Paul Stanley, cantante y miembro fundador de KISS, ha decidido opinar en Twitter sobre la identidad de género de los niños, la niñez trans y sus padres. A Stanley le preocupa que los niños empiecen «jugando» con los pronombres y terminen en un quirófano. O algo así. Veamos qué ha dicho.
El mensaje de Stanley empieza diciendo que «hay una GRAN diferencia entre enseñar a ser tolerante y normalizar o incluso alentar a los niños a que participen en un estilo de vida que les confunde y les hace cuestionar su identificación (sic) sexual como si esta fuera un juego, y algunos padres lo permiten». Stanley afirma que «HAY personas que en la edad adulta deciden que necesitan someterse a una operación de reafirmación de género», pero se muestra en contra de «convertir esto en un juego, y de que los padres lo normalicen como si fuera una alternativa natural». Stanley señala que, solo porque «a un niño le guste ponerse vestidos o porque a una niña le guste ponerse la ropa de su hermano», sus padres no deberían «llevarles por un camino alejado de la inocencia de lo que están haciendo».
Stanley opina que «muchos niños que no tienen una noción real de la sexualidad ni experiencias sexuales suficientes se pierden en el «juego» de usar pronombres y declarar qué género les identifica», y asegura que «muchos padres confunden enseñar a ser tolerantes con normalizar una situación que ha sido un calvario para aquellos a quienes ha afectado de verdad, y la están convirtiendo en una moda triste y peligrosa».
En su mensaje, Stanley cae en el típico discurso tránsfobo disfrazado de preocupación por el bienestar de la infancia. La realidad trans no es un «estilo de vida» ni tampoco una «moda». La expresión de género no es un «estilo de vida» ni tampoco una «moda». Los niños trans no concluyen que lo son persuadidos por sus padres. Los niños trans, y no sus padres, son conscientes del género que les identifica. Además, Stanley confunde conceptos de identidad de género (sentirse hombre, mujer o no binario) y expresión de género (usar vestidos, probar pronombres) e insinúa que solo las personas trans que han pasado por un «calvario» médico y social pueden saber que son personas trans.
En un momento en que estados como Tennessee están aprobando leyes que atentan contra los derechos de las personas trans, Stanley se suma a la lista de celebridades -la cual incluye a su compañero de banda, Gene Simmons- que han decidido usar su plataforma para atacar o esparcir desinformación sobre las personas trans. Como las palabras de J.K. Rowling, las de Stanley parecen preocupadas, cariñosas e inofensivas, pero son ignorantes y tránsfobas. Con suerte, Stanley no convertirá su cruzada contra las personas trans en el propósito de su vida.
Arlo Parks, que tanto conquistó a los seguidores del pop independiente con su debut, ‘Collapsed in Sunbeams’, ganador del Mercury Prize, está de vuelta. Su segundo disco se llama ’My Soft Machine’ y sale el 26 de mayo. El primer single ‘Weightless’ ya fue “Canción del Día”, después conocimos ‘Impurities’, y el tercero ‘Blades’ vuelve a ser “Canción del Día” también. Os recordamos que Arlo Parks estará tanto en el Primavera Sound de Barcelona como en el de Madrid.
‘Blades’ es una de las producciones más disco de Arlo Parks dentro de su minimalismo. Paul Epworth está detrás de sus detalles últimos, siendo una de las 3 canciones que hicieron juntos a lo largo de 5 días. Lo llaman «semana mágica». Curiosamente, Arlo ha elogiado sobre el codiciado productor que tiene «el espíritu de niño que tanto le gusta», y lo ha llevado a la canción.
La inspiración de ‘Blades’ viene de los 70, los 80 y también de gente más actual. «Me inspiré en grupos como ESG, en artistas como Kaytranada y en el rock psicodélico zambiano de los años 70 que tanto me gusta”, cuenta Arlo Parks en nota de prensa. Añade: «quería hacer algo que pudiera bailar, finalmente, porque siento que mis canciones no tienen esa cualidad en general».
El tema se presenta con un videoclip onírico que aporta un toque de misterio a lo que es en verdad una composición de amor cristalina, basada en un estribillo “tan sólo quiero estar contigo”. Solo que no está dirigido a tu pareja. En verdad, se trata de recuperar una amistad que se ha perdido, al encontrarte con un/a amigo/a que ha desaparecido de tu vida en una fiesta.
Este será el tracklist del álbum:
1.Bruiseless
2.Impurities
3.Devotion
4.Blades
5.Purple Phase
6.Weightless
7.Pegasus ft. Phoebe Bridgers
8.Dog Rose
9.Puppy
10.I’m Sorry
11.Room (red wings)
12.Ghost
Desiigner, autor del macrohit ‘Panda‘, que suma más de mil millones de reproducciones en Spotify, ha recibido una demanda por exhibicionismo. El rapero fue visto supuestamente masturbándose en un avión el pasado 17 de abril, en un viaje de Tokio a Minneapolis, delante del personal de vuelo. De ser declarado culpable, Desiigner podría enfrentarse a noventa días de prisión.
El artista, cuyo nombre real es Sidney Royel Selby III, ha dado explicaciones en redes. «En los últimos meses no he estado bien mentalmente y he estado intentando asimilar lo que me está pasando. Cuando estaba en el extranjero para dar un concierto tuve que ser hospitalizado porque no estaba pensando con claridad. Me recetaron medicamento y me subí a un avión de vuelta a casa. Estoy avergonzando de lo que hice en ese avión».
En el mensaje, Desiigner cuenta que, después de aterrizar en Estados Unidos, ha decidido cancelar todos sus conciertos e ingresar por su propio pie en un centro. «La salud mental es real, chicos, por favor, orad por mí, y si no sentís que sois vosotros mismos, pedid ayuda».
En noviembre, Desiigner se mostró muy afectado por la muerte de Takeoff, llegando a anunciar su deseo de dejar el rap.
Desiigner ha sido uno de los raperos favoritos de los últimos años de los 2010s, pues también ‘Timmy Turner’ cuenta sus streamings por los cientos y cientos de millones, y el artista ha colaborado con Kanye West, Diplo o Silk City (el dúo de Diplo y Mark Ronson). Desiigner no publica disco de 2018, pero ha seguido sacando singles esporádicamente, el último de ellos, ‘PMR’ con A Boogie wit da Hoodie.
En medio del huracán mexicano, de ‘Flowers‘, de cualquier cosa de The Weeknd nueva o vieja, del k-pop, etc, parece que queda poco espacio para que triunfe alguna balada de las clásicas. La fórmula no está del todo perdida, y no solo gracias a Adele o Lewis Capaldi: recientemente, la balada doo-wop de Stephen Sanchez, ‘Glimpse of Us’ de Joji, ‘drivers license’ de Olivia Rodrigo o ‘Swallow’ de Lady Gaga han demostrado que una señora balada aún tiene cabida en las listas de éxitos.
Ahora hay que sumar a la lista ‘Daylight’ de David Kushner. Esta balada a piano ha conquistado las listas globales y actualmente es la octava canción más escuchada en el mundo. Su éxito se está haciendo notar especialmente en Reino Unido, donde el tema ya es top 2 solo por detrás de ‘Miracle‘, a pesar de que Kushner es estadounidense, en concreto, de Chicago. En el Billboard, ‘Daylight’ acaba de entrar en el puesto 48 y escalará posiciones en los próximos días.
‘Daylight’ es la típica balada basada en un amor al que nos sentimos irremediablemente atraídos a pesar de que no nos conviene. La melodía, aún influenciada por el folk-blues moderno de gente como Passenger o Mumford & Sons, es sentimental y melodramática hasta decir basta. Sin embargo, varios elementos juegan a su favor: la grave voz de Kushner sorprende a primera escucha y la producción admite pequeños matices de distorsión en la voz o en las guitarras eléctricas que contrarrestan la dosis de almíbar de la melodía. No extraña descubrir que detrás de la producción de ‘Daylight’ se encuentra Rob Kirwan, que ha trabajado con PJ Harvey, Hozier, Local Natives o hasta Depeche Mode.
El trasfondo de ‘Daylight’ es religioso, pues la letra está inspirada en la Biblia, en concreto en unos pasajes que a Kushner le inspiraron de niño. Kushner es cristiano y ‘Daylight’ lo exhibe abiertamente, en una letra en la que pide misericordia a Dios para que le libere de los «pecados» que el cantante -y su amante- esconden de la «luz del sol». Seguimos en 2023, conviene recordar.
Kushner no es exactamente un recién llegado. Aunque el suyo es uno de esos talentos curtidos en TikTok, Kushner ya tiene un disco en el mercado, ‘Footprints I Found’, y ‘Daylight’ no es su primer éxito: antes las virales ‘Mr. Forgettable’ y ‘Miserable Man’ -incluidas en dicho disco- lograban amasar cientos de millones de reproducciones en streaming. Sin embargo, ‘Daylight’ se convertirá pronto en el mayor éxito de su carrera.
Mientras se animan a revelar qué diantres han estado haciendo con Kanye West en el estudio -no, no se nos ha olvidado- Beach House han sacado un EP de descartes de ‘Once Twice Melody‘, su último álbum de estudio, y uno de los mejores discos de 2022. ‘Become’ ha estado disponible primero de manera exclusiva durante el Record Store Day y este viernes se ha subido a plataformas.
El término «descartes» puede llevar a engaño. En el caso de Beach House, las canciones de ‘Become’ simplemente no «encajaban» en el «universo» de ‘Once Twice Melody’, lo cual no significa que no valgan la pena. Y no es que Alex Scally y Victoria Legrand sean incapaces de escribir canción mala: simplemente son demasiado perfeccionistas como para aprobar la publicación de cinco canciones a menos que sean mínimamente buenas. Y estas lo son.
Es cierto que el contenido de ‘Become’ nunca alcanza la gloria de los mejores momentos de ‘Once Twice Melody’. Quizá, si hubiera sido el caso, habrían terminado añadiendo un quinto capítulo al disco, extendiéndolo hasta las dos horas de duración.
Pero también es verdad que hasta los «descartes» de Beach House, como ‘Chariot’, pueden ser sublimes, y los de ‘Become’ se quedan cerca. El noir-pop de ‘Devil’s Pool’ incluye guitarras acústicas y remite a Cigarettes After Sex como para recordarnos que Beach House llegaron antes. Su beat lo-fi recuerda al primer disco, sus sensuales cuerdas al último, y su belleza a todos. La influencia del country se hace patente en ‘Black Magic’, que sobrecoge sosteniéndose en una melodía de guitarra eléctrica a la que más tarde se agregan efecto de «pedal steel» y coros celestiales.
Las canciones de Beach House suelen estar habitadas por personas misteriosas que han desaparecido de la vida de sus integrantes, como sin dejar rastro, evaporadas. El EP se abre de hecho con una emocionante pista llamada ‘American Daughter’ cuya protagonista tenía a su intérprete con la «cabeza bajo el agua». ‘Devil’s Pool’ y ‘Black Magic’ también están protagonizadas por personajes misteriosos, adictos a las pastillas o simplemente «fascinantes», y solo ‘Holiday House’ propone otra cosa, un viaje de carretera nocturno hacia una «casa de verano» donde solía reinar el «amor. Casi puedes oler el césped mojado al escucharla.
Si las canciones de ‘Become’ conforman su «pequeño mundo» por méritos propios, uno decididamente más oscuro que el anterior, y también más «espiritual», la pista titular lleva esa oscuridad al siguiente nivel. Densa y pantanosa, ‘Become’ se «convierte» en luz a medida que la canción avanza guiada por guitarras shoegaze y un estribillo de «la la las». Como siempre, hay algo inocentemente perverso en las canciones de Beach House, solo que esta vez representan un lugar en el que ya «han estado» y no ninguno al que se dirijan. ‘Become’ es por tanto una propuesta familiar, pero también es más que un simple apéndice del disco anterior.
La del sábado fue una jornada histórica para el Warm Up, pero no por los motivos deseados, pues el cartel era probablemente el mejor de los tres días. Durante toda la semana, las predicciones meteorológicas hacían presagiar un bochorno importante durante el fin de semana, con temperaturas por encima de los 30ºC, y solo al acercarse la fecha aparecía una probabilidad de precipitación mínima. Pero hubo plot twist.
Natalia Lacunza dio a las seis de la tarde el pistoletazo de salida en cuanto a grandes reclamos, y anoche se repetía entre el público el gag de que el suyo fue el mejor concierto de la jornada… porque casi que fue el único, con permiso de Maestro Espada. Antes, los hermanos Alejandro y Víctor Hernández (AKA Álex Juárez y Rey Lobo), de los que os hablamos cuando sacaron su single debut con Raúl Refree, tocaron en el ENAE su fusión de electrónica y folklore murciano. Los hermanos están además en la banda de Guitarricadelafuente, que a priori también actuaba ese día, pero el valenciano no corrió la misma suerte. Porque ya con Lacunza se empezó a ver que algo raro pasaba.
De las dos concursantes de OT programadas ayer (Amaia tocaba a la noche), Natalia Lacunza fue la única que pudo actuar. Lacunza se centró en los temas del interesante ‘Tiene que ser para mí‘, aunque también hubo sitio para canciones anteriores, y, pese a la hora tan temprana y al calor (qué ingenuos éramos), consiguió reunir a un numeroso grupo de fans que coreaban sus canciones. La pamplonesa ha ido mejorando en sus directos, y ayer fue una prueba de que cada vez tiene más presencia escénica.
Pero eso fue todo: Temples, los siguientes en tocar, duraron escasos minutos en el escenario, porque alrededor de las 19h empezó a llover, primero en forma de goteo (ya chispeó mínimamente la noche anterior), luego en una lluvia que cada vez iba a más y que acabó convertida en una enorme tormenta acompañada de un viento bastante amenazante, que llevó a la decisión de desalojar el lugar.
Más de una hora de rayos y truenos, fuerte viento y objetos volando, litros de agua y gente corriendo a refugiarse donde podía: bajo sillas y mesas, bajo los escenarios, o incluso con los baños convertidos en las nuevas zonas VIP. Cuando la cosa se calmó mínimamente (seguía lloviendo, pero ya sin ser un videoclip para ‘El diluvio universal‘ de Zahara), fuimos comprobando cómo mucha gente había salido también del recinto y se había ido refugiando en gasolineras próximas, bajo los túneles de lavado (nuestro caso), o incluso apostando por secar su ropa en ellas, como muestran los fotos y vídeos que han ido apareciendo.
Quienes estaban en hoteles, apartamentos o casas de amigos fueron yendo a ellos completamente calados para ponerse ropa seca, y quienes habían venido a la aventura en coches donde luego dormir hicieron lo que pudieron, improvisándose botellones y maneras de estar de fiesta con buena música aunque fuese fuera del recinto (la organización ofrecería luego sus alternativas con el after en sala de Chico Blanco, por ejemplo). El buen humor o la resignación (o ambas) se unían al compañerismo con el que los festivaleros se ayudaban entre sí, prestándose ropa, toallas, comida, etcétera, y forjando nuevas amistades.
En principio, la agenda musical de hoy domingo sigue adelante con Vetusta Morla, The Kooks, Dorian, Cariño, Iván Ferreiro, Yo La Tengo, Cala Vento, Varry Brava, Hot Chip, Carolina Durante Trashi y Carlos Sadness entre los confirmados. Habrá que ver qué se ha hecho con la enorme cantidad de agua que cayó en el recinto ayer, y qué pasa con la probabilidad (pequeña, pero también era pequeña ayer) de tormenta que, según AEMET, hay para hoy. De momento, confiemos en que hoy se pueda disfrutar de lleno de los conciertos.
Cala Vento, esto es, Joan Delgado y Aleix Turon, han regresado con ‘Casa Linda’. Aunque ya han pasado cuatro años desde ‘Balanceo’, los fans no los han olvidado. Sólo basta ver la excelente recepción que está teniendo ‘Casa Linda’ entre público y crítica (¡esta vez el tópico es cierto!). Su fórmula de indie-rock musculoso a base de guitarra y batería se ha adentrado en terrenos más contestatarios, pero también más íntimos y acogedores. Y así, de paso, han conseguido su mejor disco.
Nos hemos citado en el bar del CCCB. La música suena a todo trapo (se cuela ‘To the End’ de Blur y ‘She Bangs the Drums’ de Stone Roses durante la entrevista), pero no parece distraerles: Joan y Aleix desgranan todo lo que ha supuesto tanto su regreso, como el parón que vivieron, forzado (claro) por la pandemia.
Lo primero que me llama más atención de ‘Casa Linda’ es el contenido. Tengo la sensación de que las letras tienen mucho más peso y os noto mucho más combativos. Líricamente, habéis pasado de lo personal a lo social. ¿Fue algo premeditado?
Joan: «¿Premeditado? Seguro que hay algo de premeditado».
Aleix: «Sí, porque ‘Balanceo’ hablaba mucho de nosotros, apelaba a ciertas cosas de la sociedad que no nos gustaban y lo hacíamos de forma muy directa. Y estábamos un poco cansados de hablar sólo de nosotros: nosotros-nosotros-nosotros. Creo que tanto en ‘Fruto panorama’, el segundo disco, como en ‘Balanceo’ había mucho de eso. Y para este fue más: «debemos buscar otras cosas de las que hablar, porque nos cansaremos de nosotros mismos al final”. Y tampoco tiene tanto interés nuestra vida. Hemos intentado hacer unas canciones que hablen de cosas con las que mucha gente puede sentirse identificada, que también nos hayan pasado a nosotros. Pero hacerlo desde una óptica más de tú a tú, reduciendo un poco la escala de la canción, restándole esa ambición que tenían las canciones de ‘Balanceo’ y hacerlo más pequeño. «A mí me está pasando esto, puede que a ti también te pase, pero suerte que nos tenemos”. Ha ido más por aquí».
En todas las canciones parece que os estáis dirigiendo a alguien. ¿A alguien en concreto? ¿O es un alguien más global? ¿Gente de vuestra generación? ¿Habéis querido hacerlo como si fuera una proclama social?
A: «No, yo creo que no hay un «alguien» definido. Se ha intentado en todo momento que quedara lo más confuso posible el a quién nos estábamos dirigiendo. Lo que queríamos era que la persona que estuviera escuchando la canción se sintiera interpelada en cierto modo. Y por eso se ha intentado que no quedara demasiado patente a quién nos estábamos dirigiendo… Aunque nosotros lo sabemos perfectamente».
Aparte de la temática, también me llama la atención el sonido. Me da la sensación de que es un disco menos emocore y menos punk que los anteriores, mucho más escorado al indie pop y más pausado. Pero luego, por ejemplo, leo en la crítica del MondoSonoro que habéis recuperado el sonido de vuestro primer álbum, tengo amigos que dicen que que es vuestro disco más guitarrero… Y me pregunto: ¿quién está equivocado?
J: «Todas las perspectivas son buenas. Pero también creemos que es nuestro disco más rock para todos los públicos. Es decir, es un disco muy guitarrero, con mala leche y mucha energía, pero es el más controlado también. Hemos intentado encontrar ese equilibrio. A nivel de sonido, creemos que los demás discos son más alocados, bastante más brutos, por decirlo de alguna manera. Pero en éste hemos conseguido controlarnos más sin perder el punch».
Publicasteis ‘Teletecho’ en 2021. En marzo de este año un EP donde viene el grueso de las canciones. Y después el disco. ¿Por qué motivo decidisteis sacarlo así?
J: «No: lo que hicimos fue ir sacando singles y que se fueran juntando en forma de EP. ‘Teletecho’ sí es verdad que salió hace mucho, pero también es una canción que no teníamos claro si entraría en el disco. Entonces empezamos a sacar adelantos. Empezamos con ‘Equilibrio’ y ‘Casa Linda’; luego ‘Ferrari’, ‘Conmigo’ y ’23 semanas’. Eso sí que quedó como un EP en las plataformas. A ‘Teletecho’ no lo consideramos como sencillo de adelanto, porque ya salió en vinilo. Pero la quisimos incluir en el disco porque creemos que no le habíamos dado suficiente importancia».
A: «Cuando se publicó no sabíamos que acabaría formando parte de un disco».
J: «Hicimos una prueba de cómo lanzar canciones. Al final, tenemos nuestro propio sello y tenemos libertad absoluta de hacerlo como nosotros queramos. Podemos hacer experimentos».
A: «Lo de la espera era básicamente una manera que teníamos de, cuando salía una canción nueva, recordarle a la gente que ya habíamos sacado una antes e irlas acumulando. Sí es verdad que ha generado algo de confusión (risas). La gente no sabía si estábamos sacando EP’s, si estábamos sacando canciones…»
El sábado estuve viendo a Gúdar y Tigres Leones en la sala Vol, que son grupos que cantan a la precariedad, la económica y la laboral pero, como vosotros, también ponen mucho énfasis en las relaciones personales como la base de la existencia. ¿Os consideráis compañeros de generación con estos grupos?
A: «Al final a nosotros nos ha tocado vivir en un tiempo en que se han puesto de manifiesto que muchas cosas no funcionan, aunque hay otras que funcionan muy bien. Tenemos un estado del bienestar que hace que tengamos mucho más tiempo para preocuparnos por otras tonterías que no sean sobrevivir. Quien más, quien menos se las apaña, problemas de vivienda y precariedad juvenil aparte. Pero al final nos ha tocado vivir esto, y nosotros no nos sentimos responsables, sino que somos víctimas. Pero a la vez se nos intenta responsabilizar siempre de muchas cosas y al final te cabreas un poco y tienes esa especie de impotencia. Porque se nos está cargando muchas cosas a nosotros que no hemos decidido, no hemos inventado, no hemos elegido este camino. Y supongo que por eso coincidimos con otras bandas que tienen más o menos la misma edad que nosotros».
«Nos ha tocado vivir en un tiempo en que se han puesto de manifiesto que muchas cosas no funcionan, aunque hay otras que funcionan muy bien»
El título, ‘Casa Linda’ es sarcástico, ¿no? Porque representa la aspiración de tener un sitio donde guardar tus cosas. Algo que hoy en día es casi una quimera.
A: «La canción es muy, muy literal. Habla básicamente de esto, del problema de la vivienda y del problema de no tener un sitio donde dejar tus cosas, que al final es algo que nos sirve para sentirnos humanos, básicamente. Pero el disco engloba muchas más cosas. La casa linda como disco sería un poco lo que hablaba antes: todo está bastante en la mierda, pero necesitamos un espacio, ya sea físico, de entorno, de amistades, o de familia, donde poder desconectar y donde poder ver las pequeñas cosas buenas que tenemos alrededor. No quedarnos solo con todo ese sentido de responsabilidad que nos han hecho creer que tenemos, e ir a buscar nuestra casa linda, nuestro lugar donde estar bien. El disco habla básicamente de esto».
En ’23 semanas’ me hace gracia que digáis de pasar esas 23 semanas “en el pueblo más pequeño de Aragón.”. ¿Es una canción sobre la España vaciada? ¿Y por qué Aragón?
A: «Es una canción que habla sobre la España vaciada cien por cien. Pasamos muy a menudo por Aragón porque nos viene de camino muchas veces y tiene un aspecto desolador. Y al mismo tiempo es una canción que también habla de huir. O sea, girar la tortilla y que esta España vacía sea una salvación en ciertos momentos de ofuscación, de tantas responsabilidades en la ciudad o en el mundo civilizado. Que quieras romper con todo y necesites desconectar y enviar a todo el mundo a tomar por el saco y empezar de nuevo. Aragón nos ayudaba a representar esta idea, porque es un sitio muy vacío, donde hay mucho espacio para poder construir cosas nuevas».
«Que la España vacía sea una salvación en ciertos momentos de ofuscación, de tantas responsabilidades en la ciudad o en el mundo civilizado»
¿Vosotros vivís ahora en Barcelona o…?
A: «No. Vivimos en el Empordà, por suerte. Pero en el Empordà también hay momentos que te gustaría marcharte. Sobre todo en verano, que nos sentimos completamente colonizados por tanta gente a la vez. Tampoco nos permite poder independizarnos, porque los precios están muy altos. Hay muchas segundas residencias que han hecho subir los precios».
Y aunque el disco va mucho sobre esa vida en precario leí, creo que también en MondoSonoro, que ya podíais vivir de la música.
J: «Sí. Después de ‘Balanceo’, una vez recuperamos la inversión que hizo Aleix, ya empezamos a poder dedicarnos exclusivamente a la música. Pero para eso tuvimos que hacer sacrificios: marcharnos de Barcelona, vivir en el Empordà, volver a vivir otra vez con nuestros padres… Sacrificar cosas para poder hacer el intento de vivir de la música. Hubo un momento en que se estabilizó un poco más. El disco funcionó muy bien y el grupo se profesionalizó. Y así seguimos».
A: «Podría decirse que que estamos sobreviviendo de esto, pero es complicado, porque cuando tenemos períodos de inactividad sin conciertos se hace duro, tienes que renunciar a muchas cosas».
«La gente siempre se ha comparado a lo largo de la historia, pero ahora lo estamos haciendo de una forma un poco enfermiza y obsesiva, porque todo es muy superficial»
Hay una canción que me llama mucho la atención, que es ‘Tu lugar’, donde decís «deja de compararte con la gente de las redes». Pregunto, otra vez, si va dirigido a alguien en concreto que conozcáis o es más bien una generalización sobre la gente que siempre está en redes, chequeando, comparándose, y diciendo todo el rato «mira qué bien me lo estoy pasando».
A: «Lo que está claro es que todos nos hemos comparado, la gente siempre se ha comparado a lo largo de la historia, pero ahora lo estamos haciendo de una forma un poco enfermiza y obsesiva, porque todo es muy superficial, todo tiene mucho que ver con la imagen, con una imagen que dista mucho de la realidad. Muchas veces ese mundo equivocado tiene incidencia directa en nuestras vidas. Y es una canción que quería poner un poco de manifiesto esto y decir que lo que somos en realidad, por mucho que parezca que somos «eso» [señala el móvil], por más que parezca que construimos nuestra identidad a través de eso, no somos eso. Porque esto puede desaparecer [señala el móvil otra vez], lo puedes perder y puedes dejar de utilizar Instagram. Pero tú seguirás existiendo».
Volviendo al tema del sonido. Hay dos momentos que me han llamado muchísimo la atención. El primero es la introducción de la primera canción, ‘Más que satisfechos’, que no sé si es la parte de los Gospelians de Girona, que suena como si fuerais Disco Inferno, muy atmosférico. Y de pronto cortáis y arranca la canción como tal.
J: «Está guay que nos lo preguntes, porque nadie nos había preguntado y es algo que tiene un significado. O sea, este disco lo hemos compuesto y creado en nuestro propio estudio, que hemos construido nosotros con nuestras propias manos. Después de la pandemia decidimos arreglar nuestro local de ensayo y lo hemos convertido en un estudio de grabación mediante tutoriales de Youtube: «cómo hacer el cemento» y todo lo que quieras. O sea, nos pusimos, estuvimos muchos meses. ¿Cuántos meses, Aleix?»
A: «Empezamos en agosto y terminamos en marzo».
J: «¡Imagínate! Y de 8 a 8, quiero decir, cada día estábamos allí haciendo de albañiles. De alguna manera en el disco queríamos representar algunos sonidos que nos recordaran toda la percusión de la obra. Entonces cogimos todos lo instrumentos percutivos que teníamos y empezamos a hacer un ritmo machacón que pareciera básicamente martillos y escarpas. El disco empieza por ahí y luego ya se olvida. Pero queríamos dejar huella de este momento en el disco».
«Hemos convertido nuestro local de ensayo en un estudio de grabación mediante tutoriales de Youtube, haciendo de albañiles»
Me habéis dejado un poco de piedra. Había leído que teníais un estudio. ¡Pero no que os lo habíais construido vosotros! O sea: ¿cómo decide uno que va a construirse un estudio él mismo?
J: «Un poco por necesidad y por otro por decir… «¿qué hacemos ahora que nos han cancelado 35 conciertos? Tenemos un año por delante sin ningún concierto. No tenemos canciones…”. Pues dijimos: «bien, nos arreglamos el estudio». O sea, arreglamos nuestro local. Lo limpiamos…»
A: «Tenía humedad. Había una necesidad real arquitectónica…»
J: «… de arreglarlo, y de limpiarlo y de hacer que allí se pudiera componer un disco con condiciones. El covid no se arreglaba, nos fuimos animando y terminamos haciendo un estudio de grabación. A tope».
¿Sin albañiles ni nada? ¿Vosotros dos solos?
J: «Sólo necesitamos los albañiles cuando nos tocó hacer el tejado, porque si hacíamos el tejado mal, todo el resto del trabajo no hubiera servido para nada».
La otra canción que me llama más la atención es la última, ‘Conmigo’, que es un cierre súper synthpop y bailable. ¿Os animaríais a transitar por esta senda más adelante o ha sido solo una anécdota?
J: «Lo pasamos muy bien haciéndola y nadie descarta que puedan haber más cosas como estas, seguro».
A: «Nos gustan demasiado las guitarras, por eso».
J: «Sí, pero también es un buen momento para poder descansar de los instrumentos en el escenario y poder hacer algo diferente. Yo creo que al igual que en ‘Balanceo’ estaba ‘La importancia de jugar al baloncesto’ y en este disco ‘Casa Linda’, que son dos canciones en acústico, nadie descarta que más adelante puedas haber más canciones en acústico o incluso en synth pop».
A: «Lo que ha habido aquí es un ejercicio de producción de la canción, porque nació con guitarra y voz. Quiero decir: que podríamos haberla grabado así y también funcionaría, pero como ya estaba ‘Casa Linda’, dijimos de hacer algo diferente».
¿Cómo fue que Gorka Urbizu de Berri Txarrak colaborara en ‘Passar pantalla’?
J: «Esta canción no iba a entrar en el disco, porque teníamos la base melódica hecha pero no encontrábamos ni una letra que nos convenciera ni una melodía de voz que nos gustara. Y en unas conversaciones con la persona que ha mezclado el disco nos dijo: «¿No haréis ninguna colaboración en este disco? Podríais hacer una con un Gorka». Es una persona a la que conocimos en la gira anterior. Nos caímos súper bien, nos entendimos mucho. «¿Por qué no le pasamos esa canción de la que no tenemos melodía ni voz y que la haga él?». Y se la enviamos con toda la jeta y nos dijo que no (risas). Que era mucha responsabilidad y mucho trabajo. Pero al cabo de tres semanas nos envió una nota de voz con la melodía hecha, y fue brutal. Y entonces nos llamamos, vino un día al estudio, nos fuimos pasando letras, nos pasó diferentes cosas y grabamos».
¿Y la decisión de cantar vuestro trozo en el catalán fue también sobre la marcha?
J: «Fue en una de estas que no nos salía la melodía y la letra. Dijimos «probemos en catalán, a ver si nos desencallamos». Y en catalán salió algo interesante y se lo pasamos a Gorka. Y recuperó un corte de melodía de lo que nosotros habíamos hecho y lo juntó con lo suyo. Y puesto que ya teníamos la melodía en catalán, pues lo dejamos en catalán».
Al final, ¿veis el disco como una especie de manual de autoayuda o de guía vital para los oyentes?
A: «Pues nos gustaría que no fuera así. Lo vemos más como una especie de refugio, no tanto como una libreta de consejos para cuando no estás bien, sino como que si necesitas algo de compañía en algún momento o te quieres sentir apoyado, ponte este disco».
J: «Si quieres desconectar de todos tus dolores de cabeza».
A: «Quizás la parte de autoayuda es que te intenta hacer ver que también hay cosas buenas a las que aferrarte».
J: «No caer en ser un grupo protesta… Pero sí quejarnos de alguna cosa que no nos gusta también».
En el MondoSonoro han calificado ‘Casa Linda’ con un 10. ¿Cómo os sentisteis? ¿Cómo os estáis sintiendo con el recibimiento del disco, en general?
J: «No nos lo esperábamos. Sí que había hablado con [Joan S.] Luna y me dijo que le había gustado mucho el disco y tal. Pero claro, fue como «¡buah!», porque ponen pocos dieces. La sensación que tenemos es que este disco… [pausa] Llevábamos cuatro años sin sacar un álbum, y este disco tiene una energía concreta. No sé decir cuál, pero la gente la está percibiendo. Nosotros teníamos muchas ganas de que esto saliera y de poder enseñar estas canciones. Y por lo que se ve, nuestros fans también. ¿Y el recibimiento? Por el momento no lo sé. Llevábamos un fin de semana con el disco fuera y hoy nos han pasado unos reportes y habíamos vendido más de 1.000 discos en un fin de semana, que es como increíble. Para nosotros es brutal».
«No tendemos a ser un grupo con una ambición desmedida y lo que intentamos siempre es pasárnoslo bien»
Muy buen feedback, ¿no? ¿No nos daba un poco de miedo a que después de la pausa de cuatro años la gente se olvidara un poco de vosotros, porque vivimos unos tiempos algo volátiles?
J: «Sí que es algo que nos hace sufrir, pero es algo con lo que hemos aprendido a convivir y a no hacerle caso. O sea, intentar remar en contra de las tendencias y de todo lo que se hace «porque se ha de hacer». «Se ha de sacar singles porque se han de sacar, porque ahora el mundo va así». Da igual cómo vaya el mundo: nosotros sacaremos la música como nosotros queramos y como nosotros creamos que es la mejor manera. Hemos aprendido incluso a ir aún más en contra de lo que se hace hoy en día. Somos personas bastante inconformistas: lo primero es estar bien nosotros y hacer lo que nosotros queremos. Las canciones las hacemos para nosotros y si luego a la otra gente le gusta, mejor, ¿no? Entonces, presión sentíamos… poca. Teníamos muchas ganas, muchas ansias de sacar este disco y que la gente lo escuchara. Pero presión y pensar «no irá bien», no. Aparte, también éramos conscientes de haber sacado el mejor disco que habíamos hecho (risas)».
A: «Y otra cosa importante: no tendemos a ser un grupo con una ambición desmedida y lo que intentamos siempre es pasárnoslo bien haciendo lo que hacemos. Todo el dinero que nos hemos gastado haciendo este disco no nos lo hemos gastado para poder hacer un disco que lo pete más o para crecer, sino que nos lo hemos gastado porque nos apetecía hacer estas cosas: grabar con distintos productores, en diferentes estudios… La inversión ya estaba justificada, independientemente de cuál fuera el resultado, porque el resultado principal era que nosotros nos divirtiéramos haciendo el disco y ya se había conseguido. El resto es un «a más a más»».
Entre las artistas que han sacado álbum estos días se encuentra Bebe Rexha. El tema promocional nuevo es un dueto con Dolly Parton que cierra el disco, ‘Seasons’, pero antes se pudo escuchar otro que cuenta con la colaboración -nada casual- de Snoop Dogg.
Publicado el 20 de abril, es decir, el 4/20, día del cannabis, ‘Satellite’ es el chute de euforia disco que lleva a Bebe y a Snoop al espacio exterior. En su caso porque se han fumado una buena pipa de marihuana. Las metáforas espaciales se suceden por tanto una tras otra en la letra, con Snoop al mando de la nave surcando la «estratosfera», y Bebe «volando» de Venus a la «Vía Láctea».
La influencia disco de ‘Satellite’ nos lleva por varias épocas de la historia del pop. Los punteos apuntan a Chic, la melodía a Gloria Gaynor, la producción a Daft Punk y el brillante acabado a algo que podría haber cantado Dua Lipa en ‘Future Nostalgia’, solo que ella no habría firmado una canción sobre las delicias de fumarse un porrito y «deshacerse» en el sofá.
En el camino, ‘Satellite’ deja dos grandes alicientes: por un lado, el rap de Snoop Dogg, esa persona que mejora cualquier canción en la que aparece (lo vimos muy especialmente en ‘California Gurls‘, cuyo rap nos sabíamos de memoria), y, por el otro, un estribillo glorioso que tiene mecha para durar más allá del verano.
Bebe ha contado que la colaboración con Snoop surgió por mensaje privado de Instagram. Bebe le propuso la idea y, a las siete de la mañana del día siguiente, Snoopy ya había mandado su verso escrito por e-mail. Juntos aparecen -aparentemente- fumados en el vídeo, que es animado en su mayor parte.
La preocupante sequía que ha asolado España en los últimos meses parece tomarse un respiro. En Murcia, una tromba de agua inesperada acompañada de fuertes vientos ha obligado a WARM UP Festival a primero desalojar el recinto de La Fica cuando acababa de arrancar su segunda jornada. Temples se encontraba actuando en el festival en torno a las siete de la tarde cuando ha empezado a diluviar.
Finalmente, WARM UP ha comunicado la cancelación de la segunda jornada de WARM UP: «Tras reunirnos con los responsables de protección civil, Policía Local y Concejalía de Seguridad Ciudadana se ha tomado la decisión, al no poder garantizar las condiciones de seguridad al 100% hasta comprobar que no hay peligro tanto para los asistentes como para los trabajadores, de cancelar el día de hoy».
El festival añade: «Aunque sabemos que a la Región de Murcia le hacía falta esta lluvia tan necesaria para paliar el impacto de la fuerte sequía que sufre la zona, en lo que al festival respecta estamos muy afectados por la situación, ya que han sido meses de trabajo muy duros y con mucha ilusión por celebrar este quinto aniversario con todos vosotros».
— WARM UP Estrella de Levante (@WARMupfestival) April 29, 2023
Quedan cancelados por tanto los conciertos de Franz Ferdinand, Moderat, Viva Suecia, Amaia o Guitarricadelafuente, entre otros.
En Twitter habían empezado a circular imágenes de los asistentes a WARM UP empapados por la lluvia y abandonando el recinto. Una imagen curiosa la comparte el periódico La Verdad, la de un grupo de festivaleros quedados en ropa interior que esperan en el interior de una lavandería a que se seque su ropa.
WARM UP ha arrancado este jueves y JENESAISPOP se encuentra entre los medios asistentes. Ojete Calor, Miss Caffeina y Kasabian han ofrecido los conciertos del día inaugural.
Rosalía ha ofrecido este viernes el último concierto de su gira en Latinoamérica, un concierto celebrado en Ciudad de México, anunciado por sorpresa y costeado por el gobierno que ha sido de acceso gratuito al público. Rosalía tampoco ha cobrado por actuar. La asistencia a este show del ‘Motomami Tour‘ se ha estimado en torno a las 160.000 personas.
El concierto gratuito de Rosalía en Ciudad de México ha levantado polémica por haber sido impulsado por la alcaldesa de la ciudad, Claudia Sheinbaum, a la que se ha acusado de utilizar dicho concierto con fines electorales, pues México celebra elecciones generales el próximo 2024 y Sheinbaum parte entre las favoritas a la presidencia.
Ajena a la polémica, Rosalía ha dado las gracias a su público mexicano por el apoyo que siempre le ha brindado y ha interpretado emocionada una versión de ‘La Llorona’, canción tradicional popularizada por Chavela Vargas, que ya cantó durante el confinamiento.
Rosalía, que, antes de personarse en México, ofreció un show multitudinario en el festival californiano de Coachella, no volverá a dar un concierto hasta el 3 de junio, fecha en la que se presentará en el Primavera Sound de Barcelona. El 10 de junio actuará en la edición madrileña del festival y no será hasta el 22 de julio cuando la gira concluya en París.
Más allá de la gira, Rosalía sigue triunfando en todo el mundo con ‘Beso’ con Rauw Alejandro y acaba de estrenar el videoclip de ‘Vampiros‘, rodado en Barcelona.
Rosalía interpretando a capella La llorona en el Zócalo CDMX.
Novedades Carminha parecían tener la vida medio resuelta. Generaban streamings. Llenaban Rivieras. Colaboraban con DELLAFUENTE. No tenían prejuicios. Les llamaban de festivales. Y una cosa rara: tanto Carlangas como Anxo daban buenas entrevistas. Sumando que habían logrado aparecer en ‘La Resistencia’, y que hay verdaderas hostias por salir de cualquier manera en lo de Broncano, las razones de su separación lucen incomprensibles. Como si no quisiera recordarlas, Carlangas se tapa la cara en la portada de su primer disco solo.
El caso es que el cantante retoma su carrera exactamente donde quedó la del grupo gallego. Si Novedades Carminha se revelaban como grandes seguidores del pop experimental de finales de los 70, pero sin cerrarse a nuevos ritmos y movimientos, en este debut sencillamente llamado ‘Carlangas’ cabe algo de eso y, después, absolutamente de todo.
‘Regalao’ sería la típica producción de Novedades Carminha, con cierto ritmo funk y después una maraña de guitarras en contraste, pero ‘Se acabó la broma‘ es una producción atrevida que permite el perreo y ‘Paseítos por Madrid’ -ácida en su retrato costumbrista- alterna las guitarras con el drum&bass. Es una buena noticia que él mismo afirme que ‘Los dineros’ es una pista del Carlangas del futuro, sencillamente porque es una de las mejor redondeadas entre su aire canallita, su ritmazo, su réplica de vientos y ese puente a la eléctrica tan españolete.
Entre canciones que despuntan sobre todo por su título (‘Que si quiero o que si tengo’) y un «Interludio» que no necesitaba un disco de 23 minutos, hay dos sorpresas muy gratas. Al final, una colaboración con Manu Chao: por fin alguien plantea un «featuring» diferente. El ex Mano Negra conviene pasarse por ‘Cae la noche’, que precisamente se pregunta cuál será el destino del ex Novedades Carminha.
Y hacia la mitad hay una espectacular colaboración llamada ‘O Día Que Volvín Nacer’, con grandes talentos como Grande Amore y Mundo Prestigio. Una aproximación al hip hop, solo que como producida por los mejores Avalanches. Es como un vuelo inexistente entre Australia y Atlanta con escala en Galicia.
Con todo lo que mola el sonido de ‘O Día Que Volvín Nacer’, no logra quitar a ‘Carlangas’ cierta sensación de mixtape. Estamos ya acostumbrados a que en un disco pueda caber de todo, pero hay que optimizar el modo en que ese todo queda desplegado. Hoy en día sí pueden caber en un mismo disco ideas, guitarras, coros y palmas de Dellafuente, Ortiga, Bronquio, Adrián Costa y músicos de Vera Fauna, Bifannah y La Trinidad, como aquí sucede. Sólo hay que sentarse al final de la jornada para orquestar los elementos de manera óptima.
En la penúltima fecha de su gira europea y la tercera en España tras Barcelona y Valencia, Big Thief pasaron por la capital española para presentar su último y excelente álbum ‘Dragon New Warm Mountain I Believe In You’. Un trabajo con el que han recibido las mejores críticas de su carrera y los ha impulsado, aun más si cabe, a la cabeza de la música alternativa contemporánea. El cuarteto de Brooklyn ya está más que consagrados como uno de los grupos más fascinantes del momento, y esa expectación se vivió en La Riviera, donde asistió un público variopinto con gente de todas las edades y donde se respiraba una clara energía melómana. Entre conversaciones escuchadas a los asistentes sobre el Primavera Sound o cuándo fue la última vez que vieron a los autores de ‘Mythological Beauty’ en directo, comenzaba su telonero Lutalo, en la que era su primera gira europea. Simplemente con una guitarra eléctrica y nadie más que él en el escenario -excepto en una canción-, el emergente cantautor americano mezcló canciones nuevas con otras más antiguas en un set agradable.
Sobre las 21:15, Big Thief aparecieron sobre el escenario y se hizo el silencio. Lenker, que llevaba un sombrero, se mostró agradecida de la acogida del público y saludó con un tímido “Hola” en español antes de empezar. Siempre es difícil anticipar cuál será su setlist, ya que lo van cambiando en cada concierto dentro de la misma gira. Esta vez sorprendieron inaugurándolo con una canción nueva, aún inédita: una balada llamada ‘Already Lost’ que recuerda al sonido de ‘U.F.O.F‘ -completamente olvidado en el concierto- y que sonó cautivadora gracias a la imponente dulzura de la voz de Adrianne Lenker. En segundo lugar, llegó otro tema que aún no está disponible en ningún sitio, ‘Happiness’, aunque llevan tocándolo desde 2020. No es habitual que un concierto empiece con dos canciones que la gran mayoría del público no conoce, pero es una muestra de la irreverencia de Big Thief. Ellos van a lo suyo, hacen lo que quieren y les funciona perfectamente. Ambas sirvieron como un sabroso aperitivo antes de dar pie a sus éxitos mayores. Aunque más adelante sonaron las también inéditas ‘Vampire Empire’ y ‘Born for Loving You’.
Alguien en el público suplicó que tocaran ‘Time Escaping’. No estaba en el setlist, pero Lenker la recitó como si fuese un poema, en lo que fue un momento tan desconcertante como divertido. La primera canción que realmente hizo que la gente cantara al unísono fue ‘Certainty’, una de las más escuchadas de su nuevo álbum, cuya versión en directo es aún mejor que la de estudio. Pese a su intimismo, resultó ser una canción hecha para corear en grupo a pleno pulmón. A lo largo de todo el concierto, Big Thief derrocharon la energía de una banda en la que todos los integrantes se entienden y se respetan profundamente entre ellos. Por eso su música es tan especial, a veces incluso de la manera más inexplicable: son pura química.
Otra muestra de ello es ‘Shark Smile’, que dedicaron a María, una fan que cumplía años ese mismo día, e hicieron que la felicitásemos todos cantándole “Cumpleaños Feliz” en español. En ella la banda se lució con el ruidoso pasaje instrumental -recortado en la versión editada- y recordaron con su contagiosa melodía por qué es una de sus canciones más populares. Tampoco faltó en el set ‘Simulation Swarm’, uno de los mejores cortes del último disco. Pero si hablamos de canciones importantes, ‘Not’, sacada de su cuarto álbum ‘Two Hands’, seguramente se lleva la palma. Fue el momento más bonito de la noche y de los más explosivos gracias a esa magnífica segunda parte instrumental protagonizada por sus grandiosos riffs.
Siguiendo esa línea de rock ruidoso, antes del bis llegaron ‘Flower of Blood’, con grito final de una expresiva Adrianne Lenker y una ‘Dragon New Warm Mountain I Believe in You’ ahora transformada en una suerte de pieza de rock progresivo en la que incluso el guitarrista Buck Meek se tiró al suelo mientras tocaba.
La banda no tardó en regresar al escenario para tocar ‘Spud Infinity’ concluyendo con alegría una gran noche. Noah Lenker, hermano de la cantante, fue invitado a tocar el arpa de boca que marca el característico ritmo de la canción. Todo el mundo cantaba y bailaba; una preciosa energía rebotaba entre el público y el escenario.
Culminaba así un espectáculo repleto de actuaciones técnicamente perfectas, donde Big Thief supo mantener sin problemas su prestigioso estatus.
Ed Sheeran cerró 2021 «tocado pero nada hundido», pues el éxito de ‘Bad Habits’ y ‘Shivers’ continuaba a principios de 2022 aunque el disco producía cifras muy inferiores a las de sus anteriores trabajos (apenas 2 millones de copias vendidas).
2023 podría ser un año diferente para Sheeran. ‘-’ o ‘Subtract’, su nuevo disco, sale el 5 de mayo, el viernes que viene, pero los números no están acompañando tanto como otras veces. Hay que matizar: en Reino Unido, su mercado principal, le sigue yendo estupendamente, aunque peor que en la era anterior. ‘Eyes Closed‘ se mantiene en el puesto 6 de los singles más exitosos, pero solo ha aguantado una semana en el número 1, mientras ‘Bad Habits’ resistió hasta 11. A nivel local, aún así, no se puede hablar de «flop» en absoluto.
‘Boat’, el nuevo tema Sheeran, no está funcionando tan bien. En parte porque ‘Eyes Closed’ se mantiene fuerte en las islas, en parte porque no es un sencillo oficial, pero el debut de ‘Boat’ en el puesto 46 de la lista de singles británica no augura nada bueno para este tema de corte acústico co-escrito por Aaron Dressner. ‘Visiting Hours’, aquel otro single «no oficial» de Sheeran, entró en el 5. De acuerdo, era su primer single en años, pero ‘Boat’ ha contado con el apoyo de New Music Friday, la playlist más importante del mundo, donde ha sonado en segundo lugar, y no ha funcionado.
En Estados Unidos el éxito de ‘Eyes Closed’ es modesto. Después de lograr su mejor dato en el puesto 26 del Billboard, el tema ocupa el 47. ‘Boat’ no ha logrado entrar en lista. Peor aún, ‘Eyes Closed’ está completamente ausente de todo el top 200 de Estados Unidos en Spotify. No hace falta decir que ‘Boat’ también. Sin embargo, la radio estadounidense sí ha acogido ‘Eyes Closed’ con los brazos abiertos y la canción se mantiene entre las 20 más radiadas del país.
Las cifras globales son preocupantes. ‘Eyes Closed’ está ya fuera de todo el top 50 diario global, aunque resiste en el 71. Para una canción de Ed Sheeran, uno de los 10 artistas más escuchados en el mundo, publicada hace apenas un mes, co-escrita por Max Martin, es un mal dato. Su «peak» fue en el 18, después de entrar en el 23. Pero es que ‘Boat’ ni siquiera ha logrado irrumpir dentro del top 100 y no ha pasado del 139. ‘Boat’ ha conseguido mejores datos en listas oficiales de Países Bajos (10) o Australia (19) incluso que en Reino Unido, pero solo ‘Eyes Closed’ mantiene un recorrido en estos territorios.
Acostumbrado a sumar macrohit tras macrohit, Ed Sheeran vive aparentemente su era más modesta. Y a nadie podrán engañar diciendo cosas como que era la intención, por mucho que este vaya a ser su disco «folk», el más oscuro y personal, pues es de Ed Sheeran de quien estamos hablando. No cabe duda de que las ventas de ‘Subtract’ volverán a contarse por millones y que veremos el disco entre los más exitosos de 2023, pero es innegable que el público le está acompañando en este viaje menos que antes.
Jessie Ware entra directamente en el número 1 de nuestro top 40 con ‘Begin Again’, primero votada por los lectores de la web y luego confirmada por el “Desempate de Twitter”. Es el 6º número 1 de Jessie Ware en el top 40 de JNSP, tras ‘Want Your Feeling’, ‘Say You Love Me’, ‘What’s Your Pleasure’, ‘Remember Where You Are’ y ‘Free Yourself’. El anterior single ‘Pearls’ quedaba en el puesto 2.
Esta vez queda en el puesto 2 lo nuevo de Rodrigo Cuevas tras pasar por Lo de Évole, mientras en el número 4 queda ‘NeverStop’ de Alison Goldfrapp. Otras entradas son lo nuevo de PUTOCHINOMARICÓN, Miss Caffeina, NATHY PELUSO, BB trickz, Susanne Sundfør y Feist.
Este viernes inauguró una nueva edición del festival murciano WARM UP Estrella de Levante, y lo hizo celebrando que es su quinto aniversario, y que las cifras de ventas no pueden ser mejores: solo anoche se contabilizaron 16.000 personas en el recinto de La FICA, y eso que el primero era el día “pequeño”, pues se espera mucha más asistencia el sábado y el domingo. Este fin de semana actúan Moderat, The Kooks, Amaia, Franz Ferdinand, Guitarricadelafuente, Viva Suecia, Natalia Lacunza y Temples, entre muchos otros.
Hay quienes se decepcionaron con Miss Caffeina o empezaron a mirarles de otra manera -para mal- cuando “se pasaron al pop” (yo diría “se fueron entregando más y más al pop”, porque pop siempre hubo). Podría entenderlo más si hubiese sido por oportunismo, pero en cada concierto de la banda al que asistes ves lo orgánico del asunto, porque se nota que a su líder, Alberto Jiménez, le encanta el pop, y le encanta ser diva pop. La mezcla de diva pop con ser frontman de una banda es un buen combo, y anoche volvimos a comprobarlo.
El carisma de Alberto se une por supuesto al buen hacer de sus compañeros, y da como resultado un concierto muy divertido donde, aunque el formato festivalero perjudique el espectáculo pop que podría ser, hay lugar para momentazos. Uno de ellos fue, desde luego, la coda de ‘Cola de pez’: si en el WARM UP de 2018 vimos a Alberto arrancarse por ‘Freed from Desire’ (anoche propiedad de Ojete Calor), ahora es el turno de ‘Break My Soul’ de Beyoncé e incluso de un “It’s Britney, bitch” metido justo cuando rompe.
Otro momentazo lo vivimos en el mash-up de la ahora más reggaetonera ‘El rescate’ con, atención, ‘Candy’ de Rosalía. Otro, en los coreadísimos estribillos de ‘Oh Long Johnson’, ‘Venimos’, ‘Dancetería’ (para cerrar), ‘Oh! Sana’, ‘Merlí’, ‘Prende’, ‘Bitácora’ o ‘Mira como vuelo’, donde se notaba la diferencia de entusiasmo fan respecto a sus últimos temas. Al contrario que mi compañero Sebas, yo sí encuentro ‘El año del tigre‘ un disco flojo, entiendo que también perjudicado por ir detrás de su mejor disco, un ‘Oh Long Johnson‘ de cuyo potencial ellos mismos parecen ser conscientes, puesto que tocaron, no ya la misma, sino más cantidad de canciones que del último. Incluso ‘Para toda la vida’ y ‘Shangai Baby‘, del reciente EP homónimo, parecieron funcionar mejor que las tigresas.
Diego Jurado
Pero, si hablamos de momentazos, el mayor fue con ‘Reina‘, confirmada ya como la mejor balada de Miss Caffeina (lo siento por la también fantástica ‘Eres agua’), probablemente su mejor canción en general, y quizás una de las mejores canciones que el pop español ha dado en los últimos tiempos. Lejos de desentonar entre el hedonismo y brilli-brilli del show, el contraste favorece aún más a la letra a corazón abierto de Alberto, y era bastante emotivo ver cómo había quien coreaba, sí, pero también había quien miraba con semblante serio el escenario, intentando aguantar las lágrimas… y acababa sonriendo mientras se le escapaba alguna. La música y, sobre todo, la experiencia colectiva de la música en directo, tiene esta magia.
Y de esa magia no hubo mucho en el que a priori era el plato fuerte de la noche, los cabezas de cartel Kasabian. El público no parecía especialmente entregado salvo cuando Sergio Pizzorno intentaba interactuar con él, a veces chapurreando español (el momento en que alguien pareció aclararle desde atrás que “thank you” era “gracias” después de que dijese “arigato” no tuvo precio), a veces tirando de algún clásico para estas cosas como el “are you with me?!”. Es cierto que hay una leve mejora respecto a su tediosa vez anterior en el WARM UP (no sabemos si influirán los cambios en la formación), pero aún hay margen para estar a la altura de los directos de otras bandas similares.
Diego Jurado
Las pantallas parecían reflejar símbolos de la alquimia, en sintonía con el nuevo disco de los británicos, ‘The Alchemist’s Euphoria’, el primero tras la marcha de Tom Meighan. Estas animaciones y el maravillosamente hortera vestuario de Pizzorno animaron las interpretaciones de un repertorio en el que hubo sitio para las nuevas como ‘CHEMICALS’ o ‘SCRIPTVRE’, pero, sobre todo, para lo que ya se sabía que funcionaba: no faltaron ‘Club Foot’, ‘You’re in Love with a Psycho’ o ‘L.S.F.’. Hubo espacio también para una celebrada versión de ‘One More Time’ de Daft Punk (que, como contaremos ahora, era la segunda vez en la noche que sonaba en la FICA), en la que Pizzorno aprovechó para acercarse al público.
Como decimos, ‘One More Time’ sonó anoche dos veces (no pun intended), y en ambas hay truco: una fue esta cover de Kasabian, y otra fue un mashup con… Iván Ferreiro. Miriam Boluda, más conocida como Innmir, fue la encargada de amenizar con su set las esperas entre conciertos del Escenario Estrella Levante, y desde el Escenario Polo Club hacía mezclas loquísimas como la que acabamos de mencionar, donde conseguía que ‘Años 80’ y ‘One More Time’ casasen bien. No fue el único WTF de una selección en la que también unió con maestría ‘Funkytown’ con ‘Bizcochito’ o ‘Gimme! Gimme! Gimme!’ con ‘Perra’. Nos sonaba por los remixes de ‘La ruta del amor’ o ‘El fin del mundo’ junto a ELYELLA, pero también ha ido sacando temas propios, el último junto a valverdina, ‘quien me quiere (no me quiere contigo)’. Habrá que estar atentos.
Para los más fiesteros aguardaban luego también los propios ELYELLA, que cerraron a lo grande la primera jornada entre sus remixes y los temas propios sacados junto a Ginebras, La La Love You o Viva Suecia. Pero el Oro de la noche no fue para Innmir ni ELYELLA, ni para las estrellas internacionales Kasabian, ni para la colección de temazos de Miss Caffeina… sino para Ojete Calor.
“Cuando nos dijeron de venir al SOS (!) nos pusimos súper contentos, porque pensábamos que se celebraba en Cartagena… luego vino el bajón al ver que era en Murcia. No estamos a favor de la independencia de Cataluña, pero sí de la vuestra, tenéis hasta lengua propia, ¿no? Porque eso que habláis, castellano no es”. Soltar esto -sobre todo peligroso lo de Cartagena- y aún así tener al público en el bolsillo no está al alcance de muchos, o quizás precisamente ése es uno de los motivos: a veces es complicado saber qué es performance o qué no (la silla de ruedas por un esguince del pobre Areces no lo era, como él mismo aclaró), y te da exactamente igual, porque para Ojete Calor todo es absurdo y todo es maravilloso. Qué bien tan mal.
Filtros hay pocos en un bolo donde lo mismo sueltan que “el novio de Rosalía está lleno de tatuajes, parece un delincuente… ¿y habéis intentado pronunciar su nombre sin decir “rabo”?”, que Areces se refiere a sí mismo como “minusválido”, que sueltan al público que “por lo que habéis pagado no nos pidáis más tiempo: por este caché, Miley Cyrus viene, se tira un pedo y se va”, que cantan en la descacharrante ‘Extremismo mal‘ que “ni nazis ni judios”. Lo que sí hay es un continuo desfile de carcajadas, ninguna por parte del dúo, mil por parte del público, tanto de sus fans como de quienes no les conocían o solo conocían ‘Mocatriz’ y ‘Agapimú’ (que por supuesto no faltaron, la segunda con dedicatoria a “nuestra diosa Ana Belén”).
A hits como ‘0.60’, ‘Corre Sarah Connor’ o ‘Qué bien tan mal’ se les sumaba una interpolación de Chimo Bayo, la más nueva ‘Morreo’, un popurrí imposible de “canciones bajonas” (‘Cocoguagua’, ‘Sin miedo a nada’, ‘Cadillac Solitario’, ‘No nos moverán’, ‘A tu lado’, ‘Como un vagabundo’… y ‘Bomba’ de King Africa), o un ‘Sinceridad no pedida’ en acústico, con problemas de afinación al principio: “¿quién ha afinado esta guitarra? ¿Kasabian?”, preguntaron en la que no fue la única mención a los británicos.
“Kasabian nos han visto en los camerinos y nos han mirado raro… qué sabrán ellas, si son un puñao de indies”, comentaron luego, aclarando que “nosotras es que somos mainstream” con ironía. Pero, como en muchos momentos de Ojete Calor, no sabes hasta qué punto es ironía cuando miras y te das cuenta de que la gente está saltando más con ellos que con Kasabian. La mezcla de humor incómodo, slapstick y pop petardo de Carlos Areces y Aníbal Gómez demostró ser capaz de convertirse en la protagonista de la jornada de inauguración de un festival.
La carrera por el número 1 de álbumes en Reino Unido de la semana se disputaba entre Enter Shikari y Everything But the Girl. Con el Record Store Day por medio, finalmente Shikari se han quedado con el 1, The 1975 con el 2 con un directo, y Everything But the Girl con el 3 con ‘Fuse‘.
El dúo de Tracey Thorn y Ben Watts, que ha vuelto con nuevo disco después de 24 años de ausencia, logra con ‘Fuse’ el mejor dato de su carrera en Reino Unido en materia de álbumes, pues este dato supera el top 4 de ‘Walking Wounded’, su gran obra maestra.
Las ventas de ‘Fuse’ en Reino Unido se estiman en torno a las 12.000 copias vendidas (11.977). Son unas miles menos que las despachadas por The 1975 con ‘Live with the BBC Philharmonic Orchestra’ (12.716) y por Enter Shikari con ‘A Kiss for the Whole World’ (13.513). En el 4 ha quedado Taylor Swift con ‘folklore: the long pond studio sessions’ (11.132) y en el 5 The Weeknd con su recopilatorio ‘Highlights‘ (8.023). Ambos lanzamientos provienen del Record Store Day.
¿Cuáles han sido los mejores datos históricos de Everything But the Girl en las islas? Aparte de ‘Walking Wounded’, el dúo llevó ‘Love Not Money’, su debut, al número 10, ‘The Language of Love’ también al 10 y su recopilatorio ‘Home Movies’ al 5. ‘Temperamental’, el que hasta ‘Fuse’ era su último álbum de estudio, quedó en el 16.
El buen dato de ‘Fuse’ puede haber animado a Everything But the Girl a continuar el camino de su regreso a la música. En Instagram, Thorn y Watts han celebrado el top 3 logrado por el álbum y han «brindado por el futuro». Os recordamos nuestra entrevista con ellos.
Kali Uchis ha publicado este año un álbum notable. ‘Red Moon in Venus’ fue en su momento nuestro “Disco de la Semana”. En su semana de lanzamiento apostábamos por el single ‘I Wish You Roses’ como el mejor tema del largo, pero es finalmente ‘Moonlight’ el que se ha llevado el gato el agua. El tema estrena vídeo y ha llegado tras muchos esfuerzos al top 50 del Global de Spotify. Superará los 100 millones de streamings a diferencia de las otras pistas del álbum.
Nuestra “Canción del Día” hoy es una de las producciones más sensuales de Kali Uchis. La ha realizado junto a Benny Blanco, Cashmere Cat y Leon Michels. Y tal circunstancia es aprovechada por la artista para recrearse en ello en un vídeo lleno de coches y capós, chorros de agua y poca ropa. También la Luna, presente en el título del disco, tiene un peso fundamental, con una simbología clara.
Aunque este es el disco en inglés de los dos que Kali Uchis pretende sacar este año, reluce particularmente la frase “Veo una muñeca cuando miro en el espejo, kiss, kiss”, mientras el gancho fundamental del tema es ese inicio de estribillo en que dice que simplemente quiere retozar con su amante. Una canción sencilla -no es su producción más ambiciosa- que no obstante va a encontrar su lugar este próximo verano entre las preferencias del público.
Beyoncé ha mandado nuevo single a la radio británica. Y no se ha decantado ni por la «fan favorite» ‘Alien Superstar‘, ni por la ganadora del Grammy ‘Plastic Off the Sofa’, ni por la que más streamings suma al margen de los singles previos (‘Energy’) ni tampoco por ‘America Has a Problem’, que ha pegado un pequeño salto de popularidad y ahora mismo es la quinta canción más escuchada de Beyoncé en Spotify y, por tanto, la tercera más escuchada del disco.
La canción por la que ha apostado Beyoncé es ‘Virgo’s Groove’, la más larga del disco, aunque también una de las más veraniegas. Hoy, ‘Virgo’s Groove’ ha sido añadida a la lista de reproducción de BBC Radio 1 y ha sonado por primera vez en la radio británica. Eso sí, lo ha hecho en una versión abreviada que prescinde de muchos de esos melismas espectaculares que tanto han enriquecido la grabación original.
La inclusión de ‘Virgo’s Groove’ en la playlist de Radio BBC 1 garantiza que este es el tercer single oficial extraído de ‘Renaissance‘. El disco se mantiene dentro del top 100 de álbumes más vendidos de Reino Unido (en el puesto 87) y también en el de Estados Unidos (puesto 55) a escasas semanas de que arranque su gira de presentación en Estocolmo, que pasa por Barcelona en junio.
A pesar de que ‘Renaissance’ no ha contado con un solo videoclip, algo inusual en cualquier proyecto de Knowles, pionera de los álbumes visuales, el disco ha volado solo gracias a la pegada de sus singles. ‘Break My Soul’, la mejor canción de 2022 para Jenesaispop, funcionaba estupendamente, pero ‘Cuff It’ funcionaba mejor todavía sin necesidad de llegar al número 1 en ningún mercado, en modo «sleeper», especialmente en el mercado anglosajón.
“La libertad es un sonido y el placer es un derecho” sentencia sugerente Jessie Ware en la canción homónima que abre su quinto álbum ‘That! Feels Good!’ y, sobre esto orbita cada una de las diez pistas que lo componen. La cantante inglesa empieza su “manifiesto del placer” con varias voces acompañándola -entre ellas las de Kylie Minogue y Róisín Murphy- repitiendo con sensualidad la frase titular antes de rendirse a un contagioso ritmo funky. El placer está servido, la fiesta comienza.
Tras el milagroso ‘What’s Your Pleasure?’, Ware sigue sin querer encender las luces de la pista de baile, un espacio en el que ha encontrado un oasis creativo con el que reinventarse e impulsar su arte a lugares fascinantes. Su música funciona como un bálsamo para, no solamente curar las penas, sino también para celebrarse a uno mismo. ‘Free Yourself’ invita a desinhibirse, liberarse de todo aquello que estorba para llegar a la euforia, a un estado de felicidad plena. También ‘Pearls’, un exuberante número disco con el que bailar hasta que el collar de perlas que llevas puesto se te rompa. Es una imagen potente que ayuda a comprender la fiesta a la que Jessie Ware te ha invitado: elegante y glamourosa, pero no por ello menos divertida. La cantante, además, hace gala de su poderoso rango vocal, haciendo piruetas con su voz y pasándoselo en grande llegando a notas imposibles.
La rotunda fuerza de sus interpretaciones vocales le permiten mostrarse más segura de sí misma que nunca. Como en ‘Hello Love’, una emocionante “power ballad”, con una exquisita sección de vientos. La letra comienza con una Jessie cabizbaja, recordando el dolor de una ruptura, pero enseguida la canción se ilumina en un precioso y esperanzador estribillo que da la bienvenida a un nuevo amor.
Todas las canciones de ‘That! Feels Good!’ suenan grandes, épicas, cargadas de elementos en los que perderse. Si entendemos este quinto álbum como una gran fiesta, ‘Begin Again’ es ese punto de la noche en el que todo el mundo está sincronizado, disfrutando del momento y entregándose a él sin pensar en nada más. Situada en el corazón del álbum, Jessie Ware nos transporta a Brasil con su ritmo influido por la samba y el soul con enorme clase y elegancia. Justo después en la secuencia, la ochentera ‘Beautiful People’, con sus animadas percusiones, es una desatada celebración de los clubs como vía de escape.
Ware tiene claro que las discotecas son lugares en los que desear y sentirse deseado. Al igual que en su predecesor, la sexualidad es uno de los principales temas que sobrevuelan el álbum. En la divertidísima, frenética y muy sexy ‘Freak Me Now’, se niega a dejar de sentir el calor corporal de esa persona a la que tanto desea en la pista de baile. De forma similar ‘Shake the Bottle’ encuentra varias frases memorables para describir su excitación sexual sin nunca resultar explícita. Mediante juegos de palabras y metáforas sobre agitar y descorchar botellas, es una canción juguetona y gamberra que funciona como un tiro dentro de la secuencia.
El mayor distanciamiento del dance llega en el penúltimo corte, con el R&B de ‘Lightning’, un tema estupendo que, si palidece ligeramente frente al resto, se debe únicamente al altísimo nivel que aquí se ofrece. Por último, cierra la fiesta ‘These Lips’, un clímax irresistible y sensual con una producción llena de imponentes secciones de cuerda y viento, explosivos coros e insinuantes suspiros.
‘That! Feels Good!’ nos sumerge en un gozoso mundo nocturno de cuerpos que bailan, sudan, se entrelazan y se desean. Jessie Ware firma otro trabajo refinado y exultante, con alma retro y de una alegría luminosa que, efectivamente, hace de la libertad un sonido y del placer un derecho.
Parte de la redacción evalúa ‘Like Crazy’, el éxito de Jimin, de BTS.
«Jimin continúa entre lo más oído en el mundo con ‘Like Crazy’. Puede que esté riendo último: su caída en el Billboard ha podido ser histórica, pero la canción se resiste a abandonar el top 50 global de Spotify. Su sonido de synth-pop nocturno trae a la mente los nombres típicos -The Weeknd, Kandinsky, Roosevelt- pero ‘Like Crazy’ agrega una extraña melodía de arpa a la ecuación que la hace particularmente interesante, y cuando Jimin canta que está «perdido en las luces», el paisaje sonoro te absorbe con él y te adentra en esa noche intoxicada en la que nada más importa que bailar hasta el amanecer.
Una profunda melancolía -provocada por haber perdido un ser querido- habita en la melodía de esta estupenda canción que tampoco escatima en misterio («tengo miedo de que todo va a desaparecer» parece una frase de Baudrillard o de Mark Fisher) y que logra ser tan embriagadora en su retrato de una noche de hedonismo teñida de dolor como solo el mejor pop consigue». Jordi Bardají
«Jimin sigue avanzando sus canciones en solitario, y los fans de BTS las reciben encantados. ¿El resto del mundo? No está tan claro, a juzgar por la caída histórica de la que hablábamos hace unos días. ‘Like Crazy’ no solo no ofrece absolutamente nada nuevo, sino que carece de emoción alguna, por mucho que el cantante haya querido asociarla a la película homónima protagonizada por Jennifer Lawrence (reclutando a Shelby Young para recrear diálogos). Ahora que están saliendo tantas “canciones” creadas por IAs, algunas de ellas mezclas imposibles como Taylor Swift e Ylenia Padilla, me dices que ‘Like Crazy’ es una de ellas y me lo creo perfectamente.
Por supuesto hay muchísima gente imitando a The Weeknd, y por supuesto Tesfaye no ha inventado los sintes, pero nada en la producción de Pdogg y GHSTLOOP (ambos vinculados a BTS) hace pensar que esto no sea un trabajo de clase de alguna uni privada en la que le hayan dicho al alumno “hazme algo tipo The Weeknd”. Pero sin la gracia melódica y sin el ojo en las letras que puede llegar a tener The Weeknd, claro». Pablo Tocino
Hace poco menos de un año nos preguntábamos dónde se había metido Jess Glynne. Después de colocar siete singles en el número 1 de la lista de singles británica -más que cualquier otra solista- y dos álbumes también en el número 1, Glynne desapareció.
Motivos no le faltaron: después de tachar de «discriminatorio» el trato que había recibido por parte de un restaurante pijo por no dejarle entrar en chándal (en plena pandemia), y después de usar una palabra tránsfoba en un podcast por la que tuvo que disculparse, muchos le dieron la espalda.
Al menos, en Twitter. Habrá que ver cómo recibe el mundo real el regreso de Glynne, que se ha materializado esta noche con el lanzamiento de ‘Silly Me’. En el tema, Glynne se reinventa y sustituye su habitual sonido dance-pop por uno arraigado en el soul, el pop y el blues que le instalan en las mismas coordenadas que podemos encontrar a Adele o Sam Smith.
En la letra, Glynne repasa algunos errores que ha cometido en el pasado, desde los 19 hasta los 25, cuando por fin ha aprendido a quererse a sí misma. La letra no contiene ninguna referencia a sus criticados gestos, quizá porque tampoco era necesario darle más vueltas al asunto: la gente ya no se acuerda y menos aún quiere recordarlos en una canción pop.
‘Silly Me’ es el primer adelanto del nuevo disco de Glynne, que llegará en 2023. En una entrevista con Rolling Stone UK, ha dicho que es un trabajo «honesto y vulnerable», pero en el que no faltará el pop, por ejemplo en el corte nu-disco de ‘Love is Not Enough’, en el medio tiempo ‘Enough’ o en el tema acústico ‘Promise Me’. Joni Mitchell y Amy Winehouse han sido las principales influencias en este trabajo cuya fecha de lanzamiento se desconoce por ahora.
Turian Boy, es decir, el joven Álex Vidal, ha trabajado para gente como Bearoid, Borja Niut o Gume. Es músico de acompañamiento de valverdina o François, y también prepara a largo plazo un disco en el que deberían ir sus colaboraciones con gente como Stephen Please o Flavia Marsano. Además, con VLEX y las sesiones IRL ha creado un espacio de vanguardia por el que ya ha pasado gente como LVL1 y Teo Planell.
Su música cuenta con referencias como AG Cook, Mura Masa o Yung Lean, así que es toda una sorpresa que, cuando le hemos preguntado sobre qué quería hablar en nuestra sección Meister of the Week, comisariada por Jägermusic, su respuesta ha sido una sorpresa. Turian Boy se ha revelado como un fan total de Amy Winehouse, pese a que la descubrió una vez que la artista ya había muerto…
¿Por qué has elegido hablar de Amy Winehouse en esta sección?
Amy fue un punto muy importante en mi vida y en mi manera de expresarme artísticamente. Fue un paso ver cómo alguien podía expresarse tan intensamente y sin filtros sobre lo que sentía. A partir de ahí cambió mucho mi forma de entender la música y lo que me gusta de ella, sobre todo en las letras. Seguramente es una de mis artistas favoritas ever y de las que más me han influenciado a la hora de enfocar mi trabajo.
¿Cuándo y de qué forma la descubriste?
La verdad que no recuerdo exactamente el momento, pero cuando me enganché profundamente de ella ya fue años después de que muriera. Yo tendría 20/22 años. Evidentemente de pequeño escuchaba hablar de ella y de su vida pero en ese momento no escuchaba su música. Cuando conecté con ella fue algo muy importante en mi vida: me pasaba horas viendo sus directos y de qué formas tan diferentes interpretaba las canciones en cada uno de ellos.
¿Cuál es tu canción favorita de su carrera y por qué?
Pues no es fácil, pero creo que tengo más o menos claro que es ‘Tears Dry On Their Own’. Es increíble todo lo que transmite. Y cuando se publicó la original ya… Son 2 moods diferentes y plenos, creo que es una canción, como muchas suyas, que te llenan completamente el alma, y pueden cambiarte el mood en un segundo. La versión lenta y orquestada es magnífica. Y además siempre tengo en mi mente cómo ella la cantaba en directo, deslizándose por el tempo y jugando con la canción todo el rato, es muy estimulante ver cómo dominaba eso.
‘Back to Black’ está asumido como su mejor disco. ¿Estás de acuerdo? ¿Algún detalle que quieras destacar de él a nivel arreglos, letras, alguna parte de la interpretación vocal, algún detallito sobre ‘Back to Black’ que podría habérsenos escapado?
‘Back to Black’ es un disco que reúne todo lo que debe tener una masterpiece. La narrativa y las letras son íntimas, sinceras, desgarradoras y directas. Si además lo juntas con un nivel de composición e interpretación exquisitos, pues poco se puede decir. Yo, cómo no, me obsesioné con Salaam Remi y Mark Ronson. Sus producciones dejan el espacio para Amy y a la vez hacen que brille. El uso de elementos del jazz y soul, el rollo Billie Holiday y Motown, esos toques reggaes que le encantaban a ella… llevado al momento en el que se produjo, tiene una esencia que hace que el disco sea atemporal. Este sin ninguna duda sería uno de mis top 3 discos favoritos ever.
Hay gente que reivindica ‘Frank’ por su mezcla de R&B y jazz. ¿Hay algo en él que te haya marcado especialmente?
La verdad que ‘Frank’ es un gran disco y la influencia de este en el neo-soul británico se ve en todas las artistas que han hecho este estilo durante los últimos 20 años. Creo que es un disco mucho más R&B, donde se la ve a ella investigar e ir avanzando en su propio conocimiento de su forma de interpretar y componer.
«Podría discutir si ‘Lioness’ es mi disco favorito de ella»
Y en cuanto a su disco póstumo, ¿algo que reivindicar?
No es un disco que se pueda poner al nivel de ‘Back to Black’ en cuanto a obra completa porque no lo es. Pero a mí es un disco que me encanta, incluso tiene temas que me gustan más que temas de ‘Back to Black’. Permite ver a otra Amy, menos oscura y, ver cómo baila sobre las canciones, como con ‘Our Day Will Come’… uf, increíble. Recuerdo quemar este disco cuando iba en coche a la universidad y romantizar mi vida y llorar tanto de felicidad como de tristeza. Podría discutir si es mi disco favorito de ella.
Realmente Amy Winehouse tiene una producción muy escasa. ¿Crees que eso ha contribuido a alimentar cierto aura de mito?
Evidentemente si ahora tuviéramos 6-7 discos de ella, el interés y la calidad en la obra, y sobre todo el contexto y el avance de las corrientes harían que fuera diferente su figura. No se le quitaría nada de valor, pero claro, si haces una obra maestra + 2 discos increíbles únicamente, y le sumas toda su vida y universo personal, pues la figura de Amy queda como un mito, que es lo que fue. ¡Para qué mentir!
Por otro lado, el número de oyentes mensuales (solo 14 millones, a duras penas está en el top 500 de Spotify) es la viva imagen de que tales cifras no retratan qué artistas han sido un mito y quiénes no. ¿Qué piensas de todo esto y de la obsesión por las cifras de Spotify?
Ufff, la verdad es que me importa bien poco esto. Demasiado capitalista para mí todo el tema de escuchas y valorar por las escuchas. No me interesa.
«Demasiado capitalista para mí todo el tema de escuchas y valorar por las escuchas. No me interesa»
En principio no te habríamos adivinado fan de alguien que hacía soul clásico, R&B, música jamaicana… como Amy. ¿Qué crees que pensaría ella de producciones tipo ‘dame 1 señal‘?
La verdad, no tengo claro que le gustara (risas) No me importaría tampoco. No sé si en un año a mí mismo me seguirá gustando. La verdad, no tengo demasiado apego. Todo lo que hago lo veo más como un camino y un aprendizaje y me gusta disfrutar de él.
¿En qué parte de tu música crees que podemos sentirla más? ¿Quizá en el rollo de picar una guitarra de ‘tan bien’?
Básicamente en los estilos que estoy haciendo últimamente no se palpa tan claramente, pero mi forma de producir y de enfocar producciones tanto propias como ajenas, tienen mucho de su influencia y de cómo ella sabía moverse por sus propios temas. El dominio del tempo, melodía, letra… era increíble en discos pero sobre todo en directo. Eso es algo que siempre intento tener en cuenta y transmitir cuando trabajo con artistas. Además, su forma de escribir letras me cambió la forma de entender esto. Ella era muy real, muy sincera y muy directa, iba sin rodeos y eso me marcó para siempre.
«No me importaría no gustar a Amy. Todo lo que hago lo veo más como un camino y un aprendizaje»
¿Alguna cosa sobre tu futuro que quisieras anticipar?
Sinceramente, entre todos mis proyectos (IRL, Vlex) y todas las producciones a otras artistas, mi proyecto me cuesta desarrollarlo. Necesito ese espacio de calma para poder generar algo que de verdad me interese. Pero tengo muchas ganas de sacar cosas en las que estoy ya trabajando con artistas que me encantan. Este año seguro saco un par de cosas más :)
Sonorama Ribera está celebrando una serie de fiestas llamadas La Caja Sorpresa en el Hard Rock Hotel de Madrid, en las que actúan un par de artistas secretos, y se revelan confirmados para el festival. La próxima es el 25 de mayo y podéis asistir siguiendo las instrucciones de su web e Instagram.
Este jueves se ha celebrado la segunda de ellas (en la primera tocó Nena Daconte), con las actuaciones de Tessa -quienes hicieron una adaptación de ‘Zombie’ de Cranberries- y El Kanka, que solo con su guitarra y muchas ganas de interactuar con el público, se propuso interpretar 4 temas nuevos y 4 de sus hits.
Pero las miradas estaban puestas en las confirmaciones de cara al festival que se celebra como siempre en agosto en Aranda de Duero, en este caso del 9 al 13. Se proyectaba un vídeo con los anuncios en riguroso orden alfabético, y era divertido comprobar cuáles conseguían los vítores del público. Algunos de los nombres más celebrados, ya tan sólo a través de su proyección en una televisión, fueron Alizzz, León Benavente y sobre todo Lori Meyers.
También están entre los nombres confirmados Dillom, Trueno, My Brightest Diamond, Fusa Nocta, Bely Basarte… y así hasta 60 nombres que se suman a otros ya conocidos como Amaral por sus 25 años de carrera (fue el primer festival en que actuaron), Jorge Drexler, Vetusta Morla, Viva Suecia, Arde Bogotá o Ginebras.
Otro de los grandes nombres en Sonorama Ribera 2023 es Fiesta Polenta, la fiesta de referencia en Latinoamérica que llega por primera vez a España para hacer bailar al festival.
Javier Ajenjo, el carismático director de Sonorama Ribera, tomó el micro para presentar a los artistas sorpresa, y para hablar en favor de la paridad, de su preocupación de que su cartel fuera inclusivo y por la huella de carbono. También anunció una zona de prensa por primera vez en la historia del festival, reivindicando la labor de la misma. Curiosamente, dijo que cada vez iba a invitar a menos artistas «británicos y estadounidenses» para centrarse en la oferta de otros países, sobre todo el nuestro, aunque bromeando sobre que tampoco le iba a decir «que no a Wilco».
En la última semana de abril se amontonan las novedades musicales que reunimos ya en la playlist «Ready for the Weekend» seguida por más de 6.160 personas. Jessie Ware lanza el que está siendo el Disco de la Semana en estas páginas, sobre el que acabamos de hablar con la artista. Además, The National publican su nuevo disco -anunciado en marquesinas- con colaboración de Taylor Swift.
Esta ha sido también la semana de Bb trickz, que ha lanzado su primer EP un lunes random. La sorpresa la ha dado Jack Harlow sacando disco casi sin avisar. Desde hoy pueden escucharse también los nuevos trabajos de DELLAFUENTE, Labrinth, Bebe Rexha, Renaldo & Clara, Indigo da Souza, Anaju o Tim Hecker, además el EP de Beach House.
En materia de singles sueltos hay tela para cortar. ‘Clavaíto‘ de Chanel y Abraham Mateo es la Canción Del Día, Kesha lanza los sorprendentes adelantos de su nuevo disco, Jess Glynne vuelve después de bastantes años, Blanca Paloma saca single antes personarse en Eurovisión, Chromeo cuentan con La Roux para su pegadizo nuevo tema y Samantha Hudson baila «sola y adicta al sonido»…
Las novedades continúan. Esta semana hemos asistido a los regresos de PJ Harvey y Miguel, también a la alianza de Tame Impala y Thundercat, Four Tet ha sacado single post-Coachella en clave de trip-hop y Bomba Estéreo han sacado una «romántica champeta».
En la playlist juntamos ya también lo nuevo de Stephen Sanchez, Maria Paula, Niall Horan, Niña Polaca, Mando Diao, Arde Bogotá, El Columpio Asesino con Santi Balmes, Dagny, el single en solitario de Grian Chatten de Fontaines DC, Leiva, Ganges, Jason Derulo…
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