El DJ francés Kavinsky vuelve a la escena musical 9 años después de su álbum debut, con un segundo trabajo discográfico llamado ‘Reborn’ que saldrá a la venta el próximo 25 de marzo.
El autor de ‘Nightcall’, canción incluida en la banda sonora de ‘Drive’ que lo puso sobre el mapa, cuenta en una entrevista ofrecida a NME que este nuevo disco es mucho menos cañero que el primero. Es un álbum más relajado en el que ha intentado plasmar un sonido más atemporal y futurista. Compara los dos trabajos como si el primero fuese un coche de carreras y este un paseo con la ventanilla bajada.
‘Reborn’ ya cuenta con dos singles publicados hasta la fecha: ‘Zenith’ y ‘Renegade’. En ambos se puede apreciar la mayor variedad de instrumentos que ha incorporado, y la influencia que artistas como Daft Punk o The Weeknd tienen sobre él. De hecho, este último ha estado en contacto con Kavinsky para grabar nueva música, así que quizá que podremos volver a escuchar otra colaboración entre ellos aparte de ‘Odd Look’ de 2013.
Future Islands pasarán parte del mes de marzo y principios de abril realizando una gira por Reino Unido, en mayo estarán en Estados Unidos y Canadá, y en agosto estarán en la Europa continental, pero de manera dramática no han podido reubicar sus fechas españolas que han sido canceladas. Foto: Devin Yalkin.
No hay disco anunciado como sucesor de ‘As Long As You Are‘. Sin embargo, desde hoy es un poco más deseable gracias al nuevo single que edita la banda, lo mejor que han hecho en bastante tiempo. Sucediendo a ‘Peach’, otro single suelto que lanzaban hace unos meses, ‘King of Sweden’ conforma uno de los temas más inmediatos de Future Islands. Es nuestra «Canción del Día».
Por un lado, sus líneas de sintetizadores son excitantes como en sus mejores momentos, estableciendo varias líneas melódicas que a veces se solapan. Por otro, la voz de Samuel T. Herring aparece en su línea melancólica habitual. El artista viaja en un vagón anhelando vacaciones, un respiro, una huida, recordando una adolescencia alienada en la que la palabra «misfit» parece fundamental («Feeling like i’m 15 / Wandering with the misfits»); sin que por ello se desvíe de lo que siempre termina sucediendo…
‘King of Sweden’ es en realidad otra canción de amor en la que, entre referencias al horizonte, a la luna y a islas desiertas, el estribillo se dedica cristalino a su cometido post-San Valentín: «Eres todo lo que necesito / Nada de lo dicho podría cambiar nada / Donde vas tú, yo iré / Solo dilo e iré / Porque eres todo lo que necesito». Una de esas producciones en las que lo que se transmite con música y texto van de la mano par dar lugar a otro de sus grandes «Singles«.
Fechas europeas de Future Islands:
16 August – COLOGNE, DE, E-Werk
17 August – MUNICH, DE, TonHalle
18 August – BERLIN, DE, Columbiahalle
22 August – OSLO, NO, Sentrum Scene
24 August – COPENHAGEN, DK, Vega (tickets valid from 26 February)
25 August – COPENHAGEN, DK, Vega (tickets valid from 27 February)
29 August – HELSINKI, FI, The House of Culture
26 October – UTRECHT, NL, TivoliVredenburg (Ronda) (tickets valid from 15 March)
4 November – MILAN, IT, Fabrique
7 November – PARIS, FR, L’Olympia
Tras dos años de obras y una pandemia, vuelve el Ochoymedio Club. La Sala But de la Calle Barceló en Tribunal, recinto de la fiesta, ha finalizado sus obras de remodelación y ahora pasa a llamarse La Paqui, donde Ochoymedio celebrará su reencuentro con los madrileños a partir de este viernes 18 de febrero. Foto: Nabscab.
Aunque el club haya estado dos años con la persiana bajada, no han dejado de celebrar conciertos en otros escenarios de la ciudad. Cabe recordar esto, ya que además de discoteca, Ochoymedio es también una promotora de conciertos y tiene programados para los próximos meses actuaciones de artistas como La Casa Azul, Luna Ki, Ms Nina, Samantha Hudson, Sexy Zebras o María Escarmiento. La mayoría de estos conciertos se van a celebrar en la nueva La Paqui (But), pero hay algunos que se reparten por otras localidades madrileñas como la Sala Cool o La Riviera. Tenéis más información sobre estos shows y las entradas, en su web sobre conciertos.
En cuanto al regreso del club de 0.00 a 6.00 los viernes y los sábados, las entradas para este y el siguiente fin de semana están disponibles en la web oficial a partir de 10 y 12€ para los primeros en asistir, y con un precio de 20 euros para la entrada general.
El domingo, además de ser noche electoral en Castilla y León -lo parecía en todo el país-, fue la Super Bowl. Y una de las celebridades que no quisieron perdérsela fue The Weeknd. Parecía feliz bailando la música de otros, como Mañueco celebrando su victoria, pero ninguno podía estarlo tanto. No es que a Abel pudiera escocerle que los artistas de este año lo hicieran mejor que él en 2021; es que verle era recordar que habías olvidado que el mes pasado había sacado disco.
The Weeknd comenzaba 2022 con su propio adelanto electoral errado. Corría el mismísimo 1 de enero cuando anunciaba en las redes que quería sacar su flamante disco nuevo ya, que no hacía falta aguardar por los tempos habituales en la industria musical, que quería compartir con el mundo todo ASAP porque «la música puede curar y eso es más importante que el lanzamiento de otro álbum» sin más. Seguramente se supiera ganador tras venir de gobernar el mundo con singles como ‘Blinding Lights’ y ‘Save Your Tears’, y todo el disco ‘After Hours’ en general. Pero la estrategia ha resultado tan fallida como la del Partido Popular de Castilla y León, quedando toda su campaña, incómoda, a medio gas.
El plan del PP era gobernar cerca de la mayoría absoluta en esta comunidad, no necesitar a VOX y repetir jugada en Andalucía en breve, todo ello en busca de un cambio de ciclo para ensalzar a su líder nacional Pablo Casado, pero nada de esto se va a dar. Ni va a haber elecciones en Andalucía ni me imagino otro disco sorpresa publicado el 7 de enero del año que viene por parte de nadie.
Y es que lo mismo o casi puede decirse de Abel Tesfaye: ha sobreestimado su poder de convocatoria y las urnas -las tiendas y las plataformas de streaming- le han acompañado, sí, pero no tanto como él esperaba. Su primer batacazo fue perder el número 1 en Estados Unidos contra Gunna al no disponer de edición física. De nada le sirvieron las estrategias de última hora a la desesperada: descuentos, bonus tracks, refuerzos de varios colores. Y cuando la edición física de ‘Dawn FM’ ha podido llegar a las tiendas, el poder de convocatoria del disco estaba un tanto diluido: no ha conseguido movilizar a los suyos. ‘Dawn FM’ ha vuelto a quedar en el número 2 en EE UU con la salida del álbum en CD y lo que es peor, en la semana posterior pierde varias posiciones tanto en este territorio estratégico (baja al #6) como en Reino Unido (baja al #9), ahogado por otras novedades, Adele y Ed Sheeran en Reino Unido -que resisten mejor que él tras promocionarse en los Brits- y la banda sonora de ‘Encanto’ en Estados Unidos, el verdadero disco que se lo está llevando calentito estos días.
‘Dawn FM’ sigue siendo un gran disco, el mismo que contiene joyas como ‘Out of Time’ y la bailable ‘Less than Zero’, que en cualquier momento podrían explotar, pero no parece que haya sido una gran idea precipitar su lanzamiento. Seguramente de saberse estos resultados, la estrategia se abortaría, pues enero ha sido tradicionalmente un mes de venta vaga, pésimo para superestrellas de esta categoría.
Con el equivalente a 600.000 copias vendidas a un mes de su edición, los números le dejan muy lejos de la primera fila a que venía acostumbrando, y lo que es peor, apenas nada de este álbum permanece en las listas de singles a nivel global, porque la gente sigue prefiriendo ponerse viejos temas suyos como ‘Blinding Lights’, ‘Save Your Tears’ con y sin Ariana Grande, el single con Swedish House Mafia, la colaboración con Post Malone y en España añadan la exitosa ‘La Fama’ con Rosalía. A nivel global -el top 200 de Spotify– hasta pueden añadir cosas tan perdidas como ‘Lost in the Fire’ y ‘Die for You’ por encima de la olvidada ‘Take My Breath’.
La única excepción, la única canción de esta era que parece estar funcionando de manera medio orgánica es ‘Sacrifice’, pero el propio artista no parece estar explotándola todo lo que podría con actuaciones en televisión o un vídeo en el que se vea o pase algo. Esa edición en CD en la que no es que no vengan las letras de las canciones, sino que no vienen ni siquiera los títulos de las mismas -supongo que porque ‘Dawn FM’ se vende como un programa de radio- no ha sido la solución. No está todo perdido para Tesfaye en este año que acaba de empezar, pero ese aspecto de anciano que ha decidido gastar en la portada de este álbum invita ahora a pensar que tendrá que pactar con el mismísimo diablo para sacar adelante esta campaña. ¿Preparada ya la lista de featurings y la chequera?
‘PUTA‘ fue el disco del año 2021 para nuestra redacción, pero también fue el año en que se cumplían 10 años de ‘La Pareja Tóxica’, publicándose una edición especial con casi todas sus canciones regrabadas (‘Pregúntale al polvo’ entra, ‘Adiós’ sale), pero acercándolas a su estilo actual.
También el mismo 2021 se cumplían 20 años del estreno de ‘A dos metros bajo tierra (Six Feet Under)’, la serie favorita de Zahara, así que fuimos a ella con una curiosa propuesta, que la autora de ‘Santa’ aceptó encantada: una entrevista doble en la que repasaríamos el impacto que han tenido en su carrera, y en su vida en sí, tanto ‘La Pareja Tóxica’ como ‘A dos metros bajo tierra’. La primera parte, sobre la serie, podéis leerla aquí, y en esta segunda parte, nos centramos en el aniversario de ‘La Pareja Tóxica’.
He estado leyendo las entrevistas que te hicieron en su día sobre ‘La Pareja Tóxica’, para no repetirme, y no he encontrado lo que te voy a decir ahora, espero acertar. El disco es conceptual, pero ¿habla todo el tiempo sobre la misma relación? ¿O son distintas experiencias que agrupaste?
La toxicidad unía todo el disco, junto a la autodestrucción, a través de distintas parejas… pero la clave estaba en que esas parejas tóxicas no eran solo románticas. Desde la relación tóxica incluso a nivel químico, que está en ‘Leñador y la Mujer América’, a ‘Camino en L.A.’ donde hablo de mi relación con Universal, o en ‘Camino’ donde hablo de la relación tóxica de mi abuela Isabel con una enfermedad, el Alzheimer, que la estaba destruyendo, y que finalmente acabó con su vida. Solo se libra de ello ‘La Mujer Mayúscula y el Mar’, que es la historia de mi amiga Celia, que para mí siempre ha sido una persona súper inspiradora. La historia habla de cuando dejó toda su vida en Cádiz y se fue en un barco a trabajar de lo suyo, y viajó por todos los mares de Europa. Celia siempre ha sido tremendamente valiente, un referente para mí, y casi que todo lo contrario de lo que yo me sentía en ese momento.
Hay canciones sobre relaciones de pareja que no sé si hablan tanto de toxicidad como de tristeza. Pienso concretamente en dos canciones, ‘Del Invierno’ y ‘El lugar donde viene a morir el amor’. La primera es de mis favoritas de toda tu discografía, y siempre la he visto con un sentido bonito; triste, pero bonito. Pero claro, después de escuchar ‘PUTA’, no sé si la relación de la que hablas ahí era tan bonita…
(ríe) Esa sí. Esa sí lo fue… ‘Del Invierno’ es de las mejores canciones que he compuesto, y de las más emotivas, para mí también. Se me sigue poniendo un nudo en la garganta cuando la canto, de hecho acabo el concierto de ‘La Pareja Tóxica’ con ‘Del Invierno’ porque no es una canción para nada hit, pero sí que conecta de manera bestial conmigo y con el público, y me apetecía acabar ahí. Habla de cuando una relación se ha roto, y empiezas a asumir que esa persona va a tener relaciones con otras personas, y que eso está bien. Te marchas, y ahora tú ocuparás un lugar distinto en la vida de esa persona, un lugar muy importante, pero no romántico. Y está todo en paz, aunque estés triste, ¿no?, pero no guardas rencor ni cosas negativas hacia esa persona.
Hay una frase que para mí es la clave, y que es confusa si no la explico: “si me encuentras conduciendo allí, recuérdame que deje flores en su puerta”. Yo no conduzco, eso es ficción (ríe) pero es como que, si alguna vez camino por su barrio, le dejaré flores a ella, y “a ella” es a su nueva relación. Es como un gesto bonito de paz y de enhorabuena, pero también como metáfora de un funeral. Por entonces componía mucho más con metáforas que ahora, ‘PUTA’ es como mucho más literal, mucho más explícita. Por entonces era mucho más metafórica, y cada frase tiene un significado, no están ahí porque queden bien. Y luego, ‘El lugar donde viene a morir el amor’ está conectada con ‘Del Invierno’, ambas van va sobre una relación que acaba porque realmente nos acabamos convirtiendo en amigos. Y escribo ‘El lugar donde viene a morir el amor’ porque es lo que siento que soy yo en ese momento, ¿sabes?, yo soy ese lugar, como que siempre que venía a mí el amor, yo estaba tan sumamente llena de veneno, tan tóxica y tan destrozada que lo acababa aniquilando.
«La toxicidad unía todo el disco de ‘La Pareja Tóxica’… pero la clave estaba en que esas parejas tóxicas no eran solo románticas»
Cuando hablas de esa forma de escribir más poética, pienso en el que quizás sea mi momento preferido de ‘Del Invierno’: “no hay manta, café / no hay nada ardiendo / no hay casa / no hay hijos ni perros / no hay nadie que peine mi cabello / no hay nadie que seque mi cabello”.
Ahí hay además un guiño a ‘Olor en Mandarinas’, del disco anterior, cuando decía: “huele a casa / como al volver de vacaciones en septiembre / como a café con leche hirviendo / como a manta y tele”. Todas esas cosas pequeñitas que quiero, que huelen a nuevo aunque sean viejas, como tu sofá y tu manta, porque huele a casa y huele a tu vida. Y en ‘Del Invierno’ lo que quiero decir es eso: mira, todo lo que querías tener en tu vida no lo tienes. Ahora me oigo decirlo y pienso “qué dramas” (ríe) La toxicidad que hay en ambas canciones no es la toxicidad de esa relación, que fue todo lo contrario, sino la mía: cuando se estropeaba yo no me sorprendía porque ya imaginaba que iba a pasar, porque siempre estropeaba todo lo bueno que tenía. Como la mancha cuando hablábamos de Brenda Chenowith. La relación conmigo misma es la relación más tóxica que he tenido nunca.
¿Hay relación entre ‘Del Invierno’ y la mención al verano y a agosto en ‘El Deshielo’ en ‘Santa’? Bueno, y no sé también si con ‘El Frío’…
Sí, sí, claro. En ‘Del Invierno’ asumo que nadie me va a querer, que esta es la vida que me toca y que me la merezco, y me voy a esa oscuridad, y estoy ahí cuando aparece una persona que es la que provoca ‘El Deshielo’. Es un amor de verano no porque sea corto, sino porque es el calor que me ha faltado todo ese tiempo, todo ese tiempo que he estado congelada… la cosa es que esa persona acaba congelándose luego, por eso en ‘El Frío’ digo “no me esperaba que quien provocó todos los incendios sería también el que los apagó”. ‘Del Invierno’ y ‘El Frío’ hablan de relaciones distintas, pero tienen en común esa sensación cuando dejas una relación o cuando, como es este caso, te dejan. Y te dejan dentro de la propia relación, que era lo que yo sentía cuando compuse ‘El Frío’, que la otra persona se había quedado congelada y era incapaz de moverse, y al final acaba nevando dentro de tu propia habitación. Son metáforas en las que hasta el que no es poeta ha pensado alguna vez. A mí me gusta muchísimo conectar canciones, nunca las concibo como hechos aislados, porque son sobre mí. Y también me gustan en otros artistas cuando escucho esos huevos de pascua que te hacen sentir inteligente (ríe)
«‘Del Invierno’ es de las mejores canciones que he compuesto, se me sigue poniendo un nudo en la garganta cuando la canto»
Hay muchos cambios en este rework del disco. ‘La Mujer Mayúscula y El Mar’, por ejemplo, tiene un rollo muy The War On Drugs…
Como para no tenerlo, ¡no paro de escucharlos! (ríe) De hecho yo quería acabar en fade out, que es algo como muy de The War On Drugs, pero como ya habíamos dado la chapa en el medio, decidimos ahorrarle a la gente un final instrumental larguísimo. La música que escuchas, aunque intentes no tener algo en mente, acaba influenciándote a la hora de componer muchísimo.
El orden también se ha alterado. Y además vi que, aunque esta vez ‘Pregúntale al polvo’ está incluida, ‘Adiós’ ha desaparecido.
Tiene un porqué. Quizás no muy romántico, pero yo te lo explico. Una vez decidimos que íbamos a hacer algo con este disco por su aniversario, hicimos una escucha, y ahí vi que había canciones tan preciosas… no las recordaba así. Pero cuando llegué a ‘Adiós’, sentí que se me quedaba descolgada. No creo que sea una mala canción, pero es que no sabía cómo volver ahora a ese tema, es que no la sentía. En un gesto de honestidad, no la he incluido, pero sí la estoy cantando en los conciertos, porque a la gente le gusta mucho. Recuerdo que vi comentarios sobre el concierto tipo “buah, me voy a morir cuando escuche ‘Adiós’”, y dije: bueno, pues la voy a tener que tocar, no puedo hacerle eso (ríe) Y en cuanto al orden, al ver cómo habían cambiado las canciones, pensé que el orden debía cambiar; ‘Camino’ y ‘General Sherman…’ tenían ahora una unión que antes no, ‘Mariposas’ ya no es la canción que anima el disco, etc. Era un disco completamente nuevo, y como tal tenía que respetar su propio orden. Y metí ‘Pregúntale al polvo’ porque realmente la compuse en ese momento, no sé si te he contado lo de John Fante y ‘Camino a L.A.’…
Sí, sí, en una entrevista pre-‘PUTA’ para JENESAISPOP me comentaste la conexión que tenían, y que iba sobre problemas que tenías por entonces con “unas personas”. Off the record me comentaste que ‘Camino a L.A.’ era sobre Universal, pero claro, a estas alturas…
(ríe) A estas alturas da igual.
Supongo que decir “vuelvo cada tarde al suicidio universal” en ‘Pregúntale al polvo’ no era tampoco una casualidad.
No, claro, se refiere a Universal, no fui muy sutil ahí. ‘Pregúntale al polvo’ fue realmente la primera canción que yo compuse sobre ellos, y lo hago realmente como una relación tóxica, la relación que yo tenía con mi sello. Pero encubriéndolo todo en una relación romántica, claro. En ‘Camino a L.A.’ no hago mención a Los Angeles, ni a ningún sitio, pero el tercer libro de Fante, que continúa la narrativa de ‘Pregúntale al polvo’, se llamaba ‘Camino de Los Angeles’. Lo vi un guiño guay para que, si alguna vez pasaba esto… (ríe) y alguien entendía la conexión, poder explicarla.
“Con ‘Camino a L.A.’ necesitaba romper con esa imagen de la chica dulce que se tiraba un pedo y salían Lacasitos”
En tu podcast sobre ‘PUTA’, creo que además fue en la entrega en la que aparecía el director del site Sebas Alonso, comentabas que no estabas nada conforme con la producción del primer disco. ¿Te planteas hacer un “Zahara’s Version” de ‘La Fabulosa Historia’?
(ríe) Es que el motivo por el que hice de nuevo ‘Con las ganas’ fue un poco eso. Cuando Taylor Swift ha salido explicando por qué está haciendo estas versiones, me sentí muy identificada, porque el motivo por el que hice ‘Con las ganas 2019’ fue para que sonase como yo quería, sí, pero también para recuperar parte de mis derechos. La canción que da dinero de ese disco, hablando claro, es ‘Con las ganas’, y yo por esa canción recibo un porcentaje ridículo. Cada vez que lo recibo, y luego hago el cálculo de lo que a día de hoy siguen ganando ellos con mi canción, me pongo negra. Quise intentar recuperar lo que pudiese de esa canción, y con un vídeo precioso, y que todo lo que monetizase eso fuese para mí. ¿Hacerlo con todo el disco? Tengo el problema de que no me pasa como con ‘La Pareja Tóxica’: hay canciones que se me quedan muy desconectadas. No entro a valorar su calidad, pero es que no puedo cantar canciones que no sienta. Sí me veo cantando ‘Photofinish’, ‘Olor a mandarinas’, etc, pero no me veo abordando ‘La mujer más fea del mundo’ ahora mismo, aunque sea una canción majísima. Ahora la cosa está así, aunque no descarto en el futuro grabar de nuevo las que me gustan. Ahora sé que soy mi sello y que tengo la libertad de hacerlo.
Al lado de ‘PUTA’, ‘Camino a L.A.’ se queda en ‘Peppa Pig’, pero en su momento era lo más bestia de toda tu discografía. A la hora de revisitarla, te quería preguntar dos cosas: ¿fue más fácil al ser un estilo más cercano al que tienes ahora, o más difícil por ello? Y, ¿por qué no termina de romper?
Después de esa conversación con el sello en la que -de forma muy despreciativa y paternalista- me dijeron que todos los planes en los que yo había decidido no iban a ocurrir, escribí un mail larguísimo en el que me quejaba de todo… pero no se lo envié. Y empecé a escribir la canción, y del vómito de 9 minutos seleccioné lo que más me gustaba. Ya en ‘La Pareja Tóxica’ tenía claro que la canción tenía que ser un puñetazo, súper oscura, agresiva, con reminiscencias metaleras, etc, y en directo la he cantado con esa intención. Pero no tengo ahora el rencor hacia Universal que tenía cuando la compuse, ahora me gusta cantarla porque la encuentro sexy, porque me gusta ese punto medio hablado que hice cuando no sabía que eso de “spoken word” existía y que, como dices, conecta con ‘PUTA’, etc, pero ya no siento esa rabia.
“La nueva ‘Camino a L.A.’ no rompe porque no quería que rompiera, porque ya no está rota. Porque yo ya no estoy ahí”
Observando ahora el disco, me pasó como con ‘Mariposas’: en su día incluí ‘Mariposas’ para remontar, pero como ahora no necesitaba remontar nada porque el disco lo hacía para mí, la quise hacer ultra bajo. Y con ‘Camino a L.A.’ fue algo así: cuando la hice, la dejé así de salvaje porque necesitaba reivindicar el rock que tenía dentro, necesitaba romper con esa imagen de la chica dulce que se tiraba un pedo y salían Lacasitos. Pero ahora no lo necesitaba, entonces pensé: ¿qué quiero ahora? ¿Quién soy, qué quiero mostrar de mí ahora? Para mí era importante por eso que tuviese un final concreto y sosegado, casi en ambient, que no se fuera de madre, que estuviera más atado, y que la electrónica mandara. Me recuerdo gritándole a Martí: “¡le falta techno a esta canción!” (ríe). Y, efectivamente, la canción no rompe. No quería que rompiera, porque ya no está rota. Porque yo ya no estoy ahí.
Casi 5 años ha tardado en llegar a nuestras manos el 4º disco de alt-J, la banda de art rock británico que recibiera el Mercury Prize por su debut ‘An Awesome Wave’, publicado hace ya 10 años. El grupo de Joe Newman, Thom Sonny Green y Gus Unger-Hamilton sigue sonando inconfundible: sus texturas deambulan entre el folk acústico, el trip hop, el blues y la banda sonora; mientras sus extraños textos consienten cosas que solo se les ocurrirían a ellos, de la Coca-Cola a la cocaína, de un asesino en serie a la criptomoneda, pasando por alguien que se nos muere. Porque además de versar sobre temas de lo más peregrino, ‘The Dream’ se vende como el álbum de alt-J más personal hasta la fecha, pues cuando quiere serlo, lo es mucho.
Lo de la Coca-Cola o refresco de cola similar sucede ya en la primera pista del disco. ‘Bane’ es uno de sus viajes intrincados, hablando sobre alguien que vende su alma por un trago de bebida azucarada, resultando una de esas metáforas sobre los males del mundo que tanta personalidad han dado a alt-J como gusto a sus «haters» por su pretenciosidad. La de la cocaína es ‘The Actor’, una canción sobre las miserias de Hollywood y el hotel Chateau Marmont, inspirada en la muerte de John Belushi en 1982, y en concreto en la dosis letal que le inyectó Catherine Evelyn Smith y que la llevó a prisión unos años después.
La del asesino en serie es ‘Losing My Mind’, una canción sobre un hombre que mata niños, influida por el hecho de que el padre de Joe Newman fuera un agente oficial de libertad condicional, acostumbrado a tratar con presos con problemas psiquiátricos. Y la de la criptomoneda es ‘Hard Drive Gold’, por supuesto un nuevo retrato de la avaricia y de la acumulación de cosas que no sirven para nada en la era global.
Hay más tramas enredadas en ‘The Dream’, como el asesinato de ‘Happier When You’re Gone’, que pretende dar la vuelta a ‘Hey Joe’ de Jimi Hendrix, en la que Joe asesinaba a una mujer. Pero es cuando el álbum se pone «personal» cuando, como suele ocurrir, deja más poso. Eso sucede en ‘Get Better’, una canción sobre una pareja separada por la enfermedad, influida por las muertes de la pandemia, en la que, entre menciones a Elliot Smith, una grabación de una mujer diciendo «mejórate» sirve como recuerdo y como tortura. La canción comienza diciendo «estoy escuchando una grabación tuya durmiendo a mi lado, a capella», y al final de este corte no solo se escucha dicha grabación, sino que alt-J la rebobinan y la vuelven a escuchar, llevando al oyente más sensible prácticamente a las lágrimas.
alt-J consiguen en otras ocasiones ese nivel de intimidad a través de sonidos ambiente, bien sea una risa, una conversación en la que alguien se compra una colonia o una lata que se abre. Es así como se cuelan en tu mismísima habitación. Lo cual no implica que renuncien a esas extrañas frases capaces de echarte igualmente fuera, como cuando en la misma ‘Get Better’ tienen a bien introducir un poco de Nocilla en el texto: «Fuiste la panadera / bautizaré esta nueva era / con el olor de tu pan recién horneado / Tu Nutella, la guardaré en el sótano / Siempre fuiste una fan de ese untable».
Entre lo poético y lo ridículo, al no ser sus textos aptos para todos los públicos, y ante la ausencia de un single que realmente lidere el conjunto de ‘The Dream’, lo mejor de este cuarto disco de alt-J vuelven a ser esos «viajes» que las canciones nos ofrecen y que llevan a la banda lo mismo a la América profunda que al techno de Chicago. Lo realmente identificativo de su sonido es el modo en el que parecen estar musicando una película de los hermanos Coen que empieza en un pueblo tranquilo en el que parece no pasar nada, hasta que las cosas se tuercen a lo grande. Ahí encontramos bellísimas producciones como las de ‘Get Better’ o la final ‘Powders’.
Pero además en este caso sorprende para muy bien la deriva de algunas producciones como es el caso de ‘Chicago’, una narración de un hermano y una hermana haciendo senderismo hasta la muerte, dividida en dos, que inesperadamente se convierte en una canción de clubbing oscura, casi como producida por Burial si este se prestara a cierto tipo de cosas; la cinética ‘Philadelphia’, con su hermosa sección de cuerdas ilustrando la muerte de una persona en un callejón; o esa batidora en la que caben el blues y los sintes de Eurythmics llamada ‘The Actor’. Aquí hay solemnidad hasta lo religioso y después canciones bobas sobre pequeños que caminan una milla, acompañadas de un «cuarteto de barberos» (‘Walk a Mile’). Qué buena noticia que alt-J sigan siendo alt-J…
Kurt Vile anuncia hoy su nuevo disco, el primero desde que en 2018 viera la luz ‘Bottle It In’. El álbum se llama ‘(watch my moves)’, paréntesis incluido, y estará a la venta el 15 de abril. El primer adelanto es una pieza de 7 minutos que no prescinde de sus tarareos llamada ‘Exploding Like Stones’, en la que aparece como invitado James Stewart de Sun Ra Arkestra.
El artista ha concedido una entrevista para el NME hablando de este álbum, indicando que el anterior ya le parecía «bastante épico» y que con este ha tenido incluso más tiempo para llevar las cosas más lejos. «Tengo la energía de un nuevo sello y no he sentido que tuviera mucha prisa. Grabé canciones más que suficientes y después he escogido las mejores para el disco, así que ha sido perfecto». También cuenta que al principio en la pandemia se sintió incluso liberado de estrés y obligaciones, pero que después ha lamentado muchísimo por ejemplo la pérdida de John Prine.
El disco incluirá una versión de ‘Wages of Sin’ de Bruce Springsteen, así como colaboraciones de Cate Le Bon y Stella Mozgawa de Warpaint, entre otros. En la entrevista del NME también habla de lo abierto que está a colaborar, cuando sale el nombre de Sarah Jones, en cuyo CV lo mismo salen Hot Chip que Harry Styles.
Os dejamos con el vídeo de ‘Like Exploding Stones’, que también es un homenaje a Bruce Springsteen, pues es un retrato de Filadelfia cuya primera parte se inspira en la estética del histórico vídeo de ‘Streets of Philadelphia’.
(watch my moves):
01 Goin on a Plane Today
02 Flyin (like a fast train)
03 Palace of OKV in Reverse
04 Like Exploding Stones
05 Mount Airy Hill (Way Gone)
06 Hey Like a Child
07 Jesus on a Wire
08 Fo Sho
09 Cool Water
10 Chazzy Don’t Mind
11 (shiny things)
12 Say the Word
13 Wages of Sin
14 kurt runner
15 Stuffed Leopard
Sebastián Yatra asciende al número 1 en España con ‘Dharma’ en su segunda semana de vida, animado por el éxito en streaming de sus 17 pistas, incluyendo varios macrohits como ‘Tacones Rojos’ o antes ‘Pareja del Año’ con Myke Towers, ‘Runaway’ con Daddy Yankee, Natti Natasha y hasta Jonas Brothers, ‘Chica ideal’ con Guaynaa, y ‘TBT’ con Rauw Alejandro y Manuel Turizo, entre otro arsenal de featurings donde lo mismo cabe Justin Quiles que Rosario.
La entrada más fuerte es la de Miss Caffeina, que llegan al número 3 con ‘El año del tigre’, igualando el dato de su álbum ‘Detroit’ pero no el número 1 que sí conseguía en nuestro país ‘Oh Long Johnson‘. En la tabla de vinilos, MissCa se han quedado el 2º lugar.
La subida más fuerte de la semana es la de Nacho Vegas con ‘Mundos inmóviles derrumbándose’, coincidiendo con la edición tardía de su vinilo, que de hecho es el top 1 de la tabla de vinilos de la semana, un puesto por encima de Miss Caffeina. Así, el disco de Nacho Vegas pasa del puesto 54 al puesto 12, lo que supone un nuevo máximo en la lista general para el excelente nuevo álbum del cantautor, que habría llegado más alto de hacer coincidir edición en vinilo y digital, una carambola a día de hoy.
Llega al puesto 22 ‘Kor Kor Lake’ de Rojuu, la también excelente nueva apuesta de Sonido Muchacho que reseñábamos la semana pasada… y que no aparece aún en la tabla de vinilos, lo cual quiere decir que quizá un nuevo máximo aguarde en el futuro, pues las ventas en 12″ de su recopilatorio ‘Grandes Éxitos Antes de los 18‘ nos consta que fueron voluminosas. También es buena la noticia de la llegada de ‘Laurel Hell’ de Mitski, nuestro “Disco de la Semana” hace unos días, al puesto 41 en nuestro país. En Estados Unidos y Reino Unido aún mejor, ha sido top 5 y top 6, en los dos casos representando un máximo para ella.
Otras entradas al top 100 de álbumes español son ‘Complete Island Recordings’ de Bob Marley & The Wailders (número 27), ‘Carpe Diem’ de los metaleros Saxon (número 34), ‘Conmigo’ de Maria Parrado (número 38), ‘The Berlin Concert’ de John Williams (número 40), ‘Requiem’ de Korn (51), ‘Suposo que l’amor és això’ de Ginestà (57), ‘Charmed Life, The Best of the Divine Comedy’ (63), la banda sonora de la primera temporada de Euphoria’ (83), la banda sonora de ‘Marry Me’ de Jennifer Lopez (90) y ‘XXX’ de los irreverentes Bourbon Kings (92).
El reinado de ‘Ay mamá’ de Rigoberta Bandini en España solo ha durado 1 semana, pero la canción resiste en el número 2, perdiendo un único puesto, aún animada por sus buenas ventas en iTunes y su alto en streaming en todas las plataformas. Además, otros 2 temas de la artista continúan apareciendo en el top 100: ‘Perra’ baja al puesto 52 y ‘A ver qué pasa’ baja al puesto 96. En cuanto al resto de competidores de Benidorm Fest, ’Terra’ de Tanxugueiras baja del número 7 al número 14, y ‘Slomo’ de Chanel baja del número 13 al número 26.
El nuevo número 1 oficial en España es para ‘Cayó la noche (Remix)’, un tema en el que aparecen La Pantera, Quevedo, Bejo, Juseph, Cruz Cafune, Abhir Hathi y EL IMA, alargándose hasta los 7 minutos de duración. Rosalía no ha podido sumar otro nuevo número 1 esta vez, quedando lejos, de hecho, en concreto en el puesto 5 con el arriesgado ‘SAOKO’, que está dividiendo a sus seguidores. Este será el máximo alcanzado por ‘SAOKO’ en España si echamos un vistazo a Spotify España, donde ya tan sólo ronda el top 35.
La subida más fuerte de la semana es la de Ryan Castro con ‘Mujeriego’, que pasa del número 39 al número 27, y la única entrada directa al top 50 aparte de Rosalía es la de Quevedo y Linton con ‘Ahora y siempre’, que aparece por el puesto 31. Quevedo -que recordemos que es parte del número 1 en España esta semana- también aparece en el puesto 65 con ‘Respuesta cero’ junto a Bluefire.
El resto de entradas incluye ‘Caprichoso’ de Rauw Alejandro en el número 76, ‘Bésame’ de Omar Montes con Kevin Roldán en el 82 y dos curiosidades ajenas al reggaetón: ‘Brividi’ de Mahmood y Blanco, la canción ganadora en San Remo y que irá a Eurovisión por Italia logra colarse en el 95, y el éxito internacional ‘Where Are You Know’ de Lost Frequencies con Calum Scott aparece en el 97 tras haber sido top 5 en Reino Unido, Alemania o Australia. Uno de esos temas que viene a demostrar que lo de la EDM no se agota.
“Cínico, sidoso y vividor”. Así le llamó a Eduardo Casanova una usuaria de Instagram tras la gala de los Goya, donde el actor y director vistió un elegante look que le ha propiciado aplausos, pero que también ha desencadenado críticas no del todo tolerables. Casanova se presentó a la gala con una creación del diseñador Jaime Álvarez para la firma Mans Concept que consistía en un corpiño con mangas y pantalones de traje negros, adornados de lazos y tiras rosas. La simbología y estética del traje iba de la mano con su próxima película, ‘La Piedad’, y aportó riqueza a la variedad de vestidos que vimos en la gala de los Goya.
El caso es que Casanova empezó a recibir mensajes desagradables en sus redes sociales, y en vez de ignorar a estas personas, decidió hacer público lo que recibió de una de ellas en sus stories con el siguiente mensaje: “Los Goya son siempre una noche especial casi nunca exenta de polémica. Y yo lo comprendo. Siempre hay comentarios de todo tipo, sobre todo por tu forma de vestir. Los buenos (que este año han sido muchos) yo los agradezco de corazón, y los malos, los respeto profundamente porque para gustos, colores. Pero entre todos esos comentarios y aunque yo nunca me suelo pronunciar, no voy a consentir mensajes de profundo odio como el siguiente: ‘HDP devuelve el dinero que perdiste en tu mierda de película. Es dinero de todos”
El actor ha querido recalcar que entre todas las barbaridades que le han llamado está la palabra “sidoso”, a lo que ha respondido de la manera más madura: “La serofobia es muy peligrosa y contribuye aún más al estigma de las personas seropositivas. Este mensaje es absolutamente injustificable. Es un mensaje de odio homófobo y serófobo”. Casanova ya ha puesto el instagram de la autora a disposición de la Policía Nacional. Además, el comentario de esta cuenta también hace referencia a un bulo que corrió hace años sobre que Eduardo Casanova había recibido un millón de euros de ayuda pública para su película ‘Pieles‘, cuando realmente fueron 12.000€.
La mítica banda gallega Siniestro Total se despide de los escenarios tras 40 años de carrera este 6 de mayo en el WiZink Center de Madrid. El grupo celebrará un concierto único irónicamente titulado “40 años sin pisar la audiencia nacional”, que anunciaba vía Twitter y a través de su página web.
En el comunicado emitido por Siniestro Total, la banda publica que para el concierto se unirán todos los integrantes, incluido Miguel Costas, exvocalista, guitarrista y fundador de la banda que abandonó el grupo en 1994. Además de Costas, el comunicado afirma que el concierto «contará con la participación de miembros históricos de la banda en la acometida de su inigualable e imparable repertorio».
Los cantantes de ‘Bailaré sobre tu tumba’ acercaron Galicia a la movida madrileña, y ahora se despiden en la capital tras 40 años de largo recorrido ininterrumpido y 14 discos de estudio bajo el brazo. Las entradas para el último concierto salen a la venta el 23 de febrero a las 12:00, aunque se dispondrá una preventa en las 48 horas previas para los inscritos en la misma antes del día 18 de este mes.
El 6 de mayo Siniestro Total se subirán al escenario de #WiZinkCenter en el que será su último concierto. Las entradas saldrán el 23 de febrero a las 12h pero puedes hacerte con ellas 48h antes en una preventa exclusiva apuntándote aquí: https://t.co/7h4XAwiPObpic.twitter.com/5ZO4fJ7VGe
Diez días más tarde de revelarse que Alizzz y Cariño fueron suplentes del Benidorm Fest y podrían haber participado en el festival, se ha conocido que los directivos del programa ofrecieron a Miss Caffeina la posibilidad de presentarse al programa hasta tres veces.
En una entrevista del HuffPost, la banda madrileña responde que ya les han ofrecido varias veces ser participantes del Benidorm Fest y que son conscientes de que una parte de los eurofans quiere verlos en Festival de Eurovisión, pero señalan que están convencidos de que eso no va con ellos. Dicen: “A nosotros no nos gusta por cómo somos, por el concepto de competir, por meterte en un sitio donde hay muchísima gente opinando y tiene un fandom fortísimo, todo eso no va mucho con nosotros”.
Sin embargo, eso no quita que la banda no disfrute de Eurovisión en calidad de espectadores. De hecho, confiesan que este año iban a tope con Varry Brava y que cuando estos salían al escenario sentían los nervios como si fuesen ellos mismos. Explican que hay gente a la que le queda bien y a otros que no.
No hay que olvidar que la conexión de Miss Caffeina con el festival no es inexistente. En 2017 volvió OT, y el representante de España en Eurovisión iba a ser elegido entre los 5 finalistas del programa. Miss Caffeina compuso la canción con la que Agoney lucharía por viajar a Lisboa, pero el canario fue el último eliminado antes de llegar a la final y no pudo defender el tema. Aun así, tal y como comentaron en una entrevista para Eurovisión Spain, el grupo estaría dispuesto a volver a componer para el festival porque “es muy divertido” y les “saca de lo habitual”.
Miss Caffeina acaban de publicar nuevo álbum, ‘El año del tigre’, un trabajo en el que suenan «confortables -y acomodados- en la consecución de su sonido synth-pop», y que se ha presentado con singles como ‘Me voy’.
Sondre Lerche publica nuevo álbum el 1 de abril. ‘Avatars of Love’ es el «disco más grande y complejo que he hecho» pero también «el más fácil, natural y liberador», en palabras del artista noruego. El álbum se grabó durante el confinamiento y cuenta con colaboraciones de CHAI, Felicia Douglass de Dirty Projectors o Mary Lattimore, entre otros.
Entre los adelantos que se han compartido del disco se encuentra ‘Cut’, de sonido ochentero, y ‘Turns Out I’m Sentimental After All’, en el que empiezan a asomar los escalofriantes arreglos que contendrá el álbum, y que alcanzan una nuevo grado de espectacularidad en la pista titular, publicada oficialmente en el Día de San Valentín por su componente romántico.
Se trata de una composición épica que alcanza los 10 minutos de duración, entre ritmillos de bossa nova, atmósferas nebulosas y un arreglo de cuerdas espectacular, que nos habla sobre una relación de amor pasional. Con una persona pero también con la música, porque el momento cumbre de la canción ocurre cuando Sondre empieza a enumerar la música que le acompañó durante la pandemia: más de 25 artistas aparecen mencionados en la letra, viejos y contemporáneos, de ‘Watertown’ de Frank Sinatra a la reciente ‘I’ll Come Too‘ de James Blake, con la que guarda alguna similitud.
Lo que empezó como un comentario «sobre las diferencias entre ‘folklore‘ y ‘evermore’ de Taylor Swift, cuenta Sondre, se convirtió en una maravillosa carta de amor a la música. Sondre pide a un ente indeterminado (seguramente a Alexa) que «ponga todo ‘folklore’ y todo ‘Blue’, pero solo la mitad de ‘evermore’ y todo ‘Down to You'», y procede a mencionar algunas de sus canciones favoritas, de ‘Sacrifice’ de Elton John a ‘At the River’ de Groove Armada pasando por «todas las versiones de ‘In a Sentimental Mood’. Hay una mención a Britney Spears porque Sondre escribió ‘Slip into Character’ con ella en mente y otra a los ‘Disintegration Loops’ de William Basinski.
En el tramo final de ‘Avatars of Love’, la canción da paso a una larga coda que cede casi todo el protagonismo al sonido de un saxofón; pero, a pesar de su duración, ‘Avatars of Love’ justifica cada uno de sus segundos. ¿Puede ser la canción pop de larga duración más lograda desde ‘Venice Bitch’ de Lana Del Rey?
LP 1:
01) Guarantee That I’d Be Loved
02) Dead of the Night
03) Will We Ever Comprehend (feat. Rodrigo Alarcon, Ana Müller)
04) Cut
05) Turns Out I’m Sentimental After All
06) What Makes Me Tick
07) My Love Still Waits
LP 2:
08) Avatars of Love
09) Summer In Reverse (feat. CHAI)
10) Now She Sleeps Beside Me
11) Special Needs (feat. Felicia Douglass)
12) The Other Side of Ecstasy
13) Magnitude of Love (feat. Mary Lattimore)
14) Alone in the Night
Compartimos una nueva edición de nuestra sección «10 Fotos Que» con algunas de las fotos que más nos han divertido o sorprendido en redes…
Morrissey y Miley, relajados
Miley ha versionado muchas canciones a lo largo de su carrera, entre ellas ‘There Is a Light that Never Goes Out’ de los Smiths, versión que a Morrissey le pareció «fantástica». Ahora ambos aparecen juntos y «relajados» en esta imagen que, por cierto, parece haber sido tomada en un estudio. ¿Traman algo estos dos díscolos del pop?
El embarazo de Rihanna
Una de las noticias musicales del mes ha sido el embarazo de Rihanna, que la cantante desvelaba mediante una sesión de fotos «robadas». En Instagram ha mostrado una imagen más natural de ella, tomada desde el cuarto de baño, lejos del glamour al que nos tiene acostumbrados.
Rayden ha esquivado la bala de la covid durante la celebración de Benidorm Fest, pero ha vuelto a casa con un regalo. «La providencia me dejó disfrutar del #BenidormFest dando negativo hasta en la final», cuenta. «Ayer el tren de vuelta me empecé a encontrar regular…» Deseamos a Rayden una pronta recuperación y un leve confinamiento.
Recientemente hemos publicado en Instagram portadas de debuts olvidados, la mayoría descatalogados, como los de Lana Del «Ray», Katy Hudson o ‘Hecho en casa’ de Zahara. A ellos hay que sumarle el debut de ionnalee que no sabías que existía: con Rolling Circus, la artista también conocida por el alias de iamamiwhoami teloneó a los Vengaboys a los 18 años. Cuánto ha llovido… Este sí está en Spotify.
No es habitual que los abogados de los artistas sean también célebres, pero el caso de Matthew Rosengart es especial. La persona que ha conseguido sacar a Britney de la tutela es el nuevo héroe de los fans de la cantante y la intérprete de ‘Toxic’ es la primera fan, como demuestra en esta publicación en la que dice que le «adora» por «haberme cambiado la vida».
Björk suele arriesgar con los vestidos que viste, pero con el que ha llevado recientemente en San Francisco se ha superado: no se sabe si es un árbol de Navidad, un arbusto de cactus redondos o una versión elevada de la portada de ‘Volta’, pero es impactante cuanto menos. Por lo menos no ha salido al escenario vestida de momia como hizo en Barcelona.
Cosmen ha presentado recientemente su nuevo disco en El Sótano de Madrid, y el concierto ha contado con artistas invitados como Betacam y, de manera destacada, Marina Gómez de Klaus & Kinski, que canta en el disco de Cosmen, en ‘Probando’. La murciana lleva años retirada de los escenarios, pero se ha dejado caer por El Sótano y una foto lo prueba.
Cualquier persona que practica yoga se pasa una pantalla importante cuando aprende a hacer la postura del pino. Un lunes cualquiera como hoy, Lady Gaga ha querido mostrar a sus seguidores que ella ha conseguido realizar esta postura, así que ahí la tenéis, sostenida boca abajo, ¡y sin romperse una uña!
Los hermanos Billie Eilish y Finneas O’Connell no temen mojarse en política y han apoyado la candidatura presidencial de Biden desde el primer momento, por lo que a su paso por Washington, han visitado la Casa Blanca a invitación de Biden, que en la foto los abraza por detrás. El presidente les ha presentado a su perro, Commander.
Los discos de Doja Cat están muy bien producidos, así como sus videoclips, pero en sus redes sociales reina el «shitposting». En este vídeo no se sabe qué es más desconcertante, su outfit o su manera (mala) de cantar ‘Lovely’ de Brent Faiyaz. ¿Hacía falta publicarlo?
«Soy una artista extremadamente densa en todas mis facetas, pero yo soy feliz con mi densidad» es una frase tan propia de Vega que sorprende no la haya expresado antes. ¿Quizá lo ha hecho? Vega se refiere, en concreto, a la carga lírica de sus canciones, pero también se podría estar refiriendo a su carga emocional: las canciones de Vega son intensas en ese sentido, y lo son orgullosamente. En ellas la artista se abre en canal y vuelca su necesidad de ser libre, de plantar cara a las injusticias y de levantarse de un bache con más dignidad que antes. Si las canciones de Vega suenan a un sentimiento en concreto, es el de la dignidad.
Probablemente ningún disco de Vega refleja mejor esta apreciación que ‘Mirlo Blanco’, su octavo álbum de estudio (séptimo si no contamos el disco de versiones de la canzone). Las canciones hablan principalmente de superación, una de las pistas se titula ‘Sobrevivir’ porque la cantante dice tener «un doctorado de vida en materia de supervivencia», y el disco recibe su título de un tipo de ave con el que Vega se siente identificada por su naturaleza independiente. ‘Mirlo Blanco’, la canción, habla de mantenerse firme aunque la vida te haya molido a palos, a través de la metáfora de un pájaro que muda su plumaje para pasar a ser blanco, y es la gran canción del disco por su emocionante desarrollo.
En ‘Mirlo Blanco’, la cantautora cordobesa sigue apegada a la fórmula de un pop-rock convencional en lo instrumental, pero que en lo melódico transmite la influencia de los cantautores a los que ella admira, procedentes de los años 70, aquellos cantautores como Manuel Alejandro, Mari Trini o Nino Bravo que con un estribillo partían la tierra en dos. La misma energía llena el ambiente de ‘Mirlo Blanco’ desde su misma pista titular: en el núcleo del disco se esconde un sufrimiento hondo, que Vega afronta canción a canción sea propio o ajeno, con la cabeza alta.
Hay, en concreto, una mención a la gente que «hace estragos» en la bonita balada ‘Conmigo’, en la que Vega subraya la importancia de que los seres humanos se mantengan unidos frente a las adversidades, y que canta junto a su compañero de edición en Operación Triunfo Manuel Carrasco. El mismo sentimiento marca el folk-pop atmosférico de ‘Mortal’, que entre coros fantasmales aboga por tratar bien al prójimo frente a la realidad común de la muerte, en lugar de por ir «cada uno con su credo sin sabernos escuchar», para así evitar «destrozar la bondad».
Pero la dignidad personal marca a fuego el camino de ‘Mirlo blanco’. El buen primer single ‘Un golpe’ está lleno de exclamaciones (y golpes en el pecho) que reivindican «saltar al vacío» o «gritar por los míos», y ‘Bipolar‘, el segundo single, empieza como un vals de ‘Twin Peaks’ pero evoluciona hacia una euforia pop-rock que se crecerá un 200% en los directos, para representar el paso de la depresión a la superación, y redondear así una estupenda canción sobre salud mental.
Curiosamente el momento más conmovedor de ‘Bipolar’ está acreditado a dos niñas: la hija y la sobrina de Vega fue a quienes se les ocurrieron las líneas que hablan de bañarse en la playa y llevar flores en el pelo. La inocencia de estas frases -que Vega considera pueriles… ¿en lugar de densas?- contrarresta la intensidad emocional presente en la canción y en todo el disco, aunque llega demasiado pronto, porque sí, esa intensidad puede saturar llegados a la pista 10, dedicada apasionadamente a Madrid con todo el «brío» que cabe esperar. Es cuando llega la acústica ‘Dioses y demonios’ cuando el oyente puede respirar aliviado.
Aunque solo por un momento: la canción representa otro relato del dolor de Vega, de su «oscura verdad», pero es bienvenida por su sonido desnudo. En un lado opuesto, la latina ‘¡LADRA!’ reivindica la libertad de expresión desde una perspectiva feminista, acompañada por las cantantes Marisoul y Francisca, con una presencia destacada de percusiones y coros masculinos, y ‘Patria’ es el homenaje de Vega al rock andaluz. No son sus composiciones más inspiradas, pero abren nuevas vías de exploración para Mercedes Migel, algo de lo que ‘Mirlo blanco’ termina resultando favorecido.
Se concretan por fin los detalles acerca del Eurovisión americano. El certamen lleva por nombre ‘American Song Contest’, como se desveló en 2019, y arranca el 21 de marzo, fecha a partir de la cual se irán celebrando las clasificaciones y semifinales correspondientes hasta llegar a la gran final, que tendrá lugar el 9 de mayo, un día antes que se celebren la primera semifinal del Eurovisión original. El certamen, que se emitirá cada lunes por la noche en la cadena NBC, durará ocho semanas.
En el certamen no participarán solo los 50 estados que conforman Estados Unidos, como se informó en agosto de 2020, sino que a ellos se sumarán otros cinco territorios asociados y un representante de Washington D.C., la capital. Un total de 56 artistas presentarán sus canciones originales en el concurso, y ‘American Song Contest’ destaca en especial la variedad de estilos americanos que pasarán por el escenario. El comunicado de prensa explica que «un solista, un dúo, un DJ o una banda representará a cada lugar cantando una canción original, celebrando los diferentes estilos y géneros que hay en América».
Como suele suceder en este tipo de concursos, y se ha visto recientemente en Benidorm Fest, la canción ganadora de ‘American Song Contest’ se decidirá mediante el voto de un jurado y el del público. Kelly Clarkson y Snoop Dogg -que acaba de actuar en la Super Bowl- serán los presentadores, y en especial Kelly ha declarado ser fan de Eurovisión, pues incluso ha llegado a versionar ‘Arcade’ de Duncan Laurence, canción ganadora de Eurovisión 2019. Ella misma se dio a conocer gracias a un concurso de talentos.
Ibeyi vuelve a la escena para anunciar su tercer álbum de estudio junto a un nuevo single, ‘Sister 2 Sister’. Las gemelas Lisa-Kaindé y Naomi Díaz preparan el regreso a las tiendas que se materializará el 6 de mayo a través de XL Recordings/Popstock. El nuevo álbum, ‘Spell 31’, está escrito, compuesto y cantado desde la espiritualidad, y relata la búsqueda de la armonía, la curación y la magia que han vivido las hermanas.
Ibeyi no lanzaba nada nuevo desde ‘Ash‘, su segundo álbum de 2017, hasta el mes de noviembre del pasado año que publicó el primer adelanto de ‘Spell 31’: el single ‘Made of Gold’. La canción, que cuenta con la colaboración del rapero Pa Salieu, fue la primera que se grabó del nuevo álbum y surgió de un poema llamado justamente ‘Spell 31’ que encontraron en el Antiguo Libro de los Muertos egipcio.
La nueva canción, ‘Sisters 2 Sisters’, es el single principal del disco y está inspirada en la hermandad de las gemelas y en sus raíces latinas, que explican con frases como “Singing along with Shakira”. La canción, además, samplea el primer single de Ibeyi «River». ‘Spell 31’ cuenta con apariciones de Jorja Smith, Pa Salieu, BERWYN, el padre y la madre de Ibeyi y una re-imaginación de «Rise Above» de Black Flag.
Hoy es San Valentín y Cupido publican nuevo single, como ha solido ser habitual a lo largo de su carrera: su disco de debut ‘Préstame un sentimiento’ salía un 14 de febrero de 2019, y su single ‘La pared’ lo hacía en la misma fecha pero en el año 2020.
‘Santa’ llega para postularse como otro baladón en la carrera de Cupido, y no extraña que sea así pues ‘La pared’ se ha convertido a la postre en su mayor éxito. ‘Santa’ opta, en su caso, por un sonido más apegado al pop-rock de principios de siglo, con su buena dosis de guitarras eléctricas que se desahogan en un solo, mientras la voz procesada de Pimp Flaco mantiene el espíritu de Cupido intacto.
‘Santa’ es una canción intensa, en lo melódico y en lo instrumental, en la que Pimp Flaco describe haberse enamorado de una chica «con carita de santa» pero con la que después practica «gimnasia debajo de la manta». La letra incluye una curiosa mención a Tyler, the Creator introducida en un verso que rima «bebé» con «jeje» sin que quede mal en absoluto.
Mientras buscas el próximo karaoke en tu ciudad con acceso a Youtube en el que cantar esta canción a pleno pulmón como merece, se ha estrenado también su correspondiente videoclip, que muestra el nacimiento de una historia de amor situada en Japón, en concreto, en una clase de baile de salón.
‘Santa’ es el enésimo single publicado por Cupido en tiempos recientes, y se suma a ‘Galaxia’, ‘Tu foto’, ‘La pared’, ‘Se apagó‘ y ‘Todas menos tú’. Puedes comentarla en nuestros foros.
Santa Salut es una rapera de Sabadell que en el último par de años se ha ido dando a conocer con las canciones de un disco autoeditado llamado ‘Conversaciones internas’ y hits del calibre de ‘Bala perdida’. Cuenta que su carrera comenzó cuando a los 15 años en un pueblo cercano, Sant Quirze, vio una batalla de gallos por primera vez y después decidió unirse en el Rabal a una noche de micro abierto.
Estos días ha publicado en Yuukii Music un álbum llamado ‘Discordia’, muy variado, ni mucho menos ceñido al rap, cuya versatilidad queda enriquecida por su concepto. El álbum está dividido en tres partes «cielo», «tierra» y «caída al infierno». En el primer grupo cabe el single principal ‘Oasis’, realmente una producción bastante neo-soul de melodía incluso cincuentera.
La llegada a la tierra se produce cuando «las nubes se disipan» y ahí encontramos la curiosa ‘La minifalda’ con un guiño a «Obí-Obá» de El Príncipe Gitano también popularizada por los Gypsy Kings. Y una última parte, la del infierno, es el drill y el rap de la vieja escuela con canciones más crudas como ‘Three’ o esa ‘Self Love’ con la que aprenderás a pronunciar «JE NE SAIS PAS» definitivamente.
El resultado es un álbum muy rico en singles potenciales, pues la melodía R&B de ‘Trocito de paz’ y la funky de ‘Together’ con Swit Eme son incuestionables; y además le sobran curiosidades como el spoken word que cierra o, justo antes, ‘CHA CHA CHA’. Un divertido número en el que cabe un deje muy de folclórica («me va a dar un amarillo si no bailo un cha-cha-chá») mezclado con un beat de dance noventero totalmente delirante.
Es además el tema con que Santa Salut ilustra la portada del álbum, pues en él se postula como «demonia»; y uno con el que se desmarca de comparaciones con raperas como Mala Rodríguez o Gata Cattana, adelantando que sus discos pueden convertirse en cualquier momento, en cualquier cosa.
Isaac Wood, cantante de Black Country, New Road, ha dejado el grupo, por motivos de salud mental. Ha hecho lo adecuado. Pero, egoístamente, es una pena. Porque aunque Black Country, New Road sea un grupo donde la parte instrumental tiene el mayor peso, donde es básica la pericia de los músicos… a pesar de todo eso, la voz y palabra de Woods son (¿eran?) parte fundamental de la personalidad de la banda.
Los fans de ‘For the First Time’ se pueden sentir algo desconcertados con este ‘Ants from Up There’. Si en aquel el post-rock era el género rey, aquí se ha diluido un poco, en favor de un sonido que recuerda más al de colectivos como Akron/Family. Black Country, New Road ahora suenan algo así como la versión emocore de Dexy’s Midnight Runners o The Pogues (¡esos golpes de saxo en el inicio de ‘Chaos Space Marine’!). Black Country, New Road van cargados de soul-folk, cierta épica de pop mesiánico ochentero, gotas de jazz, psicodelia y un poco de music-hall. Hay menos fanfarria, se sienten más introspectivos y melancólicos, las canciones son más concisas. Lo que se mantiene es su estupendo sonido. Esta vez se encarga Sergio Maschetzko, su ingeniero de sonido en los directos, que captura de manera magistral a la banda. El álbum es fluido, naturalista, como si estuvieras moviéndote entre los instrumentos. Si alguien está interesado en cómo ha grabado Maschetzko los instrumentos, puede encontrar la información en este tuit.
Las canciones de ‘Ants from Up There’ fueron apareciendo desde noviembre del año pasado, aunque el disco no mantiene el orden que presentaba el single ‘Snow Globes’ a principios de año. Black Country, New Road han creado un viaje, guiado por Isaac. Las canciones están repletas de letras enigmáticas, figuras y metáforas que van salpicando todo el minutaje (el avión Concorde, el sustantivo “clamp”, que puede significar cepo o abrazadera). Al parecer, esconden las súplicas amorosas de Isaac hacia una pareja o expareja que ya no le corresponde, su imposibilidad de pasar página, la lucha de Isaac entre ese amor obsesivo y la necesidad de olvidar y tirar hacia adelante. Su voz, histriónica, sobreactuada, como la de Kevin Rowland o Jarvis Cocker, es el hilo conductor. Aunque el disco abre alborozado: en ‘Chaos Space Marine’, el primer single, recuerdan a los Pulp más épicos y desatados. Pero el pesar no tarda en aparecer en ‘Concorde’, donde montan un vals emo, con el bombo de Charlie Wayne en primerísimo plano, que va de lo íntimo hasta un subidón orgánico de despliegue instrumental.
En ‘Bread Song’ sí que recuperan esos bajos tan emos y tan post-rock. Según cuentan, está inspirada en ‘Music For 18 Musicians’ de Steve Reich. Isaac se muestra doliente, suplica incluso mientras suben las revoluciones de la canción hacia al final. Sus palabras sostienen todo el peso de esta letanía sobre la pérdida amorosa: “Okay, well I just woke up/And you already don’t care/That I tried my best to hold you”. Hay espacios de calma para asirse, como el momento más Arcade Fire que ha tenido el grupo, ‘God Will Hunting’, con referencias a Billie Eilish. O algún interludio de clásico y sosegado jazz (‘Mark’s Theme’), del que pasan a su canción más puramente pop (dentro de sus parámetros), ‘The Place Where He Inserted the Blade’.
Pero todo se viene abajo cuando llega la pieza mayor del disco, ‘Snow Globes’, que ya desvelaron en enero. Nueve minutos de travesía sobre los violines folk de Georgia Ellery, las baterías y percusiones de Wayne, que suenan como si se pasearan, el saxo de Lewis Evans que acaricia el oído… contrastados por otros instrumentos volviéndose locos (el bombo, sobre todo). Como si fuera una balada irlandesa tirándose por un barranco, Isaac va perdiendo la contención para acabar gritando su estribillo, ese ‘Oh, god of weather, Henry knows/Snow globes don’t shake on their own’. Una canción que sirve para llorar y pegarse cabezazos contra la pared. Todo a la vez. Y la pieza final, ‘Basketball Shoes’, son más de doce minutos en que, a pesar del histrionismo de Woods, parece sosegarse en sus aflicciones.
Estas aflicciones de Wood, su voz y verbo son prácticamente la base de todo ‘Ants from Up There’. ¿Cuál será, pues, el futuro de la banda? Aunque el resto de componentes aseguren que continúan con el proyecto y que preparan nueva música, no deja de ser triste que Isaac ya no los vaya a acompañar más. Pena doble, además, porque no podremos vivir sus dos extraordinarios discos en directo, el hábitat natural del grupo. Por eso ‘Ants from Up There’ más que de consuelo, sirve como instigador de la melancolía.
Tras años dominados por el pop, la Super Bowl ha homenajeado a leyendas del rap americano con un halftime show protagonizado por Dr. Dre, Snoop Dog, Mary J. Blige, Kendrick Lamar y Eminem. Además, el show escondía la aparición sorpresa de 50 Cent y Anderson Paak.
El espectáculo lo abrieron Dr. Dre y Snoop Dogg al ritmo del clásico ‘The Next Episode’, y uno no podía evitar sonreír al ver a Snoop Dogg subido a ese escenario, tras los innumerables memes que se han hecho a lo largo de los años con esta canción y la marihuana. Snoop Dogg es una persona divertida de mirar, y desde luego, él y Dr. Dre comenzaron siendo el alma de la fiesta.
Tras ellos se revelaba la gran sorpresa de la noche, 50 Cent, que se colgaba del techo como un murciélago mientras empezaba a cantar su hit ‘In Da Club’, producido por el propio Dre. Puede parecer que su inclusión en el show fuese innecesaria por la ya densa alineación de artistas que protagonizaban el halftime show, pero si el objetivo de esta actuación era realmente honorar el rap y hip hop de los 90 y los 2000, el espectáculo hubiese estado incompleto sin 50 Cent.
Llegando al ecuador de la presentación aparecía la única mujer entre todos los artistas: Mary J Blige. La cantante de hip hop y R&B se lució con su clásico ‘Family Affair’ (producido también por Dr. Dre) y ‘No More Drama’. Su actuación fue un respiro entre el resto de hombres moviendo la cabeza y levantando el brazo, y tanto ella como sus chicas nos ofrecieron una coreografía animada y luminosa.
Kendrick Lamar y Eminem fueron los siguientes en actuar. El primero sorprendió al no cantar su monstruoso hit ‘HUMBLE’, sino que se decidió por empezar con ‘mAAd City’ y lanzar un mensaje en ‘Alright’, otro éxito cargado de sentimiento de protesta contra la opresión policial hacia los negros. La actuación de Lamar fue sin duda la más imponente, elaborada y memorable de la noche.
Eminem, por su parte, es el artista que más ha influido de todos los presentes en nuestras tierras , y para el halftime show decidió rapear la mundialmente conocida ‘Lose Yourself’, un tema perfecto para la ocasión ganador de un Oscar en el 2003. Al rapero lo acompañó en la batería Anderson .Paak, que recientemente ha trabajado junto a Bruno Mars en el dúo Silk Sonic. Al final de su performance, Eminem se arrodilló en señal de protesta antirracista y contra la represión policial, gesto que popularizó el quarterback Colin Kaepernick y que desencadenó una polémica en Estados Unidos.
Para cerrar el espectáculo, Dre y Snoop Dogg volvieron a la carga con otro de sus hits, también muy parodiado, ‘Still Dre’. Los 6 principales artistas tomaron el escenario y finalizaron juntos, pero para aquellos que se han quedado con ganas de ver a Snoop Dogg fumarse un porro, que sepan que el rapero no les ha decepcionado:
Al ser un halftime show tan singular por la cantidad de artistas que participaban en él, no estaba claro cómo iban a dividirse el poco tiempo que le correspondía a cada cantante. Lo cierto es que tras ver la actuación, Dr. Dre y Snoop Dogg son los protagonistas del show, rapeando al comienzo y al final del espectáculo, mientras que el resto se reparten los minutos centrales, echando en falta más tiempo para Eminem y Lamar.
En líneas generales, la edición número 56 del halftime show no ha decepcionado. Es cierto que la actuación es larga, la cantidad de artistas muy densa, y que le habría venido bien un clímax que culmine y redondee los 14 minutos de espectáculo, pero por lo menos toda la performance mantiene una línea narrativa que rodea a Dr. Dre, todos comparten el mismo género musical y casi todos aprovechan la ocasión para arrojar luz sobre el racismo en Estados Unidos.
De hecho, las redes han ardido tras supuestas censuras de la NFL que prohibirían ciertos comportamientos como el gesto de Eminem, el traje de Snoop Dogg que está relacionado con el Crip (banda) al que pertenece, o la línea “still not loving police” que Dre rapeó. Sin embargo, y suponiendo que estas amenazas por parte de la NFL fueron ciertas, los artistas decidieron no escucharlas y llevar a cabo las protestas.
El vídeo de la actuación está disponible en YouTube.
Dedicamos el nuevo episodio de Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP, a la carrera de Katy Perry con motivo del arranque de su residencia en Las Vegas, donde está cantando una veintena de hits aunque no su penúltimo viral en TikTok, ‘Harleys in Hawaii’. Analizamos cómo viniendo de un fracaso comercial como fue ‘Smile’, la cantante ha vuelto a resurgir pese a las ganas de darla por muerta de una parte de la audiencia.
Recorremos su enorme cantidad de singles que llegaron al número 1, el que nos parece el mejor disco de su carrera y también esos directos que ha ofrecido entre lo brillante -la Super Bowl- y lo decepcionante –la gira ‘Witness’-. La dedicación de esta última aún al público infantil nos hace hablar de sus problemas de posicionamiento y estrategia, y de lo que significa la marca Katy Perry, entre disfraces de payasa, apoyo a los demócratas en Estados Unidos y memes y virales continuados. ¿Es la reina del camp como titulaba recientemente la revista Vogue?
En este podcast de Katy Perry planteamos si la artista está creciendo al mismo tiempo que su público, cuál puede ser su álbum más infravalorado y qué esperamos de su futuro. ¿Quizá menos vídeos con 1.000 millones de visitas y más dirección artística?
El segundo disco de REYKO, ‘Pulse’, se ha presentado con singles como ‘Saturday’, ‘The Game’ o ‘Panic’. El dúo formado por Igor y Soleil dejaba atrás la pomposidad de hits pasados como ‘Hierba mala’ y ‘Spinning Over You’ para apostar por un sonido minimalista y ruidoso conectado con el electroclash.
‘People Talk’ era quizá la gran joya perdida de este disco y hoy la recuperamos como “Canción del Día”, para lo que hablamos con el propio dúo sobre las curiosidades detrás de su creación. REYKO actúan el 13 de mayo en Barcelona y el 21 de mayo en Madrid. Las entradas están disponibles en WeGow.
¿Qué nos podéis contar sobre la producción de ‘People Talk’? Citáis como referencia el electroclash, pero realmente es un choque escucharos sobre una caja de ritmos tan básica, después de ciertas cosas que habéis hecho, como más sofisticadas.
Eso es justo lo que queríamos conseguir. Queríamos que ‘People Talk’ y el resto del disco ‘Pulse’, y nuestro primer disco, fueran como el ying y el yang de alguna manera. Que se complementen siendo lo opuesto, el debut siendo más sofisticado y reflexivo, y el segundo siendo más crudo y urgente. Queríamos abrir una puerta nueva en nuestra música y expandir horizontes, para ver dónde nos lleva. Con suerte expandir nuestro público. Hacia lo desconocido con todo (risas).
En cuanto a bases, en realidad la caja de ritmos es exactamente la misma en el primer y el segundo disco. Para dar un ejemplo, la caja de ritmos de ‘People Talk’ y ‘Surrender’ es exactamente la misma, evidentemente cada una producida de una manera diferente. Para los estudiosos de sonidos, es la Roland 808 de toda la vida, la caja de ritmos que se oye en cada track de trap urbano de los últimos 8 años.
‘Pulse’ en realidad es como si Jane Birkin se juntara con Ramones a escribir canciones en el estudio de Kraftwerk
¿Este tema representa lo que habéis estado escuchando últimamente? ¿Creéis que hay más artistas volviendo a este sonido?
En cuanto tuvimos un concepto claro de dónde queríamos que fuera el disco, que era canciones de pop/rock urgentes con bases electrónicas, empezamos a hurgar en Spoti en busca de inspiración. Primero vimos que Billie Eilish y su hermano tenían varias canciones que tiraban por ahí. De allí llegamos a que el electroclash era básicamente eso, punk sobre cajas de ritmos. Aunque claro, yendo más atrás descubrimos que Trent Reznor ya lo hacía en los 90. Y aún más atrás, a finales de los 70 ya lo hacían grupos de post-punk y new wave…
En fin, realmente la idea no era hacer electroclash, pero sí que nos dimos cuenta de que los ingredientes de sonidos tenían similitudes con los que nosotros teníamos en mente. Por otro lado, conociéndonos y sabiendo la temática de nuestras canciones, las melodías, la voz, etc… sabíamos que una vez pusiéramos de nuestra parte iba a sonar a algo completamente distinto… ¡y nuevo y fresco, esperemos! El secreto es juntar cosas que parece que no tengan nada que ver y cruzar los dedos para que el resultado sea escuchable. Varias veces hemos bromeado que ‘Pulse’ en realidad es como si Jane Birkin se juntara con Ramones a escribir canciones en el estudio de Kraftwerk (risas). Sí que vemos que actualmente hay tendencia hacia géneros de rock y al mismo tiempo sin alejarse demasiado de cajas de ritmos. Cada grupo tiene su manera, por supuesto. Como Dry Cleaning o Yard Act, o algún que otro tema de Billie Eilish, por ejemplo.
Nos parecía el momento para hacer un disco excéntrico que represente los tiempos raros de estos dos años
Me gusta que el disco hable poco de amor de pareja, en general creo que hay otros temas como la autoestima, la represión, etc. ¿Este ‘People Talk’ podría ser uno de los que aunara las dos cosas? De hecho, hablando del “qué dirán los demás”, realmente termina siendo una canción de amor, ¿no?
Este disco lo hicimos durante la pandemia, al menos la mayoría de las letras. Una cosa que comentamos mucho durante el proceso es que no tenía ningún sentido sacar un disco en 2021 y hablar de flores y rosas como si el mundo estuviera perfectamente. Nos parecía el momento para hacer un disco excéntrico que represente los tiempos raros de estos dos años. De ahí letras como ‘She Said’ o ‘Panic’. En cuanto a ‘People Talk’, lo que dices, la verdad es que por ahí va el tema. Es como una especie de canción de amor pero con un twist. De todas formas no nos gusta hablar demasiado de nuestras letras para así dejar margen a la interpretación de cada uno. Todos interpretamos las canciones de diferente manera…
¿Por qué el vídeo ha decidido centrarse en un amor entre 2 personas tan jóvenes? ¿Os parece la forma más ilusionante de amor, la más apasionada, la que mejor representa a vuestro público…? Entiendo que puede ser la más apasionada, ¡pero cuando sale mal también es la más tortuosa!
A nosotros ‘People Talk’ siempre nos ha sonado como una canción super juguetona. En nuestra opinión, es el tema con el ritmo más «happy» de todo el disco. Por eso quisimos explotar esa onda juguetona al máximo, reflejándolo con una historia de adolescentes que pasa durante un concierto, donde dos jóvenes se enamoran. Nos pareció la historia «happy» por excelencia. El director Rodrigo Villar y su equipo lo captaron estupendamente. En realidad la moraleja del video de ‘People Talk’ es: si vas a un concierto de REYKO, pillas (risas).
«No tengo la intención de escribir un libro de autoayuda», dice Jeff Tweedy en la página 68 de su libro ‘Cómo componer una canción’, dejando caer que tal afirmación vendrá sucedida de una frase adversativa del tamaño de Chicago. ‘Cómo componer una canción’ parece un libro didáctico para músicos de bedroom pop o cantautores rasgueando una guitarra por primera vez, y a ellos se dedica gran parte del tiempo. Los 24 brevísimos capítulos de este libro decorado con un pentagrama por aquí y por allá reciben nombres como «convertir la composición de canciones en un hábito», «jugando a rimar» o «aprender las canciones de los demás».
La creación musical, como la de otras artes, se ha mitificado hasta el punto de que pareciera cosa de los dioses, como mínimo de puntual inspiración divina. Jeff Tweedy, como ese Nick Cave que afirma que pasa horas al piano hasta que le sale algo, recuerda al compositor novel que la creación de una canción no solo se reduce al hecho de estar inspirado -que por supuesto puede ayudar- sino que a la larga es una cuestión de trabajo, disciplina e interés por lo que hacen los demás. Tweedy tiene la teoría de que si no escuchas mucha música, no serás un gran creador y revela por ejemplo de qué manera le inspiró escuchar por primera vez ‘Andromeda’ de Weyes Blood, una artista mucho más joven que él. Nunca adivinarás qué temas de Wilco salieron de ahí.
Jeff ofrece una amplia gama de trucos más y menos experimentales que van desde escuchar una conversación a expresar cómo te sientes, pasando por escribir todo lo que se te ocurra en un folio y recortarlo, cambiarlo todo de orden y deconstruirlo en busca de un mayor valor poético.
Sin embargo, ‘Cómo componer una canción’ trasciende esa función meramente didáctica para llegar mucho más allá a tres niveles. En primer lugar, por supuesto el libro es una chuchería para todo fan de Wilco. No tanto como su autobiografía ‘Vámonos (para poder volver): Acordes y discordias con Wilco, etc.’, pues es un tomo mucho más modesto en todos los sentidos, pero sí para adentrarnos en el proceso creativo de ‘You and I’ o, por ejemplo, cómo dos canciones tan dispares como ‘Art of Almost’ y ‘One Sunday Morning’ terminaron abriendo y cerrando el mismo disco.
En segundo lugar, los consejos de Jeff Tweedy sirven para inspirar a cualquier tipo de creador: sea teatro, cine, novela o videoclip a lo que te quieras dedicar, ‘Cómo componer una canción’ es toda una motivación para no rendirte por el camino, para sentirte acompañado en los momentos duros de sequía y para recordar que no toda obra ha de ser una obra maestra, que lo importante es que al crear algo, te sientas como «una persona más feliz, con mayor capacidad para lidiar con el mundo».
Lo que nos lleva, por último, a la universalidad definitiva de ‘Cómo componer una canción’. En realidad, detrás de cada «quiero darte amor con mano dura» y detrás de cada «tener buenos modales mola, incluso es algo revolucionario», no estamos asistiendo sino al sabio, sosegado, humilde y tierno relato de una persona que ha asistido a rehabilitación para recuperar las riendas de su vida, y que ahora quiere transmitir sus fuerzas al mundo como buenamente puede y sabe.
