Tove Lo publica hoy ‘Dirt Femme‘, su primer disco como artista independiente, y en total el quinto de su carrera. El álbum incluye el épico primer single ‘No One Dies from Love’, ese ‘2 Die 4’ que samplea ‘Palomitas de maíz’ y que ha sido número 1 en el top 40 de JENESAISPOP, el ambiental ‘True Romance’, y también el enésimo single ‘Grapefruit’. Cierra el elepé ‘How Long’, su aportación a la banda sonora de la segunda temporada de ‘Euphoria‘.
‘Grapefruit’, la Canción Del Día de hoy, es uno de los singles más claros del disco, gracias a su beat uptempo de synth-pop, sus arpeggios tan Robyn (todo el tema captura la energía de ‘Dancing on My Own’, clásico hit del pop que Tove acaba de versionar), y su excelente estribillo, probablemente uno de los mejores que ha escrito. Y ya es decir.
También es ‘Grapefruit’ un tema importante en la carrera de Tove Lo, pues versa sobre el desorden alimenticio que sufrió en la adolescencia, en concreto bulimia, durante cinco años. Cuenta Ebba que lleva 10 años intentando escribir ‘Grapefruit’ pero que nunca ha encontrado el momento ni las palabras adecuadas para hacerlo, y que el parón de la pandemia le permitió reflexionar, revivir viejos recuerdos y, finalmente, escribir la canción que hoy nos ocupa.
Explica la artista: «Sé que no he hablado mucho sobre este tema en las entrevistas, ni en mi música, que es el lugar donde soy más honesta. Hace tiempo que ya no convivo con un desorden alimenticio pero durante muchos años mi adolescencia estuvo marcada por ella. Puede que dos años de parón trajeran viejos recuerdos, y que necesitara todo este tiempo libre para mirar al pasado sin sentir dolor. Uno de los sentimientos que recuerdo es la necesidad de salir de mi propia piel, porque me sentía atrapada en un cuerpo que odiaba».
En ‘Grapefruit’, Tove recuerda la época en que buscaba obsesivamente perder peso contando calorías y comiendo pomelo, se miraba al espejo y no se gustaba, y comparaba su cuerpo con el de las bailarinas de ballet. Hay una referencia más o menos explícita a su bulimia cuando canta sobre «dejar abierto el grifo», y también al movimiento «body positive», al que pide ayuda. Finalmente, Tove aprende que, en este mundo, es a sí misma a quien más necesita cuidar porque «eres todo lo que tengo». Acorde al mensaje de ‘Grapefruit’, la canción suena especialmente triunfal.
Como cada viernes comentamos los lanzamientos del día y/o la semana. Hoy 14 de octubre salen los esperados nuevos álbumes de The 1975, M.I.A., Tove Lo y Red Hot Chili Peppers, a los que se suman trabajos de Lucrecia Dalt, Bill Callahan, Mykki Blanco, JEDET o The Big Moon. Además, hay disco en directo de Florence + the Machine.
También salen singles nuevos que vale la pena comentar, como el que marca el regreso de blink-182 en su formación original, que visitará España en 2023; o el nuevo sencillo de Westerman, el artista que nos conquistó hace unos años con su álbum debut publicado durante la pandemia.
SAULT han sacado nuevo EP que en realidad es un single de 10 minutos, y entre los artistas que siguen avanzando sus próximos lanzamientos se encuentran Bruce Springsteen (que prepara disco de versiones), Weyes Blood, María Rodés, Christine and the Queens, Stormzy (aquel tema de 8 minutos que sacó hace unas semanas no estará incluido en su álbum), Louis Tomlinson o Depresión Sonora.
La revelación Hope Tala publica nueva música y, entre los descubrimientos del día, podemos mencionar los nuevos temas de Lolo Zouaï, Yarea, Doechii, Charlotte Dos Santos o Mikhala Jené.
Durante años, la nueva música de Rihanna se ha hecho esperar más que Madonna en todos su conciertos. Más que el segundo single de Chanel. Las informaciones acerca de su nuevo disco han ido llegando a cuentagotas y han cambiado a la primera de turno sin nunca materializarse en nada concreto. Si tal disco existe, desde luego habrá que verlo -escucharlo- para creerlo.
2023 será el año en que Rihanna vuelva a los escenarios, por lo que es de esperar que aproveche la situación para publicar, al fin, nuevo material musical. De momento, en febrero ofrecerá la actuación musical más esperada y mediática del año, la de la Super Bowl, que tendrá lugar el próximo 12 de febrero. Rihanna baraja una veintena de nombres que puedan aparecer con ella sobre el escenario, si bien en ningún momento se ha descartado la posibildad de que salga sola, a lo Lady Gaga.
Pero, ahora, el portal norteamericano HITS Daily Double, que cuenta con fuentes fiables dentro de la industria y ha solido dar bastantes exclusivas, como la fecha de lanzamiento de ’25’ de Adele (aunque otras veces ha fallado), confirma que la barbadense seguirá los pasos de otras grandes estrellas como Ed Sheeran, Beyoncé o Taylor Swift y, el año que viene, emprenderá una gira de estadios.
El portal no da más información acerca de la gira de Rihanna, pero confirma que se está tramando y conjetura que la cantante probablemente no se subirá al escenario de la Super Bowl sin plan de salir de gira posteriormente, ya que el escenario de la Super Bowl es demasiado grande como para después desaparecer de la vida pública, o para que Rihanna proceda a encerrarse de nuevo en su tienda de cosméticos.
En las últimas semanas se ha visto a Rihanna entrando y saliendo de un estudio de grabación, por lo que parece que se encuentra preparando nueva música. Su proyecto sigue sin anunciarse oficialmente, pero parece que su lanzamiento no seguirá la tónica habitual. Eso sí, parece seguro que el sonido de Jamaica tendrá cierto peso en el contenido musical. Seguiremos esperando…
Chanel ha anunciado su esperado segundo single. ‘TOKE’ será el tema que suceda a ‘SloMo’, será además el debut de la cantante en la discográfica Sony Music tras su marcha de BMG y, además, su estreno se producirá a lo grande, pues ‘TOKE’ será el tema principal de RTVE y la Selección Española de Fútbol para el Mundial de Qatar 2022, confirma la cadena.
Ha sido en el programa ‘Dúos Increíbles’ de La 1 donde Chanel ha anunciado la llegada de ‘TOKE’ que, en sus palabras, será «una canción para que todo el mundo cante y baile» y, en concreto, «una canción de masas que es perfecta para esto». Chanel añade que es «muy divertida». ‘TOKE’ saldrá «en las próximas semanas».
Este viernes, 14 de octubre, a partir de las 12.00, se celebrará una rueda de prensa en Torrespaña donde Chanel compartirá más detalles acerca de ‘TOKE’.
La asociación de Chanel con el Mundial concuerda con los planes de su equipo de convertirla en una estrella internacional, lo que incluye que la artista solo actúe en escenarios de alcance global.
Estos días se ha confirmado el fichaje de Chanel por Sony, donde la representante de España en Eurovisión trabajará en la composición de su álbum debut, que se espera para 2023.
Róisín Murphy va a realizar su debut como actriz a lo grande, interpretando a una poderosa bruja en una nueva serie de Netflix titulada ‘El hijo bastardo y el mismísimo diablo’. La nueva serie de fantasía y drama se estrenará en la plataforma de streaming el próximo 28 de octubre.
‘El hijo bastardo y el mismísimo diablo’ está basada en la trilogía de novelas de 2014 escrita por Sally Green, ‘Half Bad’. La acción ocurre en un mundo en el que distintas facciones de brujas están en conflicto y sigue la historia de Nathan Byrne, el hijo de un peligroso brujo llamada Marcus Edge. La propia artista ha explicado a NME que la serie trata sobre «un joven que trata de encontrarse a sí mismo». «Mi personaje acumula sangre poderosa, la sangre es una especie de moneda en este mundo y la necesitas para trascender a ser cualquier tipo de bruja que seas a los 18, es como una parábola sobre hacerse mayor», adelanta la cantante sobre su personaje en la nueva serie de Netflix.
Murphy reveló en la misma entrevista que no había considerado la actuación hasta que le ofrecieron el papel: «Creo que el director era fan». La mitad del dúo Moloko también contó porqué aceptó el trabajo: «La verdad es que estaba un poco sorprendida y no pensaba que pudiese hacerlo, pero hice una prueba en el teléfono, simplemente leyendo el guion, y a todo el mundo le encantó. Así que por curiosidad acepté el papel». También reveló que «es probable que haga más incursiones» en el mundo del cine. Por el momento, Róisín Murphy está preparándose para sacar su sexto disco en solitario.
Todos los discos de The 1975 han solido ser prácticamente inabarcables a nivel de influencias y duración. El último, ‘Notes on a Conditional Form’, publicado en plena pandemia, traía 22 pistas y pegaba más volteretas de un género a otro que Simone Biles en los Juegos Olímpicos. El anterior, ‘A Brief Inquiry into Online Relationships’, era simple y llanamente el mejor. En ambos, Matt Healy y los suyos llevaron la filosofía «todo vale» de su propuesta a algo muy parecido a un límite que, desde luego, no han querido seguir explorando en su nuevo disco; un disco que, con 11 pistas, es el más conciso de su carrera.
Cuenta Healy que, con ‘Being Funny in a Foreign Language’, ha buscado hacer lo contrario a su disco anterior. En lugar de una “obra magna” que repasara una etapa determinada de su vida, como hacen todos sus discos, ha optado por presentar una “polaroid”, la fotografía de un momento efímero. O, en otras palabras, un documento más humilde y, quizá, más prescindible. La explicación tiene sentido ya que ‘Being Funny in a Foreign Language’ puede considerarse un álbum menor de The 1975, para bien y para mal.
Para bien porque, donde los otros discos de The 1975 eran más ambiciosos y, por lo tanto, más arriesgados y capaces tanto de lo mejor como de lo peor, “Being Funny” es más coherente y compacto y propone, por tanto, una experiencia más digerible y condensada de lo que suelen ser los álbumes de la banda. Tan clásico quería Healy que fuese el disco que, esta vez, el grupo ha dado prioridad a utilizar instrumentos reales en lugar de ordenadores, ha desarrollado canciones compuestas a partir de “jam sessions” y, con la ayuda de Jack Antonoff a la producción, ha creado su álbum más maduro y también conservador, exactamente como dice sentirse él en este momento de su vida, a los 33 años, cuando la mentalidad “posmodernista” empieza a resultarle ajena, y prefiere cantar simplemente sobre el amor.
Todas las particularidades de The 1975 -y, sobre todo, de Matty- siguen presentes en “Being Funny”, pero la mano de Antonoff se nota aunque el inglés diga que él ha mantenido la dirección creativa del álbum en todo momento. ‘Part of the Band’, la bonita balada que ha inaugurado la era, tiene tanto de Antonoff en su querencia folk como de Matt en su absurdo texto, en el que el británico (al que se presume «queer» aunque sobre todo se le han conocido relaciones con mujeres cis como, por ejemplo, FKA twigs, aparente destinataria de varias pistas del largo) canta cosas como que “prefiero a los hombres como prefiero mi café, llenos de leche de soja y tan dulces que no ofendan a nadie”. En un estilo similar, ‘Wintering’ es más costumbrista en su introducción de diversos personajes, como una niña de 10 años vegana o la propia madre de Matty y sus problemas de espalda; pero su alegre sonido a lo Joni Mitchell está demasiado visto, como saben Antonoff y los artistas con los que ha trabajado y que han terminado sonando igual; y The 1975 tampoco hace con él nada especialmente original o inspirado.
La sensación que The 1975 se han quedado a medias en todo esta vez prevalece en “Being Funny”. Las canciones pueden ser estupendas, como el eufórico single ‘I’m in Love with You’, que lleva su sonido de pop-rock “cheesy” y ochentoso por bandera y es mejor por ello. La nueva intro llamada ‘The 1975’ es espectacular: se supone que es un homenaje a ‘All My Friends’ de LCD Soundsystem pero a mí me suena a que han cogido una composición de Steve Reich o Philip Glass y le han plantado una letra sobre la adolescencia del siglo XXI, y frases como “me siento apático después de haberme pasado horas haciendo scrolling en el infierno, creo que tengo una erección pero no estoy seguro” son igual de carismáticas que siempre. En la faceta 70s del disco, la mejor canción es ‘Oh Caroline’, un homenaje al pop de California tan efectivo como predecible en el uso de ese “ente” llamado “Carolina” que ejerce básicamente de novia de todos los cantautores que ha habido. Y más clásica aún es la balada ‘All I Need to Hear’, tanto que Matty buscaba que sonara a “versión”. No puede ser más tierna.
Pero el nivel compositivo se queda, a veces, lejos de la gloria de The 1975. ‘Happiness’ debería funcionar pues es uno de los adelantos y su ritmillo disco recuerda a cosas como ‘Sensation’ de Bryan Ferry; sin embargo, no termina de dejar demasiada huella escuchada unas cuantas veces. ‘Looking for Somebody to Love’ es un pastiche a lo Pretenders muy claro y podría ser otro hit de The 1975 pero, aunque está OK, no llega a la altura. Y el tramo final de “Being Funny” es más agridulce: ‘About You’, con su estructura expansiva que supera los 5 minutos de duración, es claramente el clímax del disco a nivel emocional, pero como canción se pasa de etérea. ‘Human Too’ es otra tierna balada a piano, pero ‘All I Need to Hear’ es mejor y, finalmente, ‘Whenever I’m with You’ sí convence con una forma más directa y pop, mientras Matty habla sobre lo mucho que le gusta estar con una persona, sin más pretensiones que la de hacer una cancioncilla mona, que esta lo es.
Quizá la mayor noticia que deja ‘Being Funny in a Foreign Language’ es, en gran parte, simplemente un disco de amor. Las reflexiones de The 1975 sobre la comunicación moderna y, en concreto, sobre la presencia de internet en nuestras vidas, siguen ahí, pero ya no le preocupan tanto. Tampoco le ha preocupado hacer otro trabajo épico de The 1975. Nadie le puede culpar: ya ha sacado varios. Y Matty siempre ha sido consciente de sí mismo: él dice saber no ser tan listo como pretende ser y, por las palabras que ha usado para hablar de este trabajo, parece ser consciente de que no es fundamental en su carrera. Es efectivamente una «polaroid» que contemplar de vez en cuando con nostalgia pero que guardar después, quizá para recuperarla en el futuro, cuando te venga a la memoria de repente.
Tras firmar con Sonido Muchacho, Menta lanzaron su primer EP en junio de 2020 y, para haber sido lanzado durante la pandemia, ellos mismos dicen que se sorprendieron de lo bien que funcionó. Con la espectral y singular voz de Meji («Cristina no, soy Meji»), las abrasivas guitarras de Nico Rubio y Rodrigo Godoy, el siempre presente bajo de Lucas Sierra y la punzante batería de Pedro del Pozo, Menta han ido construyendo poco a poco una base de seguidores hasta conseguir la dura tarea de lanzar su primer álbum, ‘Un Momento Extraño’, el pasado 7 de octubre. Prácticamente, un año después de haber sido grabado.
El día después de celebrar la salida de ‘Un Momento Extraño’, JENESAISPOP entrevistó a Meji y a Nico para hablar sobre cómo una cantante de flamenco pasa a cantar rock, el panorama musical madrileño y las dificultades de sacar el primer disco.
¿Cuáles son vuestras inquietudes como grupo?
Meji: «Pues pasárnoslo bien, básicamente. Hacer canciones divertidas, que le gusten a la gente, que nos guste a nosotros, principalmente, y tocar y pasárnoslo muy bien».
¿Tenéis algunos temas específicos de los que prefiráis hablar?
M: «Lo que vaya saliendo. Improvisamos bastante en el momento de componer. Lo que nos vaya saliendo en ese momento. Si uno está de resaca pues se hace un tema de resaca. Si está triste pues hacemos uno triste. Como vaya surgiendo la vida».
¿El de ‘Ibuprofeno Normon 600mg’ surgió así?
M: «Como hoy más o menos».
¿En un día como hoy?
M: «Sí (risas)».
Nico: «Nosotros lo enfocamos un poco como que es la segunda parte de ‘El apartamento’. Es un poco así. ‘El apartamento’ es como la fiesta e ‘Ibuprofeno’ es el día siguiente, el domingo. Estás ahí reventado y es un poco así. Al final yo creo que una resaca mala la hemos pasado todos, ¿no?»
M: «Hoy es un viernes muy domingo (se ríen).»
Igual que con la resaca, ¿soléis escribir cosas con las que sabéis que la gente se va a sentir identificada?
M: «No lo planeamos, pero claro, realmente todo el mundo ha sentido estos sentimientos. Creo.»
N: «Yo creo que solemos referirnos a sentimientos o situaciones tan comunes que al final es inevitable que a mucha gente le parezca familiar».
Porque sois gente normal ¿no?
N: «Claro, al final somos gente que tiene su curro, que tiene una banda aparte y nos pasan las mismas cosas que a cualquier persona de nuestra edad. Y entonces la ansiedad, la depresión y todas esas cosas que son del día a día pues nos pasan a nosotros también».
M: «La ansiedad es mi diario, ¿eh?».
¿Es cierto que comenzasteis la banda durante la pandemia?
N: «Un poquito antes, la banda empezó en junio de 2019. Justo ese verano grabamos unas maquetas así muy de garaje y muy punki y a partir de diciembre ya empezamos a hablar con Luis de Sonido Muchacho y nos comentó que estaba interesado en el proyecto y en trabajar con nosotros. En febrero grabamos, antes de firmar, y en marzo ya… todos para adentro. Así que nuestra andadura comienza en la pandemia claramente».
M: «Firmamos el contrato por correo electrónico (se ríe)».
N: «Sí, eso lo resume bastante bien».
¿No dudasteis ni un momento?
M: «Ni lo leí».
¿Alguien lo leyó?
N: «Sí hombre, claro. Yo me lo leí y se lo pasé a amigos abogados y tal, pero al final es lo que te das cuenta, ¿sabes? No estás firmando nada loco. Esto es muy de andar por casa».
M: «Y tampoco nos íbamos a ver en otra igual en la vida».
N: «Además, lo que mola de esto es que es una escena bastante sana y saludable. Entonces, no hay promesas de por medio que te puedan nublar la visión. No hay nada».
¿Entonces cuál es la propuesta de Menta para aportar al panorama, o qué os diferencia?
N: «Yo creo que tampoco somos más ni menos que nadie. Simplemente yo creo que lo que nos puede diferenciar es que somos un grupo de colegas, que lo seguimos siendo y que no vivimos de la música. Eso tiene sus cosas buenas y sus cosas malas. Las malas es que le tienes que dedicar tiempo, recursos y dinero a algo y no estás viviendo totalmente de ello».
M: «Las cosas buenas es que puedes hacer lo que te salga de los cojones».
N: «Eso es, no deja de ser un proyecto con tus colegas y no hay nada más allá. Estar en un sello como Sonido Muchacho para un grupo de nuestra talla… Es muy fácil simplemente tocar, sacar un disco de vez en cuando y poco más. Yo creo que tampoco aportamos mucho más ni menos que el resto. Simplemente nos llevamos bien e intentamos dar caña».
Entonces valoráis más la amistad que el dinero.
N: «Sí, totalmente. Igual si viéramos algo más de dinero te diríamos lo contrario, pero de momento no. Igual el año que viene si nos vuelves a entrevistar te decimos otra cosa».
¿Por qué decidisteis tener este sonido? ¿De dónde viene?
M: «No lo decidimos. Salió y ya. En ningún momento dijimos: vamos a hacer el sonido que tenemos. Que yo no sé ni que sonido es realmente. Probando y probando salió. En la vida en general tiramos mucho de la improvisación nosotros, como ahora».
N: «Sí que es verdad que en ese momento nos inspiraban las bandas de nuestro entorno. Además, nos llevamos muy bien con la mayoría de las bandas de Madrid. Te influencian y dices: quiero tener una banda como esa. No sonar igual, pero un poco del mismo rollo. Siempre nos ha molado la escena de garaje de Madrid: Los Nastys, Parrots, Hinds, cuando salió Carolina…»
«No sé quiénes son Pavement, Pixies, Smashing Pumpkins… A mí me suda la polla. A mí me gusta Canelita»
Es imposible no empaparse de ello, ¿no?
N: «Es imposible, pero tampoco me parece que sea malo. Evidentemente nos gustan grupos míticos como Pavement, Pixies, Smashing Pumpkins… Todo eso también lo escuchamos».
M: «Yo no sé quiénes son, eh. A mí me suda la polla. A mí me gusta Canelita».
N: «Igual a Smashing Pumpkins no llego, pero a algo parecido a Los Nastys podemos probar».
Compartís sello con algunos de los grupos que habéis mencionado.
N: «Sí, Hinds, Carolina Durante, El Buen Hijo…»
M: «Está guay porque luego somos todos colegas. Es bastante divertido».
Eso pasa en general con el panorama en Madrid, ¿no?. Todo el mundo se conoce.
M: «Con la endogamia nos van a salir todos los niños mongolos. Esto no lo pongas (se ríe)».
N: «Además, no quiero desvirtuar a otras ciudades, pero vas por ahí y no pasa lo mismo. Es como que la escena es mucho más cerrada…»
M: «Aquí la gente se apoya un montón y se ayuda muchísimo».
N: «Desde el primer momento que arrancamos las bandas que conocíamos se han volcado siempre con nosotros, ayudando con lo que sea. Desde prestarnos amplis, reposteo… ¿sabes? Y luego cuando estás medio establecido pues tienes el peso de decir: tengo que hacer lo mismo. Y no tiene nada que ver con ser un lameculos. Ganamos todos, porque el público es muy compartido. El público que escucha a Menta escucha Carolina y El Buen Hijo».
Meji, tu decías antes que a ti te gustaba Canelita, porque tú no siempre has cantado rock, ¿no?
M: «Yo esto no lo había cantado absolutamente nunca. De hecho, yo no había cantado nunca. O sea, yo canto flamenco de toda la vida de Dios, pero en el autobús con mis amigas volviendo de fiesta borracha, en la ducha y en las bodas, bautizos y comuniones familiares (se ríe)».
¿Y cómo pasas del flamenco a esto?
M: «Porque me dijo un colega si quería cantar y me pareció una idea perfecta. Tampoco lo pensé. De hecho, quedé con estos en plan, tenemos una banda, y no me habían escuchado cantar (se ríe). Sí que es verdad que yo siempre había querido tener una banda. Siempre no, desde que conocí a Hinds. No personalmente, sino cuando las escuché por primera vez».
¿Y congeniasteis bien al instante?
N: «Sí, por eso tiramos adelante».
M: «El día que nos conocimos compusimos ‘Ojalá te mueras’«.
N: «Yo creo que lo peor que puede haber en este mundo es compartir una banda con una persona que te cae mal. Eso sí que es un drama de la hostia. Lo guapo es ser todos colegas».
M: «Si no, luego te comes un montón de horas de furgo con alguien que te cae mal y que encima le huelen los pies».
Hoy habéis sacado vuestro primer disco, ¿estáis contentos?
N: «Muy contentos. Un poco expectantes a ver qué dice la peña. A nosotros nos flipa y nos parece que hemos dado un gran paso respecto a lo último que teníamos. Este disco es mejor que ‘não não’ y peor que lo siguiente».
¿Qué dificultades conlleva crear tu primer disco?
N: «Cada banda o artista tiene su situación. A unos le costará más, a otros menos, pero a nosotros sí que nos costó porque nos pilló en un momento chungo para todos y le tuvimos que poner mucho cariño, voluntad y mucho curro».
M: «Fuimos al estudio con el disco sin terminar de componer».
N: «Literalmente, yo creo que si no lo hubiéramos grabado en La Mina, el disco no estaría en la calle. Fue clave porque necesitas un entorno que te inspire y que te inhiba de tu día a día. Esto es arte, cultura, no es matemáticas. Es un proceso creativo en el que tienes que estar inspirado».
¿Es difícil mantener la motivación?
N: «Sí, sobre todo cuando curras 9 horas y luego tienes que ir a casa y componer un disco. Luego habrá artistas más y menos fructíferos, pero bueno. Nuestra experiencia fue dura, pero satisfactoria».
¿A qué os referís con ese “momento extraño” que mencionáis en ‘Algo incómodo’?
M: El momento por el que estábamos pasando nosotros.
«Cuando estábamos grabando el disco yo estaba pasando literalmente por la peor época de mi vida»
El momento de sacar tu primer disco…
N: «Sí, pero ya no eso. Es el momento personal. Estás sacando y componiendo un disco, pero ostia… La vida te pega dos «guayas» y estás ahí un poco tal… Y encima tienes que grabar un disco».
M: «Cuando estábamos grabando el disco yo estaba pasando literalmente por la peor época de mi vida. La peor de todas, y justo coincidió con irnos a La Mina a grabar y es como, voy a hacer lo que más me gusta del mundo estando cuando peor he estado nunca».
Tal y como decís en ‘Segunda Parte’, ¿tenéis a la suerte de vuestro lado?
M: «Tenemos una puta flor en el culo».
N: «Literalmente».
M: «Siempre estamos salvados por los pelos».
N: «Siempre en el límite, ojalá nunca se acabe. Yo creo que somos un grupo con suerte porque hemos tenido oportunidades que les gustaría a muchas bandas tener. Eso intentamos valorarlo para tomárnoslo en serio y no hacer una puta mierda. En plan, aprovechémoslo».
Ahora, a Menta les espera presentar su disco en directo. Según ellos, el aspecto que más disfrutan de tener una banda. Actuarán el 15 de octubre en Salamanca, el 21 en Madrid, el 4 de noviembre en Barcelona, el 5 en Zaragoza junto a El Buen Hijo, el 26 en Valencia y terminarán el 3 de diciembre con otro show en Madrid. Las entradas ya están a la venta.
‘Blonde’ es una de las películas de las que más se ha hablado en las últimas semanas y, debido a la dureza de sus imágenes, también ha dividido en gran medida las opiniones de la crítica y el público. Mientras que algunos la ponen como una de las mejores cintas del año, otros la consideran un desastre. Lo que está claro es que el estreno de la película de Andrew Dominik en Netflix ha sido un verdadero fracaso, con tan solo 37 millones de horas reproducidas en su primera semana, según los datos proporcionados por la propia compañía.
Para comparar con otro estreno de alto calibre de la plataforma, ‘No mires arriba’ obtuvo 111 millones de horas vistas en su primera semana. Si lo comparamos con los estrenos más fuertes de Netflix, los datos de ‘Blonde’ entonces se convierten en ridículos. Es cierto que es habitual que la segunda semana de una serie o película en Netflix sea más exitosa que la primera. Sin embargo, ‘Blonde’ ha pasado de los 37 millones a tan solo 17 en su segunda semana. En total, la película protagonizada por Ana de Armas ha sumado 54 millones de horas en sus primeros 12 días. Echando más leña al fuego, ‘Blonde’ ha ocupado el número 1 en el Top 10 de Netflix durante nada más que tres días y este pasado lunes, la cinta desaparecía completamente de lo más visto de la plataforma.
Pese a su pobre recepción en streaming, no hay duda de que ‘Blonde’ ya ha pasado a la historia como una de las películas más divisivas de la década y nadie puede quitarle a Ana de Armas el mérito de su impresionante actuación, lo cual parece ser el único punto de unión entre todas las críticas. Para terminar en una nota positiva, Nick Cave ha nombrado a ‘Blonde’ como su película favorita de todos los tiempos… quizá porque es, nada más y nada menos y junto a su inestimable colaborador Warren Ellis, autor de su banda sonora.
Silk Sonic, el dúo formado por Bruno Mars y Anderson .Paak, ha decidido no presentar su álbum ‘An Evening with Silk Sonic‘ a la próxima edición de los premios GRAMMY, que se celebra el 5 de febrero en Los Ángeles. El 15 de noviembre se revelarán las nominaciones.
El pasado mes de abril, Silk Sonic se llevó a casa hasta cuatro premios GRAMMY solo por su single ‘Leave the Door Open’, que ganó dos de los premios más importantes, los de Canción del año y Mejor grabación del año, y también los de Mejor canción de R&B y Mejor actuación de R&B. En un comunicado, Silk Sonic hacen un ejercicio de humildad y explican que ya son suficientes y que sería «una locura pedir más».
«Hemos entregado todo de nosotros en este álbum», empieza el texto de Silk Sonic recogido por Rolling Stone, «pero con toda la amabilidad, humildad y, sobre todo, sexualidad del mundo, nos retiramos de la carrera de los GRAMMYs este año». Bruno Mars y Anderson .Paak añaden que «esperamos poder celebrar con todo el mundo otro gran año para la música» y «participar en la fiesta».
En el comunicado, los integrantes de Silk Sonic observan que el éxito internacional de ‘Leave the Door Open’ es más importante para ellos que cualquier premio. Apuntan: «Andy y yo, y todas las personas que trabajaron en este proyecto, ganamos en el momento en que todo acogió tan bien ‘Leave the Door Open’. Todo lo demás fue la guinda del pastel».
Las votaciones de los GRAMY arrancan hoy y tendrán en cuenta trabajos que salieran entre el 1 de octubre de 2021 y el 30 de septiembre de 2022, por lo que el disco de Silk Sonic entraba dentro de plazo, pues salió el 12 de noviembre del año pasado.
Queen están más en boca de todos que nunca gracias a la relevancia perenne de su música y, recientemente, al éxito de ‘Bohemian Rhapsody‘, el biopic sobre Freddie Mercury que es uno de los mayores taquillazos de las últimas décadas.
Además, Queen publican nueva música, más o menos. Los de Brian May y compañía reeditarán ‘The Miracle’, su álbum de 1989, el próximo mes de noviembre. Entre los alicientes que contendrá el álbum se encuentra una pista inédita, cantada lógicamente por Freddie, que nunca nadie antes ha escuchado.
‘Face it Alone’ es la balada que Queen han publicado en las últimas horas. Grabada durante las sesiones de ‘The Miracle’ y cantada por Mercury con todo el sentimiento que le caracterizaba, en ella, Freddie canta sobre ser dueño de su propia vida, porque cada uno es «jefe de su casa» y «tienes que enfrentarte a (ella) tú solo».
En una entrevista con BBC, Brian May y Roger Taylor han contado que ‘Face it Alone’ es una canción que habían olvidado completamente y que, cuando la «re-descubrieron», pensaron que no podrían editarla, por su carácter de maqueta. Sin embargo, su «equipo de ingenieros» ha conseguido adecentarla y hacerla sonar como nueva.
No es la primera vez que Queen publican música inédita con voz de Freddie Mercury. En 2014 lanzaron ‘Queen Forever‘, un recopilatorio de canciones «olvidadas» que Freddie había grabado pero que el grupo, de nuevo, había «olvidado».
Además de ‘Face it Alone’, la reedición de ‘The Miracle’ -que fue el penúltimo álbum que publicó Queen con Freddie vivo, el siguiente y último fue póstumo- vendrá con más contenido extra, como maquetas, caras b, entrevistas, versiones extendidas y vídeos, todo ello reunido en 5 CDs y un DVD.
blink-182 acaba de anunciar una macrogira mundial que pasará por España (entradas aquí), pero la verdadera noticia que ha dejado el anuncio de dicha gira es la reunión de la formación original. Tom DeLonge, Mark Hoppus y Travis Barker no tocaban juntos desde 2015 y, de un tiempo a esta parte, Hoppus y Barker trabajaban con un guitarrista diferente mientras DeLonge se centraba en tocar con su banda Angels & Airwaves (y en estudiar la hipotética existencia de los ovnis). Como todo el mundo sabe, Barker ha conseguido mantenerse en el candelero gracias a su mediática relación con Kourtney Kardashian, pero ese es otro tema que no vamos a tocar en este artículo (aparte de esta frase). Sin embargo, el grupo que saldrá de gira y publicará nuevo disco es el original, el que llegó a vender millones y millones de copias de sus discos y cambió la vida a millones de adolescentes, pero que después fue variando de formación por diferentes razones.
Y no es poca cosa que los integrantes de blink-182 vuelvan a ser los originales porque blink-182 es, sin duda, una de las bandas de rock más influyentes de las últimas dos décadas, tanto como para hoy ser cabezas de cartel en festivales como Lollapalooza Brasil al lado de nombres como Drake, Billie Eilish o Tame Impala; tanto como para que alguien les haya denominado alguna vez los «Beatles del punk»; pero, sobre todo, tanto como para estar en boca de muchos de tus artistas favoritos, incluso los que menos esperas.
Entre esos artistas se encuentra PinkPantheress, estrella de TikTok y renovadora del garage y el drum ‘n’ bass. La autora de ‘Break it Off‘ ha reconocido que muchas de sus «decisiones melódicas» están directamente influenciadas por las canciones de blink-182. Para Grimes, la música de la banda californiana sirvió de portal hacia el mundo de la música alternativa. De hecho, la canadiense empezó tocando en un grupo de versiones de blink-182 y, recientemente, ha grabado una canción con el grupo que aparecerá, presumiblemente, en el siguiente disco de ellos. Por otro lado, ‘Closer’ de The Chainsmokers y Halsey contiene una referencia a «una canción de blink-182 que escuchamos en Tucson sin parar».
Por supuesto, la influencia de blink-182 es más evidente en grupos de su mismo estilo. Hoy el pop-punk está de moda y muchos de los iconos que influyen a artistas de nuestro tiempo como Machine Gun Kelly, WILLOW o, en España, Yawners fueron primero estudiantes del catálogo de blink-182. Sin ir más lejos, antes que Grimes, tanto Panic! at the Disco como All Time Low dieron sus primeros pasos en la música dentro de bandas donde se versionaban canciones del trío. Y si hasta una canción como ‘Mona Lisa, Mona Lisa’ de FINNEAS suena 100% al trío californiano, es difícil no pensar que Paramore o Fall Out Boy no hubieran gozado del mismo éxito si no hubiera sido porque blink-182 allanaron el terreno unos años antes.
blink-182 no es la primera banda de pop-punk masiva que vende millones de discos. Green Day llegó antes. Sin embargo, la propuesta de DeLonge, Hoppus y Barker era especial porque aunaba dos cosas: canciones simplonas y un sentido del humor basto similar a cosas como ‘American Pie’, película en la que, por cierto, hicieron un cameo. Cualquiera que fuera al instituto allá por 2005, 2006 o 2007 conoce a gente que montó grupos en esa época y ensayaba canciones de blink-182 porque los acordes eran fáciles de aprender y de tocarlos con la guitarra. Composiciones tan directas como ‘All the Small Things’, ‘What’s My Age Again?’, ‘I Miss You’ o ‘First Date’ representaban una versión amable y accesible del punk, mientras sus letras versaban sobre la adolescencia desde un punto de vista deliberadamente poco serio y desenfadado, atrayendo a toda una generación de adolescentes que se identificaban con sus autores, que veían a sus integrantes como parte de su propia pandilla.
El humor ha formado parte de la propuesta de blink-182 desde siempre. El título de ‘Take Off Your Pants and Jacket’, su tercer disco, es un juego de palabras que alude a hacerse una paja, y otras letras de blink-182 hablan sobre correr desnudo, amar a la Princesa Laia o emborracharte con tus amigos. Algunos de sus textos son completamente absurdos, si bien no necesariamente los más inteligentes que puedan venir a la mente. Y todos recordamos el videoclip de ‘All the Small Things’, donde el grupo parodiaba a Backstreet Boys y otros artistas «cheesy» de la época. Ni siquiera las duras vivencias posteriores de sus miembros (Barker sobrevivió a un accidente de avión, Hoppus superó un cáncer) ha diluido el efecto «goofy» de sus canciones.
blink-182 nunca fueron niños mimados de la crítica precisamente porque su sentido del humor deliberadamente «cringe» les hicieron parecer, ellos mismos, una parodia. NME en especial les tenía bastante tirria pero ellos siempre han hecho bien en tomarse a sí mismos demasiado en serio. Y, como a Avril Lavigne, el tiempo les ha dado la razón: hoy tienen los mismos millones de oyentes en Spotify que, por ejemplo, The 1975 y los streamings de sus canciones son estratosféricos. La gente sigue escuchando a blink-182 y, sobre todo, los artistas siguen reconociéndoles entre sus influencias. Eso es el éxito.
Angela Lansbury, una de las últimas supervivientes de la era dorada de Hollywood, ha fallecido este 11 de octubre a los 96 años en su casa de Los Ángeles, mientras dormía. En pocos días, en concreto el día 16 de octubre, la actriz americano-irlandesa habría cumplido 97 años.
Reconocida con multitud de premios, entre ellos 6 Globos de Oro, 6 Tonys y un Oscar honorífico, Lansbury desarrolló una carrera brillante en varias disciplinas, principalmente el teatro, el cine y la televisión. Será especialmente recordada por su trabajo en Broadway y por sus papeles en la película de Disney ‘La bruja novata’ (1971), y en la serie ‘Se ha escrito un crimen’, en la que Lansbury interpretó a la detective Jessica Fletcher a lo largo de doce temporadas, de 1984 a 1996.
Nacida en Irlanda en 1925, Lansbury y su familia se mudaron a Nueva York en los años 40 escapando de la Segunda Guerra Mundial. En esta época, la actriz obtuvo papeles en películas como ‘Gaslight’ (1944), ‘National Velvet’ (1944) o ‘El retrato de Dorian Gray’ (1945). En los 70 volvió a Irlanda y apareció en musicales como ‘Gypsy’ o ‘Sweeney Todd’, interpretó a Miss Eglantine Price en ‘La bruja novata’ y, desde 1984 hasta 1996, apareció en los televisores de medio mundo como Jessica Fletcher en ‘Se ha escrito un crimen’, que en España emitía TVE los domingos al mediodía.
En sus últimos años, Lansbury no dejó de trabajar y, por ejemplo, en 2005 apareció en ‘Nanny McPhee’, en 2017 en ‘Little Women’ y en 2018 en ‘El regreso de Mary Poppins’. El último papel de Lansbury será póstumo, ya que ‘Glass Onion: A Knives Out Mystery’ se estrenará en Netflix estas navidades.
Este viernes se estrena en Amazon la serie inspirada en la vida de Tegan & Sara ‘High School’: podéis ver el tráiler bajo estas líneas. Como recordaréis, se basa en el libro escrito por las propias hermanas.
Una semana después, el viernes 21 de octubre, llegará al mercado el nuevo álbum del dúo, ‘Crybaby’. Conocemos 4 singles que podéis escuchar aglutinados en las plataformas de streaming: ‘I Can’t Grow Up’, ‘Faded Like a Feeling’, ‘Yellow’ y ‘Fucking Up What Matters’. La primera es nuestra “Canción del Día” para este jueves.
‘I Can’t Grow Up’ es una de las canciones más Joy Division (teclados) y New Order (bajo) que jamás hayan grabado Tegan & Sara. Basada en la idea “dame tu amor” (el tema podría llamarse perfectamente “Gimme All Your Love”), la canción incluye un arreglo de Autotune en los coros cuando se dice su título.
El vídeo es sencillo pero muy efectivo, sobre todo por su montaje. Tegan & Sara juegan con el ritmo del tema, produciendo una de sus entregas más divertidas. No es casualidad que justo este haya sido el tema elegido para abrir ‘Crybaby’.
RTVE ha anunciado tres nuevos programas de carácter cultural, ‘Encuentros’, presentado y dirigido por Elena Sánchez, grabado antes de que fuera presidenta interina de la cadena; el magacín diario ‘Culturas 2’, con Paula Sainz-Pardo; y el espacio viajero y literario ‘Un país para leerlo’, con Mario Obrero.
La música tendrá cierto protagonismo en ‘Culturas 2’, que comenzará a emitirse desde la semana que viene. En concreto el primer programa será el 17 de octubre, pasando a emitirse desde entonces de lunes a jueves a las 20:15 horas.
Indica la nota de prensa publicada en la web de la cadena: «‘Culturas 2’ será la gran casa de la cultura, la clásica y la urbana, la que fue y la que será, la cultura como forma de conocer, entender y emocionarse con el mundo. Cine, música, cómic, danza, arquitectura, artes escénicas, literatura (novelas y cuentos, poesía, ensayos y literatura infantil), series o podcasts. Englobará todo el arte de crear y de conocer; por eso mirará hacia la ciencia, las tendencias, lo local y lo universal, las ciudades y los pueblos».
Colaborarán en el programa Virginia Díaz, Martín Llade o Daniel Galindo. Pero también muchas personas de la música, del cine y también de la cultura urbana y los videojuegos. ‘Culturas 2’ incluirá entrevistas, debates, crónicas, recomendaciones, clubes de lectura y cultura digital. «Será una mirada abierta, rigurosa y divertida, porque la cultura también es juego».
Cuando Rigoberta Bandini saltó al escenario de Benidorm Fest vestida de novia y con gafas de sol para interpretar el inimaginado himno ‘Ay mamá’, acompañada de marido, primos y amigas, el comentario más divertido fue que aquello parecía ‘Midsommar‘. La artista ya había realizado un guiño al nuevo clásico del cine de terror de Ari Aster en el vídeo de ‘Perra’. En la tele, directamente la secta eran ella y su corte de familiares, todos de blanco.
Esta imagen, en principio tan desconcertante, ha terminado siendo 1) icónica y 2) muy representativa de lo que es a finales de 2022 el fenómeno Rigoberta Bandini en varios sentidos. Por un lado, sus conciertos, que ya eran una ceremonia religiosa con miles de personas pegando botes y gritos como si sobre el escenario estuviera el Papa Harry Styles o los BTS, se multiplicaron. Rigoberta se convirtió en uno de los mayores reclamos de festivales bastante grandes, como Tomavistas o Mallorca Live. Es decir, logró meter al público en su propio mundo de frases habladas, ideas improvisadas y outros explosivas, las dos más populares de corte feminista. De «quiero ser una perra» a «no sé por qué dan tanto miedo nuestras tetas».
Por otro, en su espíritu DIY y desde su propio sello independiente, llamado aún hoy Rigoberta Bandini -así de inesperado y desbocado ha sido el fenómeno-, la cantante ha propulsado como pocos valores como la familia, la maternidad y la religión. ‘Que Cristo baje’ estuvo ya entre sus primeras canciones, y en este disco de debut aparece en una nueva mezcla, así que si ahora estamos sorprendidos de que un «aleluya» pasado por el Autotune sea el estribillo del corte titular y final de ‘La emperatriz’, o de que Dios sea un «topic», el problema está en nuestro tejado.
Y es que ‘La emperatriz’ es un álbum sobre la maternidad y la fe, dos temas casi tabúes en el underground. La única banda alternativa con la que recuerdo haber hablado de ellos fueron los argentinos Entre Ríos. Hace 14 años. La aproximación de Rigoberta, que acude a conciertos de ‘MOTOMAMI’ con Ada Colau, es un poco más compleja que «Dios es amor», y entre sus preocupaciones por ejemplo está educar a su hijo en la neutralidad de género, o al menos, lejos de la masculinidad tóxica. Así se escucha en la trepidante ‘Canciones de amor a ti’.
De la misma manera, sus letras son un poco más complejas de lo que parece, pues ‘Perra’ no consiste solamente en ser una mujer liberada sexualmente, sino que en realidad parte de la idea de ser un animal sin dilemas morales. Y ‘Así bailaba‘, que puede parecer un divertimento pasajero en su adaptación de una canción de Los Payasos de la Tele, ha sido negociada con la familia Aragón para ofrecer un mensaje más moderno y progresista. Las niñas de hoy no tienen que coser ni fregar, porque «tienen que bailar». Mientras unos se ríen del carácter naíf de todo lo que toca Amaia, lo cierto es que aquí hay más mensaje que en el 90% de Todo Indie, playlist en su momento tomada por canciones que nadie sabía ni sabe lo que querían decir.
Entre el costumbrismo cómico de ‘In Spain We Called It Soledad’ y la resaca de fiesta que supuso su hit primigenio ‘Too Many Drugs’ -ninguna de las cuales podía faltar en este LP para coleccionistas-, es difícil hablar de cuáles han sido los referentes musicales para arropar todos estos mensajes. Cuando le preguntas a Rigoberta Bandini por sus influencias, no suelta prenda. Sí suele hablar de Aute, de Mocedades, de Massiel… la canción melódica de los 70, cuyo legado va en este disco mucho más lejos del título de ‘Julio Iglesias’, su guiño a ‘Hey’, ‘Soy un truhán’ y otras. Su estribillo «Tanto trampolín, tanta percusión», melódicamente, es digno del mejor Juan Carlos Calderón.
Pero todo ello aparece más bien rodeado de un synth-pop ahijado de los albores de Austrohúngaro, de bandas de pop sintético como Hidrogenesse. Stefano Macarrone ejerce de productor junto a Esteban Navarro (Venga Monjas), haciendo un trabajo funcional y sencillo (Mendetz conocieron caminos más intrincados), si bien algo mejorable en alguna parte de la mezcla: los teclados italo del final de ‘Ay mamá’ merecían más luz que los «lo-lo-los». Santos&Fluren están detrás de ‘A todos mis amantes’, una balada medio portuguesa medio electrónica; o de ‘La emperatriz’, ligeramente arrimada al Kanye West más sacro; y Javier Fernández Riverola firma la bonita ‘Tú y yo’, sobre el amor marital.
Nombres que nunca oscurecen que aquí el gran talento es el de Paula Ribó, pues todo arreglo parece sometido a su servicio. Es, además, una gran cantante como dejó oír a gritos en los minutos finales de Benidorm Fest, quizá porque aprendió de los clásicos y no de la tradición indie, donde salvo excepciones nadie luchó demasiado por convertirse en un gran vocalista.
Entre su voz, sintes, menciones a Despentes, Sorrentino, Moustaki y Puccini; demasiadas drogas y también finalmente demasiados espíritus, está claro que este disco es un producto único, que ni los mayores fans vimos venir como número 1 en España en los tiempos del reggaetón, el post-trap, la bachata y el featuring obligado. Los más escépticos se preguntarán si será flor de un día. Pero qué más da, más que el líder político que llamó a ‘Ay mamá’ «soflama feminista» ya ha durado.
En un futuro cercano, los androides conviven con los humanos. Forman parte de la vida cotidiana, ayudan a cuidar a los niños y a hacer las tareas de la casa. Las inteligencias artificiales y los clones se camuflan con la humanidad, incluso tienen sentimientos avanzados que hacen que a primera vista sea imposible diferenciarlos. Estos technosapiens son una parte fundamental en el universo que plantea ‘Despidiendo a Yang’, la poética segunda película de Kogonada.
En ella disecciona el drama de una familia cuando su robot Yang se estropea sin remedio. Jake (un excelente Colin Farrell) y Kyra (Jodie Turner-Smith) lo compraron para que Mika, su hija adoptiva, no perdiese el contacto con su ascendencia china. La inminente pérdida de Yang, no solo dejará un vacío doloroso, sino que a raíz de ella la película propone una búsqueda sobre la identidad y lo que significa estar vivo.
Mientras a Yang están intentando repararlo, su ausencia desajusta por completo la cotidianidad. No solo era el hermano mayor de Mika y quien más cosas le enseñaba, Jake y Kyra también se apoyaban en él para educar a su hija, quizá demasiado. Esta alteración hace que la pareja se dé cuenta de sus responsabilidades como padres, y también de que reemplazarlo no tendría sentido, porque Yang, aun siendo un robot, era un miembro más de la familia.
Basada en un relato de Alexander Weinstein, Kogonada otorga a ‘Despidiendo a Yang’ un tono apesadumbrado y profundamente melancólico. Este no es el único aspecto que comparte con ‘Columbus’, su ópera prima, aquí también hay una voluntad notoria de representar los espacios físicos como pilares fundamentales para entender el mundo que rodea a sus personajes. La decoración ultramoderna, ordenada y cuadriculada crea una sensación tan acogedora como sumamente artificial. Es un mundo en el que la tecnología y el medioambiente parecen haber llegado a un punto de co-existencia pacífica, de igual forma que los humanos con los robots.
Kogonada explora con enorme sensibilidad la pérdida de un ser querido y la formación de la identidad cultural a través de un viaje por los recovecos de la memoria. Los recuerdos se almacenan en un enorme banco de datos al que privilegiadamente se nos da acceso. ¿Qué nos hace humanos? ¿Qué significa ser humano? Yang siente emociones que se asemejan a lo que podemos sentir, pero también es incapaz de comprender otras. “Ojalá el té chino no fueran solamente datos curiosos para mí” le reconoce a Jake, quien regenta una tienda de té artesanal, tras una conversación sobre la fascinación que le provoca dicha bebida. Yang nunca llegará a compartir o entender ese entusiasmo, pero sí es capaz de amar, de observar, de cuestionarse cosas.
Hay algo profundamente conmovedor en ‘Despidiendo a Yang’, y es la forma en la que nos acerca a estas cuestiones sin respuesta, cómo deja que el espectador reflexione por su cuenta sin necesidad de subrayar nada. La puesta en escena, sobria en ocasiones y a la vez repleta de hallazgos luminosos, nos guía –junto a la bellísima música de Aska Matsumiya- hacia un precioso y emocionante final. Una joya humanista.
Ya han sido publicadas las nominaciones a los MTV EMA 2022, que se celebrarán en Düsseldorf el 13 de noviembre. Harry Styles se posiciona como el favorito de la gala, con siete nominaciones, entre las que se incluyen las de Mejor Artista, Mejor Canción y Mejor Vídeo. A Styles le sigue Taylor Swift con seis nominaciones y también nominada a Mejor Artista y Mejor Vídeo. A continuación, están Nicki Minaj y ROSALÍA con cinco nominaciones cada una. Las votaciones estarán abiertas en la página web de los MTV EMA hasta el próximo 9 de noviembre.
Mejor Artista
Adele
Beyoncé
Harry Styles
Nicki Minaj
ROSALÍA
Taylor Swift
Mejor Canción
Bad Bunny, Chencho Corleone – «Me Porto Bonito»
Harry Styles – «As It Was»
Jack Harlow – «First Class»
Lizzo – «About Damn Time»
Nicki Minaj – «Super Freaky Girl»
ROSALÍA – «DESPECHÁ»
Mejor Vídeo
BLACKPINK – «Pink Venom»
Doja Cat – «Woman»
Harry Styles – «As It Was»
Kendrick Lamar – «The Heart Part 5»
Nicki Minaj – «Super Freaky Girl»
Taylor Swift – «All Too Well (10 Minute Version) (Taylor’s Version)»
Mejor Colaboración
Bad Bunny, Chencho Corleone – «Me Porto Bonito»
David Guetta & Bebe Rexha – «I’m Good (Blue)»
DJ Khaled ft. Drake & Lil Baby – «STAYING ALIVE»
Megan Thee Stallion & Dua Lipa – «Sweetest Pie»
Post Malone ft. Doja Cat – «I Like You (A Happier Song)»
Shakira ft. Rauw Alejandro – «Te Felicito»
Tiësto & Ava Max – «The Motto»
Mejor Artista Español
Bad Gyal
Dani Fernández
Fito & Fitipaldis
Quevedo
ROSALÍA
Mejor Directo
Coldplay
Ed Sheeran
Harry Styles
Kendrick Lamar
Lady Gaga
The Weeknd
Mejor Artista Revelación
Baby Keem
Dove Cameron
GAYLE
SEVENTEEN
Stephen Sanchez
Tems
Mejor Pop
Billie Eilish
Doja Cat
Ed Sheeran
Harry Styles
Lizzo
Taylor Swift
Mejor Electrónica
Calvin Harris
David Guetta
DJ Snake
Marshmello
Swedish House Mafia
Tiësto
Mejor Rock
Foo Fighters
Liam Gallagher
Måneskin
Muse
Red Hot Chili Peppers
The Killers
Mejor Alternativo
Gorillaz
Imagine Dragons
Panic! At The Disco
Tame Impala
Twenty One Pilots
YUNGBLUD
Mejor Latino
Anitta
Bad Bunny
Becky G
J Balvin
ROSALÍA
Shakira
Mejor Hip Hop
Drake
Future
Jack Harlow
Kendrick Lamar
Lil Baby
Megan Thee Stallion
Nicki Minaj
Mejor R&B
Chlöe
Giveon
H.E.R.
Khalid
Summer Walker
SZA
Mejor K-pop
BLACKPINK
BTS
ITZY
LISA
SEVENTEEN
TWICE
Mejor Push
Nessa Barrett
SEVENTEEN
Mae Muller
GAYLE
Shenseea
Omar Apollo
Wet Leg
Muni Long
Doechii
Saucy Santana
Stephen Sanchez
JVKE
Mejores Fans
BLACKPINK
BTS
Harry Styles
Lady Gaga
Nicki Minaj
Taylor Swift
Mejor vídeo de larga duración
Foo Fighters – «Studio 666»
ROSALÍA – «MOTOMAMI (ROSALÍA TikTok LIVE Performance)»
Stormzy – «Mel Made Me Do It»
Taylor Hawkins Tribute concert, London’s Wembley Stadium
Taylor Swift – «All Too Well (10 Minute Version) (Taylor’s Version)»
Mejor vídeo con mensaje positivo
Ed Sheeran – «2step (feat. Lil Baby)»
Kendrick Lamar – «The Heart Part 5»
Latto – «P*ssy»
Lizzo – «About Damn Time»
Sam Smith – «Unholy (feat. Kim Petras)»
Stromae – «Fils de joie»
The Cure tocaron anoche en Estocolmo y revelaron otro nuevo tema, ‘And Nothing Is Forever’. Esta canción es el tercer adelanto del próximo álbum de la mítica banda británica, ‘Songs Of A Lost World’, del cuál no se conocen más detalles por el momento. La semana pasada el grupo de Robert Smith ya mostró dos nuevas canciones en su concierto en Riga como parte de su gira europea. Estas fueron ‘Alone’ y ‘Endsong’.
En el concierto de ayer, los dos primeros adelantos volvieron a aparecer y ‘And Nothing Is Forever’ sonó a partir de la sexta canción del set. La nueva canción de The Cure es una balada de seis minutos a medio tiempo que incluye una hipnótica intro instrumental y que muestra a Smith cantando sobre el arrepentimiento en relación al paso del tiempo: «Promete que al final estarás conmigo/Di que estaremos juntos y sin arrepentimiento». Además, en su forma y tema recuerda a la canción ‘Pictures Of You’.
‘Songs Of A Lost World’ será el primer álbum de estudio de The Cure desde ‘4:13 Dream’, que vio la luz en 2008. Desde aquí también recordamos que la gira del grupo pasa por España. The Cure actuarán el 10 de noviembre en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 11 de noviembre en el WiZink Center de Madrid.
Este otoño se ha publicado el primer álbum de la cantante medio española medio portuguesa Rumia, residente en Berlín. ‘Forget Me Not’ ha venido precedido de una serie de singles bastante diversos. Unos parecen más influidos por la escena de cantautor áspero y polvoriento americano y otros por la escena trip-hop.
Lo mejor es el gran número de grandes canciones que esconde el disco. Curiosamente no son las más escuchadas, mérito que ha recaído en ‘Everything I Did, I Did It Just for You’, ‘Like a Pearl’ y últimamente ‘The Best Lines’. ‘Our Sofa’ es una de las más pop, una de las que justifica la influencia de Feist o Taylor Swift que aparece en su biografía oficial. Pero es ‘What a Show’ la que hoy seleccionamos como “Canción del Día”.
Perteneciente a su vertiente más ambiental, minimalista y electrónica, ‘What a Show’ parece preguntarse a qué edad llegará la felicidad. O al menos el momento en que nos aceptemos en todo nuestro error.
Rumia se sitúa en una edad diferente en cada una de las estrofas. “Solo tengo 19 años, estoy segura de lo que es amor”, dice en la primera antes de conocer la decepción. La segunda, a los “treinta y tantos”, cree “entender el viaje pero se siente como antes”. La tercera se sitúa a los 50 (en el vídeo es más bien a los 70), y continúa mostrando la misma desubicación: “Quizá a los 50 pueda encontrar algo de claridad, y llegue al punto en que pueda perdonarme por dejarte volver”.
La cantante explica: “Me inspiré en uno de mis primeros amores, una relación que tuve hace 10 años. Para mí, el proceso de escritura vino por sorpresa, no esperaba ir en esa dirección pero parecía que algo necesitaba ser visto desde una perspectiva más madura de mí misma y de la relación». Es por ello que ha explorado cómo se sentía cuando era adolescente y cómo esos sentimientos han madurado a lo largo de los años, al mismo tiempo que mira hacia adelante para tratar de averiguar cómo se puede sentir en el futuro.
Junto a ‘If I Ever See You Again’, una de las grabaciones más bonitas de ‘Forget Me Not’. Un disco que se complementa con rarezas como ‘A.M.’ más cercana a un entorno Kraftwerk, o con canciones más folk como la final ‘Simone’, ideal para seguidores de Beth Orton.
RTVE ha anunciado que finalmente será hoy, 25 de octubre, a las 22.05 horas, cuando revele los 18 artistas finalistas del Benidorm Fest (no serán 16 como se anunció en un principio). Será en un programa especial presentado por Inés Hernand que contará presumiblemente con la presencia de los artistas y grupos elegidos. En los últimos días, se han desatado todo tipo de rumores sobre la gente que se ha presentado (el último de Twitter es Bad Gyal), pero poca cosa ha podido ser confirmada por los artistas.
En todo caso, será RTVE quien tendrá la última palabra. ¿Habrá suerte con alguno de los 12 posibles candidatos que proponía nuestra redacción? Hace unas semanas RTVE anunciaba entre los casi 900 candidatos famosos, exactamente «más caras conocidas» que en la edición anterior, y viejas glorias de los 90 y los 2000, así como influencers con gran cantidad de «followers en TikTok».
En total se han recibido 876 candidaturas, de las cuales 455 han sido a través de web, 27 por correo electrónico y 394 de manera directa a través de las discográficas. El número de presentados se mantiene estable, pero sube el porcentaje de artistas que se presentan a través de sellos. Además, RTVE recalca que se han presentado aspirantes «de trayectoria y prestigio». También hay «cantantes provenientes de talent shows» e «incluso rostros eurovisivos de otras ediciones».
El comunicado de RTVE es para leerlo con cuidado: «es muy destacable la presencia de gente joven -grupos, solistas…-; artistas de la escena indie; grupos que triunfaron en los años 90 y los 2000; e incluso algún candidato que quiere repetir su experiencia del año pasado en Benidorm». ¿Quizá Gonzalo Hermida busca su oportunidad? Los artistas que se han presentado tienen entre 16 ay 76 años.
De todas estas casi 900 canciones, se elegirán 16 candidaturas que se presentarán por tanto el 27 de octubre. 8 se presentarán en una semifinal el 31 de enero y 8 el 2 de febrero. La final será el 4 de febrero.
mariagrep se pone «una tirita de colores» para que parezcan «mucho más leves todos sus dolores» en la canción principal de su primer EP ‘Detox’. La joven gallega residente en Madrid utiliza en ‘Tirita‘ un beat difícil de definir, que no es drum&bass ni UK garage, como también rehuye de toda etiqueta una generación Z, y antes lo hicieron otros artistas pioneros.
Los referentes de mariagrep van desde Olivia Rodrigo a Shygirl, pasando sin vergüenza por Nelly Furtado y Avril Lavigne. Cada canción parece comprometerse con lo diferente: cuando creías a causa de ‘Por eso’ que esto iba a ser un EP de emociones dolientes y ambientaciones chill a lo dani o Linda Mirada, aparecen las guitarras de ‘Parpadeando’, otra de sus canciones fundamentales.
Y ahí el rugir de las eléctricas es un poco más feroz que el de las producciones de Olivia Rodrigo. Estaría un poco más cerca de Best Coast, Weezer o Yawners. La letra de ‘Parpadeando’ es otro drama de lágrimas y cabreo («Cruzo la calle y ya está parpadeando / me apuro, pienso si me importaría morir»). Por suerte, la melodía y esa subida de medio tono final que ni Eurovisión en los años 90, aportan considerable dosis de humor.
Antes de que ‘La playa’ cierre el EP con una dulce propuesta de amor, tan directa como «Ven aquí, a esta playa / da igual que ya no haga calor / Te hago un huequito en la arena a mi lado / sabes que siempre cabremos los dos»; aparece otra de las producciones fundamentales del EP. mariagrep ha contado con otro artista igual de versátil, Ant Cosmos, para la única colabo de ‘Detox’.
‘Modo Superstar’ -entre el reggaetón y el trap, quién lo habría adivinado una pista antes- tiene el ritmo de un hit de Bad Gyal pero el dramatismo melódico de una composición de Yvng Beef. Toda la sensualidad que podría haber cabido aquí torna en desgracia: «Ya nunca voy a bailar como me viste ayer, para ti nunca más». Algo nos dice que no será el caso: que mariagrep es una de esas artistas que solo dan un paso atrás para ensayar dos hacia adelante.
blink-182 han anunciado una gira mundial que incluye dos paradas en España. En concreto, los autores de ‘All the Small Things’ actuarán el 3 de octubre en el WiZink Center de Madrid y el 4 de octubre en el Palau Sant Jordi de Barcelona. La preventa de entradas se habilitará el próximo 13 de octubre (de 2022), y la venta general se abrirá el 17 de octubre.
La gira de blink-182 reunirá en el escenario a sus tres integrantes originales, estos son, Tom DeLonge, Mark Hoppus y Travis Barker, por primera vez desde 2015. Fue ese año cuando DeLonge abandonó la formación. Le sustituyó Matt Skiba, guitarrista de Alkaline Trio, con el que blink-182 publicaron dos álbumes, ‘California’ en 2016 y ‘Nine’ en 2019.
El viernes 14 de octubre podrá escucharse ‘Edging’, un single que marca el regreso de Mark, Tom y Travis a los estudios de grabación más de una década después de su cambio de formación, y que anuncia la llegada del décimo álbum de la banda.
blink-182 se formaron a principios de los 90 por iniciativa de Tom y Mark. Más adelante se sumó Travis a la formación. ‘Enema of the State’, su disco de 1999, fue el primero de sus lanzamientos superventas, al que siguieron ‘Take Off Your Pants and Jacket’ en 2001 y ‘blink-182’ en 2003.
Conocidos por acercar el pop-punk a una generación masiva durante el cambio de milenio, blink-182 arrasaron gracias a canciones como ‘What’s My Age Again?’, ‘I Miss You’, ‘First Date’ o la previamente mencionada; hits que marcaron a una generación. En 2005 se dieron un descanso, en 2011 volvieron y, desde entonces, no han parado de tocar y grabar.
Esta semana se viene fuerte con algunos lanzamientos discográficos, entre los cuales se encuentra el nuevo trabajo de The 1975, que recibe el título de ‘Being Funny in a Foreign Language‘ y ha contado con un puñado de sencillos de adelanto, un total de cuatro.
The 1975 inauguraba su nueva era con la otoñal ‘Part of the Band‘ y después se sumergía en los años 70 con los ritmos disco de ‘Happiness’. A continuación presentaba el himno ‘I’m in Love with You’ y finalmente entregaba la bonita balada ‘All I Need to Hear’, en clave jazz-pop.
Hoy nos detenemos en el single más claro de todos. ‘I’m in Love with You’ es una de esas canciones de pop-rock explosivas y eufóricas de The 1975 que nos llevan a las radios pop de los años 80. Simple Minds o Tear for Fears podrían haber sido influencias.
En ‘I’m in Love with You’, Matt Healy narra sus dificultades para expresar precisamente esta frase a la persona amada. Dice que se lo lleva intentando decir mucho tiempo, pero que no encuentra la valentía, y que no puede dormir por culpa de esta circunstancia. Finalmente, Matt se lo comunica.
Sin embargo, el vídeo de ‘I’m in Love with You’ cuenta la misma historia desde otro punto de vista. Inspirado en el cine mudo, el adorable vídeo dirigido por Samuel Bradley plantea que los primeros meses de romanticismo pueden ser excitantes y maravillosos, pero que «todas las personas son decepcionantes cuando empiezas a conocerlas». Esta es la frase «escondida» que va apareciendo a lo largo del vídeo.
En el final del clip, Matt y su banda de bluegrass tocan ‘I’m in Love with You’ para la chica en cuestión. Cuando ambos se reúnen para darse un último beso, ella le muestra su «verdadera» cara y Matt queda visiblemente desencantado. Eso sí, la canción es pura dulzura.
Esta noche se ha cerrado el plazo para presentar canciones a Benidorm Fest 2023. Recordando el fenómeno protagonizado por la primera edición la pasada temporada, solo podemos adivinar que cientos de propuestas se habrán presentado, si no miles. Estamos además en octubre, mes en el que tradicionalmente pueden empezar a estrenarse las canciones que representarán a cada país. A partir de ahora, toda canción que se estrene, cumpliría las normas.
Desde JENESAISPOP lanzamos una serie de apuestas, entre el realismo y la fantasía, para el certamen. Y es que Benidorm Fest ha resultado no solo un camino para que España al fin gane Eurovisión -o al menos parezca que lo intenta-, sino una plataforma de promoción (ahí quedan los casos de Rigoberta Bandini y Varry Brava) y ante todo un gran espectáculo de entretenimiento. Veremos qué nos depara esta edición en cuyo jurado estará Nacho Cano -que sí, descubrió a Chanel, pero ha mostrado estar muy perdido en la dirección musical de ‘Malinche’– y habrá nueva dirección de RTVE.
Rodrigo Cuevas
El fenómeno Tanxugueiras puso sobre la mesa muchas cosas, entre otras, la variedad de nuestro folclore y las posibilidades que encierra. Muchos echamos de menos una puesta en escena más ambiciosa y también una producción más alternativa para ‘Terra’; en ese sentido el asturiano Rodrigo Cuevas sería una alternativa como performer. Contestatario, queer, divertido y con nuevo álbum en ciernes, garantizaría un nuevo revuelo mediático y una gran actuación, a todas luces.
Maria Arnal
Otra artista que ha unido folclore y electrónica, trabajando incluso con nombres internacionales como Holly Herndon, es Maria Arnal. La compañera profesional de Marcel Bagès tiene una voz preciosa (con o sin sus coristas habituales, puede llevar media decena según las normas), un directo apabullante y, lo mejor, cierta intención de ir a Eurovisión por inverosímil que parezca. Recientemente preguntó en Twitter si la gente quería que se presentara. Pues va a ser que sí queremos, sí…
Samantha Hudson
En 2022 nos hemos quedado a medio gas con Luna Ki como fenómeno viral. La imposibilidad de utilizar Autotune lastró su canción. Pero este año todos estamos más curtidos. Samantha Hudson es una propuesta necesaria en el camino a Eurovisión. La intérprete de ‘Por España’ no podrá desplegar su visión más política o crítica con la sociedad porque las normas del festival lo impiden. Por ahí, da un poco de miedo el juego a ser descalificados en el último momento por una salida de tono que vamos a sufrir, pero ganar no es todo, lo divertido es el camino, y el carisma de Samantha Hudson garantizaría un semestre tronchante hasta la llegada del festival en mayo.
Rakky Ripper
No seamos los últimos en llevar el hyperpop a Eurovisión, sino los primeros. La granadina Rakky Ripper, que cuenta con hitazos como ‘dónde stás?’, acaba de colaborar con Marta Sango en la synth-popera ‘La corriente’. Es decir, no solo sabe hacer producciones ariscas a lo SOPHIE o Arca como ‘ZIP’, sino también otras más accesibles. Y BREAKING NEWS, la propia Rakky Ripper ha anunciado en redes que se ha presentado a Benidorm Fest. ¡Vamos!
Lola Indigo
A juzgar por la aceptación de Chanel, que desplegó toreras y un abanico gigante en su presentación de ‘Slomo’, parece que tiene que haber un componente latino en la actuación de España para que Europa nos acepte. Aunque no soy muy partidario de repetir estrategia a la desesperada, porque cada año gana el festival algo diferente, solo nos queda fantasear con que nos represente una artista de gran perfil en ese sentido. Lola Indigo ha dicho que participaría más bien como autora, y tras la conclusión de que lo peor de Chanel era el tema que llevaba, no podemos rechazarlo.
Ptazeta, Villano Antillano
Las producciones internacionales de Bizarrap han sido número 1 mundial y como hispanoparlantes no podemos ignorarlo. No sabemos si el argentino estaría por la labor de representar a España, pero como a Rosalía no le vendría mal: la Europa continental y sobre todo Reino Unido son sus puntos flacos. Pero siempre podemos convencer a algunos de sus colaboradores. Entre mis favoritos (sorry, Quevedo), está la canaria Ptazeta, pero también la portorriqueña Villano Antillano sería una gran alternativa. Su mayor número de fans está en Madrid y además ambas tienen un dueto.
BULEGO
Tras todo lo sucedido con Tanxugueiras -para bien y para mal-, parece difícil que RTVE no seleccione canciones en lenguas co-oficiales de nuestro país. El gallego Baiuca, que precisamente ha colaborado con Rodrigo Cuevas, sería una opción obvia aunque muy digna. Buceando entre los nuevos artistas que están surgiendo en Euskadi, como Verde Prato o Mirua, quizá los exitosos BULEGO serían la opción más colorida. Sobre todo porque temas como ‘Pitzen ari Da’ pueden movilizar a algún seguidor del The Weeknd más ochentero.
Pau Vallvé
Con ‘Master of None‘ lo vimos claro: la sociedad estaba habituada a una serie con un personaje indio por aquello de la diversidad, ¿pero qué pasaría con una serie con un indio, una lesbiana negra, un taiwanés, etcétera? ¿Y qué pasaría con un Benidorm Fest con canciones en MÁS DE UNA LENGUA CO-OFICIAL? A Los Meconios les puede explotar la cabeza. Puede merecer la pena intentarlo, porque los talentos que descubrir son de lo más variado. Ahí está el estupendo EP que acaba de publicar el catalán Paul Vallvé, con una ‘Aquest cop sí’ que es pura euforia en sus 2 minutos de duración.
rusowsky, Ralphie Choo
Aunque llevar una modernidad parece que no puede dar resultados a España, y para muestra el fracaso de Barei cuando tanto se llevaba el piano house en Reino Unido, fantaseo con que un artista de música avanzada nos represente en Eurovisión. La idea de ampararnos en los toros hasta el siglo XXXVIII no es que sea muy alentadora. Además, jóvenes artistas como rusowsky y Ralphie Choo usan puntualmente riffs o beats inspirados en el folclore nacional, tanto como beats de UK garage, R&B o lo que se les eche por delante. Producciones cambiantes que ya llenan salas en nuestro país y empiezan a tener cierta proyección internacional: Ralphie Choo es este martes portada de Pitchfork.
Delaporte
Con un ojo puesto en las tendencias electrónicas, pero desde un punto de vista más comercial y asequible para toda la familia, está el caso de Delaporte. El dúo italoespañol no solo ha probado de sobra su capacidad para construir numerosos hits bailables, sino cierta capacidad analítica y estratégica, muy funcional y esencial para Eurovisión. Desde los tiempos de ‘Fama’ a la reedición de ‘Las montañas’ pasando por sus currados cortos, la carrera de Delaporte hacia el festival sería, seguro, de fondo.
Hoke
Una de las clarísimas revelaciones de la temporada en España es Hoke. Su disco junto a Louis Amoeba ronda el top 5 en España codeándose con Bad Bunny, Feid, Rosalía y C. Tangana, suponiendo una pequeña revelación dentro del hip-hop nacional, como hace tiempo que no se veía. Después de lo de Mäneskin, es evidente que no es ninguna tontería llevar propuestas diferentes al festival, no necesariamente ancladas en el rock.
Russian Red
Un capricho personal: desde que vi a The Common Linnets arrasar por Holanda (quedaron segundos, pero hicieron historia), no me quito de la cabeza cómo luciría en Eurovisión una actuación similar a la guitarra por parte de España. Por ejemplo de mano de Russian Red, que tiene voz para encandilar a toda Europa y va necesitando un comeback a lo grande, porque jamás debió irse a ningún lado. ¡Vuelve, Lourdes!
