‘Tiene que haber algo más’ de Alizzz merecía ser el «Disco de la Semana» ya solo por reunir ‘El encuentro’ con Amaia, el hit ‘Ya no siento nada’, ‘Ya no vales’ con C. Tangana y ‘Todo me sabe a poco’, pero es que además suma más colaboraciones con Jota de Planetas y Little Jesus y nuevos posibles singles. Se está promocionando en las playlists de los viernes ‘Disimulao’, pero aquí el éxito que aguarda a ser descubierto es ‘Amanecer’ con Rigoberta Bandini. Es nuestra «Canción del Día» hoy.
Rigoberta Bandini no puede estar más en boga, hasta el punto de agotar entradas para La Riviera en el plazo de 24 horas, y aquí se suma otro tanto con una producción pop-rock en la que las guitarras son la cumbre de la canción. O una de ellas, pues ‘Amanecer’ está llena de encanto y espontaneidad («pilla dos, mejor tres, que llegue bien para los seis»), narrando una noche de fiesta que se te va de las manos, hasta el punto de que «amanece», te «abren las panaderías» y con «gafas de sol saludas a las vecinas». Rigoberta Bandini seguramente te represente en ese puente «Mañana va a doler, pero es que estoy tan bien, esto no sube ya, no me quiero volver», mientras el estribillo pone una nota poética en la grabación: en «tengo la sensación de que hay algo infinito entre tú y yo» el infinito podría ser algo bueno o algo malo.
En la entrevista que acabamos de publicar con Alizzz, el artista nos explica que le propuso «este retrato del mañaneo» a Rigoberta porque «ella es muy fiestera y cuando la escuchó se sintió muy identificada». «Tengo un poco de fetiche con currar con gente de Barcelona porque siempre ha sido una ciudad de propuestas de vanguardia y creo que, en los últimos tiempos, hemos perdido un poco el norte. Madrid se ha convertido en un imán de cultura, todos los artistas de un tiempo a esta parte van para allá y creo que nos tenemos que hacer fuertes aquí. Además, el proyecto de Rigoberta me parece uno de los más interesantes que hay ahora mismo en el panorama sin ninguna duda». A ella, que se atreve a soltar un glorioso «from lost to the rivér» por ahí, le ha encantado el resultado: «Ayer me llamó para contarme que la estaba escuchando en un taxi y que se la estaba gozando, está muy contenta con la canción y yo también».
Este sábado ha fallecido Almudena Grandes, una de las escritoras más populares de nuestro país desde la publicación de libros como ‘Las edades de Lulú’ -todo un fenómeno que se extendió desde 1989 a todos los años 90 gracias a la adaptación cinematográfica de Bigas Luna-, ‘Malena es un nombre de tango’ (también llevada a la gran pantalla), ‘Los aires difíciles’, ‘Atlas de geografía humana’ o ‘El corazón helado’.
Últimamente, la saga ‘Episodios de una guerra interminable’ recogía a lo largo de seis novelas lo peor de la historia del siglo XX, al modo de los Episodios Nacionales de Galdós. En ellas desarrollaba su faceta de historiadora, tras haber estudiado Geografía e Historia en la Universidad Complutense de Madrid. Ha vendido con la saga más de 1 millón de unidades. Grandes tenía tan sólo 61 años, pero le había sido diagnosticado un cáncer en 2020, del que informaba en un artículo publicado en el EPS.
El País adelanta a hoy la publicación de un artículo que Almudena Grandes escribió como columnista habitual de cara al próximo puente. “Me estoy volviendo una vieja, tengo que asumirlo”, bromea en un momento en el texto llamado ‘Unos ojos tristes’, en el que recuerda impresiones sobre El Lute y la moda kinki.
Alizzz se encuentra en un momento profesional espléndido. Ya ni nos acordamos de los tiempos en que sacaba epés de electrónica aunque aquellas producciones fueran bombazos. En 2018 nos contó que una tal Doja Cat había usado ‘In Chains’ de base para una canción, pero ahora es él quien posa en la alfombra roja de los Latin GRAMMYs con tres premios en los brazos. ‘El Madrileño‘, el disco de C. Tangana producido por él, es obviamente uno de los más importantes que han salido este año y ha puesto su nombre en el mapa internacional como ningún otro de sus trabajos lo había hecho hasta ahora. Sin embargo, el álbum debut de Alizzz como artista de pop es otra cosa.
‘Tiene que haber algo más‘ rechaza la ambición expuesta en ‘El Madrileño’ para explorar una vía mucho más depurada y pop que le aleja del foco mediático y las alfombras rojas y le acerca a las salas de conciertos. Te sorprenderá descubrir, leyendo esta entrevista, que Christian Quirante se crió escuchando Brit pop y dream pop pero, cuando escuches el disco, te parecerá que tiene todo el sentido del mundo. Hablamos con Quirante sobre nuestro Disco de la Semana, su trabajo con Amaia o su paso por los Latin GRAMMYs.
No suelo entrevistar a los artistas el mismo día en que sale su disco. ¿Cómo te sientes?
Estoy tranquilo porque el disco ha quedado súper redondo, a nivel conceptual y de discurso ha quedado clara la historia y con Rafa Castells ha quedado súper redondo el tema estético. Estoy tranquilo por haber hecho el curro de puta madre y ahora lo que me apetece es disfrutar de no hacer nada y pensar en lo guay que ha sido este año.
¿Qué valoración haces del último año?
Ha sido el mejor año de mi carrera de lejos. Hace unos años sentía que estaba metido en un valle, que estaba un poco estancado, sin saber adónde ir, pero duró poco y cada año que pasa tengo más la sensación de que tengo una propuesta interesante que hacer y que el mundo la recibe guay.
¿Te refieres cuando viviste un «crack personal» en 2019?
Estaba superado con todas las cosas que estaba haciendo, que eran demasiadas cosas a la vez. Mi identidad como artista se estaba diluyendo, estaba demasiado metido en la rueda de hacer música y viajar. Pero me refiero más bien a un problema de estancamiento musical, de no saber adónde estábamos yendo, de pensar que estábamos perdiendo la frescura. Necesitaba hacer una propuesta artística creativa, que me llenase. A veces estás tan metido en la realidad de tu éxito como productor que olvidas que tú también eres un artista que necesita expresarse de una manera más particular. Así salieron mi proyecto y ‘El Madrileño‘.
Antes mi identidad como artista se estaba diluyendo, estaba demasiado metido en la rueda de hacer música y viajar
¿Cuál fue el momento de inflexión?
Ese momento de reventar, de decir «por aquí ya no puedo tirar más, necesito expresarme de otra manera». Y encontrarme a mí mismo en un sonido más de guitarras, más indie. Un día cogí la guitarra, toqué unos acordes que me sonaron a Placebo o a Los Planetas, de repente mi voz cuadró ahí y no entendía nada. Me salían letras sobre la fiesta, el amor instantáneo… Fue una especie de epifanía y me salió todo natural, sin pensar, aunque creo que hay todo un trabajo de subconsciente detrás que me ha llevado hacia este proyecto.
Has cogido una vía semi alternativa, el disco suena a salas de concierto, a underground. ¿Has buscado escapar un poco de tu éxito con C. Tangana?
La música que estoy haciendo viene referenciada a la música que yo he escuchado toda mi vida, en paralelo a la que he venido haciendo en los últimos cinco años, que es más urban. Mi identidad estaba un poco más diluida en esos géneros y la vi más claramente en un sonido más alternativo, pero no había nada racional en ello. Como artista -no como productor- yo no podría hacerme un reggaetón, tiro más por las guitarras.
¿Qué artistas te han influido?
La música que más escucho es el dream pop y el shoegaze, como The Cure o Cigarettes After Sex. Ahora estoy quemando el EP de Beach House. La atmósfera del dream pop me atrae mucho. Y cuando iba al instituto y a la universidad me impactó toda la movida del Brit pop. Con el Brit pop me di cuenta de que la música era más que escucharla en un viaje en coche. Blur, The Verve o Pulp son grupos que sigo escuchando a día de hoy.
Blur, The Verve o Pulp son grupos que sigo escuchando a día de hoy
¿Soy yo o las guitarras de ‘Amanecer’ suenan muy Brit pop?
Total. No sé a qué grupos suena, no te podría mencionar una referencia concreta, pero el tipo de acordes, el sonido y la atmósfera que se crea con todos estos elementos lleva a la época del Brit pop más noventera. Para hacer cosas más elaboradas con la guitarra llamé a David Soler, al que tengo que agradecer el diseño de sonido de las guitarras en este tema porque suenan increíbles.
Yo percibo cierta influencia del post-punk en el disco, pero entiendo que tú post-punk no escuchas.
El post-punk no es algo que me haya marcado, no es una súper influencia para mí. Yo vengo más del Brit pop y del dream pop. Aunque yo creo que el dream pop tiene un poco de post-punk, es una reinterpretación de todo eso.
¿Cómo surge la colaboración con Rigoberta Bandini?
Tengo un poco de fetiche con currar con gente de Barcelona porque siempre ha sido una ciudad de propuestas de vanguardia y creo que, en los últimos tiempos, hemos perdido un poco el norte. Madrid se ha convertido en un imán de cultura, todos los artistas de un tiempo a esta parte van para allá y creo que nos tenemos que hacer fuertes aquí. Además, el proyecto de Rigoberta me parece uno de los más interesantes que hay ahora mismo en el panorama sin ninguna duda.
‘Amanecer’ es un retrato del mañaneo y se la propuse a Rigoberta porque ella es muy fiestera, y cuando la escuchó se sintió muy identificada, así que la terminamos juntos en el estudio.
Pega unos gritos que parece su canción.
Ayer me llamó para contarme que la estaba escuchando en un taxi y que se la estaba gozando, está muy contenta con la canción y yo también.
«He producido todo el disco de Amaia»
¿Cómo es trabajar con Amaia? ¿Intentas no sonar paternalista?
Yo a ella la escucho todo el rato lo que dice. Hay ciertas decisiones que toma en las que a priori no estoy de acuerdo, pero en su proyecto ella es quien tiene la razón y yo soy el que le sigo a ella. A veces yo haría las cosas de otra manera pero ella tiene una identidad tan clara que romper eso es un sacrilegio. Y, aunque sea joven y tenga una manera peculiar de explicar las cosas, creo que vale la pena hacer el esfuerzo de entender lo que te está intentando decir y plasmar esa visión, porque ese es el diamante que tiene ella.
¿En qué cosas no os ponéis de acuerdo?
Ella es más clásica con las armonías y yo huyo de resolver canciones en acordes dominantes. Ella busca una resolución de acordes más clásica y yo busco cosas más extrañas, pero este tipo de cosas son las que le hacen sonar a ella. Amaia tiene muchos referentes del pop clásico y dosmilero que yo no tengo. Cuando trabajo con ella intento llevarme las cosas hacia mi terreno pero al final, todo suena a ella y todo el disco que hemos hecho suena a ella.
¿Cuál es tu contribución al disco de Amaia?
Yo he producido todo el disco y he participado activamente en la composición con ella y con otros compositores, pero básicamente el disco lo hemos hecho ella y yo juntos.
En realidad ‘Quiero pero no‘ suena a lo que has hecho en tu disco. ¿Qué hace Confeti de Odio por aquí metido?
La canción partió de una sesión que hicieron Lucas y ella, que son amigos. La canción estaba ya hecha a guitarra y voz y yo le acabé de dar la estética. ‘Quiero pero no’ la veo bastante joyita a nivel de producción, tiene muchos detalles, como esos gritos que suenan por detrás. Tiene un punto estético muy elaborado.
‘Ya no vales‘ es una canción que C. Tangana y tú os dedicáis a vosotros mismos?
100%. Originalmente la canción hablaba sobre mí, la escribí porque la pérdida de la inspiración es un tema no que me obsesione, pero sí que tengo en la cabeza. Cuando trabajaba de programador y estudiaba telecomunicaciones no tenía una vida plena y desde que me dedico a la música estoy eufórico, me siento realizado y me da miedo perder la magia y, de repente, no poder dedicarme a ella. Me da miedo sentarme al piano o delante del ordenador y que no salga nada, ni un sonido. He hablado mucho con Pucho sobre este tema, sobre el miedo a que, un día, el público se dé cuenta de que no tenemos ni idea de lo que estamos haciendo y ya no nos compre la movida. Le enseñé la canción porque sabía que se iba a sentir identificado con ella y así fue.
Desde que me dedico a la música estoy eufórico, me siento realizado y me da miedo perder la magia y, de repente, no poder dedicarme a ella
Diría que, cuanto más cultivas tu inspiración, cuanto más tiempo pasa, mejor eres en tu oficio, pero tú hablas de ella como si fuera una cosa que puede desaparecer para siempre.
La inspiración para mí es totalmente impredecible y depende de quien eres tú en cada momento. El otro día hablaba con Jorge Drexler y me contó que su momento de mayor inspiración llegó cuando nació su hija y él era ya bastante mayor. La inspiración no siempre va a estar ahí pero tienes que saber jugarla, tienes que saber envejecer y no repetirte.
¿Estás preparado para la montaña rusa que puede ser dedicarte a la música?
Con mi proyecto no quiero entrar en el ciclo de la música mainstream, no quiero tener unos tiempos ni una manera de hacer marcadas por los ritmos de la discográfica y del consumo. Acabo de ganar 3 Grammys, este proyecto lo siento súper redondo y creo que me puedo permitir trabajar acorde a cómo yo siento las cosas y a mis tiempos. Intentaré no fijarme tanto en lo que está pasando en el mundo y enfocarme en mis proyectos, hacerlos tranquilamente. Y empezaré a hacer conciertos.
¿Ya hay algo anunciado?
El primer concierto es en el festival Monopol de Tenerife el 11 de diciembre. Y, como «headliner», los conciertos siguientes serán en enero en Barcelona y Madrid y se anunciarán pronto.
«En casa de J en Granada me sentía todo el rato en una canción de Los Planetas, tuve un momento de fan»
¿Cómo fue la experiencia de acudir a los Latin GRAMMYs?
Cuando fui a Las Vegas estuve ensayando todo el día para la ceremonia, por la tarde estuve haciendo entrevistas y ahora he vuelto y entrado en el ciclo de promoción del disco, así que no he tenido tiempo de asimilar lo que he conseguido. El primer premio que nos dieron por poco no llegamos a recibirlo porque llegamos tarde a la gala, llegamos corriendo.
¿Has conocido a alguien en los Latin GRAMMYs?
Saludé a Bad Bunny. Ese fue el «peak» de celebrity que conocí ahí, pero sobre todo estuvimos con el equipo, con los colegas, no hubo mucho «networking». Coincidí con Jhay Cortez en la red carpet y ahora cuando venga a España nos juntaremos en el estudio a ver si sale algo.
¿Cómo llega J de Los Planetas al disco?
Me flipan Los Planetas y J me parece uno de los grandes compositores de pop españoles de todos los tiempos. Está en el Olimpo con Robe Iniesta, Enrique Urquijo y Antonio Vega, es uno de los grandes. ‘Luces de emergencia’ es un cierre trágico para el disco y, cuando la estaba haciendo, sentí que J tenía que estar en la canción. Se lo propuse y aceptó súper rápido. Estuve con él en su casa, en Granada, viví un momento bastante de fan, yo intenté mantener las formas pero sentía todo el rato que estaba viviendo en una canción de Los Planetas. Nos bajamos con la moto a Granada y yo flipando.
¿Él ha escuchado ‘El Madrileño’?
Sí, me dijo que le gustaba mucho, que le parecía una propuesta muy interesante.
¿Por qué crees en el formato disco?
Porque me lo puedo permitir. Me puedo permitir no seguir los ritmos de la industria y hacer las cosas como me apetecen, y las canciones de este disco tenían cosas en común a nivel de letra y sonido y se entendían todas mejor al darles un empaque estético. Hay un par de temas que me he reservado para lo que sea que haga después porque me empezaban a sonar a otra cosa y quería que el disco fuera sólido como una roca.
¿A qué te empezaban a sonar?
Más a banda, menos electrónicas. Suena todo más destrozado, más oscuro. En lo siguiente que haga voy a hacer otra cosa, no voy a repetir este álbum porque no repetirme es la única manera que tengo de seguir vivo y motivado para hacer música, romper todo el rato con lo que estoy haciendo.
Carlos Gasca era, claro, Gasca. Lamentablemente, se ha prodigado más bien poco. Y hacía mucho tiempo que no sabíamos de él. Su último disco como Gasca había aparecido en Discos de Paseo, en 2013. Ahora, de la mano de El Genio equivocado, regresa a nombre completo con un disco que no puede tener un nombre más sencillo: ‘Canciones’.
Gasca es oriundo del Baix Llobregat y se nota. El álbum está empapadísimo en ese sonido. No en vano, David Rodríguez es amigo, mentor y productor de la mitad de las canciones, de las más “acústicas”. De la otra mitad se encarga Javier Carrasco aka Betacam. Y en esta mezcla se encuentra toda la gracia de ‘Canciones’; en ese sonido entre La Estrella de David, Los Caramelos o el technopop melancólico de Family o Dar Ful Ful.
‘Canciones’ es un disco pequeño pero bonito. Un dechado de ‘Aurea Mediocritas’, en el que se expresa el deseo de cariño y de una vida sencilla y buena. La voz de Carlos, monocorde y algo áspera, consigue redondear ese aire tan plácido.
El inicio es dulce. ‘Cuando Vengas’ es una pequeña explosión de estribillo, que es puro Family, una evocación de viajes y estancias a la vera del mar, un anhelo por todo eso que nos arrebató el confinamiento, con citas a lugares muy concretos como Portlligat. También hay encantadoras habaneras mezcladas con baladas de rock de los 50’s como ‘La noche de San Juan’ y ‘El faro’, que contiene rimas consonantes y pausas que desarman: “yo solo quiero… Que me quieras”.
O versos que, de puro simples y tontos, no sabes si te encantan o te espantan: “Llovía… llovía hasta en la Barceloneta”, canta Carlos en ‘Llovía’. ‘Esto sí’ nos lleva a los terrenos de Gente Joven, gracias a su leve ritmo dance aupado por suaves sintetizadores, marinos y delicados. Hay una rendida declaración de amor en ‘Mi chica favorita’, con leves toques de Hi-NRG y New Order. O el robo de la línea de bajo de ‘Lullaby’ de The Cure en ‘Peor de lo que ves’. Sin abandonar sus aires estivales, resulta la canción más melancólica, más por su letra que por su música.
‘Canciones’ tiene un sonido naïve e ingenuo, sus canciones huyen de cualquier atisbo de ironía u oscuridad. Las intenciones de Carlos son poco ambiciosas. No quiere arreglar el mundo… pero sí salvarte la tarde.
’30’ de Adele es obviamente número 1 en medio mundo, pero los expertos en charts llevaban toda la semana aguardando a la gran cuestión: «¿pero con qué datos?». Parece haber cierto mal sabor de boca en ciertos foros porque el disco no ha igualado los récords de ’25’, pero hay que tener en cuenta varios factores:
1) el mercado ha cambiado mucho en 6 años, las ventas han decaído incluso más.
2) ’25’ no se publicó en las plataformas de streaming a su lanzamiento en noviembre de 2015, sino en junio de 2016, esto es, varios meses después.
3) el vinilo de ’25’ es doble y su precio es por tanto mucho mayor, hasta 34 euros en Amazon. Ahí habrá que hablar de beneficios en lugar de ventas puras.
En cualquier caso, mientras ‘Easy On Me‘ continúa en el número 1 a nivel global de Spotify, posición que parece que ya va a mantener hasta la llegada de la Navidad, el disco ha entrado en la primera posición en casi todos los mercados que publican sus listas los viernes: Alemania, Australia, Irlanda, Noruega, Holanda, Suecia… se le ha escapado, eso sí, el top 1 en Italia y Francia en favor de talentos locales. En ambos casos es top 2.
Las cifras que se conocen son buenas, aunque no espectaculares. En Reino Unido Adele ha vendido 261.000 unidades en 7 días. Es verdad que las 800.307 semanales de la semana de debut de ’25’ han quedado muy lejos, pero también lo es que son las ventas más altas de todo 2021, superando los récords previos de ABBA, Ed Sheeran y Coldplay. ¿En qué medida puede ser una decepción continuar siendo quien más vende? ¿Es que ya nadie recuerda qué pasó con Alanis Morissette, James Blunt o Dido?
En Estados Unidos, los datos son excelentes también. A mediados de semana Adele llevaba el equivalente a 660.000 copias vendidas, siendo 560.000 ventas puras, por lo que al final serán unas 800.000 unidades las despachadas en EE UU. Se rondarán 2 millones a nivel global para la primera semana, triplicando o casi lo que Ed Sheeran lleva en 3 semanas, e igualando lo que lleva Drake en 11 semanas para ‘Certified Lover Boy’. ¿De verdad, con este panorama, hay quien prefiere ver el vaso medio vacío?
Parece difícil, además, que el disco pierda fuelle en Black Friday y Navidad: el disco al completo continúa en el top 100 de Spotify como si Adele fuera una trapera o el disco tuviera featurings, y a poco que Sony juegue sus cartas con la buena aceptación comercial de ‘Can I Get It’ y sobre todo ‘Oh My God’, otro nuevo macroéxito está ya cocinado. ¿Se venderán 20 millones de unidades? No… pero avisadnos cuando alguien lo repita.
Entre las novedades que ha dejado el viernes se encuentra el nuevo single de Sen Senra. El gallego sigue sacando single sueltos de cara a la celebración de los conciertos más importantes de su carrera, que tendrán lugar el próximo mes de enero en el Palau Olímpic de Barcelona y en el WiZink Center de Madrid, y todos estos singles están resultando más aciertos en su discografía.
Si ‘Globo’ exploraba otra vez su vena «acústica», de guitarra y voz, aunque con el añadido de un segmento final más electrónico y épico, para dar con otra de esas composiciones adictivas que Sen Senra parece crear en un abrir y cerrar de ojos, ‘Te va a ser mejor’ profundiza en esta última premisa de nuevo bajo la producción del mexicano Manuel Lara, que ha trabajado con Bad Bunny en su último disco y ha producido ‘Globo’ y la -esta sí- fallida ‘De ti‘ con Julieta Venegas.
‘Te va a ser mejor’ destaca por el protagonismo de sus explosivas baterías (programadas), que marcan un tempo inusual y casi parecen mirar a Radiohead como inspiración. No tantas canciones de Sen Senra se enfocan en el ritmo pero ‘Te va a ser mejor’ sale completamente airosa del experimento gracias a la intuición melódica de Sen Senra y a su particular fraseo, que aquí se encuentran al servicio de una composición que expresa un gran sentimiento de libertad.
¿A qué libertad se refiere Sen Senra? A la artística. ‘Te va a ser mejor’ no es la primera canción en la que el artista habla sobre su arte o el éxito (‘Perfecto’ es una de ellas) y aquí nos cuenta que «cuido lo mío con cada detalle» y que «no voy a doblarme si estoy tocando el cielo». Menciona el Titanic, deja otra de esas frases suyas («producto fresco, el tuyo de congelador») y te convence de que en su arte «no hay lugar al fallo, no hace falta garantía». ¿Alguien puede dudarlo?
A pocos días del estreno del remake de ‘West Side Story’ de Steven Spielberg, recibimos la triste noticia del fallecimiento de Stephen Sondheim, el famoso compositor y letrista de su banda sonora, así como de otros muchos musicales que cambiaron Broadway para siempre. ‘West Side Story’ fue su primer trabajo en 1957, con música de Leonard Bernstein, una obra que nunca ha muerto, y para muestra que este mismo viernes de su fallecimiento, se publicara una revisión de grandes nombres de hoy como Kali Uchis y Ozuna, para el citado remake.
Stephen Sondheim ha fallecido a los 91 años -sonada fue su celebración online de los 90, con todo tipo de celebridades-, como han informado fuentes cercanas al artista a The New York Times. La noche anterior había celebrado con amigos la cena de Acción de Gracias. Influido por Irving Berlin, Cole Porter y sobre todo por los hermanos Gershwin, fue conocido por llevar al teatro letras inteligentes de problemática social, en lugar de meramente hedonistas o vacuas.
En el año 2000 The New York Times publicaba una muy recomendable entrevista en profundidad con el artista, con motivo de su 70º cumpleaños, en la que se le retrataba como un hombre solitario, gran amante de la ironía, «clínicamente objetivo sobre cada aspecto» y también como un buen bebedor. En un momento el entrevistador le pregunta «cuando creciste…», y Sondheim interrumpe para revelar que «nunca creció». Que «nunca maduró».
En la charla se analiza cómo sus letras trataban cuestiones tan espinosas y revolucionarias para los musicales de la época como los asesinatos políticos, el imperialismo cultural, el homicidio masivo, la creación del arte, el miedo a la intimidad o el miedo a la muerte. Sondheim, que salió del armario a los 40 años -nada mal, por otro lado, para 1970-, vivió solo hasta los 61 años, cuando conoció a Peter Jones, y solo fue en 2017, con 87 años, que contrajo matrimonio con Jeffrey Scott Romley.
Entre los Premios que recibió destacaron 8 Premios Tony, un Pulitzer, la Medalla Presidencial de la Libertad que en 2015 le otorgó Obama y un Oscar a Mejor Canción por ‘Sooner or Later’ de Dick Tracy, interpretada por Madonna. Existe un documental sobre su vida llamado ‘Six by Sondheim’.
Entre sus trabajos más reconocidos estaban ‘Company’, ahora mismo revisitado por Antonio Banderas en Málaga, ‘Follies’, ‘Into the Woods’ y ‘Sweeney Todd’. Entre sus composiciones más populares figuran ‘Send in the Clowns’ en la interpretación de Barbra Streisand para ‘A Little Night Music’, aparte de esa melodía de ‘West Side Story’ que ha trascendido todo tipo de fronteras y generaciones.
El número 1 oficial en España y el número 1 de JNSP coinciden muy pocas veces, y esta semana es una de esas excepciones. Rosalía y The Weeknd ascienden a la cima de nuestro site con ‘La Fama’, un tema que además ha conseguido entrar en el Billboard Hot 100 por los pelos, en el número 94.
Se trata de la 6ª vez que Rosalía encabeza el humilde top 40 de JENESAISPOP, habiendo sido las anteriores ‘Malamente’, ‘Piensa en tu mirá’, ‘Di mi nombre’, ‘Aute Cuture’ y ‘Dancing in the Park’ con James Blake. En el caso de Abel Tesfaye, es el 5ª, si bien en su caso, ha sido número 1 de nuestra lista en la mitad de los casos con featurings: ‘Elastic Heart’ con Sia y ‘Lust for Life’ con Lana del Rey. Solo en los últimos meses ha conseguido dos números 1 él solo: ‘Blinding Lights’ y ‘Take My Breath’.
En otro orden de cosas, Taylor Swift llega al puesto 3 con ‘All Too Well’, y también encontramos nuevas entradas destacadas de Big Thief, The War on Drugs, Snail Mail, León Benavente y Self Esteem. En los dos últimos puestos aparecen Summer Walker y Yarea.
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Kanye West ha compartido a través de sus redes sociales su particular oración por Acción de Gracias, celebrada anoche. Se trata de un vídeo de cinco minutos en el que le acompaña el coro Sunday Service y que aborda la separación de Kim Kardashian, su salud mental y su intento de llegar a la Casa Blanca.
“Hola, mi nombre es Ye y este es mi súper súper súper súper súper larga oración por Acción de Gracias”, comienza diciendo haciendo referencia a su nuevo nombre legal. “En esta Acción de Gracias, estoy agradecido por mi familia, mis fans y nuestros haters, os queremos también en Acción de Gracias y en la mañana de Navidad, no la noche anterior o el día, sólo en la mañana”, continúa. “Todo en lo que pienso cada día es en cómo reunir a mi familia de nuevo y cómo sanar el dolor que he causado. Tomaré responsabilidad por mis actos”, reconoce.
“Señor, a mi esposa no le gusta que vaya con la gorra roja (con el mensaje “Make America Great Again”). Es una buena esposa, sólo quiere protegerme a mí y a mi familia. He hecho de mí y de mi familia un objetivo por no estar alineado con la postura política de Hollywood y eso ha sido duro para nuestro matrimonio”, confiesa.
Además, Kanye West ha querido hablar sobre su candidatura fallida para la presidencia de Estados Unidos en 2020. Explica que se presentó sin tener una adecuada preparación y sin aliados en ninguno de los bandos. Reconoce que avergonzó a su mujer a la hora de presentar información de su familia durante la única rueda de prensa que dio.
Para finalizar con su oración, habla sobre su hospitalización hace cinco años. “Tuve un episodio maniático y estuve bajo una fuerte medicación. Desde entonces la tomo de forma interrumpida, lo que me hace susceptible a otros episodios que mi esposa, mi familia y los fans han tenido que soportar.”
Esta semana se han conocido las nominaciones de los GRAMMYs 2022, y a Kanye West junto a Taylor Swift, les incluyeron en las cuatro grandes categorías a última hora. La Academia decidió ampliar el número de nominados a 10 justo el día de antes del anuncio, según informa The New York Times.
Ye y Taylor se unieron a la lista de nominados al Álbum del Año con ‘Donda‘ y ‘evermore’, respectivamente. Por otra parte, en la lista de Grabación del Año se añadió a Lil Nas X con ‘Montero (Call Me by Your Name)’ y a ABBA y su ‘I Still Have Faith in You’. ‘Kiss Me More’ de Doja Cat junto a SZA y ‘Right on Time’ de Brandi Carlile, se unieron a los nominados para Canción del Año. Y finalmente Arooj Aftab y Baby Keem fueron los añadidos en la categoría de Artista Revelación.
The Times ha podido dar esta información ya que tuvo acceso a una lista “final” de los 8 nominados en las cuatro grandes categorías, que estaba en circulación antes del anuncio oficial. Por su parte, el presidente de la Academia y CEO, Harvey Manson Jr, explica que estas incorporaciones «ayudan a que los GRAMMYs tengan más espacio para más música, más artistas y más géneros, además de abrazar el espíritu de inclusión”. Aunque también admite que estas adiciones de última hora simplemente son los candidatos en el puesto octavo y noveno en la clasificación de votos de la Academia.
Chema García Ibarra, premiado director de cortos que ha estado ya en Sundance, Berlín y Cannes, llega al largometraje sin renunciar a sus principios: rodar con actores no profesionales, a las que graba en toda su particularidad, la indefinición de géneros pululando entre la comedia y el drama, y cierto gusto por el costumbrismo español. Lo cercano de sus personajes le podría entroncar con Pedro Almodóvar, Paco León o Muchachada Nuí, sólo que le atrae tanto el cine fantástico que habría que situarle más bien en la escuela de Carlos Vermut.
Como ‘Magical Girl‘, ‘Espíritu Sagrado’ no es una película apta para todos los públicos. Tiene sus momentos incómodos y no se la recomendarás a tus padres, pero si como Chema García Ibarra has nacido en España en 1980, su retahíla de referencias y detalles te van a volar la cabeza, entre los Supermercados Tiburón, la versión de Cranberries de Los Sobraos y esa vecina con toda la pinta de ser votante de VOX que parece recién salida de ‘El año del descubrimiento‘.
Y es que ‘Espíritu Sagrado’ no es un ejercicio de nostalgia como ‘Las niñas‘ -enorme por otros motivos- o ‘Yo también fui a EGB’. Pese a compartir referentes temporales, en muchos sentidos es más bien hija de esa locura Tumblr/Instagram/TikTok que está permitiendo que situemos en el mismo plano de nuestro cerebro -que nos afecte lo mismo- una tragedia mundial que el meme de un gato.
La película nos sitúa en Elche, la ciudad del director, centrándose en la vida de 5 miembros de una asociación ufológica llamada Ovni-Levante. Al mismo tiempo nos cuenta la desaparición de una niña, cuya hermana gemela se está utilizando para realizar su búsqueda. A partir de ahí, ‘Espíritu Sagrado’ consigue dejarte con la boca abierta, entre el delirio y el desconcierto total. De la misma manera que no tenía sentido que ‘Zombie’ pudiera ser vista como una canción celebrativa y bailable, llena de palmas, pues estaba narrando la muerte de 2 niños a manos del IRA, es turbador que en muchos de sus puntos la película sea tan divertida.
Una de sus grandes bazas es haber contado con el actor no profesional Nacho Fernández para interpretar el papel protagonista de José Manuel. A García Ibarra no le importa que los actores digan con sus palabras el texto del guión, se equivoquen o improvisen, y en este caso Nacho además escogió no leer el libreto completo de la película sino solo su parte. De esta manera ha rodado en toda su maravillosa ingenuidad, ajeno al desenlace que aguardaba.
En algún lugar de mi cerebro había olvidado que el director de cortos como ‘El ataque de los robots de Nebulosa 5’, ‘Protopartículas‘ o ‘Misterio‘ fue también el director de videoclips de los añorados Klaus&Kinski. O quizá de alguna manera me ha traicionado el subconsciente, porque me pasé media película pensando que Chema García Ibarra jugaba de manera tan inteligente como el dúo con el costumbrismo (‘Mamá no quiero ir al colegio’), la desazón y la comedia (‘Luego vendrán los madremías’), lo mágico (‘La mano de Santa Teresa de Jesús’), lo absurdo (‘Forma, sentido u realidad’), lo social (‘Carne de Bakunin’) o el crimen (‘Mengèle y el amor’).
El pasado invierno hubo un momento, al menos en Madrid, en que parecía que el mundo se iba a acabar. «¿Cuándo llega la plaga de langostas?», se preguntaban los comerciantes después de haber tenido que cerrar meses por una pandemia, y una semana por una nevada histórica. El nuevo disco de Vetusta Morla se gestó justo durante Filomena. Condicionados porque entre unas cosas y otras, no podían asistir al local de ensayo, la aproximación instrumental al nuevo proyecto estaba siendo diferente, con panderos cuadrados o guitarros, cosas que no solían llevar al local o al estudio.
Es por esta coyuntura que ‘Cable a Tierra’ a menudo suena como un disco apocalíptico, que parece contar historias que recuerdan a futuros distópicos como los vistos en ‘1984’, ‘Un mundo feliz’ y ‘Blade Runner‘. ‘No seré yo’, ‘La diana’ y ‘Palabra es lo único que tengo’ nos hablan de cosas como la cancelación en la era de las redes sociales, la explotación laboral capitalista y la libertad de expresión en honor a los que están en la cárcel por sus ideas. Incluso el single ‘Finisterre’ parecía estar hablando de lo que se entendía como «fin del mundo» a través de su propio abismo, solo que en su estribillo, el asunto vira hacia la canción de amor: «Ya me da igual si la Tierra es plana / Si arden los bosques o si hierve el mar / ¿Qué más dará? / Cuando tú andas cerca / Queda en suspenso la gravedad».
Vetusta Morla, tan implicados políticamente, saben además que el centro del mundo no es Madrid, y ‘Cable a Tierra’ es específicamente un viaje por el folclore que rodea al Océano Atlántico. Y no, no son unos advenedizos, porque ya habían jugado anteriormente a ello en su inesperado hit ’23 de junio’, que fue un gran grower sin haber sido en principio un single principal de ‘Mismo sitio, distinto lugar‘ (2017); o incluso antes en ‘Alto’ (2014) y ‘Maldita dulzura’ (2011).
Los ritmos en este disco nos pueden sonar manchegos o aragoneses, pero Vetusta quieren recalcar por ejemplo que ‘Finisterre’ es una canción adaptable a distintos lugares y que hay gente que sitúa su sonido en el norte de Argentina. La teoría de la banda es que los hilos que separan los estilos son muy finos, sumando en su tesis que no pueden dejar de lado el sonido británico con el que se han criado: para Vetusta Morla, los Beatles también forman parte de su folclore.
Todo esto da lugar a una grabación de nuevo muy prodigiosa y llena de detalle, realizada en Madrid junto a Carles Campi Campón, después masterizada -esta vez a distancia- por Dave Fridmann, y redondeada en lo visual por los miniencuadros de Laura Millán realizados para portada y para cada una de las 10 pistas. El acabado de producciones como ‘No seré yo’ es un espectáculo digno de los viejos equipos de alta fidelidad que ya casi nadie se molesta en comprar, y el juego entre elementos electrónicos y orgánicos de ‘Puñalada trapera’ o ‘Si te quiebras’ quizá representa el mundo de nubarrones en que vivimos. En ese sentido, cada grabación es una aventura, como la afinación alternativa de la guitarra en ‘La diana’ y ‘No seré yo’ -recordando al primer Beck-, el arranque un tanto Manuel de Falla de ‘Corazón de lava’ o el rock de ‘Palabra es lo único que tengo’.
‘Cable a Tierra’, que celebra el valor de la música de generación en generación, acaba con una grabación tan explícita como ‘Al final de la escapada’. En ella Vetusta hablan de la perdurabilidad de la música y de la necesidad de que estimemos las cosas importantes de nuestra sociedad: «No me aplaudan en los palcos, aquí tienen mi chistera», canta Pucho con retranca, como cierre para un buen disco con tan sólo dos pegas: el mejor estribillo (‘Finisterre‘) tarda demasiado en llegar, cuando el folclore siempre ha sido una cosa de grandes ganchos, y el regreso de la canción abrasiva «no se sabe si la amo o la odio» que supone ‘Virgen de la humanidad’.
Según cuenta C. Tangana, escribió esta canción con Jorge Drexler en mitad de la pandemia, “en un momento donde interacciones habituales como abrazar o besarse, de repente se convirtieron en acciones de riesgo”. El videoclip, dirigido por Joana Colomar (autora de vídeos para Amaia o Maïa Vidal), parece seguir ese mismo argumento.
‘Tocarte’ está articulado por medio de dos líneas narrativas que se cruzan en mitad del vídeo: una protagonizada por una chica que corre por las calles de Madrid para llegar a tiempo a la estación, y otra por Drexler y Tangana interpretando a dos empleados de un bar castizo. Este tipo de local entronca con esa estética bocadillo-de-calamares con la que “El Madrileño” ha rebozado parte de su trayectoria (vídeo)musical.
Entre medias, la directora intercala imágenes de parejas haciendo lo que dice el título de la canción: tocarse. Estampas fotografiadas en colores cálidos, muchas de ellas con planos detalle de manos, que ensalzan lo táctil como manifestación del amor y el deseo, y celebran la sensualidad y el contacto físico como anhelo de un mundo poscovid (el clip está rodado en 16mm para privilegiar lo material frente a la asepsia de lo digital).
Acciones tan cotidianas hace unos años como compartir un cigarrillo, echarle vaho a un vaso para terminar de limpiarlo (bueno, esto ya era un poco guarrete antes), o tocar superficies sin lavarnos después las manos con chorrazo de gel hidroalcohólico, que hoy nos parecen tan antihigiénicas como meter la cabeza en un cubo de basura.
Tahiti 80 vuelve hoy con un nuevo single llamado ‘Hot’ que puedes escuchar desde ya en nuestra playlist de novedades. La banda de indie-pop francesa que llegara a vender 200.000 copias de su debut editado en 1999 ‘Puzzle‘ y que allanara el terreno para que otros grupos similares como Phoenix triunfaran dentro y fuera de sus fronteras ha estado grabando nuevo material y ha anunciado un par de conciertos que tendrán lugar en París en febrero del año que viene.
‘Hot’ es la primera muestra de la nueva música de Tahiti 80 y hoy es la Canción Del Día, y no es ningún capricho nostálgico: ‘Hot’ es otra de esas canciones de pop encantadoras que tan bien se le da a la banda compuesta por Xavier Boyer, Pedro Resende, Médéric Gontier y Sylvain Marchand pero además logra sonar tan fresca como una canción de Roosevelt o Videoclub, dos artistas actuales que, como ellos, miran al pop de los 80 como referencia para crear su propia música.
La canción conjuga ritmos disco con guitarras a lo Chic con una melodía de teclado new wave que remite a bandas tipo M83 (que también es francesa) y lo hace al servicio de uno de esos estribillos sutiles pero pegadizos que solo pueden escuchados en bucle. Curiosamente, la letra no incluye la palabra «hot» por ninguna parte, y lo que relata en realidad es un sentimiento de confusión por parte del vocalista ante una relación que no termina de definirse. «¿Me puedes decir qué quieres que seamos?» es una de las preguntas que deja la canción pero, en el estribillo, Tahiti 80 parecen responderse a sí mismos: «sé que lo tienes todo bajo control, pero a mí me parece que estás jugando con mi alma».
Hoy salen dos esperados nuevos álbumes de cosecha española, ‘Cable a tierra’ de Vetusta Morla y ‘Tiene que haber algo más‘ de Alizzz, que está siendo el Disco de la Semana y además es Disco Recomendado. También ven la luz nuevos álbumes de DELLAFUENTE, Caliza, Rufus T. Firefly, Rosario La Tremendita, Ghouljaboy, Alan Walker o Anuel AA.
En la primera semana post-Adele también editan nuevos singles Years & Years con Galantis, Sen Senra o Bad Gyal. Han anunciado al fin nuevo disco La Plata con el lanzamiento de un tema nuevo, Bloc Party han hecho lo mismo y, a lo largo de la semana, hemos destacado los nuevos singles de Amaia con Rojuu y Delaporte y hemos estrenado la nueva balada de Nacho Vegas.
Más novedades que encontrarás hoy en la playlist actualizada las firman Mueveloreina, Sevdaliza, Kali Uchis con Ozuna, la banda de synth-pop francesa Tahiti 80 o La La Love You, que se han atrevido a versionar ‘Tenía tanto que darte’ de Nena Daconte con compañía de la susodicha.
También editan nueva música Ana Mena (una versión de Dimartino), Sexy Zebras, la joven promesa Claire Rosinkranz, la también prometedora Rorro, Mura Masa o Barbara Pravi. Atención especialmente a las guitarras de Tigercub, al pop de Pure Shores o a la afirmación de Dylan: «tú no eres Harry Styles».
Carolina Durante ha anunciado la fecha del estreno de su segundo disco, además de desvelar su portada. ‘Cuatro chavales’ verá la luz el próximo 28 de enero y ya está disponible su preventa.
La banda tiene prevista una amplia gira de festivales para el verano del año que viene en la que incluyen el Tomavistas, En Órbita Fest (Granada) y Oh, See! (Málaga) en mayo, Primavera Sound y Palencia Sonora en junio, BBK Live, FIB y Low Festival en julio y Canela Party a finales de agosto.
‘Cuatro chavales’ será su segundo LP tras ‘Carolina Durante’, su álbum debut de 2019. En este tiempo han sacado temas con otros artistas como la versión de ‘Espacio vacío’ con Él Mató a un Policía Motorizado y ‘La canción que creo que no te mereces’ con J de Los Planetas.
Este nuevo disco estará disponible en vinilo “edición normal”, edición deluxe y en CD. Os dejamos el tracklist de ‘Cuatro Chavales’:
1. Tu nuevo grupo favorito
2. Granja escuela
3. Famoso en tres calles
4. Moreno de contrabando
5. Urbanitas
6. No es tu día
7. Aaaaaaaa#$!&
8. Minuto 93
9. Yo soy el problema
10. 10
11. Colores
12. La planta que muere en la esquina
«Las mujeres, cuando tenéis hijos, no podéis pensar en las que no los tenemos.
Os quedáis frescas, ignorantes, como el que nada en agua dulce no tiene idea de la sed».
Ni esta frase de ‘Yerma’, una de las más célebres obras de Federico García Lorca, podía anticipar la pesadilla que iba a ser tener un hijo para muchas personas, no sólo mujeres ya. Todos los que pertenecemos a la Generación X hemos perdido la cuenta de la cantidad de amig@s, vecin@s, prim@s que se han gastado un pastizal en tratamientos de reproducción asistida o incluso en una gestación subrogada sobre la que ha cambiado la visión de la sociedad substancialmente en los últimos años: no hace tanto parecía un remedio, ahora parece una enfermedad peor. El problema es de fondo en la sociedad capitalista: en los años de mayor fertilidad, casi nadie puede permitirse o quiere procrear. El planteamiento de ‘La hija’ es claro: el director Manuel Martín Cuenca se vale de este grave problema social para que empaticemos con unos personajes con los que era difícil, aunque haya sido de manera involuntaria. En El Diario ha dicho que la gestación subrogada es «un protocolo burocrático concebido para reparar una injusticia que puede dar lugar a una injusticia mayor», insistiendo en que la película podría haber tenido lugar hace 25.000 años, pues habla simplemente de «una mujer que puede tener hijos y otra que no».
Javier Gutiérrez y Patricia López Arnaiz interpretan a una pareja de mediana edad que parece haber perdido la esperanza de tener hijos biológicos. La muy prometedora Irene Virgüez, a una adolescente que se cruza en su camino. El personaje de esta tiene graves problemas de integración en la sociedad y malas compañías, por lo que ‘La hija’ es también un retrato de la falta de esperanza que ofrece nuestra sociedad para los jóvenes que delinquen.
El director de ‘Caníbal‘ y ‘El autor‘ no ofrece aquí, en cambio, cine social puro y duro. La banda sonora compuesta al completo por Vetusta Morla, con un protagonismo grande pero sutil -a lo Trent Reznor-, ya nominada a un Premio Feroz, apunta claramente al thriller y no al drama lacrimógeno. Tremendo es el paso de la canción principal, ‘Reina de las trincheras’, de parecer una nana, a la voz de Pucho en los créditos finales.
No sé si el largo desarrollo de ‘La hija’ favorece su realismo, pues a medida que avanza el metraje se agolpan ciertas dudas sobre la credibilidad del planteamiento; legales y logísticas, y también más livianas: nadie puede tragarse que una adolescente de 2021 fuera a resistir meses encerrada en una casa de campo sin móvil ni tablet, con el único entretenimiento de ver ‘Mujeres, hombres y viceversa’. Ciertos secundarios (el enfermo de cáncer, el novio de la joven) no aportan mucho al fascinante trío principal.
Sin embargo, esta luce como la mejor película de Manuel Martín Cuenca por su espinoso y rico planteamiento en un momento muy necesario, y al mismo tiempo por lo que tiene de cine inquietante digno del Festival de Sitges. Sirvan como ejemplo esos ladridos de perro que anticipan un mal presagio desde su primera aparición. Su resolución, medio elíptica, puede que no sea exactamente la que esperas.
Deftones se une a la lista de artistas que han decidido meterse en el negocio de la marihuana, sacando ‘The Passenger Box’, su propia colección junto a la marca de cannabis Golden Barn.
No contentos con tener su propio tequila y cerveza artesanal, el grupo ha decidido “dar el siguiente paso obvio, el cannabis”. En un comunicado a través de sus redes sociales, explican que a lo largo de su carrera, su misión ha sido la de proporcionar a sus fans productos de calidad. Aseguran dedicar el tiempo, cuidado y esfuerzo para entregar la mercancía a un mercado que ha sido examinado a fondo.
“Estamos muy emocionados de presentar nuestro primer producto ‘The Passenger Box’, que se podrá adquirir en nueve localizaciones en California. La próxima semana se distribuirán en el resto del estado. Estad atentos.”, añaden.
Cabe recordar que en 8 de los 50 estados de Estados Unidos (Alaska, California, Colorado, Maine, Massachusetts, Nevada, Oregon y Washington) el cultivo, consumo y comercialización con fines recreacionales de la marihuana son legales y en 29 se permite su uso con fines medicinales.
Según el vídeo oficial del anuncio, ‘The Passenger Box’ tiene un “gran aroma” y un “sabor tal como huele”. El clip también muestra los cogollos de «maría», concentrados y vaporizadores, incluidos en esta primera entrega de productos. El nombre de esta primera caja procede de la canción “Passenger” de su álbum ‘White Pony’ y lleva el logotipo del mismo.
Deftones no son los primeros ni serán los últimos en adentrarse en este mercado. Hace unos meses Justin Bieber lanzó su línea de porros ‘Peaches’ uniéndose a otros famosos que han apostado por la “maría” como Whoopi Goldberg, Snoop Dogg, Die Antwoord, Jay-Z o Gwyneth Paltrow.
Alizzz se ha convertido en el productor más exportado del país. Desde Castelldefels a Las Vegas, el artista que se dio a conocer con una serie de producciones de future bass para después triunfar de la mano de C. Tangana acaba de adjudicarse tres Latin GRAMMYs y una nominación a los GRAMMYs de siempre (en la categoría latina alternativa) por su trabajo en ‘El Madrileño‘. Pero ‘Tiene que haber algo más’ ya buscaba su propio camino desde que conocimos su primer single a finales de 2020 al alejarse lo máximo posible de los sonidos conocidos como «urban» o de los latinos.
‘Todo me sabe a poco’ era una declaración de intenciones aunque entonces no lo supiéramos. La canción abre el disco, una de sus frases de hecho lo titula y su sonido guitarrero y post-punk le da la espalda a las modas y las playlists para acercarse a las salas de conciertos, al underground. Es un camino que Alizzz decidió tomar después de sufrir un «crack personal duro» en septiembre de 2019 cuando, quemado de las giras, los trabajos de producción y los aviones, decidió parar y volver a «componer tranquilamente sin prestar atención al mundo». El artista cuenta: «volví a pillar la guitarra después de años y me puse a escribir para mí, cosa que nunca había hecho» y resultado de la experimentación más inocente llega este proyecto que solidifica la figura de Alizzz como solista más allá de su trabajo detrás de los focos.
‘Tiene que haber algo más’ se empezó a concebir antes de que ‘El Madrileño’ llegara al mercado y tampoco busca tamaño reconocimiento. Al contrario, parece evitarlo. En comparación con la obra maestra de C. Tangana es menos ambicioso y enrevesado: las canciones son pop, directas e instantáneas, no se comen la cabeza a la hora de experimentar con diferentes sonidos y a la vez persiguen una vía más alternativa. Si el disco busca algo es dar a Alizzz un respiro de la atención mediática obtenida por ‘El Madrileño’, un pequeño refugio en el que seguir disfrutando de la música sin más distracciones y en el que volcar sus inquietudes marcadas por el desamor, el desmadre, las fiestas que duran hasta el amanecer, el entumecimiento mental provocado por el trabajo, los WhatsApps borrados de los que luego te arrepientes y ese éxito que literalmente le quita el sueño.
«No he parao ni pa dormir», canta Alizzz en ‘Todo me sabe a poco’, otra de esas canciones de post-punk históricamente marcadas por la insatisfacción y una sensación de vacío, pero instalada en la actualidad gracias a la presencia de vocoders; y la cual Alizzz explora a fondo en ‘Ya no siento nada‘. Esta trepidante canción suena como unos Placebo actualizados, tiene un estribillo de 10 sobre 10 y habla sobre la necesidad de huir de los problemas a tal punto que su final suena como si atravesara un puente lleno de luces a toda pastilla y a la vez a cámara lenta. Y en la frenética ‘Ya no vales’ Alizzz invita a C. Tangana a recitar una letra dirigida a un artista fracasado, que «huele a cerrao» , que ha «perdido engage con los fans» y que «se ha quedado viejo» y que, en el contexto lírico de ‘Tiene que haber algo más’, no es descabellado pensar que funcione implícitamente como carta de Alizzz y Antón a sí mismos.
El disco también convence en sus momentos más desenfadados. ‘El encuentro‘ con Amaia es un clásico desde que escuchamos por primera vez su estribillo «he pensado en ti más de la cuenta» y su videoclip inspirado en la ruta del bakalao con la navarra enseñando las bragas sigue siendo un puntazo, pero Alizzz se guardaba otro temazo para la salida del disco como es ‘Amanecer’ con Rigoberta Bandini. Se trata de un divertido retrato de la vida fiestera en el que Alizzz y la autora de ‘Perra‘ disimulan ante la poli, compran birra de sobra para los amigos, saludan a las vecinas con las gafas puestas para que no se note que llevan las pupilas más grandes que un agujero negro y van a comprar el pan al día siguiente después de una noche de desmadre histórica. La canción suena a una mezcla de ‘Ya no siento nada’ y ‘El encuentro’ con un punto añadido de brit-pop y shoegaze en las guitarras que tiene más sentido cuando observas la playlist de influencias que ha dejado Alizzz en Spotify, pero en la que es difícil reparar ante una melodía tan pegadiza y embriagadora.
Alizzz vuelve a acertar cuando busca un nuevo ‘El encuentro’ en el disco-funk de ‘Fatal’ con Little Jesus, que resulta igual de pegajoso o más, o cuando en ‘Siempre igual’ mezcla sin mayor misterio ritmos disco, guitarras y lametazos funk en una de esas canciones que parecen menores pero que en realidad valen la pena. En el último single, ‘Disimulao’, Cristian parece tender un puente entre su pasado como productor de electrónica y el sonido de este disco y le sale básicamente un homenaje a sí mismo en el mejor de los sentidos. La mezcla de synth-pop y guitarras distorsionadas de ‘Salir’ funciona de igual manera.
Entre tanto single oficial y potencial, en un disco en el que los singles que convencían menos resulta que funcionan estupendamente dentro de contexto, la colaboración con J de Los Planetas termina algo deslucida, pero incluso el dream-pop de ‘Luces de emergencia’ parece tener sentido en el álbum, a modo de coda, y sirve como buen final a un disco con el que Alizzz consigue descargar por un momento el peso de su éxito con C. Tangana. Un trabajo aparentemente no tan ambicioso pero cuidado cuya sencillez juega totalmente a su favor, al servicio de unas canciones estupendas que, me atrevo a decir, también van a tener mucho recorrido.
La Plata estrenan su nuevo single ‘Hacia el vacío’, el tercer adelanto de su nuevo disco ‘Acción directa’, que verá la luz en febrero de 2022 bajo el sello de Sonido Muchacho.
En ‘Hacia el vacío’, los valencianos continúan ‘viviendo’ a pesar de las derrotas de la vida. “Parte de mí aún vive / parte de mí no morirá”, repiten junto a su ya característico guitarreo durante toda la canción, de tan sólo dos minutos y medio para “dejarlo todo atrás / con honor.”
El videoclip, producido por Álex Marco y grabado en la ciudad natal del grupo, se centra en varios jóvenes disfrutando en un skatepark, se intercalan imágenes grabadas con una videocámara, escenas cotidianas y muestra en numerosas ocasiones una especie de grieta que será el diseño de la portada del siguiente LP.
Este nuevo adelanto es el tercero del próximo trabajo de la banda tras sus sencillos ‘Victoria’ y ‘Aire Nuevo’, que publicaron a principios del verano de este año. ‘Acción directa’ le sigue como LP a su álbum debut ‘Desorden’ que incluye hits como ‘Un atasco’, ‘Miedo’ o ‘Esta ciudad’.
Os recordamos que La Plata actuarán junto a Axolotes Mexicanos el próximo día 19 de diciembre en la Sala BBK en Bilbao. Puedes conseguir tus entradas aquí.
The Weeknd ha estrenado un vídeo para una canción que no veías venir. ¿El siguiente adelanto de su disco? ¿Un resquicio de la era ‘After Hours‘? No. Un vídeo para ‘Die for You’, una canción que estaba incluida en su álbum de 2016, ‘Starboy’. El cantante celebra así los 5 años de uno de sus mejores trabajos, con una superproducción a cargo de Christian Breslauer, de evidentes reminiscencias ‘ET’ y ‘Stranger Things’.
Por otro lado, la plataforma de streaming HBO Max ha anunciado el estreno de la primera temporada de ‘The Idol’, la primera serie de The Weeknd, en la que el cantante será el protagonista. Este proyecto cuenta con la colaboración de Sam Levison (Euforia) y del propio Abel como co-creadores de la serie. Según The Hollywood Reporter, ‘The Idol’ consistiría en seis capítulos en los que se ha estado trabajando desde verano y al parecer ya estarían iniciadas las grabaciones. La historia de la serie narraría la complicada vida de un cantante pop emergente y mostraría la cara oscura de la industria musical en Los Ángeles. El protagonista tendrá problemas con el dueño de un club de la ciudad, que resulta que es un gurú espiritual de una secta.
El reparto de ‘The Idol’ cuenta con la presencia de algunas caras conocidas como Elizabeth Berkley Lauren (Salvados por la campana), Anne Heche, Troye Sivan, Lily-Rose Depp, Suzanna Son (Red Rocket) y Nico Hiraga (Booksmart), entre otros.
Una posible incorporación al elenco podría ser Britney Spears que ha subido un post a Instagram anunciando que acaba de grabar una película llamada ‘The Idol’. “¡Está garantizado que tendrá éxito y muchas fotos brillantes para poner en la cara de mi hermosa familia!”, comenta en el pie de foto. Sus fans no han tardado en preguntarse si se refiere a la serie del canadiense.
The Weeknd dejó vislumbrar recientemente sus “dotes” como actor en el videoclip de ‘La fama’ en que se metió por completo en el papel de amante asesinado por Rosalía, haciendo de su muerte algo más o menos creíble, aunque tirando a menos. Tendremos que esperar para ver si se desenvuelve igual en la pequeña pantalla como en la música.
Delaporte han publicado esta medianoche un EP con 4 temas y 3 remixes, que incluye el reciente single ‘Droga Dura’, que ha sido uno de los mayores hits de su carrera. El EP recibe el nombre de ‘Abril’ y representa un mensaje más terrenal que el espiritual ‘Las montañas’. Cuenta la banda: «Abril fue un mes de cambio personal radical para nosotr@s, un mes de transición, difícil y bonito a la vez. En el pasado hemos hablado mucho de empoderamiento y superación, pero ahora queríamos poner el foco en los sentimientos más urgentes y los retos del día a día, porque siempre hay mucho que aprender y muchos patrones que superar por mucho que sepas qué sería lo correcto. También fue un mes que nos marcó a nivel laboral, ya que en abril de 2020 hubiésemos comenzado la gira y no fue hasta abril de 2021 cuando la pudimos arrancar realmente».
En cuanto a las canciones nuevas, ‘Droga dura’ representa «engancharse a una persona sin poder evitarlo», ‘Narciso’ la persona egoísta que te trata mal, ‘Kryptonita’ la ayuda de los amigos para salir de la oscuridad, y ‘Desnudarnos otra vez’, su primer tema con guitarra y batería acústica, representa el éxtasis de desnudarnos frente a otra persona. Todas estas etapas de una noche en la que te ibas a retirar pronto están retratadas en el corto dirigido por Martina Hache, ‘Hasta quedarnos rotos’. ‘Narciso’ es hoy nuestra «Canción del Día».
Al margen del concepto del EP y de lo que Delaporte suelen cuidar el conjunto de sus EP’s o discos en cuanto a dirección artística, ‘Narciso’ es una pieza que funciona perfectamente de manera independiente, siendo una joya de 3 minutos exactos de duración, que se sumerge en los beats noventeros como pocas canciones de su discografía. Se nota especialmente en un pre-estribillo brillante en su melodía, si bien la producción cuenta con otros ganchos como los tarareos, esa pulla «encontrar a mil narcisos como tú ya está tirao» (todas las demás rimas en «-ao»), la apostilla «tú nunca estás fluyendo» o ese puente, de nuevo, tan techno-housero. Una de sus canciones más adictivas, lo cual ya es mucho decir para los autores de ‘Un beso’, ‘Clap Clap’ o ‘Un jardín’.
Sandra nos explica: «En este tema intento retratar que quiero salir del juego en el que el otro se siente de alguna manera con derecho a tratar por debajo al otro cuando quieres algo más con él. Creo que pasa mucho a día de hoy: parece que el que se enamora pierde y entra en una situación de inferioridad. Y esto ocurre porque no hay cuidado ni responsabilidad, sea la relación que sea la que se haya establecido. Parece que por Whatsapp y redes sociales se puede pasar de la otra persona sin que haya consecuencias. Pero es una falta de respeto igual. Y en este tema repito como un mantra que encontrar a personas como tú, a narcisistas y gente que no cuida, es muy muy fácil. Que no es especial, ni superior, ni digno de admirar y que no merezco algo tan banal».
Delaporte anuncia nuevas fechas en Madrid (12 de febrero de 2022, La Riviera. Entradas en Ticketmaster) y Barcelona (26 de febrero, Razzmatazz. Tickets en cruillabarcelona.com); además de otras ciudades:
26 de noviembre: Bilbao – Stage Live *Últimas entradas
27 de noviembre: San Sebastián – Dabadaba *Sold out
4 de febrero: Huesca – La Veintiuno
5 de febrero: Zaragoza – Sala de Armas
12 de febrero: Madrid – La Riviera
26 de febrero: Barcelona – Razzmatazz (Cruïlla Primavera)
6-7/5 Granada: En Órbita
10-12/6 Palencia: Sonora
Su sello Interscope ha decidido darle la vuelta a la tortilla poniéndose a hacer cuentas para certificar como oro y platino todo lo que faltaba por certificar en Estados Unidos, donde las certificaciones no son automáticas, a diferencia de lo que sucede en Reino Unido. Y hay hasta 29 certificaciones que valen por algún que otro Grammy, ciertamente.
El álbum más beneficiado continúa siendo el gran éxito de su carrera, ese ‘Born to Die’ que ha tardado casi 10 años en salir de las listas. ‘Born to Die’ es ya triple platino en Estados Unidos.
Pero más curioso es el hecho de que las canciones menos escuchadas de ese disco, esto es, ‘Million Dollar Man’, ’This Is What Makes Us Girls’, ‘Carmen’ y ‘Diet Mountain Dew’, hayan recibido el certificado del disco de oro por streamings/ventas equivalentes a 500.000 copias. Otras pistas como ‘Radio’ suben de certificación hacia el platino, lo que viene a querer decir que todas las canciones de ‘Born to Die’ son oro o platino en Estados Unidos.
Las alegrías continúan para otras eras y ‘Ultraviolence’ celebra su disco de platino, mientras ‘Honeymoon’ y ‘Norman Fucking Rockwell’ llegan al fin tras una larga agonía al disco de oro. La versión de ‘Doin’ Time’ puede presumir de platino, así como ‘West Coast’ y ‘Lust for Life’ con The Weeknd. Las nuevas certificaciones se pueden consultar en la web de la RIAA, si bien PopCrave recopila todas las de su carrera, recordando que sus grandes hits continúan siendo ‘Summertime Sadness’ gracias a su remix y ‘Young & Beautiful’.
Jon Batiste es el artista más nominado en los premios GRAMMY al aspirar a 11 candidaturas. El músico de Luisiana compite en dos de las categorías más importantes, Álbum del año y Grabación del año, así como en otras categorías «de género» tan variadas como Mejor álbum de R&B, Mejor álbum de jazz instrumental, Mejor composición de clásica contemporánea, Mejor banda sonora para medio visual y, atención, Mejor solo de jazz improvisado. El resto de artistas más nominados son H.E.R., Doja Cat, Lil Nas X, Olivia Rodrigo, Justin Bieber y Billie Eilish, y entre todos ellos hay uno que nos suena más bien poco.
¿Quién diantres es Justin Bieber? No, ahora en serio, Jon Batiste -con el que comparte siglas- puede no ser tan conocido en España pero en Estados Unidos es una eminencia en el mundo académico y gracias a sus nominaciones a los GRAMMYs ahora es conocido hasta por todas esas personas que, en las últimas horas, han buscado en Twitter «quién es Jon Batiste» y «quién coño es Jon Batiste». De hecho, probablemente ya hayas escuchado su música aunque no lo sepas, pues este año Batiste, junto a Trent Reznor y Atticus Ross, ha ganado un Oscar, un Globo de Oro y un BAFTA por la banda sonora de ‘Soul‘, una de las últimas películas de Pixar. Y nadie consigue tal cosa sin una carrera de fondo.
Batiste proviene de una familia de músicos de jazz de Nueva Orleans. Empezó a componer a los 8 años, transcribiendo a partituras música de videojuegos, y a los 20 ya estaba tocando en una prestigiosa sala de conciertos de Amsterdam y organizando talleres musicales en barrios desfavorecidos. Ha sacado 8 discos, tocado con Stevie Wonder, Prince, Ed Sheeran, Lenny Kravitz, Willie Nelson, Roy Hargrove y Mavis Staples y, desde 2015, forma parte de la banda residente del late night estadounidense The Late Show with Stephen Colbert. En 2017 colaboró en un single de Leon Bridges, en 2020 tocó el piano en el disco de Hamilton Leithauser y este año, tanto ‘Soul’ como su álbum ‘WE ARE’ le han dado las mayores alegrías de su carrera.
‘WE ARE’ es uno de esos discos que no verás reseñados en Pitchfork, Stereogum o NME (tampoco nosotros lo hemos reseñado) pero sí en NPR o medios especializados como Jazz Times o American Songwriter porque hay un mundo más allá de las revistas de tendencias y «hypes» que duran una semana. Es un disco de protesta influido por el movimiento Black Lives Matter que, en lo musical, explora y fusiona estilos como el soul, el R&B, el jazz, el funk o el hip-hop desde un punto de vista que antepone el virtuosismo a la innovación. En otras palabras, Jon Batiste no ha hecho precisamente un disco rompedor que le vincule con Kendrick Lamar en lo artístico sino más bien clásico y enormemente deudor de sus influencias en el que destacan especialmente dos singles, el emocionante ‘WE ARE’ y el jovial ‘FREEDOM’, nominado a los gramófonos dorados.
El «elefante en la habitación» aquí está muy claro: Jon Batiste es un gran músico pero no ha hecho un disco ni especialmente actual (solo por temática) ni especialmente interesante que haya podido conquistar a un público transversal. Más bien parece liderar las nominaciones a los GRAMMYs para que no se note tanto que en realidad los más nominados son las Doja Cats, los Justin Biebers y las Olivia Rodrigos como si fueran los MTV Video Music Awards. Cumple la cuota «seria» de los premios pero no se puede decir que represente lo mejor que ha dado 2021 cuando a duras penas ha recibido atención crítica de los medios de jazz o Americana… géneros para los que ya hay categorías especializadas en las que no habría desentonado tanto. ¿No habría tenido más sentido reconocer su trabajo en ‘Soul’ y ya está?
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