido posicionarse en los primeros 50 puestos del ranking es el otro extriunfito que lanzaba disco esta semana, Paul Thin. De esta forma, ‘Reboot’ entra en el número 51. Cabe mencionar que las ventas físicas no han contado para este resultado, ya que estas ediciones estarán a la venta a partir del próximo 25 de abril.

El resto de novedades de la lista están integradas por la unión de Bomba Estéreo, Rawayana y Astropical (‘Astropical’) en el número 55, Tiago PZK (‘Gotti B’) en el 76, Paulo Londra (‘Versus’) en el 81 y Ultraligera (‘Pelo de Foca’) en el 85. Por último, ‘La Jauría’ de Dani Fernández consigue la mayor subida de la semana, pasando del puesto 24 al 14.

Circuit des Yeux / Halo on the Inside

La voz de Circuit des Yeux es de esas que se escuchan pocas veces. Dotada de un rango vocal de cuatro octavas, la estadounidense Haley Fohr suena a veces como Anohni, otras como Diamanda Galás y otras como Martin Gore. El sonido Depeche Mode empapa las canciones de su nuevo disco, ‘Halo on the Inside’, pero es su voz la que reclama toda la atención, incluso cuando no pronuncia palabra alguna.

‘Halo on the Inside’ es un disco sumido en la oscuridad. El universo gótico de Dead can Dance o Sisters of Mercy parece encontrarse en su punto de mira, de la misma manera que en ‘Halo on the Inside’ conviven sintetizadores, guitarras y un sentido macabro de la atmósfera y la narrativa.

Uno de los grandes hallazgos de ‘Halo on the Inside’ es ‘Skeleton Key’, que empieza como un himno a piano y cuerdas y se convierte en una balada con brillantina de los ochenta que podría haber firmado una Sade darks. En su tramo medio la voz desnuda de Fohr y su guitarra -como «desnuda» es la piel que busca en la letra- conducen hacia un tsunami doomgaze que pone los pelos de punta.

El repertorio de ‘Halo on the Inside’ también es el más inmediatamente accesible de la carrera de Circuit des Yeux. El disco se abre con dos pedazo de singles de synth-pop oscuro, ‘Megaloner’ y ‘Canopy of Eden’; uno más radiable, el otro más tribal, ambos estudian los estilos de Depeche Mode y de la banda sonora de peli de terror y los replican con nota. Eso sí, la voz de Fohr es inimitable. Y ojalá la segunda «rompiera la radio», como proclama su estribillo.

Llama la atención que ‘Halo on the Inside’ sea el disco revelación de esta artista que lleva más de 15 años en esto. El debut de Circuit des Yeux, escrito en un estilo de folk experimental, se remonta a 2008, y después álbumes aclamados como ‘In Plain Speach’ (2015) o ‘Reaching for Indigo’ (2021) han ido revelando un exquisito talento para los arreglos y la interpretación. Su último álbum, ‘-io’ (2020), era orquestal: participaba en él una docena de músicos. ‘Halo in the Inside’ es el quinto en total.

En ‘Halo on the Inside’, las canciones de Circuit des Yeux se hacen más accesibles a pesar de su inasible oscuridad: Fohr grabó el álbum durante ocho meses encerrada en un estudio sin ventanas instalado en el sótano de su casa, en Chicago. Noches enteras -literalmente, de 9 de la noche a 5 de la mañana, según su nota de prensa- buscando las reptantes atmósferas de ‘Anthem of Me’ o haciendo brillar su increíble voz en el precipicio que amenaza la música de ‘Cosmic Joke’.

A menudo los arreglos de guitarra y las melodías remiten a la obra de Ethel Cain, y la carrera de Circuit des Yeux también cuenta con su propia historia de ficción: Fohr tiene un proyecto paralelo, Jackie Lynn, cuya biografía ficticia asegura que Lynne nació en 1990 y que, antes de cumplir 20 años, conoció a un hombre llamado Tom Strong con el que emprendió un negocio de cocaína millonario. Bajo el alias de Jackie Lynn, Fohr ha publicado dos discos.

En ocasiones, las composiciones de Circuit des Yeux asemejan las de Ethel Cain en envergadura y épica, como ‘Cathexis’, aunque, en este caso, la sublime composición musical, sobro todo la melodía de teclado de su primera mitad, y la melodía de guitarra de la segunda, no se acompaña de una canción a su altura, pues la toma vocal prácticamente se compone de susurros y coros deliberadamente reproducidos del revés. La letra es ininteligible y la canción rehúye de estribillo.

Sin embargo, el talento de Circuit des Yeux no tiene límites. Por un lado, Fohr es capaz de crear paisajes sonoros tan arrebatadores como el de ‘Organ Bed’, un huracán de sintetizadores borrascosos y saxofones que ni siquiera parece grabado por una sola persona. Por otro lado, la artista sabe también entregar un banger de la talla de ‘Truth’, que ya debería sonar en toda discoteca gótica que se precie. Una frase como «la verdad es solo un invento de la mente» parece ya abocada al abismo: el abandono total a la noche es irresistible.

Aitana detalla su fecha en el Estadi Olímpic de Barcelona

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Aitana ha anunciado que actuará en el Estadi Olímpic Lluís Companys de Barcelona el sábado 19 de julio de 2025. La venta general de entradas se abrirá el jueves 27 de marzo a las 12 horas, y habrá preventa entre los días 24 y 26 de marzo solo para clientes de Santander a las 10 horas. De 10 a 12 horas, la preventa será exclusiva para clientes de Santander que tengan la tarjeta de Aitana. A partir de las 12 horas, la preventa se abrirá al público general.

Aitana ya había comunicado públicamente su futuro concierto en el Estadi Olímpic: lo hizo durante su última visita a La Revuelta.

En el mismo comunicado, Ocaña informa de que ella y su equipo siguen trabajando para mantener las fechas anunciadas para sus dos conciertos en el Estadio Santiago Bernabéu de Madrid, los días 27 y 28 de junio de 2025.

Aitana da comienzo oficialmente a la «era Metamorfosis» con el anuncio de su fecha en Barcelona. ‘Metamorfosis’ es también el título del documental de Netflix que narra los últimos años de su carrera, atravesados por sus vivencias con la depresión y la hipocondría.

‘The Giver’ de Chappell Roan: ¿una inteligente reinvención o el peor country posible?

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Parte de la redacción evalúa ‘The Giver’, el nuevo single de Chappell Roan, a quien estaremos viendo en el próximo Primavera Sound Barcelona. Os ofrecemos una opinión a favor y otra en contra.

“Ojalá estar en un bar de lesbianas bailando ‘Good Luck, Babe!’ es algo que puedes estar pensando este lunes por la mañana, pero también es lo que decía este tuit que se viralizó hace unas semanas. Ahora podría sumarse a ese karaoke colectivo ‘The Giver’, donde Chappell Roan apuesta de nuevo por huir del destino “lesbiana triste” usando el humor, pero esta vez elevándolo a la enésima potencia, y abrazando la diversión en relación al sexo.

Con muchísima expectación tras el brutal éxito el año pasado de su single suelto, la cantante nos descolocaba al no sacar videoclip, ni siquiera sacar otro single. Parecía confiar demasiado en que así su primer disco brillaría más… y esa confianza dio resultado.

Ahora nos ha vuelto a descolocar y ha vuelto a demostrar una confianza en su música por momentos kamikaze: regresar con un tema country sobre lo bien que se le da comer un coño tiene todas las papeletas para ser un error… o no, tratándose de ella. Porque la melodía vuelve a ser tan buena como las que mencionaba en la reseña de su debut, esto está lleno de ganchos que hacen el tema super adictivo (“take it like a taker”, “ain’t no country boy quitter” y sobre todo el “I get the job done!” no se van de tu cabeza) y además hay un puente con sorpresa: ha anunciado que en directo irá cambiando los “nanana” por distintas frases, como hizo en su actuación en SNL. Chappell Roan me parece una de las personas con más talento que ha aparecido por el pop en los últimos años, y creo que ‘The Giver’ es otro ejemplo más de esto». Pablo N. Tocino.

«Lo último que me apetecía como continuación de ‘Good Luck, Babe!’, la mejor canción de 2024, era una grabación country de Chappell Roan. Insisto: lo último. El año pasado el pop amenazó con hacernos pasar un infierno country, con varios artistas sumándose a la moda. Por supuesto, hubo grandes momentos, como el dúo con Waxahatchee y MJ Lenderman. Pero entiendo que la fiebre tocó techo y terminó con el Grammy -muy merecido- a la reinvención del género que aportó ‘Cowboy Carter’ de Beyoncé. Nadie superará ese disco elaborado a lo largo de 5 largos años, así que dejad de intentarlo.

Lana del Rey ha reculado y ya ha dicho que ‘Lasso’ no será un disco country. Hace bien: el mercado -sobre todo el estadounidense- luce saturado de indeseados Morgans Wallens. Por eso, ‘The Giver’ es a todas luces una decepción. Sonó en directo en la tele el año pasado y la olvidamos por algo. Ser country no es malo per se, obviamente. Sí llega mal y tarde, y en lugar de acercarse a los territorios intimistas, delicados y cucos de Kacey Musgraves, ‘The Giver’ suena a la peor Shania Twain. No, no todo revival es apetecible». Sebas E. Alonso.

¿Qué te parece 'The Giver'?

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Muere Émilie Dequenne, ‘Rosetta’, a los 43 años

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Émilie Dequenne, actriz belga conocida por su papel en la película de 1999 ‘Rosetta’, que le valió la Palma de Oro en Cannes con 18 años, ha muerto en un hospital de Villejuif, en París, donde se encontraba ingresada en tratamientos paliativos, a causa de un cáncer raro, un tumor de la glándula adrenal.

‘Rosetta’ de los hermanos belgas Jean-Pierre y Luc Dardenne ganó además la Palma de Oro a Mejor película, y consolidó a Dequenne en el cine francés. En ‘Rosetta’, Dequenne interpretaba a una adolescente que vivía en una caravana con su madre alcohólica.

Dequenne participaría desde entonces en unas 60 películas, como ‘El pacto de los lobos’ (2001), ‘El gran Meaulnes (2006), ‘Charlotte Corday’ (2008) o ‘No es mi tipo’ (2014). Además, había sido nominada a los premios César hasta en cinco ocasiones, y ganó el premio 2021, en la categoría de Mejor actriz de reparto, por ‘Las cosas que decimos, las cosas que hacemos’ (2020).

Maria Jaume te regala un ‘S1venir’ de su exitoso disco

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No solo Ariana Grande reedita su último disco por su primer aniversario. Maria Jaume, la cantante mallorquina, acaba de lanzar la versión ampliada de ‘Nostàlgia Airlines’ (2024), ganador de Disco del año en los últimos Premis Enderrock 2025. Es el disco que ha puesto a Maria Jaume en el mapa.

‘Nostàlgia Airlines’ incluía éxitos como ‘Ressaca a sa platja’, que supera el millón de streamings en Spotify, y algunas de sus letras satirizaban la problemática del turismo masivo. También uno de los sencillos de presentación de esta reedición, ‘Mon Chéri Go Home‘ con FADES.

Otros temas de ‘Nostàlgia Airlines’ versaban sobre el desamor, y vuelve a ser el caso de ‘S1venir’, el corte que abre la reedición del álbum. Es la Canción Del Día.

Fiel al concepto del álbum, ‘S1venir’ utiliza la idea de este regalo de viaje para contar la historia de un desamor, de una relación que está a punto de estrellarse. «Tanto magnetismo para acabar en la nevera» es una de las sentencias que deja la letra. Maria Jaume es ahora víctima del turismo emocional de una persona que ha abandonado su corazón tan pronto como ha entrado.

La forma que elige ‘S1venir’ para comunicar esta historia de desamor es la de un ligero bedroom-pop o indie-pop con voz autotuneada. Aunque el hallazgo de esta grabación producida por AKA Luigi es la melodía de Maria Jaume y el gancho «su-su-suvenir» del estribillo, simple y efectivo.

Arab Strap: «Debería ser más fácil optar por no participar en la IA»

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Arab Strap brilló a finales de los 90 gracias a los recitados, sórdidos, tristes, de Aidan Moffat, sobre la música slowcore de Malcolm Middleton. Sin muchas alharacas se separaron en 2006, sin mucho ruido volvieron en 2016. Desde entonces, han editado dos discos, los estupendos ‘As Days Get Dark’ (2021) y ‘I’m Totally Fine with It Don’t Give a Fuck Anymore’ (2024). La semana que viene lo presentan en directo en España. El 20 de marzo en la sala Salamandra de L’Hospitalet de Llobregat y el 21 en la sala Shoko, Madrid.

En su último disco los escoceses parecen más preocupados por plasmar a ansiedad y la soledad que generan las nuevas tecnologías que las relaciones de pareja o el sexo, sus principales intereses antaño. Así que para hablar de todos estos temas los tengo a ambos vía la plataforma que más ansiedad me genera: Zoom.

¿Es el uso de redes sociales y aparatos asociados que nos alienan el tema principal del disco?
Aidan: El tema que lo vehicula es la conexión, cómo nos conectamos con las personas, la ilusión de conexión. Nos han vendido la idea de que vivimos en un mundo donde todos tenemos acceso a todos y a todo y todos estamos conectados, pero en realidad creo que es una vida bastante solitaria. Creo que es un poco mentira, esta idea de conexión social a través de la tecnología. Hay muchas redes sociales, se han convertido en una parte muy importante en la vida de todo el mundo y de alguna manera se ha apoderado de ese aspecto social. Yo por ejemplo no sé qué están haciendo muchos de mis amigos porque no estoy en Facebook (risas)
Malcolm (interrumpe): ¡Son solo personas que publican fotos de sus gatos y cosas por el estilo!
Aidan: Sin embargo, me he perdido cumpleaños y cosas así. La gente me pregunta: ¿qué piensas sobre esto y aquello? Y no sé de qué están hablando. Y me parece aterrador que la gente haya puesto toda su vida online. Creo que de eso trata realmente: del terror y la mentira de la conexión social.

Entonces eres pesimista sobre el uso de las RRSS, ¿no? ¿Cómo crees que te afecta en tu día a día?
A: Ya no tanto. Dejé de publicar en las redes sociales, básicamente. Todavía las leo para ponerme al día con algunas noticias, noticias musicales y esas cosas. Así que las uso como una herramienta para mantenerme informado. Trato de no publicar cosas sobre mi vida y mis pensamientos personales. Publico sobre trabajo, sobre Arab Strap. Pero eliminé todas mis publicaciones en Twitter. ¡Creo que eran como 40.000! (risas) Así que tuve que descargar una aplicación que me ayudara a borrar todo, porque quería eliminar mis asuntos personales de las redes sociales.
M: Es gracioso que, como músico o artista que interactúa en las redes sociales, se espera que ofrezcas algo más que el lado comercial. Tienes que poner algo de tu personalidad, de tu vida personal. Es un sentimiento un tanto enfermizo. Como músicos en Twitter o Facebook, creo que estamos lidiando con eso: no estamos tan involucrados en ese aspecto personal… pero estamos ahí. Todavía lo usamos como herramienta de promoción. Somos felices cuando hacemos conciertos, es fantástico hablar con la gente en persona… Pero creo que el período de luna de miel en el que te gustaba interactuar con tus fans en las redes sociales ha desaparecido.
A: Twitter era excelente para la música hace cinco años, pero la interacción en Twitter con los fans de la música ahora ha desaparecido casi por completo. Me pregunto si debería haber una sola plataforma de redes sociales solo para música…
M: ¡Myspace! (risas)

Las RRSS han virado hacia la extrema derecha. ¿Ha sido este uno de los motivos para dejar de usarlas o ha sido algo, como comentas, estrictamente personal?
M: Hay razones personales. Pero también está el riesgo de lo que acabas de mencionar. Parece que [twitter] ha dejado de funcionar, aunque no sé mucho sobre lo que hay detrás del telón en estas cosas. Pero lo de ser músico y lanzar nueva música ya no es como antes. Algo detrás del telón dejó de hacer “clic”. Antes se podía anunciar que tenías un nuevo disco y eso llegaba a miles de personas, pero parece que ya no sucede así. No estoy seguro de qué está pasando allí.

De hecho, en vuestro anterior disco hay una canción sobre Twitter, ‘Bluebird’.
A: Bluebird trataba sobre la adicción a Twitter. Para bien y para mal: conocí a varias personas a través de Twitter con las que todavía hablo, y había mucha positividad. Pero siempre había también un elemento negativo de discusión de pub. La canción ‘Bluebird’, es sobre por qué seguía volviendo: es el ciclo de retroalimentación lo que te mantiene adicto a estas cosas. Y así es como está todo diseñado. Ese es el problema con las redes sociales. Están diseñadas para ser adictivas. Y están diseñadas para alimentar tu ego y mantenerte en ese tipo de ciclo. Y eso no fue tan malo hasta que Twitter se convirtió en X, y luego todo fue rediseñado por completo. Como dice Malcolm, la música ya no se involucra en X, porque [X] ha sido rediseñada para ser utilizada como herramienta política.

El tema del check azul también fue muy importante, lo cambió todo. Ahora pagas por un check azul, eso significa que tus tweets se promocionan de una manera que empuja las publicaciones de todos los demás al final. Sí, la política es parte de esto. La verdad es que me resulta más difícil apoyar estas plataformas ahora, incluso Instagram y Facebook. Quiero decir, Mark Zuckerberg no es mejor que Elon Musk, en realidad. Pero a nivel personal, sentí que también estaba pasando demasiado tiempo allí. Eso comenzó con ‘Bluebird’ y luego continuó con un par de canciones en el último disco también, donde finalmente me doy cuenta de que hay mejores cosas que hacer con mi tiempo que discutir con extraños online (risas).

Sí, hay canciones que da cierta angustia escuchar la letra, como ‘Sociometer Blues’, que trata de la adicción al teléfono móvil. ¿Sois de los que decís “estoy harto, me voy a comprar un Nokia 3310”? Que es una cosa que todos pensamos, pero a la hora de la verdad no lo hacemos.
A: Ah, no. No es culpa de la tecnología. ¡También tengo un smartwatch sofisticado! Me gusta la tecnología, me encantan los dispositivos. Puedo disfrutarlos sin tener que interactuar en las redes sociales.

Que vuestras canciones haya pasado de hablar de sexo y relaciones a las redes sociales y las nuevas tecnologías, ¿es signo de los tiempos o una cuestión de la edad?
A: Sí, lo es. Quiero decir: quería evitar escribir sobre lo mismo que en las canciones antiguas, porque ya no tengo nada que decir al respecto. Todas esas viejas canciones que tratan de resolver relaciones románticas, ese ya no es un problema con el que tengo que lidiar. Esa parte de mí ya pasó. Ahora intento concentrarme en cosas que tienen significado para mí y cosas que me inspiran. Ya no se me pasaría por la cabeza escribir sobre ese tipo de cosas, porque es un tema de gente joven (risas). Este año cumplo 52 años, así que me gustaría pensar que ya he resuelto este tipo de asuntos (risas).

Siempre, por eso, incluso en vuestros momentos más oscuros, siento que en vuestra música siempre hay un poso de esperanza, incluso de optimismo. ¿Es así?
A: Creo que hay mucho optimismo en las canciones. Quiero decir, incluso el acto de hacer canciones tristes, el mismo acto de tomar un sentimiento triste y ponerlo en una canción es un acto de optimismo, es compartir estos sentimientos, saber que la gente siente lo mismo y que puedes superar estas cosas. Nadie va a aguantar un disco que es solo desesperado y miserable (risas). El objetivo de la música, como todas las formas de arte, es compartir emociones y comunicar una idea. El solo hecho de que exista es un acto de optimismo en sí mismo. Y sí, creo que hay mucho optimismo. Creo que nuestra próxima música podría ser insoportablemente alegre, para compensar en exceso, por si acaso (risas).

Hay bastante polémica sobre uso de la IA en Reino Unido. Hay una propuesta del gobierno británico para que las empresas que desarrollan IA puedan utilizar el contenido de los creadores en internet para ayudar a crear sus propios modelos, a menos que los titulares de esos derechos opten por negarse. Ha habido una fuerte protesta por parte de bastantes artistas. ¿Conocéis esta polémica? ¿Creéis que es una puerta abierta al abuso?
A: No creo que una herramienta vaya a reemplazar nunca a lo que hacen los seres humanos, pero lo que puede hacer [la IA], ya lo ha hecho: cada canción que hay en cada plataforma ya se ha utilizado para crear información para la IA, y eso se ha hecho sin el permiso de nadie. Así que esta es una forma de intentar protegerse en el futuro, obviamente. La IA no nos va a reemplazar, pero puede imitarnos. Es muy fácil ahora mismo pedirle a un ordenador que simule una canción y suene como tal, ese es el tipo de cosas que veo.
M: Ya sucede que las compañías productoras de canciones pop no quieren pagar tanto dinero a las bandas oficiales, por lo que contratan a otros tipos para recrear lo que las bandas están haciendo. Los humanos han estado haciendo esto durante diez o veinte años, y en ese sentido les roba el dinero a los artistas. La IA está haciendo lo mismo pero más rápido. Así que todavía no estoy seguro de cuál es mi posición al respecto. Creo que es algo muy interesante, pero es una de esas cosas que sientes como si fuera una marea, una inundación o algo así, que no va a desaparecer. No creo que el gobierno o las personas que se quejan de esto puedan cambiarlo llegados a este punto, porque, como ha dicho Aidan, la IA ha estado escuchando esta música durante años. Pero lo que tenemos los humanos es esto: nunca vamos a ser demasiado buenos. Tenemos pequeñas imperfecciones. Por supuesto que la IA también puede copiar eso, pero… Hum, ¡entonces que se jodan!

«Debería ser fácil para los artistas no consentir el uso de nuestra música con fines de inteligencia artificial»

Vosotros usáis IA en vuestro último disco.
A: SÍ, hay una voz en el último álbum, una voz femenina [NdR: en ‘Molehills’]. Esa fue una voz de IA. Iba a hacerlo yo mismo, pero quería que sonara como David Attenborough en femenino. Lo hice con IA y sonó genial. También puedes usarla creativamente como herramienta, si no tienes miedo a usarla. Y a mí no me asusta demasiado, no me preocupa que reemplace a la banda. Pero puede, supongo.

¿Cuál es la solución?
A: A título personal, creo que el problema es que la ley realmente no protege los derechos de autor. Están hablando de cambiar la ley de derechos de autor tal como está. Todos pueden acceder a nuestro trabajo y eso es un problema, porque si no podemos llegar a un acuerdo, entonces es profundamente injusto para todas las partes. Debería ser mucho más fácil optar por no participar en estas cosas. Especialmente en plataformas de streaming, podría ser un clic, simplemente: “¿Da usted su consentimiento para que sus streamings se utilicen para fines de inteligencia artificial?» «No”. Es bastante fácil de implementar, pero obviamente nadie lo hará porque hay demasiado dinero a ganar.

Sois un grupo famoso por las letras, pero la base musical es muy importante. ¿Cuál es vuestro proceso de composición? ¿Va primero la letra o la base?
M: Es como la gallina y el huevo. Todavía trabajamos como lo hacíamos hace 20 años, intercambiamos música entre nosotros: «te doy una guitarra, tú me das un ritmo de batería, o samples o acordes de piano», cosas así. Luego comenzamos a construir la canción y las letras son lo último.
A: Sí. No me gusta escribir las letras a menos que ya tengamos la música, al menos algo parecido a una canción, alguna idea de algo. Prefiero responder a la música para escribir las letras. No soy el tipo de persona que tiene libros y diarios llenos de letras a las que pueda volver. Todas las letras comienzan una vez que la música ya está en su sitio.

Ahora una pregunta muy genérica y que os habrá hecho todo el mundo: ¿Por qué lo dejasteis en 2006 y por qué volvisteis en 2016?
M: Es como cuando dos ciervos están en el bosque, se separan y se pierden durante todo el día para poder reencontrarse por la noche (pausa). Lo siento, probablemente esperabas una respuesta mejor (risas).
A: Para empezar, queríamos celebrar nuestro aniversario, que fue en 2016. Así que hicimos algunos shows, tocamos algunas canciones antiguas y lo disfrutamos. Y luego nos siguieron ofreciendo más conciertos y decidimos que nos estábamos aburriendo de las viejas canciones. Y entonces decidimos probar algunas nuevas. No fue parte de un gran plan. Una cosa llevó a la otra. Y luego hicimos el disco. No creo que realmente hubiésemos planeado hacer ninguna música nueva, pero fue muy natural porque sentimos que había algo que podíamos hacer y que disfrutaríamos.

‘The First Big Weekend’ va a cumplir 30 años en 2026. Es probablemente vuestra canción más famosa, pero ¿es una sensación mía o es una canción de la que siempre habéis intentado huir? ¿Os habéis reconciliado con ella? ¿Qué queda de aquella época?
M: Ese fin de semana aún no ha terminado. Estamos todavía en él (risas). Pero creo que dejamos de tocar esa canción por completo después de un par de años en la primera fase de la banda, pero luego nos volvimos a juntar en 2016. La volvimos a tocar mucho, y recién el año pasado dejamos de tocarla. Y por eso creo que la traeremos de vuelta. Es que nos gusta la canción, simplemente no nos gusta tocarla todo el tiempo. Pero luego, cuando nos tomamos un descanso y volvemos a ella, siempre es divertido.
A: El año que viene cumplirá 30 años. El año que viene quizás la toquemos para su cumpleaños.

59 muertos en un incendio en un club de Macedonia del Norte

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59 personas han muerto y otras 155 han resultado heridas en un incendio en un club de Macedonia del Norte. Entre ellos se encuentran varios miembros de la banda de rap macedonia DNK, incluido uno de sus dos vocalistas, y su fotógrafo oficial. La banda actuaba en el momento del incendio.

El fuego prendió sobre las 2.30 de la noche en el club Pulse de Kočani, pueblo situado a unos 100 kilómetros de la capital de Macedonia del Norte, Skopje. Unas 500 personas atendían el concierto de la banda DNK cuando las chispas de unos fuegos artificiales empleados por el grupo en el show impactaron en el techo, hecho de «material altamente inflamable».

El ministro del Interior, Pance Toskovski, ha revelado que, según las primeras investigaciones, el club Pulse operaba sin licencia y que el aforo del concierto doblaba el oficial, de unas 250 personas. Hay al menos 15 personas detenidas sospechosas de soborno y corrupción en el caso. En Macedonia del Norte se han decretado siete días de luto.

‘Aún estoy aquí’: ni Mikey Madison, ni Demi Moore, el Oscar era de Fernanda Torres

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La victoria arrolladora de ‘Anora‘ en los Oscar fue también la de Mikey Madison. Las redes se llenaron de mensajes sobre cómo esto daba la razón a la teoría de ‘La Sustancia‘, al perder Demi Moore el premio frente a una actriz mucho más joven que ella. La gente se olvidaba de tres cosas: 1) no hay que “darle la razón” porque lo de ‘La Sustancia’ no es ninguna teoría sino la realidad, 2) lejos de ser Sue, Madison está genial en ‘Anora’, como lo estuvo en ‘Scream 5’ o en ‘Better Things’ y 3) el desprecio a Moore y a ‘La Sustancia’ en general no es otro que el desprecio que los Oscar siempre han tenido al cine de terror. Pero, tras ver ‘Aún estoy aquí’, aparece una cuarta cosa que añadir: si hay una injusticia en esta categoría, es que el Oscar a Mejor Actriz no haya ido a parar a otra de las nominadas, Fernanda Torres, cuya interpretación bate a la de todas sus compañeras. Incluso, a las nominadas en los Oscar del año pasado.

‘Aún estoy aquí’ supone el regreso a la esfera internacional por todo lo alto de Walter Salles. El director ya había cosechado éxitos en el pasado con ‘Central do Brasil’ o ‘Diarios de motocicleta’, y que aquí se ha alzado por fin con el Oscar a la Mejor Película Extranjera, que le escapó en esas dos ocasiones (el backlash que rodeaba a ‘Emilia Pérez’ probablemente ha influido). La película, que se ha convertido en la cinta brasileña más taquillera desde la pandemia, y la primera de ese país en ganar el Oscar, estaba también nominada a Mejor Película y a Mejor Actriz, siendo esta última nominación absolutamente incontestable.

‘Aún estoy aquí’ nos presenta a una familia en el contexto de la dictadura militar de Brasil (apoyada por EEUU, como se ha encargado de recordar la propia Fernanda Torres en la promo), contándonos la historia real de la familia Paiva, y centrándose en Eunice Paiva, la esposa del político Rubens Paiva. Lo hace, además, adaptando el libro homónimo que escribió el pequeño de la familia, Marcelo, a través de un guión de Murilo Hauser y Heitor Lorega, y con una banda sonora de la que obviamente tenemos que hablar: suenan por aquí Os Mutantes, Cesária Évora, Caetano Veloso, Roberto Carlos o Gal Costa, e incluso la mítica ‘Je t’aime moi non plus’ de Serge Gainsbourg y Jane Birkin.

La película tiene un pulso sobrio que, aunque en ocasiones se acerca demasiado al BiopicHistóricoTM, consigue entidad propia en algún que otro pasaje memorable como el de la desaparición. Pese a que flojea en un final un tanto reiterativo, logra que no nos importe al contar con cierta (tremenda) baza. Y es que, en lugar de recurrir a la caracterización para envejecer a su protagonista, reaparece a sus 95 años Fernanda Montenegro (considerada la gran dama de la interpretación de Brasil, y nominada al Oscar junto a Meryl Streep o Cate Blanchett en 1998) para interpretar a Eunice en su última etapa. Doblemente especial esto, porque Montenegro es la madre de Torres.

Y volvemos a Torres, porque todos los caminos conducen a ella al hablar de ‘Aún estoy aquí’: es el alma de la película, lo mejor con muchísima diferencia, y entrega una interpretación que podría haber tirado por lo “oscarizable” en sentido peyorativo, y que es todo lo contrario. Torres es visceral cuando tiene que serlo, pero esto funciona aún mejor porque lo que domina el metraje es la sutileza a la hora de expresar sus emociones, especialmente en cierta escena del bar que pone los pelos de punta, y que es quizás lo mejor visto este año. La actriz considera que la película no habla sobre el pasado, sino también sobre la actualidad: “estamos llenos de miedo y de ira, y divididos, y la idea de un estado violento que ponga orden en el desastre moderno es tentadora… pero debemos resistir”. Tiene razón y, por si lo racional no basta para entenderlo, el viaje de su personaje en ‘Aún estoy aquí’ consigue transmitir al público este peligro… y también la valentía y la esperanza.

Marie Davidson / City of Clowns

La tecnología se ha convertido en una parte tan esencial de nuestras vidas que es casi imposible escapar u oponerse a ella. Convivir con estos nuevos avances no debería verse como algo negativo per se, sino como una manera de facilitarnos la existencia. Sin embargo, las grandes corporaciones se nutren de nuestros datos para que la información que nos llegue sea personalizada y para hacer sus estudios de mercado con el objetivo de llenarse los bolsillos. La política de privacidad de muchas de estas grandes empresas es, en muchos casos, invasiva o, como mínimo, moralmente dudosa.

‘City of Clowns’, el quinto disco de la productora canadiense Marie Davidson, se inspira en un libro de teoría política de Shoshana Zuboff llamado ‘La era del capitalismo de la vigilancia’. Coproducido junto a Soulwax y Pierre Guérinau (su marido y compañero del dúo Essaie Pas), el proyecto plantea una atmósfera distópica y gris, donde la artista, mediante una actitud sarcástica refleja su hastío ante el excesivo control que ejerce sobre nosotros la tecnología.

Compartir en redes sociales rituales tan cotidianos como desayunar o irse a la cama se ha convertido en algo habitual, alimentando inconscientemente un algoritmo que poco a poco se adueña de uno. De esto va ‘Demolition’, donde Davidson habla desde la perspectiva de este ente sobre un beat construido con oscuros sintetizadores: “I do what I do / And I do it well / Keep you on my mind / Keep you in my house [Hago lo que hago / y lo hago bien / te tengo en mi mente / te tengo en mi casa]”.

La artista también arremete contra la falsedad del mundo online en ‘Sexy Clown’, una perversa muestra de electrónica post-industrial que se mueve entre lo siniestro y lo bailable. “Can you feel the cutting edge / of my dying tenderness [¿Sientes el filo cortante / de mi agonizante ternura]”, versa en el potente estribillo, donde su voz teatralizada subraya el fuerte componente crítico de la composición.

Davidson se acerca a esta temática siempre desde el humor, buscando no solo la reflexión, sino también crear canciones con las que poder divertirse. En ‘Push Me Fuckhead’, la canadiense combina ambas cosas de la manera más efectiva posible, dando con la fórmula perfecta para aunar la parte más cerebral de su música con la más gamberra. Sobre una producción exquisita, que introduce toques synthpop con acid-techno, se anuncian con enorme gracia una sucesión de frases que vemos constantemente en el mundo digital: “Don’t forget your security check [No olvides tu control de seguridad]”, “No way, that’s too much gluten [Ni hablar, eso es demasiado gluten]”, “We can upgrade your monthly plan [Podemos mejorar tu plan mensual]”.

En esta parte central de la secuencia es donde el álbum tiene mayor fuerza, encadenando ‘Push Me Fuckead’ con el irresistible electroclash de ‘Fun Times’ y con el fascinante paisaje sci-fi que dibujan los sintetizadores y drums de ‘Statistical Modelling’.

‘Y.A.A.M’ es otro admirable corte satírico y agresivo que nos lleva a una rave en una nave industrial. Si bien, la canción funciona por sí misma como un tiro, su espacio en la secuencia hace que pierda algo de impacto, pues lo que ofrece es bastante similar a lo ya escuchado. Sin embargo, ‘Contrarian’, que llega justo después, es un espectáculo de grandes proporciones: una enigmática y eufórica pieza de techno industrial aderezada con algunas de las secuencias melódicas más contagiosas del proyecto.

En general, el discurso teórico que plantea Davidson es siempre estimulante, incluso si en ocasiones su compromiso estilístico muestra síntomas de agotamiento. La densidad, sonora y narrativa de ‘City Of Clowns’ hace que su conjunto no sea fácil de digerir de una sola sentada, pero en sus mejores momentos, logra que la aparente frialdad con la que expone los dilemas del capitalismo tecnológico se transforme en puro humanismo.

Carly Gibert, de gira, es la catalana que escribe para Lisa y Jennie

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Carly Gibert es uno de los secretos de la industria musical estadounidense, pero ella es catalana, en concreto de Cambrils, un pueblo de Tarragona. Gibert empezó en la música subiendo covers de artistas como Beyoncé y su voz conquistó a 10:22 PM/Def Jam, sello subsidiario de Universal Music Group, que la fichó. El resultado fue que, con 16 años, Gibert se mudó de Cambrils a Los Ángeles para desarrollar su talento.

Los singles de Carly Gibert, como ‘Dropping Seeds’ o ‘Woo / Run It’, se han venido sucediendo al menos desde 2018 y contienen una evidente influencia del hip-hop, el rap y el pop anglosajón. ‘Lavish’, el más synth-pop de todos, suena listo para invadir la radiofórmula. Y solo hay que escuchar la dicción de Gibert cantando para cerciorarse de que ha vivido años en Estados Unidos hablando inglés. En 2022, Gibert publicó su álbum debut, ‘Tabula Rasa’.

Aunque Gibert ha decidido en el último año romper su vínculo con una multinacional y «volver a Cambrils» para «abrazar la libertad artística», su trabajo como compositora ha emergido ahora en el pop mainstream a través de dos de los mayores macrolanzamientos pop del año, los de las compañeras en BLACKPINK Lisa y Jennie. Gibert co-escribe, en el álbum de Lisa, el corte ‘Rapunzel’ y, en el de Jennie, aparece en hasta tres cortes, incluido el single ‘Love Hangover‘, además de ‘F.T.S.’ y ‘Seoul City’. Eso sí, un español, el rapero Enry-K, colaboró con Gibert antes que nadie en ‘BUMBUMBUM’ (un temazo).

Pero que Gibert publique música ahora de forma independiente no significa que sus canciones hayan perdido el acabado internacional de antes ni mucho menos su curiosidad experimental. ‘Jennifer Lawrence’, el single principal de su EP de 2024 ‘Thank God Things Change’, era muy potente, y más potente es el single que ha lanzado Gibert este 2025.

‘Everything New’, Canción del Día, suena a todo lo que debería traer el pop en 2025: frescura, aventura, experimentación, «todo nuevo» en definitiva. La base de ‘Everything New’ hibrida influencias de hip-hop, ritmos tribales y psicodelia, haría cosquillas a Busta Rhymes y Missy Elliot y es todo lo que buscaba Doja Cat en su último disco. El videoclip la ha editado ella misma en su iPhone y es una locura.

Carly Gibert presentará ‘Thank God Things Change’ este mes de marzo en España, el jueves 20 de marzo en la sala Clamores de Madrid y el viernes 21 de marzo en la sala LAUT de Barcelona.



La sauna de Suecia y la ópera pop de Austria, favoritos de Eurovisión 2025

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Como es habitual, a mediados de marzo ya ha terminado el plazo para que los países candidatos a Eurovisión decidan sus canciones. De momento dos temas se han destacado en las apuestas, además de Israel, cuya participación ya es meramente política. Tras su éxito el año pasado en el festival, el año del genocidio que cometían en Gaza y se llevaba la vida de más de 42.000 personas, este 2025 concurren con una superviviente de la masacre en el festival Re’im, Yuval Raphael.

El primer lugar de las apuestas, de momento, es para la banda KAJ, un trío cómico finés que acude por Suecia con la divertida, contagiosa y kitsch ‘Bara Bada Bastu’. Está en un dialecto sueco. Si este siempre es de los países favoritos dada la competitividad de Melodifestivalen, esta vez puede sumar el voto freak. Su performance pasa del bosque a una sauna, de una estrofa a otra.

En segundo lugar en las casas de apuestas encontramos a JJ, que acude con ‘Wasted Love’. En este caso es tremenda balada de corte operístico, con sorpresa dance al final. A tenor de su vídeo, esto podría llamarse también ‘Levitating’. Además, su puesta en escena estará a cargo del español Sergio Jaén, que tan feliz hizo a Irlanda el año pasado, y este también se encargará de Chipre.

En cuanto a España, figura en estos momentos en el 31º lugar de las apuestas con ‘Esa diva’. Melody ha llegado a estar más abajo, si bien no pinta a que vayamos a continuar subiendo. La nueva versión de ‘Esa diva’ ha sido recibida con tibieza y simplemente ha entrado al puesto 81 de Spotify España en su primer día. La vieja versión llegó a estar más alto. 

Playlist de Eurovisión

‘Mickey 17’: Bong Joon-ho tropieza en su blockbuster hollywoodiense

Bong Joon-ho, dueño de una filmografía coherente y sólida, se ha movido siempre entre el thriller y la ciencia ficción, con un peculiar estilo comiquero que ha ido ganando más y más adeptos con el paso de los años. Tras el abrumador éxito de ‘Parásitos’ (Palma de Oro, Oscar a Mejor Película), el mundo entero tenía los ojos puestos en el cineasta coreano.

Seis años después, su nueva película, de producción estadounidense, continúa esa senda llevándonos a un futuro distópico en el que los humanos ya no quieren habitar La Tierra. Tal es la desesperación y la precariedad que se experimenta, que Mickey (Robert Pattinson) accede a ser un “prescindible” en otro planeta, es decir, un conejillo de indias de las altas esferas que está dispuesto a morir las veces que haga falta, ya que cada vez que lo haga, se someterá a un avanzado proceso de reimpresión donde volverá a ser la persona que era. El objetivo de la maquiavélica empresa es doble: experimentar con una futura inmortalidad y colonizar el nuevo territorio, habitado por peligrosísimos gusanos peludos.

Este mundo desesperanzado, liderado por un esperpéntico magnate (Mark Ruffalo) y su esposa (Toni Collette), conecta directamente con las ansias de poder y ambición sin escrúpulos de Donald Trump y su amigo Elon Musk. El problema no es solo que la sátira política que lanza Bong sea bastante burda, sino que nunca es realmente ácida, ni mucho menos lo divertida que pretende ser. El humor bobo y facilón aterriza en numerosas escenas que no necesitaban ese alivio cómico. Un síntoma evidente de que la película no sabe cuál es el tono que debe usar para contar esta historia.

Otro de los grandes lastres de la producción es su estructura dispersa y desorganizada, que tira por tierra cualquier indicio de intriga. Viniendo de un cineasta tan imaginativo y con un sentido del ritmo narrativo tan ágil como Bong, sorprende lo inerte que le ha salido este carísimo -unos 118 millones de dólares- experimento.

El mensaje -bien subrayado- sobre la importancia de rechazar los sistemas que nos ven como simples números y reivindicar la humanidad por encima de lo artificial está muy bien, pero cuando para resolver esta larguísima odisea no hay mejor opción que recurrir a un deus ex machina, es que todo está construido sobre unos cimientos que no se sostienen.

Menos mal que Robert Pattinson está ahí aguantando como puede las inconsistencias de un guion tan limitado. Su entrega al papel y su carisma, consiguen dotar al protagonista de cierto encanto. Es lo mejor que tiene ‘Mickey 17’, una película que no funciona ni como crítica sociopolítica ni como entretenimiento palomitero.

Paul Thin / Reboot

Paul Thin lo pasó mal de pequeño y de adolescente. ‘Reboot’ es una especie de venganza: el chico de gustos raros, haciendo de la rareza su virtud. Tras versionar a Bizarrap en la tele como los «featurings» del argentino apenas pueden, empaparse de Bo Burnham y Vangelis, y sacar un EP algo sobrevalorado por estos lares, Paul Thin publica ‘Reboot’, con una estética cyberpunk se desconoce si demodé o pionera. Un disco conceptual inspirado en un mundo distópico en el que se puede resucitar a las personas, insertando sus recuerdos en un chip. Los fallos y dilemas éticos que plantea el asunto le llevan a citar ‘Blade Runner’ como referencia.

La locura de géneros contenida en estos 40 minutos de disco trasciende lo musical, porque también hay voces en off en intros e interludios que se encargan de narraciones y subrayados, tocando lo cinematográfico y lo televisivo. ‘Reboot’ es a la vez un disco a la moda de 3 canciones en 1, en la estela de lo que han hecho a veces Lola Indigo y Bad Bunny, solo que también es una serie de Netflix que, como el artista pretendía, se imagina mientras se escucha, incluso sin necesidad de ver los lyric videos. Las canciones ya son bastante videoclips por sí mismas.

La sobreproducción está en ‘Reboot’ tan salida de madre que ni el propio Paul Thin sabe identificar el momento más loco del disco. Ha querido que sea ‘Quién’ porque representa el clímax, el momento de «reinicio» final. Sin embargo, diría que el momento más loco de todo esto es la parte central del álbum, esos 10 minutos en los que pasamos de oír campanas de iglesia (principio de ‘Descanso’) a drum&bass y guitarras eléctricas (final de ‘Descanso); de ahí al reggaeton (‘Volverás a llamar’), al jersey (aún ‘Volverás a llamar’); de ahí a la balada de ambient y trap (‘Reboot’); de ahí al flamenco (‘Mi corazón’) y a lo industrial (misma canción).

Cada préstamo musical parece esconder un motivo, y así a continuación ‘Fiebre del oro’ pasa de la balada al reggaeton para pasar del amor al sexo. Es solo que la experiencia auditiva a veces es un poco «too much». Sobre todo cuando después de tantísima intensidad vuelven los diálogos. Un error de primero de Bellas Artes es meter todo lo que conoces y se te ocurre en tu obra, no dejar fuera nada, y parece el caso.

En este mar de ideas abrumador, se agradecen canciones normales. Es el caso de ‘El diablo se viste de mí’, un electropop cinético influido por Vangelis, John Carpenter y The Weeknd, por suerte sin retraca final. Paul Thin reflexiona sobre los estragos de la fama y su identidad, y ya. Y sobre todo es el caso de ‘Luz’, la balada final de aceptación, tan necesaria como calentar después de una desquiciada sesión de spinning. Entre lo más loqui, los grandes growers son ‘No es la mía’, no por su inicio industrial, sino por la melancolía de su estribillo; y ‘Volverás a llamar’, no por frases como «los borrachos y los niños siempre dicen la verdad»… sino por la melancolía de su estribillo. Paul Thin sufrió bullying y ese trauma arrastrado se percibe en no pocos momentos del álbum, tanto en letras, como en tonos, en interpretación vocal y finalmente, en producción musical.

¿Es ‘Reboot’ arriesgadísimo o simplemente pretencioso? La línea que separa ambas cosas es muy fina. Personalmente, y ya que Paul Thin luce un ojo de cada color, como David Bowie, soy partidario de que antes de intentar una trilogía berlinesa, entregues un ‘Starman’ o un ‘Life on Mars’. ¿Se puede pintar un cuadro vanguardista antes de haber pintado algo que entiendan tus abuelos? Quizá sí, puede que esa concepción se haya quedado vieja. Hay artistas que están haciendo una carrera de éxito e incluso prestigio a costa de meter cosas a la fuerza donde no caben. Ahí tenéis a Lady Gaga.

Sorpresas y ausencias en los mejores discos de 1975 a 2025 para El País

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Este año se celebra el 50 aniversario de la muerte de Franco. El País ha elaborado una lista con los 50 mejores discos que nos han dejado estos 50 años, votados por 41 especialistas en cultura para Babelia.

La lista concluye que el flamenco y sus interpretaciones modernas son lo mejor que ha pasado a la música española, coronando a Camarón, Rosalía y ‘Omega’ en el podio. También aparecen Kiko Veneno, de varias formas; dos discos de Paco de Lucía, Lole y Manuel y Carmen Linares, entre otros. Estos discos son los que tienen que estar, pero las sorpresas empiezan ya en el top 10 con la buena valoración de ’10 milles per veure una bona armadura’ de Manel, uno de los grandes «sleepers» de los últimos años, y un disco ciertamente precioso.

Los Planetas quedan por debajo de los catalanes, en el puesto 11 con ‘Una semana en el motor de un autobús’, y aparecen también en el 38 con ‘La leyenda del espacio’. Son la representación del indie patrio, pues entre las ausencias hay que hablar de Surfin Bichos, de sus herederos Triángulo de Amor Bizarro, de La Buena Vida, de Señor Chinarro, de La Bien Querida o de Klaus & Kinski (tampoco están Claustrofobia). En cantautores, se echa de menos a Christina Rosenvinge y a Nacho Vegas.

Si se trataba de reivindicar la música underground, Astrud están en el puesto 22 con ‘Mi fracaso personal’; por encima de Family que aparecen en un discreto puesto 25 con ‘Un soplo en el corazón‘.

En el plano «indiemainstream», hay malas noticias para Love of Lesbian, que no han llegado al top 50 con ‘1999’; para ‘PUTA’ de Zahara; pero no para Vetusta Morla, que llegan al puesto 36 con ‘Un día en el mundo’, justo un puesto por encima del disco multiplatino de Dover. La mayor sorpresa podría ser la presencia ‘Atlántico’ de Xoel López, que está en el 48 pese a que, por ejemplo, en Mondosonoro recibió un 6/10.

En cuanto a música urbana (o algo así), y Rosalía aparte (‘Motomami’ aparece por debajo de ‘El mal querer’, en el top 12), Mala Rodríguez lidera en el 16 con ‘Lujo ibérico’, ‘El Madrileño’ de C. Tangana está en el 21; 7 Notas, 7 Colores, en el 33 con ‘Hecho, es simple’ y, ojo, ‘A.D.R.O.M.I.C.F.M.S. 2’ de Yung Beef llega al puesto 42. Inclasificable, ni indie, ni urban, ¿folclore?, ‘Alegranza’ de El Guincho está en el 43.

Recordando la edad de oro del pop español, no ha habido suerte para ‘Camino Soria’ de Gabinete Caligari ni ‘El eterno femenino’ de La Mode, pero sí para Nacha Pop y Mecano, que cierran el top 20 con ‘Nacha Pop’ y ‘Entre el cielo y el suelo’. ‘Autobiografía’ de Duncan Dhu llega al número 47. Destaca la excelente valoración de Radio Futura, que aparecen dos veces, una de ellas dentro del top 10; y también de Alaska y Dinarama, que sitúan ‘Deseo carnal’ en el top 7 de estos 50 años. Peor destino ha corrido ‘Una temporada en el infierno’ de Fangoria, y la música electrónica, en general. Por ejemplo, John Talabot o Delorean.

En cuanto a discos conocidos por todos, también hay malas noticias para ‘Más’ de Alejandro Sanz, ‘Palabra de mujer’ de Mónica Naranjo, para Estopa, para Amaral y para La Oreja de Van Gogh. Joaquín Sabina sí está con ’19 días y 500 noches’ en el 13, y El Último de la Fila en el 24 con ‘Enemigos de lo ajeno’; ambos por de debajo de ‘Agila’, la gran obra de Extremoduro.

Hay que recordar que esta es una lista de los últimos 50 años, lo que deja fuera ‘Heliotropo’ de Vainica Doble, a CRAG, o ‘Mediterráneo‘ (Serrat aparece con un directo); pero no a Cecilia, que llega al 27 con ‘Un ramito de violetas’.

Una lista excelente, con sus peros -como todas-, gracias a la cual podrás descubrir esos discos de Leño que siempre te dieron pereza, o alguien al fin se animará a escuchar el sublime ‘Señora’ de Rocío Jurado. Os dejamos con el top 10. El top completo, en El País.

1.-Camarón / La leyenda del tiempo
2.-Rosalía / El mal querer
3.-Enrique Morente & Lagartija Nick / Omega
4.-Kiko Veneno / Échate un cantecito
5.-Sisa / Qualsevol nit pot sortir el sol
6.-Radio Futura / La canción de Juan Perro
7.-Alaska y Dinamara / Deseo carnal
8.-Extremoduro / Agila
9.-Veneno / Veneno
10.-Manel / 10 milles per veure una bona armadura

Porridge Radio «dejan de bailar» esta semana para siempre

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Porridge Radio han decidido separarse tras la edición de su cuarto disco, el notable ‘Clouds in the Sky They Will Always Be There for Me‘, que justamente contenía algunas de las mejores canciones de su carrera. Era el caso de ‘Sick of the Blues’, que al menos en ocasiones está abriendo el setlist cuando cerraba el álbum, o ‘A Hole in the Ground’.

La banda de Brighton liderada por Dana Margolin se despide con un EP y una gira que está a puntito de llegar a nuestro país. El lunes 17 de marzo estarán en Razzmatazz 2, Barcelona; el 18 de marzo en la Sala López, Zaragoza; el 19 de marzo en Copérnico, Madrid; y el 23 de marzo en el Dababada de Donosti. En cuanto al EP ‘The Machine Starts to Sing’, vuelve a contener grandes canciones que ya han incorporado a su repertorio, como la final ‘I’ve Got a Feeling (Stay Lucky)’ -que incorpora vientos- o ‘Don’t Want to Dance’, que seleccionamos como Canción del Día hoy.

‘Don’t Want to Dance’ es claramente una canción de desamor que ha terminado convertida involuntariamente en una metáfora sobre la separación de la banda. La producción pasa de un inicio acústico lo-fi, al desgarro.

Por un lado escuchamos a Dana decir «no estoy preparada para dejar de quererte aún», pues sin duda estamos ante una lucha consigo misma («no quiero bailar, pero no quiero llorar por eso»), solo que ahora a sus fans solo puede sonarles a despedida.

A eso nos lleva el final de la canción «he tolerado todo lo que podía tolerar» y sobre todo la conclusión final «no hace falta hablar de esto, no hace falta llorar por esto, como el polvo, el viento se lo llevará».

Natti Natasha: «Antes la bachata solo se tocaba en cabaret, era un baile prohibido»

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Natti Natasha, autora de éxitos del reguetón tan masivos como ‘Criminal’ o ‘Sin Pijama’, vuelve con un disco de bachata. El amor de la dominicana por este estilo brilla en su cuarto disco, ‘Natti Natasha En Amargue’, para el que ha fichado al que es considerado por muchos como el mismísimo rey del género. Así, Romeo Santos escribe, compone y produce todas las canciones.

Durante los últimos años, Natti ha estado bastante ocupada apareciendo en portadas de revistas, protagonizando su propia serie documental en Prime Video o potenciando su marca de vino espumoso. Con este disco, Natasha quiere demostrar «el gran amor que siento como dominicana por este género», además de regalar «una ofrenda de amor y gratitud a la República Dominicana y a todos aquellos que han abrazado la bachata».

Hablamos con Natti Natasha sobre cantar bachata siendo una mujer, los difíciles inicios del género, trabajar con Romeo Santos y la nueva ola del reguetón.

¿Bachata o reguetón? ¿Cuál te ha dado más alegrías?
Ah, las dos. No puedo. Es que no puedo escoger.

Con lo que tú amas la bachata, ¿cómo es que nunca habías hecho un disco como este?
Porque nunca se me había dado la oportunidad de hacer un disco, pero sí había lanzado bachatas en cada proyecto musical, aunque fuesen de reguetón. Así también veía cómo la gente iba reaccionando y si me lo permitían.

¿A qué te refieres con que nunca se te había dado la oportunidad?
Pues como que nunca se había planeado, porque cuando hice la primera canción, que fue ‘Desde Hoy’, todavía no había un plan de hacer un proyecto completo de bachata. Cuando Romeo se acerca, me dice: «Natti, yo creo que tú eres la persona que puede interpretar esta canción». Desde ahí, grabamos otra, y la tercera, y así decidimos hacer un proyecto completo.

¿Te habría gustado sacarlo antes?
Sí, lo tenía en mi mente, pero no sabía en qué momento iba a ser. Todo tiene su momento perfecto.

¿Dirías que has sorprendido a tus fans con este disco?
Siento que sí y a la misma vez siento que ellos estaban esperándolo. Siempre me exigían un disco de bachata y yo siempre decía que ya casi, que ya casi… Duré cuatro años diciendo esto y ya está fuera.

O sea, que había ganas porque siempre han respondido bien.
Siempre. En ‘Iluminatti’ lancé ‘Quien Sabe’, que el video soy yo como de monja en una iglesia, y era la primera vez. No sabía cómo iban a reaccionar, me la aceptaron y entonces en el segundo proyecto, en ‘NATTIVIDAD’, metí otra bachata que se llama ‘Cuento Breve’. Ya con el remake con Romeo Santos de ‘La Mejor Versión de Mí’ conecto con otra persona que hace bachata. Y quién mejor que el rey de la bachata para acompañarme en una nueva etapa para él, porque hizo la composición de todas las canciones y produjo todas las canciones dentro del disco. Estar en ese papel, y no en el de cantante, fue algo muy nuevo para él.

Mientras él componía las canciones, imagino que tú también has formado parte de ese proceso creativo, de alguna forma.
Sí, claro que sí. Al terminar de escribir ‘Quiéreme menos’, que la estaba haciendo con mi pareja y conmigo ahí, me dice: «Les quiero mostrar algo, porque me inspiré en ustedes». Nosotros no teníamos ni idea de que la estaba haciendo sobre nosotros. O sea, que pude ver todo el proceso creativo. Intercambiamos ideas, obviamente. Me preguntaba cosas como «¿Cómo te sientes?» o «¿Cómo dirías como dominicana que alguien es mentiroso?», por ejemplo, para ‘Pinocchio. Y yo: ¡Habladoraso!. Entonces, teníamos esa cosa en la que me pedía mi perspectiva para algunas situaciones.

¿Qué es lo más importante para que una bachata funcione y llegue al corazón?
El sentimiento. Transportarte a un momento donde te salga. No cantar, sino llorar en una canción. Definitivamente, una cosa que tenemos muy en común Romeo y yo es que al momento de interpretar se necesita esa emoción real para poder conectar con todo el mundo.

¿Qué es lo más valioso que has aprendido de Romeo?
La disciplina. El poder todavía disfrutar lo que está haciendo después de tantos años de éxito. Ver cómo él se reinventa, entra en otra faceta, lo comparte con una artista nueva para él… Que tenga la humildad suficiente para sentarse conmigo en cada canción. O sea, yo estaba grabando y él estaba sentado así como tú. Es alguien a quien veía por televisión y escuchando sus canciones decía: Wow, ¿de dónde salen este tipo de letras?

Entonces, no erais amigos, pero sí habíais colaborado antes.
Siempre tuvimos una buena química. Yo lloré el día que escuche el remix de ‘La Mejor Versión de Mi’ y la manera en la que él me respondía. No hablaba con él todos los días, pero la química siempre estuvo y eso es muy importante al colaborar con otro artista. Disfrutar lo que se está haciendo se ve en los vídeos, en el escenario y en todo.

Habiendo crecido en República Dominicana, imagino que la bachata te ha acompañado durante toda la vida. ¿Cuál es tu primer recuerdo con la bachata?
Mi primer recuerdo es de Anthony Santos, con ‘Voy Pa’Lla’. «Voy pa’lla, voy a buscar la mujer que me domina» (cantando). Siempre, donde sea que yo iba, sonaba eso. Eso fue como un boom, porque estaba prohibido tocar la bachata en todos los sitios de la República Dominicana. Siento que lo de tocar en diferentes lugares se hizo más popular con esa canción.

¿Cómo es que estaba prohibida?
Sí, solamente se tocaba en cabaret. Era como un baile muy prohibido también, porque era música de amargue. Se decían muchas cosas. Por eso me siento tan cómoda en la bachata, porque siento que, como en el reguetón, puedo decir las cosas muy directamente, de forma muy cruda. Obviamente, hay palabras muy fuertes y más en ese tiempo.

Además de no ser aceptada, también era algo más local. ¿Cómo de local?
Muy local. Solamente en la República Dominicana. En Santiago, en ese momento. No sé en otras ciudades porque estaba muy pequeña. En especial recuerdo la de Anthony Santos porque cuando sonaba la gente se miraba entre ellos. Gracias a Dios, pude experimentar eso en mi ciudad.

También has visto cómo se ha ido expandiendo el género con el paso de los años.
Sí, es increíble. Cuando salió Aventura, fue como una revolución. O sea, yo era una de las fanáticas que cuando ellos estaban en la ciudad de Santiago, que salían todas las muchachas, decía: «¡Oh my god, va Aventura en ese carro!». Es bien loco que pueda ver hoy que hice un álbum con él. Romeo Santos presenta Natti Natasha. De verdad, hay cosas que pasan tan extrañas, que el universo te envía… Obviamente, se trabaja para eso, pero no se sabe cuándo va a pasar.

¿Es verdad que la bachata es cantada por hombres normalmente?
Sí.

Entonces también te estás saliendo un poco de ese molde, ¿no?
Sí. Es importante que si se va a hacer, se haga grande. Y me encantan los retos. Me encanta poder decir que sí se puede y poder hacer este género amigable y con puertas abiertas para las mujeres también. Nosotros también podemos decir todo crudamente y es algo que además me caracteriza mucho, el poder decir las cosas como son. La bachata invita a eso, así que si puedo ser una de las primeras dentro de la bachata, pues bienvenido sea.

Volviendo al reguetón, la única colaboración del disco es Ozuna. Aquí como que le sacas un poco de su zona de confort. ¿Cómo os habéis entendido?
Muy fácil, él es muy talentoso. Estábamos en el estudio, con comida china… llevábamos horas ya ahí. Tú sabes que ahí una pide de todo y no es tan saludable todo el tiempo. I love Chinese. Yo ya había grabado mi parte en ‘Ya No Comparto’ y recuerdo que todos pensamos en Ozuna para subirse. Le hicimos la llamada, estaba en Miami y esa misma noche llegó. Yo agradecida con él, que me dijo que si quería repetir esa fórmula ‘Criminal’, como yo le digo, por segunda vez, pero en bachata. Y le está gustando muchísimo a la gente.

¿Con ‘Criminal’ hubo tanta conexión? No sé si era la primera vez que os conocíais.
Yo le había escuchado en la radio porque él estaba explotando muy fuerte en ese momento, pero le conocí directamente en el estudio. Yo pensaba que a él le gustaba la canción, pero no le gustaba, no la sentía mucho.

La escena del reguetón era muy diferente en 2017. ¿Cómo ves el panorama ahora y qué cambios has notado desde entonces?
Se ha hecho más común que cada país tenga sus exponentes y eso es muy cool. Siento que es un logro muy grande de todos los pilares y todas las leyendas vivientes que hicieron que eso fuese posible. También siento que hay muchas oportunidades para todo el mundo y que se puede fusionar muy fácilmente con otros géneros.

¿Cuáles son algunos de tus artistas favoritos de la nueva ola?
A mí me gusta mucho el dancehall, pero de reguetón me gusta Ozuna, Anuel AA… Obviamente, Wisin y Yandel me encantan, pero eso ya son requeteprobados. Soy fanática del reguetón clásico. ¿Cuál es tu favorito? ¿Qué tú escuchas?

No suelo escuchar mucho reguetón… Me gusta Feid, Karol G…
Ah sí, demasiado, pero si me hablas de nuevo, nuevo… Quizás no lo incluiría ahí. Feid le ves ahí ahora pero tiene años componiendo. Yo iba al estudio y él estaba dentro de los Avengers, que he colaborado mucho con ellos. Trabajaron tanto que el día de hoy son artistas que pueden viajar alrededor del mundo y por eso no los veo como que salieron ayer.

¿Tú vas a volver a hacer reguetón?
¡Claro que voy a seguir haciendo reguetón! Es que yo tenía cuatro años con ‘Natti Natasha en Amargue’, que ya lo había grabado.

¿Llevabas cuatro años con el disco ya hecho?
Exacto. Yo lo escuchaba sola todo el tiempo, peinándome o maquillándome en mi casa simplemente, o dándole los últimos toques en la mezcla y todo eso, pero siempre seguí haciendo reguetón. Este proyecto también siento que es otro escalón para mi carrera y algo que me quería disfrutar, que necesitaba hacerlo para abrazar mi cultura. Me lo debía a mí y a toda mi gente de la República Dominicana.

Éxitos y fracasillos del I Congreso de Prensa Musical

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Marta y Diego, de NUEBO, respondiendo preguntas un lunes, muy temprano (Fernando Beat)

Este lunes desde PAM (Periodistas Asociados de Música), organizamos el I Congreso de Prensa Musical, reuniendo a casi un centenar de periodistas musicales que trabajan para medios como Radio 3, El País, El Diario, ABC, El Mundo, la Agencia EFE, Rockdelux y Mondosonoro, entre muchos otros, en lo que podía ser un récord Guinness de trabajadores autónomos por metro cuadrado. Ver a toda esta gente junta por primera vez fue muy motivador. Un éxito de convocatoria (aforo completo) que hay que agradecer a Manuel Pinazo de Muzikalia, presidente de PAM, y Laura Pardo de RNE y freelance, vicepresidenta inminente. Como los encuentros de la industria que se producen en BIME, Monkey Week o Primavera Pro, estos eventos se caracterizan por convertirse en una especie de terapia colectiva en la que cada uno se queja de lo suyo, solo que esta vez no veníamos a hablar de los artistas, ni de los sellos, ni de los hits, sino de la prensa, según algunos organismos, el sector más vulnerable. «Precariedad» fue la palabra más repetida en las 7 charlas organizadas, disponibles aquí, y aun así hubo quien lamentó que no se estuviera hablando lo suficiente sobre ello.

Diego Rubio de NUEBO, que también escribe para Rockdelux, habló de algo muy común en la profesión: la inexistencia de vacaciones reales, el no cobrar cuando tu revista cierra en verano, la necesidad de trabajar los fines de semana o de madrugada. Añado que la conciliación con tu pareja o amigos, tampoco existe cuando la noticia de la muerte de Amy Winehouse salta un sábado por la tarde, la de Lou Reed un domingo a última hora, la de George Michael el día de Navidad o la de Avicii un viernes por la tarde. Tu vida -tus hijos, tus padres dependientes, tu pareja- pasa inesperadamente a segundo plano cuando el tráfico de tu site depende en un porcentaje muy elevado de la «última hora», o cuando tienes que entregar a tiempo una pieza para papel.

Aun así, el legendario Diego Manrique va a publicar un libro llamado ‘El mejor oficio del mundo’, recopilando anécdotas de 50 años de profesión, porque uno tiende a quedarse con lo bueno en perspectiva, supongo. Concuerda con él, a dos generaciones de distancia, Marta España, que vive de la comunicación y es artista (Marta Movidas), pero reconoció que su verdadera motivación es el periodismo musical. A aquel que dijo que los periodistas somos artistas frustrados, chúpate esa. Al fin y al cabo, ¿a quién vamos a dar pena con un trabajo que implica entrevistas con artistas de primera línea, discos y entradas gratis y alguna que otra barra libre de Pascuas a Ramos?

Por eso, como vicepresidente de PAM, interpreto como un pequeño fracasillo que este tipo de Congreso se convirtiera más en un cúmulo de penas que de proyectos de futuro. El redactor más joven de JNSP, y un ex becario (nuestras becas siempre han sido remuneradas en pos de la profesionalización del sector) salieron de allí muy desanimados tras escuchar cosas como que el mismísimo Julio Ruiz había trabajado en la radio sin cobrar durante décadas, sobreviviendo más bien gracias al periodismo deportivo. O que la fotógrafa Samantha López no puede vivir de su trabajo. O que su hueco en el foso de un concierto se lo queda un influencer. O que Fernando Íñiguez de El País se reconocía mileurista con 67 años.

Otro Fernando de El País, Navarro, estuvo en mi opinión más acertado cuando llamó al compañerismo en el sector, que buena falta hace, que cuando repitió algo así como que «la música ya no interesa a nadie». Su libro sobre la carrera de Supersubmarina, que iba por la 5ª edición ya el verano pasado, certifica lo contrario.

Supongo que todo este tremendismo procede de los varapalos que ha recibido el papel, y del desastre producido por el cambio en los algoritmos de Facebook y Google en el último lustro. Honestamente, nunca basé el éxito de JENESAISPOP en el usuario «paracaidista», aquel que un mes te llevaba a 700.000 usuarios únicos, y luego jamás volvía. Siempre he sido consciente de que el periodismo musical es algo minoritario: en el instituto lo seguíamos los más raros, y he perdido toda esperanza de que mi padre entienda a qué me dedico o presuma de mis logros con los vecinos. ¿Pero de qué sirve repetir que somos irrelevantes delante de instituciones y anunciantes cuando algunas cifras apuntan a lo contrario?

El fin de la monocultura es un factor en la caída de tráfico, si es que hay caída de tráfico (viendo las cifras que producen según qué artistas, o según qué artículos, a veces creo que es una cuestión de enfoque). Pero es verdad que ya no hay nombres que gusten a todo el mundo como el siglo pasado. De hecho, allí no hubo forma de ponerse de acuerdo entre nosotros mismos. La gran Patricia Godes dijo que Alejandro Sanz había tenido mala prensa por gustar, sobre todo, a las mujeres. Fernando Navarro, en cambio, le llamó «mafia». Jorge Ortega, de Ruta 66, me preguntó durante la hora de comida «cuál era mi grupo favorito». Yo respondí que Rosalía.

Por suerte, pudimos concordar con los Beatles. Pero allí las voces eran definitivamente diversas: Elena Cabrera (El Diario) criticó la falta de mujeres no solo en la prensa musical, que obvio, sino también en festivales, incluso en Primavera Sound, que es de los más paritarios. Santi Carrillo (Rockdelux) le respondió con otras cifras, que incluían a los artistas no binarixs y a los grupos mixtos. Como “hater” de Supersubmarina, Carrillo estaba compartiendo mesa con un fan de Supersubmarina hasta la médula. Como siempre, se oyeron voces a favor de las subvenciones y otras en contra. Gente que hablaba de sindicato y gente que hablaba de patronal. Nuestras diferencias profundas pueden hacernos más fuertes, porque significan que nos dirigiremos a públicos distintos, de la misma manera que el k-pop, Bad Bunny, Amaia y Arctic Monkeys conviven en las listas de éxitos.

El evento celebrado en AIE, que donó gentilmente su sede, y patrocinado por Fundación SGAE, que permitió la invitación a periodistas de fuera de Madrid, dejó algunas ideas, aunque creo que no las suficientes. Desde la mesa de financiación intentamos dar algunas: las nuevas formas de comunicación en redes aprovechadas por Arturo Paniagua, los podcasts, los libros y cuadernos en papel como insólito salvavidas de sites como Efe Eme, Muzikalia o el nuestro, y -nunca se repetirá esta palabra suficiente-, la diversificación en los ingresos a través de eventos o pasarelas de pago, a lo Mondosonoro. También propuse la generación de una agencia que nutra de «branded content» de calidad a algunos medios. Este Congreso debería ser solo el principio de algo.

Respecto al «periodismo musical de calidad» en sí mismo, Rockdelux decidió no alardear demasiado del suyo, y creo que fue Jordi Bianciotto (El Periódico) quien hizo la intervención más interesante. Recordó que los medios no podemos ceñirnos a las agendas de discográficas (o festivales). Alabó el excitante momento musical que vivimos, tanto en cuanto a diversidad de estilos, como en cuanto a venta de entradas, y propuso salir de la rueda promocional para crear nuestra propia agenda. Elaborar nuestros propios contenidos, más analíticos, con opiniones contrastadas, para devolver al periodismo musical la credibilidad que quizá ha perdido, entre otras cosas, a base de repetir a todas horas, por todas partes, que la ha perdido. En la línea, Carlos Pérez de Ziriza cuestionó la ausencia de críticas negativas, pero reconoció que no era muy motivador escuchar discos que no te gustan o ir a un concierto de Melendi, “a 20, 30 o 40 euros” por artículo. Aun así, se atrevió a hablar mal de Lana del Rey tras un FIB, y sus fans se la juraron. «Lo peor es escribir de discos (o artistas) que te dan igual, que ni frío ni calor”. Pero lo de Lana le pareció “muy divertido”, aseguró, la mar de satisfecho. Ese es el espíritu.