Sí, ha pasado justo un año desde el lanzamiento de ‘Love Takes Miles’, pero la pequeña obra maestra de Cameron Winter está más de actualidad que nunca. El líder y vocalista de Geese acaba de lanzar el videoclip oficial de la canción, además de firmar una de las noches más importantes de su carrera, agotando el Carnegie Hall de Nueva York bajo la mirada de las cámaras de Paul Thomas Anderson y Benny Safdie. Por eso, ‘Love Takes Miles’ es la Canción del Día.
En la lista de artistas más jóvenes en dar un concierto en solitario en Carnegie Hall, solo hay tres por encima de Cameron Winter. Ni más ni menos que Bob Dylan, Tim Buckley y Laura Nyro. La crudeza emocional de ‘Heavy Metal’, su primer disco en solitario, sigue conquistando corazones un año después de su lanzamiento, incluso alcanzando los puestos más altos de algunas listas de fin de año a pesar de haber sido lanzado en diciembre de 2024.
Lo mismo con ‘Love Takes Miles’ en las listas de canciones. Y no es para menos. En ella, Winter recupera la tradición del cantautor joven que posee una sabiduría que traspasa su edad y entrega una de las mejores canciones de amor que hayamos escuchado en los últimos años.
Para el artista de 23 años, el amor es sinónimo de fuerza incontrolable. Uno no elige cuando llega («El amor llamará / Cuando ya tengas suficiente entre manos») y hace que las personas sean capaz de lo imposible («El amor hará que te quepa todo en el coche»). Sobre todo, no se construye de la noche a la mañana, sino a base de «millas» (o «años») en el viaje que es la vida.
Las metáforas relacionadas con el movimiento continúan durante el resto del tema, como en la frase «necesito tus pies más que tú», que puede llevar a diferentes interpretaciones. A base de un piano de folk, y unas hermosas cuerdas que aparecen en la parte final, Winter acaba sugiriendo al oyente que es hora de empezar el viaje del amor: «Más te vale empezar a andar».
Si quieres una dosis de positividad concentrada, escucha la música de Caloncho. El artista mexicano lanzó ‘Tofu’, su quinto disco, a finales del año pasado y recientemente ha dado sus primeros conciertos en España después de 3 años sin visitarnos. También ha estado en París y Londres, por ejemplo.
A base de pop rock, folk y un toque de psicodelia, Caloncho utiliza su música para mandar al mundo mensajes de armonía y libertad. Asimismo, su faceta de activista por el medioambiente brilla en el proyecto Día a día, un programa de reforestación anual. Esto también lo ha implementado en su rutina de trabajo a través de «actos diarios que no sean tan nocivos, desde la manera en la que me alimento yo y mi equipo hasta la perspectiva que tenemos sobre el uso del plástico de un solo uso».
Me reúno con Caloncho en la sala de cine de Casa de México, en Madrid, para hablar sobre su amor por el reggae, el efecto de su música en las personas y cómo mantenerse positivo en un mundo cada vez más oscuro. El artista acaba de publicar dos singles nuevos, ‘Palacama’ y ‘Fairy Michelle’.
Se cumple un año desde tu último disco, ‘Tofu’. ¿Ha evolucionado de alguna manera tu percepción del disco o cómo lo veías desde que lo sacaste hasta ahora?
Lo escuché recientemente en un avión, tras un año de publicarlo. Y me gusta mucho (risas). Normalmente siento que después de que lo escuchas tanto y lo tocas, como que se va desgastando un poco la emoción. Pero en este caso la verdad es que me siento muy cómodo. Es mi quinto álbum publicado y he tenido todo tipo de procesos. El primer disco fue 100% compuesto por mí y el segundo ya tuvo más colaboradores y como que ha ido entre que abriendo y cerrando la puerta para permitir que entren más personas a creativamente hacer. ‘Tofu’ fue muy íntimo. Componer o crear con alguien más es mucho de ceder y en este caso siento que se me permitieron muchos caprichos personales. A nivel creativo, es muy satisfactorio.
Siempre decís que cada proceso es diferente, pero, ¿tú prefieres hacer las cosas tú solo o con colaboradores?
Un poco las dos, porque haciendo las cosas solo no tienes con quién rebotar la pelota ni con quién jugar. A mí, ese rebote me gusta mucho, pero es medio contradictorio. Una vez que abres la puerta a trabajar con alguien, ya no necesariamente vas a aterrizar tu idea y no siempre se siente bien.
¿Por qué decides empezar el disco con una bachata?
Siendo honesto, era la primera que estaba lista. Es bachata, pero también tiene reggae, no sé si lo percibiste. Tiene los steppers del reggae.
«El reggae es la música que más me gusta escuchar y con la que más he conectado en la vida»
Tu música siempre tiene algún toque de reggae. Tengo entendido que empezaste por ahí.
Es la música que más me gusta escuchar y con la que más he conectado en la vida.
¿Por qué crees que has conectado tanto con el reggae?
Tiene que ver con que fue la primera música que decidí, o sea, con la que conecté yo personalmente como un adolescente en búsqueda de identidad. Antes de eso pues seguro escuchaba lo que escuchaba mi papá o un poco mis gustos infantiles. Y me gustó mucho todo lo que venía alrededor de ese género porque es muy misterioso. Todo lo rasta, que es como parte del reggae roots, es súper misterioso y profundo, espiritual, enigmático… Por otro lado, el reggae que se hacía en Estados Unidos, en California, que tiene como una subcultura de surf y skate. Era justo una etapa en la que yo hacía mucho skate y por lo mismo que se retroalimentaba. Era patinar y escuchar entre reggae y ska. Y siendo un niño, eso es como: wow, aquí pertenezco.
«Todo lo rasta es súper misterioso y profundo, espiritual, enigmático»
Sin embargo, no solo has explorado el camino del reggae en tu música.
Sí, entre música mexicana, folk, algo de rock and roll, baladas, bachata, cumbia… Aunque todo eso se puede asociar al reggae.
En ‘Superdeli’ hablas de «dejar fluir». ¿Cuánto tiene que ver esto con tu proceso creativo?
Sí, aunque hay algunos límites. Estos son muy útiles para poder serle fiel a un concepto y es mucho más fácil crear con límites definidos en función del concepto.
¿Antes de ponerte a hacer la música?
Sí, por ejemplo, yo tenía claro que con ‘Tofu’ quería hacer un álbum que se sintiese acogedor. No hay reverberación, y quería que el álbum tuviese esa sensación. Para eso, pues hay una restricción creativa que es hacer cierto tipo de microfonía. Muchos efectos están cancelados, como grandes reverbs, grandes delays… Todo tenía que ser cercano.
Volviendo al reggae. Tu música, sobre todo, irradia positividad y tranquilidad.
Sí, y eso lo entendí más tarde. Hoy en día lo reconozco. Es la música que me gusta escuchar a mí también. El reggae es vehículo de muchos intérpretes y compositores que ponían ahí su discurso de protesta y me llevé esa herencia.
¿Por qué te diste cuenta después?
Al principio me decían que mi música sonaba como a playa, pero no es como que lo tuviera en mente previamente.
¿Y te lo tomaste bien?
Sí, porque me encanta la playa (risas). No tiene nada de malo. Si me hubieran dicho que mi música suena a alcantarilla, pues ahí sí.
¿Tú sueles leer comentarios de tus fans en vídeos o lo que sea?
Lo hago, sí.
Entonces te habrás dado cuenta de que todos los vídeos, de tu música o entrevistas que has hecho, están llenos de personas relatando cómo tu música les ha ayudado durante una depresión o en mitad de un tratamiento de una enfermedad muy grave, por ejemplo. ¿Cómo se siente formar parte de estos momentos tan importantes en la vida de estas personas?
Me parece honestamente asombroso y agradezco que me lo compartan y que la música les funcione de alguna manera, porque una vez más, no sé si lo platicamos, pero yo sí creo que la música es eso. Es alivio, es bálsamo, es refugio, es santuario. Yo también siento que le debe pasar a las personas que hacen música y que les digan que su música les ayuda. No me doy ese crédito porque no siento que sea yo, sino la música.
«Mi misión como compositor y cantante es promover esto: ama y disfruta»
¿No te sientes responsable?
No necesariamente, yo creo que le deben de decir mucho también eso a Bad Bunny. La música es un lugar y hay gente que tal vez baila cuando se siente mal y acuden a su música.
Creo que tú también lanzas mensajes muy directos en tu música.
Eso sí es a propósito. A mí me funciona mucho esta frase, pues te la pongo en esta canción y espero que te sea útil.
¿Has recibido este tipo de feedback en persona?
Sí, y es poderoso. Es muy fuerte. Hay una canción, por ejemplo, que se llama ‘Somos Instantes’. Yo no tenía esta lectura, pero como que gente que ha perdido algún familiar, algún ser querido, le ha sido útil y para mí ha sido fuerte que lo relacionen con eso. La construcción fue desde ahí. La experiencia vital es breve, así que disfrútala y aprovéchala, pero no veía tanto la muerte dentro de esta narrativa. Es a lo que me refiero. No es solo uno, sino también la interpretación de la gente que escucha y el poder de la música.
Y tú, ¿por qué haces música?
Ya llegué a esa conclusión. Mi misión como compositor y como cantante es promover esto: ama y disfruta. Eso es como que podrá parecer superfluo, pero realmente no entiendo por qué más lo haría. Es promover que ames lo que sea que tengas que amar: a una persona, tu trabajo, tu tiempo… y que lo disfrutes.
Teniendo en cuenta cómo está el mundo, ¿tú como te mantienes positivo?
Le he dado muchas vueltas a este tema todo el día.
«¿Cuál fue la infancia de un maldito político corrupto y violento? ¿Qué vivió esa persona para andar jodiendo a más personas?»
Siendo tu música tan positiva y llena de paz, felicidad… No es necesariamente un reflejo fiel del mundo.
Totalmente de acuerdo, esa es la misión. Yo siento que una persona que está en esa vibración de saber reconocer lo valioso que tiene a su alcance, de amar y de disfrutar su realidad en la medida de lo posible, hizo un trabajo de introspección. Supongo que, esta capacidad también aborda muchos temas en su vida y podría llegar a decir que es una persona integral, que seguramente es consciente de quién es y dónde está. Una persona así, posiblemente tenga el anhelo de salud mental y física. No creo que esa persona ande haciendo guerras. No creo que esa persona ande queriendo acaparar más de lo que necesita. No creo que quiera hacerle daño a las personas que tiene a su lado. No creo que ande por la vida destruyendo. Por ahí va. Cuidar las infancias, cuidas a las personas y cuidarse a uno mismo. Creo que si todo el mundo hiciera ese trabajo, la realidad sería distinta. ¿Cuál fue la infancia de un maldito político corrupto y violento? ¿Qué vivió esa persona para andar jodiendo a más personas?
Le habría faltado escuchar más reggae.
Exactamente. Entonces, no es necesariamente la música, pero si uno anda dentro puede poner mensajitos de esos. Es un vehículo y le va a llegar a más personas.
¿Sabes cuando estás muy triste y te pones música triste y eso, de alguna forma, te reconforta? ¿Crees que es más poderoso un mensaje directamente positivo y abogando por el amor o un mensaje algo más oscuro?
Yo también lo percibo y lo he sentido. Es medio confuso, porque… hay placer en la desdicha. Hay placer en sentirse jodido, no identificado y no comprendido. Y por eso mucha gente vibra en esa onda, pero puedes tener placer desde otro sitio que posiblemente te haga salir más fácil o sentirte mejor más rápidamente. Yo creo que, al menos mi misión, es justo eso. Lo podrás identificar en las letras, aunque no está fácil tratar de acomodarlo en una canción. El reggae lo hace mucho, pero dentro de mi escena no sé qué tanto se está realmente haciendo en función de canciones que te hagan programarte en algo positivo, constructivo.
No es lo más común, no.
Exacto. No es tan sencillo, tampoco.
¿Es una vía de escape?
¿La música?
Sí.
Yo no lo veo así.
Antes has dicho que es un refugio. Una vía de escape es otra cosa, ¿no?
El entretenimiento te distrae. Y es una industria. Por eso trato de poner algo chido ahí. No en todas las canciones, porque me es difícil, pero está chingón tratar de poner algo ahí, ¿no? Que no solo sea algo que te divierta sino algo que te haga pensar también. Que te haga sentir o pensar en sanar.
Si me permites, ¿te puedo leer un comentario del vídeo de ‘Wacha Checa’?
Sí, claro.
He cogido este comentario, pero podría haber cogido otros 50. Es de una persona llamada «micheleparedes4229», y dice así: «Ando saliendo de un cáncer de tiroides, al igual que mi esposo. La música de Calonchito me ha hecho un bien quél nunca tal vez sepa, ya que esto que me pasó me hizo valorar comer un pedazo de pan, me hizo valorar a mi familia y coss tan pequeñitas que antes daba por hecho».
Qué bello, ¿no? Esto me súper conmueve, siendo honesto, porque también he tratado de promover eso, de encontrar placer en algo muy simple. Eso lo aprendí recientemente haciendo el disco previo, que aprendí de epicureísmo. Es decir, que el fin último de la vida es la felicidad. No un placer desmedido como promueve el hedonismo, sino como la ausencia de dolor. El «no dolor» es suficiente y es lo mismo que el placer. Entonces, esta persona hablando acerca de algo tan cotidiano como un trozo de pan… Hay algo ahí, algo muy valioso y no tiene nada que ver de repente con promover bienes materiales o meter marcas y cosas así en las letras. Que lo escriban ahí es increíble.
Lo de meter marcas en las letras, ¿a qué te refieres?
No sé, si…
Sé exactamente a lo que te estás refiriendo (risas).
O sea, también vale. No lo estoy criticando. Hay espacio para todos, pero yo siento que hay una responsabilidad bien cabrona y lo puedo ver con mis hijas. Si tienes en tu poder la manera de impactar a muchas personas, sobre todo gente joven, programémoslos con algo chingón, no con cosas autodestructivas y destructivas también del tejido social. También siento que no me corresponde. Yo soy músico, nada más.
Esto igual es muy cliché, pero lo voy a preguntar igual, ya que estamos hablando de ello. ¿Qué es para ti la felicidad?
Yo lo percibo como una sensación sostenible de no dolor en lo cotidiano, sencilla e inmediata. No tener hambre es suficiente motivo para estar feliz. Estar acá es suficiente motivo también para poder llegar a ese concepto de felicidad. Es como una manera inmediata de poder reconocerlo y sentirlo. No tiene que ser necesariamente meter un gol. Eso se debe de sentir increíble, pero sí, es más bien una noción sostenible y cotidiana. Es también hacer el trabajo de ver qué tienes y ver qué es lo que no te falta, en lugar de lo que no tienes. Perspectiva.
Rosalía sigue controlando el top 1 de Singles oficial en España con ‘La perla’, aunque acaba de sucumbir a Extremoduro en Spotify. Veremos qué ocurre en los próximos días.
La novedad es que los raperos canarios Lucho RK y La Pantera han publicado un EP de 7 temas llamado ‘TA FACIL’ y el disco al completo aparece en el top 100 oficial en España. Lidera ‘Pinky Promise 2’, que sube del puesto 13 al 6 -jugando con la sílaba en común de «corazón» y «coño»- y es la escalada más fuerte de la semana. El resto queda así:
6 (13) PINKY PROMISE 2
22 (E) TOCATE SOLA
34 (E) BANE
45 (E) SOÑASTE CON UN DRACO
51 (E) INESTABLE
58 (E) LIP SYNC
74 (E) TU CANCIÓN
Otra novedad es que el éxito de ‘WHERE IS MY HUSBAND’ de Raye al fin llega a nuestro país, tras la interpretación de Olivia en Operación Triunfo. La canción, que ha sido un hit mundial (número 2 en UK, top 7 en el Global que organiza Billboard), entra por primera vez en el top 100 español, en el puesto 60. Os recordamos que RAYE actúa el 13 de febrero en Barcelona, y quedan pocas entradas.
Otras entradas de la semana son ‘Dardos’ de Romeo Santos y Prince Royce (puesto 39), ‘Barrio fino’ de JC Reyes y Hades66 (67), ‘Vulnerable’ de Walls y Dani Fernández (82), ‘305 Luv Story’ (86) y ‘Estocolmo’ de Romeo Santos y Prince Royce (93).
Por si alguien se lo estaba preguntando, los villancicos empiezan a asomarse: ‘All I Want for Christmas Is You’ de Mariah Carey re-entra en el 46; y ‘Last Christmas’ de Wham! en el 71.
“¡El mejor grupo de la puta historia!”, se llegó a oír anoche entre el público de la Sala But. Efectivamente, Triángulo de Amor Bizarro cantaron y tocaron como si lo fueran, con una pasión y una maestría realmente poco comunes. La incansable guitarra de Rodrigo, la etérea voz de Isa y la poderosa batería de Rafa funcionaron como si fuera el último concierto de sus vidas, en el marco del 25 aniversario de Ochoymedio. La celebración de su discografía, acompañados por algunos de los mejores grupos del panorama indie, se sintió especial desde el principio. Sin embargo, durante la gran mayoría del show no conseguía sacarme una pregunta de la cabeza: ¿Cómo se puede tocar tan bien y sonar tan mal?
Les pasa a los mejores. Es casi inescapable. El apartado técnico de un concierto le puede jugar una mala pasada a cualquiera y, como ayer, hasta puede distorsionar totalmente el encomiable trabajo de los músicos. Y encomiable se le queda corto a Triángulo de Amor Bizarro. Para empezar, muy pocos grupos son capaces de congregar en un mismo bolo a tantas bandas. La gente tiene cosas que hacer. Estas son bandas que, además de compañeros y amigos, son también fans del propio grupo. Rufus T. Firefly, León Benavente, Cora Yako, Repion, Parquesvr, Karavana, Bum Motion Club y Aiko el grupo formaban la lista de invitados. Esto, por no hablar de todos los otros que también participaron en el disco tributo a TAB y que, por la razón que sea, no estuvieron ayer en el homenaje, como Lori Meyers, Viva Belgrado o Grande Amore. Estoy segurísimo de que por falta de ganas no ha sido.
Adrian YR
Lo que ocurre en el escenario está totalmente a la altura de la reputación y el respeto que se le asocia al grupo. Desde la inicial ‘No eres tú’, queda claro que TAB no es un trío al uso. Una atmósfera especial se posa en el ambiente desde la primera nota de Rodrigo. Su guitarra es casi mística. Con un solo punteo, el sonido invade la sala. Da la sensación de que podría durar para siempre. Durante ‘El culto al cargo, o como hacer llegar el objeto maravilloso’, la batería de Rafa es todo un espectáculo. El sentimiento con el que golpea los tambores es hipnótico. Es la definición visual de «se dejó todo en el escenario», llegando a robar el foco en múltiples momentos solo por su impresionante forma de tocar. Mientras tanto, el bajo de Isa le da sentido a todo.
Por desgracia, al ponerse la cosa más heavy, se nota que algo está descompensado. ¿Está la guitarra demasiado alta? Porque se come el sonido de todo lo demás. ¿Está la voz de Isa demasiado baja? Porque apenas tiene presencia en la mezcla. ¿Estoy describiendo el shoegaze sin darme cuenta? Obviamente, está dentro de lo esperable en un concierto de TAB, pero por lo que hablé con algunos asistentes después del bolo, lo de ayer no era lo normal. Una masa de sonido en la que no se distinguía nada de nada, con la excepción del pulso de la batería, y con el volumen pasadísimo de rosca. ¿Eché de menos unos tapones? Desde luego.
Adrian YR
En consecuencia, muchas canciones sonaban demasiado similares, aun sabiendo que no deberían. Aquellas que prescindían de la guitarra de Rodrigo, como ‘Fukushima’, eran otro mundo. Abraham Boba fue el más afortunado en este sentido. «Qué divertido ha sido esto», dijo Isa mientras se despedía del líder de León Benavente, con toda la razón. Los problemas de sonido empañaron, en diferente medida, las interpretaciones de prácticamente todos los invitados. Fue el caso de Bum Motion Club. Los labios del vocalista Pablo Vera se movían, pero la voz había que imaginarla. Lo mismo con los dedos del guitarrista. Sin embargo, a pesar del frecuente ruido descontrolado, también hubo actuaciones enormes. A destacar, Repion en ‘ASMPR para ti’. La ilusión genuina de las hermanas Iñesta fue algo contagioso y el dúo Teresa-Rodrigo a las guitarras rebosó química por todos los lados.
El setlist fue tanto un repaso a la discografía del grupo, con temas tan queridos como ‘El himno de la bala’ o ‘El fantasma de la transición’, como un pequeño vistazo a lo que nos espera dentro de “un par de meses”. No es la salida de un nuevo disco, sino su anuncio. Así sonaron las llamadas ‘Ojos’ y ‘Mi catedral’, con la primera dibujándose como una disfrutona canción llena de riffs pegadizos y con la segunda como una pieza más compleja, pero no por ello menos emocionante.
Adrian YR
La recta final del show fue un acumulamiento de trallazos capaz de desmadrar por completo al público, y que iba a más con cada tema que se sucedía. Rodrigo no dejó ni un segundo de descanso entre ‘Amigos del género humano’, ‘Canción de la fama’ y ‘Barca quemada’, con la distorsión de su guitarra sirviendo de pegamento entre canciones. La cosa empezó con ‘De la monarquía a la criptocracia’, junto a un -‘cool as fuck’- Carlos de Cora Yako, y terminó con el mejor final posible con ‘Vigilantes del espejo’. Todos y cada uno de los invitados invadieron el escenario en un final de película. La pista, un bendito caos. Gonzalo, de Karavana, se animó a tirarse encima del leal público de la But. Fue un momento precioso dentro de un concierto agridulce. Eso sí, que terminó con un gran sabor de boca. Eso es lo que nos llevamos. Durante esos tres minutos, Triángulo de Amor Bizarro sí fue el mejor grupo de la puta historia.
Ca7riel & Paco Amoroso culminarán el mejor año de sus carreras con un nuevo disco. Después de conquistar el mundo con su ya mítica actuación en el Tiny Desk de NPR y ganar cinco premios Latin GRAMMY anuncian ‘TOP OF THE HILLS’. El sucesor de ‘BAÑO MARÍA’ y ‘PAPOTA’ estará disponible el próximo 19 de diciembre, la semana que viene.
A mediados del mes pasado, el dúo argentino lanzó el primer adelanto oficial del LP, la fantasía house de ‘GIMME MORE’. Al igual que en esta, Ca7riel y Paco relatarán en el resto del disco el ascenso meteórico que han vivido, seguramente con el humor que siempre les ha caracterizado.
En la 26ª edición de los Latin GRAMMYS, tras recibir 10 nominaciones, los argentinos se llevaron a casa cinco estatuillas: Mejor Video Musical de Formato Corto (‘#TETAS’), Mejor Video Musical de Formato Largo (‘PAPOTA’), Mejor Canción Pop (‘EL DÍA DEL AMIGO’), Mejor Álbum de Música Alternativa (‘PAPOTA’) y Mejor Canción Alternativa (‘#TETAS’).
Tracklist:
1. GIMME MORE
2. BUSINESS CLASS
3. AL GARETE
4. SPEEEEEEEDING
5. UN SUEÑO A LA VEZ
6. MANOS ARRIBA
7. 13/11/25
8. BROTHERS
9. BETO’S HORNS (CA7RIEL & PACO REMIX)
10. VERSACE TAGS
11. RENTABILITY
12. LOS MENTES MÁXIMAS
La segunda edición de Operación Triunfo en Prime acaba el lunes. No podemos decir que haya sido la que más ruido ha hecho en redes, ni la que más ha acaparado la conversación social. De hecho, Juan Sanguino, fiel seguidor del formato, confiesa que estaba deseando que acabase. Aun así, la disecciona durante casi 2 horas en el podcast REVELACIÓN O TIMO. ¿Podemos hablar ya de la peor edición de la historia de OT? Así lo considera Juan, y no necesariamente por la calidad de los concursantes.
De hecho, apunta a la interpretación que realizaron Guillo Rist y Cristina de ‘APT’ como un hito. El problema es que fue en la Gala 1. «No tiene ningún sentido. Que haya dos concursantes que te den una actuación de la puta Super Bowl en la Gala 1 es increíble, ¿pero a partir de ahí adónde vas? OT necesita narrativas, progresos, arcos. La segunda edición de cada ciclo siempre tiene mayor nivel e involucra menos a la audiencia. ¿Por qué? Porque se apunta más gente. Me decían antes de que empezara el programa que «había nivelazo» y yo decía: «¡alerta!»».
Continúa, recordando el OT de Aitana, Amaia y Lola Indigo, el que más artistas duraderos ha dejado: «¿Recordáis a Aitana cantando ‘Bang Bang’? Es top 10 de las peores actuaciones de la historia de OT. Luego se enamora de un señor, y le echan y tú te mueres oyéndola cantar ‘Procuro olvidarte’. Este año son todo Chenoas, Sorayas. Son puro fuego. ¿Pero qué evolución va a tener un muchacho como Guillo, que ha hecho 3 años ‘Mamma Mia’? Teyou tenía 100.000 seguidores, se movía en círculos de chicas indies. Les piden que canten de otra manera, o que dediquen canciones a sus parejas y «no les sale del coño». Ellos ya tienen una carrera».
Por motivos como ese, es que Juan cree que estamos ante el peor OT: «No quiero ser hiperbólico, y creo que las cosas necesitan tiempo, pero creo que ha sido la peor edición de OT de las 13. Ha sido duro. En la gala 11, la gente estaba sufriendo en plan «que se acabe ya». La gala 12 tiene que ser ya de estrellas del pop y había actuaciones que decías: «Esto es inadmisible». Sigue siendo de mis cosas favoritas del mundo. Como Drag Race o La Isla. El peor minuto de estos programas me sigue dando la vida. Prefiero que existan. Pero la edición se ha visto lastrada por varias cosas: es un programa que implica que el espectador se involucre. OT ha exigido más que nunca a la audiencia. El espectador estaba desesperado buscando «shippeos», polémicas, miradas: no había nada».
Añade: «Es la primera edición en que no hay una historia de amor. Y la historia de amor es esencial. No tanto que ocurra, como que la gente pueda fantasear con ella. Si coges a 16 chavales que por alguna razón quieren estar con su pareja el resto de su vida, con 20 años… Gente como Judith no quería hacer una interpretación con otro concursante por si a su chico le sentaba mal. Eso está muy bien en la vida real, pero no es televisivo. Tienes que meter gente soltera, para que la gente fantasee con historias de amor, aunque no sean verdad. Tiene que haber algo».
Y no solo historias de amor. Salvo el caso de Iván Rojo, no ha habido memes. Sanguino también cuestiona las larguísimas e insulsas valoraciones del jurado y los escasos momentos que han dejado las clases de interpretación de La Dani: «La labor de un profesor de interpretación no es que interpreten bien, sino que nos den momentos. Eso lo entendieron Ángel Llácer, Los Javis… No ha habido ni un solo momento viral en las clases de La Dani, cuando las clases de interpretación siempre daban momentos. Siempre».
«Yo veo bastante claro que la nueva Aitana tiene que ser un chico. La popstar de esta edición va a ser Guille Toledano»
Respecto al futuro de los concursantes y después de que el anterior OT no dejara grandes «triunfos» salvando la calidad artística del disco de Juanjo Bona, Juan tiene su apuesta clara: «Se han empeñado en que la nueva Aitana va a ser Claudia o va a ser Olivia. Yo veo bastante claro que la nueva Aitana tiene que ser un chico. Es donde está el hueco de mercado. Yo creo que a Guille Toledano, le dan un ‘6 de febrero’ y las niñas se mueren. Y los que no son tan niñas. Puede ser la popstar de esta edición. Se están equivocando con que Claudia u Olivia tienen que ser la nueva Aitana, cuando Aitana ya existe. Yo creo que la popstar de esta edición va a ser Guille Toledano».
También elogia el single ‘Ufff’ que ha sacado Salma: «Rosalía lo explicó muy bien cuando fue a La Pija y La Quinqui. No hay que tenerle miedo al cringe. La gente tiene miedo de dar lache. Tú piensas: Raphael, Julio Iglesias, Pantoja… todo es lache. Bowie… a los Rolling Stones no les dejaban entrar en los hoteles porque iban vestidos de mujer. El artista que quiere trascender no debe tener miedo a dar lache. La coreografía de Aitana del coño, coño, coño… la hace con cara de chula. Amaia tiene letras que dan un poco de vergüenza ajena, y luego te acaban gustando. Y no digamos ya Rosalía. ¿’Chicken Teriyaki’? Rigoberta no tiene miedo a ser hortera, kitsch, lo entiende y lo performa. Creo que la gente tiene miedo al lache y Salma no ha tenido miedo al lache con ‘Ufff'».
Finalmente, Juan cree que el formato mejoraría en RTVE: «Si fuera por Gestmusic, volvería a RTVE, es donde acaba volviendo siempre, por una cuestión de repercusión. Teyou es Prime Video y Operación Triunfo es Operación Triunfo. Ni Teyou ni Prime Video se han planteado qué pueden hacer por Operación Triunfo, sino qué puede hacer Operación Triunfo por mí. El que gana es Prime Video. Gana marca, posicionamiento y consigue que gente joven se dé de alta. OT solo pierde en Prime Video, lo digo con todo el cariño del mundo».
Judeline publica hoy su nuevo EP, ‘Verano saudade’, que incluye sus recientes colaboraciones con Amaia (‘com você‘), Sega Bodega (‘PIKI’) y MC Morena (‘Tu et moi’), además de dos cortes inéditos con DELLAFUENTE (‘tiempo pasa’) y Pa Salieu (‘mi breve juventud’).
Judeline describe ‘Verano saudade’ apelando a la nostalgia y, de manera inadvertida, casi también a ‘Future Nostalgia‘ de Dua Lipa: “Cuando la nostalgia es un sentimiento a futuro y no a pasado, y aunque el frío y el gris te rodeen, se quiera vivir en un verano eterno”.
Lara Fernández efectivamente evoca la nostalgia del futuro en ‘tiempo pasa’, la Canción del Día para hoy viernes. En uno de sus estribillos más lindos, escrito al ritmo de la bossa nova, canta «no puedo hacer na’, porque el tiempo va a pasar, voy a echar de menos el brillo de tu mirá», mientras DELLAFUENTE deja en manos de Dios (“inshallah”) su libertad.
No puede Judeline evitar echar la mirada atrás y desear «ser joven otra vez”, a pesar de que ahora mismo tiene 22 años. En un coro muy Chambao, anticipa que el tiempo cambiará su “piel”, su “hablar”, su “mente” y su “forma de cantar”, pero ella se rinde al destino: “yo sigo la vida donde me quiera llevar”.
Mientras Judeline marca ‘tiempo pasa’ con su sensibilidad vocal, y DELLAFUENTE con su chulería, la producción del mismo Pablo Enuc, Tristán, Roy Borland y sus habituales Mayo y Tuiste envuelve a Lara en una pequeña fantasía latina de pianos, arpas, percusiones y efectos electrónicos.
Hoy 12 de diciembre son pocos los artistas que se atreven a lanzar disco. Entre quienes se animan a publicar disco largo se encuentran Fred again o el argentino Doly Flaccko. En realidad, el lanzamiento destacado de la jornada es el epé de Judeline, ‘Verano saudade’, que incluye sus recientes colaboraciones con Amaia o Sega Bodega.
Judeline abre la playlist «Ready for the Weekend» junto a DELLAFUENTE, y le sigue otra colaboración destacada, la de Leire Martínez y Edurne. Gorillaz junto a Omar Souleyman y Yasiin Bey, siguen desgranando ‘The Mountain’, el disco que publicarán el año que viene.
La semana deja novedades destacadas como el dueto de Rodrigo Cuevas y Massiel, y también lanzamientos interesantes de DJ Suzy, mori, Artemas, duendita, Dry Cleaning, Gala Nell o Astral Weeks, todos ellos englobando lo nacional e internacional.
Desde Operación Triunfo recibimos nuevo single de Chiara y también de una de sus recientes ex-concursantes, Laura Muñoz. Desde el underground, Pantera Blue o HEALTH siguen a lo suyo. Desde el urban, tenemos nuevos singles de l0rna, Becky G o C Marí con Mushkaa (en plan bachata).
Hens y Xavibo se unen en un corte guitarrero, Veintiuno y Yarea en una bonita canción acústica, y Together for Palestine lanza ‘Lullaby’ solidaria con Neneh Cherry, su hija Mabel, Celeste, Brian Eno, Leigh-Anne, Bastille, etcétera.
Además, entre manos tenemos estrenos de LEISURE, Holly Macve, Bunbury, FLO, J Hus con Skepta, Colleen, Alison Goldfrapp, This is Lorelei o Alice Merton. ¿Falta alguna novedad? ¡Déjanosla en los comentarios!
La muerte de Robe ha dejado al país en shock, y para muestra la diversidad de artistas que la han lamentado, desde Cupido a Rozalén.
España se ha refugiado en escuchar las canciones del artista tanto en solitario como al frente de Extremoduro. Hasta 28 grabaciones de la banda aparecen en el top 200 de Spotify España, además de 11 de Robe en solitario, y 3 colaboraciones con Fito y Fitipaldis, Leiva y Platero y Tú.
Es cierto que hay un par de pistas que aparecen duplicadas en diferentes versiones (‘Decidí’, ‘Ama, ama…’). Pero también aparecen algunas canciones del proyecto paralelo Extrechinato y tú, que unió en 2001 a Robe con otros miembros de Extremo y Platero y Tú.
‘La vereda de la puerta de atrás‘ es el nuevo número 1 de Spotify España. Un tema que ya estaba en listas, pues se había viralizado últimamente, y que ahora logra desplazar ‘La perla’ de Rosalía de la cima, donde llevaba algo más de un mes. El tema incluía la frase «que me entierren con la picha por fuera / que se la coma un ratón».
Pero es que ‘Si te vas…’ aparece en el puesto 2, y ‘Stand By’ en el puesto 3. También en el top 10 se cuelan ‘So payaso’ (5), ‘Dulce introducción al caos’ (6) y ‘Salir’ (7).
Así ha quedado el top 200 de Spotify España el día de la muerte de Robe:
1.-Extremoduro / La vereda de la puerta de atrás
2.-Extremoduro / Si te vas…
3.-Extremoduro / Stand By
5.-Extremoduro / So payaso
6.-Extremoduro / Dulce introducción al caos
7.-Extremoduro / Salir
11.-Robe / El hombre pájaro
13.-Robe / Nada que perder
17.-Robe / Puntos suspensivos
19.-Extremoduro / Golfa
26.-Extremoduro / Jesucristo García
29.-Extremoduro / Puta
32.-Robe / Interludio
36.-Extremoduro / Cuarto movimiento: la realidad
41.-Extremoduro / Sucede
44.-Extremoduro / Buscando una luna
49.-Leiva, Robe / Caída libre
53.-Extremoduro / Ama, ama, ama y ensancha el alma
54.-Extremoduro / Bribriblibli
56.-Robe / Del tiempo perdido
68.-Extremoduro / A fuego
72.-Extremoduro / Mi espíritu imperecedero
75.-Extremoduro / Segundo movimiento: lo de fuera
80.-Robe / El poder del arte
85.-Robe / Calle Melancolía
87.-Robe / … Y rozar contigo
88.-Robe / Guerrero
93.-Robe / A la orilla del río
108.-Extremoduro / Locura transitoria
126.-Extremoduro / Primer movimiento: el sueño
128.-Extremoduro / Hoy te la meto hasta las orejas
131.-Extremoduro / Decidí
140.-Platero y tú, Robe / Si miro las nubes
142.-Extrechinato y tú / Rojitas
146.-Extremoduro / Tercer movimiento: lo de dentro
152.-Robe / Nana cruel
155.-Extremoduro / Ama, ama, ama y ensancha el alma
159.-Extremoduro / De acero
164.-Extremoduro / Necesito droga y amor
168.-Fito y Fitipaldis, Robe / Trozos de cristal
173.-Extrechinato y tú / A la sombra de mi sombra
183.-Extremoduro / Decidí
190.-Extremoduro / La hoguera
195.-Extremoduro / Entre interiores
Sílvia Pérez Cruz ha sido condecorada por el Gobierno de España con una medalla oficial por su contribución a la música y su “compromiso con la justicia social, la memoria y la dignidad de la gente que lucha por sus derechos”, ha explicado Pedro Sánchez en un vídeo de Instagram. Sánchez y Pérez Cruz han posado juntos para las imágenes oficiales, y la cantante ha celebrado que Sánchez, en su presentación, haya hecho énfasis en el componente social de su obra, ya que “no tantos lo han hecho”.
Esta no es la primera vez que Pérez Cruz es reconocida por el Gobierno de España, ya que en 2022 la autora de ‘Toda la vida, un día‘ (2023) recibió el Premio Nacional de las Músicas Actuales, dotado con 30.000 euros (este año, el galardón ha sido para Antonio Serrano).
Pérez Cruz cierra así un año especialmente significativo para ella en el aspecto profesional, y que ha incluido dos importantes momentos, en primer lugar, el lanzamiento de su disco conjunto con Salvador Sobral y, en segundo, el estreno de ‘La rumba del perdón’, su colaboración con Rosalía y Estrella Morente.
Continúa el incendio en Eurovisión debido a la participación de Israel. Primero fue Nemo, ganador de Eurovisión en 2024, y ahora es Charlie McGettigan, ganador del concurso en 1994, quien devolverá el trofeo ganador.
McGettigan, representante de Irlanda, ganó el concurso musical en 1994 junto a Paul Harrington: «En apoyo de Nemo, me gustaría devolver también mi trofeo a la UER». Ha aclarado que no ha podido encontrar, de momento, el trofeo que recibieron en 1994: «Si lo encuentro, lo devolveré». Por último, insiste en que «la UER está arruinando su propio concurso para preservar el lavado de imagen israelí del genocidio, pero la situación ha cambiado y los artistas y el público lo rechazan».
Nemo, que ganó Eurovisión en 2024 por parte de Suiza, anunció en redes que devolverá su trofeo a la sede del festival. Así lo explicaba en un comunicado que ha subido a redes sociales:
«El año pasado gané Eurovisión y me dieron un trofeo. Aunque estoy muy agradecide a la comunidad alrededor de este concurso y toda esta experiencia me ha enseñado mucho como persona y como artista, ya no siento que este trofeo pertenezca a mi estantería. Eurovisión dice que apoya la unidad, la inclusión y la dignidad de todos. Estos valores hacían que el concurso significara mucho para mí».
Sin embargo, esto ha cambiado dada la continuada participación de Israel, sobre todo después de que la «ONU concluyera que estaba ocurriendo un genocidio» en Gaza. Así lo explica Nemo, criticando que el concurso asegure ser «apolítico».
En referencia a los países que se han retirado, entre ellos España, añade: «Cuando países enteros se retiran por esta contradicción, debería estar claro que algo está profundamente mal. Por eso he decidido que voy a enviar mi trofeo de vuelta a la sede de la UER en Ginebra. Con gratitud y con un mensaje claro: “Vive lo que proclamas”».
Y concluye: «Si los valores que celebramos en el escenario no se viven fuera del escenario, incluso las canciones más bellas pierden su significado. Estoy esperando el momento en que esas palabras y acciones se alineen. Hasta entonces, este trofeo es vuestro. Nemo».
Consuela descubrir que, mientras el mainstream estadounidense parece estancado, el underground -qué sorpresa- sigue prosperando, lleno hasta los topes de imaginación y creatividad. Aquí entra keiyaA, cantante y productora nacida en Chicago pero afincada en Nueva York, que en 2020 pasó del anonimato absoluto a ganarse la admiración de Jay-Z, Kelela y Solange después de que su debut, ‘Forever, Ya Girl‘, hiciera las mieles de la crítica. Un disco que keiyaA subió a Bandcamp precariamente, usando el wifi de un vecino porque el amigo que la hospedaba no había pagado el recibo.
Construido sobre una fusión de R&B alternativo, neo-soul, deconstructed club, funk y psicodelia, ‘Forever, Ya Girl’ era el íntimo trabajo de una artista que trataba de “centrar las historias y la inteligencia de una mujer negra en el contexto de un mundo sumido en el capitalismo tardío”, proponiendo un nuevo sonido soul que aunaba de forma novedosa sus estudios en el jazz y sus influencias R&B, hip-hop y electrónicas.
El éxito repentino no salvó a Chakeiya Camille Richmond, sino que la llevó a sumirse en una “espiral” de depresión, inseguridades y estrés tan terrorífica que su segundo disco, ‘hooke’s law’, salió en Halloween. Ella dice que arrastra traumas de la infancia a su edad adulta -tiene 33 años- y ‘hooke’s law’ propone la idea de que enfrentar esos traumas también es amor propio, no solo “darse un baño y encender una vela porque eres una mujer negra”.
Afrontar la oscuridad de su psique ha sido el propósito de keiyaA durante la creación de ‘hooke’s law’. Hay ejemplos muy claros, como la flotante ‘devotions’, donde la artista reconoce sus ideaciones suicidas; y ciertas historias como la de ‘nobody show’ parecen localizar ese trauma en una posible negligencia parental. No extraña que en ‘be quiet!!!’ keiyaA ruegue ser salvada de su propia “naturaleza reclusiva”. En 2023, su hermano de 24 años fue asesinado mientras grababa un videoclip.
El dolor se transforma en rabia en puntos del álbum como ‘i h8 u’, que, sobre un beat de lo-fi y capas digitales distorsionadas, arremete contra el sistema del alquiler y su lógica abusiva: lo tilda de “fraude” y al propietario, de “tonto”, mientras sus cálidas armonías neo-soul la envuelven. En la nebulosa y etérea ‘stupid prizes’ se retrata como una “superviviente” que ha salido adelante aunque haya sido a palos. Es interesante cuando esa rabia dialoga con la libido en cortes como ‘take it’, uno de los más influenciados por el jazz: la letra ruega la adoración del otro, pero la instrumentación incluye cristales rotos y disparos.
Abundan en ‘hooke’s law’ los acordes mareados e hipnóticos típicos del neo-soul, así como su uso de capas y capas de armonías vocales reconfortantes y envolventes, a veces hasta el abuso, convirtiendo el disco en un claro «mood piece» que degustar poco a poco y sin prisa (estamos hablando de casi una veintena de pistas). Sin embargo, la producción es efervescente, impredecible, a veces espinosa, y aunque la intimidad de ‘hooke’s law’ puede sentirse claustrofóbica al principio, la imaginación que keiyaA le echa a la instrumentación compensa esa sensación con creces.
El paisaje sonoro coquetea continuamente con el glitch, el sonido de videojuego y la sobredosis de autotune, pero ‘hooke’s haw’ ofrece otro sinfín de ideas interesantes a las que aferrarse, como ese afrobeat que sostiene a duras penas ‘k.i.s.s.’; esa ‘think about it/what u think?’ que coquetea con el drill, el autotune y el neo-soul; el viaje circular del jazz al pop -y del pop al jazz- de la citada ‘take it’; o los diferentes flirteos del disco con la IDM, el breakbeat, la psicodelia o el ambient-synth, reflejados en cortes como ‘until we meet again’, donde keiyaA recuerda a su hermano a través de un viaje en dos partes; o esa ‘break it’ que devanea entre la neurosis y la calma, como todo el disco en realidad.
keiyaA se preocupa además por conferir al disco un sentido de viaje, incluyendo samples de poemas recitados de Jayne Cortez o Pat Parker o un reprise de ‘motions’, y armando un conjunto de canciones en su mayor parte muy breves que se suceden casi sin descanso, como si hojearas rápidamente un diario personal. Dando sentido al disco, su título alude a una ley física que viene a decir -metafóricamente hablando- que hay ciertos objetos que nunca se romperán por mucho que los dobles o estires. Está claro lo que nos quiere decir keiyaA, pero corroborarlo a lo largo de ‘hooke’s law’ no puede ser más entretenido.
Ochoymedio organizó un tardeo el pasado puente bajo el subtítulo de «Flashback». Muy bien traído porque el horario (de 18h a 23h) parece el favorito de la mediana edad y las sesiones pueden permitirse el lujo de ignorar el reggaeton en particular, y que las últimas dos décadas de música han existido, en general.
DJ Manazas (Belén Kan) pinchó cosas como Los Planetas, sí, y también temas que hacía tiempo que no se escuchaban en ningún club, como ‘Magic’ de Chucho o ‘Gritando amor’ de McNamara. Por supuesto, estábamos celebrando el 25º aniversario de Ochoymedio.
El plato fuerte del evento fue el regreso de Meteosat, también de aniversario, pues su único disco se editó en el año 2000. Poco misterio respecto a su setlist porque Nacho Escolar lo había destripado en nuestro podcast: 7 temas de su debut, ni más ni menos que las mejores canciones de aquel álbum, muy bien seleccionadas y dispuestas, algo extendidas para que el set al menos pudiera sobrepasar la media hora de duración.
Si en los comentarios de nuestro Instagram, hasta 4 personas se sorprendieron al descubrir que el director de El Diario y el miembro de Meteosat eran la misma persona, una 5ª se me acercó en vivo y en directo en el Teatro Eslava para preguntarme si ese teclista era de verdad Escolar. Troleo ya o todo lo contrario, Ignacio hizo bien en no abrir el pico, y dejar el protagonismo al resto de miembros de Meteosat. Salió el primero, hizo una foto con su móvil a la sala llena, y ahí se acabó la interacción. En verdad fue la cantante Vero Fernández quien robó el show. Adrián YR
La formación de Meteosat sobre las tablas es la última que sobrevivió tras la marcha de Diana Aller y Borja Prieto, quien siempre dijo que no volvería al grupo porque no le parecía tan importante, después de todo. Están Edu, Marta y Roberto «Niza», pero es Vero la que tiene mayor protagonismo, no solo por hacer la voz principal, sino por lucir en plena forma, elegante, dicharachera y básicamente tan feliz como las canciones de la banda, con el mismo desparpajo que el primer día, e incapaz de creerse haber podido convocar a tanta gente.
No logró el grupo la mejor resolución de sonido -a veces no se entendía lo que decían entre canción y canción-. Imaginad que Meteosat hubieran vuelto tras 25 años para dar el mejor concierto del siglo. Pero el repertorio fue reluciente. ‘Vilma’, su mayor hit, sonó en segundo lugar, porque en verdad el público parecía igual de dispuesto a disfrutar las otras 6, que se pincharon incluso más en estos ambientes: con ‘Fiesta en mi jardín’, «Rescate», ‘Mi novio es bakala’, ‘Radio España’, ‘Extraño ser’ y ‘Metal S.A.’ para cerrar -con Marta pegada a un megáfono- fue imposible aburrirse.
El grupo había barajado añadir alguna versión, especialmente ‘No te puto pilles’ de Pantocrator, un registro gamberro, macarra y reivindicativo que les encaja. Por lo que sea, al final no jugaron esa carta. Escolar ha acudido después a las redes para «amenazar» con otro concierto. Ahí será el momento de mejorar sonido, pensar cómo sumar repertorio e incluso quizá intentar nuevas canciones. Si no, quedará una tarde para el recuerdo, de lo más divertida y entrañable, a la que no faltaron músicos y dj’s como Guille Mostaza, Juan de La Monja Enana, Servando y Marta de Aviador Dro, Virpink (‘Compañeros’, vídeo de ‘Mi novio es bakala’), Javi de Cosmen Adelaida, Juan Diego Botto y Eme DJ, entre otros. 7.
Amor Líquido lanzaron su primer disco el año pasado, y desde ese momento se han posicionado como una de las apuestas más importantes en el rock nacional, tan viscerales como experimentales. Acaban de lanzar un genial split con Las Petunias, compuesto por ‘Baila’ y ‘No seré una estrella’. Dos canciones que se suman a un repertorio lleno de petardazos como ‘Mírame’ o ‘Tus Manos’ y del que podremos disfrutar el próximo 18 de diciembre en la Sala El Sol de Madrid.
Como Las Petunias, Amor Líquido también se han animado a pasar por MEISTER OF THE WEEK, nuestra sección comisariada por Jägermusic. El grupo madrileño ha escogido hablar de un tema amado por (casi) todos: las películas de animación. Les hemos preguntado por la deriva ultrarrealista de Disney en los últimos años, sus películas favoritas en la infancia y las infinitas posibilidades de este tipo de cine.
¿Por qué habéis elegido hablar de las pelis de animación?
No sabíamos qué elegir cuando nos propusieron la entrevista, nos costaba encontrar un tema que tuviéramos las tres en común y las películas de animación eran un nexo común, cada una por sus motivos. También, muchas veces, cuando volvemos de los conciertos fuera de Madrid y dormimos juntas, no somos mucho de salir de fiesta, nos gusta más volver al alojamiento a ponernos a charlar o ponernos una peli y verla juntas y suele caer siempre alguna de dibujos animados, es lo más amable después de un subidón tan grande como es tocar.
¿Sois más de Pixar o Disney? ¿Alguna recomendación que no sea de ninguno de estos estudios?
Creo que nos quedamos con Pixar. Como recomendación SPA Studios, nos gustó mucho ‘Klaus’ y además es un estudio español.
Normalmente, las películas animadas se asocian con lo infantil. ¿Cuál era vuestra peli animada favorita en la infancia?
Aquí nos ha costado un poco ponernos de acuerdo, cada una tenemos varias. Pero nos quedamos con dos: ‘El planeta del tesoro’ y ‘Mulán’.
Hablando de Disney, ¿qué os parece la moda de convertir las películas animadas en ultrarrealistas?
Nos parece un poco bajón… Son historias que la gente ya se sabe, quizá sería más interesante invertir en hacer películas nuevas, en lugar de pretender hacer realistas las animadas. La animación es algo muy guay y cercano que nos lleva a momentos de la infancia, además suelen ser bastante cutronas… Se nota mucho que es una inversión únicamente para sacar más dinero de las historias de siempre…
¿Creéis que hay una falta de originalidad importante en Disney?
Siguiendo un poco con lo de antes, últimamente quizá le están dando demasiada importancia a gastar dinero en remakes que a crear nuevas historias. Aquí Pixar sí que igual se lo curra un poco más, o estudios y productoras más pequeñas, que se esfuerzan en crear historias originales y encima tienen mucho menos presupuesto.
¿Cuáles son algunas películas de animación estrictamente para adultos que recomendaríais?
Hace poquito salió ‘La mercancía más preciosa’, quizá no es «estrictamente» para adultos pero sí que no es una película infantil, pero es preciosa. Recomendada cien por cien.
Precisamente, el cine de animación no tiene límites en cuanto a lo que la imaginación se refiere. ¿Cuál es la película de animación que más os ha sorprendido?
Es genial todas las posibilidades que te da la animación en comparación a lo que puede hacer una película realista, aunque con cómo avanza la tecnología igual esto deja de ser así dentro de poco tiempo… En este sentido, dos muy conocidas como ‘El castillo ambulante’ o ‘El chico y la garza’ representan muy bien cómo la animación no pone límites a la imaginación.
«Muchas lesbianas nos quedamos con las ganas de ver una película tan bonita como lo es el cómic de ‘La vida de Adèle'»
¿Qué película de live action creéis que podría ser mejor si fuese animada? ¿Y al revés?
Estaría muy bien poder ver ‘El azul es un color cálido’ en película, es el cómic en el que se basó (de manera muy errónea) ‘La vida de Adèle’, ya se sabe todo lo horrible que hubo detrás de ese rodaje, pero muchas lesbianas nos quedamos con las ganas de ver una película tan bonita como lo es el cómic, y de animación sería genial, así del palo ‘Chico y Rita’. Al revés igual molaría ver cómo se lleva a cabo ‘Mary and Max’, aunque la animación tiene una personalidad que sería muy complicado estar a la altura.
Existe un corto animado de 2022 que se llama justamente ‘Amor Líquido’. ¿Lo conocéis? Si lo habéis visto, ¿qué os parece?
Pues no lo hemos visto, la verdad es que hay varias cosas con las que compartimos nombre que no hemos catado (aunque quizá deberíamos)… ¡Nos apuntamos la recomendación para alguna vuelta de algún concierto!
La participación de Israel en la próxima edición de Eurovisión, en el contexto de un genocidio que todavía no ha terminado, sigue haciendo que los países participantes se piensen seriamente su continuidad en el concurso. Así, Islandia se suma a España, Irlanda, Eslovenia y Países Bajos en su decisión de abandonar el festival. En el caso de Portugal, la gran mayoría de candidatos se han negado a representar a su país.
“Dado el debate público en este país y las reacciones a la decisión de la UER tomada la semana pasada, es evidente que ni la alegría ni la tranquilidad reinarán en cuanto a la participación de RÚV en Eurovisión», ha comunicado la cadena islandesa antes de anunciar que tampoco participará en Eurovisión.
Portugal, por otro lado, está contra las cuerdas tras la decisión de 12 de las 16 candidaturas de no presentarse al concurso en caso de ganar el Festival da Canção, el equivalente al Benidorm Fest. La única razón que aportan es la participación de Israel. Además, tienen la esperanza de que la cadena pública RTP cambie de postura respecto a Eurovisión.
«A pesar de la prohibición de participación de Rusia por motivos políticos (la invasión de Ucrania), constatamos con asombro que no se le dio el mismo destino a Israel, que está, según la ONU, cometiendo actos de genocidio contra los palestinos en Gaza», se lee en el comunicado difundido ayer por la tarde.
Por su parte, José Pablo López, presidente de RTVE, ha respondido a la carta que Martin Green, director de Eurovisión, publicó ayer, tratando de reestablecer la normalidad, apelando al cumplimiento de las nuevas reglas. La respuesta de José Pablo es incendiaria: «Hoy Martin Green se ha dirigido al pueblo en una carta. Lo hace con el Festival en llamas, 5 países retirados, artistas que no aceptarán la preselección nacional para ir a Eurovisión, grandes estrellas del Festival posicionándose contra la participación de Israel y la mayor crisis reputacional de la historia de UER. Ahí es nada.
Green no menciona en su carta ni a Gaza ni a Israel, es decir, no llama a las cosas por su nombre.
Son «acontecimientos» que han pasado en Oriente medio y que le conmueven. ¿Un genocidio es un acontecimiento? ¿Nada más? Eso sí, Green os escucha a los fans. Hasta ahí su labor: escuchar.
Nos dice ahora que lo pasado pues pasado está y que las reglas se van a cumplir a partir de ahora. ¿Y los incumplimientos de estos dos años por Israel? ¿Pelillos a la mar? ¿Las normas se aplican según conviene a UER por sus alianzas geopolíticas y económicas?
Pero además Green nos dice que «la única manera de que el Festival de la Canción de Eurovisión siga uniendo a la gente es asegurándonos de que nos guiamos por nuestras reglas, ante todo.»
Ante todo, le reconozco un gran cuajo para decir esto después de que la misma noche que se votaron las nuevas reglas, Israel asegurase que había influido políticamente en las delegaciones para conseguir permanecer en Eurovisión. ¿Qué nos falta por ver?».
Hoy Martin Green se ha dirigido al pueblo en una carta.
Lo hace con el Festival en llamas, 5 países retirados, artistas que no aceptarán la preselección nacional para ir a Eurovisión, grandes estrellas del Festival posicionándose contra la participación de Israel y la mayor… pic.twitter.com/jCU1KGxiVF
Rodrigo Cuevas ha lanzado una colaboración que traspasa generaciones. Massiel, en su primera grabación en casi 30 años, acompaña al artista asturiano mientras se adentran en ‘Un Mundo Feliz’, un tema lleno de humor, pero también de corazón. Es la Canción del Día.
Desde las primeras líneas, cantadas por Massiel, queda claro que la canción va a ser hilarante. Esta describe un mundo en el que el sol sale todos los días, en el que no se estudia inglés y en el que «el tabaco no crea adicción». Sin embargo, lo mejor llega al final del verso: «Los ricos no van al espacio y todo el mundo es maricón», canta la intérprete de ‘La, la, la’.
El acompañamiento musical, hasta ahora de piano, se vuelve más electrónico con la entrada de Rodrigo Cuevas, pero mantiene su elegancia mientras el asturiano sigue describiendo un mundo en el que «a todos nos sobra el tiempo» o en el que «el asturiano es la lengua oficial». No olvidemos las «hordas de travestis» ni las bicicletas, «que no tienen sillín».
El estribillo deja el humor a un lado para convertirse en un ensoñador canto a la libertad: «Si quieres hacerlo, aquí lo puedes hacer / Si quieres serlo, aquí lo puedes ser», canta Cuevas. El monólogo final de Massiel es el complemento perfecto, poniendo el foco en lo más importante: «La emoción es lo más bonito porque es incontrolable y abre la puerta del corazón».
Ethel Cain, Alabama Shakes en su regreso después de ocho años, Two Door Cinema Club o Rigoberta Bandini se encuentran entre los primeros nombres anunciados en la 10º edición de Noches del Botánico, el ciclo de conciertos de Madrid que tiene lugar cada verano en el Real Jardín Botánico Alfonso XIII de la Universidad Complutense, entre los meses de junio y julio.
El primer avance de Noches del Botánico revela a Rigoberta por ahora como apertura de la edición actuando el 5 de junio, a la que seguirán Two Door Cinema Club el día 7, Ethel Cain el 9, Lia Kali el 12, Ginebras el 13, Love of Lesbian el 15 y ZAZ el 22.
En cuanto al mes de julio, el primer nombre programado es el de Danny Elfman el 6 de julio, y a continuación figuran Silvana Estrada junto a Mari Froes el día 9, Jean-Michel Jarre el 10, Alabama Shakes el 11, Belle & Sebastian el 16, Rick Astley el 17, ZZ Top el 20, Biffy Clyro el 21 y Diana Krall el 27.
Las entradas para Noches del Botánico se pondrán a la venta el martes 16 de diciembre a las 12 horas, exclusivamente en la web del festival y en los canales de venta de El Corte Inglés. Los puntos de venta físicos de El Corte Inglés estarán disponibles 23 horas después de la salida de la venta online.
Primero fue Taylor Swift, luego Sabrina Carpenter, que no se quedó callada, y ahora es el turno de SZA. La Casa Blanca ha subido esta semana otro vídeo en el que se glorifican las detenciones y deportaciones masivas que ICE está llevando a cabo entre la población inmigrante de Estados Unidos. Esta vez, al son de la canción ‘Big Boy’.
Este se trata de un tema inédito que SZA debutó junto a Keke Palmer en 2022, como parte de un número musical de Saturday Night Live, y que se ha mantenido en circulación gracias a TikTok. Al igual que ocurría en ‘Juno’, las alusiones a las «esposas» («It’s cuffin’ season») cobran un segundo significado en el contexto de las detenciones que aparecen en el vídeo subido por la Administración Trump.
SZA tampoco ha dudado en dedicar un tweet a la Casa Blanca, acusándola de «provocar a los artistas» a cambio de «promoción gratuita»: «Inhumanidad y tácticas de conmoción y pavor, malvado y aburrido», ha declarado la autora de ‘SOS’.
Abigail Jackson, portavoz de la Casa Blanca, ha respondido a la artista en un comunicado a Variety: «Gracias, SZA, por traer todavía más atención al tremendo trabajo de los agentes de ICE». Esto, tan solo unos días después de decidir borrar el vídeo denunciado por Sabrina Carpenter tras, suponemos, atraer demasiada atención.
Lily Allen ha elegido Bilbao BBK Live para presentar en España por primera vez su gran disco de regreso, ‘West End Girl’, uno de los mejores del año.
El festival bilbaíno ha revelado hoy parte de su cartel, que incluye otros grandes cabezas de cartel como Robbie Williams, que lanzará ‘BRITPOP‘ a principios del año que viene; Alabama Shakes, David Byrne, Interpol, Charlotte de Witte o IDLES. La 20º edición de Bilbao BBK Live se celebrará del 9 al 11 de julio, como siempre, en el monte de Kobetamendi. JENESAISPOP vuelve a ser medio oficial. El cartel no está completo, como está insistiendo el CM de Bilbao BBK Live en Instagram.
Las confirmaciones incluyen otro grande de la electrónica, Richie Hawtin, así como a Belle & Sebastian, la revelación irlandesa CMAT o Paris Paloma, mientras Belén Aguilera, Dani Fernández, La M.O.D.A., Ralphie Choo, Depresión Sonora o Bb trickz son algunos de los nombres nacionales anunciados.
Desde Italia los recomendados Nu Genea, y desde Francia por la vía de Mali Fatoumata Diawara, conforman otros de los nombres desvelados hoy, junto a figuras destacadas del underground español actual como AMORE o Las Petunias, entre otros.
La preventa exclusiva para asistentes de ediciones anteriores ya está disponible y se mantendrá activa hasta el miércoles 17 de diciembre a las 10 horas. Por otro lado, la venta especial para fans estará abierta desde el lunes 15 de diciembre a las 12 horas hasta el miércoles 17 de diciembre a las 10 horas. Para acceder, es necesario inscribirse en la lista de espera habilitada en la web del festival. La venta general comenzará el miércoles 17 de diciembre a las 10 horas.
RTVE ha publicado los adelantos de las canciones que se presentarán en Benidorm Fest 2026, y que se podrán escuchar al completo a partir del 18 de diciembre. En total se pueden escuchar 30 segundos de 17 canciones, todas excepto la de Dora & Marlon Collins, por alguna razón, pero ellos siguen apareciendo en la imagen oficial.
30 segundos bastan para descubrir que Asha presentará una especie de electro-swing, Dani J una bachata trap, Atyat una pieza con ritmos hindúes, Luna Ki un mambo contemporáneo, Rosalinda Galán una copla, Izan Llunas un disco-funk aflamencado y Kenneth un latin-house urbano. Los teclados ochenteros estarán servidos, de diferentes maneras, en las propuestas de Greg Taro y María León ft. Julia Medina, mientras Ku Minerva apostará por el eurodance.
Por supuesto habrá guitarras en Benidorm Fest a través de las apuestas de KITAI -en plan pop-punk- y Funambulista, y predecible es también el sonido de la canción de Miranda! con BailaMamá, que suena exactamente a Miranda!. Conviene recordar, en cualquier caso, que las canciones pueden revelar sorpresas de última hora: de momento la de los Quinquis parece inclasificable, y la de MAYO directamente es imposible de identificar: de su canción solo suena un fragmento orquestal.
La balada espiritual de Mikel Herzog Jr., y el flamenco urbano pop de Tony Grox & Lucycalys completan la tanda de adelantos, a espera de que todas estas canciones contengan otros mil géneros más dentro de sí mismas, como suele ocurrir en las producciones actuales.
Os recordamos que la edición de Benidorm Fest de 2026 será la primera que se celebre sin la posibilidad de representar a España en el Festival de Eurovisión, ya que RTVE ha decidido retirarse del certamen debido a la permanencia de Israel.
Entrevista a César Vallejo, director de Benidorm Fest
Martin recupera el número 1 de lo más votado en JENESAISPOP al hacerse con el 55% de los votos en las Stories de IG con ‘Nuevos recuerdos’. Así, logra desplazar a Rosalía a los puestos 2 y 3, aunque invirtiendo las favoritas: ‘Berghain’ se mantiene en el 2º puesto con el 24% de los votos, y ‘La Perla’ baja del 1 al 3 con el 17%.
La entrada más fuerte es la de Natalia Lacunza con ‘SABES QUÉ??’, que llega al puesto 6, y ya fuera del top 10, encontramos a Oneohtrix Point Never. Bad Gyal, Hofe, Nathy Peluso y The Neighbourhood también llegan en torno al top 25-30, mientras Repion se cuelan en el puesto 40 con ‘Cerrar los ojos’.
Ya podéis escuchar cómo ha quedado el top 40, junto a las 10 nuevas candidatas, en Apple Music.
«Mis planes son sobrevivir hasta el final de la gira, trabajar en un nuevo disco y vivir el presente». Después de representar a Italia en dos ediciones de Eurovisión, Marco Mengoni prepara la última recta de su gira, que terminará hoy, 10 de diciembre, en el Palacio Vistalegre de Madrid. Antes de hablar sobre el contenido de su gira, totalmente de actualidad, Mengoni reflexiona sobre su amplia experiencia en concursos musicales, tanto Eurovisión como Factor X, el cual ganó en 2009. «Estas experiencias son preciosas, pero vivir es lo que más te enseña».
Mengoni está en medio del proceso de creación de su próximo disco, el sucesor de ‘MATERIA (PRISMA)’, y tiene claro que no quiere «forzarlo». Es todo parte de su método particular. «Creo que las canciones tienen que tener mensajes para todos. Si es pop, tienes que alcanzar el mayor número de personas posible. Puedes poner tu experiencia personal, pero tiene que ser compartible». Aun así, lo más valioso para él es lo que hay detrás de las canciones. «Da igual que te haga mal o bien, lo importante es que sea verdadero. Sentir mal, al final te hace bien».
La presión ya no es un problema para Mengoni. Aprendió de sobra con su paso por Eurovisión. La primera de estas fue en 2013, en la que quedó en séptimo lugar gracias a la canción ‘L’essenziale’. «Fue un desastre. Tenía 23 años y no sabía nada de Eurovisión ni de cómo hacerlo. Estaba muy nervioso». 10 años después, en 2023, repitió y alcanzó el cuarto puesto con ‘Due Vite’. La cosa había cambiado. «No solo era más consciente de lo que era el concurso, y más libre, sino que además la segunda vez me abrió más puertas». Al preguntarle por sus puestos en el concurso, es tajante: «No me gustan los números. De ventas, entradas… A mí me gusta pensar en el escenario».
La ambiciosa gira de Mengoni combina el pop con la tradición teatral, de forma que el público es tan protagonista de la experiencia como el propio artista. A través de sus canciones, Mengoni repasa en seis actos los grandes temas de la existencia humana: el dolor, la fragilidad de la vida, el bien, el mal, la «libertad», la «paz», «todo lo que está sucediendo en el mundo»… Llegando a una catársis final. «Me gusta que la gente se vaya del concierto con una sonrisa, pero también reflexionando sobre los mensajes y monólogos que ha oído». Para Mengoni, hacer lo que sea, aunque sea poco, es suficiente. «Tenemos un pequeño poder, así que tenemos que utilizarlo».
De esta manera, está al tanto de la actualidad de Eurovisión. España, junto a Irlanda, Países Bajos y Eslovenia anunciaban la semana pasada su retirada del concurso tras la continuidad de Israel. Todo, en el marco de un genocidio en Palestina que no parece tener fin. «Como ser humano, estoy con España. Es un mensaje muy fuerte y necesario, porque la situación es absurda». Mengoni tiene claro que la musica puede cambiar el mundo, y debe cambiarlo. «Igual que Eurovisión, la música también tiene una parte política. Escribo, hablo y canto de emociones, sensaciones, de seres humanos. Claro que tengo que decir lo que pienso».
Kai Slater, vocalista de la banda de noise rock Lifeguard, solo tiene 21 años, pero nadie lo diría escuchando su música, que no solo se apoya en unos referentes de hace varias décadas, sino que lo hace con una sofisticación y un buen gusto que muchos músicos mucho más experimentados desearían tener. Su tercer álbum en solitario, ‘Balloon Balloon Balloon’, va un paso más allá del sonido power pop a lo Guided By Voices de su predecesor, el celebrado ‘Radio DDR’ (reeditado este año tras su lanzamiento independiente el año pasado), para adentrarse de lleno en una estética que replica meticulosamente -aún más- el pop psicodélico de los años 60 y 70.
Grupos míticos como The Beatles o The Byrds vienen inmediatamente a la mente en los primeros minutos de ‘Popafangout’, la luminosa y vibrante apertura del disco, una canción que muestra las habilidades melódicas del artista en su pleno esplendor y que funciona como una declaración de intenciones, asentando el tono alegre y acogedor que recorre al proyecto de principio a fin.
En ‘Balloon Balloon Balloon’ continúan las referencias a Guided By Voices así como a otros grupos de los 80 como Cleaners from Venus, que también veneraban la música de los 60 a la vez que intentaban aportar su propio sello contemporáneo. Kai Slater hace lo propio desde una producción lo-fi, grabando estas canciones en cinta y sin demasiados artificios, donde la naturaleza intrínsecamente nostálgica del proyecto se convierte en una feliz celebración de una época (re)imaginada.
El álbum, que fluye siempre con gran solvencia, está atravesado por una energía fantasiosa y onírica, reforzada por la brevedad de muchas de las composiciones y por un oído privilegiado para generar estribillos y ganchos pegadizos. ‘All the Prefabs’ dura poco más de un minuto, pero resulta tan efectiva en su concisión que el único motivo por el que no lamentar que dure más es porque justo después llega ‘Talking in Your Sleep’, que resulta igualmente deslumbrante, y tras ella, ‘Fall in Love Again’, otra breve joya que no llega a los dos minutos.
Igual de abrumador es el despliegue de talento que se encadena en las cinco primeras canciones, donde se encuentran hallazgos magníficos, como la pegadiza ‘I Don’t Have the Heart’, la hipnótica y psicodélica ‘Queen of Globes and Mirrors’ o la embriagadora ‘(I Wanna Be) Your Girl’.
Dividido en tres actos (marcados al final de cada uno con las piezas instrumentales ‘Balloon 1’, ‘Balloon 2’ y ‘Balloon 3’) y repleto de grandes canciones en cada uno de ellos, el disco se erige como una irresistible cápsula del tiempo, de la misma manera que lo eran los últimos trabajos de The Lemon Twigs. Hay algún momento de desfallecimiento y de ideas repetidas en una secuencia que es ligeramente larga de más, pero incluso en su última parte, la menos inspirada, es difícil no caer rendido ante canciones como ‘Takes So Long’, con sus espectaculares juegos de guitarra y su energía frenética, o a la dulzura acústica de ‘All the Shops And Stores Are Closing Now’.
En su tercer disco, Kai Slater mira al pasado de una manera tan fresca y lúcida que conecta directamente con nuestro presente. ‘Balloon Balloon Balloon’ exuda alegría de vivir, de imaginar, de soñar. Es una pequeña píldora de felicidad en un mundo oscuro.
La Plazuela siguen dándole al flamenco y al funk en su segundo disco, ‘Lugar Nº0 (D.L.Y.)’. El sucesor de ‘RONEO FUNK CLUB’ encuentra al dúo granadino reflexionando sobre las cosas más importantes de la vida, pero también disfrutando de ella. Es el caso de ‘B12’, el nuevo petardazo disco del grupo y la Canción del Día.
En el mundo de La Plazuela entran tanto Jamiroquai y Daft Punk como Camarón de la Isla. Todo a la vez. En ‘B12’, la electrónica, el funk, el disco y el flamenco, aunque en menor medida, se dan la mano para construir un himno a las noches de borrachera. Muy en la vena festiva de ‘Péiname Juana’, ‘B12’ da protagonismo a los sintetizadores ochenteros, incluyendo un solo hacia el final de la canción.
Esta recibe el nombre de las pastillas de vitamina B12, de las cuales se dice que ayudan a prevenir los efectos de una noche de alcohol y fiesta. Aunque sí es verdad que el déficit de esta vitamina es una consecuencia del consumo de alcohol, la ciencia no respalda del todo que la vitamina ayude a pasar mejor las resacas. A La Plazuela les da igual: «Tengo que intentar bailar / Aunque siga todavía colocao», cantan en las primeras líneas.
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