La policía está investigando la muerte de un hombre adulto en el festival Burning Man, que se celebra durante siete días en el desierto de Black Rock en Nevada. Este fue encontrado en «un charco de sangre» y las autoridades indican que podría tratarse del primer caso de homicidio en la historia del festival.
Los asistentes descubrieron a la víctima durante uno de los momentos más importantes del evento, la quema de la figura que da nombre al festival, y la policía lo declaró como «claramente fallecido». Las autoridades también aclararon que creían que se tratan de un «crimen aislado», a la vez que aconsejaban al público sobre mantenerse «alerta».
La identidad y la causa de la muerte del fallecido no han sido reveladas por el momento. Según USA Today, es la primera vez que existen sospechas sobre un homicidio durante Burning Man. Sin embargo, otras ocho muertes han sucedido en el festival desde 1996.
Mac DeMarco vuelve a sus orígenes en su nuevo disco, pero quedándose solo con la percusión, el bajo y la guitarra. En ‘Guitar’, el cantautor canadiense recurre conscientemente a la simpleza de las demos para construir un proyecto cálido y reconfortante. En este sentido, ‘Shining’ es de los mejores ejemplos. Es la Canción del Día.
Antes de ‘Guitar’, DeMarco cuenta que tenía preparado otro disco de 14 canciones que finalmente fue eliminado por estar «sobreproducido». Él mismo cuenta que sufría de «demoitis». De hecho, en Interview Magazine habló de que originalmente ‘Shining’ tenía un teclado. La ausencia del instrumento se ve clara en el estribillo, que resulta tan desnudo como pacífico y que habla de comprobar «si el sol sigue brillando sobre ella».
El resto de la canción se caracteriza por el falsetto ocasional del artista, que canta sobre un amor que se debilita: «Mi amor debe estar roto / ¿Qué ha pasado?». Por minimalista y calmada que resulte la composición de ‘Shining’, su melodía sigue siendo una de las más efectivas que DeMarco haya compuesto en sus últimos trabajos.
Fifth Harmony se han reunido gracias a los Jonas Brothers. Normani, Lauren Jauregui, Ally Brooke, y Dinah Jane aparecieron por sorpresa en el último concierto de los estadounidenses, confirmando los rumores que circulaban desde el año pasado sobre un posible regreso.
Uno de los últimos conciertos de los hermanos consiguió que Joe Jonas y Demi Lovato recordasen ‘Camp Rock’ después de más de una década. Ahora, ha hecho que la mayoría de Fifth Harmony vuelva a interpretar dos de sus mayores éxitos en el escenario: ‘Worth It’ y ‘Work From Home’. Camila Cabello, que dejó el grupo en 2016, no formó parte de la reunión. Sin embargo, apoyó a sus excompañeras con unos corazones en el post de Instagram del grupo.
Al mismo tiempo, también se ha especulado con una vuelta a los escenarios del grupo de forma oficial. Durante el concierto de los Jonas Brothers, Fifth Harmony desveló un nuevo logo y, posteriormente, puso a la venta merchandising con una pregunta que sugiere que quizá haya más preparado para el futuro inminente: «¿Dónde estuviste el 31 de agosto de 2025?».
Algunas portadas de discos siguen buscando convertirse en pequeñas obras de arte. No me refiero a obras de arte literales, a pinturas como las que decoraban las cubiertas de ‘Ys‘ de Joanna Newsom (2006), ‘Teenage Dream‘ de Katy Perry (2010) o ‘Melodrama‘ (2017) de Lorde, sino a imágenes muy elaboradas, narrativas y visuales, que cuentan una historia.
Este nuevo concepto de portada tiene tres rasgos claros: el encuadre panorámico con fondos paisajísticos o narrativos que aportan amplitud y profundidad; los autores aparecen de cuerpo entero, integrados en la escena; y, por último, son portadas pensadas para ser vistas en grande, sobre todo en un vinilo de 30x30cm.
Uno de los ejemplos tempranos de esta tendencia es ‘Titanic Rising‘ (2019) de Weyes Blood, donde la artista aparecía flotando en una habitación sumergida bajo el agua. También la edición deluxe de ‘Glory‘ de Britney Spears siguió esta idea de paisaje + cuerpo entero. En su caso, Spears aparecía liberada de unas esposas: no hace falta añadir nada más.
Estas portadas tan visuales, panorámicas y narrativas se han multiplicado en los últimos años, con ejemplos como ‘Desire, I Want to Turn Into You‘ (2023) de Caroline Polachek, ‘Harry’s House‘ de Harry Styles (2022) o ‘SOS‘ (2022) de SZA. Pero no ha sido solo cosa de la música internacional o del mainstream: las portadas de ‘FOMO‘ (2023) de Paula Cendejas o ‘Qué lástima‘ (2024) de Maren son igual de espectaculares y panorámicas, como para enmarcarlas y colgarlas en la pared.
En el último par de años la apuesta por portadas panorámicas se ha disparado: algunas cuentan historias intrigantes, como ‘Glory‘ (2025) de Perfume Genius o la portada alternativa de ‘Harlequin‘ (2024) de Lady Gaga; otras juegan con ilusiones ópticas, como ‘Si abro los ojos no es real‘ (2025) de Amaia; y otras pueblan sus escenas de personajes, como ‘Stampede‘ (2024) de Orville Peck o el aún inédito ‘From the Pyre‘ de The Last Dinner Party. Pero las auténticas reinas de las portadas este año están siendo Sabrina Carpenter y Taylor Swift, sobre todo con las ediciones alternativas.
Ambas han lanzado varias portadas alternativas de ‘Man’s Best Friend‘ y ‘The Life of a Showgirl‘, y la clave de esta tendencia está precisamente en el auge del vinilo: son portadas diseñadas para disfrutarse en gran formato, no en CD ni desde la pestaña de Spotify. La variedad de opciones permite a las discográficas vender el mismo disco múltiples veces; los vinilos alternativos abundan porque se venden a mayor precio y se agotan, y los artistas y diseñadores se frotan las manos imaginando nuevas maneras de contar la misma historia; los fans coleccionistas enloquecen.
Gracias al tamaño del vinilo, los diseñadores están experimentando con panorámicas, paisajes y detalles visuales que se pierden en formatos pequeños. Así, la portada deja de ser solo una “imagen de portada” y se convierte en un objeto artístico que el fan desea poseer en físico (muchos cuelgan los vinilos en la pared con marcos adaptados para decorar sus casas). Estas grandes imágenes permiten al público detenerse en los detalles del fondo, la composición y la narrativa, algo que no permite un simple retrato, al menos no de esta manera. Por supuesto, son muchísimo más llamativas en una tienda de discos.
Los artistas se están volviendo locos lanzando portadas alternativas espectaculares, que a menudo mejoran en calidad visual e impacto las originales disponibles en streaming. Es el evidente caso de la cubierta alterna de ‘The Art of Loving’ de Olivia Dean, una explosión de color que contrasta con la aburrida portada oficial. También las ediciones de ‘I Feel Everything’ de Maggie Lindemann (otra que, como Perfume Genius, aparece tirada en el suelo, todo un género visual en sí mismo) o ‘Deeper Well‘ de Kacey Musgraves -con la artista tumbada en el césped en posición fetal- son portadones: inmersivos, narrativos, obras de arte que invitan a descubrir un mundo.
Pero este tipo de portada no vive solo en ediciones alternativas: ciertos artistas, como Zahara con ‘Lento Ternura‘, siguen interesados en lanzar portadas únicas y 100% identificables que son declaraciones de intenciones, manifiestos visuales que representan el disco sin distracciones y de forma icónica, como tantos clásicos del pasado.
Este exceso de opciones ha generado críticas entre algunos melómanos, que consideran que el arte de la portada ha muerto porque ya es imposible publicar imágenes verdaderamente icónicas cuando un disco ya no se identifica con una sola portada, sino con varias. En este sentido, no deja de ser llamativo que la portada más icónica de los últimos tiempos, la de ‘brat‘ (2024) de Charli xcx, represente justo lo contrario de la tendencia actual, recurriendo al minimalismo extremo.
Sin embargo, el debate en torno a la cubierta principal de ‘Man’s Best Friend’ de Sabrina Carpenter ha demostrado que la variedad de portadas alternativas no ha restado impacto a la original. Por supuesto, la portada icónica sigue existiendo, y ahí están las de ‘Virgin‘ (2025) de Lorde, que no muestra un cuerpo entero, o la de ‘Cowboy Carter‘ (2024) de Beyoncé, que sí lo muestra. Ninguna sigue la tendencia de portada panorámica y narrativa, pero ambas comunican contundentemente el contenido de sus respectivos álbumes sin necesidad de imaginar universos visuales llenos de personajes, detalles y escenas en los que perderse.
Los dos primeros discos de CMAT fueron número 1 en Irlanda. A nivel internacional, ha sido poco a poco que le hemos ido pillando el punto. Un temazo como ‘I Don’t Really Care for You‘ por aquí, una colaboración con John Grant por allá, y este año esa fantástica gira en la que ha convocado a varios miles de personas han ido ensanchando su estatus.
Su tercer álbum ‘EURO-COUNTRY’ cuenta con la mejor colección de singles de toda su carrera. Cada uno de ellos es un himno por diferentes motivos. ‘Take a Sexy Picture of Me‘ habla de la esclavitud de las mujeres hacia su físico, de cómo ha lidiado con su cuerpo desde los 9 años para ser «sexy». Con un colorido vídeo y una actitud liberada, es uno de sus más obvios triunfos.
‘EURO-COUNTRY‘ es el tema titular y el más relevante que jamás haya escrito CMAT, pues es una crítica descarnada al capitalismo. También lo es a Irlanda, por lo que ha decidido meterle al álbum una intro sacada de un documental en el que se percibe «la rareza, la belleza y la calidez» de su país, al que, por si acaso hay dudas, adora sobre todas las cosas.
Inmediatamente después de esa intro «Billy Byrne», ‘EURO-COUNTRY’ es muchas cosas a la vez, y todas ellas muy potentes: un recuerdo de las muchas personas que se suicidaron a raíz de la crisis económica de 2008; una crítica a políticos como Bertie Ahern; y una reflexión sobre la razón que ha llevado a CMAT a intentar emular a las estrellas del pop de Estados Unidos, sin ser ella nada de eso. «Creo que podría morir intentándolo, ojalá no fuéramos así», plantea en la que es una de las mejores canciones de 2025.
‘Running/Planning’ se pregunta por los pasos automatizados que siguen las parejas heterosexuales, con una progresión de acordes e intensidad que lleva a un gran clímax. Y hablando de progresiones interesantes, en ‘The Jamie Oliver Petrol Station’ CMAT ha dado con una canción tan épica que le va a servir para abrir y cerrar conciertos de por vida. La letra es una sorpresa: versa sobre la manía que le ha cogido al famoso cocinero, a raíz de topar con sus productos por doquier durante la gira anterior. Al final ella misma recula y asegura que está mal odiar. «No seas tan zorra, piensa que tiene hijos», dice el divertidísimo estribillo. Después, ha terminado asegurando que esta canción de odio es «una canción de amor a Jamie Oliver en verdad, si lo piensas». JA-JA.
Todo esto ya lo sabíamos antes de la salida del álbum. El resto de ‘EURO-COUNTRY’ no es tan político como prometía. De hecho, ella misma dice ya no reconocerse en la despechada ‘Tree Six Foive’ -una canción que ha llevado a la pronunciación irlandesa tras triunfar ‘365’ de Charli XCX-; tampoco en ‘Ready’, que escribió durante la covid y contiene un mensaje optimista sobre salir adelante; ni tampoco en ‘Coronation St’, que escribió cuando tenía 23 años, y ya fue descartada del disco anterior.
Recuperar algunas de estas viejas composiciones ha sido un acierto. ‘Ready’ aporta ese toque ligero en la segunda mitad y ‘Tree Six Foive’, como también ‘When A Good Man Cries’ -sobre hacer llorar a su chico- terminan de llevar el disco hacia el country, estilo que tampoco aparece en todas las canciones. Porque es verdad que el ambicioso concepto de ‘EURO-COUNTRY’ peligraba: a veces ni es tan «euro», ni tan «country».
CMAT ha sido hábil introduciendo la odiada marca Tesla en la canción dedicada a un amigo que falleció (‘Lord, Let that Tesla Crash’), por la rabia que le dio topar con un Tesla a las puertas del apartamento que ambos solían compartir. Y el álbum termina repitiendo varias veces la frase «I’ll make us country anyway» en el tema titulado ‘Janis Joplining’. Otras veces no estamos más que ante un bonito y sencillo disco sobre el desamor y la amistad, como sucede en ‘Iceberg’, dedicada a su mejor amiga de la infancia.
Bad Bunny continúa teniendo el disco más popular del país y ‘Debí tirar más fotos‘ repite en el número 1 una semana más. Además, es la mayor subida en número de copias de estos días, camino hacia el 6º platino.
La entrada más fuerte es la de Stray Kids con ‘Karma’ en el número 6. La boyband surcoreana es top 1 del Billboard 200, en Francia, Australia, Bélgica y Alemania, y ha quedado en el puesto 22 en Reino Unido. Solo en Corea del Sur han vendido más de 2 millones de copias en una semana.
Fuera del top 10, directos al número 13 en España, encontramos a Deftones con ‘Private Music’. El disco de Deftones ha llegado al número 2 en Reino Unido y al top 5 en lugares como Francia o Alemania.
Laufey llega al puesto 26 en España con ‘A Matter of Time’. La artista de jazz pop puede presumir de tener el vinilo más vendido del país, por delante de Deftones, que quedan en el número 2.
Sombr, que ha agotado las localidades para su próxima gira por España, en discos es únicamente top 42 con ‘I Barely Know Her‘. Su nuevo álbum ha quedado en el top 10 en Reino Unido y ha llegado al top 6 en Australia, pero no ha llegado tan lejos en Alemania (25), Francia (37) o Italia (50). Parece que aún le falta para ser un artista global de primera línea.
Por su parte, Wolf Alice han de conformarse con el número 48 en nuestro país con su cuarto álbum ‘The Clearing‘. El disco sí es número 1 en Reino Unido, donde es su segundo álbum en lograr la cima; y top 10 en Alemania. En Australia son top 14 y en Italia top 23, pero en Francia pinchan y quedan en el puesto 109.
Una entrada llamativa en España es la de ‘Don’t Click Play’ de Ava Max, que llega al número 59. En Reino Unido ha quedado fuera del top 100, y de hecho España es su mejor mercado, solo por detrás de Austria (27), Suiza (28) y la parte francesa de Bélgica (25), empatando con Alemania (59). Destaca su distribución en vinilo, que la lleva al puesto 27 en esa sublista española.
La lista de entradas de la semana en España se completa con ‘Legacy: The Creedence Clearwater Revival years’ de John Fogerty, en el puesto 73, y ‘Rosa & Rojo’ de D. Valentino, en el 91.
Este 30 de agosto ha terminado el que será el último tour de Cyndi Lauper. ‘Girls Just Wanna Have Fun Farewell Tour’ se ha desarrollado a lo largo de 69 fechas desde el año pasado, visitando primero Norteamérica, luego Reino Unido, algunos países europeos -sin parada en España-, Australia, Japón y finalmente Norteamérica de nuevo. El Hollywood Bowl de Los Ángeles ha acogido el show final, y ha contenido varias sorpresas.
El setlist habitual, de 16 canciones, ha incluido esta vez ‘Carey’ junto a Joni Mitchell, ‘Time After Time’ con John Legend, ‘True Colors’ con SZA y finalmente ‘Girls Just Want to Have Fun’ con Cher. Ahí es nada. También hubo una quinta colaboración con el telonero Jake Wesley Rogers en una versión de ‘Money Changes Everything’.
SZA y John Legend cumplen su cometido de demostrar que ‘True Colors’ y ‘Time After Time’ son temas universales y válidos para cualquier tiempo, también para sus fans más jóvenes.
Las apariciones públicas de Joni Mitchell son hace tiempo muy contadas, lo que hace su colaboración muy simbólica. Pero hay que destacar especialmente el fin de fiesta que regaló Cher, interpretando «Girls» como si fuera suya.
Fue el fin del concierto, con sección de humor, y participación popular. «Tú eres la reina», dijo una. «No, tú eres la reina», respondió la otra. Cher, por cierto, gritó al final: «os veo pronto». Y es que ella también está grabando el que se supone que va a ser su último trabajo de estudio, y pronto debería haber noticias sobre el mismo.
what do you MEAN Cyndi Lauper brought out SZA for her final show 😭😭 Singing True Colors I love her so much😭 pic.twitter.com/kVTSFGFQxs
El 25º aniversario de Ochoymedio, con JENESAISPOP como medio oficial, no solo va a reunir conciertos de lo mejor del pop español de todos estos años, como Los Punsetes, Mujeres o Miqui Puig. También va a descubrir o contribuir a asentar a artistas nuevos. Es el caso del dúo JUVENTUDE, que ya te habíamos introducido en alguna que otra playlist, y actuará el próximo 23 de octubre en la Sala Upper como parte de este ciclo. Para entonces ya estará en la calle su esperado debut, que llegará el día 3 de octubre.
El grupo sevillano compuesto por Ángel y Nico se estrenó en 2024 con ‘La motillo’, que interpolaba un fragmento del popular villancico «Pero mira cómo beben los peces en el río», solo que sumando «y yo con mi cubata». Un estribillo llamado a ser un fiestón de sus directos. No es el único.
Desde entonces han dado a conocer diversas canciones, como la notable ‘Dicen de ti’, que pululan entre el rock, la psicodelia, el pasodoble y otras formas de folclore. El álbum estará producido por Iñigo Bregel de Los Estanques, y te gustará si te gustan formaciones como Califato 3/4, Morreo o Elastic Band.
Últimamente han presentado sencillos como ‘Reina de mis males’, pero el tema que escogemos como Canción del Día es ‘Morir en primavera’, por lo que tiene de apabullante. El dúo cuenta que un día, mientras estaba concentrado en una partida de ajedrez, le vino a la mente la banda sonora de ‘El violinista en el tejado’ y a partir de ahí decidieron llevársela a su terreno.
La letra de ‘Morir en primavera’ se compone solo de un par de frases, aunque tan grandilocuentes como el sample que manda y ordena casi a modo de guantazo, versando sobre la muerte:
«Hoy voy a subir al cielo por tu calavera
Cantando me despido de la gente que me quiera
Porque voy a amarte hasta el día que me muera
Pero si tengo que morir, coño, que sea en primavera».
Efectos especiales y samples terminan de ornamentar esta canción de poco más de 2 minutos de duración, y que también presentarán el 17 de octubre en la Sala Malandar de Sevilla. Os dejamos con el tracklist del álbum editado por Calaverita Records, del que se han adelantado hasta 6 singles.
Cara A
1- Los Reyes Magos
2- La motillo
3- Mis pecados
4- Los potrillos
5- Reina de mis males
6. Cassius Clay
7- Morir en primavera
Cara B
8- Cariño
9- Dicen de ti
10- Te quiero Juli
11- El día de la aventura
12- Ana mi amor
13- Bello lugar
Spotify informa de que ‘Blinding Lights’ de The Weeknd es la primera canción de la historia en superar los 5.000 millones de streams en la plataforma. Ya sabíamos que era el tema más reproducido en la plataforma sueca, que hace unos años empezó a dejar muy atrás las cifras de Youtube. El vídeo de ‘Despacito’ se acerca a los 9.000 millones de streams en Youtube tras 9 años, pero esa cifra es ya inimaginable para un vídeo actual.
Un vistazo a las canciones más reproducidas de la historia de Spotify, es decir, qué canciones suponen una amenaza para el reinado de The Weeknd, deja claro que su principal competidor está muy lejos. ‘Shape of You’ de Ed Sheeran está en 4.500 millones de streams pero tanto esta canción como la de The Weeknd siguen sumando 1,5 millones de streams diarios sin ventaja clara de ninguna. Están empatadas en popularidad ahora mismo, luego el liderazgo del hit de The Weeknd va para largo.
Por otro lado, un análisis del top 10 deja un gusto amargo en un verano ya muy amargo para Spotify, en tanto que ninguna artista femenina, ni una sola, figura en el mismo. Lo único que podríamos aceptar como colaboración femenina es el sample de un tema antiguo de Kyla que se metió en ‘One Dance’ de Drake. Pero es que el tema original era ‘Do You Mind’ de 2008 y no es el que aparece aquí, obviamente.
La primera mujer que realmente encontramos en la lista de temas más reproducidos de la historia de Spotify lo hace en el número 13. Es Billie Eilish, solo que acompañada de Khalid en ‘Lovely’. Después, Halsey es top 14 con ‘Closer’, una colaboración en la que The Chainsmokers son el artista principal.
Si nos ceñimos a artistas femeninas absolutamente en solitario, la australiana Tones and I aparece en el número 16 con ‘Dance Monkey’ (era top 3 en esta lista hace unos años, pero ha empeorado visiblemente su posición); Taylor Swift en el puesto 29 con ‘Cruel Summer’ y Dua Lipa en el puesto 30 con ‘Don’t Start Now’. Lo demás es un campo de nabos, y es en parte porque su algoritmo no prima precisamente la igualdad.
Esta lista contrasta ligeramente con la reciente de los temas más reproducidos de la historia de Apple Music, donde encontrábamos ‘bad guy’ de Billie Eilish en el top 10 y ‘7 rings’ de Ariana Grande en el número 19. Os dejamos con el top 10 actual histórico de Spotify:
1.-The Weeknd / Blinding Lights 5.000.000.000
2.-Ed Sheeran / Shape of You 4.500.000.000
3.-The Weeknd, Daft Punk / Starboy 4.000.000.000
4.-Lewis Capaldi / Someone You Loved 4.000.000.000
5.-Harry Styles / As It Was 4.000.000.000
6.-The Neighbourhood / Sweater Weather 4.000.000.000
7.-Post Malone, Swae Lee / Sunflower 3.900.000.000
8.-Drake, Wizkid, Kyla / One Dance 3.800.000.000
9.-The Kid Laroi, Justin Bieber / Stay 3.700.000.000
10.-Ed Sheeran / Perfect 3.600.000.000
¿Acabas de llegar de vacaciones, has desconectado todo lo que has podido y no sabes ni por dónde empezar con la actualidad musical? Llegado el mes de septiembre, recopilamos en nuestra playlist LO MEJOR DEL MES todas las «Canciones del Día» de los meses de julio y agosto. Dado el éxito de los temas de Chappell Roan o Sabrina Carpenter, preferimos empezar por otras canciones que han tenido menos visibilidad, como las de googly eyes, que cuenta con créditos de Tove Lo y Flume, o la de Sudan Archives. Tame Impala, Ava Max, Sigrid y Lola Young han contribuido a un verano alternativo.
En cuanto a artistas nacionales, y dado que rusowsky ya estuvo en la playlist de junio, recomendamos Rojuu, Julieta, Hidrogenesse, dani dicostas, Belén Aguilera o, por supuesto, Bad Gyal. La Paloma están entre los lanzamientos más esperados de este otoño. Os dejamos con el listado y la correspondiente playlist, también disponible en Apple Music.
googly eyes / I Don’t Go Out
Amaarae / Girlie-Pop!
CMAT / EURO-COUNTRY
Sudan Archives / MY TYPE
Sofia Kourtesis / Corazón
Tame Impala / End of Summer
Bakar / Lonyo!
Rojuu / Lucky
Hidrogenesse / Imaginado es todo
Doja Cat / Jealous Type
Ava Max / Don’t Click Play
Sabrina Carpenter / Tears
Chappell Roan / The Subway
Tyler, the Creator / Ring Ring Ring
Alizzz / Callaito
Justin Bieber / DAISIES
dexter in the newsagent / Special
Indigo de Souza / Heartthrob
Florence + the Machine / Everybody Scream
Ethel Cain / Fuck Me Eyes
Lola Young / dealer
Sigrid / Jellyfish
ADÉLA / SexOnTheBeat
Six Sex, MCR-T / Bitches like me
Kim Petras / Freak It
Reneé Rapp / Kiss It Kiss It
Ferdous / Carousel
bar italia / Fundraiser
Austra / Math Equation
TSHA / Revolution
Georgia / Wanna Play
BLACKPINK / JUMP
Sugababes / Shook
Mariah Carey, Shenseea, Kehlani / Sugar Sweet
underscores / Music
Gelli Haha / Bounce House
Wet Leg / davina maccall
Laufey / Lover Girl
Loaded Honey, Lydia Kitto / Don’t Speak
Belén Aguilera / Dama en apuros
Tommy Richman / Miami
J Balvin, Gilberto Santa Rosa
Bad Gyal / Da Me
Roy Borland / Considérame
Zara Larsson / Midnight Sun
Turnstile / I CARE
Hayley Williams / Glum
El Gavira, Ruïnosa y las Strippers de Rahola / Las nazis rubias
Silvana Estrada / Lila Alelí
Remy Bond / Moviestar
Alex G / Afterlife
Conan Gray / Vodka Cranberry
La Paloma / Elegante
Barry B / Monster Truck
Dijon / Yamaha
Maruja / Saoirse
Jens Lekman / Candy from a Stranger
Nick León, Erika de Casier / Bikini
Amaarae, Bree Runway, Starkillers / Starkilla
Julieta / Bikini Rojo
dani dicostas / Clímax
The Last Dinner Party / This is the Killer Speaking
Ed Sheeran / A Little More
El segundo disco en solitario de Jehnny Beth tras la separación de su banda Savages nos muestra una versión más agresiva, enfadada y ecléctica de la cantante. ‘You Heartbreaker, You’ es un álbum dispuesto a desestabilizar al oyente, a liberarlo, a enfurecerlo. En JENESAISPOP nos reunimos con la artista para conversar sobre su proceso de creación. Entre muchos de los temas que comentamos, Beth nos cuenta sus intenciones artísticas y sus múltiples influencias, reflexiona sobre el gran momento que vive el rock contemporáneo o y nos confiesa por qué se niega a conocer a Courtney Love.
Empecemos por el sugerente título, ¿por qué ‘You Heartbreaker, You’?
La gente a la que quieres, siempre encuentra una manera de romperte el corazón. Creo que la idea o la ilusión de querer a alguien, implica que te va a hace daño. Pero más que eso, creo que lo que me interesó -retrospectivamente, porque cuando estás haciéndolo, no lo sabes- es la conexión entre el amor y la violencia. Y la idea de que nuestro acercamiento al amor de alguna manera sigue funcionando a un nivel prehistórico.
¿Has visto la portada, no? Cuando estábamos grabando en nuestro estudio con Johnny Hostile, hicimos algunas fotos. Esta fue la primera que me hizo y pensamos que era genial, como un brochazo en un cuadro, así que la usamos para la portada.
Voy a contar una pequeña historia. Mientras hacíamos el disco, estábamos en Londres y caminando por la calle vimos un coche cubierto con una capa de cemento. Nos acercamos pensando «¿qué coño es esto?» Alguien había escrito con el dedo, antes de que el cemento se endureciera “You cheating bastard, I’m pregnant with your child (Cabrón infiel, estoy embarazada de tu hijo)”. No sabíamos si reírnos o tener miedo, pero hicimos fotos, y al volver al estudio volví a pensar en ello. Y creo que era la mejor expresión de esa idea que te decía. Me recordó a las pinturas cavernícolas, a algo muy primitivo. Luego busqué en internet y vi que había una biblioteca entera de coches marcados tras una ruptura o divorcio, como con un gran “CUNT” pintado ahí o cosas así. El tío luego tendría que ir a trabajar con eso escrito. Pensé “guau, qué violento”. Así que el grafiti de la portada viene de que le pedí a un amigo que me pintara eso en el coche, y el diseñador Brian Ruttinger lo cogió y lo puso en la portada.
Y “you heartbreaker, you” es decirle a alguien que te está rompiendo el corazón pero aun así tienes ternura por esa persona, porque amar a alguien es aceptar que te hagan daño.
Mencionas la violencia, este disco es más violento que el anterior…
Oh, totalmente, mucho más. Sí, mucho más, ¿estás más enfadada?
[risas] Me hace gracia que digas esto porque le puse el disco a Karen O de Yeah Yeah Yeahs y su primera reacción fue: “Jehnny, sigues teniendo un acceso directo a tu ira”. Le maravilló eso y a mí me sorprendió que lo dijera pero me di cuenta de que tenía razón. No sé por qué. Creo que tenía que hacer música que me despertara. Espero que este disco te agarre de los hombros y te sacuda. Ser un despertador, en cierta manera. Es tiempo de punk rock. Como dice Henry Rollins, es tiempo de estar alerta y despierto. Además, vivimos en una época donde prestar atención es muy difícil, incluso para escuchar una canción hasta el final. Queríamos crear música que llamara la atención de la gente. En el estudio pensábamos: «si nos aburrimos lo borramos». Fue difícil, eliminamos muchas cosas, pero la idea era no hacer del arte una papelera para nuestro propio tumulto. No usar el arte para intentar resolver nuestros sentimientos. Lo hacemos para que lo disfrutes, hacemos canciones que sean herramientas para conversar, para hacer pogos, para que tengan un propósito. No es un diario, porque nadie quiere leer mi diario, te lo prometo.
Debe ser liberador cantar este tipo de música punk, ¿cuál es tu aspecto favorito de interpretar en directo?
Me encanta estar en el escenario o estar en el rodaje de una película. Me encanta interpretar. Pero necesitas ojos externos para asegurarte de que no eres la única que se lo está pasando bien, porque eso no le importa a nadie. Necesitas alimentarlo con algo nutritivo. La música ahora mismo necesita ser buena comida, ser nutritiva. Es como elegir comer comida rápida o cosas que son saludables para ti. Para mí la música es igual, ten cuidado con lo que escuchas porque puede cambiarte. La interpretación es lo mismo. Es darle a la gente algo que les pueda ayudar o iluminar. Es para lo que sirve el arte, para abrirte los ojos.
«La música es como elegir entre comida rápida o cosas que son saludables para ti: ten cuidado con lo que escuchas porque puede cambiarte»
¿Crees que el panorama en la música rock ha cambiado para las mujeres desde que empezaste?
Es interesante, cuando estaba en Savages la gente decía que el rock había muerto, algo que era bastante raro ya que “hola, lo estábamos haciendo”. A Foo Fighters y a Oasis les invitaban a hablar y todos decían “sí, somos los últimos rockeros que quedan”. Y yo no estaba de acuerdo. Pero unos años más tarde llegaron Idles, Fontaines DC o Turnstile, que está siendo su verano. Es genial. Hay una gran escena ahora mismo. Estoy muy feliz de sacar un disco de guitarras.
Me siento rodeada de grandes e increíbles bandas que hacen música innovadora, que además mezclan géneros. Hay un grupo irlandés realmente genial llamado Enola Gay. Es como que antes iban a fiestas rave y ahora hacen post-punk con influencia rave. Igual que Yard, que también lo mezcla con voces de influencia hip hop por encima. Creo que eso es muy emocionante. Es música punk, pero tiene este rollo de tomar los instrumentos del punk y convertirlos en algo nuevo.
«Cuando estaba en Savages la gente decía que el rock había muerto, algo que era bastante raro ya que “hola, lo estábamos haciendo”. Hay una gran escena de rock ahora mismo. Está siendo el verano de Turnstile»
Esto también se escucha en tu disco, pese a su cohesión es bastante ecléctico. ‘No Good for People’ por ejemplo, tiene cierto estilo dance, ¿tenías alguna referencia en mente?
Sí, muchas. Para la voz escuché mucho a Mike Patton [vocalista de Faith No More]. A nivel vocal tiene una de las mejores técnicas pero también le pone mucha alma. Es capaz de pasar de un suspiro a un grito en un instante, es impresionante. Me gustan esos extremos. Chino de Deftones también tiene esa capacidad, y la de mantener una nota muy larga, algo que también hacen Turnstile. Y de Jonathan Davis de Korn, me gusta la aspereza. Me gusta mucho eso, como cambiar de personaje [en una sola canción]. Dos periodistas me han preguntado que quién cantaba conmigo en ‘Obsession’ y ‘Out Of My Reach’, y les tuve que decir que era solo yo.
La primera vez que escuché el álbum yo también lo pensé, pero luego me di cuenta de que eras solo tú…
No me lo esperaba [risas]. Pero volviendo a las influencias, creo que la protagonista en este disco es la guitarra. Realmente quería hacer un disco de guitarras y hablé con Johnny Hostile desde el principio sobre ello, porque él toca todos los instrumentos en el álbum. Y le dije: «me encantaría que empezaras a escribir con guitarras ahora». Y lo hizo. Hay como dos partes: el sonido shoegaze, con guitarras difusas, al estilo de Deftones; pero también están esos riffs de guitarra como para “headbanging”.
“He evitado muchas veces conocer a Courtney Love”
También escucho algo de Hole en el disco.
Enorme respeto a Courtney Love. He evitado conocerla muchas veces.
¿En serio? ¿Por qué?
Porque soy muy tímida y ella es una persona muy expresiva. Tenemos mucha gente en común y nunca me he atrevido. La respeto mucho. Creo que dijo muchas cosas muy pronto. Influenció a Kurt Cobain a meterse en la primera línea del feminismo. También habló muy pronto de Weinstein, antes que nadie. Y por eso fue muy marginada. Es muy valiente en muchos sentidos e influyente. Y qué cantante. Su capacidad para pasar de lo melódico al “vocal fry” es realmente impresionante. No hay cantantes ahora mismo como ella, con ese nivel de fama que tenía, saliendo en la radio y en la televisión. Necesitamos a más mujeres sin filtros. Las mujeres pueden estar enfadadas y hacer rock también. Ella fue una pionera en eso.
¿Cómo te ves como artista en solitario en este segundo álbum? ¿Ha cambiado tu perspectiva durante estos años?
Mi deseo con ‘To Love Is To Live’ era que fuera muy colaborativo, porque había estado en una banda durante varios años y trabajando solo con esas personas. Se convirtió en algo realmente abierto: había tres productores en el álbum, Johnny Hostile, Flood y Atticus Ross, con Joe de Idles viniendo a cantar, con Cillian Murphy leyendo algo…
Haciendo este disco [‘You Heartbreaker, You’], en cambio, éramos solo Johnny y yo en el estudio. Y fue a propósito. Había una intención. Era una manera de preservar la integridad y la radicalidad del álbum, porque cuanto más abierto estás a las opiniones de los demás, más puedes diluir la visión. Por eso probablemente este disco resulta más cohesivo, espero.
Pero siempre recurro a algunas personas a las que les muestro las cosas en una etapa muy temprana del proceso. Una de ellas es Atticus Ross. Siempre le enseño las demos. Es una persona muy amable que sabe lo que implica hacer música. Me gustan sus comentarios porque siempre son extremadamente radicales, pero expresados con mucha amabilidad. Además es un artista muy versátil también. Lo respeto enormemente. Siempre tiene grandes ideas y nos orienta en el camino. No es del tipo “yo haría esto”, sino que más bien sugiere cosas sabiendo lo que nosotros podríamos hacer. Eso resulta muy inspirador. Otra persona es Dave Sitek. Ha ayudado mucho en este disco simplemente escuchando y dando su opinión.
¿Qué consejo le darías a una versión de ti misma al principio de tu carrera?
Cree en ti misma. Es algo que todavía me digo ahora. No hagas demasiado, no intentes demostrar demasiado. No necesitas hacerlo. Las cosas llegarán, y si haces algo, la gente lo verá. Funciona así. Y dejar de pelear. Creo que ese es un buen consejo.
Según Jehnny Beth, querer a alguien es abrirse a que te rompan el corazón, ya que por mucho amor que haya entre dos personas, es inevitable en ocasiones sentirse dolido o decepcionado. Sin embargo, no hay nada más poderoso que ese sentimiento incontrolable, incomprensible y a veces violento que es la pasión.
“Dijiste que nunca te atreverías a golpearme en una costilla rota, pero me diste una costilla rota de tanto amar” reprocha a su pareja en el agresivo rock industrial a lo Nine Inch Nails de ‘Broken Rib’. Una presentación que ya pone sobre lo mesa uno de los temas más significativos del proyecto: la ira. Beth canaliza toda su rabia en 9 canciones empeñadas en generar una atmósfera densa, cerrada y asfixiante. Y al mismo tiempo, es un proyecto que no oculta su voluntad de satisfacer al público, empleando estructuras efectivas y usando ganchos atractivos para los amantes del género.
En ‘Obsession’, que comienza con la voz de la cantante en un registro gravísimo, casi irreconocible, Beth propone un claro contraste entre una letra romántica y apasionada (“No sé por qué soy tan femenina, estoy desesperada por saber cuándo estaremos juntos, no digas que nunca”) y una producción cargada de tensión, con sonidos de guitarras discordantes y violentas percusiones. ‘I Still Believe’ presenta una fórmula parecida con un sonido post-punk donde sobresale la expresiva interpretación de la artista.
Pese a la cohesión sonora de ‘You Heartbreaker, You’, la excantante de Savages se atreve a incorporar a lo largo de todo el proyecto varios toques de diferentes géneros, incluido el pop. ‘No Good for People’ se apoya en un frenético beat electrónico e incorpora sintetizadores, donde Beth se autodefine como “demasiado crítica” con la gente. El resultado es refrescante, aunque ligeramente frustrante: justo cuando parece que la canción va finalmente a explotar, se acaba, sin terminar de desarrollar las buenas ideas que planteaba. Más satisfactoria es la noventera ‘Out Of My Reach’, que deja a un lado el sonido ruidoso del resto del álbum y ofrece un gran estribillo melódico.
En general, Beth se luce principalmente con las canciones más oscuras y sugerentes como ‘Stop Me Now’, donde se pregunta cuántos años más va a durar con su pareja sobre unos metaleros riffs de guitarra, o en ‘High Resolution Sadness’, el momento más rabioso y potente del álbum. Una canción donde la voz de la artista se vuelve gutural imprimiendo una urgencia que sacude y descoloca (en el buen sentido).
‘You Heartbreaker, You’ llega en un momento trágico y preocupante en un mundo cada vez más deshumanizado. Pese a no contar con un componente político de por sí, la propia artista ha comentado que dados los tiempos oscuros en los que nos encontramos, tenemos que aprender o bien a gritar muy bien o a susurrar. Ella ha optado por lo primero, y el resultado es un disco directo y punk que duele y cruje como una costilla al romperse.
‘BLACK STAR’ de Amaarae, recientemente puntuado con un 8,3/10 por nuestro redactor Jordi Bardají, es nuestro Disco de la Semana. Es verdad que sus mejores bazas llegaron antes de la salida, como ‘S.M.O.‘ o ‘Girlie-Pop!‘, y es verdad que el álbum va perdiendo impacto hacia su final, en concreto tras la aparición de ‘Fineshyt’.
Pero también que aún nos queda alguna pieza por destacar: tras el focus track ‘Starkilla‘, ‘She Is My Drug’ es nuestra Canción del Día para este domingo.
El tema que interpola de manera nada discreta ‘Believe’, nada menos que el mayor hit de Cher, es una de las 3 co-producciones de El Guincho para ‘BLACK STAR’. Las otras son ‘Starkilla’ y la final ‘Free the Youth’. En ‘She Is My Drug’ construye un tema sensual, lleno de referencias sexuales como «wet when you say my name» o esa constante alusión al goteo de «lluvia» que cada cual puede interpretar como quiera.
El autor principal de ‘Believe’, Brian Higgins, que está convenientemente acreditado, ha consentido que se cambie la letra original de la canción, que de manera icónica se preguntaba «¿crees en la vida después del amor?». Lo que Amaarae se pregunta en cambio es «¿crees en el amor sin drogas?», respondiéndose cual Troye Sivan «I can feel the rush and I lean into you» («siento la adrenalina y me inclino hacia ti»).
Aunque ‘BLACK STAR’ se ha concebido más bien como un álbum sobre Ghana y la cultura negra (como deja muy claro su portada y su título), que como un álbum sobre la cultura queer (parece que Amaarae se define como «fluid, hetero y cis»); en la constante unión de sexo y drogas de sus letras, algunos pueden ver de manera muy libre un disco sobre el «chemsex». ‘She Is My Drug’ sería el mayor exponente de esta teoría.
Cuando en 2018 Alanis Morissette se cortó su larga melena, muchos de sus fans reaccionaron como los de Britney el-año-que-se-volvió-loca. Bajo su pelo no emergió una señora calva, chiflada y peligrosa, como describió la prensa sensacionalista a Britney, sino una “viejecita” de 43 años. Este síndrome de Rapunzel está presente en el nuevo videoclip de Chappell Roan, quien comparte con Alanis algo más que una melena icónica.
En ‘The Subway’, Chappell aparece como una versión extrema de la Lilith bíblica, una suerte de Lady Godiva neoyorquina que persigue al fantasma, también melenudo, de un amor roto. El vídeo juega con el pelo como metáfora de una pesada carga emocional, la representación física de un estado de ánimo. Un pelo que impide ver claramente, que estorba, se ensucia, se enreda y se queda atrapado en la puerta de un taxi como la protagonista en sus propios recuerdos.
Chappell se arrastra por la vida y trepa por el cabello verde infinito de su amada, evocando el cuento de los hermanos Grimm, hasta que alcanza una catarsis, una revelación representada como una explosión de baile y sensualidad en un entorno tan gris como el metro. Al final, al tiempo que grita “She’s got away”, Chappell aparece por primera vez con el pelo corto. Liberada.
La Paloma publican su segundo disco, ‘Un golpe de suerte’, bajo el paraguas de Universal. Pero Lucas Sierra, Nico Yubero y Juan Rojo mantienen las mismas inquietudes que cuando comenzaron, si acaso con un sonido más melódico. ‘Elegante’, que se define como «el tema más pop» de un álbum del que también han avanzado ‘Si no me muevo’ y ‘Sé lo que quiero’, es la Canción del Día.
Los arpegios, las guitarras acústicas y una atmósfera reposada son los principales elementos de ‘Elegante’. Esto dista mucho de la distorsión y el feedback de sus primeros trabajos, optando por un sonido inevitablemente más pop. Sin embargo, el grupo sito en Tetuán todavía es capaz de construir himnos al desencanto del siglo XXI.
‘Elegante’ es una concatenación de afirmaciones con la que cualquiera se puede sentir identificado, como «Quiero tener aguante y no un cansancio constante» o «Quiero fumar bastante sin pensar en morirme». Muy similar a la lista de cosas que odian de ‘La edad que tengo’, pero con un giro final: «Yo solo quiero tenerte delante».
‘Un golpe de suerte’ estará disponible el próximo 3 de octubre. Os dejamos con las fechas de su gira. Detalles, en su web.
13 diciembre: Madrid
18 diciembre: Santander
19 diciembre: Santiago
20 diciembre: Oviedo
1 de enero: Zaragoza
15 enero: Bilbao
16 enero: Donosti
30 enero: Valencia
31 enero: Murcia
6 febrero: Palma
7 febrero: Barcelona
13 febrero: Córdoba
14 febrero: Sevilla
27 febrero: Almería
28 febrero: Granada
Diré esto ya por si soy capaz de llamar la atención de una sola persona: lo mejor de Sabrina Carpenter siguen siendo las letras. A principios de este verano la portada de su séptimo álbum armó tremendo jaleo porque la artista aparecía arrodillada y agarrada de los pelos por un hombre. ¿Cómo se llamaba la película? «El mejor amigo del hombre», es decir, el «perro». La «perra», en este caso.
Quienes atendieron al trasfondo de ‘Short ‘N Sweet‘ sabían que lo que había aquí era gato encerrado. La figura de la «perra», de la «zorra» o de la «puta» ha sido resignificada por artistas femeninas desde los tiempos de Meredith Brooks. Taylor Swift, P!nk o Kim Petras han sido algunas de las que se han apropiado de insultos como «slut», como en España Rigoberta Bandini o Zahara. Sabrina Carpenter ha cantado muchas veces sobre lo culpable que se siente por que le gusten los chicos malos… sólo para después retorcer esa idea con vídeos con «plot twist», o con otras letras en las que ella ríe la última, y mejor.
Por eso ‘Manchild‘ es un single tan importante en la carrera de Carpenter. La artista retrata a un «niñato» que no se entiende cómo ha podido sobrevivir tanto tiempo. «Culpo a tu madre», dice, al tiempo que se burla de sus facultades en la cama: «¿acabas de decir que has terminado? No sabía ni que habías empezado». Su vídeo escenifica perfectamente que todo en Sabrina Carpenter es un gran trampantojo.
La influencia de Taylor es evidente, no solo porque Jack Antonoff sea el principal productor del disco, sino por esa obsesión por retratar ex novios canción tras canción. Sin embargo, el componente sexual diferencia claramente a Sabrina, acercándola más al descaro de Madonna. El nuevo single de Sabrina Carpenter se llama ‘Tears’, pero la artista que enseñó a TikTok cómo llorar sin estropear el maquillaje (inclinando toda la cabeza hacia el suelo), no está llorando aquí. Las lágrimas le corren por los «muslos» porque lo que anhela es correrse ella. «Tears run down my thighs»: una de las imágenes más icónicas del pop de 2025.
El reverso de ‘Tears’ es ‘When Did You Get Hot’, que habla sobre un niño feo que se ha transformado en guapo, y con el que quiere jugar al «Naked Twister». Carpenter comienza esta canción «seca como una planta que no podría crecer». ‘Never Getting Laid’ añade al cóctel grandes tetas y pajilleros («siempre te quedará la mano derecha») y su forma de intentar traer de vuelta a su chico en ‘Sugar Talking’ es decir «get your sorry ass to mine». Por algo ha dicho que el disco no es «apto para mojigatos».
Cuando Sabrina recurre a lo emocional, la cosa se pone todavía mejor. En ‘My Man on Willpower’ se queja de que su pareja esté «tan en contacto con sus emociones», que no la toque «ni con un palo de 6 metros». «Se enamoró de la templanza y se le ha ido de las manos», lamenta, cuando ella lo que quiere es un buen meneo. Que Carpenter no es la mujer sumisa que adivinamos en la portada, o solo lo es ocasionalmente, cuando le apetece, como lo somos todas, queda claro cuando, al final, en ‘Goodbye’ busca «una pistola o palabras» para mandar a paseo al pavo, retratado como un lelo que no habla idiomas: «el sentimiento es tan específico, que quiero darte un puñetazo a cada instante». También es significativo un título tan pervertido y sarcástico como ‘Don’t Worry I’ll Make You Worry’.
La artista hace toda esta toxicidad sonar divertida sin baladas aburridas ni aspavientos épicos, a través de melodías desenfadadas y estilos tan pizpiretos como el country o la música disco, que se funden en el single principal ‘Manchild’ porque eso será lo que encontremos en el álbum. A veces más inclinado hacia el terreno disco (‘Tears’, ‘House Tour’). A veces más inclinado hacia los terrenos de Dolly Parton (la etílica ‘Go Go Juice’, con su tronchante cita «Una chica que sabe beber es una chica que ha sido abandonada»). A destacar los toques psicodélicos en ‘Sugar Talking’ o en la autoparódica ‘We Almost Broke Up Again Last Night’: «tuvimos sexo y lo arreglamos, le dijimos a nuestros amigos que había sido una falsa alarma, y luego casi rompimos otra vez».
Esta última destaca por imitar en su estribillo las típicas crecidas de ABBA, también un referente muy obvio en esa caída de teclados de ‘Goodbye’, incluso en lo que tiene de políglota. Nada sonaba tanto a ABBA como esta canción desde, no sé… ¿Music Go Music?
Entre el reggae justito de ‘Nobody’s Son’, que a quien recuerda es a Paris Hilton, y el rap austero tipo Ariana Grande de ‘When Did You Get Hot’, ‘Never Getting Laid’ certifica que a veces lo musical ha quedado en segundo lugar: el disco no luce muy generoso en cuartos o quintos singles. No sé si el público casual estará muy por la labor de sentarse a pensar en las letras de Sabrina Carpenter. Quizá haya mejores cosas que leer, como bulos en X o comentarios manidos en Instagram. Ahora, el carisma del personaje, alimentado por excelentes videoclips y apuesto a que performances resultonas, no tiene precio.
El cantante dominicano Henry Méndez ha protagonizado una polémica recientemente por un concierto en Marbella en el que gritó que «odiaba a los rojos», tras decir «vota a quien te dé la gana, vota a Abascal o a o Mariano Rajoy» (sic). El vídeo ha circulado por las redes sociales, con sus correspondientes abucheos y vítores.
Madrid mantiene las dos contrataciones que ha realizado a Henry Méndez con dinero público, pese a las peticiones del PSOE. El gobierno de Almeida ha indicado que no comparte la “cultura de la cancelación”, aunque tampoco su mensaje. Uno de los shows es dentro del programa de la Hispanidad, pero el otro es en las fiestas de Villa de Vallecas, uno de los pocos barrios en los que suele ganar la izquierda dentro de la capital: en las últimas municipales, Más Madrid, PSOE y Podemos sumaron el 52% de los votos.
Antena 3 ha elaborado un reportaje en Vallecas con declaraciones tales como «Es un barrio complicado para que se diga eso, seguro que habrá follón», «Les voy a decir que compren un tomate de estos que hay ahora mismo tiernos, y se líen a tomatazos» o «Como venga soy capaz de bajar y tirarle un tomate». El show es el 13 de septiembre, en el auditorio municipal de las Trece Rosas, que justo recibe su nombre de 13 mujeres socialistas fusiladas por la dictadura de Francisco Franco en Madrid el 5 de agosto de 1939, varios meses después de haber finalizado la Guerra Civil.
El Ayuntamiento de Elda sí ha decidido cancelar la actuación de Méndez debido a «las inaceptables declaraciones de odio realizadas durante una actuación», como informa El Diario.
Quizá ante el temor de perder más contrataciones o de lo que pueda pasar en shows gratuitos donde puede entrar cualquiera, Henry Méndez ha emitido un comunicado a través de redes sociales. El cantante dice ahora que no guarda «odio ni rencor a nadie, independientemente del color de piel, religión, condición sexual, ideología o nacionalidad».
Se justifica, entonces así: «Simplemente, intenté parar una situación que se viene sucediendo en innumerables eventos de índole musical, donde se repiten cánticos de odio al presidente del país que, para mí, son molestos, pues no tolero la falta de respeto a nada ni a nadie».
Henry Méndez se refiere al grito «Pedro Sánchez, hijo de puta» que ha surgido en algunos eventos, en general de corte urbano. Su respuesta para parar algo tan «molesto» fue concluir que «odiaba a los rojos». Ante lo que matiza: «el vídeo no se ha publicado en su totalidad, solo la parte en la que, por lo incómodo de la situación, proferí un desafortunado comentario». Indica que realizará un Reels explicándose mejor.
También dice: «quiero pedir disculpas a todas las personas que se han sentido agraviadas por el comentario que hace referencia a un color fuertemente relacionado con una postura política». Y recuerda que «España es un país libre y maravilloso con gente increíble y heterogénea. Por eso debe existir y considerarse la libertad de expresión y la diversidad de opiniones y puntos de vista, siempre desde la óptica de la ética y el respeto».
Con el 48% de los votos en la final de Instagram, ‘Everybody Scream‘ es el nuevo número 1 de JENESAISPOP superando, entre otras, a ‘The Subway’ de Chappell Roan, que logra el 35%. Este single de Florence + the Machine es el 11º número 1 para Welch en nuestra lista. Los anteriores fueron ‘You’ve Got the Love (xx remix)’, ‘What The Water Gave Me’, ‘Breaking Down’, ‘Sweet Nothing’ con Calvin Harris, ‘What Kind of Man’, ‘Queen of Peace’ ‘Too Much Is Never Enough’, ‘King’, ‘My Love’ y ‘Free’.
Así, supera a Charli XCX, empata a Amaia y a Gaga, y ya solo tiene a Lana del Rey por delante, con 15. Muy lejos en número votos de Florence quedan Doja Cat y Ava Max, pero llegan al top 5, igual que Alison Goldfrapp. Otras entradas más modestas son las de bar italia, Olivia Dean y Cass McCombs.
Hay quien da siempre por muerto el fenómeno de la canción del verano, pero de vez en cuando resurge y el debate siempre está ahí. El día que dejemos de tenerlo sí sería el día de su muerte. Uno de los muchos medios que han elogiado el nuevo disco de Nourished By Time postulaba al artista como autor de la canción del verano alternativa. Compro el argumento escuchando ‘BABY BABY’ con esa euforia, ese sampleo de las sintonías de los 60, esa nostalgia tan elevadora… y sobre todo esa letra que dice «Si puedes bombardear Palestina, puedes bombardear Mondawmin», en referencia al barrio de su Baltimore natal.
En efecto, este verano en particular y estos dos años en general serán recordados por el genocidio en Gaza. ‘The Passionate Ones’ en absoluto es un disco sobre eso, aunque no hay que dejar de agradecer a los pocos músicos capaces de mencionarlo dentro de una canción actual.
Ya el debut en largo de Marcus Brown, ‘Erotic Probiotic 2‘, cuestionaba el capitalismo, y este continúa ese camino en alguna frase suelta de la popular ‘BABY BABY’; de ‘CRAZY PEOPLE’, con una píldora sobre violencia policial; o de ‘9 2 5‘, el single en el que habla de la esclavitud laboral de un colega. Situación en la que estaba el mismo artista hasta hace unos meses, cuando pudo empezar a dedicarse de lleno a la música tras haber desempeñado trabajos en peluquerías, librerías o como profesor de tenis.
‘The Passionate Ones’ no es un álbum político sino uno capaz de pasar de un tema a otro sin ton ni son, cual muro de Instagram. En un momento puedes estar viendo una bomba estallar en las narices de cuatro personas; y después a aquellas que te gustaría llevarte a la cama. Así de incómodo y extraño es este lado del universo. Este álbum habla sobre todo del deseo, de la sensualidad, del amor y de encontrarse a uno mismo. ‘Max Potential’, que versa sobre el miedo al futuro y sobre la inestabilidad, proclama: «si me voy a volver loco, que al menos tú me quieras». A continuación, en ‘It’s Time’, se mira al espejo para decirse: «Toda mi vida ha cambiado en menos de un minuto, he soñado con esta vida, y ahora me da miedo vivirla».
Las letras, clarísimas y directas como pocas se hacen, sobre todo en el underground, pueden versar sobre tonterías del tamaño de una tirada de cartas. Es el caso de la muy apropiadamente titulada ‘Idiot in the Park’: «¿le pagarías 20 libras? (…) ya sabes que ni me ha leído la mano (…) dijo que sabe que perdí a alguien (…) y me dijo cuándo voy a morir».
Este caos emocional, que va de lo personal a lo social, vuelve a desarrollarse en medio de un curioso muro de sonido en el que caben el R&B de los 80; la chillwave o el pop sintético a lo Twin Shadow; y el DIY de gente como Yves Tumor, Ariel Pink o John Maus. Da un poco de miedo que Nourished by Time caiga en el olvido como muchos de estos estilos y personajes. El tiempo lo dirá. Su mejor arma para evitarlo sería publicar más canciones como la maravillosa ‘9 2 5’, en la que una línea de piano y un agitado beat se clavan en el cerebro como ninguna canción de Nourished by Time había logrado antes. O ‘BABY BABY’, que pasa de ser un cuasi rap a una excitante producción como asistida por los mejores Go-Team!
La de Tony Bontana es en verdad la única colaboración de un álbum en el que él se lo guisa y él se lo come todo, acercándole en ‘Jojo’ a los territorios de otra banda muy crítica en lo social, Massive Attack. Bontana habla sobre la música y el arte, sobre las dificultades para salir adelante, en plena sintonía con los peculiares valores de Nourished by Time. Una rareza en los tiempos que corren.
Una pregunta muy pertinente en este preciso momento histórico: ¿Prefieres conservar tu integridad moral o tus playlists favoritas? Todas las plataformas de streaming, en mayor o menor medida, contribuyen a fomentar un modelo de negocio abusivo para el artista. Sin embargo, no todas participan activamente en la financiación de tecnología militar.
Los artistas suelen preferir Bandcamp, debido a unos pagos más elevados y a la posibilidad de vender directamente los discos de vinilo o los CD’s a sus fans. Sin embargo, la mayor preocupación del oyente medio radica en conservar su biblioteca musical, esa que ha estado construyendo a lo largo de los años. Ni siquiera la superior calidad de audio de servicios como Tidal es suficiente como para que la mayoría de usuarios se plantee un cambio de plataforma. En este sentido, Apple Music ha implementado una función para importar playlists de otras plataformas en el momento más oportuno, aunque todavía no está disponible en España.
Para muchos, y después de todas las oportunidades que nos ha brindado Spotify para darnos cuenta de su falta de voluntad, este es el punto de inflexión.
Mientras los usuarios Premium de la plataforma siguen en alza durante el segundo trimestre de 2025, a pesar de la subida de precios, algunas de las bandas independientes más importantes del mundo abandonan el barco: Godspeed You! Black Emperor, King Gizzard & The Lizard Wizard, Deerhoof, Cindy Lee, Hotline TNT, Xiu Xiu… Todas citan las mismas razones.
Daniel EK, CEO y cofundador de Spotify, llevó a cabo recientemente, a través del fondo Prima Materia, una inversión de alrededor de 600 millones de dólares en una compañía de defensa alemana llamada Helsing especializada en el desarrollo de drones militares equipados con inteligencia artificial. En 2021, cuando Helsing era solo una startup, el empresario sueco también se aseguró un sitio en la junta de accionistas al darles un empujón de 100 millones de dólares. Tecnología que puede causar la muerte, al alcance de una tecla. Algunos de estos drones ya han sido usados en el conflicto ruso-ucraniano. El hecho de que Spotify celebrase un evento para podcasters, principalmente de ultraderecha, antes de la segunda toma de posesión de Trump, a quien donó 150.000 dólares para su investidura, también fue uno de los motivos de peso para la retirada de estos artistas.
A pesar de ser líder en su campo, Spotify sigue siendo una de las plataformas que menos paga a sus artistas, entre 0,003 y 0,005 dólares por stream. Sin embargo, a Daniel Ek no le falta de nada. Taylor Swift fue la artista más escuchada del mundo en 2023, con un reporte oficial de 26.100 millones de reproducciones. Desde Variety, estiman que esto generó unos 130 millones de dólares a la artista estadounidense. Solo el año pasado, y solo a través de la venta de acciones, Ek ingresó unos 345 millones de dólares. Para ganar lo mismo que Daniel Ek en 2024, la artista más grande del mundo tendría que haber amasado 69.300 millones de streams anuales.
Que los desorbitados ingresos de Ek sean reinvertidos en la potencial muerte de personas es un mal suficiente como para abandonar la plataforma para siempre, pero no es el único. Spotify es una fuente de obsesión para los músicos. Listas de reproducción, competencia, estadísticas públicas… Todos hemos caído en la trampa de comparar dos artistas basándonos exclusivamente en sus oyentes mensuales. Aunque suene duro, solo estamos contribuyendo a empeorar su salud mental. El dato ni siquiera significa lo que creemos.
Los oyentes mensuales no reflejan los fans que tiene un artista, sino una aproximación a su impacto y relevancia en la plataforma. La popularidad, presentada de la forma más fría posible. Desde luego, no determina la valía de nadie. Aunque no te guste su música, ni la hayas buscado a propósito, ni sepas quién es y, por supuesto, aunque nunca pienses en comprar la entrada para el concierto. Siempre que escuches una canción durante al menos 30 segundos, contarás como un oyente mensual en el perfil del artista. El número también depende de si la persona tiene una colaboración de gran tamaño en otra canción, lo que también engrosa los oyentes sin necesidad de que estos entren en su página. Al principio, el dato era divertido y un caramelito para la prensa después de años de oscurantismo por parte de las discográficas. Ahora, es un motivo de ansiedad para los nuevos artistas, al ser tomado como un índice de referencia que puede llegar a afectar a las contrataciones.
A nuestro pesar, otra certeza del modelo de Spotify es que, en un mundo dominado por el algoritmo y las reproducciones, poco le importa la música a la plataforma sueca. Lo vemos en sus listas de reproducción, comisariadas sin ningún tipo de cuidado por la calidad o la igualdad. Un ejemplo es Éxitos España, en la que las mujeres son ampliamente ignoradas. En JENESAISPOP realizamos recientemente un estudio que dejaba estos tristes datos: el 85% de los artistas que pasan por Éxitos España son hombres, y solo el 15%, mujeres.
Lo vemos también en la permisividad con la IA, ya sea en bandas ficticias como The Velvet Sundown, que alcanzan millones de reproducciones, o en artistas resucitados como Blaze Foley, en cuyo perfil apareció recientemente un nuevo single pese a haber fallecido hace 36 años.
Mientras Spotify se preocupa por introducir funciones inútiles en su plataforma, como mensajes directos o transiciones personalizadas a base de IA, cada vez más usuarios abren los ojos respecto a la naturaleza de la plataforma. «No queremos que nuestra música mate personas», escribían los miembros de Deerhoof en su comunicado de despedida. Los de King Gizzard fueron más certeros, condensando de paso todo este artículo en una frase: «Fuck Spotify».
Jessie J está preparada para someterse a una segunda operación a raíz del cáncer de mama que le detectaron de forma temprana el pasado junio. Por este motivo, se ha visto obligada a posponer su gira europea y cancelar sus fechas en Norteamérica.
La artista informa también de que su primera cirugía se llevó a cabo con éxito el pasado 24 de junio. Ahora, Jessie J ha anunciado que, «por desgracia», tiene que volver a pasar por quirófano: «No es nada serio pero tiene que hacerse a finales de año. Esto cae en mitad de la gira que tenía preparada. Lo siento. Estoy frustrada y triste, pero necesito estar mejor, estar curada», ha contado en un comunicado.
Mientras que la parte europea de la gira ha sido pospuesta para abril de 2026, cuando tenía que comenzar este septiembre, las fechas norteamericanas no han tenido la misma suerte: «La mala noticia es que no he podido conseguir las fechas en Estados Unidos, así que tienen que ser canceladas», ha aclarado en un vídeo en redes. También ha explicado que no se perderán para siempre, sino que «serán anunciadas en cuanto encontremos tiempo y se sienta bien hacerlas».
Al mismo tiempo, Jessie J estrena un nuevo tema llamado ‘Believe in Magic’, que sucede a otros singles que suponemos que conformarán en algún momento un álbum, ‘Living My Best Life’ y ‘No More Tears’.
Como estos, ‘Believe In Magic’ presenta un poco de aliento pese a que «este año ha implicado mucho dolor». La respuesta de este tema acústico de ligero aire R&B es «solo quiero vivir con los que me sientan». Uno de sus ganchos más llamativos, «hagamos el amor y escuchemos a Sade».
Sabrina Carpenter ha lanzado hoy su esperado ‘Man’s Best Friend’. Llega un año después del exitoso ‘Short n’ Sweet’ y sería el segundo disco en esta nueva etapa de su carrera, aunque es en realidad el séptimo en su discografía. Tras los tintes country de ‘Manchild’, Sabrina se rinde a los «chicos responsables» en la fantasía disco de ‘Tears’. Es la Canción del Día, y pinta a otro éxito rotundo.
Antes de la salida del single, ya se veía venir que esas «lágrimas» del título no iban a ser convencionales. Efectivamente, ‘Tears’ es otro single anacrónico en el que Sabrina saca a relucir su irreverente humor, aunque justamente en este caso consiste en subvertir las expectativas del oyente. Musicalmente, recuerda a una versión más sofisticada de ‘Espresso’, manteniendo el protagonismo en el estribillo, con versos más bien escuetos.
La artista estadounidense canta sobre el tipo de hombre que le pone cachonda de verdad: «Me pongo mojada al pensar en ti / Siendo un hombre responsable / Tratándome como debes». A continuación, revela por qué ‘Tears’ se titula así: «Lágrimas corren por mis muslos». A Carpenter también le gustan los hombres que lavan los platos y que muestran «un poco de comunicación».
En el videoclip, una elegante y recatada Sabrina se estrella con el coche en medio de la América rural y lo que parecía estar encaminado a ser una película de terror acaba convirtiéndose en una fiesta drag setentera y muy camp. Se trata de un homenaje al clásico ‘Rocky Horror Picture Show’.
Protagonizado por Colman Domingo, el clip termina mal, como debe ser: «Lo siento, alguien tiene que morir en cada vídeo. Hay que dar a la gente lo que quiere».
Ya casi en modo septiembre, varias estrellas de primera línea publican su disco. Es el caso de Sabrina Carpenter, también de nuestra querida CMAT, Blood Orange, Bryan Adams o de Hayley Williams, que al final sí ha reunido sus 17 canciones junto a una extra para conformar un álbum. Otros artistas que sacan disco son Nova Twins, Jehnny Beth, Margo Price, The Beths o The Hives. En España Guille Galván saca la banda sonora de un documental sobre Madrid, ‘Madrid, Int’. De todos ellos podéis escuchar un fragmento en nuestra playlist de novedades, Ready for the Weekend.
Estos últimos días han presentado singles Austra, Oliver Sim, Spoon, Richard Ashcroft o Bright Eyes junto a Hurray for the Riff Raff. Hoy se suman Ashnikko, Alabama Shakes, Ella Mai, Major Lazer, Carin León con Kacey Musgraves o Silvana Estrada.
En España Vangoura participan en el homenaje a Triángulo de Amor Bizarro y también tenemos novedades de La Paloma, Teo Planell, Alice Wonder, LUSILLON, Daelgao o Yung Beef.
Estos días, Coldplay están actuando en el Wembley Stadium de Londres. Son 10 fechas no consecutivas que conforman una especie de residencia con la que despiden ‘Music of the Spheres World Tour‘, una gira que han desarrollado desde 2022, que ya han presenciado 12 millones de personas y ha recaudado más de 1.000 millones de dólares. Lo que ellos llaman «one billion». El tour ha hecho historia por su conciencia con el cambio climático y su intención -es lo que cuenta- por contaminar lo mínimo.
Cuando adivinábamos a Coldplay a punto de tomarse un merecido descanso, Juanma Castaño en El Partidazo de COPE ha anunciado en exclusiva que el grupo realizaría una residencia de 11 fechas en el Metropolitano de Madrid en 2027. El objetivo, según sus palabras, sería batir el récord de 10 fechas que ostentará Bad Bunny cuando llegue a España para presentar ‘Debí tirar más fotos’ el próximo verano. La exclusiva es muy extraña por varios motivos.
El primero es que Coldplay estén preocupados por batir un récord en particular en España. Nuestro país es importante para Coldplay y, por tener, tienen hasta una camiseta propia del Barça. Pero sin necesidad de irnos a Estados Unidos, Coldplay recaudaron en esta gira más dinero con tres conciertos en Munich (28 millones de dólares) que haciendo cuatro en Barcelona (27 millones de dólares). Milán les dio 29 millones de dólares en cuatro noches; Ámsterdam, 30 millones en cuatro noches; y Viena, incluso 33 millones en cuatro noches. Con cifras espectaculares también en Singapur, Sidney o Dublín, ¿por qué demonios estarían concentrados en volver a España para batir un récord que Bad Bunny ostenta a nivel local?
Lo segundo es que pudieran hacerlo. En general, la estancia de Coldplay en cada ciudad ha sido de 3 y 4 días. De actuar 4 noches en Barcelona a actuar 11 en Madrid hay un trecho. Que Coldplay llenaran el Estadí Olímpic de Barcelona cuatro días, convocando a más de 200.000 personas fue un hito. Al no incluir Madrid dicha gira, quizá podrían haber hecho una 5ª fecha. ¿Pero qué hace pensar que lograrán llenar un recinto similar una 6ª, una 7ª, una 8ª, una 9ª, una 10ª y además, una 11ª? ¿Somos conscientes de la diferencia de ir convocando a otras 50.000 personas, y luego a otras 50.000 más, y luego a otras 50.000 más, y así varias veces? ¿De verdad Coldplay barajan hacer en Madrid más conciertos que en el mismísimo Londres?
Este tipo de conciertos, además, no se anuncia así. El procedimiento natural es que el grupo anuncie un par de fechas, y después, ir ampliando hasta llegar a un tope que haya reservado, y que puede cumplir, o no. Anunciar 11 fechas en Madrid para Coldplay, de sopetón, es un riesgo que no sé por qué querrían correr. Bad Bunny fue añadiendo fechas poco a poco (no olvidemos que también tiene 2 en Barcelona), y lleva casi todo el año en el número 1 de Discos en España con un álbum que es hoy por hoy 5 veces platino en nuestro país y probablemente se acerque a los 10 platinos cuando la gira tenga lugar. Coldplay tienen unas cifras de streaming espectaculares, mantienen temas como ‘Yellow’ o ‘Sparks’ en las listas como si fueran canciones nuevas, y sus experimentos dance con The Chainsmokers, Avicii o BTS les acercaron a nuevas generaciones. Pero no están en la posición de Bad Bunny en España, hoy por hoy, porque insisto: España no es un mercado clave para Coldplay (sí lo es para Bad Bunny; cuestiones lingüísticas).
JENESAISPOP ha contactado con la promotora de los últimos conciertos de Coldplay en España para contrastar este anuncio. Live Nation no confirma esta gira. Interpreto que eso no significa que no se vaya a dar. Puede anunciarse mañana, el mes que viene, en 2026 o nunca. Sabemos por nuestro podcast ALGO CAMBIÓ… que los artistas llevan meses reservando estadios, no de cara a 2026, sino de cara a 2027 y más allá. Hay mucha demanda. Después, muchas de esas reservas se cancelan.
Quizá cuando el grupo de Chris Martin ofrezca su último concierto en Londres el 8 de septiembre deje caer sus nuevos planes. Los cuales también habrá que coger con pinzas: ¿cuántas veces han anunciado un último disco o una retirada? Sería bastante extraño que después de 3 años en la carretera, lo primero que anuncien sea que la gira continúa. Pero quizá lo hagan: nadie se los imagina demasiado tiempo en casa, y nadie sabe cuál será el tope o el límite de esta locura llenaestadios. Quizá Coldplay hagan esos 11 Metropolitanos, y dos años más tarde, Bad Bunny, 25.
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