Esta noche de domingo 13 de noviembre se celebran en Düsseldorf, los MTV EMAs 2022, presentados por Rita Ora y Taika Waititi. En nuestro país se podrán ver a partir de las 21.00 en MTV España. También se podrán ver en Comedy Central, Paramount Network y Pluto TV.
La lista completa de actuaciones incluye grandes nombres como Gorillaz, Muse, David Guetta, Lewis Capaldi y Ava Max, junto a OneRepublic, Stormzy, GAYLE… y talentos más desconocidos:
Ava Max
Bebe Rexha
David Guetta
Gorillaz
Lewis Capaldi
Muse
Stormzy
GAYLE
OneRepublic
Kalush Orchestra
SPINALL
Äyanna
Nasty C
Tate McRae
Harry Styles (7), Taylor Swift (6), Nicki Minaj (5) y Rosalía (5) son los más nominados, si bien parece que ninguno actuará. El premio a Mejor Artista Español estará entre Rosalía, Quevedo, Fito & Fitipaldis, Bad Gyal y Dani Fernández. Entre los presentadores de la ceremonia estarán Julian Lennon y David Hasselhoff. Seguiremos informando.
Este viernes 11 de noviembre, el guitarrista Keith Levene (a la izquierda) ha fallecido a los 65 años, en paz, rodeado de los suyos. Sufría un cáncer de hígado. Levene será recordado sobre todo por su paso por la primera formación de Public Image Ltd, compartiendo entonces banda con leyendas como John Lydon y Jah Wobble, y también Jim Walker.
Estuvo en Public Image Ltd desde su formación en 1978 hasta 1981, grabando por tanto sus primeros discos, desde el seminal ‘Public Image: First Issue’ (1978) a ‘The Flowers of Romance’ (1981). También había tenido un paso más anecdótico por The Clash en 1976, antes de que grabaran su debut o el mítico ‘London Calling’, pero ejerciendo una influencia sobre su primer sonido. Convenció a Joe Strummer de unirse a la banda y co-escribió ‘What’s My Name’ de su debut.
Le echaron, supuestamente, por falta de interés en The Clash. Algo que se repetiría cuando dejó PiL por diferencias creativas respecto a lo que sería el cuarto álbum del grupo en 1983. El escritor Adam Hammond le recuerda hoy en Twitter como «uno de los guitarristas más influyentes de todos los tiempos», citando expresamente los 9 minutos de ‘Theme’ del primer disco de Public Image Ltd: «definieron lo que la música alternativa debería ser».
«¿Dónde está Alien Tango?», nos preguntaba alguien en Instagram cuando presentábamos nuestra playlist con las mejores canciones de octubre. Y tenía razón. El proyecto de Alberto García que hemos venido compartiendo durante los últimos años (aquel disco para TikTok, sus experimentos culinarios) ha publicado una de sus mejores grabaciones en recientes semanas. ‘1000 Years’ es nuestra Canción del Día para este domingo.
El que supone un avance de su primer disco, ‘1000 Years’, es la típica producción mutante de Alien Tango. Primero parece una grabación alegre de Belle & Sebastian, una de la era pop de ‘The Life Pursuit’. Después retrocede al Brit Pop, incorpora falsetes y después, a los 2 minutos, se ralentiza y muta cual grabación de of Montreal. Recuerda entonces mucho a las locas sonoridades de estos, ¿o acaso estamos escuchando una suerte de villancico underground? La letra luce tan optimista como la melodía, resultando una de sus grabaciones típicamente edificantes.
El artista, que ha pasado por Primavera Sound, BBK Live, FIB, SXSW o Eurosonic, ha fichado por el sello británico Republic of Music y lleva 2 años preparando su disco de debut. Esto detallaba este verano cuando presentaba otro tema llamado ‘workinonit’ que NO irá en el álbum: «Dos malditos años levantándome de la cama para volver a grabar las tomas vocales por decimoquinta vez u obsesionarme con la cantidad de reverb que necesita el bombo y con que todo el mundo lo note. En algún momento estuve tan cerca pero tan lejos de terminar que pensé que me quedaría en ese bucle interminable de perfeccionismo tóxico hasta que el sol explotara, deseando haber tomado otras decisiones en la vida».
‘1000 Years’, por su parte, es la primera canción que escribió para ese álbum debut que se aproxima sin fecha de edición, y Alien Tango revela ya que será la última de la secuencia. En el proceso de creación, ha ido más bien desde ese final hacia atrás. Describía: «es una canción de amor hacia todo, alimentada por la angustia existencial pero encontrando un momento de luz: todo podría durar un segundo o mil años, y no importa, lo que importa son la infinidad de posibilidades contenidas en el momento actual.
Voces tratadas hasta la extenuación, cambios de ritmo, cambios de género incluso dentro de la misma pista de 2 minutos… Estas están siendo las máximas del sello Russia-idk en general y de mori en particular. Acaba de estrenar ‘i2i’, siendo su colaboración con su compañero Ralphie Choo o la preciosa ‘linda como tú’ dos de sus temas más recomendables. Las reproducciones de ‘q no’ y ‘olas’ se cuentan por millones, todo ello sin hablar siquiera de ‘llueve’, su colaboración con Natalia Lacunza.
También son interesantísimas las 5 producciones que ya conocemos de TRISTÁN! Últimamente ha estrenado una versión de ‘Tenía tanto que darte’ junto a mori y un adictivo corte junto a Teo Planell y Roy Borland llamado ‘BB’, pero destacan también algunas de sus primeras entregas, como ‘Mehacedaño’, que os hemos venido presentando en multitud de playlists como “Sesión de Control”. Juntos han querido hablar de Inteligencia Artificial para Meister of the Week, nuestra sección comisariada por Jägermusic, y como podréis comprobar, no puede pegarles más.
¿Por qué habéis elegido hablar de inteligencia artificial en esta entrevista?
Tío, porque sí, porque mola, porque es la moda, tío :3
Últimamente he estado trasteando con generadores de imágenes y los resultados son fascinantes cuando escribes cosas absurdas o generando encuentros imposibles. No sé si respecto a generar imágenes, por ejemplo, vosotros os habéis interesado por cosas más útiles para la sociedad… Algunos resultados al respecto son muy realistas pero otros son más terroríficos. No sé si puedo salir realmente un neo-expresionismo de ahí. ¿Creéis que esto de la IA puede dar lugar a una nueva corriente artística en algún área? ¿En cuál?
Principalmente este aspecto de la IA es el que nos interesa. De una manera u otra, casi siempre buscamos el realismo con cualquier prompt. Las imágenes del deep internet, las situaciones out of context y lo estrafalario, las fotos de stock… lo real es el tipo de lenguaje visual que nos fascina; la sensación que nos generan estas imágenes y el grado de realismo en ellas es lo que intentamos traducir a fotos a través de la IA.
La cantidad de imágenes subidas a Internet desde su creación es inmensa y cada vez mayor. Una persona en casi Indonesia puede subir un selfie en su habitación y automáticamente yo desde mi casa en Madrid podría verla a tiempo real. No es nada nuevo. Es como funciona Internet. Pero a veces el ciberespacio nos regala joyitas que nos hacen plantearnos lo inmenso que es realmente Internet. Hay fotos que ves que no deberían existir, como si vinieran de una realidad alternativa. Sin embargo, en todo momento uno es consciente de que sí son reales. Y de eso va todo. Todo lo que puedas imaginar y más ya ha pasado en Internet. Ya está subido. Solo está esperando a que lo encuentres. Lo que queremos nosotros es crearlo a propósito.
En cuanto a transcripción de textos, mi aproximación a la inteligencia artificial es más frustrante. Un periodista sueña con una APP que transcriba una entrevista sola, pero todavía no ha dado con una fórmula en que no haya que corregir 300 cosas, simplemente elimine los arrrgsss, los emmmss, las dudas e improvisaciones de la expresión oral. En resumen, para mi trabajo aún a mí no me ha servido para nada… No sé a vosotros…
La verdad que no hemos experimentado con IAs que tengan que ver con la música, porque sentimos que en cierta forma no son ni tan accesibles ni tan avanzadas como pueden ser las de imágenes o vídeo, que ahora reciben más atención comercial. Sin embargo, sentimos que en un futuro no tan lejano esto habrá cambiado y estaremos probando a samplear cosas hechas por IA, para meterlas en nuestras canciones. Sí que es verdad que en la parte visual de nuestro proyecto, la IA va tomando más importancia en la toma de decisiones. El brainstorming necesario para caer en buenos prompts que dar a la IA, puede ser útil en muchas otras ideas. Todo el proceso es súper divertido y sobre todo bastante gratificante, pues obtienes una pista visual de tu idea al momento. Dopamina rápida que ponemos al uso.
«Hay que asumir que las máquinas nos van a gobernar. De alguna forma, el algoritmo es una inteligencia artificial que ya nos domina a todos»
Por cierto los periodistas salimos entre las profesiones en peligro de extinción por la inteligencia artificial, junto a los chefs, los abogados, los conductores… Es bastante gracioso. Se destruirán empleos pero se añadirán otros, dicen. No sé qué pensáis de este tema a nivel humano.
Es evidente que es algo que asusta, a lo mejor no a corto plazo pero sí de aquí a un margen de 10 años, y en especial en las artes. Por otra lado tampoco lo vemos como algo necesariamente negativo, las posibilidades que nos dan las inteligencias artificiales son muy amplias y solo hay que saber aprovecharlas. Hay que asumir que las máquinas nos van a gobernar. De alguna forma, el algoritmo es una inteligencia artificial que ya nos domina a todos. Dicta qué vemos y qué dejamos de ver, con las implicaciones políticas, sociales y culturales que ello conlleva. Aún con todo nosotros creemos que el algoritmo puede llegar a ser parcialmente útil. Puede sonar un poco doomer, pero oponerse al avance tecnológico es absurdo: hay que aceptar que el mundo cambia y suponemos que hay que adaptarse. Siempre ha sido así y así será.
Musicalmente es muy interesante lo que pueda salir de ahí. Como decíais, en la era del algoritmo y de las playlists, parece muy matemático lo que es crear una canción que tenga las armonías, duración, beats idóneos para entrar en «Today ‘s Top Hits» o «Éxitos España». ¿Qué opináis?
Sí, quizá no nos interesan tanto las oportunidades para crear música comercial o encontrar “la fórmula perfecta” sino la amplitud de posibilidades que puedan surgir al traducir tus gustos y tus referencias en una canción, un beat o unos acordes. Imagina meter en una playlist todas tus referencias y hacer un mix de todas. Que todo se grabe en MIDI para poder cambiar parámetros, melodías o sonidos a tu gusto, partiendo de una base generada por IA. Nos encantaría. Aun siendo conscientes de que la IA musical nos pueda quitar parte de nuestro trabajo como productores.
Vuestras canciones son completamente sui generis, no es que parezcan esclavas de parámetros determinados, aunque hay cositas. Por ejemplo, tienden a ser muy cortas (las de Tristán 2 minutos), y sí hay vinculación con ciertas sonoridades de los últimos años, el post-trap, el R&B, un poco el ambient… ¿Creéis que podrían haber sido creadas por I.A.? ¿Y eso en qué lugar os dejaría como artistas?
De alguna manera nuestro output al igual que el de la IA se basa en referencias y es evidente que hay conexión entre lo que consumimos y lo que hacemos y/o producimos. Al fin y al cabo la IA no es nada sin nuestro input.
Uno podría argumentar que si la IA se implementa a la creación musical la variedad de géneros nuevos se estancaría puesto que todo vendría de lo ya establecido. Sin embargo la música creada por IA podría ser considerada, en algún momento, como un género en sí mismo. Nos encantaría explorarlo cuando llegue.
¿Cuál sería vuestra canción de cada uno, más I.A.? ¡O escoged la del otro!
Creemos que ‘Tenía Tanto Que Darte’ porque vemos bastante sencillo el prompt que hubiésemos puesto en la IA: cover nena daconte high pitch voice glitchy uk garage.
¿Entonces no habéis hecho de momento ningún uso de la inteligencia artificial como músicos o para cualquier otro trabajo?
Desde que empezamos a usarla, la hemos utilizado en casi todas nuestras portadas y posts de instagram. Nos conocimos justo al mismo tiempo que empezábamos a hacer cosas con la IA, y fuimos aprendiendo el uno del otro y desarrollando nuestro propio lenguaje visual. De este lenguaje en común surge @fomotrauma, nuestro proyecto visual entre los dos. Nuestra idea es seguir explorando la IA visual y ver qué nuevos usos se nos ocurren a la hora de aplicarlos a nuestro proyecto. Estamos justo en el proceso de encontrar nuestro lenguaje visual.
En cuanto a derechos de autor, en caso de crearse un macro hit con inteligencia artificial, ¿quién se llevaría derechos de autor? ¿El ingeniero, el que aportó alguna parte, nadie?
Entendemos que quien tiene la idea y está al mando del input de la IA, desde luego es un asunto que yo creo que ni los de la IA lo tienen muy claro, pero cuanto más se comercialice se irán poniendo medidas para regular todo el tema de derechos de autor. Imagina que dentro de unos años no sólo puedes recrear el estilo de, por ejemplo, un artista consagrado como Warhol, sino que puedes recrear el estilo de un artista actual independiente con 3000 followers. Sería bastante injusto. Esperamos que algún tipo de medida se ponga en uso para evitar este tipo de situaciones cuando lleguen a ocurrir.
En la portada de su último trabajo, Grace Ives gatea en bragas mientras en la cabeza lleva puesto… ¿qué demonios lleva puesto en la cabeza? En señal de hasta qué punto ha estado siempre dispuesta a revolcarse deliberadamente en la intrascendencia, cual gorrino en una charca, sus tres mayores hits previos a este álbum duran menos de 2 minutos. El EP ‘Really Hot’ incluía ‘Babyy’ allá por 2016. Y ‘2nd’, ya un largo de 12 canciones, ‘Icing on the Cake’ y ‘Mirror’ en 2019.
A veces este ‘Janky Star’ quiere sonar más serio, con una mayor textura instrumental. Co-produce Justin Raisen, quien ha trabajado con Sky Ferreira, Yves Tumor o Charli XCX. ‘Isn’t It Lovely’ hace despegar el álbum con una producción electrónica y flotante, llena de juegos; sigue ‘Loose’, su propio ‘Chinches’ al modo de Amatria, pues literalmente versa sobre un apartamento infestado de insectos que no dejan dormir. A esa altura del álbum, Grace Ives parece mirarse en producciones como las de St Vincent, pero ‘Burn Bridges’ contiene más bien trucos ochenteros. Hace pensar que el cruce entre Whitney Houston y Pet Shop Boys era posible.
Algunas letras de ‘Janky Star’ versan sobre la misma música (‘Burning Bridges’), sobre estar perdido, sobre pequeñas desgracias, como ‘Lazy Day’, entre ecos de Courtney Barnett y Jay Reatard. ‘Win Win’ es adicta a la ginebra, como ‘Lullaby’ se recrea en la misma película hasta 10 veces. Siguiendo el camino del fetiche, ‘Shelly’ está dedicada al personaje secundario de ‘Twin Peaks‘ así llamado.
Las producciones se van sucediendo interesantes y variadas, soltando curiosidades en todo momento: ‘Back in L.A.’ presenta voces apitufadas. ‘On the Ground’ podría ser una producción de Moldy Peaches, solo que adaptada a nuestro tiempo, o de los Strokes electrónicos, los de los últimos discos. Hay algo en ‘Lazy Day’ que remite al primer hip hop.
En ese sentido, las composiciones de Grace Ives agradecerían ser algo más abiertamente divertidas y tronchantes -como las de Stereo Total, por decir alguien- o más dolientes -como algunas de Adam Green-. La autora americana decide quedarse en un punto medio. Comienza el disco diciendo que «todo está bien, cuando me vaya no importará». Y lo termina diciendo más o menos lo mismo: «no es nada por lo que ponerse triste, es tan sólo algo en lo que he estado pensando».
Aparte de una colaboración con Imagine Dragons que se acerca a los 1.000 millones de reproducciones, JID ha tenido un considerable éxito con uno de los singles de su álbum ‘The Forever Story’, nuestro Disco de la Semana. Se trata de ‘Surround Sound’, su featuring con 21 Savage.
Sin embargo, puede que este o su otro pequeño éxito ‘Dance Now’ no sean la mejor vía para entrar en el maravilloso mundo de JID si no estás habituado a escuchar hip hop. La primera parte en plan electropop de ‘Lauder Too’, con JID rapeando al ritmo del beat tipo metralleta, es estupenda. Es la secuela de un tema llamado ‘Lauder’, el que cerraba ’The Never Story’, el antecesor de este nuevo álbum, el que salió en 2017.
Pero la que vamos a escoger como Canción del Día es ‘Kody Blu 31’, aprovechando que tiene videoclip propio y que es el tema que cierra el Tiny Desk de JID. Se trata de una canción sobre la muerte, en la que JID anima a una familia a salir adelante a pesar de una pérdida reciente. Es por eso que la letra habla de hacerse mayor o de una pérdida concreta en la familia, pese a alguna reivindicación antirracista («Swastikas and the police, hang a nigga, swangin’ rope»).
‘Kody Blu 31’ es una fantástica grabación de R&B aderezada con alguna sección de cuerdas, aunque lo más llamativo aparte de la repetición de los «swang on», es el sample al principio del tema.
Se trata de una grabación del funeral de una de las abuelas de JID. La otra falleció también en un tiempo muy cercano, hecho ante el cual el rapero quiso captar la emoción de su familia. Podemos oír a su madre diciendo «thank you, Lord». JID ha explicado que estaba llorando en el funeral pero quiso coger su teléfono para captar ese momento porque le pareció muy poderoso, «su padre cantando con todo su corazón». De ahí el carácter familiar del vídeo o del propio Tiny Desk.
Caroline Polachek mantiene el número 1 de lo más votado en JENESAISPOP por segunda semana consecutiva. Yves Tumor protagoniza la única entrada al top 10 en una semana floja en la que solo encontramos 3 entradas más en la lista: son las de Maria Rodés, Benjamin Clementine y Skullcrusher, nuestro penúltimo Disco de la Semana. Se nota que se acerca la Navidad, pues suele haber muchas entradas más, pero os presentamos otras 10 novedades.
El periodista David Saavedra, conocido por su trabajo en Rockdelux, El Mundo o Un País para Escucharlo, ha publicado este año un libro sobre ‘Festivales de España‘, que este sábado 12 de noviembre se presenta por partida doble en Madrid. Por la tarde en Fnac y por la noche en Fotomatón con un concierto acústico de Nadadora, lo cual es toda una noticia: se separaron hace 10 años.
‘Festivales de España’ funciona de dos maneras: por un lado es estrictamente una guía, dividida por Comunidades Autónomas, en la que se recorren los festivales más importantes del país a lo largo de casi 300 páginas. Saavedra revela el número de personas que suele acudir a cada festival, dónde alojarte, algunas claves de la ciudad en cuestión y algún consejo para comer o qué visitar. La guía es ilustrada, y la imagen de unos fibers corriendo para posicionarse en el escenario donde van a actuar Arctic Monkeys, y otros duchados con pintura de colores hasta las cejas vale más que mil palabras.
Además del FIB y otros de los grandes festivales del país conocidos por todos como el Primavera Sound, esta es ocasión para conocer festivales de los que no habías oído hablar. Miguel Morán, creador del mismo Festival de Benicàssim, está ahora detrás de un festival de flamenco que se celebra en balcones de Pamplona (!), entre otros recintos. Hay tanta dedicación al indie como al flamenco y a otros tipos de música, lo que le lleva a hablar de citas tan dispares como Funtastic Dracula Carnival, el simpático Canela Party, la Fiesta de la Bulería de Jerez, o el Viña Rock en la “capital mundial del kalimotxo”. ¿Qué demonios es el Keroxen de Tenerife? ¿De verdad otro festival de España reunió a Chiquito de la Calzada con Joaquín Reyes?
En segundo lugar, lo más interesante es el recorrido histórico que se hace por los festivales más longevos, lo que deja en los textos grandes curiosidades y recuerdos, como la poca gracia que le hizo a John Peel ver a Maradona en su acreditación del Sónar, el día en que Kanye West actuó en este festival como invitado de De La Soul cuando no era famoso (!!), el origen de los Monegros que se remonta a Florida 135 en los años 40, o el concierto de Rosalía con Raül Refree del que todo el mundo salió llorando en Vida Festival, cuando aún no era nada famosa.
Por último, la historia de algunos festivales está complementada con alguna entrevista a algún artista con alguna vinculación emocional con el evento. Juan Aguirre habla de Pirineos Sur y cuenta cómo quiso cancelar un concierto de Amaral para irse a ver a Television, cuando ya llevaba 5.000 entradas vendidas. Los Planetas salen hablando del FIB: Jota borracho intentando convencer a uno de los hermanos Morán de que parte del éxito del festival se debía a él y tenía que darle una parte de la venta.
Ángel Molina cuenta cómo entendió por qué en el CBGB de Nueva York en los años 70 la gente quería agredir a Martin Rev, al verle golpear el teclado de Suicide en el Sónar. Rocío Márquez habla del Festival del Cante de las Minas, Rozalén revela que nunca se perdía Viña Rock, y Amparanoia habla del Rototom, al tiempo que se queja de que aún hay festivales con un 2% de mujeres en su cartel. Aunque mi favorita es Sílvia Pérez Cruz, elogiando al público del norte a raíz de Jazzaldia y siendo Sílvia Pérez Cruz: “yo no soy muy buena haciendo contactos”.
Ángel Carmona escribe el prólogo en clave emocional de esta guía que también sirve para comprobar cómo han ido evolucionando los tiempos. Vetusta Morla hablan de Mad Cool, y se analiza el éxito de estrategia de Arenal Sound.
‘Her Loss’ de Drake & 21 Savage llega al número 1 de las listas británicas sin el apoyo de ni una sola venta física. Ha “vendido” lo equivalente a 36.200 copias, de las cuales tan solo 489 han sido descargas en iTunes o similar. Nada menos que 35.705 unidades son puntos de streaming.
Esto significa que Drake y 21 Savage han sido capaces de desplazar ‘Midnights’ de Taylor Swift al puesto 2 después de 2 semanas en el número 1. La batalla ha sido muy reñida, pero Taylor ha vendido 32.000 unidades esta semana, finalmente. Es el 5º disco número 1 en Reino Unido para Drake y el primero para 21 Savage. Eso sí, no ha sucedido lo mismo en la tabla de singles.
La lista de singles británica continúa dominada por ‘Anti-Hero’ de Taylor Swift con 57.500 copias vendidas (55.000 son puntos de streaming) y aún número 1 en sencillos. Lo más lejos que ha llegado ‘Rich Flex’ de Drake y 21 Savage ha sido al puesto 3. En el número 5 está su otro temta ‘Major Distribution’ y en el 7 ‘Circo Loco’, el viral de esta álbum gracias a su beef con Megan Thee Stallion.
Según Hits Daily Double, en Estados Unidos ‘Her Loss’ de Drake y 21 Savage también desbancará a ‘Midnights’ de Taylor Swift del número 1 al conseguir en torno a 375.000 unidades esta semana. Esta cifra está muy por debajo de lo logrado por ‘Midnights’ en su primera semana, si bien hay que recordar que Taylor se sirve del soporte físico y Drake y 21 Savage solo han sacado este álbum en digital.
Joji ha conseguido este año un éxito inaudito con ‘Glimpse of Us’, uno de los pocos baladones que compiten hoy en día, y sin despeinarse, con los pepinos de Bad Bunny, David Guetta, Manuel Turizo, Bizarrap, ‘Unholy’… Pocos habrían dicho que sería este ex-Youtuber quien, a la manera de Adele, devolvería a las listas de éxitos la tradición de la balada pop más clásica, pero con ‘Glimpse of Us’ lo ha conseguido: van más de 600 millones de streamings en Spotify y sigue sin apearse del top 50 global muchos meses después de su lanzamiento el pasado verano.
‘Glimpse of Us’ es una canción preciosa, mecida por el sonido de un piano, que habría conmovido lo mismo ahora que en los 70, y que halla a Joji en una posición complicada: está con una chica pero en quien piensa es en su ex. La temática del desamor es recurrente en ‘SMITHEREENS’, el tercer álbum de estudio de Joji, porque su corazón está efectivamente hecho «añicos».
‘Die for You’, el segundo éxito oficial de ‘SMITHEREENS’ (también está presente en el top 50 de Spotify Global), arranca con sonido de nana, pero pronto introduce un ligero beat de trap, uno de los sonidos más distintivos de la música de Joji junto con las atmósferas borrosas y las melodías etéreas. ‘Die for You’ es otra canción sentimental («he escuchado que estás con otro, espero que seas feliz, me mata un poco, porque moriría por ti») pero la sensibilidad de Joji la hace funcionar.
En apenas 24 minutos, ‘SMITHEREENS’ da vueltas al sonido de estos dos singles. ‘Feeling Like the End’ engancha con otro beat de trap ligerito y con el falsete de Joji, que recuerda viejos tiempos («hicimos tantas cosas juntos, me prometiste que sería para siempre»), y ‘Before the Day is Over’ es mi favorita personal gracias a la bonita melodía del estribillo, en el cual Joji armoniza sobre una relación que está «a punto de acabarse».
‘Dissolve’ ofrece, por primera vez, un sonido diferente, al construirse sobre una melodía de guitarra acústica, sobre la cual Joji canta a través de un efecto de autotune. La temática de la ruptura continúa: «¿estamos contando cabras antes de disolvernos?» puede ser una de las mejores líneas que ha escrito. Sin embargo, en este punto las canciones empiezan a «disolverse», a emborronarse demasiado.
‘NIGHT RIDER’ es una composición bonita, si bien redundante, pero son las tres pistas siguientes las que deterioran el ritmo del álbum. Que contengan, respectivamente, los subtítulos de «demo», «interlude» y «freestyle» nos da una idea del carácter improvisado del proyecto y, llegados a este punto, queda claro que Joji no ha sido capaz de escribir canciones tan sólidas como las primeras. ‘SMITHEREENS’, por tanto, funcionaría mejor como EP o incluso como mixtape.
Después de hacer una de las mejores películas españolas de los últimos años, ‘El Reino‘, y de hacer lo propio en su salto a las series con ‘Antidisturbios‘, el tándem formado por Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña nos entrega una película en principio bastante alejada del tono de esos dos trabajos. ‘As Bestas’ mantiene la tensión y el gusto de su director por los largos planos secuencia, pero casi que se acerca más al Western. A un Western en un pueblo profundo de Galicia.
Allí viven Antoine y Olga, una pareja francesa que se vino hace unos años y que llevan una vida tranquila cuidando de la tierra y en armonía con los lugareños… o eso parece. Porque tres de ellos, los hermanos Anta y su madre, tienen a Antoine y Olga entre ceja y ceja. Con esa premisa e inspirándose en un suceso real de 2010 (que no detallaremos para no hacer spoilers), Sorogoyen y Peña han ideado un guión que plantea muchas preguntas al espectador. Entre ellas, de parte de quién está. Porque lo que en principio parece claro se da la vuelta en una larga conversación firmada en plano secuencia que es, desde ya, uno de los mejores momentos de su cine.
Mucha culpa de esto está en Luis Zahera, por supuesto. El actor gallego no debería tener problema alguno para llevarse el Goya a Mejor Actor Secundario este 2022, porque entrega la mejor interpretación de su carrera hasta el momento, y eso que ya nos ha dado roles memorables – entre ellos el de ‘El Reino’. Zahera entiende a su odioso personaje y consigue que nosotros también le entendamos y, por un momento, incluso nos pongamos de su parte. “Cuando estás en la miseria, la moral es una cosa complicada”, explicaba hace poco.
A través de los personajes de Zahera y Diego Anido, y de los de Marina Foïs y Denis Ménochet (increíbles también), Sorogoyen plantea casi una fábula con muchos paralelismos en la situación política española, aunque un giro a mitad de película hace que ésta no se centre tanto en eso sino en el coraje y la dignidad. “Puede ser una historia de amor por la tierra frente al dinero, para otros es una historia de amor o un relato sobre la xenofobia”, comenta el director de ‘Madre’ sobre una decisión y una mezcla de tonos que, en mi opinión, perjudica el resultado final de la película, pero que entiendo que tenga también férreos defensores.
Entre esos defensores desde luego está el Festival de Tokio, donde recibió el premio a Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor, después de pasar por el Festival de Cannes. Nosotros pudimos verla en el Festival de San Sebastián, donde casi se lleva el Premio del Público con su 8.75 sobre 10, solo superado por ‘Argentina 1985’: ambas consiguieron notas récord. Veremos qué tal le va en las salas de nuestro país, y posteriormente en los Goya y demás premios, pero desde luego ‘As Bestas’ está más cerca de ‘Madre’ (reivindicable para mí, pero sé que para no muchos más) que de ‘Que dios nos perdone’ en cuanto a riesgo y posibilidades comerciales. De momento, parece que aquí el experimento le ha salido mejor.
Christina Aguilera tendrá su propio documental, según informa Deadline. El proyecto será dirigido por Ting Poo, experimentada ya en este tipo de películas tras su participación como codirectora en ‘Val’ (2021), la cinta que contaba la vida de Val Kilmer detrás de las cámaras. El documental, todavía sin nombre, es respaldado por Time Studios y Roc Nation, que también están detrás de la docuserie de Megan Thee Stallion que se anunció a principios de año.
El documental actuará a modo de biografía, ofreciendo acceso sin precedentes a la vida personal de Christina Aguilera, tanto en el pasado como en el presente. La cinta cubrirá desde los días de la artista en Disney hasta su posterior transformación en un icono internacional e incluirá metraje nunca antes visto. El rodaje se ha producido durante los últimos 18 meses, en los que los cineastas han acompañado a Aguilera durante sus viajes, actuaciones y sucesos personales.
Christina Aguilera lanzó a finales de septiembre su noveno álbum, titulado ‘AGUILERA’ en honor a sus orígenes latinos, y que fue expandiendo poco a poco a través del lanzamiento de tres epés: ‘La Fuerza’, ‘La Tormenta’ y ‘La Luz’. ‘AGUILERA’ ha recibido varias nominaciones en los Latin GRAMMYs, incluida la de Álbum del Año.
Enry-K es uno de los secretos mejor guardados del pop urbano nacional. Él es el beatmaker detrás de canciones como ‘Level Up’ de Kidd Keo o ‘Perezco tonto’ de Delaossa y, además, ha colaborado varias veces con C. Tangana: ‘Cuando me miras‘, aquella canción de la mixtape ‘Avida Dollars‘ que se promocionó con un videoclip espectacular dirigido por Eduardo Casanova, es producción de Enry-K, y también lo es ‘Encima mía’ de Pedro LaDroga, donde Pucho aparece como artista invitado y que suma cerca de 2 millones y medio de escuchas. Hoy viernes 11 de noviembre, Enry-K actúa en la fiesta Fuego de la sala Razzmatazz, en Barcelona, junto a Drea, Yibril y Lil Moss. Quedan entradas.
Las frescas bases de Enry-K beben tanto de hip-hop (su producción en los discos de Mishii o Cecilio G) como de trap o drill (‘Heroína’ de Yung Beef’), pero cabe destacar que el catalán hoy ya no solo opera como productor para otros artistas, sino que también es artista él mismo.
Enry-K ha publicado ya dos proyectos en solitario, el disco ‘Luz rosa’ (2021) y el EP ‘BRÍO’ (2022). En ellos, el artista ha seguido perfilando un sonido muy excitante, por ejemplo en cortes tan comerciales como ‘Super Cool’, que suena a Doja Cat o Post Malone, o ‘Sr. Smith’ y su beat lleno de rayos láser. Y el catalán no solo se centra en el el hip-hop o el trap: se podría decir ‘Magnetismo’ es su visión particular de la PC Music, y ‘Check in sobre las 10’ coquetea con el afrobeat, como las guitarras de ‘Parezco tonto’.
Tanto en sus producciones cedidas a otros artistas como las firmadas como propias, Enry-K ha demostrado que los años invertidos en el estudio (lleva produciendo desde que es adolescente) están dando frutos. El mérito creativo y el potencial comercial de su música ya era evidente en ‘Cuando me miras’, pero lo es más cuando se escuchan sus proyectos propios.
Kim Petras vive el momento más dulce de su carrera gracias al éxito de ‘Unholy‘, su single con Sam Smith, que sigue entre los más escuchados del mundo. Por eso hoy es uno de los días más importantes de su carrera, pues Petras lanza su primer single después del fenómeno.
‘If Jesus Was a Rockstar’ llama la atención por dos motivos. En primer lugar, la canción contiene una co-autoría de Max Martin, lo cual es noticia pues Petras ha basado toda su carrera en el pop artificial y chicle de los primeros años 2000, aunque lo ha hecho aliada con Dr. Luke. Y, en segundo, porque ‘If Jesus Was a Rockstar’ no suena a lo que esperas.
En la canción, Petras cambia el pop «glossy» de sus primeros singles por guitarras acústicas y un beat de rock. Más cerca del trabajo de Martin con Måneskin o P!nk que del trabajo de Martin con Britney o Katy Perry, ‘If Jesus Was a Rockstar’ no es tan divertida como ‘Heart to Break’, ni tan apasionada como ‘I Don’t Want it At All’, ni tan juguetona como ‘Faded’.
Lo que sí es ‘If Jesus Was a Rockstar’ es personal: de pequeña, Petras vivió el rechazo de la iglesia por ser una persona trans y, en la canción, la cantante apela a su espiritualidad. Entre otras cosas, canta que «necesita creer en algo» y que «si Jesucristo fuera una estrella del rock» o «luciera como Kurt Cobain», quizá sí sería capaz de «arrodillarse» ante él.
Con motivo del lanzamiento de su nuevo single, Petras protagoniza hoy una entrevista en The Guardian donde habla de la disforia que sufría de pequeña, y de su transición en sus años de adolescencia, que le llevaron, por cierto, a aparecer en programas como Rojo y negro, de Telecinco. Hoy escuchar pronunciar a Nacho Abad el nombre de Kim Petras resulta hasta surrealista.
Parkineos está entre los talentos nacionales que más nos han fascinado en el último año: es casi un fijo en nuestra playlist de pop nacional Sesión de Control. Sus producciones deambulan entre el bakalao tal y como lo entendíamos en los 90, el hardcore rave, el hyperpop, el trap, el drill… pero todo ello con un punto muy cañí. Hoy viernes 11 de noviembre se le podrá ver en Razzmatazz, Barcelona, donde estará en una fiesta Trill junto a Engalanan, Mia Flaw y Mark Allen Soul. Las entradas están disponibles online.
El artista escondido detrás de un pasamontañas en Parkineos no quiere revelar su identidad. En una entrevista con Loud Cave bromeaba así sobre ello, asegurando que era «hijo de» alguien muy poderoso: «Tampoco quiero aprovecharme de mi escalafón político y social para llegar más lejos en la música, así que prefiero mantenerlo oculto. Principalmente porque mis padres tienen una posición política bastante respetable y sería muy triste que todo esto de antes fuera mentira».
Lo cierto es que desde que en 2021 debutara con su single ‘Me pican las venas’, que pasaba la rumba kinki por el filtro hardcore, no ha parado de sacar canciones y remixes. Varios de ellos se han viralizado en TikTok y/o en Spotify como ‘Puxero’ junto a Plasaporros, que ronda los 3 millones de reproducciones en Spotify y el millón y medio en Youtube; o ‘Humanes’. Haciendo un buen manejo de las redes, su cuenta de Instagram es un festival de memes y tiene su propia tienda online, con camisetas y pasamontañas.
La estrategia le ha llevado a pasarse por la piedra a gente tan diferente como John Pollon (el hit ‘Gallina y cocaína’) o Rojuu en el EP ’Bitter Glitter’. Por este también encontrábamos una remezcla de ‘donde stas??’ de Rakky Ripper. La parte 2 de ‘Bitter Glitter’ incluye remixes de Pedro LaDroga o Faxu, y entre sus entretenimientos también ha estado hacer, de estrangis, una remezcla de ‘Bizcochito’ de Rosalía en clave mákina.
Hoy 11 de noviembre sale el esperado nuevo disco de Christine and the Queens, y también el trabajo de versiones de soul de Bruce Springsteen. Otros lanzamiento a subrayar son ‘SATURNO’ de Rauw Alejandro y ‘Tu historia’ de Julieta Venegas, que ha contado con un primer single de altura.
Presentan hoy trabajos largos también Gold Panda, Louis Tomlinson, le protegide de PC Music Hyd, Rozalén, Black Eyed Peas, el rapero Nas, la francesa Vendredi sur Mer y Jordana B, mientras llega a Spotify el disco más escuchado de los cinco que acaban de publicar (y borrar) SAULT. Al menos sobrevive uno de ellos. Por otro lado, Lourdes León, aka Lolahol, presenta su primer EP.
También se completa desde hoy la banda sonora de ‘Wakanda Forever’, lo que significa que tenemos nuevo single de Rihanna para degustar (y ‘Born Again’, ciertamente, empalaga). Es uno de los singles sueltos destacados del viernes junto a la Canción Del Día de hoy, ‘ESTÁS BUENÍSIMO‘ de Nathy Peluso, y también el nuevo sencillo de Kim Petras que sale tras el bombazo de ‘Unholy’. ‘If Jesus was a Rockstar’ es una co-autoría de Max Martin.
Otra novedad que es noticia es ‘Enter the Day’, el single que marca el regreso de Patrick Wolf tras más de una década. Han tardado menos que él, pero hoy vuelven también con novedades Julia Michaels, Chica Sobresalto y The Blaze.
Entre los artistas que siguen presentando sus próximos discos se encuentra Fever Ray, que entrega uno de sus temas más enérgicos, y Los Punsetes, que dedican su nuevo single a «España». Por otro lado, Aitana adelanta la banda sonora de ‘La última’ y Stormzy sigue desgranando su álbum, así como Ava Max.
Nathy Peluso estrena nuevo single y ‘ESTÁS BUENÍSIMO’ es inmediatamente noticia porque supone su regreso a las «barras», en sus propias palabras. La cantante vuelve a rapear mucho tiempo después del éxito de su single con Bizarrap y lo hace subida a otra base durilla y «old-school» que remite a la mejor Missy Elliott, no exenta de sus «tiqui-tiquis».
‘ESTÁS BUENÍSIMO’ es una canción rapeada desde el principio hasta el final, desde que nos sitúa en casa de una tal «Marisol» hasta que Nathy pide a su ligue que deje que le «cate con aceite, sal y tomate». En el videoclip, evidentemente inspirado en el de ‘The Way You Make Me Feel‘ de Michael Jackson, ese ligue no es otro que el modelo Jon Kortajarena.
A este ligue dedica Nathy unas cuantas rimas que la autora de ‘Calambre‘ vuelve a masticar y escupir como solo ella sabe. La artista saborea cada sílaba como si atara la ramita de una ciruela con la lengua, y consigue que la sonoridad de sus palabras marque el ritmo de la canción, al igual que el beat, y que tenga igual importancia que la propia historia.
Las rimas vuelven a ser poesía: «Ese prende su ci-ga-rro / te derrito, si te a-ga-rro / tienes cara, de gu-a-rro / te-lo-hago en-el-ba-rro» es una de las más atrevidas. «Me imagino olerte y tocarte / ese cuerpo es historia del arte» es el piropo del siglo XXI (o no tanto). El estribillo juega con la homofonía de «me roba la atención» y «me sube la tensión», entre «pica-picas» y «llama-llamas» totalmente adictivos.
Como decimos, aunque cualquiera al que le interese un mínimo el pop se dará cuenta, el vídeo de ‘ESTÁS BUENÍSIMO’ se inspira en uno de los más míticos de Michael Jackson, aquel en el que el Rey del Pop y su séquito de machos perseguía a una joven a través de una oscura avenida. Todo el «look» de Nathy en este single no puede ser más ‘Bad’, ni sus aullidos más Michael. Eso sí, el paso de cangrejo del minuto 1.53 parece de cosecha propia.
El listado de canciones de la banda sonora de ‘Black Panther: Wakanda Forever‘ revelado hace unos días incluía ‘Lift Me Up‘, la nueva balada de Rihanna, pero no ‘Born Again’ por algún motivo, y pese a que se sabía que RiRi había contribuido exactamente estas dos canciones a dicha banda sonora, que salía el pasado 4 de noviembre.
Hoy, día en que se estrena ‘Black Panther: Wakanda Forever’, aparece ‘Born Again’ finalmente en el disco, en concreto, al final de la secuencia. Y, como apuntaban las primeras informaciones, también es una balada. Sin embargo, ‘Born Again’ ya no suena tan navideña como ‘Lift Me Up’, sino que, más bien, adopta una forma más convencional de balada pop orquestada, arreglada con piano y cuerdas, sobre los cuales Rihanna de manera sentida que «daría todo por este lugar», que «donde quiera que estés, yo estaré» y que «moriría y volvería solo para amarte».
Si ‘Lift Me Up’ ha conseguido reajustar expectativas ante la nueva música de Rihanna, siendo un momento mono pero menor en su discografía, vuelve a ser el caso de ‘Born Again’, una co-autoría de The-Dream que imaginamos más bien ocupando el puesto medio o bajo de un disco de Rihanna o de cualquier otro artista. Está muy lejos de ser una composición tan inspirada como ‘Stay’: más bien trae la misma dosis de pastel que las baladas de sus dos primeros discos.
‘Lift Me Up’ y ‘Born Again’ serán, hasta nuevo aviso, las únicas novedades de Rihanna en bastante tiempo, pues la cantante ha confirmado que no hará coincidir su actuación en el intermedio de la Super Bowl con el lanzamiento de un nuevo disco. «Cuando anuncié la Super Bowl me dije: mierda, mis fans van a pensar que el disco está listo», ha declarado, «pero la Super Bowl es una cosa, y la nueva música es otra».
Tiene que ser un shock para todo el mundo lo de la transición a hombre de Christine and the Queens. Su debut, que superó de calle el millón de copias, se abría con una canción llamada ‘iT’ que hablaba del trauma de ser transgénero y sentirse constantemente un «fake». «He ganado, soy un hombre al fin» era una de sus frases impenetrables. «Quiere ser un hombre, pero miente / Lo que quiere es volver a nacer, pero no lo conseguirá», era otra frase repletita de misterio. Y hasta aquí el tema del que tanta gente tiene tantísimo que decir.
‘Redcar les adorables étoiles’ es el tercer álbum del artista. En él, adopta un nuevo alias, «Redcar», como lo fue el propio Christine y después Chris, esta vez afectado por la muerte de su madre. En la búsqueda de esta, decía ver solo «coches rojos» por todas partes y ese ha sido el punto de partida de este disco escrito muy rápidamente, bajo el desafío de hacer una canción por día, a lo largo de dos semanas.
Hacerte llamar CocheRojo es algo rocambolesco, sobre todo después de ‘Titane‘, y el sonido de ‘Redcar les adorables étoiles’ es mucho más inasible que en anteriores discos, sumergido en los años 80 más ariscos, influido por el pop industrial de gente como Einstürzende Neubauten o los Depeche Mode de ‘Black Celebration’. ‘Tu sais ce qu’il me faut’ parece tarareada incluso con cierto desdén. Rara vez sigue siendo un referente el funk de Prince, como quizá sucede en la primera canción ‘Ma bien aimée bye bye’, en la que destaca la vida de la batería.
Y únicamente el segundo single ‘rien dire’ recuerda al pop electrónico melódico que nos enamoró en el primer disco de Christine and the Queens. No en vano es una canción de amor -sobre una relación que acabó entre la gestación de la canción y el lanzamiento de este disco-, versando sobre la entidad de una pareja «sin necesidad de hablar».
Pero la mayoría del álbum va por otros caminos. El single ‘je te vois enfin’ es mucho más identificativo de lo que aquí encontramos, y además viene precedido en la secuencia de una canción deliberadamente monótona de 8 minutos y ritmo dub titulada ‘Combien de temps’, que habla del viaje de Christine: «Tomé el camino de los locos, los valientes / Dejé todo lo que sé detrás de mí». Es este un álbum sobre fantasmas, oraciones, pájaros blancos, lamentos y apelaciones a la paz y a la tenencia de un “alma”, como ocurre en el tercero de los sencillos ‘La chanson du chevalier’. Luego, ‘My Birdman’ mantiene el ambiente fumeta, esta vez cerca del trip-hop.
‘Redcar les adorables étoiles’ puede ser una experiencia algo frustrante cuando el tema ‘Looking for Love’ clama por la «búsqueda de un amor poderosamente real», con frases como «Este mundo es tan cruel / pon tu mano en la mía / y tus labios en mis labios»; pero después su música no transmite tanto esa positividad. La bonita ‘Mémoire des ailes’ funciona mucho mejor en su búsqueda de «sentirse vivo», apelando repetidamente al recuerdo de alguien que nos acaricia la cara «tan dulce».
Sin embargo, aunque las composiciones de ‘Redcar les adorables étoiles’ se resistan a ser tan inmediatas, hasta el punto de que Christine ha manifestado sentirse incómodo en el vídeo pop de ‘New Shapes’ con Charli XCX y Caroline Polachek, simplemente porque ahora está en un punto mucho más oscuro, y para muestra esa entrevista promocional con The Guardian a la que se ha presentado llorando; lo cierto es que el artista tiene la película de este disco muy clara en su cabeza. Tanto que casi podemos verla.
Su inspiración conceptual esta vez ha sido ‘Angels in America’ de Tony Kushner, una obra de teatro llevada a la pequeña pantalla que habla sobre el sida a mediados de los 80, gente armarizada, y eventualmente más fantasmas. Christine and the Queens, conocido por generar verdaderas maravillas en vivo -fue a través de una actuación televisiva que entró en el mercado de UK- y por realizar videoclips tan fantásticos y llenos de referencias como el de ‘Girlfriend’ (de Ebbets a Broadway), ha sido capaz de crear un ambiente tan humeante en estas producciones que prácticamente podemos imaginar su película y ese directo del que habla y que no va a poder realizar.
Christine and the Queens ha sufrido una lesión actuando y de momento no va a ofrecer tantos conciertos como quiere. Además, ya ha grabado otro disco con Mike Dean (Kanye West, Madonna) y es fácil adivinar que pronto él y/o su sello pasarán página. Pero no será porque algunas de estas canciones no encierren posibilidades escénicas que las amplíen: ahí está el registro agudo, casi operístico de ‘la clairefontaine’ y su letra shakespeariana (“se sangran unos a otros mientras se buscan / parece que van a morir esta noche”).
Iggy Pop empieza 2023 con su nuevo disco ‘Every Loser’. Se trata del álbum número 19 de Iggy Pop, y el rockero lo ha producido junto al productor superestrella Andrew Watt, quien, entre otros, ha trabajado con Ozzy Osbourne y Pearl Jam. Será nuestro «Disco de la Semana», más que por su calidad, para aprovechar y reivindicar otros puntos relevantes de la carrera de Iggy Pop.
Últimamente, Watt ha producido ‘Hold Me Closer’ de Elton y Britney pero, por lo que se ve en su portfolio y en redes sociales, a él lo que le va de verdad es el rock. Tanto es así que estas son las palabras de Watt sobre el disco: «Iggy es un puto icono. Un tío original de verdad. Él inventó el «stage dive». No puedo creer que me haya dejado hacer un disco con él. Estoy realmente agradecido. No puede ser más guay».
‘Every Loser’ es un trabajo que Iggy y Watt han grabado «a la manera antigua» y que, a nivel sonoro, te quiere «dar una paliza». Además, contiene colaboraciones estelares de Travis Barker de Blink-182, Chad Smith de Red Hot Chili Peppers, Duff McKagan de Guns N’ Roses, Stone Gossard de Pearl Jam, Dave Navarro de Jane’s Addiction y, de manera póstuma, de Taylor Hawkins. Este es el tracklist:
01 “Frenzy”
02 “Strung Out Johnny”
03 “New Atlantis”
04 “Modern Day Rip Off”
05 “Morning Show”
06 “The News For Andy”
07 “Neo Punk”
08 “All The Way Down”
09 “Comments”
10 “My Animus Interlude”
11 “The Regency”
Paul Weller ha conseguido que el mundo se entere de que protagoniza el especial de Record Special de diciembre. El ex integrante de The Jam se ha quedado a gusto insultando -sin motivo aparente- a Robert Smith de The Cure, al que ha propinado insultos ingleses tan feos como «fat cunt» o «knob-end». Y no solo se ha metido con el peso de Smith, revelando su gordofobia, sino que también le ha afeado que se pinte los labios a su edad. Debe ser que vive en un universo paralelo donde los hombres no se maquillan, mucho menos en el mundo del rock.
El origen de las declaraciones de Weller es -se puede decir- una canción de Noel Gallagher. Sí, por raro que parezca, Noel Gallagher es el origen de un «beef» entre dos rockeros ingleses y, por primera vez, él no lo protagoniza.
En la entrevista, el periodista de Record Special compara una canción de Gallagher con ‘A Forest’ de The Cure y, por alguna razón, Weller se pica. «¿En serio? No los puto soporto. (Robert Smith) es un puto gordo de mierda, con su pintalabios y toda esa basura. Él tiene mi edad, ¿no? Es un puto estúpido. No me gusta. Ahí lo tienes. Con (Robert) sí trabajaría: le daría un tortazo, o algo así».
Robert Smith no ha contestado a las palabras de Weller. Quien sí lo ha hecho es su compañero de banda, el teclista Roger O’Donnell. Él ha sido más elegante que Weller y ha expresado: «Siempre he pensado, como dijo (el escritor y poeta irlandés) Spike Milligan, que la gente que viven en casas de cristal deberían bajar las persianas antes de quitarse los pantalones… ¿Señor Weller?»
The Cure y The Jam comparten historia, pues fue la misma persona, el manager Chris Parry, quien descubrió a las dos bandas décadas atrás. Louder than Sound piensa que Weller puede seguir enfadado con Smith porque The Cure robaron equipo a The Jam durante las sesiones de grabación de su álbum de 2004, o porque Smith declaró una vez que «tendrías que ser muy tonto para creer a Weller» debido al contenido de sus letras. Me decanto por pensar que Weller se ha ido de la lengua sin más.
Fever Ray ha dado los detalles de su nuevo álbum, que lleva por título ‘Radical Romantics’ y sale el 10 de marzo a través de Mute. Aparte del single ‘What they Call Us‘ incluye el segundo adelanto, ‘Carbon Dioxide’ y, además, el disco cuenta con la participación de dos pesos pesados como son Trent Reznor y Atticus Ross de Nine Inch Nails, entre otros.
Entre los colaboradores de ‘Radical Romantics’ se encuentran también Nídia, Johannes Berglund, Peder Mannerfelt, Pär Grindvik, Martin Falck y, por supuesto, Olof Dreijer, hermano de Karen Dreijer (Fever Ray) y compañero de la artista en The Knife, quien co-escribe ‘What they Call Us’.
‘Carbon Dioxide’ es una producción decididamente machacona y uptempo que bordea el electroclash y el sonido ravero, pero siempre desde la sensibilidad (y la voz) de Karen Dreijer, quien canta sobre absorber el «dióxido de carbono» de un amor que no quiere perder.
El tracklist de ‘Radical Romantics’ incluye 10 temas, los listados a continuación. ‘Plunge‘, el último álbum de Fever Ray, salió en 2017.
01 What They Call Us
02 Shiver
03 New Utensils
04 Kandy
05 Even It Out
06 Looking for a Ghost
07 Carbon Dioxide
08 North
09 Tapping Fingers
10 Bottom of the Ocean
Los Punsetes vuelven a dar en la diana con ‘ESPAÑA CORAZONES’, el segundo adelanto de su nuevo álbum, que lleva el impronunciable título de ‘AFDTRQHOT’ y será nuestro «Disco de la Semana». El primer adelanto, ‘Ocultismo‘, duraba 9 minutazos, pero el segundo es más breve y conciso.
Envuelto en guitarras noventeras que al final incluso se aproximan al shoegaze, ‘ESPAÑA CORAZONES’ es un comentario sobre el patriotismo y la identidad. «España es lo que a mí me salga de los cojones» es la frase estrella de la canción, pero no es casualidad que luego rime con «España porque sí y ya sobran razones»: la palabra «España» es el espejo en el que tantos buscan su propia identidad, una identidad tribal que convierte España «en un país bandera, con más tontos que listos, con más fuerza que maña».
Cuando de boca de Ariadna Paniagua salen frases como «España es un país con más perros que gente con hielo en las pestañas», o «España es un país con más perros que gente con fuego en las entrañas», cabe preguntarse si Los Punsetes no están hablando de repente sobre un país que consideran políticamente resignado y holgazán y que no sale a las calles a protestar tanto como debería. Más bien, el país parece dividirse entre «La España que madruga, y la que no se acuesta».
Los Punsetes presentarán ‘AFDTRQHOT’ en una gira que empieza el 2 de diciembre en Málaga. Después estarán el 9 de diciembre en Vitoria, el 10 de diciembre en San Sebastián, el 16 de diciembre en Valladolid y el 17 de diciembre en León. Ya en 2023, Los Punsetes actuarán el 14 de enero en Santiago, el 27 de enero en Córdoba, el 28 de enero en Sevilla y el 18 de marzo en Murcia.
“Gracias por esperar tanto para vernos”, agradecía Justin Vernon momentos después de tocar ‘Faith’ ante las 9.000 personas ayer presentes en el WiZink Center. Nada más ni nada menos que tres años son los que han tenido que esperar los fans de Bon Iver para presenciar una rendición en directo de su último disco, ‘i,i’, lanzado en 2019. A juzgar por lo que se vio ayer en la capital, cada segundo de la espera ha merecido la pena.
Tras la agradable y sorprendente mezcla de trompetas con jazz, funk, ambient y hasta noise del dúo telonero, CARM, solo quedaba media hora para el turno de Bon Iver. En las entradas ponía que comenzarían a las 21.00. Sin embargo, antes de entrar pude escuchar a un miembro del equipo de seguridad mencionar que empezaría a las 21.15. Y así fue, el reloj marcó la hora presagiada y comenzaron a sonar las cortadas voces y notas de ‘Yi’, el tema introductorio de ‘i,i’, al tiempo que miles de personas vestían con aplausos la salida de Justin Vernon y sus estimados compañeros de banda.
‘iMi’ fue el entrante perfecto para una noche llena de emociones, un show delicado y simple, pero delicioso. Con ‘Towers’ la cosa ya cambió. Mientras que con ‘iMi’ la iluminación había sido blanca y prácticamente estática, en ‘Towers’ se empezó a apreciar el alucinante equipo de luces que habían montado para esta gira tan anticipada.
Cada miembro del grupo estaba colocado dentro de una estructura de neón con forma triangular, cuyo color iba cambiando constantemente. Durante ‘Towers’ se limitaron a los tonos de la portada de ‘i,i’. Encima de sus cabezas colgaban una serie de espejos rectangulares, casi como teclas de un piano, recubiertos con luces en los bordes, de forma que los focos pudiesen reflejar la luz en ellos y llenar así el aire de líneas coloreadas. Además, estas luces-espejo escondían una sorpresa que revelaron con ‘666 ʇ’, la siguiente canción en la lista, y es que cada uno de estos rectángulos gozaba de movilidad independiente, lo cual les permitía crear todo tipo de figuras en un escenario que mutaba con cada canción.
Andrés Iglesias
En canciones como ‘U (Man Like)’, ‘Heavenly Father’ y ‘Hey, Ma’ estos espejos aéreos parecían flotar sobre Bon Iver como si de un truco de magia se tratase. El concierto acababa de empezar, pero entre la maestría musical y la variedad visual, cada tema era un espectáculo en sí mismo. ‘Hey, Ma’, con la que fue inevitable no sentir escalofríos de principio a fin, fue el culmen de esta sucesión de canciones. Entre la impecable y cálida voz de Vernon, que suena incluso mejor en directo que en las grabaciones, y la ingrávida cúpula de luz anaranjada que formaban los espejos, parecía que el show no podía ir a más. Solo había transcurrido media hora.
Para la experimental ‘10 d E A T h b R E a s T ⚄ ⚄’, los estadounidenses decidieron añadir otro nivel visual a la experiencia. Todo el recinto se llenó de neón verde, que parecía salir de cada recoveco del escenario, y de decenas de rayos de luz púrpura, como si hubiesen sido sacados de una película de espías. De repente, el interior del WiZink se asemejaba más a una rave tecno del más alto nivel que a lo que te imaginarías que sería un concierto de Bon Iver.
Al terminar, Justin Vernon, que hasta ese momento se había limitado a decir “gracias” y “muchas gracias”, se soltó un poco más y, mientras punteaba los primeros acordes de ‘Blindsided’, exclamó: “Creo que todas las personas aquí presentes son sexis de cojones”. Aparte de unas bellas palabras al final del espectáculo, Vernon no estuvo muy hablador durante el resto del show. Eso sí, todas y cada una de las palabras del frontman de Bon Iver, por escuetas que pareciesen, fueron recibidas entre aplausos y vítores.
Uno de los mejores momentos de la noche solamente precisó de Vernon, su autotuneada voz y una mesa de mezclas. ‘Woods’, más conocida por ser la espina dorsal de ‘Lost In The World’ de Kanye, fue un espectáculo del que no pudieron disfrutar los espectadores que acudieron al Palau Sant Jordi hace tres días, pero que difícilmente olvidarán los asistentes del WiZink. Vernon construyó todas y cada una de las capas de la canción en directo, que habría tenido en torno a 20 pistas diferentes, y presenciar el proceso se sintió como un regalo realmente único.
Tras el gran hit del conjunto, ‘Skinny Love’, llegó el tramo en el que los miles de personas presentes finalmente se rindieron ante Bon Iver. ‘Perth’ y ‘Holocene’, dos de las canciones más queridas de la discografía del grupo, resultaron un capricho tanto auditivo como óptico y fueron objeto de las ovaciones más sonadas de la velada. A excepción, quizás, del aplauso posterior a la apasionante performance de ‘re:stacks’, en la que Vernon y su guitarra hicieron que pasase un ángel por el WiZink, y de la duradera alabanza colectiva al terminar el concierto. ‘Holocene’ fue especialmente memorable, con una intensa luz azul saliendo de cada fuente de luz presente y con los espejos aéreos comportándose como un lento oleaje oceánico.
‘The Wolves (Act I and II)’ cerró el setlist principal, a falta del bis. La última canción que se entonó en el WiZink fue ‘RABi’, recordándonos que la cuestión de ser del concierto era presentar el último disco de la banda. Así, como por arte de magia, pasaron de largo casi dos horas de actuación, y solo faltaba un último mensaje de Justin Vernon para dedicar a cada persona del público: “Esperamos que hayáis venido con amor y que os vayáis con más aún”.
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