Little Simz, una de nuestras artistas de cabecera gracias a álbumes como ‘Sometimes I Might Be Introvert‘, ganador del Mercury Prize 2022, acaba de anunciar su sexto trabajo, ‘Lotus’. Saldrá a la venta dentro de unos meses, en concreto el 9 de mayo, a través de AWAL Recordings. Su primer sencillo, ‘Flood’, es nuestra Canción del Día hoy.
Se trata de una colaboración con Obongjayar y Moonchild Sanelly, marcada por dos cosas: en la producción, la percusión; y en lo visual, la estética torera. Solo que esta nos llega sobre un fondo oscuro, no viene acompañada del color que le atribuye el mundo taurino en España. El vídeo es obra del cineasta Salomon Lighthelm.
Obongjayar se encarga de desplagar la intro que en verdad va a ser el estribillo («mientras camino por este malvado suelo, mantenme lejos del diablo»), y Little Simz de escupir los versos, que incluyen frases como «Puedes cambiar de forma tanto como desees, pero sabes que yo soy la pieza que falta en el puzzle».
Ambos mantienen la tensión de la canción viva hasta que en una tercera estrofa Little Simz despliega una especie de 6 mandamientos, que incluyen consejos por la supervivencia. Algunos de ellos son «cuidate a ti misma», «no te lo tomes a lo personal» y «no reacciones ante los clones».
Según la nota de prensa de XL en España, «Lotus encarna renovación y crecimiento, reflejando el arte de la artista en evolución y el viaje temático del álbum a través de las intrincadas fases de la vida».
REPION acaban de ser citadas por Viva Suecia como una de sus bandas favoritas en una entrevista con JENESAISPOP.
El grupo formado por Marina y Teresa Iñesta está precisamente de actualidad por varios motivos. Tras colgar el cartel de sold-out este mes de febrero en ciudades como Madrid y Valencia, continúan una gira que les está llevando estas semanas por Almería, Murcia, L’Hospitalet de Llobregat, Boiro, Oviedo, Zaragoza, Huesca o Bilbao. Todos los detalles, en su linktree.
Además, REPION ha remozado una de las canciones extraídas de su EP del año pasado, ‘Entre todas lo arreglamos’, en compañía de Rufus T. Firefly. Se trata de ‘Viernes’, que comenzaba de manera muy característica («Volver a casa sola no es divertido / No quiero hacer la cena / Porque tú ya no estás para hacerla conmigo»), y hablaba de la soledad de manera muy poética («Y aún me sabe la boca / a lo último que dije»). Claramente, Rufus T Firefly han extraído el fondo pop-rock de la grabación original para llevársela a su terreno, más sintético y onírico. Más ‘Drive’.
No será su última colaboración porque Repion tienen previsto publicar el 11 de abril tanto en digital como en vinilo los cuatro temas del EP del año pasado con artistas amigos. El próximo EP -que también se llamará ‘Entre todas lo arreglamos’- incluirá los 4 temas publicados en 2024 en la cara A y en la cara B revisitados con Shego, Tulsa, Cora Yako y por supuesto Rufus T Firefly.
A su vez, Rufus T. Firefly también han sorprendido a sus fans anunciando que este año sacarán álbum. En el teaser colgado en Instagram anuncian como fecha «abril de 2025». Se tratará de su primer largo desde ‘El largo mañana‘, que salía en una fecha tan lejana como 2021. Os dejamos con el teaser y con el modo en que han revisitado a REPION.
El actor Gene Hackman ha sido hallado muerto en su casa de Santa Fe, Nuevo México, en la tarde de este miércoles, hora local. Estaban junto a él, también sin vida, su esposa la pianista Betsy Arakawa, y el perro de ambos.
Como informa la prensa local, la policía desconoce qué les ha pasado y lo están investigando, pero han descartado que se trate de un crimen. Gene tenía 95 años en el momento de su muerte, y su esposa, 63.
Gene Hackman fue muy popular durante varias décadas del siglo pasado, especialmente desde que apareciera en ‘Bonnie & Clyde’ en 1967. Ganó dos premios Oscar por ‘The French Connection’ y ‘Sin perdón’ y apareció en cintas como ‘Supermán’ o ‘La conversación’ de Coppola. También en series como ‘FBI’ y ‘Los invasores’.
En 2003 decidió retirarse tras haber participado durante nuestro siglo en ‘Heist’ y ‘Los Tenenbaums’ de Wes Anderson. Es decir, en el momento de su muerte, llevaba más de 20 años retirado.
Sam Fender ha liado una muy gorda en Reino Unido, justo en la semana en que va a conquistar las listas con su nuevo álbum ‘People Watching’ con unas cifras espectaculares. Va a vender más de 100.000 copias en esta primera semana: disco de oro directo, una verdadera barbaridad en estos tiempos que corren. Ya tiene un lugar entre lo más vendido de todo 2025 y además Alexis Petridis de The Guardian le ha dado las 5 estrellas.
En estas, ha dado una entrevista a The Sunday Times que está dando la vuelta al mundo, por su opinión sobre el origen de la popularidad de líderes de ultraderecha como Andrew Tate. En su opinión, el problema es que se está hablando demasiado de «privilegios de hombre blanco» y se está hablando muy poco de «clases», lo que lleva a un sector de la población ya desamparado a sentirse más desamparado aún.
Ha dicho: «se nos da muy bien hablar de privilegios de hombre, blanco, hetero. Pero rara vez hablamos sobre clases». Y continúa: «Esa es la razón por la que los chicos jóvenes se están dejando seducir por demagogos y psicópatas como Andrew Tate. Les hacen avergonzarse todo el rato de ser quienes son y les hacen sentir que son un problema. Esa es la narrativa que reciben chicos blancos de ciudades perdidas. ¿La gente hace un sermón a un chaval de Durham que está jodido y le dice que es un privilegiado? Pues Tate le va a contar a ese chaval que él sí merece la pena. Es una narrativa atractiva».
Los medios anglosajones se están llenando de columnas de opinión sobre las palabras del artista número 1 ahora mismo en Reino Unido. Mientras algunas voces apuntan que ya era hora de que saliera este debate, mientras multimillonarios tipo Elon Musk están dominando ya descaradamente el mundo, Dazed ha escrito una columna con argumentos a favor y en contra, citando varios estudios sociológicos.
En Dazed subrayan que Sam Fender no tiene razón en una cosa: los discursos de ultraderecha misóginos no proceden ni calan especialmente más en la clase trabajadora. La misoginia es transversal, no es asociable a las clases bajas: por ejemplo, un estudio de una web aseguró que, cuando se habla cultura de la violación y acoso sexual, se hace 8 veces más asociado a escuelas privadas que a escuelas públicas. El texto de Serena Smith se pregunta también qué es la «clase trabajadora» en 2025, si tal término sigue atendiendo a la terminología marxista, o no.
Por otro lado, la columnista cree que Sam Fender tiene razón cuando dice que los «chavales blancos de ciudades perdidas» han sido ignorados por los políticos duante años, y su vulnerabilidad «está siendo usada por la ultraderecha y gente como Andrew Tate».
Si te preguntas a qué suena la música de Sam Fender, no tan popular por estos lares, la respuesta es simple: exactamente a Bruce Springsteen, el gran líder de la clase trabajadora estadounidense durante los años 80.
Las listas de Billboard de la semana han traído novedades relevantes tanto en Singles como en Discos. Por un lado, y tras su presentación en la Super Bowl, que sigue dando alegrías casi un mes después como pocas Super Bowls han dado, ‘luther’ asciende al número 1 del Billboard Hot 100.
El dúo entre Kendrick Lamar y SZA contenido en el último álbum de él, ‘GNX‘, sustituye en el número 1 a ‘Not Like Us’ del propio Kendrick. Este es el 6º número 1 de Lamar en el codiciado Billboard Hot 100, y el 3º para SZA.
Pero es que en la misma semana ha salido la mixtape de Drake y Party Next Door. Han logrado llevar ‘Gimme a Hug’ al puesto 6 y ‘Nokia’ al puesto 10 de la lista de singles, pero la noticia es que el álbum en sí mismo, ‘$ome $exy $ongs 4 U‘, alcanza la cima del Billboard 200.
Y esto supone un récord para Drake, que llega así a 14 discos número 1 en el Billboard 200, empatando a Taylor Swift y también a Jay-Z, como solistas más exitosos de la historia. Ya solo tienen por encima a The Beatles con 19, como puedes comprobar en Wikipedia.
Si te estás preguntando cuántas canciones de Drake han conseguido llegar al número 1 en singles, la respuesta es 13. Aún a Kendrick le costará mucho llegar hasta ahí, pero viendo la tendencia, no es imposible. Como culmen del crossover, 1 de los 3 números 1 de SZA en el Billboard Hot 100 ha sido con Drake: ‘Slime You Out‘ en 2023.
Os recordamos que Kendrick Lamar y SZA actúan el próximo 30 de julio en el Estadi Olímpic de Barcelona. Las entradas están a la venta.
La música de los neerlandeses Chef’Special -no todo van a ser bandas de UK y USA- parece pensada para el directo. Escuchas los singles principales de su quinto disco, ‘New Gold’, publicado el año pasado, y es que te imaginas perfectamente cómo suenan en vivo. Su propio equipo indica que «en sus actuaciones en directo, el público es tan vital para la experiencia como la propia banda».
En Ámsterdam han actuado en el mítico Ziggo Dome, arena de 16.000 personas por donde ha pasado gente como Fleetwood Mac o Beyoncé, pero el grupo también ha trabajado su base de fans en otros países europeos como Bélgica, Francia o España, donde actuarán el mes que viene. Presentan su último disco, sus grandes éxitos y también su nuevo single, ‘C’est la vie’, sobre los altibajos de la vida. Las entradas para su tour español están a la venta:
20 de marzo: Barcelona (Apolo 2)
22 de marzo: Valencia (Moon)
23 de marzo: Madrid (Villanos)
Hay algo que suena muy alegre en ‘New Gold’. ¿Estáis de acuerdo? ¿Es un disco feliz para los tiempos oscuros que vivimos?
Sí que intentamos hacer algo como respuesta al mundo que nos rodea. Un enfoque muy obvio habría sido hacer un álbum muy sombrío y escribir un montón de canciones hechas desde el enfado o el miedo. En cambio, tratamos principalmente de ser más introspectivos y encontrar sentido y alegría en las cosas que tenemos cerca en nuestras vidas. Incluso en tiempos oscuros hay muchas cosas que valen la pena.
¿Han sido estos últimos años especialmente felices y luminosos para vosotros como banda y como individuos?
Creo que todos hemos crecido como individuos. Al salir de la covid, cada uno nos hemos calmado un poco y estamos más en paz en lo personal. Creo que ese tipo de tranquilidad definitivamente hace que todo sea más luminoso y eso también se ha traducido en la banda en conjunto.
Hacéis rock, reggae, hip hop, incluso alguna vez sale alguna cosa country o dance. Es toda esta mezcla, el futuro de la música que imaginamos el pasado siglo?
(risas) Bueno, todos nacimos a finales del siglo pasado, así que de alguna manera, sí. También es que a todos nos gusta una amplia variedad de música y nunca nos hemos puesto ninguna frontera sobre lo que debería ser «el sonido de Chef’Special». A causa de eso, nuestra música va en todo tipo de direcciones, lo que nos gusta, porque hace que el proceso creativo siga siendo impredecible e interesante.
Vuestra música puede llevarme a The Police, a Bob Marley, a Imagine Dragons… ¿Cuál sería el artista que todos adoráis como banda? ¿Y qué artista os divide más?
No sé qué decir (risas). Creo que The Police y Bob Marley son influencias que segurísimo que a todos nos gustan en el grupo. Imagine Dragons me resultan un poco lejanos estilísticamente, pero sí que me gusta cómo intentan dar una interpretación moderna de lo que es una banda de rock. Y eso es algo muy difícil con toda la buena música que se está haciendo a día de hoy.
«Imagine Dragons me resultan lejanos en estilo, pero me gusta cómo intentan dar una interpretación moderna de lo que es una banda de rock»
‘C’est la vie’ suena más francesa. No por el título: es la melodía, tan 60’s, tan chanson, un poco Gainsbourg. ¿Es una influencia para vosotros? ¿Algún oldie de Francia que admiréis?
Sí, hay un montón de influencias francesas en esa canción. Cuando empezamos como banda, tocamos un montón en Francia y a Joshua, nuestro cantante, le encanta el francés y lo habla bastante bien. Así que siempre ha habido una conexión. La inspiración directa para la canción viene de un disco de Michel Sardou de los 80. Es un buen cruce entre el sonido de sintetizadores de los años 80 y la chanson más tradicional. Nos parecía guay hacer algo parecido al modo de Chef’Special.
Mi canción favorita del último disco es ‘Material Things’, por ese «vibe» electropop. No ha sido un single, pero he visto que sí que la tocáis. ¿Es una de las que mejor funcionan en vivo, aunque solo sea por los «la la las»?
(risas) ¡Gracias! Hemos hecho una outro más larga para el directo. Suena más dura y divertida, así que levanta al público, sí…
‘Miracles’ suena a canción de amor. Pero si pudierais pedir que ocurriera un milagro en la vida real, ¿cuál sería?
Que todo el mundo fuera más majo con los demás.
«Nunca quise ser una «rolling stone»», es una frase en ‘Castaway’. ¿Qué es lo mejor y lo peor de estar de gira o de ser artista?
Lo mejor es que es una gran aventura y un privilegio despertar cada día en una ciudad distinta y tocar música frente a una audiencia. Lo peor es estar lejos de tu familia y de tus amigos.
Cuando escucho canciones vuestras como ‘Fly Like Me’ y ‘One of a Kind’ me llevan directamente a lo que imagino que son vuestros conciertos. ¿Pensáis en los shows directamente cuando escribís canciones para un disco? ¿Son los conciertos la mejor forma de arte?
Sí, claro. Y es más que eso. Como que sabes que has escrito una buena canción de Chef’Special si puedes imaginarte a ti mismo tocándola en directo para la gente y te imaginas a la gente cantándola. Los conciertos son un arte en el sentido de que cada uno es único. Tienen lugar en un momento concreto y en un lugar concreto y nunca se podría repetir exactamente igual. Así que cada concierto es especial.
«Los conciertos son un arte en el sentido de que cada uno es único»
Sois de Holanda, pero sois capaces de hacer giras por toda Europa. ¿Algún consejo para grupos de rock que quieran tener éxito en el extranjero?
Tratar de superar tu horizonte musicalmente. En cada parte del mundo hay gente haciendo cosas increíbles. Cuanto más puedas apreciarlo y llevarlo al poder universal de la música, más probable será que la gente de todo el mundo descubra tu música. De todas formas, nosotros seguimos aprendiendo en ese sentido.
Cuando pensamos en música independiente, muchos pensarán inmediatamente en un grupo de música medio underground, en general compuesto sólo por hombres. Quizá no en una cantautora. pero Vega, el proyecto de la cordobesa Mercedes Mígel Carpio, está batiendo récords de vida al margen de los cánones de la industria. Ha repartido contra las multinacionales, ha repartido contra las plataformas de streaming, ha repartido contra los festivales… y ahora que sale de gira, no podíamos dejar de invitarla a nuestro podcast REVELACIÓN O TIMO, en el que ella misma quema su último álbum ‘Ignis’ ante nuestros atónitos ojos.
Es este un álbum de sonido inspirado en lo que era el sonido indie de finales de los 2000 en España, comenzando el largo de hecho con una cita de Iván Ferreiro, referencia, colaborador puntual y amigo de Vega. La artista presentará el disco que contiene novedades tan notables como ‘Incondicional’, ‘De otro planeta’, ‘Leviatán’ o ‘Crisantemos’, junto a temas seleccionados de su repertorio anterior, en 7 ciudades españolas que podéis consultar en su web.
«No tengo claro que vaya a hacer muchos más conciertos» es ya el primer titular que nos deja esta entrevista de una hora y media, si bien Vega puntualiza que tampoco quiere anunciar una falsa gira de despedida que luego contenga segundas, terceras y cuartas partes. Simplemente está cansada de que, por ejemplo, los festivales no paguen -a los artistas de zona media- el caché suficiente para costear a los músicos y personal necesarios. Algo que se agrava, siempre según su relato, si el artista es mujer. Por eso este año no veréis a Vega en festivales, ni en los que obviamente no encaja, pero tampoco en los que sí te la imaginas. «No voy a tocar a bajo coste en ningún sitio», anuncia.
Vega llama la acción sobre estos hechos, y su propuesta como mujer es no tocar. «Para mí no ha mejorado nada. Para cambiarlo, hace falta un activismo, y no un activismo de palabra. Hace falta activismo de hecho. ¿Yo, como mujer, quiero que se pague mejor a las mujeres? Pues si no me pagas [lo que vale el show] no voy a ir, y ojalá todas hiciéramos lo mismo». Y corrige: «También soy plenamente consciente de que no todo el mundo puede hacer eso. Y juegan con eso. [En España] no faltan mujeres en la música. Lo que pasa es que no llegan. Ha llegado 1 de las 300 que lo intentan. Hay 300 a las que pagan una miseria, o un bocadillo. Yo leí el comunicado [de despedida] de Carmen Boza y se me rompió el corazón en cuatro. Ya está bien. Claro que se agota. No hay un activismo como colectivo».
Con que ella se puede permitir no tocar donde no le pagan lo que cuesta su show, se refiere a que ella puede vivir como música de sus derechos de autor, tras haber escrito para Bisbal, Raphael o Manu Carrasco, amén de toda su discografía en solitario. «Mercedes Mígel» vive de sus derechos de autor, mientras todo lo que gana como Vega, lo reinvierte. Por ejemplo en la edición física de ‘Ignis’, que le ha costado 75.000 euros porque se puede quemar, como demuestra ante nuestros atónitos ojos. Por lo vendido, como mucho, recuperará ese dinero. Si gana algo, reinvertirá en Vega, y así sucesivamente.
La artista también habla de su paso por Operación Triunfo y de los nuevos ídolos del formato; recuerda que el streaming no da de comer a los artistas por los inexistentes beneficios que implica para los autores; y habla de cuáles son sus canciones favoritas entre las compuestas para otros artistas. Además de entrar en detalle sobre destinatarias de sus últimas letras, y canciones que hablan sobre la libertad aunque no esté tan claro, Vega es crítica con el modo de acreditar canciones de hoy en día: «Sigo sin creerme una canción escrita por 14 personas, como mucho serán 2 personas. El resto son arreglistas».
A menudo la artista se muerde la lengua sobre lo que puede decir y lo que no, pues su hermana y ayudante en su sello La Madriguera, le ha pedido que en esta entrevista dé «2 titulares en lugar de 37»; pero siempre se le termina escapando alguno, como ese que asegura al final: «Amo a los haters que me ayudan a ser mejor».
El fandom de Justin Bieber está muy preocupado por él, con muchas personas teorizando sobre un posible regreso a las drogas. Sobreprotección o no, el representante del artista de 30 años se ha visto obligado a emitir un comunicado tranquilizando los ánimos y negando toda acusación. El siguiente movimiento de Bieber ha sido subir un vídeo directamente a su cuenta de Instagram rapeando sobre estar «colocado».
Sin camiseta y comiendo una bolsa de palomitas, Justin parece estar pasándoselo bien con su amigo Eddie Benjamin: «Colocado como una gaita», rapea. En cualquier otro contexto, sería simplemente un vídeo de Bieber haciendo un freestyle de risas. Sin embargo, las últimas semanas del cantante han recordado a los momentos más críticos de su carrera.
Todo empezó a principios de febrero, cuando se publicaron unas imágenes de Bieber con pintas de haber dormido muy poco. Las alarmas de los fans saltaron inmediatamente. Justin había tenido su primer hijo con Hailey Bieber unos meses antes, y eso es justo lo que fuentes cercanas a él alegaron: «Había pasado parte del día cuidando de su hijo, que también estaba teniendo problemas para dormir», recogió TMZ, además de asegurar que «había pasado toda la noche grabando».
Sea lo que fuere, y como tantas veces ha ocurrido en la carrera de Justin y otros artistas como Post Malone, para el público las drogas duras eran la base de todo. Lo cierto es que a lo largo del mes han ido apareciendo más vídeos de Bieber comportándose de forma extraña.
Uno de ellos recoge un encuentro con una fan en el que el artista exhibe una incómoda sonrisa, además de fruncir los labios constantemente. Otro, un enfrentamiento con un paparazzi que le da las gracias después de robarle algunas fotos de camino a su aparcamiento. La respuesta de Bieber: «¿Por qué me das las gracias? No me las des, es irrespetuoso». La situación es muy confusa.
Justin Bieber was getting snapped and then he snapped — unloading on a paparazzi for saying something the pop star felt was disrespectful. pic.twitter.com/DjMeRvmXS6
Es en este momento cuando el representante del autor de ‘Justice’ decide intervenir, declarando que la fijación del público en la salud de Bieber es «agotadora y lamentable»: «A pesar de la obvia verdad, la gente está comprometida a mantener vivas una narrativa negativa, salaz y dañina».
Este continuó asegurando que el último año de Justin ha sido «muy transformador para él»: «Ha terminado varias amistades cercanas y relaciones profesionales que ya no le servían», concluye. Esto último, seguramente en referencia a separar caminos con Scooter Braun, su mánager de toda la vida.
Mientras los fans de Justin Bieber siguen debatiéndose sobre si este se encuentra feliz o perdido en las sustancias, lo único con algo de certeza es que hay música nueva en camino. Sobre esto, solo tenemos las palabras de Mk.gee, que habría colaborado en el proyecto: «Todo lo que sale de su boca es música pop. Está buscando», declaró el pasado septiembre.
Canela Party ha anunciado la tercera tanda de artistas que formarán parte del cartel de este año, siendo una interesante mezcla de nombres nacionales e internacionales. La próxima edición del festival se celebrará del 20 al 23 de agosto en Torremolinos. Las entradas ya están disponibles.
Blonde Redhead, DIIV, Lambrini Girls y MJ Lenderman & The Wind, que lanzaron recientemente el aclamado ‘Manning Fireworks’, completan las confirmaciones internacionales. Por otro lado, la variedad estilística continúa en la parte nacional con Biznaga, Casero, el diablo de shanghai y Somos La Herencia.
Todos estos se suman a un cartel que ya contaba con Depresión Sonora, Bum Motion Club, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, The Get Up Kids (rememorando el 25º Aniversario de ‘Something To Write Home About’), Grande Amore, Joyce Manor, Les Savy Fav, Maple, Mourn, Tropical Fuck Storm, Aiko el Grupo, Amenra, Axolotes Mexicanos, bar italia, Fat Dog, Maruja, Parquesvr y Tatxers.
Ava Max ha publicado recientemente la que parece que va a ser otra de las canciones que irían incluidas en su tercer álbum. Suponemos que ese será también el destino de ‘Spot a Fake’ (en la imagen, LOL) o ‘My Oh My’, aunque ya sabéis dónde terminó el supuesto «lead single» del último disco de The Weeknd.
En cualquier caso, de momento ‘Lost Your Faith’ no está levantando la nueva campaña de la autora de ‘Sweet But Psycho’ y ‘Kings & Queens’. ‘Lost Your Faith’ reincide en la fuerza ochentera de voces tan rotundas como las de Bonnie Tyler y Jennifer Rush, lo que aquí acentúan las guitarras eléctricas, tan AOR, o incluso los «hallelujahs» que parecen salidos como de otra época. Lo malo es que es una melodía demasiado acomodada en lo ya explorado y que recuerda a otras publicadas con anterioridad. Por ella misma.
Por eso, cuando la letra habla de una magia que se ha perdido («antes te tenía de rodillas y ahora ya nunca rezas»), suena metafórico o incluso premonitorio. «La carretera se está poniendo más oscura, y cada vez es más difícil creer en nosotros», asegura.
Y Ava Max tiene razones para sonar tan pesimista: que de todos sus singles recientes, el único que le esté funcionando sea ese esperpento en torno a ‘Forever Young’ de Alphaville, aprovechando un «trend» de TikTok, e ideado por -cómo no- David Guetta, es una injusticia.
Una vez más, a este tipo de proyectos colaborativos se les perdona toda falta de inspiración y originalidad, y esta pista producida por Guetta con unos tics ya 15 años viejos, sí está siendo apoyada por Spotify en playlists tan masivas como Gym Hits, Viral Hits, Party Hits, Cardio, just hits o Power Hour. Lo mismo sucedía el año pasado con la canción de Ava Max con Kygo que fusilaba a Shakira. De ellas en solitario… sigamos esperando algo que se parezca, como mínimo, a la segunda venida de Cristo.
Cariño continúan su gira por todo el país: este viernes 28 de febrero están en Razzmatazz, Barcelona; el sábado 1 de marzo en la Sala Oasis de Zaragoza; y el domingo 2 de marzo en La Riviera de Madrid.
Sin ser un single oficial de su nuevo álbum, ‘Y yo que pensaba’ ha terminado siendo la más escuchada de este álbum en plataformas y además apareció en nuestra lista de mejores canciones de 2024. Hoy la celebramos como Canción del Día y Cariño nos explican cómo se construyó: «‘Y yo que pensaba’ fue una maqueta que se hizo a las 3 de la mañana, con Paola y María cada una en su habitación y conectadas en internet, tal y como salió ‘Si quieres’ y muchas otras».
Continúan: «Después se revisó y grabó con los productores, incluso se intentó cambiar completamente toda la melodía, instrumental y estructura a otra cosa completamente diferente, pero no funcionaba igual y a María le seguía convenciendo la primera versión. Así que terminamos teniendo dos versiones, y a la segunda la terminamos llamando «Y yo que pensaban». Esa versión se la pasamos a Carolina [Durante] a ver si salía algo, pero al final la cosa se quedó ahí…»
El tema parece hablar de alguien a quien no hemos olvidado. Sin embargo, no habla de la vida de ninguna de las componentes de Cariño: «La letra en realidad es contando una historia de amor frustrada, pero no nuestra, sino de nuestro técnico de sonido y mejor amigo Diego Castro. Siempre bromeamos con que es la más lesbiana del grupo, y que tiene los sentimientos más profundos y puros de todas nosotras. Al final es una letra que habla de los intentos de alejarse de una persona porque las cosas no van guays, pero al final es muy sencillo volver ahí imantado».
Sin duda, la parte más divertida de la letra es ese momento en que parece que la palabra «porno» va a aparecer… pero no exactamente («lo demás triple X, fue POR… NO sé qué es lo que salió mal»). Cariño concuerdan: «Esa parte que mencionas es nuestra favorita de la canción!!!!! Nos hace mucha gracia. Recordamos bailarla mucho en el estudio cuando lo grabamos».
Respecto a por qué no fue un single de su último disco ‘TANTO POR HACER‘, lo cierto es que no les cuadraba en la trilogía de sencillos que idearon a modo de historia, esto es, la trama tras ‘Nada importa tanto’, ‘B2B’ y ‘Lo noto’: «‘Y yo que pensaba’ era el cuarto single, pero como solo sacamos 3 no salió (risas) En realidad, la elección de las canciones que presentamos antes del disco fue con el fin de intentar acompañar la historia que íbamos narrando con el álbum. No sé si lo conseguimos pero esa fue nuestra intención…»
«Dime que no, si puedes. Dime que no, dímelo ahora» es uno de esos estribillos que puede servir para terminar de lanzar una carrera, y podría ser el caso de María Yfeu. La joven sevillana asentada en Madrid llega a su segundo álbum sintiendo que es el primero, tras hallar un sonido propio, «cerca de ninguna escena en concreto». Si en su debut ‘Santo Amaro’, ‘Lust and Love’ y ‘Evil’, en inglés, le valían comparaciones con Amy Winehouse, esta vez las referencias son más bien indie-rock, más rugosas y ásperas, siempre enmarcadas en una estética muy definida.
‘Dime que no‘ es una canción crepuscular con un gran protagonismo de las guitarras eléctricas de Diego Portugal. Arrollan incluso cuando estamos hablando de una balada. ‘lo que pasó’ podría ser la continuación natural de esta grabación si algún día logra ser un hit. En el primer punteo de ‘suerte’, Sen Senra podría venir a la mente como referente, de no ser porque María Yfeu suele citar artistas de recorrido mayor como Mazzy Star, Feist o Fiona Apple, sin descuidar otros más actuales como Okay Kaya.
Escrito en solitario por ella misma, con la producción de Raúl Pérez en La Mina, ‘Haz lo tuyo’ habla de desamor, amistades perdidas y del paso del tiempo, muy a menudo implicando las contradicciones inherentes al ser humano o las ironías de la vida. Dice ‘lo que pasó’: «Nunca sabes qué es lo que te espera, pero cuando llega, es como si lo vieras». ‘DHETLN’, que es un acrónimo de lo que repite María Yfeu en esta canción, es decir «DÓNDE HAS ESTADO TODA LA NOCHE», obsesionada como una canción de Nirvana, parece atrapada en un bucle también: «todo lo que construimos, estático en un sitio del que nunca hemos salido y al que no podemos volver».
Y la canción estrella del álbum es tremendo mar de dudas: «No dejo de dudar, pero algún día, sé que voy a curarme de tu herida». «¿Quién quiere acabar y quién repetir lo de siempre?», se pregunta, indecisa.
A veces es una pena que las letras no sean tan inteligibles, y no es una cuestión de dicción, sino de mezcla, oculta incluso bajo la sutil instrumentación. Quizá se deba a que una de las inquietudes de María Yfeu era huir del entorno cantautor, lo cual por cierto ha conseguido. ‘lo que pasó’ es un tema más bien dream pop, ‘Cógelo fuerte’ contiene una caja de ritmos un tanto trip-hop, ‘C/Viejos’ despide el disco con piano, y luego está el título del tema ‘que te follen’. ¡Ahí sí que la entendemos! Más de todo esto último, por favor…
María Yfeu actúa el 15 de marzo en Madrid, el 22 de marzo en Barcelona y el 10 de abril en Sevilla. Detalles, aquí.
Una nueva Ley de Uso y Acceso de Datos pretende facilitar a las empresas tecnológicas del Reino Unido el acceso a miles de obras musicales para el entrenamiento de modelos de inteligencia artificial, sin el consentimiento de los autores.
En protesta por el proyecto de ley, un millar de artistas británicos como Kate Bush, Paul McCartney o Dua Lipa han participado en el lanzamiento de un disco silencioso para defender su propiedad intelectual de las empresas tecnológicas que buscan explotarla.
El disco se titula ‘Is This What We Want?‘, está disponible en plataformas como Spotify y se compone de 12 temas silenciosos que, a la manera de de 4’33» de John Cage, invitan a escuchar el silencio que emerge cuando los creadores dejan de hacer música.
Además, cada uno de los 12 temas de ‘Is this What We Want?’ se titula con una única palabra que, en conjunto, deletrean la consigna The/ British/ Government / Must/ Not/ Legalise/ Music/ Theft/ To/ Benefit/ AI / Companies.
Además de músicos como Ed Sheeran, Tori Amos, Damon Albarn, Jamiroquai o Annie Lennox, han participado en el disco figuras vinculadas a las artes escénicas como la actriz Julianne Moore, el compositor Andrew Lloyd Webber o el dramaturgo Tom Stoppard.
Otros artistas que no participan en el disco han firmado una carta dirigida a The Times para sumarse a la protesta. En la misiva, señalan que el proyecto de «ley representa una entrega sin condiciones y absoluta de los derechos e ingresos de los sectores creativos del Reino Unido a las grandes empresas tecnológicas”.
Madonna quiere que te prepares para su comeback: la autora de ‘Madame X‘ (2019) ha estrenado editorial en la revista CR Fashion Book y, además, ha borrado todas sus publicaciones de Instagram, la estrategia que suelen implementar los artistas cuando están a punto de comunicar un anuncio importante. Ahora mismo, el contenido de CR Fashion Book es la única publicación de Madonna en Instagram. ¿Pero qué es CR Fashion Book?
CR Fashion Book es el magazín de moda bianual de Carine Roitfeld, ex-editora jefa de Vogue Paris, y es conocido por sus editoriales vanguardistas. Su editorial con Madonna se inspira en la antigua revista de true crime Inside Detective, famosa en los años 30, 40 y 50. En la sesión de fotos, Madonna se pone en la piel de una asesina que ha cometido el «crimen perfecto», con un estilismo que recuerda al de Brigitte Bardot.
Sin embargo, las primeras imágenes de esta especie de corto llamado ‘Funeral Rites’ apuntan a que esta obra tiene mucho de autoficción. Madonna habla sobre la muerte y la afronta con unas imágenes impresionantes de fondo, justo después de sufrir el fallecimiento de dos hermanos y casi que el propio.
Madonna vuelve a hablar de la pérdida de su madre, que en tantos temas de su carrera ha aparecido, de su vínculo hacia su padre y de cómo la idea de la muerte le atrae también, «como forma de vida eterna». Como curiosidad, suena ‘Teardrop’, una canción de Massive Attack que casi canta ella, pero al final se ofreció -con mucho acierto- a Liz Fraser.
Chloe Moriondo es una cantante y compositora de Estados Unidos que se dio a conocer en 2014 a través de Youtube. Entonces, Moriondo contaba 11 años. Hoy, a los 22, la artista de Detroit encara la publicación de su cuarto álbum de estudio, ‘Oyster’, que se pone a la venta el 28 de marzo.
La evolución musical de Moriondo se traza en sus tres discos publicados, que pasan del ukulele de ‘Rabbit Hearted’ (2018) al pop-punk de ‘Blood Bunny’ (2022) y que, en ‘SUCKERPUNCH’ (2022), llegan al uso de bases abrasivas y electrónicas. No extraña que ‘Oyster’ pueda ser su disco más hyperpop.
Queda algo de esa influencia punk en ‘hate it’, el segundo single de ‘Oyster’, aunque este trallazo termina engullido por sintetizadores. En realidad, ‘Shoreline’ ha sido el primer single idóneo de ‘Oyster’ por la manera en que allana el terreno del sonido del álbum.
«Sabes que te querré hasta que muramos» es una frase 100% emo, pero la producción de ‘Shoreline’ -la Canción Del Día de hoy- brilla empleando los sintetizadores emocionales de Robyn y ionnalee. En ‘Shoreline’, Moriondo describe la «ruptura más grande mi vida». Desesperadamente, la joven de Michigan busca a esa persona en otros, pero sin éxito. «Puedes decir que siempre estás ahí, pero no te encuentro por ningún lado», canta.
‘Shoreline’ transmite su mensaje de angustia emocional a través de un crescendo espectacular, y su sonido es «translúcido» porque así es también toda la estética oceánica de ‘Oyster’. En el álbum, Moriondo se abre emocionalmente, pero aún se refugia dentro de su burbuja. El autotune aplicado a su voz transmite esa idea de distancia emocional, pero la emoción contenida dentro de ‘Shoreline’ es inmensa como el océano.
El cuarto y último adelanto del disco debut de Juanjo Bona, ‘Recardelino’, disponible el 7 de marzo, tiene una de las historias más ricas de todo el álbum.
El folclore aragonés empapa casi todo el disco y ‘Virgen de Magallón’ es una de las pruebas más evidentes. El tema recupera una leyenda del pueblo de Juanjo, que procede del siglo XIII y sobre la que incluso se han hecho podcasts.
La leyenda habla de dos familias ferozmente enfrentadas en torno a marzo del año 1283: los Frago y los Albir. Al parecer, Juan Albir, un labrador de Magallón, mató a Sancho del Frago durante una de estas disputas familiares. Para escapar de la revancha, se escondió de la familia Frago en la iglesia, lo que le fue útil dos veces, pero a la tercera se lo cargaron.
Al ocurrir el asesinato en la casa del Señor, la Virgen desapareció y apareció a 80 kilómetros de distancia, en Leciñena, en la comarca de los Monegros. La Virgen se la llevaron de nuevo a Magallón, pero volvió a aparecer en Leciñena. Y ella se habría pronunciado: «Hasta que el último miembro de la familia del Frago no desaparezca, jamás volveré a pisar Magallón». Así que a día de hoy, la Virgen de Magallón continúa en Leciñena.
Lo mejor es que Juanjo aborda este tema con alegría y cierto humor, elaborando un diálogo entre Virgen y pueblo:
-«Era un hombre malo, venga, vuelve a Magallón, Virgencica» (…)
-«Yo no vuelvo, llevo el susto metido en el alma. Si yo en vuestros líos no me meto, no os liéis a tiros en mi casa».
Bona ha escrito esta canción con Irenegarry y Juan Figols, más conocido como Fresquito. Marcel Bagès y David Soler, que saben muchísimo de folclore, la han producido como el resto del álbum. La melodía es alegre como una fiesta popular, con instrumentación orgánica del tipo guitarras y bandurrias (a cargo de Sergio Aso), y algunos detalles electrónicos que salpican a la voz de Juanjo, aquí muy próximo al registro de Víctor Algora. Además, se ha hecho un pequeño reportaje en el que personas de su pueblo recuerdan la leyenda de la Virgen de Magallón.
Viva Suecia están en su mejor momento. ‘El Amor De La Clase Que Sea’, lanzado en 2022, les catapultó definitivamente al éxito comercial y a encabezar los carteles de la mayoría de festivales en España. Aunque nunca llegó a alcanzar el número 1, el disco lleva ya 124 semanas en lista y ha sido certificado con un disco de platino (40.000 unidades vendidas o su equivalente en escuchas).
Desde entonces, han lanzado singles como ‘La Orilla’ o su versión particular de ‘Alegría de Vivir’, además de conseguir hitos como el de vender 9.000 entradas en cinco minutos para su gira 10º Aniversario, celebrada el pasado diciembre. Sin embargo, ninguna noticia de un nuevo proyecto. Hasta ahora.
‘Dolor y Gloria’ se trata del primer adelanto del nuevo disco de la banda murciana, del cual se conocen muy pocos detalles. Nos han contado que sale después de verano y que lo promocionarán con un único concierto en España en 2025, pero nada más. Hablamos con Rafa Val, Alberto Cantúa, Fernando Campillo y Jess Fabric sobre replicar el éxito de su último disco, las críticas de Rockdelux y su futuro.
Parece mentira que ya hayan pasado tres años desde vuestro último disco. ¿Qué pensáis al verlo con perspectiva?
Rafa: Sí, tres años que han pasado volando porque ha sido un disco que nos ha dado muchísimas alegrías y cuando uno disfruta…
Alberto: Y porque no hemos parado de hacer cosas.
¿Sois de dividir vuestra carrera en etapas?
R: No sé si tanto… En mi cabeza me imagino esta carrera como que un día salimos a tocar y no hemos parado.
Jess: Es inevitable dividirla en discos y en gira, pero no diferenciamos porque las transiciones son naturales entre un disco y otro y entre gira y gira. Es la etapa que vivimos desde que empezamos en 2013 hasta ahora.
A: Nuestra única etapa.
¿Por qué elegís ‘Dolor y Gloria’ como el primer single del nuevo disco?
R: Ha sido difícil porque estamos muy enamorados de nuestras nuevas canciones. Como no hay una canción que represente todo el disco, y al final acabarán saliendo todas, hemos elegido una de las 11 o 12 canciones que nos encantan del álbum. ‘Dolor y Gloria’ es especial por muchos motivos: es la primera canción que se compuso para este disco sin saber que iba a ser la primera, se ha grabado muchas veces en varios países y nos ha costado dar con la versión que a nosotros nos parecía la correcta. La verdad es que la respuesta de la gente ha sido increíble. Ha superado, pero por muchísimo, nuestras expectativas.
«No hay una canción que represente a todo el nuevo disco de Viva Suecia»
Suena muy animada, a estadio, Bruce Springsteen… pero luego la primera frase de la canción es todo lo contrario.
A: Ahí ya no es Bruce Springsteen (risas).
R: Sí, es la típica mezcla que tanto nos mola de música alegre y letra dolorosa. Todas las letras vienen de que nos pasa algo o de que le pasa algo al mundo y por ende nos pasa algo a nosotros. No te voy a decir en concreto de qué va porque si te explico mi versión estoy privando a cualquier persona que pueda servirle la canción para algo, aunque sea para decirnos que es una puta mierda. Es algo así como estar viviendo un momento de miedo y maravilloso a la vez, y de cómo gestionar todo eso.
¿Qué detalles del disco podéis adelantar? Nombre, fecha, colaboraciones…
R: Sale después de verano, pero no podemos decir mucho más.
A: Estamos preparando una fecha única en 2025 que va a ser aquí en Madrid. Entremedias, los festivales irán salpicados con algún single, pero el primer concierto y único de este nuevo disco será en Madrid y estamos ya currando.
«Teníamos muy claro que lo que ha pasado con el disco anterior no puede volver a repetirse»
‘El amor de la clase que sea’ fue un éxito arrollador. Imagino que hasta cierto punto es inevitable querer repetir ese éxito. ¿Habéis sentido esa presión?
J: Yo creo que no. Teníamos muy claro que lo que ha pasado con ese disco no puede volver a repetirse. Es imposible que vuelva a pasar. Tampoco hay que comparar los discos ni saber a dónde te llevan. Nosotros tenemos claro que hay canciones increíbles en el disco y, de hecho, tenemos la sensación de que hay aún más que en ‘El amor de la clase que sea’.
R: Por el momento hemos sacado una canción y va de puta madre, o sea, que muy bien.
Yo no quiero comparar los discos, pero imagino que el anterior os ha cambiado la vida.
R: Es inevitable que eches la vista atrás. Sobre todo, cuando tienes tan reciente un disco que ha significado tanto en nuestras carreras. Con respecto a la pregunta originaria que decías, también tenemos una manera de componer en la que nos vamos a una casita en medio del monte que alquilamos en Riópar, y desde que cruzamos la puerta de ese sitio estamos todo el rato pasándolo bien, haciendo canciones, disfrutando… Y yo creo que en ningún momento se nos pasa por la cabeza que tengamos la presión de hacer una cosa increíble.
A: Comiendo macarrones con atún…
Os mantenéis humildes.
R: Ya no se trata de humildad, sino de divertirnos entre nosotros. Creo que eso es algo bueno que sigue teniendo esta banda, que es que seguimos haciendo esto por diversión. La presión de verdad está cuando sales a tocar delante de 25.000 personas y tienes que dar la talla. Eso sí es presión.
¿Qué os mantiene con los pies en la tierra?
R: La gente que nos quiere, que también es nuestro equipo, nuestras familias… Son la gente que nos puede dar una hostia en el momento que nos flipemos.
Fernando: Y el ser gilipollas y tener sentido del humor.
J: Sí, volver a casa y ver que la gente que nos rodea te lo dice bien claro.
A: Que tu padre te pegue una colleja como en Los Serrano.
R: Ojalá llegar y tener a Antonio Resines en tu casa.
Muchos de vuestros fans os han estado apoyando mucho antes de conseguir este éxito más mainstream. Como fans, ¿a vosotros os ha molestado alguna vez el éxito comercial de alguna banda?
R: La frase de «se han vendido» la hemos dicho todos. No pasa nada.
Seguro que hay gente diciéndolo de vosotros.
R: Constantemente.
A: Mientras sigan viniendo a los conciertos, no pasa nada.
R: Cuando James Hetfield se cortó el pelo, dijeron que se había vendido. Lo hicieron con el ‘Load’ y el ‘Reload’, dos de mis discos favoritos de Metallica, y la gente dijo que se habían vendido. Siempre pongo el mismo ejemplo. Cuando Bowie hizo la trilogía berlinesa, dijeron: «Tío, ¿por qué haces krautrock? ¿Es que no quieres ganar pasta?». Luego, cuando salió ‘Let’s Dance’, le dijeron: «Tío, ¿por qué te has vendido? ¿Quieres más pasta?». Nunca va a estar nadie a gusto.
Luego hay algunas personas a las que directamente vuestro éxito, y el de otras bandas como Arde Bogotá o Mikel Izal, no les hace ninguna gracia.
R: Sí, Santiago Carrillo.
¿Qué tenéis en común todas estas bandas para que os pongan en el mismo saco?
R: ¿Éxito?
A: Piernas, brazos, no sé…
J: La gente tiene la necesidad de protestar y quejarse, de reivindicar algo, aunque no haya un motivo.
R: Nos ha tocado a nosotros.
J: El punto de mira fácil es el que despunta un poco más.
R: Dentro de dos años nos iremos a la mierda y le tocará a otros.
J: Claro, no pasa nada. Está bien que sea así.
«Todos hemos leído Rockdelux durante muchísimos años. De hecho, animo a la gente a que siga leyendo la revista»
¿Qué sentido le dais a que el director de una de las revistas musicales más leídas en España critique tan duramente a los grupos de pop rock más escuchados del país?
R: Es una cosa muy positiva para Arde Bogotá y para nosotros porque quiere decir que, de una entrevista completa a este señor, lo relevante es que hay dos bandas de Murcia y Cartagena que les está yendo bien.
A: Yo, sinceramente, no lo entiendo. Jamás diría algo así sobre su revista ni sobre sus trabajadores. Ni yo, ni ninguno de estos cuatro. Sobre nadie. De hecho, yo he comprado muchísimos años la revista y todos la hemos leído, pero yo no lo entiendo. Me da pena. Después de tantos años currando, que ese sea el titular que acaba siendo sobre tu trabajo… Hay cosas que no me gustan y hay gente que no me gusta, pero jamás lo haría. De hecho, animo a la gente a que siga leyendo la revista.
Con Arde Bogotá, ¿os veis parte de un mismo movimiento?
R: Sí, pero igual que nos consideramos del mismo movimiento que La Habitación Roja, Delaporte, Niños Mutantes o Second.
J: A muchos de estos artistas los vemos más que a nuestra propia familia.
R: Hemos dejado nuestro pequeño granito de arena en el pop rock español y ahí quedará el tiempo que tenga que quedar y luego la gente se olvidará o no. Lo que compartimos básicamente es que formamos parte de algo que muy pocas personas viven. Hay muy poca gente en este país que pueda compartir la experiencia de subirse al escenario y tocar delante de tant gente. Compartimos las virtudes y las desventajas que puede tener el oficio.
A: Y creo que hay una cosa en esta generación que es el respeto, la educación, y que rara vez ves una historia fea como esta. Cuando te encuentras en un festival cansado y te ves con una banda, le das un abrazo y no puedes hacer más que respetarlos. De eso se trata, macho.
Todavía hay menos gente que disfruta de este éxito haciendo rock, o pop rock.
R: La cosa es que las bandas siempre flaquean y en su momento más duro vuelven a pegar un impulso. Ahí tenemos a Repion, que nos flipan, Ginebras, Siloé, Sexy Zebras, yo que sé… Y ahí sigue la cosa, con lo complicado que es estar en una banda. Tiene muchas papeletas para que salga mal.
Lorde ha vuelto a cantar en la lengua nativa de su país en la canción ‘Kāhore He Manu E’, el segundo adelanto del próximo disco de Marlon Williams. ‘Te Whare Tīwekaweka’ será el primer proyecto de Williams íntegramente en maorí y estará disponible el 4 de abril.
El maorí es la lengua indígena de Nueva Zelanda y ha llegado a estar en serio peligro de extinción, aunque en la actualidad la UNESCO lo clasifica como «vulnerable». De hecho, en un intento de revivir el idioma, el gobierno de Nueva Zelanda se comprometió a conseguir que un millón de residentes lo hablasen de forma básica para 2040.
La autora de ‘Solar Power’ ya eligió en 2021 algunas canciones de este mismo disco para traducirlas al maorí y lanzarlas juntas en un EP. Ahora, ha declarado que cantar con Williams «es una de mis cosas favoritas que hacer en el mundo».
Este, por otro lado, ha alabado a Lorde diciendo que «en un sentido muy real», su voz «escribió la canción». También describe el tema, cuyo título podría traducirse como ‘No hay un pájaro’, como «una oda al colorido pero desalentador agujero de gusano que es la vida en la carretera».
Bad Bunny, inamovible, continúa en el primer puesto de la lista de Discos España. En segundo lugar, Quevedo, que asciende en la tabla desde la cuarta posición.
El podio lo cierra Sabrina Carpenter y su ‘Short n’ Sweet’, que también representa la mayor subida en lista de la semana gracias a su versión deluxe. Concretamente, la autora de ‘Please Please Please’ llega al tercer lugar desde el número 28.
La entrada más fuerte de la semana es para el disco colaborativo de Drake y PARTYNEXTDOOR, ‘$ome $exy $ongs 4 U’, que se estrena en el número 14 de la lista. El proyecto también ha entrado en el número 1 del Billboard 200, vendiendo en su primera semana el equivalente a 246.000 unidades. De esta forma, Drake empata con JAY-Z y Taylor Swift en la lista de los artistas solistas con más discos número 1 en la historia de Billboard.
En el resto de la tabla, Milo j entra con ‘166 retirada’ en el número 21, The Cure con ‘Songs Of A Live World: Troxy London MMXXIV’ (la versión en directo de ‘Songs Of A Lost World’) en el número 74, Manic Street Preachers con ‘Critical Thinking’ en el 76 y, por último, Yoly Saa con ‘Mar de Ardora’ en el puesto 96.
Franz Ferdinand publicaron a principios de 2025 su sexto álbum de estudio, ‘The Human Fear‘. Un disco que Alex Kapranos y los suyos han estado presentando en España durante este mes de febrero, con tres conciertos en A Coruña, Madrid y Barcelona.
La promoción de ‘The Human Fear’ ha continuado en Reino Unido, y Franz Ferdinand se han pasado esta semana por los estudios de Radio 2 de la BBC en Londres para grabar una versión de ‘Toxic’ de Britney Spears, acompañados de una orquesta. En manos de Franz Ferdinand, ‘Toxic’ suena aún más como una canción sacada de la banda sonora de James Bond.
La elección de Franz Ferdinand no es casual: en 2009 fue muy comentada su versión de ‘Womanizer’ igualmente grabada en unos estudios de BBC, aunque entonces eran los de Radio 1. Volviendo a versionar a Spears, Franz Ferdinand están dialogando con su propia historia.
Aunque no hacía falta, Alex Kapranos ha justificado su elección de canción, explicando que «me gusta una buena canción, es así de simple, me da igual si la canción tiene 60 años o si salió hace seis días». Además, Kaprano ha elogiado a Chappell Roan, de la cual aprecia su música y actitud.
‘Toxic’ acaba de ser sampleada en un single de Coco Jones, ‘Taste‘, aunque en el Spotify de Spears acaba de bajar al segundo puesto de sus canciones más populares: se ha impuesto ‘Gimme More’.
Karla Sofía Gascón asistirá a la gala de los Oscar en el Dolby Theatre de Hollywood el 2 de marzo, confirma Variety. El portal estadounidense informa que Netflix «cubrirá» la asistencia de Gascón a la ceremonia. Gascón está nominada en la categoría de Mejor actriz.
Antes de esto, la protagonista de ‘Emilia Pérez’ reaparecerá en los medios personándose, esta semana, en la ceremonia de los premios César, que se celebra el viernes 28 de febrero.
Se desconocen más detalles sobre la asistencia de Gascón a los Oscar, como si caminará por la alfombra roja, concederá entrevistas o se sentará junto a Selena Gomez, Zoe Saldaña y el director Jacques Audiard en la ceremonia.
La polémica por sus tuits ofensivos, en plena campaña de ‘Emilia Pérez’, ha mantenido a Karla Sofía Gazón fuera del ojo público. La actriz se ha ausentado de varias galas, incluida la de los Goya, donde ‘Emilia Pérez’ se llevó el premio a Mejor película europea.
En otra noticia relacionada con los Oscar, ha sido confirmada la actuación musical de LISA, Doja Cat y RAYE, aunque la Academia ha confirmado que las tres no cantarán su single conjunto, ‘Born Again’. Este año, en los Oscar, no actuará ninguno de los artistas nominados en la categoría de Mejor canción.
Promusicae ha publicado las cifras de ingresos de la música grabada en España en 2024. Este informe sigue al primero publicado hace unas semanas. La principal conclusión del informe anual de Promusicae es que el consumo digital se mantiene y las suscripciones aumentan, pero la venta física disminuye.
En España, la música grabada reportó unos ingresos totales de 568,8 millones de euros en 2024, subiendo un 9,42% respecto a 2023. De esta cifra, 454,5 millones corresponden al mercado digital, que ya representa más del 89% de los ingresos por música consumida en el país.
Tanto las plataformas de audio como las de vídeo vieron crecer su consumo en 2024 en España, el audio un 14,09% y el vídeo un 7,45%. En concreto, 20 millones de españoles utilizaron plataformas de streaming de audio. La buena noticia es que las suscripciones premium aumentaron; la mala, que los 7 millones de usuarios siguen siendo insuficientes para asegurar un consumo digital «responsable» en España, como el de otros países donde las suscripciones son mayoría.
Mientras el consumo digital crece, la venta física sigue cayendo: en 2024, los ingresos por formatos físicos cayeron un 13,25%, alcanzando un total de 53,8 millones de euros. La venta de vinilos representó un 62,8% de las ventas totales de música grabada en España, un 8% menos que en 2023. En concreto, se vendieron 1,67 millones de unidades, frente a los 1,81 millones de 2023. La venta de CD’s también descendió en España un 25,4% generando 19,6 millones de euros, frente a los 26,3 millones facturados en 2023.
En cuanto al resto de los ingresos del sector, en 2024 aumentaron los obtenidos por derechos de propiedad intelectual, que llegaron a los 56,3 millones de euros. Sin embargo, los ingresos por sincronizaciones de música para producciones audiovisuales y publicidad disminuyeron.
La gira de salas y teatros de Antònia Font ha llegado a su fin. Y, a falta de una última fecha en el Mallorca Live Festival, el grupo volverá a hibernar. Por eso, por no saber cuándo los volveremos a ver, por tocar en un sitio tan especial para ellos como es el Liceu, el ambiente en el auditorio era de feliz expectación. Todos conocíamos el guion, pero queremos volverlo a vivir.
La escenografía de parabólicas se mantiene; los audiovisuales sí que hubo más y mejores respecto a su anterior visita en el Palau de la Música. Lo que también se mantiene es el reparto de tareas: Pau Debon acaparando todísima la atención, con sus alardes de voz (una vez más: ¡qué bien canta!), haciendo suya toda la sala, no solo el escenario, con su entusiasmo contagioso. Mientras, sus cuatro compañeros se quedaban ahí en el escenario impertérritos (¡qué bien tocan!). El repertorio tampoco cambió mucho, aunque hubo hermosas incorporaciones.
Que el público está entregadísimo se ve desde el primer minuto: las iniciales ‘Cançó de llum’ y ‘Un minut estroboscòpica’ ya se llevan toneladas de palmas. El inicio no da tregua, van cayendo hits como ‘Darrera una revista’, ‘Armando rampas’, ‘Robot’, ‘Dins aquest iglú’, todas conducidas por el carisma de Debon. Pero, tal como nos explicó recientemente, el concierto está pensado como un viaje. Y hay una parte más reconcentrada y melancólica, donde recuperan pequeñas gemas del ‘Vostè és aquí’: ‘Per què vaig venir’ suena especialmente apoteósica.
Aun así, también hay momentos para el delirio, como el tour de force ‘Astronauta rimador’, con Pau Debon paseándose por el patio de butacas, o la emocionante interpretación, a pelo y sin micro (la acústica del Liceu ayuda) de ’Cartes de Ramiro’. Pero todo este momento más reflexivo estalla por los aires cuando se arrancan con ‘Tots es motors’, en que todo el público hace el ritmo a base de palmas mientras Pau vuelve a dejarse querer entre butacas. ‘Venc amb tu’ marca una pequeña pausa, en que el público no para de hacer “lololo” a ritmo de ‘Wah Yeah’.
Para la vuelta, abren una favorita mía que no suelen tocar, ‘Es far de ses salines’, con unos punteos preciosos de Joan Miquel Oliver. Y cuando Debon canta lo de “Per falta de lluna, Venus se reflexa a la mar”, ay, algo se me rompe por dentro. Todo el tercio final es puro gozo, apoteosis y comunión colectiva. Pau dedica ‘Bambú’ a los hijos de todos los del grupo, y se rompe y no puede cantar la segunda estrofa. ‘Batiscafo Katiuscas’ es tan emocionante como siempre. Para ‘Clint Eastwood’ Pau se sube al tercer piso y todos lo miramos, claro, a él, mientras el resto de la banda se queda ahí un poco olvidada. En ‘Vitamina sol’ la platea se convierte en una improvisada sala de baile, donde todos nos dedicamos a intentar bailar valses mientras Pau nos dirige. El despiporre es máximo para ‘Wah Yeah’: alegría desatada, más lololos, mientras la banda hace otra pausa.
En el último bis Pau nos da “la chapa” (según sus palabras) para agradecer a todo el personal que les ha acompañado en la gira. Remata con ‘Islas Baleares’, vuelve a bajarse a platea y a darse un baño de masas en ‘Calgary 88’, y ya no la abandona porque, claro, toda ‘Viure sense tu’, el fin de fiesta perfecto de Antònia Font. Se despiden con todo el personal subido al escenario. No los queremos dejar marchar. Lógico. A saber cuándo los volvemos a ver…
Jane Fonda ha dejado este domingo uno de los momentos más comentados de la gala de los SAG Awards, donde ha recogido el premio a toda una trayectoria. Fonda, desde siempre comprometida con la defensa de los derechos humanos, ha reivindicado el uso de la palabra «woke», que la derecha y ultraderecha no se cansan de instrumentalizar para ridiculizar e intentar callar a aquellos comprometidos con las causas sociales y medioambientales. Lo expresa mejor Jane Fonda: “No os equivoquéis. La empatía ni es frágil, ni es woke. Que, por cierto, woke significa simplemente que te preocupas por el resto de gente”. Alguien tenía que decirlo.
Las redes sociales se encargan diariamente de que circule aquella entrevista de Maya Angelou en blanco y negro en que la autora aparecía hablando del miedo a la palabra «woke». Sin embargo, la palabra viene de atrás, procede de la jerga afroamericana y había aparecido en canciones de Lead Belly durante los años 30. En el siglo XXI la han popularizado, entre otros, Erykah Badu.
El «antiwokismo» es un fenómeno que existe, que tiene nombre y que se caracteriza por «exagerar los peligros que para la libertad tiene una determinada cancelación y minusvalora la falta de libertad estructural para las minorías que el wokismo quiere denunciar», describe el periodista Daniel Innerarity en El País en su artículo ‘Contra el antiwokismo’. En una retorcida vuelta de tuerca, el antiwokismo busca que «no se cancele a quien ha gozado inveteradamente de la potestad de cancelar». Cancelar en la vida real, se entiende, que es donde las opresiones causan consecuencias reales para las personas.
Las palabras de Fonda, por tanto, resultan muy pertinentes, además de valientes, y recuerdan la importancia que tendrá tomar partido durante la segunda era Trump en que el «antiwokismo» estará a la orden del día. Sobre todo porque no tantas celebridades con plataformas públicas se están pronunciando, estos días, sobre nada en absoluto. Ni están obligadas, pero el silencio es ensordecedor.
Apenas se ha visto a Madonna criticar las nuevas medidas de Trump, enmarcándolas literalmente en el «fascismo» y, aunque su visión en ocasiones pueda pecar de naíf, hay que aplaudir que al menos se pronuncie. Selena Gomez ha ido tan lejos de grabarse llorando por los inmigrantes deportados: también ha sido ridiculizada, pero al menos ha dicho algo. Hunter Schafer ha denunciado la política antitrans de Trump porque acaba de sufrir sus efectos de primera mano. A Caroline Polachek se la ha visto asistiendo a una manifestación por Ucrania. En España, Inés Hernand no se cansa de promocionar manifestaciones, como la que este domingo ha defendido la educación pública.
Y, aun así, sabe a poco. Faltan voces, en Estados Unidos pero, por supuesto, también en España. Demonios, si hasta Karla Sofía Gascón, estando completamente equivocada en todo, habla, y cuando el mundo parece dispuesto a pasar página de sus destructivos tuits, porque todos cometemos errores y decimos tonterías, como bien -y con mucha razón- ha expresado C. Tangana, ¿por qué no habla el resto? En los cuatro largos años de Trump y Elon Musk que quedan, y con la derecha ya asentada en Alemania, no se pueden escuchar solo grillos. Se agradecería que hablasen también los que más tienen que perder: no solo Jane Fonda, otra vez.
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