Gal Costa, una de las mayores representantes del tropicalismo brasileño junto con Caetano Veloso (que escribió algunos de sus éxitos), Gilberto Gil y Maria Bethania, ha fallecido a los 77 años. No se ha revelado causa de su muerte. Recientemente, Costa había suspendido conciertos para someterse a una cirugía para que se le extirpase un nódulo en la nariz.
Una de las grandes voces del pop brasileño, Costa publicó su primer disco, ‘Domingo’, en 1967 en colaboración con Caetano Veloso, y este escribiría más adelante ‘Baby’, el primer éxito a escala nacional de Costa. ‘Baby’ formó parte del álbum clásico de la tropicalia ‘Tropicália: ou Panis et Circenses‘, publicado en 1968, y que contenía otros temas conocidos de Costa como ‘Mamãe coragem’, ‘Parque industrial’ o ‘Enquanto seu lobo não vem’, entre otros de Veloso, Gil u Os Mutantes.
En 1969, Costa publicó su álbum debut homónimo, considerado otro gran clásico de la tropicalia: ‘Que pena (Ele já não gosta mais de mim)’ y ‘Não identificado’ sumarían más singles de éxito a su repertorio, en un disco que fusionaba bossa nova con psicodelia norteamericana. ‘Gal’, su segundo álbum, vio la luz apenas meses después y se considera el más psicodélico y experimental de su carrera.
Costa siguió publicando discos en las siguientes décadas y, si en ‘Legal’ coqueteaba con el R&B o el jazz, en ‘India’ (1973) se volvía a centrar en un sonido tradicional brasileño, y su portada -que muestra la parte de abajo del bikini de Costa- fue censurada por la dictadura brasileña. En 1982, Costa obtuvo el mayor éxito de su carrera con ‘Festa do interior’, incluido en el álbum ‘Fantasia’.
Después del especial Halloween, compartimos una nueva edición de nuestra sección «10 Fotos Que» con algunas de las fotos que más nos han divertido o sorprendido en redes sociales.
El breve encuentro de Paco León y Lady Gaga: Empezamos fuerte. Paco León y Milena Smit han estado en Malibú, California y, en la ciudad, han acudido al evento de una conocida marca de champán que acaba de sacar una botella en colaboración con Lady Gaga. Por supuesto, la autora de ‘Chromatica‘ estaba en el evento y los tres han posado juntos en esta foto.
El selfie de ANOHNI: ANOHNI no se prodiga mucho en redes sociales pero, estos días, ha colgado un selfie de ella maquillada que ha sorprendido a sus seguidores. Entre ellos se encuentran Naomi Campbell, Isabel Coixet, Beth Orton, Joan as Police Woman o Amanda Palmer: todas ellas han dejado mensajes de cariño a la cantante.
Selena Gomez y Hayley Bieber posan juntas: Mucho antes del estreno de su documental ‘My Mind and Me’, con cuyo director hablamos hoy en portada, Selena Gomez dio que hablar gracias a estas instantáneas en las que aparece posando con Hailey Bieber, la mujer del que un día fue pareja de la intérprete de ‘Love Me Like I Love You’, Justin Bieber.
La reunión de Twin Peaks: Los actores de ‘Twin Peaks’ se han reunido para cenar y han dejado para la posteridad este selfie que es todo un «quién es quién». Aparecen Kyle MacLachlan (agente Dale Cooper), Sheryl Lee (Laura Palmer), Sherilyn Fenn (Audrey Horne), Mädchen Amick (Shelly Johnson), Dana Ashbrook (Bobby Briggs) y Kimmy Robertson (Lucy). Nostalgia al máximo.
A Katy Perry se le cierra el párpado: Katy Perry ha preocupado a sus seguidores en los últimos días debido a este vídeo en el que, durante un concierto, se ve incapaz de mantener abierto su párpado derecho. La percepción generalizada de la gente es que Katy está troleando al público, pero hay que decir que ella ha reconocido tener un ojo vago. ¿O sería también una broma?
Los pelos de Amaia Montero: Ha sido una de las imágenes más comentadas de las últimas semanas: el selfie de Amaia Montero al natural, sin maquillaje, sin peinar y una mueca seria en el rostro -con el blanco y negro como único filtro- ha preocupado a sus seguidores, que le han mandado fuerzas y ánimos. Días atrás, Montero había anunciado que un nuevo disco se avecina.
El breve encuentro de Janet Jackson y Róisín Murphy: Aquí dos reinas a la que no esperábamos ver juntas. Janet Jackson y Róisín Murphy han coincidido en un concierto de Ryūichi Sakamoto nada menos, y se han hecho una foto juntas. Cuenta Róisín que le ha pedido a Janet que saque un disco nuevo. El anunciado ‘Black Diamond‘ se quedó colgadísimo a principios de 2020, y no se ha vuelto a saber nada de él.
El breve encuentro de Olivia Rodrigo y Dolly Parton: Este año, la gala del Rock & Roll Hall of Fame ha dejado un sabor agridulce: Alanis los ha puesto a caldo y Andy Taylor de Duran Duran, a los que acaban de ingresar en el museo, ha anunciado que padece cáncer. Por lo menos nos queda Dolly Parton, que se ha sacado esta foto tan maja con Olivia Rodrigo. Ambas han actuado.
Olivia Rodrigo and Dolly Parton at the 2022 Rock & Roll Hall of Fame Induction Ceremony. https://t.co/iTj0mPgzbE
Las cenas románticas de Alaska y Mario: Alaska y Mario se han ido de cena romántica, y no a cualquier sitio, sino al McDonalds, donde solían cenar cuando empezaron a salir. Alaska lo explica ilusionada: «Que tu churri te recoja después de terminar el trabajo y te lleve a cenar al restaurante donde nos escapábamos los domingos cuando empezamos a salir es total».
Jessie Ware canta con Harry Styles: Este breve encuentro se ha producido encima de un escenario. Harry Styles acaba de actuar en el United Center de Chicago y Jessie Ware, que también está de gira y ha coincidido con Harry en la ciudad, ha aprovechado para pasarse por su concierto y cantar con él ‘Cinema’. La canción, a Jessie, le queda que ni pintado.
‘Madonna: Truth or Dare’ fue en su momento el documental más taquillero de la historia, además de un antes y un después en el tratamiento de las personas LGBT en el mainstream, y por supuesto el modelo a seguir para cualquier director de cine que pretenda hacer un documental sobre una estrella del pop, reconociendo su influencia los responsables de ‘Miss Americana‘, ‘Homecoming‘ o ‘Gaga: Five Foot Two‘, entre otros.
A su director, Alek Keshishian, lo habíamos visto en ficción y algún que otro videoclip, pero no había vuelto a hacer un documental sobre una estrella del pop… hasta ahora. ‘My Mind & Me’ (ya disponible en AppleTV) acompaña a Selena Gomez desde 2016, con momentos importantísimos en su vida para bien y para mal, como su ingreso por un brote psicótico o la publicación de su mayor hit, ‘Lose You to Love Me’. Selena pasea por estos años luchando contra dolores en su cuerpo (consecuencia del lupus que padece) y en su mente, que es su peor enemigo y a la vez intenta ser su amigo. Hemos querido hablar con Alek Keshishian sobre la relación de la fama con la salud mental, de su propia relación personal con Selena o de los paralelismos entre ‘My Mind & Me’ y ‘Truth Or Dare’.
En el documental vemos el impacto que la fama, los medios, la sociedad y, en general, este sistema tienen en la salud mental de alguien que ha sido una popstar prácticamente desde niña. La cosa es, ¿es posible tener algún tipo de estabilidad mental cuando vives en ese contexto?
Creo que la fama es un constructo muy extraño. Llevo orbitando alrededor de ella desde la veintena, y creo que hace falta un grado de auto-conocimiento muy grande para no perderte a ti mismo en el aislamiento de la fama. Tienes que conocerte muchísimo a ti mismo para no perderte en ese vórtice, y es muy, muy complicado conseguirlo. La fama puede ser tremendamente solitaria, aunque a la gente pueda no parecérselo. He hecho viajes con gente muy famosa, y llevan una vida muy contenida, aunque sea paradójico. Es una de las ironías de ser famoso: hay muchas cosas que no puedes hacer sin ser molestado o sin que se rían de ti. Hay un lado bastante más oscuro de lo que la gente espera.
Recuerdo que, cuando he viajado con gente famosa, muchas veces teníamos que escaparnos por pasajes subterráneos, salir por la cocina del restaurante, etc. La fama puede aislarte muchísimo, y eso, como es lógico, no es bueno para tu salud mental. Y me preocupa cuando veo que todo el mundo, especialmente la gente joven, todos quieren ser famosos. Los famosos intentan proyectar una fachada de felicidad, de eficacia, aunque estén pasándolo mal, y lo que ve la gente es esa fachada, así que más gente quiere ser famosa, más gente quiere estar en Instagram presumiendo de su vida perfecta. No te hablo de actores o actrices, sino de jóvenes de todo el mundo; todos quieren jugar con ese constructo que tenemos de la fama… y eso no siempre se traduce en felicidad. Hay un punto muy artificial, estás proyectando una imagen, es muy fácil perderse en eso también. Supongo que se puede tener una buena salud mental en ese contexto, pero cuesta muchísimo. Creo que la fé puede ayudar, y creo que también compartir. A mi parecer, Selena se da cuenta de eso en el documental, de que vuelve a sentirse humana de nuevo cuando es capaz de conectar con otra persona.
Tu equipo y tú habéis seguido a Selena durante los últimos seis años. Imagino que siempre estabas ahí junto al cámara, pero no sé si a veces has sido tú mismo el cámara.
A veces, sí. Tenía mi iPhone y algunos de los momentos más íntimos los filmaba yo, para no tener tanta gente alrededor. Diría que he grabado como el 10% de la película. Otras veces era imposible que yo filmase, porque si había varias cámaras y un setpiece yo tenía que estar con el monitor viendo los ángulos y tal.
Te lo pregunto porque uno de mis momentos preferidos del documental es aquel en el que Selena se encuentra muy mal y el cámara -que suponía que eras tú, pero no estaba seguro- se despega un momento para abrazarla. Imagino que, en seis años con Selena, habrás desarrollado un cariño especial hacia ella.
Ahora mismo es como si fuese mi hermana pequeña y yo su hermano mayor, la verdad. Y casi que durante todo el documental la he visto así: el instinto me llevaba a querer cuidarla o protegerla de alguna manera. En esa escena que dices, ella está con muchos dolores derivados del lupus, y le pregunté si quizás no debería grabarla en esas condiciones, pero me dijo que sí. Ahí me ves que sujeto la cámara mientras la abrazo e intento darle un poco de apoyo, y al final es que es eso, tenía dos roles, no solo era el director o a veces el cámara, sino también esa figura de hermano mayor, muchas veces hablábamos antes de empezar a grabar, sobre todo en momentos difíciles. Incluso en 2016, hay una escena muy emotiva en ese momento, y antes de que esa escena comenzase yo estaba de rodillas con ella, intentando motivarla y que se sintiera mejor, y de nuevo le pregunté “¿te parece bien si grabamos?” y me dijo que sí. He intentado poner siempre mi humanidad primero, para mí como director eso es más importante y mejor que ser súper invasivo. Hay momentos muy duros en el documental, así que intenté ser lo más sensible y respetuoso posible.
Selena es muy abierta en el documental sobre sus emociones, sus dudas, sus crisis, etc, y hay momentos muy duros, como dijiste antes. ¿Consideraste no meter alguna escena en concreto?
Todo lo que está ahí yo sentía que tenía que estar ahí, pero hay mucho material que decidí no meter. No quería hacer algo que se centrase en explotar la salud mental de Selena o que pudiese ser un desencadenante para que ella estuviese peor. Tampoco quería estar todo el rato haciéndole preguntas, quería hacer un documental de tipo cinema verité en el que tú pudieses ver en lugar de que ella te contase, o que otros te contasen. Si te fijas, solo hay algunos momentos en que metemos totales a cámara hablando sobre Selena, de su madre por ejemplo, al principio y poco más, coincidiendo con el período en que yo no estaba grabando, entre 2017-2019. Yo quería que como espectador pudieses experimentar su vida, y que pudieses unir las piezas a medida que avanzaba. Teniendo todo eso en cuenta, tomé muchas decisiones de montaje, porque se podría haber hecho una docuserie de 10 horas pero quería algo más compacto, quería contar la historia de manera eficiente. No podía meterlo todo, ya no solo por los motivos que dices, sino que, por ejemplo tampoco metí su show de cocina. Pero creo que sí metí lo suficiente para que podáis conocer la esencia de Selena Gómez.
«Hace falta un grado de auto-conocimiento muy grande para no perderte a ti mismo en el aislamiento de la fama»
‘Madonna: Truth or Dare’ es EL documental de popstar a tener en cuenta, y desde luego el que tienen en mente directores que han hecho documentales de estrellas del pop.. a la hora de hacer ‘Selena Gomez: My Mind & Me’, ¿has tenido en mente tú tu propio documental?
(sonríe) Pues mira, tengo un par de trucos que usé en ‘Truth Or Dare’ y he usado aquí también, un par de ideas técnicas que me gustan. Pero son personas muy distintas, Madonna y Selena, y proyectos muy distintos: uno era sobre un tour que duraba seis/siete meses, y éste quiere contar una historia de una persona durante años, además de estar ubicados en épocas muy distintas, claro. Pero sí que al principio tenía mucha presión con que pudiesen comparar ‘My Mind & Me’ con ‘Truth Or Dare’. Al final pensé que tenía que olvidarme de eso, que la historia aquí es muy diferente, y con una persona muy, muy diferente.
Mucha gente se indignó con el lado bitchy que mostraba Madonna en algunos momentos de ‘Truth Or Dare’, un lado que las popstars no suelen mostrar si se les está grabando. Pero me pregunto si fue incluso intencional mostrarse así, o mostrarla así… en el sentido de que acabó ayudando a construir el mito un poco, ¿no?
Es que así era Madonna en ese momento (ríe) La película la mostraba tal como era, en todos los sentidos. Era una pionera, estaba intentando desestigmatizar la homosexualidad, era una aliada de la comunidad LGBT, y el documental celebra todo eso, pero sin destacarlo demasiado, más bien normalizándolo. Si te fijas, no metí largas conversaciones sobre lo que significa ser gay, más bien era como: así es como Madonna (y yo) piensa sobre este asunto.
En ‘My Mind & Me’ también hago un poco eso, intento no explicar las cosas, simplemente mostrarlas. Creo que otra cosa que comparten ambos documentales es que van sobre dos mujeres increíblemente valientes para su tiempo, y mujeres que estaban dispuestas a abrir sus vidas y enseñárnoslas. En el caso de Madonna, le encanta abrir su vida, le encanta la cámara, la disfruta mucho… o al menos era el caso entonces. Ahora creo que es bastante más “self-curated”: ella hace las fotos, ella dirige las cosas, etc. Si me preguntases ahora si haría una segunda parte de ‘Truth Or Dare’, te diría que no le veo sentido: está en un punto muy distinto, no creo que ella en sí quisiera hacerlo.
«No le veo sentido a una segunda parte de ‘Truth Or Dare’, Madonna está en un punto muy distinto, no creo que ella quisiera hacerlo»
En cualquier caso, imagino que después de aquello te lloverían las ofertas de otras estrellas para que dirigieses un documental sobre ellas. Pero no lo hiciste… hasta ahora. Sé que dirigiste el videoclip de ‘Hands to Myself’, pero entiendo que tiene que haber algo más, algo que viste en Selena o en su trabajo, y que te hizo aceptar este proyecto.
¿Sabes qué? Que ella quería hacer un documental musical 100%, y a mí esa idea no me interesaba mucho, pero empecé a grabar cosas, y me di cuenta de que no estaba ante un documental musical. Me di cuenta de que ella estaba viviendo un momento muy difícil, y casi que no me sentía bien rodando un documental en esas condiciones, si ella no era consciente de lo que se iba a capturar ahí. Y en 2019, cuando empecé a rodar en Los Ángeles, vi que ahora sí teníamos un documental, y que no era un documental musical, sino un documental sobre un viaje de recuperación y auto-aceptación. Y eso sí me intrigó.
También me atrajo de ella que vi inmediatamente una autenticidad, una vulnerabilidad, una humildad… que he visto en pocas estrellas. No tiene una cara artificial, una máscara que se pone, incluso cuando hablaba conmigo, no trataba de ser guay ni nada… simplemente era una chica amable que tenía delante, diciéndome con ilusión que ‘Truth or Dare’ le parecía arte, y que quería trabajar conmigo. Me ganó así.
«Cuando empecé a grabar con Selena no vi un documental musical, sino un documental sobre un viaje de recuperación y auto-aceptación. Y eso sí me intrigó»
Has dirigido también ficción, ‘Amor y otros desastres’ y ‘With Honors’, además del guión de ‘W.E.’ junto a Madonna. Selena es también actriz, y de hecho le están lloviendo las buenas críticas por ‘Solo asesinatos en el edificio’. ¿La veremos actuando en una película tuya próximamente?
(ríe) No lo descartaría, desde luego. No tengo ni idea de lo que el futuro me aguarda, pero me encanta cómo Selena actúa, me parece muy buena. Y además me gusta mucho trabajar con ella y me encanta como persona, así que no sé si será en eso o en algo distinto, pero es posible, y de hecho hay un par de ideas de las que hemos hablado… pero todo se andará. Desde luego para mí ha sido un honor y un placer trabajar con ella en este proyecto.
‘The Forever Story’ de JID es nuestro Disco de la Semana y uno de los mejores álbumes de hip hop de 2022. Ya lo era el pasado agosto, cuando fue lanzado, y ni siquiera estaba terminado. Según el propio JID, faltaba una de las canciones esenciales para «entender la historia al completo» y para redondear totalmente el concepto del disco. Con ‘2007’, el LP tiene 16 canciones y 8 en cada lado, es decir, dos símbolos que representan la historia infinita en la que JID siempre fue el protagonista.
‘2007’ no estuvo presente en la primera edición de ‘The Forever Story’ debido a problemas para despejar los derechos de los samples utilizados. En específico, parece que el audio con el que había problemas era el sample del beat de ‘HiiiPoWeR’ de Kendrick Lamar, el cual se puede escuchar brevemente durante la versión de YouTube. Sin embargo, en la versión que se ha subido a Spotify ha sido eliminado. Aun así, a lo largo de los 7 minutos de canción, JID llega a rapear sobre tres beats diferentes.
‘2007’ está centrado totalmente en ser un tema cinematográfico, cuyo fin es únicamente poner al oyente en sintonía con el background mental y personal de JID, para que la próxima vez que se reproduzca ‘The Forever Story’ todo tenga un significado añadido. Recuerda mucho en su estilo narrativo a ‘A Life in the Day of Benjamin André (Incomplete)’, la canción de Outkast en la que André 3000 narra toda su vida hasta el momento de la grabación del tema, de ahí el «incomplete».
JID repasa los cambios por los que estaba pasando en su vida desde 2007 hasta el lanzamiento de su primer disco en 2017, usando como marcadores temporales los primeros proyectos de J. Cole, su mentor y el fundador de su discográfica. Este dedica unas inspiradoras palabras al final del tema, contando cómo conoció a JID y cómo este le demostró que «no solo lo quiere, sino que está dispuesto a hacer el trabajo que haga falta para conseguirlo».
JID cuenta lo encaminada que estaba su vida hacia el fútbol americano («Nunca soñé con balbucear palabras enfrente de cientos») y cómo pasó de eso a rapear, desde sus primeros freestyles en la habitación de la universidad hasta cómo su padre, que también interviene en el track, le echó de casa por sus tatuajes y aspiraciones artísticas. Además, entremedias nos cuenta episodios personales que ocurrieron durante esa etapa. Por ejemplo, la noticia del cáncer de su abuela y cuando su hermano, del cual solo conocía el nombre, salió de la cárcel.
Patrick Wolf ha anunciado hoy en redes que este mismo viernes 11 de noviembre lanzará su primer tema en 10 años, tras el lanzamiento de ‘Sundark and Riverlight’ en 2012. La canción se titula ‘Enter The Day’ y Wolf ha anunciado que formará parte de un EP que terminó en octubre y que anunciará próximamente.
«Esta es una canción que elegí, no tanto como un primer single, sino como una canción para acompañarte durante el próximo invierno», escribía Patrick en su Instagram. «En mi EP debut, lanzado hace 20 años desde este viernes, buscaba el «caos total» y accidentalmente mi respuesta tras todos estos años llegó como un deseo por la «dorada medianía», una filosofía de Aristóteles basada en que la vida alcanza su punto más precioso en el medio de dos extremos».
Wolf ha terminado el comunicado diciendo que «habrá muchas más noticias sobre creación y aventuras pronto», mientras animaba a sus fans a hacer presave de la nueva canción, ‘Enter The Day’. Mientras que ‘Sundark and Riverlight’ fue el último álbum de estudio de Patrick Wolfe, este consistía en autoversiones sinfónicas, por lo que realmente el último disco en el que escuchamos material inédito del cantautor irlandés fue ‘Lupercalia’, lanzado en 2011.
Drake y 21 Savage lanzaron este viernes su anticipado álbum colaborativo, ‘Her Loss’, el cual ha sido promocionado de una forma un tanto inverosímil. Esto es, con un tour promocional falso que les ha llevado a «realizar», entre otras acciones, una actuación en Saturday Night Live con la colaboración de Michael B. Jordan, una entrevista con Howard Stern y, más recientemente, una performance de ‘Privileged Rappers’ en COLORS.
Una de estas promociones falsas ha consistido en la elaboración de una portada de Vogue en la que aparecían ambos artistas. Sin embargo, en esta ocasión fueron un poco más allá y confeccionaron copias físicas de la portada, las cuales repartieron alrededor de algunas de las grandes ciudades de Estados Unidos. Ahora, TMZ ha comunicado que la empresa que controla Vogue y su editorial, Advance Magazine Publishers y Condé Nast respectivamente, han decidido demandar a Drake y 21 Savage por el material promocional falseado.
«Vogue y su editora jefe Anna Wintour no han tenido nada que ver con ‘Her Loss’ o su promoción, y no lo han respaldado de ninguna manera», se podía leer en la demanda. «Condé Nast tampoco autorizó, y mucho menos apoyó, la creación y difusión de un ejemplar falso de Vogue», también se ha especificado en el documento legal.
Los abogados de Condé Nast juran haber pedido en repetidas ocasiones a los artistas y a la empresa de comunicación Hiltzik Strategies eliminar las portadas. Al parecer, una de las respuestas recibidas por la editorial de Vogue fue: «Gracias por el email, os hacemos saber que ha sido recibido». Los abogados de Vogue están pidiendo que el dúo deje de usar el nombre de Vogue y hasta 4 millones de dólares en daños y perjuicios.
La sombra de ‘1901’ y ‘Lizstomania’ perseguirá a Phoenix hasta el final de sus días y, en sus últimos discos, el grupo francés ha mostrado un evidente interés por alejarse todo lo posible de su inmediatez: ‘Bankrupt!‘ (2014) y ‘Ti amo‘ (2017) eran dos discos en los que Phoenix renovaba su sonido con más o menos acierto, pero a los que se debía conceder el mérito de sorprender. ‘Alpha Zulu‘, su disco número 7, hace lo contrario: suena a lo que se puede esperar de Phoenix. En su caso, es algo bueno.
‘Alpha Zulu’ es un disco de canciones inmediatas, que dura 35 minutos en total y se pasa en un suspiro. Esta vez, el grupo autor de un disco llamado ‘Wolfgang Amadeus Phoenix‘ se ha superado grabando ‘Alpha Zulu’ dentro del Museo de las Artes Decorativas de París, hallado dentro del Louvre, durante la pandemia, y la variada decoración de este lugar le ha servido de inspiración para crear un álbum con diferentes sonidos y sabores que no se rompe la cabeza y simplemente busca entretener. Y lo consigue.
En ‘Alpha Zulu’ se hallan un par de momentos álgidos, ninguno de los cuales es el corte titular, gracioso, pero cuyo gancho «wooh hah, singing Hallelujah» no termina de cuajar. Hay que hablar, en primer lugar, del single ‘Tonight’, tan nostálgico del indie de los 2000 que incluye la colaboración de Ezra Koenig de Vampire Weekend y funciona. Por otro lado, ‘After Midnight’ presenta un sonido más 80s, más Pretenders, y se acerca mucho a ser una canción perfecta de Phoenix en 2022.
El disco no incluye singles históricos, pero es entretenido en su variedad. ‘The Only One’ convence con su extraño beat electropop mientras Thomas Mars canta que quiere ser «joven para siempre». ‘Winter Solstice’ busca conexión humana durante la pandemia y sus bellos chorros de sintetizador construyen una buena canción de Phoenix que no es el típico hit que el mundo espera. El synth-pop de ‘Season 2’ es otro de los mejores «album tracks» con sus referencias a las «temporadas» de una serie desconocida, y tras las guitarras a lo Strokes de ‘Artefact’ emerge otra de esas melodías nostálgicas que invitan al bucle.
El tramo final de ‘Alpha Zulu’ deja otros momentos diferentes entre sí: de la potencia de ‘All Eyes on Me’ pasamos a los monísimos teclados de ‘My Elixir’, y de ahí a la final ‘Identical‘. El cierre es decepcionante por dos motivos: la canción la conocemos de 2020 y, además, no termina de proporcionar a ‘Alpha Zulu’ con un sentido de clausura. Sin embargo, la canción, dedicada a Philippe Zdar, es una de las más pegadizas publicadas por Phoenix en tiempos recientes, y su inmediatez no es un espejismo: todo el disco está dotado de la misma frescura, algo que se echaba en falta de Phoenix, y que este álbum recupera.
Alanis Morissette tenía previsto realizar un dueto con Olivia Rodrigo en honor a Carly Simon durante la ceremonia del Rock & Roll Hall Of Fame de este año. Sin embargo, finalmente Morisette no se presentó y ha llevado a Instagram sus razones para ello. Además de Simon, artistas como Eminem, Dolly Parton, Duran Duran, Eurythmics, Lionel Richie y Judas Priest también fueron introducidos en el Hall Of Fame.
La idea era que ella y Rodrigo realizasen un dueto de ‘You’re So Vain’, ya que Carly Simon no pudo presentarse en la ceremonia. Según Variety, Morissette participó en los ensayos previos a la gala, pero la mayoría de la audiencia no sabía que la artista canadiense tenía planeado actuar durante la ceremonia, ya que no se había anunciado ninguna lista oficial de performances.
En el comunicado que la artista dio a conocer a través de sus Stories de Instagram empezaba desmintiendo los «rumores mal informados» que se habían propagado a raíz de lo sucedido. Comenzó dejando claro que el problema no tenía nada que ver con ni con Carly Simon, ni con Rodrigo, ni con ninguna de las artistas que estuvieron presentes durante la ceremonia, tales como Dolly Parton, Pat Benatar o Janet Jackson.
«He pasado décadas en una industria plagada de un sentimiento anti-mujer y he tolerado mucha condescendencia e irreverencias, menosprecio, contratos incumplidos, falta de apoyo, explotación y violencia psicológica (y más) durante toda mi carrera», escribió Morissette en el comunicado. En las siguientes líneas la cantante explica que toleró todo esto porque «nada me iba a impedir conectar con aquellos que me importaban». «Vivo para servir y conectar con gente, por eso durante estos años aguanté todo eso en más ocasiones de las que puedo contar», continuó Alanis.
«Es difícil no ser afectada por cualquier industria del mundo, pero Hollywood siempre ha sido infame por su falta de respeto hacia lo femenino de todos nosotros», explicaba la cantante. Sin explicar de forma explícita los actos sexistas que había sufrido, Morissette apuntó que está «en un punto de mi vida en el que no tengo la necesidad de pasar tiempo en un entorno que reduce a las mujeres». Para terminar, recordó todas las «increíbles experiencias» que ha tenido con «equipos de producción de todos los géneros» y afirmó que «no hay nada mejor que un equipo de gente diversa uniéndose para una misión en común».
La unión de Apparat y Modeselektor ha dejado uno de los proyectos más exitosos e impensados de los últimos años. Sobre todo los primeros discos de Moderat parecieron entonces un divertimento paralelo para sus integrantes. Pues bien, en el último lustro hemos visto al trío presentar su espectáculo de luces y sombras frente a más de 10.000 personas en festivales como Mad Cool o Sónar.
Sin que el último largo ‘MORE D4TA‘ sea su apuesta más convincente, el grupo acaba de actuar en recintos de tamaño medio-grande como el Sant Jordi Club en Barcelona y en Madrid en el WiZink Center, aunque con las gradas cerradas, para varios miles, de nuevo.
La apuesta de Gernot Bronsert, Sascha Ring y Sebastian Szary se engrandece sobre todo en lo visual. Ninguno apuesta por una batería o un lustroso instrumento de percusión similar que levante a la gente. Todos aparecen concentrados en sus equipos electrónicos, cuales Kraftwerk, solo que sin posar frente al público, de lado, quizá para evitar comparaciones. Es difícil dilucidar cuánto de programación previa hay ahí y cuánto de «live»; lo seguro es que la sensación que dejan las canciones es que suenan muy parecidas al disco -quizá demasiado- y que hay momentos en que el show se hace un poco plano, incluso en cuanto a proyecciones. Podían haber exprimido mucho más su concepto de la sobreinformación y la desinformación.
En los primeros 20 minutos de show, apenas suenan 2 o 3 canciones. El público disfruta cuando entre las imágenes aparece la palabra Madrid -una chachada infalible- y el final de ‘NEON RATS’ tras ‘Running’ es el gran primer cénit del show, próximo por un instante al trance.
La letra a medio proyectar de ‘Last Time’ ayuda a no perder el hilo, poco antes de que el estadio estalle de júbilo al reconocer las primeras notas del gran éxito de Moderat, ‘A New Error‘. Con su punto electro y sus proyecciones de esqueletos de manos, es el tema más celebrado junto a, posteriormente en los bises, ‘Bad Kingdom’, inseparable de las imágenes de novela gráfica y arte pop de su videoclip y la portada de aquel álbum, ‘II‘.
A influencias como Depeche Mode (siempre reconocida por ellos), los Radiohead de ‘Kid A’ y ‘Amnesiac’ y el sello Warp, se suma la de Massive Attack en ‘FAST LAND‘ de su último disco. Contribuye igualmente a la variedad el riff de guitarra eléctrica que Sasha toca en los primeros instantes de ‘Les Grandes Marches’. No habría dado un duro él mismo por su carisma como frontman cuando tanto bromeaban sobre el carácter «cheesy» de las canciones con tomas vocales de Moderat. Ya nadie se acuerda de aquello y ahora son la banda que ver por un público adulto, bien parecido y con ganas de fiesta. «Si esto ha sido genial un lunes, imaginad lo que habría sido un sábado», dijo al final Apparat. Por la de porros que se consumieron dentro del WiZink, la verdad es que parecía un finde. 7. Óscar Gil
Anitta ha visitado La Resistencia después de presentar ‘Envolver‘ en la gala de Los40 Music Awards y de acaparar titulares gracias a su perreo a Isabel Díaz Ayuso, que no fue premeditado al contrario de lo que pueda parecer, ni buscaba la polémica fácil. Al contrario.
En el programa, Anitta cuenta que se enteró de quién era Ayuso después de su actuación, que fue improvisada porque no tuvo tiempo de ensayar debido a que venía directamente de recoger un premio en Nueva York. La cantante brasileña confió en la improvisación y dio con la idea de bailar entre el público, y se acercó a Ayuso de casualidad porque le dio «buena vibra».
Lo que narra Anitta después es historia. A la cantante le contaron que Ayuso es presidenta de la Comunidad de Madrid pero, como las comunidades autónomas no existen en Brasil, la cantante pensó que Ayuso era presidenta de una «comunidad de Facebook o algo así». Cuando Broncano le explica que Ayuso podría ser «hija de Bolsonaro», Anitta se queda completamente mortificada. Eso sí, se lo toma con humor.
Anitta, siempre tan natural, protagoniza otros buenos momentos en la entrevista. La cantante entra en plató en tirolina, se limpia los sobacos en directo y regala a Broncano un bote de su línea de perfumes íntimos para que se lo eche «en el culo». Anitta cuenta que ella se perfuma siempre con este producto, aunque no tenga sexo con nadie, lo que da a pensar a Broncano que cuando le perreó a Ayuso, a esta el culo de Anitta le debió oler «a primavera».
Hoy 8 de noviembre se celebran las elecciones a la alcaldía de Los Ángeles, después de las primarias de junio, y entre las celebridades que han desvelado su voto en redes (en California es legal esta práctica, que nadie piense en Justin Timberlake) se encuentra Katy Perry, que ha votado por el candidato (supuestamente) demócrata Rick Caruso, al que ya apoyó públicamente en verano.
El voto de Katy ha sorprendido e incluso indignado a un sector de sus seguidores que consideran que Caruso es en realidad un republicano encubierto. El empresario multimillonario, de hecho, estaba registrado como republicano hasta 2019, después se inscribió como político sin preferencia partidista y, hace apenas unos meses, se registró en el ala demócrata.
Caruso ha afirmado que es «demócrata y que está orgulloso» de ello, pero los fans de Katy Perry lo cuestionan. Él es católico, ha donado grandes sumares de dinero a políticos republicanos durante años, posee estrechas conexiones con la policía y el centro católico que lleva su nombre se opone a la aprobación de una enmienda constitucional que busca blindar el derecho a decidir sobre el aborto.
En redes, Perry ha afirmado que ha votado «por varias razones (mirad las noticias) pero, sobre todo, porque Los Ángeles «ahora mismo es un desastre». Sin embargo, para muchos de sus fans, que consideraban a Perry una aliada de la izquierda después de su apoyo a Hilary Clinton y de sus palabras a favor del aborto y de los derechos reproductivos, su voto a Caruso le acerca al centro o peligrosamente incluso a la derecha. Algo que a ella parece no quitarle el sueño.
La autora de ‘Teenage Dream‘ no es la única celebridad supuestamente aliada con ideas liberales que ha apoyado públicamente a Caruso. También Kim Kardashian y el actor Chris Pratt han promocionado la candidatura de Caruso y confían en que sus dotes empresariales sirvan para que alivie la crisis de sin techo y de crimen que vive la ciudad.
Entre los artistas nacionales que han ido apareciendo continuadamente en nuestra playlist de novedades en castellano Sesión de control se encuentra Jordana B. ‘Club de fans’, ‘Otro bisturí’ o ‘Mala feminista’ se encuentran entre los himnos que le han ido abriendo puertas, entre ellas la del sello Subterfuge, que publicará su debut largo este viernes.
El disco, ‘Tú y cuántos más’, contendrá muchos de los singles de rock malasañero que han dado a conocer al grupo de Maria Solá, entre ellos, por supuesto, ‘Clase media’, en el que la hija de la actriz Blanca Oteyza y del escritor Miguel Ángel Solá describe haber pasado «de burguesa a clase media», y también el jingle involuntario (o no) ‘Verano en Madrid’, que conecta a Jordana B claramente con Ginebras, esas fans de las tiendas vintage… en las que Maria Solá ha trabajado.
La premisa de ‘Mala feminista’ no es la que parece: Jordana B habla más bien de «likes» y postureo, no de feminismos en plural. Pero la canción tiene pegada, igual que esa ‘Superstar’ que describe el fin de una amistad «que le marcó para siempre». Entre todas las composiciones de Jordana B destaca especialmente una, ‘Cumbia B’, que por estilo se desmarca de todo, y consigue un divertido híbrido entre el discurso musical de Maria y los ritmos de la cumbia colombiana. Es la Canción Del Día de hoy.
En nota de prensa, Jordana B explica que ‘Tú y cuántos más’ «es un disco para las antiheroínas; para las personas que siguieron participando a pesar de no ganar nunca. Para los que lloran a moco tendido y luego levantan la cabeza y siguen con elegancia. Para la gente que vive en una comedia dramática todo el día y rompe la cuarta pared. Para todo el que quiera vivir y trate de no morir en el intento. Porque cuando alguien se acostumbra a perder pierde también la vergüenza».
Esta semana, Jordana B presentará ‘Tú y cuántos más’ en directo. El 10 de noviembre estará en la Sala Sol de Madrid acompañada de Marta Movidas, como parte de la gira Vibra Mahou, y el 25 de noviembre actuará en el Monkey Week de Sevilla.
Con motivo de la edición de ‘Fossora’, el nuevo disco de Björk, analizamos la última etapa de la artista islandesa más conocida. A falta de que repasemos su discografía en un episodio futuro de REVELACIÓN O TIMO, el PODCAST de JENESAISPOP, en este hemos preferido centrarnos en analizar un trabajo que aúna gabber y clarinetes sobre unas letras que hablan tan pronto de la muerte de su madre, como de ecología y naturaleza.
Nuestro colega Juan Carlos Molina, dentista en la vida real, y fan de Björk hasta la medúlla, muestra su conocimiento enciclopédico de los títulos de la artista, sus arreglos y sus letras, pero además es crítico también con su trabajo, especialmente con ‘Utopia’.
A lo largo de 70 minutos de charla, analizamos qué trabajos de Björk posteriores a ‘Vespertine’ merecían mayor atención de la que han tenido por parte del público, nos preguntamos si la prensa ha sobrevalorado todas y cada una de estas últimas obras, y rescatamos un álbum favorito de toda esta última era.
En la última parte del episodio, hablamos brevemente sobre sus inicios, algo sobre lo que nos explayaremos más en otra ocasión, pero sí nos planteamos ya esa pregunta: ¿qué disco de Björk recomendar a alguien que aún no la haya oído nunca? ¿’Debut‘, ‘Post‘ u ‘Homogenic’?
Drake ha aprovechado el enorme tirón de ‘Jimmy Cooks’, de lejos la canción más exitosa de ‘Honestly, Nevermind’, y ha demostrado lo inteligente que es lanzando todo un LP con el mismo sonido y en «colaboración» con 21 Savage. Digo «colaboración» porque en muchos aspectos ‘Her Loss’ se siente más como un proyecto en solitario de Drake que como lo que pretende ser.
En ‘On BS’, 21 Savage rapea «I jump on your song and make you sound like you the feature», que irónicamente es exactamente lo que hace Drake con él en este disco, que en teoría debería ser 50/50. En un revelador porcentaje se estima que el tiempo de performance de Drake se sitúa alrededor del 70%, lo cual, exclusivamente hablando de ‘Her Loss’, está lejos de ser un cumplido. Aparte, la inmensa mayoría de beats suenan como los que hemos escuchado cientos de veces en la discografía del canadiense. Algunos son minimalistas y otros pretenden ser bangers, y ahí termina la variedad.
A excepción de ‘More M’s’, producida por Metro Boomin, no hay ningún intento por parte de Drake de adentrarse en el estilo de 21 Savage. Es como si Drake le hubiese invitado a su mundo, más que intentar crear una mezcla de ambos. Es una pena, porque ya desde hace un tiempo, con discos como ‘Savage Mode II’ o ‘I Am > I Was’, 21 Savage ha demostrado que tanto su estilo como lo que cuenta son más interesantes que cualquier barra sobre sexo de Drake.
Claramente lo peor de este proyecto es eso, Drake y sus avergonzantes barras. La lista de ejemplos es eterna porque en cada canción hay unas cuantas. Hay que tener en cuenta, antes de indagar más, que ya desde el nombre del disco («Ella se lo pierde») nos están dando pistas de por dónde van a ir los temas principales del LP. Es decir, desde el principio ya no pintaba bien. En ‘Spin Bout U’, que tiene uno de los mejores beats del proyecto, Drake no puede evitar sonar como un niño pequeño cuando dice «Four words when I think about them is crusty, musty, dusty, rusty / Eight words when I think about us is fuck me, fuck me, fuck me, fuck me».
Barras como «Way that I ran, you’d think I was Iranian» o «I blow half a million on you hoes, I’m a feminist» no deberían ser permitidas en un disco cuyos temas tienen mínimo cinco escritores acreditados. Esto, por no hablar de la inmensa cantidad de versos que Drake dedica a, directamente, degradar a mujeres. El hip hop siempre ha tenido una tendencia machista en sus letras, pero aquí Drake lo eleva a otro nivel, provocando además muchísimo cringe en el proceso. Por supuesto, hay canciones de amor y temas en los que Drake es un tanto vulnerable, pero por desgracia ‘Her Loss’ no es así todo el tiempo.
Una de las grandes polémicas del disco recae sobre las barras que supuestamente le dedica Drake a Megan Thee Stallion en ‘Circo Loco’, en las que acusa a la rapera de mentir sobre ser disparada en 2020 por Tory Lanez. Lil Yachty, que tiene créditos de producción en bastantes canciones, ha salido a desmentir estos rumores. Incluso si esto fuese un malentendido, Drake no es idiota y estoy seguro de que sabía perfectamente cómo iba a reaccionar la gente. Da igual si la barra iba para ella o no, porque la respuesta de Megan en Twitter sigue siendo válida: «Dejad de usar mi tiroteo para ganar fama».
En cuanto al apartado musical, en la hora y 33 segundos de duración de ‘Her Loss’ no hay ni un solo atisbo de novedad, sorpresa o elemento fuera de lo común para estos artistas. Todo está anticuado. Lo más cercano a esto sería la primera parte de la base de ‘Broke Boys’, casi industrial, y el sample de ‘One More Time’ en ‘Circo Loco’, que es uno de esos que solo artistas como Drake o DJ Khaled se pueden permitir pagar. Además, la forma de usarlo es la más obvia y perezosa que se les podría haber ocurrido.
Dicho esto, nadie escucha un proyecto de Drake para estar al tanto de la vanguardia musical del momento. La producción, aunque redundante, no está nada mal. ‘Privileged Rappers’, ‘Middle Of The Ocean’ y ‘Rich Flex’ contienen algunos de los beats más interesantes del proyecto y esta última es un inicio muy sólido para ‘Her Loss’. De hecho, en el último verso de la canción Drake rapea tan bien que hasta llegas a pensar que el resto de la tracklist promete. La realidad es que prácticamente el resto de temas son totalmente mediocres, pero hay joyitas escondidas.
La mejor canción de ‘Her Loss’ es ‘Middle Of The Ocean’, irónicamente, una en la que solo participa Drake (una de cuatro en total). Las razones de por qué destaca tanto son simples. Drake canaliza sus mejores tiempos y, en medio de un festival de fanfarronería barata y vergüenza ajena, el canadiense nos regala un tema clásico de su discografía, de cuando sí tenía cosas que contar. Es tan buena canción y desentona tanto con el resto que parece que Drake se guarda todo su talento para esta.
Drake es un conformista por naturaleza y la verdad es que no le puedo culpar, porque le funciona mejor que a nadie. ‘Her Loss’ no es tan pobre como ‘Certified Lover Boy’; hay un mínimo de inspiración, aunque sea en canciones sueltas, y se beneficia mucho de la presencia a cuentagotas de 21 Savage. Sin embargo, este disco y ‘CLB’ siguen siendo pruebas fehacientes de que Drake ya no tiene nada nuevo que contar y de que ahora sus barras solo sirven para captions de Instagram.
La lista de singles de la semana continúa dominada por segunda semana por ‘La Bachata’ de Manuel Turizo, un hit a nivel global que es 5 veces platino en España. Lo único destacable que sucede en todo el top 10 es la subida de ‘Hey Mor’ de Ozuna y Feid del puesto 6 al puesto 4. En puntos, es la subida más fuerte de la semana, aunque quizá sea más llamativa la subida de ’No me digas nada’ de Quevedo del puesto 25 al puesto 13.
El álbum de Ozuna que contiene ‘Hey Mor’ se llama ‘Ozutochi’ y ocupa el puesto 18 en la tabla de álbumes en su 4ª semana, algo por debajo de los nuevos discos de Viva Suecia y Rigoberta Bandini, que salieron al par.
La entrada más fuerte de la semana es la de Rihanna con ‘Lift Me Up’ en el número 32, aunque es muy inferior a lo visto en otros países, donde ha sido top 3 (UK, Francia) o incluso número 1 (Suiza).
La única otra entrada en el top 50 es la de Morat con Feid y ‘Salir con vida’ en el puesto 39. Más abajo hay que irse para encontrar ‘Éxtasis’ de Manuel Turizo con Maria Becerra (68), ‘El nene’ de Foreign Teck con Anuel AA (69), ‘Dime quién’ de Rauw Alejandro (80) y finalmente ‘Qué bonita’ de Cano (99).
‘Midnights’ de Taylor Swift conserva el número 1 de los discos más populares en España, tras haber logrado desbancar nada menos que a Bad Bunny con ‘Un verano sin ti’, que ha pasado hasta 23 semanas en la cima de la lista.
La entrada más fuerte de la semana es la de Camela con ‘Que la música te acompañe’ directa al número 3, en parte propiciada por su número 1 en la tabla de vinilos. Eso sí, Camela no logran ser número 1 en la lista general como sí han conseguido en otras ocasiones: ’Se ciega por amor’, ‘Más de lo que piensas’, ‘Me metí en tu corazón’ o ‘Rebobinando’.
Llega al top 10, en concreto al top 8 ‘Amor escupido’ de Pol Granch, mientras Delaossa queda a las puertas (número 13) con ‘Playa Virginia’.
En el top 50 encontramos dos recopilatorios internacionales: ‘The Essential Foo Fighters’ en el 29 y ‘Anthology’ de Garbage en el puesto 49. Destaca la subida más fuerte de la semana en torno a esos puestos: ‘A Very Backstreet Christmas’ sube del 66 al 40 con motivo de la llegada del cambio de hora y la festividad de Todos Los Santos, pues empieza a oler a Navidad. Esta lista es anterior a la muerte de Aaron Carter, hermano de Nick.
La lista de entradas de la semana se completa con ‘Halloween con Luli Pampín’ en el 51, ‘Actual Life’ de Fred Again.. en el 68, ‘Plan Z’ de Marmi en el 73 y ‘Pop-Up Dynamo!’ de PG Roxette justo en el top 100. El miembro superviviente de Roxette ha firmado su álbum nuevo de 3 maneras (Per Gessle, Roxette), pese a que ya contaba con una carrera en solitario.
Rihanna acaba de lanzar un tema llamado ‘Lift Me Up’ para la banda sonora de ‘Black Panther: Wakanda Forever‘ que ha entrado al número 3 en Reino Unido y al número 32 en España. Su mejor mercado ha sido Suiza, donde ha llegado al número 1, destacando los números 3 de Francia y Noruega también.
La mala noticia la ha dejado en una entrevista recogida por AP en la que nos viene a decir que nos olvidemos de esperar al sucesor de ‘ANTI’. En concreto, dice que el hecho de que vaya a hacer la Super Bowl no significa que tenga un disco listo. «La Super Bowl es una cosa. Nueva música es otra cosa. ¿Lo habéis oído, fans?», ha espetado elevada en un nivel de troleo pocas veces visto.
Por otro lado, reconoce: «En el segundo en que anuncié esto, me dije: «Dios mío, van a pensar que mi disco está a punto. Necesito ponerme a trabajar»». En este momento Rihanna está ocupada con el 4º episodio de su show de moda, en el que en el pasado ha aparecido gente como Halsey, Rosalía, Migos o Travis Scott.
En este caso se espera a Anitta, Burna Boy, Don Toliver y Maxwell, aunque la más polémica aparición será la de Johnny Depp. Este proyecto, el “Savage x Fenty vol. 4”, se lanzará a través de Amazon el 9 de noviembre.
Me enamoré de Low, como mucha otra gente, en algún punto entre los años 2001 y 2002. Fueron los tiempos en que dieron a conocer su 5º disco ‘Things We Lost In The Fire‘, un álbum sobrecogedor como pocos, y rápidamente le dieron continuidad con ‘Trust’. Aprendíamos lo que era el slowcore con ellos y quizá porque yo tenía entonces 21 años y era muy impresionable, quizá porque fue histórico de verdad, recuerdo con especial cariño el concierto que dieron en un sitio que me era tan ajeno como el Colegio Mayor de San Juan Evangelista de Madrid. Ni perteneciendo a mi Universidad, la Complutense, había acudido nunca a aquel lugar, ni volví después del concierto de Low.
También conocido como «Johnny», con cierta tradición de jazz y teatro desde los años 60, el Colegio Mayor cerró en 2014 entre problemas de licencias con las instituciones de Madrid y con su dueña Unicaja, para sorpresa de nadie. Lo que sí nos ha dejado noqueados ha sido la muerte de Mimi Parker a la temprana edad de 55 años, a consecuencia de un cáncer que ya se había llevado por delante las fechas de la última gira del grupo. Pero ni por esas imaginábamos este final.
Low eran una banda diferente en 2002 de la que conocemos hoy. El bajista Zak Sally, que llevaba en la formación desde casi los inicios, en 1994, desertó en 2005, siendo sustituido por varios músicos como Matt Livingston o Steve Garrington. Para la edición de su último disco en 2021, ‘Hey What‘, Low ya eran solo oficialmente el dúo formado por el matrimonio Mimi y Alan Sparkhawk. Y sabíamos que eran igual de insustituibles los dos. Alan, en primer plano, sí, ¿pero qué habría sido de Low sin la cálida y maravillosa voz de Mimi a los coros o incluso a la voz principal en algunas composiciones, como por ejemplo ‘Lullaby’? ¿Ni sin su característica seca percusión?
Low fueron esquivando etiquetas como el mencionado slowcore o el post-rock con discos tan redondos como ‘Drums & Guns’ (2007) o tan ambiciosos como ‘Double Negative’ en 2018. Un álbum en el que, con 50 años de edad, se reiventaban casi por completo jugando musicalmente con el concepto de “negativo fotográfico”, ambient y sonidos eliminados en lugar de añadidos. La experimentación total, en contraposición a su exquisito gusto melódico.
Una conversación por Twitter con Dorian Wood les inspiró a hablar de los roles de género en su último disco ‘Hey What’. Para entonces ya teníamos muy claro hacía mucho que el discurso de Low no se iba a agotar nunca, como sí lo había hecho el de otros grupos procedentes de los mismos movimientos. De manera insólita, parecían estar en el mejor momento de su carrera, como si nada.
En nuestro corazón, permanecieron siempre canciones tan maravillosas e íntimas como ‘Closer’, ‘Like a Forest’, ‘Dinosaur Act’ o ‘Sunflower’ de aquel ‘Things We Lost In The Fire’, mientras se sumaban en los últimos discos otras como ‘Disarray’, ‘Days Like These’ o ‘White Horses’. Los conciertos siguieron enmudeciendo a un público español en general hablador y díscolo, y fueron muchos los momentos inolvidables, por ejemplo en la Sala Galileo Galilei o en otro show en el Círculo del Arte de Toledo, de formas eclesiásticas, tan acordes a la conocida fe del grupo mormón. En cierta ocasión, Alan se desmoronó y prácticamente rompió a llorar agradeciendo al público de nuestro país su fidelidad porque así podían dar una buena educación a sus hijos en Estados Unidos.
Entrevistamos a Low varias veces, normalmente era Alan quien solía aparecer al teléfono, aun así timidísimo y retraído, rozando la tartamudez. Recuerdo nuestra primera conversación a través de Skype con enorme emoción, mucho tiempo antes de aburrirme de este género periodístico, casi siempre en modo promocional. Me fascinaba la idea de imaginarle hablando por el móvil en su retiro en un bosque de Duluth. No recuerdo hablar con él sobre Bielorrusia ni sobre Autechre, pero recuerdo perfectamente cómo me hablaba de la nieve en aquel lugar, y cómo le preocupaba que ya no nevara tanto como antes. Estaba hablando con la mitad de Low, el mito.
El pasado año sí pudimos hablar con el matrimonio vía Zoom y mi compañera Mireia Pería describía a Mimi en una posición secundaria, pues fue de nuevo Alan quien tomó las riendas de la conversación, como suele pasar con el vocalista principal. Pero Mimi sí habló, por ejemplo, del grado de popularidad de la banda (“Llevamos mucho tiempo haciendo esto. Y nunca, la verdad, hemos sido enormemente populares. No tenemos un hit del que la gente pueda decir: “¡Esto es lo que son!”). Algo que casa con la disparatada lista de lo más escuchado de Low en las plataformas de streaming. Y además fue Mimi quien pronunció las últimas palabras de la entrevista, hablando de su conocida fe: “Sinceramente, nosotros rezamos. Por nuestra música, para que llegue a la gente… Es una fuerza muy positiva”.
Esa fuerza positiva nos acompañará para siempre porque desde luego su música es de la que nos ha llegado, de la que no se pasa, de la que se queda para siempre. Incluso en un momento tan difícil como este para Low, Alan ha tenido unas palabras de amor para su público, pidiendo a través de Instagram que compartamos su mensaje positivo con aquellos a quien queremos. “El amor es realmente lo más importante”, decía, haciéndonos recordar que con este grupo jamás existieron las modas, las tendencias, ni el odio, ni el aburrimiento. En un mar de idas y venidas, en un océano de artistas que ocupan portadas y luego se olvidan, confundiéndose con otros y perdiéndose por el camino, ¿quién tuvo alguna vez una palabra que no fuera de amor hacia Low?
El próximo 11 de diciembre se celebrará una nueva edición de Eurovisión Junior, ese certamen en el que, hasta la llegada de Chanel, España había mostrado mucho más interés que en su edición madre: siempre ha quedado entre los 4 primeros puestos, a excepción de la última edición, la de 2021, cuando fuimos 15º.
Este año España puede remontar con la canción que el pequeño Carlos Higes presentará en Armenia. Carlos se dio a conocer en La Voz Kids , declarándose fan de Justin Bieber, mientras su familia lo era de Bisbal. Ahora ha sido escogido en un cásting por el que han pasado 95 niños.
No se han comido la cabeza con el nombre, ‘Señorita’, el mismo título que hemos visto en hits de Justin Timberlake y Shawn Mendes (junto a Camila Cabello), ni tampoco con los ritmos de la canción. Esto es más o menos como imaginabas que sonaría el tema que soñabas con que Lola Indigo llevara a Eurovisión. O mejor, una mezcla entre ella y el mencionado David Bisbal.
La delegación española está entusiasmada con la elección. «Yo creo que Europa entera va a bailar, es un bombazo de canción» es la declaración del intérprete y co-autor de la canción. Por su parte, Eva Mora, jefa de delegación, ha desafiado, según recoge Vertele: “¿No querían en Europa ritmos latinos? Pues ahí los tienen”.
‘Señorita’ es una composición del propio Carlos Higes, como decíamos, junto a Will Taylor, Primoz Poglajen y Michael James Down. En su videoclip, baila con una «señorita» y otros chavales. Está entre los 35 más vistos del país en este momento en Youtube.
‘UNTITLED (God)’ es el primero en aparecer en tu carpeta de descargas, un disco de 21 pistas, de producción minimalista, tan pronto cercano al R&B como al pop: ‘I Surrender’ podría haber sido una canción de TLC pero también de Saint Etienne. Hay interludios tipo oración y tipo “spoken word” (‘Rafael’s Prayer’), algo de góspel, pero también canciones más convencionales como la bonita ‘God Is On Your Side’. Aquí se establece el carácter religioso de todo este conjunto: la clave para bajar los álbumes era «godislove», como se llama la pista 2. Una curiosidad en este disco sería el corte 20, ‘God In Disguise’, surtido de sintetizadores ochenteros de tipo lo-fi.
’11’ está siendo el disco más escuchado de los 5 nuevos según los datos visibles en Last FM. Quizá porque es uno de los más convencionales, con 11 pistas -lo habéis adivinado- y 44 minutos de duración. Conjuga el funk con el jazz y el soul, con temas un tanto dub como ‘Morning Sun’, que podría haber sido una producción de Massive Attack con Horace Andy. ‘Higher’ es más góspel y uptempo, casi pop, mientras la canción que escogemos hoy como “Canción del Día” es ‘Fight for Love’. De nuevo conviven el R&B con el pop indie en una canción que habla sobre la supervivencia, sobre seguir adelante, incluso cuando “el mundo te destroza” y “los tiempos son duros”.
‘AIIR’, compuesto por 5 pistas que suman 26 minutos, es el disco más cercano a la banda sonora y a la música clásica de estos 5, conectando con el largo que justamente se llamaba ‘AIR’ hace unos meses. Cabe destacar que no son composiciones instrumentales: las voces corales en ‘Gods Will’ o ‘Still Waters’ son muy significativas.
‘Earth’ es un álbum marcado por la percusión tribal de ‘Power’, y también de temas como ‘The Lord’s With Me’, que pasa por varios estados de lo espiritual a lo meramente rítmico. En este disco en el que cabe la balada casi ñoña (‘Stronger’) y el funk de ‘Warrior’, el punto más pop es ‘Valley of the Ocean’. Es apta para seguidores de Adele y la primera Emeli Sandé.
Finalmente, ‘Today & Tomorrow’ es un disco marcado por el rock y las baterías vivas, hasta el punto de que parecen grabadas en directo sin producción. Estamos ante un sonido mucho más crudo, incluso cuando vuelven a surgir las voces infantiles como en ‘Above the Sky’ o en su propio ‘Heal the World’, que no tiene nada que ver con Michael Jackson o casi. Temas como ‘The Plan’ hacia la mitad suenan un tanto riot, sorprendentemente cercanos a Le Tigre, mientras ‘The Return’ admite comparaciones con Radiohead por el uso tristón de la guitarra eléctrica, fundamental en este álbum.
Con una semana de retraso, Drake y 21 Savage publicaban su disco conjunto el pasado viernes. El álbum ‘Her Loss’ de 16 pistas ha sido acogido con entusiasmo por sus seguidores y todas sus pistas se han posicionado entre las 50 más escuchadas de Spotify a nivel global.
Destaca ‘Rich Flex’, que rápidamente fue número 1 del global de Spotify y de Estados Unidos, con más de 10 millones de reproducciones en un día en total. De hecho, ‘Major Distribution’ se posicionaba en el puesto 2. La mala noticia es que tal éxito ha durado un solo día y ‘Anti-Hero’ de Taylor Swift ha recuperado el número 1 global según los datos del sábado.
Por otro lado, una de las pistas del disco está a la alta y no a la baja como las demás: se trata de ‘Circo Loco’, que en lugar de bajar puestos en su 2ª día como las demás, asciende al puesto 7 del global de Spotify. Es el tema que ha generado polémica por sus alusiones a los disparos supuestamente «fake» a Megan Thee Stallion, que esta ha respondido: «Dejad de usar mi tiroteo para ganar fama… ¡¿Desde cuándo coño es guay bromear sobre mujeres siendo disparadas?!».
Drake y 21 Savage han estado más acertados al promocionar otra de las canciones de manera simpática: ‘On BS’ ha sido presentada en Youtube como si fuera una actuación de Saturday Night Live. Pero no ha sido presentada en SNL en absoluto, pues ha sido Steve Lacy quien en verdad ha estado en el programa este sábado. Se la han colado a muchos comentaristas de Youtube, pues hasta han usado un presentador, el actor Michael B. Jordan.
Eurythmics han estado este año entre los artistas aceptados en el Rock’n’Roll Hall of Fame. Los demás han sido Duran Duran, Eminem, Dolly Parton, Lionel Richie, Carly Simon y Pat Benatar. Eurythmics han captado gran parte del foco porque es raro verles reunidos. Se separaron en 1990, sacaron otro disco en 1999 y luego se han pasado a actuar por algún concierto benéfico de Sting (2019) o por un especial de los Beatles de la CBS (2014). Pero no es lo habitual.
Eurythmics interpretaron en la ceremonia un popurrí con temas como el rockero ‘Would I Lie to You?’ y ‘Missionary Man’, pero ahí la cumbre, claro, ha sido la interpretación de ‘Sweet Dreams (Are Made of This)’, su enorme hit de 1983 que se acerca ya a los 1.000 millones de reproducciones en Spotify, cual hit de reggaetón. Por dar un dato, tan sólo una canción de Michael Jackson supera tan monstruosa cifra, y ninguna de Madonna o U2, lo cual es bastante gracioso porque fue justo The Edge quien les introducía en la gala.
’Sweet Dreams’ representó muchas cosas en su momento: la imagen andrógina de Annie Lennox, tan visible aún en la ceremonia de este fin de semana, se consideró una revolución como otra forma de feminidad en el pop. A todas luces parece un referente para lo que luego vimos en Sinéad O’Connor, Ana Torroja o Dolores O’Riordan. También ha sido muy elogiada la forma de grabación de la canción, en un pequeño estudio de North London, sentando un precedente para la generación bedroom pop y el DIY.
El primer disco de Eurythmics había sido un fracaso, también su proyecto anterior The Tourists, y el plan de Annie Lennox y Dave Stewart por continuar adelante pese a haber roto como pareja estaba resultando un fiasco. El sello de la banda de hecho no intuyó en principio en ‘Sweet Dreams’ un single porque no contenía un estribillo tradicional. Fue el 4º sencillo extraído del disco llamado ‘Sweet Dreams’. Aunque contemplando su extraña estructura, más bien lo que podemos concluir es que no tiene estrofas: es todo el rato un estribillo continuado junto a un “pre-estribillo” que en verdad es un “post-estribillo”, y después sí aparece un puente (el de “hold your head up”).
La canción entró tímidamente en las listas británicas en el número 63, pero escaló al puesto 2 el mes siguiente. Jamás llegó al top 1 en su bastión UK, pero misteriosamente sí en Estados Unidos, algo nada fácil para un dúo británico con esta imagen.
‘Sweet Dreams’ nunca ha dejado de estar instalada en el imaginario colectivo, en sus diferentes formas: una versión de Marilyn Manson por aquí, una banda sonora de terror por allá (‘La casa de la colina encantada’, ‘Truco o Trato’), también alguna serie… Un excelente trabajo editorial, al que hay que sumar en la última década un espectacular posicionamiento en playlists de Spotify tales como “Songs to Sing in the Car” (10 millones de seguidores), “All Out 80’s» (10 millones de seguidores) o durante años “Songs to Sing in the Shower” (7 millones de seguidores).
Antes de todo esto de la ducha y el coche, Annie Lennox había hablado varias veces sobre la letra, aclarando que el uso de la palabra “abuso” no se refería al S&M, sino a la depresión que sufría en la época, como consecuencia de la falta de éxito y el reconocimiento. Escribió en su biografía: «Es una declaración personal sobre las motivaciones de las personas, las cosas que amamos, los propios sueños. Sustituí la palabra «motivaciones» por la palabra «sueños». Digo que son motivaciones como seres humanos y que de ninguna manera, aunque yo esté en desacuerdo, quiero cambiar nada sobre eso. Y que allá donde mire («I travelled the world, and the seven seas”), todo lo que veo es que cada persona en la Tierra está buscando cumplir un objetivo. Así que tenemos todos los extremos, desde la gente que quiere «usar» a la gente que quiere «ser usada», todo el espectro».
Lennox escribió la letra desde la sensación de que «vivían en un mundo de sueño» y que sus objetivos nunca llegarían a cumplirse. Se sentía «desesperanzada y nihilista». Dave Stewart añadió el puente «hold your head up, moving on» para que la canción luciera un poco más positiva en lugar de tan oscura, pero su verdadera aportación fue la compra de sintetizadores y máquinas tras haber pedido un préstamo de 5.000 libras al banco. A Annie le impresionó mucho escuchar el riff, exclamando: «¿QUÉ DEMONIOS ES ESO?».
Entre una cinta de 8 pistas, un Roland Space Echo para producir reverbs y ecos, un mezclador Soundcraft, un teclado Roland SH-101 y un pequeño teclado que reproducía el sonido del bajo, entre otras cosas ampliamente documentadas en Sound On Sound, destacó también el uso de un ordenador «Movement Systems Drum Computer» del que solo había 30 unidades. Cuenta la leyenda que Eurythmics durmieron algunos días en el apartamento del fabricante en Bridgwater mientras este trabajaba en el prototipo. Les costó 2.000 libras de las 5.000 del préstamo.
No les salió mal, pues no pudieron dar con un sonido más identificativo. Casi pasándose de frenada: “Sweet Dreams” multiplica por 10 el éxito de cualquier otra canción de Eurythmics, con únicamente ‘Here Comes the Rain Afain’ -realmente parecida- y ‘There Must Be an Angel’ haciéndole algún tipo de sombra.
La inflación, la crisis energética, la pérdida de valor del euro respecto al dólar, la burocracia que implica el Brexit… se han llevado por delante varias giras internacionales. Kelly Lee Owens y Santigold están entre los artistas que no han podido realizar las giras que habían planeado, por ejemplo.
La última en caerse es Poppy, icono del pop robótico, últimamente de tintes punk en discos como ‘Flux‘ o ‘I Disagree‘. La cantante ha emitido un comunicado para justificar la cancelación de algunos shows europeos, entre los que está el que iba a realizar el 7 de diciembre en Madrid.
Estas han sido sus palabras: «Hemos considerado todas las opciones pero por desgracia necesitamos cancelar unos pocos conciertos europeos de la gira ‘Never Find My Place’. No ha sido una decisión fácil, pero con el clima actual del mundo y las dificultades que representan para los músicos de gira, se nos hace prácticamente imposible desde América llegar a la mayoría de Europa. Se devolverá el dinero en los puntos de venta».
Como informa el NME, estas son las fechas canceladas durante el mes de diciembre:
DICIEMBRE:
04 – Paris, France
07 – Madrid, Spain
08 – Toulouse, France
13 – Munich, Germany
14 – Vienna, Austria
15 – Berlin, Germany
17 – Hannover, Germany
19 – Hamburg, Germany
21 – Cologne, Germany
Y estas son las que pueden mantenerse en noviembre, básicamente las británicas y Ámsterdam:
NOVIEMBRE:
26 – Bristol, SWX
27 – London, Shepherds Bush Empire
28 – Birmingham, O2 Institute
29 – Manchester, O2 Ritz
30 – Glasgow, SWG3
DICIEMBRE:
02 – Amsterdam, Melkweg
Entre el hip hop, la electrónica y también un poquito el rock, Nico B. ha ido haciéndose un nombre. Su mayor éxito de momento es el medio tiempo de R&B ‘Buying Dreams’, y ahora el artista ha publicado un EP junto a Cosme Pelotillo en el que se combinan las guitarras eléctricas más agresivas de ‘Joven’ con las más melancólicas de ‘Garden’, por ejemplo.
Pero Nico B. también es director de videoclips como parte de la productora Santa Mónica, y en esta entrevista para la sección Meister of the Week, comisariada por Jägermusic, ha querido hablarnos sobre ello. No hay que perderle de vista a juzgar por lo exquisito de sus referencias. Este mes podréis verle como parte de la programación de Monkey Week.
Aparte de debutar estos días como Nico B con un EP junto a Cosme Pelotillo, eres co-fundador de Santa Mónica, productora de videoclips. Hay cosas que han salido y otras que están a punto de salir. De momento, ¿cuál es el trabajo para otros que mejor os representa y por qué?
La verdad es que es bastante complicado saber cuál es el que mejor nos representa, pero yo te diría que los últimos que estamos haciendo. Tenemos más recursos y se nota. También te digo que al final cada vídeo nos representa, en cierto modo, porque estamos intentando elaborar un estilo propio.
El último vídeo de La Bien Querida habla de la familia, la maternidad y tiene cierta vinculación con el cine social de los años 90. ¿Cuáles han sido vuestros referentes estéticos ahí?
El videoclip de La Bien Querida fue un tema complejo, porque nos lo pidieron a contrarreloj. Luego, había ciertas restricciones a la hora de hacer el videoclip. En ese sentido, Ana de La Bien Querida estaba disponible, pero Santiago Motorizado estaba de gira… En cuanto a referencias concretas, sinceramente te podría decir muchas. André Turpin, el director de fotos de pelis de Xavier Dolan; Raoul Coutard, que trabajó con Godard… De ahí nació un poco el sentido estético. Tiramos mucho por el costumbrismo, también por una cuestión de necesidad.
Hace años se llegaba fácilmente a los 1.000 millones de reproducciones en Youtube. Ahora mismo cuesta más tiempo y lo de los 5.000 millones de ‘Despacito’ directamente parece una fantasía. ¿Crees que tales cifras volverán en otro formato, aunque sea? ¿Se alcanzará tal impacto de otra manera?
No sé si esas cifras tan grandes volverán en algún momento, pero tampoco creo que importe mucho. Para mí lo importante es que un artista tenga un discurso y que utilice lo audiovisual para apoyar ese discurso. No creo que sea necesario que 5.000 millones de personas vean bailar a Daddy Yankee y Louis Fonsi en un clip, la verdad. Por ejemplo, Tyler, the Creator es un portento. Lo hace increíble y creo que gestiona muy bien toda esa parte audiovisual.
¿Cuál crees que es el papel del videoclip en la industria actual?
Ahora mismo siento que hay demasiados videoclips por todos lados, todo el rato. No creo que sea útil gastarte el dinero que hay que invertir en una sola producción de un vídeo si realmente eso no te va a aportar en tu discurso artístico o en general a ti como persona o cantante. Ahora parece que tiene que estar la cara de todo el mundo, en todas partes, todo el rato y se está viendo que no es tan útil. Creo que los videoclips tienen que ser algo más pensado y no tan explotado, porque si no su utilidad se diluye un poco.
¿Cuáles fueron tus videoclips favoritos durante la infancia o la adolescencia? ¿Por qué?
Creo que tienen que ver más con lo que idolatraba los grupos que con el mero videoclip. Yo era mucho de hip hop y tampoco se hacían tantos videoclips de hip hop en España. Me molaban bastante los de Estados Unidos, pero era Warren G botando en un Mustang, no era algo muy centrado. Soy mucho más fan de videoclips que se hacen ahora, desde lo obvio que es tirando al territorio de The Blaze, hasta el plano secuencia que tiene Slowthai con Mura Masa en ‘Deal Wiv It’.
Si pudieras hacer un vídeo con los presupuestos de antaño, de la era MTV, en los tiempos de Michael Jackson, ¿qué tipo de superproducción te molaría montar para ‘Joven’ o ‘Nenúfares’?
Si tuviese muchísima pasta me fliparía dirigir algo de animación, estilo Arcane o anime. Para ‘Nenúfares’, aunque no tenga absolutamente nada que ver, me molaría mogollón que fuese la historia de un señor de entre 50 y 60 años que lleva 10 años jugando a las cartas en el bar. Que tiene ya su tripita cervecera, está como calvo… pero no se representa nada de eso, sino que es él llegando a una pista de patinaje antigua y el tío se pone los patines medio nervioso y empieza a hacer una coreografía, como si hubiese hecho patinaje artístico de pequeño o algo así y vuelve a recordar esa sensación. Sería enfatizar momentos delicados de cuando se pone los patines, de cómo lo recuerda en sus tiempos… Eso estaría muy guapo, la verdad.
A veces los mejores vídeos salen para canciones que no son el single principal. ¿Cuál de tus canciones “pequeñas” merecería su pequeño vídeo “arty”?
De esas canciones igual me molaría hacer más un soporte visual, que no fuese tanto con secuencias, sino un plano fijo o dos planos a cambio de cámara. De ‘Garden’ sería yo plantando una alcachofa o algo así.
‘Envite’, anterior a este EP, tiene un vídeo muy chulo, una borrachera en un entorno rural, suponemos que sobre la amistad, filmada con sus ralentizados de una manera muy peculiar. ¿Cuál fue la idea ahí?
Pues la idea fue básicamente esa, representar la amistad. Los que salen ahí son mis colegas y el sitio es mi casa en el pueblo. Un sitio en el que básicamente no hay nada, pero que iba mucho de pequeño. Si en algún sitio tenían que empezar las cosas, pues era ahí. Me gustaba mucho la estética y creo que representar a mis amigos en el entorno donde se ha compartido tanto tiempo y haciendo lo que hacemos generalmente ya de por sí era suficiente para generar una narrativa interesante.
¿Qué opinas del concepto “álbum visual” acuñado por gente como Beyoncé? No se ha terminado de imponer porque es muy caro y solo se lo puede permitir una celebrity así, ¿pero sería para ti una forma ideal de arte?
El concepto me parece la hostia. Tienes que ser muy grande para poder hacer eso, pero es genial si tienes una idea guay. Tierra Whack, que para mí es un portento en la música, hizo eso con ‘Whack World’. Se construyó como seis o siete sets y me flipa absolutamente todo lo que cuenta y todo lo que aporta cada set. De lo último que he visto que ya es como rizar el rizo, que me parece increíble, es la peli de ‘Entergalactic’, que básicamente es un soporte visual de Kid Cudi. Ojalá en algún momento de mi vida pueda llegar a hacer algo así.
Tu música es comparada con Mura Masa, también puede estar en la onda de Alizzz o rusowsky. ¿Tus influencias musicales también te han inspirado en la parte más visual o lo ves muy separado?
Muchas gracias por comparar mi música con Mura Masa, aunque creo que todavía queda largo recorrido. Es uno de los mejores productores del mundo, al menos para mí. Creo que la gente que me influye musicalmente es también muy difícil de determinar, porque si me voy a la parte de artistas de mi Spotify, tengo como demasiados guardados y demasiados que escucho. Mura Masa, Alizzz y toda esta gente no me han supuesto algo muy referente para mis videoclips. Creo que eso viene de seguir a siete trillones de productoras, siete trillones de directores y de directores de foto. Antes el tema de los referentes era mucho más sencillo, cuando había cuatro artistas que estaban elegidos por la industria y que les cogían de la mano hasta llevarlos a lo más alto. Ahora hay artistas y directores de foto debajo de las piedras y son todos buenísimos. Es complicado ir a lo particular.
