‘Did you know there is a tunnel under Ocean Blvd’ es el título más largo de Lana, y también es otra de sus majestuosas baladas orquestales apegadas al sonido de los cantautores de los 70. Se puede decir que, en concreto, Lana ha buscado hacer una canción parecida a ‘Don’t Forget Me’ de Harry Nilsson, que es mencionada en la letra (curiosidad: Macy Gray versionó esta canción en 2009), así como el propio Harry, de quien canta: «quiero un amigo como él, alguien que me susurre al oído, que yo puedo con todo».
La soledad de la fama es una de las temáticas favoritas de Lana, y ‘Don’t Forget Me’ le sirve de mantra para pedirnos que no nos olvidemos de ella, como el público ha olvidado que efectivamente existe un «túnel debajo de Ocean Blvd», el llamado Jergins Tunnel, el mismo cubierto de «mosaicos» que describe la primera estrofa de la canción. Un túnel escondido, olvidado, que Lana utiliza presumiblemente como metáfora de la fama, y de su carácter efímero.
Entre otras citas a ‘Hotel California’ o a la ciudad californiana de Camarillo, Lana deja una frase histórica cuando canta: «ábreme, dime que te gusto, fóllame hasta que me muera, ámame hasta que me ame a mí misma». Su complicada relación con la fama y consigo misma, su baja autoestima, las mil referencias geográficas a Estados Unidos… hacen de ‘Did you know there is a tunnel under Ocean Blvd’ otra composición clásica de Lana que ofrece algo diferente al final, cuando se incorpora un coro góspel que eleva la canción a otro lugar.
Por otro lado, la página web oficial de la artista ha confirmado lo que se especulaba en redes estos días: el nuevo disco de Lana del Rey se titula igual que el primer single, ‘Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd’, y saldrá a la luz el próximo 10 de marzo de 2023. No es el único sorpresón, y es que Lana ha confirmado que el disco tendrá las colaboraciones de Jon Batiste, Bleachers, Father John Misty, Judah Smith, Tommy Genesis y SYML. Además, estará producido por Jack Antonoff, Mike Hermosa, Drew Erickson, Zach Dawes y Benji.
Aún más, parece que Lana seguirá una estrategia de lanzamiento similar a la del ‘Midnights‘ de Taylor Swift y ofrecerá distintas versiones del disco en vinilo con diferentes portadas. Se podrá pedir una edición estándar con el vinilo negro, otra en color rosa («Retail Exclusive»), otra en verde («Indies Exclusive»), otra púrpura («Amazon Exclusive») y otra en blanco («Store Exclusive»).
Decenas de fans, con la ayuda de la abogada Jennifer Kinder, se han unido para demandar a Ticketmaster y ya han decidido que no están dispuestos a aceptar ningún tipo de acuerdo, según informa TMZ. Kinder ha asegurado que, al contrario de lo que declaró la compañía, el fallo de Ticketmaster se basó en «matemáticas básicas», al entregar más códigos de preventa que asientos disponibles.
Kinder también ha recalcado que se creó «un escenario que era puro caos», al no llevarse a cabo unos pasos mínimos que asegurasen el correcto funcionamiento de la página, resultando en «registro, verificación y fracaso». Además, la abogada, también fan de Swift declarada, ha utilizado el término «busting» para referirse a una práctica en la que la compañía enviaba un mail al comprador y le informaba de que estaba en primera línea para adquirir las entradas. «Se metieron con la fan base equivocada», sentenció Kinder.
Al mismo tiempo, el Congreso de Estados Unidos ha citado al director ejecutivo de Live Nation Entertainment, Michael Rapino, para pedirle explicaciones sobre lo ocurrido con las entradas el próximo 15 de diciembre. La Comisión Federal de Comercio ha recordado a la compañía que están habilitados para multar a personas o entidades con «fuertes sanciones civiles» si consideran que se han utilizado cualquier proceso automatizado en la compraventa de entradas de forma indebida.
Entre los grandes lanzamientos internacionales de la semana recopilados en la playlist Ready for the Weekend se encuentra ‘HEROES & VILLAINS’, el nuevo álbum de Metro Boomin. Productor de éxitos como ‘Bad and Boujee’ de Migos o ‘Congratulations’ de Post Malone, Leland Tyler Wayne se ha rodeado de estrellas como John Legend, Don Toliver, Future, Travis Scott o The Weeknd en la secuencia de su segundo álbum de estudio.
Precisamente es el tema de ‘HEROES & VILLAINS’ en el que colabora Abel Tesfaye – y también 21 Savage- el que está calando a lo grande en el público, hasta el punto que ‘Creepin’ acaba de escalar al número 1 global de Spotify. Sumando 5 millones de escuchas diarias, lleva 20 en total en menos de una semana. En otras palabras: tiene el número 1 directo en Estados Unidos (casi) asegurado.
Casi porque es temporada de escuchar canciones navideñas y está por ver si ‘Creepin’ se resiste al huracán de villancicos de Mariah Carey, WHAM!, Brenda Lee… De momento, en el top 50 de Spotify UK prevalecen los villancicos y ‘Creepin’ aparece en el puesto 9. Sin embargo, en Estados Unidos ocupa el puesto 1 por delante de Brenda Lee, Mariah, ‘Jingle Bell Rock’ y demás canciones festivas; y otro tema de Metro Boomin, ‘Superhero’, aparece en segundo lugar.
‘Creepin’, de hecho, no puede tener menos que ver con la alegría de esas canciones. Se trata de un slow jam contemplativo, entre el hip-hop y el R&B, en el que The Weeknd canta de manera sentida sobre una mujer que le ha roto el corazón. Le pide que «si juegas conmigo, que no se note» y que «si me estás observando, que no sea evidente», porque su corazón «ya no puede aguantar más». Por su parte, 21 Savage rapea que la chica ha pasado de «ama de casa» a «relación furtiva» y dice que ni habiéndole duchado a regalos se ha quedado con él.
En el mejor momento de su carrera, The Weeknd se apunta otro número 1 al tiempo que prepara el estreno de su serie, ‘The Icon’, y la continuación de su gira mundial, que pasará por Madrid y Barcelona el próximo verano. Presentará, claro, ‘DAWN fm‘, su celebrado disco de este año.
La serie de conciertos de Sala Apolo, Be My Guest, dedicada a acercar sonidos de diferentes territorios a la ciudad de Barcelona, llega a su segunda fecha. El 2 de diciembre la protagonista fue la música portuguesa y brasileña con las actuaciones de, entre otros, Yeli Yeli o Sulana, y este viernes 9 de diciembre es el turno de tres tesoros de la música experimental. Las entradas anticipadas están disponibles en la web de Apolo y en DICE por 12€ + gastos de gestión.
Ese día, el sello protagonista en Be My Guest es Foehn Records y, en representación del mismo, Balago es uno de los artistas confirmados. Casi no necesita presentación este dúo de ambient de La Garriga que lleva en activo desde 1998, publicó su primer disco en 2001 y que, en años posteriores, ha publicado álbumes tan queridos en este género dentro del país como ‘Extractes d’un diari’ (2010) o ‘El demà’ (2018). El grupo formado por David Crespo y Guim Serradesanferm lanzó ‘Els altres’, su último trabajo, en 2020.
Y de la mano de Foehn Records llegan a la Sala Apolo dos de los artistas principales del sello londinense Discrepant. Por un lado, Muqata’a es un productor de Palestina residente en Ramalá, Cisjordania, que lleva 10 años en activo, aunque ha sido en los últimos tiempos cuando ha llamado la atención de medios internacionales gracias a dos discos, ‘Inkanakuntu’ (2018) y ‘Kamil Manqus’ (2021). La música de Muqata’a navega los mundos del hip-hop, la bass music y la grabación de campo y, en su último álbum, mezcla breakbeats con sonidos y transmisiones de radio de Oriente Medio, en un conjunto caótico e hipnótico.
Otro proyecto estrella del sello Discrepant es el de Lagoss. Formado por el jefe del sello, Gonçalo F. Cardoso, y por el dúo experimental canario de Mladen Kurajica y Daniel García, Lagoss pone banda sonora a las mitologías isleñas en su disco ‘Música Imaginaria de las islas Vol.1 Islas Canarias’ (2020), compuesto por cerca de 40 pistas que proponen su propia versión de la llamada «música exótica». Un mundo burbujeante en el que sumergirse.
Las sesiones Be My Guest, cuenta Apolo, «se inauguraron en 2014 como un ciclo de conciertos de producción propia de Apolo con el objetivo de descubrir escenas musicales de países concretos. Desde entonces, el proyecto ha evolucionado hacia el concepto del anfitrión, donde se invita a sellos, artistas o bandas amigas a tocar en la sala para presentar proyectos emergentes nacionales e internacionales. Además, ha incorporado Be My Guest ➹ Lanzamientos, una nueva línea de programación dedicada a mostrar nuevos trabajos del panorama musical».
Y continúa: «Artistas como Say Yes Dog, Sun Glitters, Jambinai, Pietnastka, 67,5 Minut Projekt, 13 Year Cicada, Pranke, Internazionale, Rosen & Spyddet, Yuri o Raquin entre otros, han participado de Be My Guest en representación de Luxemburgo, Israel, Polonia, Italia, Alemania o Dinamarca. Asimismo, Za! y los sellos Foehn Records y Cønjuntø Vacíø han ejercido de anfitriones de bandas locales como B1n0 o Myōboku».
Kae Tempest está a punto de promocionar ‘The Line Is A Curve‘ en España: exactamente actúa el jueves 8 de diciembre en Barcelona (Apolo) y el viernes 9 de diciembre en Madrid (Sala Paqui). Las entradas están a la venta a través de Houston Party.
Aprovechando esta visita, hablamos con elle a través de Zoom sobre la recepción de su álbum, el mensaje en el que vuelve a ser uno de los mejores discos del año, sus nuevos proyectos o el tipo de artista al que va a ver en directo. Tras una charla intensa con Kempest en 2019, con espacio para la política, la historia o la sociedad actual, en este caso le encontramos en un registro más ligero, mucho más sonriente además. Se nota que está contentx con lo que considera que ha sido un gran año para su creatividad…
¿Cómo ha ido este año?
Me siento muy bien, salgo de gira justo después de haber estado 5 semanas trabajando en un proyecto completamente diferente. Me gusta tener 2 o 3 diferentes ideas en diferentes etapas de desarrollo. Estoy terminando unas cosas, empezando otras… Todo está muy vivo. Está siendo un año muy bonito para mi creatividad. Tengo muy buenas sensaciones al respecto.
¿El proyecto es un nuevo álbum?
Son muchas cosas, hay nuevas demos, una novela, una cosa para teatro… Son diferentes maneras de contar historias.
Muchas de tus nuevas canciones siguen entre lo más escuchado de tu carrera, cuando tengo la sensación de que la gente hoy solo oye viejos hits y playlists. ¿Te has dado cuenta?
Este disco ha llegado a más gente, creo. Quizá es porque, para la gente, tiene más sentido ahora lo que hago. O la música es más abierta. Los discos anteriores son pesados, cerrados, son literalmente mundos cerrados dentro de los que tienes que saltar. Tienes que ser un tipo de persona concreto para entrar en ellos. Este es más abierto, más fluido, puede existir en diferentes tipos de mundo. ¡Espero!
Háblame del sonido del álbum, hay elementos orgánicos, pero también hay teclados y hasta me parece que sonidos industriales.
El sonido… es interesante. Normalmente al principio, en la primerísima sesión, en la primerísima demo, una idea se presenta a sí misma sobre cómo va a ser ese álbum. Sabía que quería que el disco tuviera unos sonidos particulares, sabía que quería un kit acústico, quería algo más vivo. Quería que 3 canciones formaran como una suite con un primer «mood» con un kit particular, luego que otras 3 sonaran más a banda tradicional con la batería, el bajo y los teclados… Sé lo que quieres decir con lo de industrial, es muy emocionante, pero no nos juntamos para ir por ningún lugar, es simplemente lo que pasó y dijimos «guay».
Ya sabes que los periodistas etiquetamos todo y en algún momento estuve tentado de comparar el disco con ciertas bandas de los 80’s, pero no estoy muy seguro…
Escucho mucha música muy diferente. Lo que quiero es ser real y necesito sentir la música. No me importa si es country de 1972 o algo de ayer, o algo de los 80 muy loco, pero tengo que sentirlo. Dan (Carey, productor del álbum) está especializado en garage-rock, este tipo de indie muy loco, pero al mismo tiempo le encanta el hip hop. Le gusta el rap muy duro y también tiene un perfil de techno. ¿Qué puedo decir de Dan? Es un genio. Lo que hace es tan completo y lo que hago yo es tan completo… Me siento muy segure trabajando con él porque puede ir a cualquier sitio. Nunca es «vamos a hacer música que suene así».
Por eso igual me siento tan perdido cuando escucho el disco y no sé con qué compararlo…
Pero es que todo músico funciona así. Cuando haces música, estás como montado en un animal, sin saber muy bien dónde vas a ir. Le pides a la música que te diga dónde ir.
Entonces la música nueva en que estás trabajando también es con Dan.
Sí, trabajo con diferentes productores en diferentes proyectos, pero mi relación con Dan es muy importante para mí. Me hace sentir muy excitade.
«No necesito ver al mejor bajista del mundo cuando está al lado Kendrick Lamar»
¿Qué podemos esperar de esta gira? Porque en el disco se oyen muchos instrumentos…
Para mí tiene más sentido que seamos dos personas solo sobre el escenario. Es más crudo, más real, me representa más ahora mismo. Así que solo somos yo y Hinakoo Mori, que toca los sintetizadores, es una virtuosa del piano, y también de los sintetizadores. No es como un DJ, toca. El sonido es vívido. A veces es difícil ecualizar bien muchísimos instrumentos, a veces te pierdes un poco entre ellos. Veo a Kendrick Lamar todas las veces que puedo porque es un milagro de nuestros tiempos. Hace diferentes shows en diferentes álbumes. Le he visto con los mejores músicos pero cuando le vi en la gira de ‘DAMN.’ era él solo y me di cuenta de que no necesito ver al mejor bajista del mundo cuando está al lado Kendrick Lamar. Hace poco vi a Billy Nomates en un festival de Bristol, y lo mismo: no necesitas ninguna banda si eres así de buena. Es más punk en cierto sentido. Tenemos un bonito set, grande, en el que todo está bajo control… Es un buen set.
¿Sabes si Kendrick Lamar conoce tu trabajo? Porque sé que es duro para los artistas británicos entrar en Estados Unidos.
Puedo decirte que cuando trabajaba en ‘The Book of Traps and Lessons‘, sé que Rick Rubin le mandó mi trabajo. Me fui a casa y lloré. No sé si abrió el mail o no, si escuchó solo el principio del disco o no, pero el simple hecho de que yo estuviera en su bandeja de mails me hizo llorar, me parecía tan bonito. No sé si lo escuchó, creo que debe de recibir muchos mails (risas).
En nuestra lista de lo mejor de 2022 estás más alto que Kendrick Lamar.
Es un sacrilegio, pero vale (risas).
¿Te ha gustado tanto este último disco de Kendrick?
No soy el tipo de persona que compare discos. No he vivido con este disco lo suficiente, cuando con otros he vivido durante años. Mis sentimientos son distintos. Cuando se publicó ‘DAMN.’ no lo sabía, tardé 2 años en darme cuenta de que iba a ser mi disco favorito.
Volviendo a tu álbum, ¿cómo lo sientes ahora que estás de gira con él? Otros discos tuyos terminan con cierto lugar para la esperanza, pero este no lo tengo tan claro. O igual me influye la situación política británica, que me parece un poco «sin esperanza» también. (risas)
Cada vez que lo tocas, aprendes algo del viaje del propio álbum. Hay mucha oscuridad, eso seguro. Hay más intento de contacto. Hay más liberación. Sienta bien tocarlo en directo.
¿Qué has aprendido del disco tocándolo?
He aprendido de la gente porque veo lo que les pasa cuando cambia la perspectiva. Por ejemplo en la canción ‘Salt Coast’, aunque el personaje seas tú, la gente se abre. El viaje desde ‘Priority Boredom’ hasta ‘Salt Coast’ es muy interesante. Con ‘Priority Boredom’, ‘I Saw Light’ y ‘Nothing to Prove’ se van metiendo dentro, pero es en ‘Salt Coast’ cuando la gente se abre de verdad. Es curioso observar cómo las cosas se van elevando hasta alcanzar un punto de gracia. He ido aprendiendo cómo estar abordo, con la sala.
¿Por qué todo es tan naranja en el encarte del vinilo y el propio vinilo?
Interesante. Es el color de la creatividad y el de la sensualidad. Es el color del lenguaje corporal. El sexo y la creatividad vienen del mismo sitio. Pero el disco no es naranja por eso, sólo es lo que sé sobre el color. Trabajo con un tipo llamado Harris Elliott, hace todos mis visuales, me conoce muy bien, supongo que pensó que era el color adecuado para este disco. Es un gran narrador de historias.
En ‘No Prizes’ hay tres historias, una de un hombre, otra de una mujer, y otra de una persona «no binarix». El estribillo se repite, no sé si como para decir que a todos nos afectan las mismas cosas.
No era mi intención, pero me alegro de que llegaras a esa conclusión. Para mí es una canción sobre resiliencia. Hay 3 pronombres diferentes, porque son 3 retratos de 3 personas. Esta canción vino de trabajar con Lianne (La Havas). Vino al estudio, estuvo buscando un estribillo, encontró la melodía primero y escogimos después las palabras, seguimos escalando. Yo tenía una estrofa que no me terminaba de gustar. Tenía la idea de seguir queriendo escalar. Es sobre 3 personas de mi vida, para mí fue muy claro que tenía que haber una progresión, que fuera muy circular y dijera algo sobre una foto más grande del disco. La cosa con los pronombres es solo que era sobre quien estaba hablando, que resultaban ser un hombre, una mujer y una persona no binaria.
¿Has leído la entrevista de Christine and the Queens, que está en tu mismo sello, en The Guardian, sobre que la gente no parece preparada para su mensaje, su disco y demás?
No, no la he leído.
En cuanto a tu colaboración con Grian Chatten, ¿escuchas a bandas de rock como Fontaines DC? Pensé que ya no me interesaba nada el rock, pero adoro esta banda.
Los descubrí muy pronto porque mi productor Dan Carey trabajó ya en su primer disco. Me dijo que estaba en Dublín y que los tenía que conocer. Así que he terminado viendo actuar a Fontaines DC como 50 veces. Es que los puto adoro. Amo a este hombre de la manera en que amo a los poetas que amo. Sí que tiene cosas de Joy Division, pero hay algo más, es contemporáneo, tiene un alma poética. Yo lo siento así. Es un poeta. Ya había pensado en trabajar con él, pero nunca había sido el momento. Cuando trabajaba en este disco, sí. Vino y estaba muy nervioso, se tomó como 4 pintas de Guiness en el bar del barrio (risas) Yo le decía: «¿por qué estás nervioso? Eres un genio». En el estudio apagamos todas las luces y leyó un poema.
Vas a muchos conciertos, por lo que veo.
Veo toda la música que puedo. Para mí es como ir a misa, reorganiza los átomos. No veo tantos como querría porque siempre estoy de gira. Pero si vas a un festival a tocar, siempre tienes un par de horas libres en que puedes ver muchas cosas. Así he visto a Michael Kiwanuka, Anna Calvi, Nick Cave, Run the Jewels… echas un ojo. También en bares de Londres.
Temples, Iván Ferreiro y Second se encuentran entre las nuevas confirmaciones que presenta hoy el festival WARM UP Estrella de Levante.
WARM UP Estrella de Levante sigue desgranando la programación de su quinta edición, que se celebrará en el Recinto La Fica de Murcia los días 29 y 30 de abril de 2023. Esta vez, lo hace con dos confirmaciones internacionales y cinco nacionales.
Temples encabezan la nueva tanda de confirmaciones de WARM UP, seguidos por el estadounidense Ron Gallo, abanderado del rock ‘n rol, e Iván Ferreiro. Además, Second presentarán su nuevo disco en la que está siendo su gira de despedida.
Por otro lado, está confirmada Marta Movidas, que acaba de sacar el primer single de su próximo disco, en línea con su sonido de «indie k-pop», y también pasarán por el festival la electrónica de la murciana Beatrix Weapons y el DJ set de Flash Show.
El cartel de WARM UP acoge nuevos artistas mientras ya contaba con la presencia de Franz Ferdinand, Hot Chip, Vetusta Morla, Viva Suecia, Yo La Tengo, Amaia, Carolina Durante, Dorian, León Benavente, Varry Brava, Carlos Sadness, Hope Tala o Natalia Lacunza.
También están confirmados Cariño, Rocío Márquez y Bronquio, Mujeres, Niña Polaca, Judeline, Ralphie Choo, Trashi, Pablopablo, Yung Prado y Maestro Espada.
Los abonos tanto para los dos días de festival como el pack de abonos para #WARMUP2023 más la Welcome Estrella de Levante están ya disponibles solo hasta agotar cupo en la web del festival. El precio irá subiendo conforme se vaya agotando el cupo.
El hombre que disparó al cuidador de perros de Lady Gaga ha sido condenado a 21 años de prisión por intento de homicidio.
James Howard Jackson, uno de tres hombres y dos cómplices que participaron en el ataque, ha llegado a un «acuerdo de culpabilidad» que le suprime otros dos cargos, conspiración para cometer un robo y agresión con un arma de fuego semiautomática, pues además se concluye que Jackson desconocía que los perros pertenecieran a Lady Gaga.
En febrero de 2021, James Howard Jackson atacó a Ryan Fischer, que se encontraba paseando los dos bulldogs franceses de Lady Gaga en Los Ángeles, con intención de robar los perros -una raza cara en el mercado- para venderlos. Fischer se defendió y fue herido de un disparo por Jackson. El cuidador quedó malherido en una acera y fue ingresado en el hospital.
“Es difícil creer que han pasado casi 2 años desde que estaba sacando a Asia, Koji y Gustav a dar un paseo nocturno cuando, en un instante, de repente me encontré luchando con todo lo que tenía para proteger a esos perros de ser robados», ha explicado Fischer. «Pero no fue suficiente: me golpearon, estrangularon, dispararon y me dejaron morir desangrado en una acera y jadeando por mi vida”.
Jackson consiguió robar los perros, y Gaga llegó a ofrecer 500.000 dólares a quien se los llevara de vuelta. Finalmente, la cantante recuperó a Koji y Gustav y agradeció a Fischer por su valentía y heroicidad. Devolvió los perros Jennifer McBride, cómplice del ataque, cuyo caso sigue pendiente, mientras Jaylin Keyshawn White se enfrentan ya a cuatro y seis años de prisión, respectivamente, tras declararse culpables el año pasado.
Entre las artistas que pasarán a otra liga en 2023 se encuentra definitivamente PinkPantheress, convertida en un icono del momento gracias a sus hits virales en TikTok, como ‘Break it Off’ o ‘Pain’, y a su recuperación del jungle y el drum ‘n bass de los noventa, en canciones que son adictivas cápsulas de 2 minutos.
Después de su mixtape de debut ‘to hell with it‘, que incluye las indispensables ‘Just for me’ y ‘I must apologise’, PinkPantheress prepara su debut verdadero. De este trabajo se conocen ya dos adelantos, ‘Do you miss me?’ y ‘Boy’s a liar’. El primero está producido por KAYTRANADA y el segundo por Mura Masa, y es la Canción Del Día de hoy.
PinkPantheress y Mura Masa ya trabajaron juntos en ‘Just for me’ y ‘Boy’s a liar’ es otra adición al repertorio de clásicos de la artista británica. Musicalmente se aleja del breakbeat y se asienta en un sonido más próximo al house-pop, pero el tacto melódico de PinkPantheress sigue presente en el modo en que ‘Boy’s a liar’ hace de cada melodía un gancho perfecto, del estribillo «the boy’s a liar, the boy’s a player» hasta esos posteriores «good enough, good enough» que elevan la canción a otro lugar. ‘Boy’s a liar’ es otro ejemplo del pop destilado de la «pantera rosa».
‘Boy’s a liar’ también es una creación conjunta de PP y Mura Masa, como cuenta la propia artista: «queríamos crear un tema divertido sobre un tema que suele darse en esta época del año, que los chicos son unos MENTIROSOS». ‘Boy’s a Liar’ habla sobre un chico que solo quiere a PP por su físico, pero que le hace pensar lo contrario: «¿me quisiste alguna vez? ¿Fui suficiente para ti?»
En ‘Boy’s a liar’, PinkPantheress convierte el despecho en perfección pop, y también en un éxito: van 6 millones de reproducciones en Spotify en menos de una semana. En comparación, ‘Picture of my mind’ lleva 11 millones desde su salida en agosto, y ‘Do you miss me?’ 4 millones desde su lanzamiento el mes pasado.
Un día después de publicar su lista con las mejores canciones de 2022, Pitchfork entrega la de discos, encabezada por ‘RENAISSANCE‘ de Beyoncé. Le sigue una de las revelaciones del año, Sudan Archives, y en tercer lugar aparecen Alvvays, en los puestos 2 y 3, respectivamente.
En el resto del top 10 no faltan ni Rosalía (6) ni Bad Bunny (5) pero, como de costumbre, interesa más lo que posiblemente nos esté descubriendo, como el disco de Special Interest, que se queda a las puertas del top 3; el de Yaya Bey (9), o el de Lucrecia Dalt (8).
Entre las curiosidades de la lista, The Weeknd coloca su disco ‘DAWN fm‘ en el puesto 11 pese a que nunca recibió la categoría de Best New Music, aunque se quedó cerca con una puntuación de 8 sobre 10. Poer aún, el de Kendrick Lamar obtuvo un 7,6 y aparece en el puesto 13. Además, el medio de Chicago reivindica el hardcore de ‘Diaspora Problems’ de Soul Glo (36), el R&B de ‘HYPNOS’ de Ravyn Lenae (32) o el indie-pop de ‘Expert in a Dying Field’ de The Beths (46).
01.- Beyoncé / RENAISSANCE
02.- Sudan Archives / Natural Brown Prom Queen
03.- Alvvays / Blue Rev
04.- Special Interest / Endure
05.- Bad Bunny / Un verano sin ti
06.- Rosalía / MOTOMAMI
07.- Big Thief / Dragon New Warm Mountain I Believe in You
08.- Lucrecia Dalt / ¡Ay!
09.- Yaya Bey / Remember Your North Star
10.- Alex G / God Save the Animals
Uno de los mayores casos del «efecto Bizarrap» ha sido claramente el de Villano Antillano. Gracias al éxito de la «sesión 51», la rapera portorriqueña ha pasado de ser conocida por unos pocos a alcanzar una popularidad global, lo cual en su caso es especialmente importante pues, como persona trans no binaria, está introduciendo en el mundo del rap otras identidades antes excluidas o marginadas. En su discurso apela directamente a la «resistencia al patriarcado», y su lírica tampoco se achanta en ese sentido.
En ‘La Sustancia X’, debut largo de Villano Antillano, son varios los momentos en que el disco se postula como producto total de nuestro tiempo en relación al género. ‘Hedonismo’, una de las pistas destacadas por su ritmo de freestyle ochentero, Villano utiliza el lenguaje neutro en una reivindicación de lo no binario («elle hedonique, todes hedoniques») y, por lo tanto, de sí misme. Y, más adelante, versos como «soy una mujer llena de poder» (‘Mujer’) cargan una evidente dimensión política, intencional o no.
Versos como los del synth-pop de ‘Nena mala’ van más allá incluso, desafiantes en su demanda de respeto: «Valídame, que soy un ser humano / Soy sagrada, no un ser pagano», rapea. Sin embargo, lo que hace que tanto esta canción como el disco entero valgan la pena es que, además de su componente reivindicativo, también consigue ser divertido.
Conocida por su ágil y rápido flow y por su pincel lleno de rimas ocurrentes y salvajes, Reinaldo entrega, en ‘La Sustancia X’, un disco de barras. En el trap de ‘Precaución, esta canción es un hechizo’ se muestra «llena de veneno, taranteca, soy araña», en el» reggaetón nuclear de ‘Cáscara de coco’ su talento hace que los «viejos verdes se cuelguen de la corbata»; y las referencias a la cultura popular tampoco faltan: si el reggaetón de ‘Kaleidoscópica’ apela a la «Madonna en los tiempitos de ‘Erotica'», en el dancehall de ‘Hello Kitty’ cabe una cita al ‘Slave 4 U’ de Britney y, entre «piki pikis», «miti mitis», «hello kittys» y «kinky kinkys», entre los juegos de palabras, el humor y la bravura, Villano condensa su estilo lírico en un verso listo para el «mic drop»:
«Perikito pim, pim, periquera pimpinela
Que se viene la Villana, se escuchan las bubucelas
Que si sigo siendo un macho, que si soy una cualquiera
Pero soy mejor que tú, envidiosa pordiosera»
La verborrea de Villano Antillano no viene acompañada, en ‘La Sustancia X’, de singles redondos que puedan llevarle a otra liga, de momento. Sí está especialmente apañado el reggaetón de ‘Cáscara de coco’, aunque es cuando se pone hip-hopera de verdad, como en ‘Yo tengo un novio’, cuando realmente se crece, en medio de otro puñado de rimas audaces.
Entre las pistas que se desmarcan del resto, no son demasiado atractivas las guitarras nu-metal de ‘Puesta’ con La Dame Blanche, pero el synth-pop de ‘Nena mala’ está bien resuelto. Se echa de menos ‘KLK‘, ausente de la secuencia por alguna razón, pero en ‘La Sustancia X’ Antillano demuestra con creces que sigue siendo una «ninja».
Se acerca el final de la gira de Rigoberta Bandini, que el 18 de diciembre actúa en el WiZink Center de Madrid y el 22 en el Navarra Arena de Pamplona. La catalana presenta, claro, su disco ‘La Emperatriz‘, que reúne la mayoría de éxitos que ha publicado en el último año y que ya está disponible para comprar en Bandcamp. Sí, la edición física.
Entre los hits conocidos por todos, como ‘Perra’, el repertorio de Rigoberta incluye otras joyas como ‘La emperatriz’, que para algo titula su disco. Otra de sus composiciones épicas, ‘La emperatriz’ incorpora el canto de «aleluya» típico de las misas cristianas, pues el álbum no deja de ser, entre otras cosas, una reivindicación sobre la religión. A su manera, eso sí.
Ha contado Rigoberta en el podcast de Jenesaispop que, en ‘La emperatriz’, ha querido dar un mensaje, pero sin renunciar al humor que le caracteriza. De ahí que la canción contenga autotune. «Cualquier mensaje cuando es profundo, es muy poco digerible», ha explicado. «Me apetecía hacer un «aleluya», pero no quería presentarlo como un “aleluya” normal. Por eso quería meterle el Autotune, que es algo que nunca había usado. Entra desde el siglo XXI y no sabes dónde meterlo».
Esa mezcla de espiritualidad y comicidad está muy presente en la composición de ‘La emperatriz’, que pasa la mayor parte de su minutaje en un estado latente, de euforia contenida, hasta que explota en un final de tecnopop apoteósico. A su vez, la melodía de «aleluya» es tan hermosa como para poner los pelos de punta. Al final, Rigoberta, cual predicadora del siglo XXI, difunde a grito pelado el mensaje del amor, desde el cielo, para que lo escuche todo el mundo.
‘La emperatriz’ habla de la fama («me he olvidado de quién fui, antes de subirme al toro»), de la fe («creo en todos los dioses, desde Asturias hasta Kyoto»), y también manda un mensaje a la abuela de Ribó, fallecida recientemente («esta noche pienso en ti, creo un altar porque te añoro»). La figura de la «emperatriz», en su feminidad, apela especialmente a Bandini: «La emperatriz no soy yo, es el poder femenino, es mi abuela, es mogollón de cosas». En esta canción, este poder adquiere una escala gloriosa, muy bien resuelta también en su Gallery Sessions.
Kirstie Alley, actriz conocida por sus papeles en ‘Cheers’ y ‘Mira quién habla’, ha fallecido a los 71 años de edad a causa del cáncer que padecía. Sus hijos han confirmado la noticia en un comunicado: «Con tristeza informamos que nuestra increíble, fuerte y amorosa madre falleció tras una batalla contra el cáncer, descubierto recientemente».
Alley fue conocida por su papel de la carismática Rebecca Howe en la serie de televisión ‘Cheers’, por el que ganó un Emmy y un Globo de Oro en 1991; y también por su rol en la comedia romántica de 1989 ‘Mira quién habla’, película que protagonizó junto a John Travolta. Alley se hizo con un segundo Emmy por su papel en otra película, ‘Un cariño muy especial’, en 1994 y, de 1998 a 2000, interpretó a la protagonista de la serie de comedia ‘Los secretos de Verónica’.
Empezado el siglo XXI, la carrera de Alley pasó a un segundo plano, en tanto fue una de las primeras celebridades asediadas por sus cambios de peso. Alley llegó a pesar 110 kilos y sus peinetas a la prensa durante este periodo son recordadas por una generación.
En el plano profesional, Alley sacó provecho de esta circunstancia de dos maneras: en 2005 interpretó una versión ficticia de sí misma en la serie ‘Fat Actress’, y en 2010 protagonizó el reality show ‘Kristey Alley’s Big Life’, donde documentó su pérdida de peso.
En los últimos tiempos, Alley había aparecido en la serie ‘Scream Queens’ y no dejó de participar en televisión: concursó en Gran Hermano VIP (la versión estadounidense) y, hace muy poco, apareció en ‘Masked Singer’.
El despertar al deseo y el autodescubrimiento son dos temas recurrentes en la filmografía de Luca Guadagnino. En ‘Call Me By Your Name’, Elio se enamoraba profundamente de Oliver en un idílico pueblo del norte de Italia en los años 80; en ‘We Are Who We Are’, sus protagonistas exploraban su identidad y sexualidad en una base militar estadounidense; y, en ‘Bones and All’, el director emprende un viaje iniciático al placer de la carne a través de un romance entre dos jóvenes caníbales bajo la inmensidad del paisaje norteamericano.
La vida de Maren (una excelente Taylor Russell), una adolescente que vive con su padre en una zona marginal de Virginia, cambia cuando nada más cumplir 18 años, este desaparece dejándole solo una cinta y un certificado de nacimiento. Desde que era pequeña, siempre tuvo impulsos caníbales, pero había conseguido, la mayoría del tiempo, mantenerlos dormidos. Una vez abandonada a su suerte y queriendo encontrar respuestas sobre su identidad, decide buscar a su madre, de la que su padre jamás le dio ningún detalle. En su viaje descubre que su naturaleza antropófaga no es exclusiva, sino que hay más gente como ella viviendo en los márgenes de la sociedad, ocultos entre la humanidad. Su camino se termina cruzando con Lee (un magnético Timothée Chalamet), un joven con la misma necesidad carnívora que ella. Ambos se embarcan en un viaje a ninguna parte, anhelando una conexión íntima, aceptando su condición y sobreviviendo como pueden a una sociedad en la que no tienen cabida.
Basándose en la novela homónima de Camille DeAngelis, Guadagnino sigue la tradición del cine independiente estadounidense de los años 70 y 80, y traza una alegoría queer mediante un emocionante drama romántico. Las influencias de la road movie de ‘Malas Tierras’ de Terrence Malick, o la representación más cruda de la América olvidada de ‘Wanda’ de Barbara Loden, conviven con un retrato de los marginados con tintes fantásticos similar al de ‘Los viajeros de la noche’, el western vampírico de Katrhyn Bigelow.
‘Bones and All’ abarca distintos géneros y temas, pero esta ambición mutante, lejos de emborronar su foco consigue una película sabia y observadora, que detrás de su sangriento disfraz, funciona como un espejo en el que vernos reflejados. El amor entre Maren y Lee surge como una necesidad: solo se tienen el uno al otro. Es ahí donde se encuentra el alma de la cinta, en su reivindicación del amor –no meramente romántico- como única forma de supervivencia, en la necesidad de crear comunidad, de tener gente que te haga sentir en casa.
Guadagnino retrata la otredad de sus personajes sin emitir juicios morales, empatizando y entendiendo sus conflictos, y consigue, además, interpretaciones poderosas de su reparto. Más allá de la espléndida pareja protagonista, Mark Rylance es una presencia hipnótica como un caníbal solitario y siniestro. Y, en tan solo una terrorífica y grandiosa escena, Michael Stuhlbarg, quien interpretó al padre de Elio en ‘Call Me By Your Name’, vuelve a sentarse cara a cara frente a Timothée Chalamet y se come la pantalla a bocados encarnando a un sádico antropófago.
La atmosférica música de Trent Reznor y Atticus Ross, capaz de sonar tan bucólica como amenazante, adorna esta travesía por la América profunda, realzando con inteligencia la intensidad dramática de la cinta. Guadagnino se mueve con soltura entre los diferentes tonos que exige la narración, mostrando tanto su habilidad para crear una tensión aterradora como para plasmar con ternura la intimidad del romance. Así, ‘Bones and All’ logra ser un cóctel explosivo y muy romántico, mezclando los códigos del cine de terror con una relevante metáfora sobre la auto-aceptación. Bajo las vísceras y la sangre, también se halla una conmovedora celebración sobre la preciosa temeridad que supone amar a alguien y entregarse hasta los huesos.
Si hay una práctica que está definiendo el pop de nuestros días es la colaboración, por lo que a nadie puede sorprender que Bad Gyal y Quevedo se hayan juntado en una canción. Probablemente era de esperar dado que son dos de los artistas más exitosos del pop urbano español.
‘Real G’, su single conjunto, se titula con un concepto asociado a la cultura del reggaetón y, en concreto, a un single de Ñengo Flow. El término alude a la idea de autenticidad, por lo que es prácticamente sinónimo de «urbano», proveniente de la calle, por mucho que haya motivos para poner el concepto de «música urbana» en entredicho.
Sin embargo, ‘Real G’ no es exactamente una producción de reggaetón, sino que toma una forma de house bajo producción de Taiko, Sky Rompiendo y Merca Bae. El tema tiene más en común, por tanto, con el hit de Quevedo y Bizarrap, o con ‘Sexy’ de Bad Gyal, que con el reggaetón típico.
En este contexto dance y clubero, Bad Gyal y Quevedo vuelcan sus respectivas sensibilidades melódicas, siempre filtradas con autotune, manteniendo ese código urbano. El gancho de Bad Gyal «el nene mío es real g, pero se mueve sexy, me hace elevarme de aquí, está bueno mi papi», y la respuesta de Quevedo, sobresale mientras los susodichos se desnudan con la mirada en la discoteca.
El vídeo de ‘Real G’ agrega un componente infantil al representar una audición en la que los jueces Bad Gyal y Quevedo escogen a los futuros «real G» entre un grupo de niños que claramente han nacido para bailar.
La reedición de ‘Sex‘, el libro erótico de Madonna, ha sido limitada, exclusiva, e igual de exclusiva ha sido la fiesta que se ha organizado en torno al lanzamiento de esta reedición. La propia Madonna ha estado presente en el sarao, así como la persona que lo ha organizado, el diseñador de moda italiano y creativo de Saint Laurent, Anthony Vaccarello.
La fiesta de ‘Sex’ ha tenido lugar en Miami Beach, en el contexto de la feria de arte Art Basel, original de Suiza, pero que se celebra en diversos lugares del mundo (en Miami desde 2002). El evento se ha celebrado en la playa y ha consistido en una exposición y en un baile posterior. Según un periodista de The Cut que ha cubierto el evento, el look de Madonna parecía el de un «alien no binario», lo cual es curioso porque el propio periodista es no binario.
Precisamente, la crónica de The Cut da una idea del ambiente en evento y hoteles cercanos, donde lo mismo te encontrabas a Diplo que a la estilista de Lizzo, que a una influencer pidiendo un taxi. Incluso en el mundo del famoseo hay jerarquías, en este caso, «los que han pagado su habitación de hotel, y los que no». Lindsay Lohan se encuentra entre quienes se lo han costeado de su propio bolsillo. Un desfile de marcas, influencers y «crypto bros» tan «caótico» como aparentemente suelen ser las fiestas en Miami en comparación con las de Nueva York.
La exposición ha podido verse desde el 29 de noviembre hasta el 4 de diciembre en un pop-up construido para la ocasión. Allí, los asistentes han podido contemplar algunas imágenes contenidas en ‘Sex’, como aquella mítica de Madonna haciendo autostop desnuda, y que Ursual Corberó, una de las personas invitadas, ha imitado en una curiosa foto. Allí, también, las personas interesadas han podido hacerse con una de las 800 copias limitadas que se han editado de ‘Sex’, a un precio desorbitado.
Corberó, amiga de Madonna desde que coincidió con ella en un avión, ha sido una de las celebridades que han asistido a la fiesta, pero desde luego no la única: por allí se han dejado caer también Zoe Kravitz, Hailey Bieber, Rauw Alejandro y gente del mundo de la moda como Anja Rubik, Emmanuelle Alt o Alek Wek. Honey Dijon se ha encargado de pinchar música en la fiesta posterior a la expo. Tampoco se han perdido la fiesta Lourdes León y Rocco Ritchie, hijos de Madonna.
Según cuentan medios como WWD, la fiesta posterior a la expo ha contado, no solo con la música de Honey Dijon, sino también con una piscina, velas flotantes, y la proyección de imágenes del «behind the scenes» de ‘Sex’. Madonna ha bailado y se ha dejado ver con todo el mundo, desde Rauw Alejandro hasta Nadya de Pussy Riot.
Siempre hemos sido conscientes de que Röyksopp eran uno de vuestros grupos favoritos, quizá no hasta este punto. Hoy nos damos cuenta de que ‘Me&Youphoria’, uno de los temas incluidos en su trilogía de álbumes de este año, ‘Profound Mysteries‘, es su 8º número 1 en JENESAISPOP. El dúo de pop electrónico noruego ha logrado llegar a la cima anteriormente con y sin Robyn: ‘The Girl and The Robot’, ‘This Must Be It’, ‘Running Into the Sea’, ‘Do It Again’, ‘Monument’, ‘Sordid Affair’ y ‘I Had This Thing’. ‘Me&Youphoria’ es efectivamente una de sus piezas más pop a la altura del resto.
En el puesto 2 entra el tema de Carly Rae Jepsen con Rufus Wainwright, y también llegan al top 10 nuevos singles de Weyes Blood y Natalia Lafourcade. Entre las nuevas entradas, también Maria Rodés, Los Punsetes, Patrick Wolf y rusowsky con TRISTÁN.
Bad Bunny y Rosalía son, sin ninguna duda, los dos artistas hispanohablantes más laureados del año, consiguiendo posicionar la música en español en los puestos más altos de las listas estadounidenses de final de temporada, gracias a los lanzamientos de ‘MOTOMAMI’ y ‘Un Verano Sin Ti’.
Para el New York Times, el disco de Bad Bunny se posiciona entre los 15 mejores del año. Sin embargo, colocan a ‘MOTOMAMI’ como el segundo mejor LP de 2022, solo por detrás de ‘RENAISSANCE’. A su vez, tanto la revista TIME como Rolling Stone han posicionado ambos proyectos en su Top 10 del año, saliendo mejor parado de los dos el del puertorriqueño, que se ha llevado la corona en el ranking de TIME y la plata en el de Rolling Stone.
A los medios estadounidenses les ha tocado elaborar las listas de mejores canciones y tanto Rosalía (‘SAOKO’) como Bad Bunny (‘Tití Me Preguntó’) han entrado en el Top 10 de Pitchfork. Ahora, es el turno de Rolling Stone, y los dos artistas han salido todavía mejor parados. El ya clásico himno de ‘Tití Me Preguntó’ corona la lista, por delante de ‘CUFF IT’, uno de los mayores hits de ‘RENAISSANCE’, que han posicionado en el segundo puesto. Solo hay dos canciones más por delante de Rosalía y su ‘DESPECHÁ’, que ha alcanzado el Top 5 del ranking: la viral ‘Bad Habit’ de Steve Lacy y la reciente ‘Karma’, sacada del ‘Midnights’ de Taylor Swift.
El resto del Top 10 lo completan Quavo y Takeoff con ‘HOTEL LOBBY’ (#6), ‘Cash In Cash Out’ (#7) de Pharrell con 21 Savage y Tyler, the Creator, ‘BREAK MY SOUL’ (#8), ‘As It Was’ (#9) y ‘Jimmy Cooks’ (#10), la colaboración entre Drake y 21 Savage que fue el precedente de ‘Her Loss’.
Sorprende la inclusión de canciones como ‘HOTEL LOBBY’ o ‘Jimmy Cooks’ en puestos tan altos, siendo buenos temas, pero un tanto insustanciales si recurrimos a comparaciones. Por otro lado, Beyoncé también ha probado ser una de las artistas más aclamadas del año y su doble presencia en esta lista es una prueba de ello, de las tantas que hay.
Las 10 mejores canciones de 2022 para Rolling Stone:
1. Bad Bunny / ‘Tití Me Preguntó’
2. Beyoncé / ‘CUFF IT’
3. Steve Lacy / ‘Bad Habit’
4. Taylor Swift / ‘Karma’
5. Rosalía / ‘DESPECHÁ’
6. Quavo & Takeoff / ‘HOTEL LOBBY’
7. Pharrell ft. 21 Savage & Tyler, the Creator / ‘Cash In Cash Out’
8. Beyoncé / ‘BREAK MY SOUL’
9. Harry Styles / ‘As It Was’
10. Drake ft. 21 Savage / ‘Jimmy Cooks’
Vicente Navarro ha publicado recientemente su segundo disco, ‘Las manos’, que va a ser nuestro «Disco de la Semana». Como el primero, ‘Casi tierra‘, se acerca al folclore patrio desde una perspectiva ligeramente electrónica, ahora más acentuada.
El álbum se ha presentado con dos singles notables, ‘Una herida’ y ‘Camposanto’, pero es ‘El primero’ el más rupturista respecto a su trabajo anterior y por tanto nuestra «Canción del Día».
‘El primero’ comienza con una interpolación del Concierto de Aranjuez con la propia melodía de la composición. La grabación avanza, conteniendo cierta agitación, hasta que al final explota y emerge una sección drum&bass. Como nos ha contado Vicente Navarro en una entrevista que publicaremos estos días, el tema retrata una huida en un entorno bélico. Una «trieja» es la protagonista, pero uno de los 3 ha de «huir» porque la sociedad no aprueba su situación.
De hecho, la canción comenzaba diciendo «vamos a bailar los 3» y así puede leerse en las letras del vinilo cuando este llegue el año que viene. Pero al final se ha quitado el sintagma «los 3» en favor de lo poético. Más claras son frases como «viene apretando el gatillo y viene quemando la niebla. Si nos volvemos a ver, os daré mi verano / y si no fuera posible el resto del año».
El estribillo de la canción es “No hay pecado que valga por mucho que diga Dios”, en referencia a la educación católica. Nos cuenta Navarro: «es sobre la invasión en un pueblo. Somos 3 personas, somos algo que la sociedad no entiende. Yo me escapo para intentar que no maten a los otros dos». Una angustia que se retrata en la cadencia de la canción, de la misma manera que el drum&bass representa muy bien dicha «huida», logrando que la producción del tema resulte casi un videoclip.
Vicente Navarro presenta este disco el 8 de febrero en Madrid y el 3 de marzo en Barcelona.
Las declaraciones antisemitas de Kanye West están suponiendo el fin de su colaboración con marcas… ¿pero recordamos que el artista ha tenido problemas mentales? Win Butler de Arcade Fire ha recibido acusaciones de acoso por parte de 5 mujeres y Pitchfork parece haberle «cancelado», pero su caso no termina de trascender a otros medios o importar a la industria: su gira está siendo un éxito. Estos son algunos de los temas que tratamos en el nuevo episodio del podcast REVELACIÓN O TIMO, EL PODCAST DE JENESAISPOP, en torno a la llamada «Cultura de la Cancelación». Por suerte hemos podido contar con la participación de una mente privilegiada, la periodista Paloma Rando… que este verano estuvo a punto de ser cancelada a su vez.
Rando nos habla sobre la diferencia entre seguir consumiendo la obra de un determinado artista y realizar una «llamada al boicot», que podríamos considerar lo propio de una cancelación. Debatimos sobre la eterna disyunción entre separar vida y obra, pues hay ciertas voces en contra, como la de Elena Cabrera en una columna de nuestro Anuario 2022; sobre el revisionismo y el peligro de juzgar un gag de Martes y 13 treinta años después en un marco sociocultural completamente diferente; o sobre el peligro de defender una obra tan solo porque comulga con nuestros valores morales.
El caso de Arcade Fire nos lleva a hablar sobre la necesidad de creer y escuchar a una víctima versus la presunción de inocencia que define a todo estado de derecho. Los casos tan dispares de Woody Allen, Michael Jackson, J.K. Rowling o Louis C.K. salen a colación, con el gran interrogante sobre si es válido meterlos a todos en el mismo saco. ¿Por qué nos parece que unos fueron cancelados -si es que lo fueron- por las razones correctas y otros como Sinéad O’Connor, todo lo contrario? Nos planteamos también por qué sólo se cancela a personas relacionadas con el ámbito de la cultura, mientras esto no es un problema para deportistas, como se está viendo en el Mundial de Catar. Hablamos sobre las dificultades éticas de seleccionar cierto tipo de noticias o rumores como parte de la prensa, y en una última parte del podcast contamos nuestra propia experiencia con la cultura de la cancelación. ¿Hemos estado cerca nosotros mismos de ser cancelados?
Mad Cool ha publicado la programación de su edición de 2023, que se celebrará los días 6, 7 y 8 de julio en el Nuevo Espacio Mad Cool. Entre los cabezas de cartel se encuentran algunos especialmente sorprendentes como Robbie Williams, Lizzo y Lil Nas X, que actuarán el mismo día. Lizzo no ha frecuentado España, y Lil Nas acaba de actuar solo en Barcelona.
Entre headliners que son «classic Mad Cool» como Red Hot Chili Peppers, Queens of the Stone Age, Machine Gun Kelly, The Black Keys o Liam Gallagher, es decir, rockeros (y masculinos), se entrevé un esfuerzo por parte de Mad Cool de conceder ese espacio a otro tipo de artistas y perfiles: Lizzo es la única mujer que encabeza el festival, pero Lil Nas es LGBT, así como Sam Smith, que es no binario. Quedan dos cabezas de cartel por confirmar, para los días 7 y 8.
Si a alguien le da por pensar que Taylor Swift podría encontrarse entre esos dos nombres secretos, lo cual sería lógico pues llegó esta confirmada en la edición que se canceló por la pandemia, hay que decir que las fechas le pillarán en su ‘Eras Tour‘. Los días 7 y 8 actúa concretamente en Kansas City, por lo que su presencia queda descartada.
Entre los artistas confirmados en letra mediana por Mad Cool destacan los de Sigur Rós, The 1975, Franz Ferdinand, Rina Sawayama, Paolo Nutini, la nueva sensación del rock británico Nova Twins, Angel Olsen, Rüfus du Sol, Jamie xx, Years & Years, The Rose o Sylvan Esso.
Además, estarán la revelación GAYLE, Genesis Owusu, Men I Trust, Bombay Bicycle Club, Nathaniel Rateliff o, desde España, Cupido, Delaporte, Belako…
La preventa de entradas se habilitará el 12 de diciembre para abonos, y el 26 de diciembre para entradas de un solo día, mientras la venta general se abrirá el 15 de diciembre para abonos, y el 29 de diciembre para entradas de un solo día.
Pitchfork ha publicado su lista de mejores canciones de 2022, encabezada por una que probablemente no esperabas, ‘Belinda Says’ de Alvvays. Se trata de uno de los singles extraídos de ‘Blue Rev‘, tercer disco de Alvvays, aunque no el más escuchado, que es ‘Pharmacist’. Sí es una clara apuesta de Pitchfork por el indie guitarrero, en una lista no exenta de curiosidades.
El medio de Chicago no se ha podido resistir al encanto de ‘As it Was’ de Harry Styles, la canción del año a nivel comercial, que aparece en último lugar, en el puesto 100, y de Kendrick Lamar rescata ‘The Heart Part 5’, que no está incluida en su último disco. Además, Azealia Banks coloca ‘New Bottega’ en el 63: se trata de un tema que solo estuvo disponible vía descarga, y que Azealia prepara lanzar oficialmente el año que viene.
Son pocos los artistas que hacen doblete en lista. Perfume Genius aparece tanto en solitario (‘Ugly Season’ en el puesto 64) como en compañía de Yeah Yeah Yeahs (‘Spitting Off the Edge of the World’ llega al 6) pero, sobre todo, es Beyoncé la afortunada: ‘ALIEN SUPERSTAR‘ alcanza el puesto 5, convertida en clásico de culto; mientras ‘BREAK MY SOUL’ saluda por detrás, en el 56.
Volviendo al top 10, Destroyer se queda a las puertas del número 1 y ‘June’ aparece en el 2, seguida por ‘F.N.F. (Let’s Go)’ de Glorilla y Hitkidd. Rosalía también entra en el top 10 con ‘SAOKO’, que queda en el 7, y Bad Bunny lo hace con ‘Tití me preguntó’ en el 9. Utada Hikaru saluda en el 10 con ‘Somewhere Near Marseilles’, su tema de 12 minutos.
Así queda el top 10 de mejores canciones de 2022 para Pitchfork:
01.- Alvvays / Belinda Says
02.- Destroyer / June
03.- Glorilla, Hitkidd / F.N.F. (Let’s Go)
04.- Alex G / Runner
05.- Beyoncé / ALIEN SUPERSTAR
06.- Yeah Yeah Yeahs, Perfume Genius / Spitting Off the Edge of the World
07.- Rosalía / SAOKO
08.- Alan Braxe, DJ Falcon ft. Panda Bear / Step by Step
09.- Bad Bunny / Tití me preguntó
10.- Hikaru Utada / Somewhere Near Marseilles
Måneskin están de gira por Norteamérica y, estos días, están dando una serie de conciertos en el Hammersmith Ballroom de Nueva York. Allí, los italianos han querido homenajear a una de las artistas más icónicas nacidas en la ciudad: Lana Del Rey.
El homenaje, claro, toma forma de versión, en concreto, de ‘Blue Jeans’, uno de los singles icónicos que dejó el debut de Lana, ‘Born to Die‘. En la voz de Damiano, rasposa, ‘Blue Jeans’ se transforma en una balada de rock clásico que podría pertenecerles a ellos.
Antes de cantar ‘Blue Jeans’, Damiano explica: «Estamos en Nueva York, y esta ciudad es casa de algunos de los mejores artistas de la historia de la música. Y queremos homenajear a una en particular, porque ella hizo posible crear obras maestras en los años 2000, así que gracias, Lana».
Por supuesto, Måneskin son muy dados a hacer versiones y, en sus conciertos, no solo tocan su éxito ‘Beggin’ (original de The Four Seasons), sino que también cantan canciones de The Who (‘My Generation’) e Iggy Pop (‘I Wanna Be Your Dog’).
La cover de Måneskin llega justo en el momento en que Lana ha dado noticias musicales: ha anunciado que anunciará algo el 9 de diciembre, y se espera que confirme la llegada de su nuevo disco, pese a que hace meses le robaron las maquetas.
Por su parte, los rockeros italianos preparan el lanzamiento de su nuevo disco, ‘RUSH!’, que sale el 20 de enero. Será su primer lanzamiento tras su victoria en Eurovisión y el fenómeno que han protagonizado después. ‘The Loneliest’, el segundo single extraído del álbum, ya es su tema más popular en Spotify.
Karmento y Colectivo Da Silva se dieron cita el jueves pasado en la sala Clamores de Madrid para dar cierre al ciclo Girando Por Salas de 2022 #GPS12. Karmento, el proyecto de nuestra manchega favorita, sigue paseando los temas del brillante ‘Este devenir’ (2020) que la ha llevado hasta el Benidorm Fest, acercándola a nuevo público y quién sabe si hasta Eurovisión 2023. Porrón de vino tinto cerca, en un suelo con naranjas esparcidas, descalza, fue desplegando su espectáculo de pop folclórico, poesía y cante de la sierra del Segura.
Acompañada de Emilio Abengoza al piano o guitarra, Albany Guedez al violín y Rosi Herreros en las percusiones nos deleitó con las ampliamente conocidas ‘Cri, cri’ o ‘La manchega en la azotea’. No faltó ‘Que vuelva la magia’, ’El amor y la esfera’, ‘Marea’ ni ‘El Rancho’. La sorpresa, tal vez esperada por muchos, fue la aparición de Vicente Navarro para interpretar ‘La juventud’, que nos colocó más si cabe las emociones a flor de piel. Antes de tener que contenerme las lágrimas con ‘Esto no es una despedida’, Carmen agradeció el apoyo a la música en directo de iniciativas como Girando Por Salas e invitó a todos a no cesar en la protección de la cultura. Ernesto Cortijo PIER fotografía
Llegó el turno de Colectivo Da Silva. Los de Granada se mostraron divertidos y agradecidos una vez más de estar en Madrid. El público cantó a gritos frase a frase cada canción del show, convirtiendo el concierto en una suerte de karaoke-pachanga que todo el mundo celebraba encantado. El luminoso ‘Casa Vargas’ destelleó con ‘Invítame a tu casa’, ‘After’ o ‘Que dios bendiga el reguetón’, ese delicioso reggae que te enamora desde el primer acorde.
No faltaron los singles ‘Bolitas’ (2020), ‘1000 razones’ de su EP ‘Amor de temporada’ (2021) o el reciente ‘Quién pudiera’, una cumbia reguetonera que puso al público entero a menearse. Aunque para meneos, los que trajo el pogo en ‘Marina D’Or’ del álbum ‘Vacaciones’ (2015) o el calor con el que se recibió a la artista viguesa dani -pocos días después de haber cantado con Dorian en el WiZink Center– cuando se unió a las voces de ‘Nos vemos luego’.
Los de Granada anunciaron un pequeño descanso en los próximos meses pero que volverían a actuar en la capital en mayo del próximo año. Mientras nos apuntábamos la fecha (05/05/23 en la sala Cool) nos regalaron como bonus ‘Nena, ven a por eso’ poniendo el broche final a una noche que pone de manifiesto lo que vale la pena apoyar a las salas y a aquellos que se dejan la piel por una programación variada de conciertos al alcance de todos. Ernesto Cortijo PIER fotografía Ernesto Cortijo PIER fotografía
Arctic Monkeys, una de las bandas que podrás encontrar en nuestro Anuario con lo mejor de 2022, gracias a la edición de sus canciones nuevas en el disco ‘The Car’, anuncia nuevo concierto en Madrid.
Hasta ahora sabíamos que el grupo actuaría en el Bilbao BBK Live en una fecha exclusiva en cuanto a festivales. Pero también podrás verles en un recinto a ellos solos.
Concretamente, la primera de sus dos fechas será el sábado 8 de julio de 2023 durante la celebración del festival Bilbao BBK Live y la segunda con un único concierto en el WiZink de Madrid el lunes 10 de julio de 2023. Será la primera vez en 10 años que la banda actúe en un pabellón de la capital de nuestro país. Las entradas para Madrid saldrán a la venta el miércoles 7 de diciembre a las 12h y se podrán adquirir a través de lasttour.org y seetickets.com/es.
Os recordamos que en cuanto a Bilbao BBK Live, también están confirmados junto a «los Monos», Florence + the Machine, The Chemical Brothers, The Blaze, Love of Lesbian, Albany, Baiuca, Rojuu, Playback Maracas, etcétera.
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