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Courtney Barnett / Things Take Time, Take Time

El mundo habrá vuelto a la normalidad cuando dejen de salir discos inspirados por la pandemia. En ‘Rae Street‘, la pista que abre el nuevo disco de Courtney Barnett, la cantautora australiana observa ese lamentable mundo desde la ventana del privilegio (y también la de su casa), contenta con por lo menos poder ver el sol salir una mañana más. La filosofía de ‘Things Take Time, Take Time’ es precisamente la de tomarse la vida con calma, reflexionar y apreciar las pequeñas cosas de la vida, y el disco suena igual de satisfecho.

En uno de los pasajes más sabios de ‘Things Take Time, Take Time’, Courtney reflexiona que «cuando un niño nace, otro hombre yace en su lecho de muerte, y así continuamente» solo para terminar pensando en la «próxima carta que voy a recibir de tu parte». Courtney sabe que la magia de la vida se encuentra en ser humilde, escribir a tus amigos, arroparles si pasan frío, quizá declararte a la persona que te gusta y en asegurarte de «no meter el cuchillo en la tostadora».

En el pegadizo single ‘Before You Gotta Go’, Courtney recuerda una pelea… a duras penas: «Nos enfadamos, nos dijimos cosas que no queríamos decir, el problema que teníamos no está muy claro». Esas palabras se las ha llevado el viento y el ligero sonido de la canción, inspirado en el jangle-pop, ya sugiere que Courtney vive en paz con su yo interior. Sus nuevas canciones mantienen esa energía contenta y despreocupada, como ‘Rae Street’ o ‘Sunfair Sundown’, y otras, como la balada ‘Here’s the Thing’, pasan por los oídos como si fueran una brisa.

Algunas presentan variaciones en ese folk-rock sereno y semi recitado con voz cansada de la existencia que caracteriza a la autora de ‘Tell Me How You Really Feel‘: el riff de ‘Write a List of Things to Look Forward To’ parece sacado de la época ‘The Head on the Door’ de The Cure y ‘Turning Green’, otra de esas canciones que relacionan el nacimiento de un nuevo amor con la llegada de la primavera, tiene un ritmo casi krautrock. Pero son variaciones anecdóticas dentro de un disco que no quiere llamar demasiado la atención.

Efectivamente no hay en ‘Things Take Time, Take Time’ singles tan redondos como ‘Avant Gardener’ o ‘Pedestrian at Best’, solo una colección de canciones de Courtney Barnett que se conforman con ocupar un lugar modesto, casi como la propia Courtney cuando observa el mundo desde su ventana. ‘Things Take Time, Take Time’ es un disco que, sobre todo, invita a meditar y a quitarle hierro a la vida. Es un trabajo lleno de buenos consejos que una amiga te da mientras te da una palmadita en la espalda, o un sentido abrazo.

¿Pero cuál es el verdadero segundo single de ’30’?

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Los tres primeros discos de Adele fueron editados por XL, un sello grande -tamaño Radiohead, The xx-, pero independiente. Únicamente se llegó a un acuerdo de distribución con Sony, en los últimos años, para Estados Unidos. Tenía pinta de que Adele firmaría eventualmente con Sony, y así ha sido. Paradójicamente, ’30’ es el menos comercial de los álbumes editados por Adkins hasta la fecha.

Easy On Me‘ ha sido un éxito absolutamente abrumador, un número 1 mundial durante un mes, que quizá extienda su reinado hasta la llegada de Mariah Carey o más allá, cuando se comercialice su dueto con Chris Stapleton, de momento un extra para unos grandes almacenes americanos. El disco es diferente y arriesgado en muchos aspectos, pero es llamativa la ausencia de segundo single o tercer single tamaño ‘When We Were Young’ o ‘Set Fire to the Rain’. El sello maneja hasta 5 pistas diferentes como «focus track» para las playlists de novedades de este viernes.

Adele ha anunciado de manera oficial que el segundo single del disco es ‘I Drink Wine’. Así lo recoge la mismísima OCC. También se está dando bola a ‘Hold On’, que aparecía en un anuncio hace unos días y fue hace unos días interpretada en directo. Sin embargo, la realidad que nos hemos encontrado en Today’s Top Hits y las playlists más poderosas del mundo es otra. La gran apuesta en Spotify es ‘Oh My God’, en remedo modernuqui del bombo de ‘Rolling In the Deep’, y también aparece en las mismas ‘Can I Get It’, la que en nuestra primera escucha del disco situamos como la canción más comercial de ’30’. ¿Hay vídeo grabado para ‘I Drink Wine’ o promoción televisiva que vaya a poder con esta macropromoción para ‘Oh My God’ o al final decidirá el pueblo con sus escuchas?

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Vega avanza su disco ‘Mirlo blanco’ con un himno mutante sobre salud mental

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Vega ha dado los detalles de su nuevo álbum. ‘Mirlo blanco’ sale en febrero de 2022 -no se ha concretado fecha todavía- a través de La Madriguera Records, su propio sello, y su secuencia de 12 pistas presenta colaboraciones de Manuel Carrasco, entre otras.

‘Un golpe’ ha sido el primer adelanto de ‘Mirlo blanco’, al que ahora sucede ‘Bipolar’, un tema que, acorde a su título, se compone de dos partes diferenciadas. La primera se mece con una cadencia próxima al noir jazz y llega a recordar vagamente a aquel disco de Julee Cruise asociado a ‘Twin Peaks’, y la segunda anima el tempo desde una forma más pop-rock y guitarrera, cercana al sonido de ‘La reina pez‘.

‘Bipolar’, hoy la Canción Del Día, habla sobre salud mental, como ha explicado Vega en sus redes sociales, y su composición a dos partes representa ese estado entre encontrarse en un lugar oscuro y ser capaz de salir de él triunfal. «Yo que una vez fui bonita sufría el espejo / intentando encontrar los defectos que ahora son bellos» es el primer verso que se escucha en el tema, el cual termina por todo lo alto con Vega proclamando que no va a rendirse y que «sentir me hace libre».

Vega ha compartido además el siguiente texto sobre ‘Bipolar’: “Alguien a quien admiro profundamente escribió una canción que rezaba “el equilibrio es imposible”, por una vez yo me he propuesto la utopía de encontrarlo, de lograr encontrar un lugar para las dos, donde pueda convivir con mi peor versión. No hay nada malo en sentir así, “solo” (y no es poco) hay que aprender a lidiar con la crudeza y la belleza de vivir bajo su yugo. Asumirlo. Aceptarlo. Querer levantarte y aprender de los tropiezos. Y si es con ayuda profesional, mucho mejor».

Mirlo blanco:

01 El valle – Txoria, Txori (intro)
02 Mirlo Blanco
03 Bipolar
04 Un Golpe
05 Mortal
06 Contigo – Vega y Manuel Carrasco
07 ¡Ladra! – Vega, Francisca y Marisoul
08 Sobrevivir
09 Aire
10 Casa – Madrid
11 Dioses y Demonios
12 Patria

Latin GRAMMYs: palmarés y actuaciones de Christina Aguilera, C. Tangana, Gloria Estefan…

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La gala de los Latin GRAMMYs se ha celebrado esta noche con C. Tangana y Camilo entre los principales ganadores de la velada, como se esperaba. Carlotta Cosials de Hinds ha declarado matrimonio a C. Tangana tras verle cargado de premios… seis años después de que Antón se declarara a ella en una canción, en los tiempos pre-‘Ídolo’.

También se han llevado premios importantes Juan Luis Guerra o Bad Bunny, aunque el más preciado de todos, el premio a Álbum del año, ha ido a parar a manos de Rubén Blades y Roberto Delgado & Orquesta por ‘SALSWING!’. ‘Patria y vida’ de Gente de Zona ha obtenido el premio a Canción del año y ‘Talvez’ de Caetano Veloso & Tom Veloso el de Grabación del año.

Entre las actuaciones destacadas de la noche se encuentran la de C. Tangana, que ha replicado su «Tiny Desk» sentado en una mesa y acompañado de toda su tropa (Alizzz, Antonio Carmona, La Húngara, etc.); y la de Christina Aguilera, que ha estrenado en vivo su nueva balada ‘Somos nada’ y también su single ‘Pa Mis Muchachas’ junto a Becky G, Nathy Peluso y Nicki Nicole. Posiblemente por una razón de derechos, la organización de los Latin GRAMMYs ha subido oficialmente a Youtube las entregas de premios pero no las actuaciones, las cuales adjuntamos bajo estas líneas en versiones no oficiales. La lista completa de ganadores, aquí.

Álbum del Año
1. VÉRTIGO/ Pablo Alborán
2. MIS AMORES/ Paula Arenas
3. EL ÚLTIMO TOUR DEL MUNDO/ Bad Bunny
4. SALSWING!/ Rubén Blades y Roberto Delgado & Orquesta
5. MIS MANOS/ Camilo
6. NANA, TOM, VINICIUS/ Nana Caymmi
7. PRIVÉ/ Juan Luis Guerra
8. ORIGEN/ Juanes
9. UN CANTO POR MÉXICO, VOL. II/ Natalia Lafourcade
10. EL MADRILEÑO/ C. Tangana

Canción del Año
A TU LADO/ Paula Arenas & Maria Elisa Ayerbe
A VECES/ Diamante Eléctrico
AGUA/ J Balvin, Alejandro Borrero, Jhay Cortez, Kevyn
CANCIÓN BONITA/ Rafa Arcaute, Ricky Martin, Mauricio Rengifo, Andrés Torres & Carlos Vives
DIOS ASÍ LO QUISO/ Camilo, David Julca, Jonathan Julca, Yasmil Jesús Marrufo & Ricardo Montaner
HAWÁI/ Édgar Barrera, René Cano, Kevyn Cruz, Johan Espinosa, Kevin Jiménez, Miky La Sensa, Bryan
Lezcano, Maluma, Andrés Uribe & Juan Camilo Vargas,
MI GUITARRA/ Javier Limón, songwriter (Javier Limón, Juan Luis Guerra & Nella
PATRIA Y VIDA/ Descemer Bueno, El Funky, Gente De Zona, Yadam González, Beatriz Luengo, Maykel Osorbo & Yotuel
QUE SE SEPA NUESTRO AMOR/ l David Aguilar & Mon Laferte
SI HUBIERAS QUERIDO/ Pablo Alborán, Nicolás “Na’vi” De La Espriella, Diana Fuentes & Julio Reyes Copello
TODO DE TI/ Rauw Alejandro, José M. Collazo, Luis J. González, Rafael E. Pabón Navedo & Eric Pérez Rovira,
VIDA DE RICO/ Édgar Barrera & Camilo

Grabación del Año
SI HUBIERAS QUERIDO /Pablo Alborán
TODO DE TI Rauw Alejandro
UN AMOR ETERNO (VERSIÓN BALADA) /Marc Anthony
A TU LADO/ Paula Arenas
BOHEMIO/ Andrés Calamaro & Julio Iglesias
VIDA DE RICO /Camilo
SUÉLTAME, BOGOTÁ/ Diamante Eléctrico
AMÉN/ Ricardo Montaner, Mau y Ricky, Camilo, Evaluna Montaner
DIOS ASÍ LO QUISO/ Ricardo Montaner & Juan Luis Guerra
TE OLVIDASTE/C. Tangana & Omar Apollo
TALVEZ/ Caetano Veloso & Tom Veloso

Mejor Nuevo Artista
GIULIA BE
MARÍA BECERRA
BIZARRAP
BOZA
ZOE GOTUSSO
HUMBE
RITA INDIANA
LASSO
PALOMA MAMI
MARCO MARES
JULIANA VELÁSQUEZ

POP

Mejor Álbum Vocal Pop
DIOS LOS CRÍA/ Andrés Calamaro
MIS MANOS/ Camilo
MUNAY/ Pedro Capó
K.O./ Danna Paola
5. DE MÉXICO/ Reik

Mejor Álbum Vocal Pop Tradicional
1. VÉRTIGO/ Pablo Alborán
2. MIS AMORES/ Paula Arenas
3. PRIVÉ/ Juan Luis Guerra
4. DOCE MARGARITAS/ Nella
5. ATLÁNTICO A PIE/ Diego Torres

Mejor Canción Pop
ADIÓS/ Sebastián Yatra
AHÍ/ Nella/ Doce Margaritas
CANCIÓN BONITA/ Carlos Vives & Ricky Martin)
LA MUJER/ Mon Laferte & Gloria Trevi
VIDA DE RICO/ Camilo

URBANA

Mejor interpretación de reggaetón
“Tu veneno”/ J. Balvin
“La tóxica”/ Farruko;
“Bichota”, Karol G
“Caramelo”/ Ozuna
“La curiosidad”/ Jay Wheeler, DJ Nelson y Myke Towers.

Mejor álbum de música urbana
“Goldo Funky”/Akapellah
“El último tour del mundo” /Bad Bunny
“Monarca”/Eladio Carrion
“Enoc”/Ozuna
“Lyke Mike”/ Myke Towers

ALTERNATIVA

Mejor canción alternativa
“Agarrate” / Nathy Peluso
“Antidiva”/ Aterciopelados
“Confía” / Gepe y Vincentico
“Nominao” / C. Tangana y Jorge Drexler
“Te olvidaste”/ C. Tangana y Omar Apollo

Mejor álbum de música alternativa
“Kick I”/ Arca
“Tropiplop”/ Aterciopelados
“Cabra”/ Cabra
“Un segundo MTV Unplugged”/ Café Tacvba
“Calambre”/ Nathy Peluso

PRODUCCIÓN

Productor del año
Alizzz
Edgar Barrera
Bizarrap
Marcos Sánchez
Dan Warner

‘Tres’: voces nuevas, presentes, futuras, pasadas

Está pasando de puntillas por la cartelera una película española de la que quizá se hablará durante mucho tiempo. El director Juanjo Giménez ha estrenado en la gran pantalla la que considera medio en serio, medio en broma, su «tercera ópera prima», un par de décadas después de ‘Nos hacemos falta (Tilt)’ y una década después del documental ‘Esquivar y pegar’. Su mayor hito de momento ha sido llevarse la Palma de Oro en Cannes por su corto ‘Timecode’ (2016), que también fue nominado al Oscar.

‘Tres’ -mejor en su título en inglés, ‘Out of Sync’, que al menos se puede buscar en Google-, es desde la primera escena una apuesta de lo más estimulante para los estudiantes de Comunicación Audiovisual y los licenciados en dicha materia. En ella vemos a una técnica de sonido trabajando en una película de ficción, en concreto en una escena violenta, de manera analógica y digital. Se azota a sí misma para simular el sonido de una bofetada en la película que está montando; después trabaja con el software de su portátil.

En otras palabras, ‘Tres’ corre el peligro de ser una película hecha para la Academia, y seguramente no vaya a librar a Juanjo Giménez de continuar con sus múltiples trabajos paralelos, a saber, productor, director de fotografía, guionista, ayudante de cámara y, de manera dramática, «empleado de una multinacional». Sin embargo, su apuesta formal es impecable, influida por clásicos de diferentes épocas como ‘Blow Out’, ‘Berberian Sound Studio‘ o ‘Inland Empire‘; y además la cinta lucha por que su estudio del espacio y el tiempo cinematográficos vengan acompañados de una historia más humana.

Esto último es responsabilidad de la protagonista interpretada por Marta Nieto, ya nominada a Mejor Actriz en los Premios Forqué. Desconocemos cómo se llama su personaje, y quizá como metáfora de sus flagrantes problemas de comunicación con sus compañeros de trabajo, con sus compañeros de cama y con su madre, un día, de repente, empieza a estar «fuera de sincro». Algo en ella parece estar averiado, como ya lo estaba su vida. Ahora escucha los sonidos con segundos o minutos de retardo, con todo lo que ello va a implicar para una persona de su profesión… mientras todos aquellos que hayáis bajado una película de mala manera de la red, quizá esbocéis una sonrisa.

Juanjo Giménez saca partido dramático de tan extraña afección, que oscila entre lo psicológico y lo neurológico (inspirada en el caso de un piloto coreano que vive unos segundos desincronizado), pues además el personaje de C. es workaholic hasta la médula. Pero más interesante que el trabajo que ella pueda perder, es cómo el director va más allá para exprimir a Marta Nieto con numerosos recursos. Los hay más manidos (el atropellamiento, el fuego de la cocina), pero los hay ocurrentes: ¿cómo es el sexo para una persona que oye con «delay»? ¿cómo es su vida cuando escucha conversaciones que nunca debió oír?

En un universo particular, ‘Tres’ nos habla de la locura que acecha a los cineastas que pasan 10 y 12 horas diarias en la sala de montaje de sonido, cuando después salen a la calle y el sonido ambiente les abruma. En un plano más general, el film nos habla del uso que hacemos de la tecnología en el año 2021, cómo vivimos con «delay» respecto a la realidad a través de nuestros gadgets, y por eso la película es un pequeño festival vintage de cintas de cassette, bloc de notas de papel y boli, móviles muy antiguos y gente sin WhatsApp. En última instancia, la película se crece cuando logra mirar el lado positivo de la circunstancia, a través de la bonita secuencia del paseo y el cine mudo -mágica, casi navideña-, y de la búsqueda de respuestas en nuestros ancestros. Un mundo de posibilidades se abre en esa resolución final.

shego: «Tu mejor amiga es más importante que el chico guapo que suele ser un poco bobo»

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shego son Irene, Aroa, Maite y Raquel, cuatro chicas de Madrid. Comenzaron a componer juntas en 2020 y a mediados de este año sacaron su primer EP ‘tantos chicos malos y tan poco tiempo’, con la colaboración en la producción de Bronquio y Carlangas. En este EP incluían ‘Vicente Amor’, ‘oh boi’ y ‘la nueva ola’, que tienen un claro mensaje feminista y reivindicativo. Su nombre es un homenaje a la villana de Kim Possible, la serie de Disney que fue mítica en los 2000s. Precisamente, las invitadas de esta entrega de Meister of the Week, la sección comisariada por Jägermusic, han elegido de tema tres series de los 2000s que las marcaron: Zoey 101, H20 y Lizzie McGuire.

shego, que hoy han lanzado su nuevo single ‘la kiero a morir’, actúan este 20 de noviembre en el Monkey Week en Sevilla, y el 19 de diciembre telonean a Rigoberta Bandini en La Riviera de Madrid (entradas, aquí).

¿Por qué habéis elegido hablar de ‘Zoey 101’? ¿Cuál era vuestro personaje?
Porque nos dimos cuenta de que habiendo crecido en sitios distintos era algo que teníamos en común en nuestras mañanas de verano. Nos hizo mucha gracia. Nuestro personaje fav… Zoey en realidad era un poco petarda, así que nos quedamos con las amigas raritas, Quinn, Nicole… Y la que era una malota hot, creo que se llamaba Danna.
El lugar en el que se desarrolla la serie es una escuela residencial con todo tipo de servicios cerca de la playa en California. ¿Os hubiera gustado que vuestro instituto hubiera sido como el Pacific Coast?
Uffffff claro, a quién no… Vivir con tus amigas y el chavalín que te gusta en el mismo sitio. De hecho creo que alguna vez de pequeñas todas jugamos a vivir en PCA.

Si os hubieran dado a elegir, qué preferiríais tener, ¿una Jet X o un TexMate?
Raquel:
Irene: Jet X
Aroa: TextMate
Maite: Jet X bastante moto mami
Raquel: TextMate la moto esa es de tontas.

Como recordaréis, la serie se terminó apresuradamente cuando Zoey (Jamie Lynn Spears) se quedó embarazada. Si hubiera seguido, ¿cómo la hubierais continuado?
¡Claro! Aunque en realidad somos más de Britney, pero en ese momento no lo sabíamos. Quizá una continuación años después en la uni hubiera sido divertido. Ver la evolución de cada personaje.

‘H20’ es otra de las míticas series de vuestra infancia. Sirenas adolescentes con poderes mágicos. ¿Alguna vez jugasteis a estar en la isla de Mako estando en la piscina?
Obvio, como todas las niñas de España. La mítica pelea por ver quién era quién….

Siempre he pensado que la protagonista real era Cleo porque le daban mucho peso a su trama. ¿Os pasaba igual? ¿Cuál era vuestro personaje favorito?
Jajajaj sí! Pero era la más pringada en realidad, ¿no? Y nuestras favs… las cuatro adoramos a Ricki en realidad, una real badass.

Cuando la mala, Charlotte, se volvió sirena también lo vi muy injusto ¿Qué os pareció este plot twist?
En el fondo la pobre sufría un montón por ser tan mala… pero bueno, a terapia chica. No se merecía ser sirena, eso está claro.

La canción del opening es tan mítica como la serie. ¿Os atreveríais a hacer un cover de esta canción?
Uffffffffff es una idea increíble, os la mandaremos si sucede (ojalá suceda).

‘Lizzie McGuire ‘trata la vida de una chica adolescente desde el punto de vista de su conciencia, representada como una versión animada de la protagonista. ¿Alguna vez pensasteis que había una mini vosotras en vuestro interior que tenía voz propia?
Sí. De hecho siguen ahí y son las que se pelean entre ellas cuando discutimos, nosotras somos muy trankilitas, pero ellas… se tiran de los pelos a la mínima. Por otro lado visten genial.

A pesar de que era una serie infantil, trataba temas serios como la anorexia o el bullying. ¿Recordáis alguna moraleja que os haya enseñado la serie?
Que tu mejor amiga es más importante que el chico guapo y que el chico guapo suele ser un poco bobo.

Hace un tiempo hubo rumores de un reboot de la serie aunque finalmente se descartó. En el caso de haberse realizado y que Hilary Duff no hubiera participado, ¿quién os parece la persona perfecta para interpretar a Lizzie McGuire?
Las protas de Booksmart ¡sin duda!

Si estas series hubieran representado alguna influencia para las shego, ¿cuál sería? ¿En dónde podríamos sentirla aunque sea como reacción?
Pues nos encantaría vestir como ellas, tener sus cortes de pelo etc. Estamos en ello. También el tema de estar todo el rato con las amigas… ¡Las llamadas a cuatro bandas! Eso también nos gustaría copiarlo.

Ni «zapatillas ni «tontos»: Dani Martín rescata lo más adulto de El Canto del Loco

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Dani Martín ha publicado esta semana sus regrabaciones de El Canto del Loco junto a la inédita y retrospectiva ‘No, no vuelve‘. Ya sabéis, toda una declaración de intenciones. Es llamativo el repertorio de 11 canciones elegido por Dani Martín para la ocasión, pues ya no es que el grupo «no, no vuelva», sino que tampoco lo han hecho algunas de las grabaciones más populares de la banda primigenia.

En el disco ‘No, no vuelve’, Dani Martín no nos habla de «zapatillas» ni se quiere acostar con «la madre de José». Ni te dice a ti ni a sí mismo «eres tonto». La selección es más adulta, sobre cuestiones como la identidad (‘Quiero ser’), el paso del tiempo («Ya nada volverá a ser como antes / nunca dejaré que nada me cambie») y la nostalgia (‘Peter Pan’). Las nuevas producciones son mucho más atemporales, menos adolescentes y están mejor acabadas, sin recurrir tampoco a cuerdas ni a orquestas sinfónicas, que parece la máxima tentación de algunos artistas llegados a cierta edad. ‘Son sueños’ simplemente suena un poquito menos sixties y un poco más rock por un lado y Phoenix, por el otro.

La jugada de Dani Martín revisitando su propio repertorio recuerda un poco a la última de Taylor Swift, pero en su caso no es exhaustiva porque no responde a imperativos editoriales. Estas no son las canciones más populares ni todas las canciones de El Canto del Loco, sino las que al cantante le ha apetecido reinterpretar en este momento de su vida. De manera significativa, casi no se le ve en la portada, sólo sus ojos.

Cuenta Martín en las entrevistas que empezó a jugar con esta idea de largo en el confinamiento, y que ha querido llevar todo al sonido con el que tanto él como sus ex compañeros Chema y David se criaron de pequeños. «Es decir, una cosa más rockera, los Red Hot Chili Peppers, los Strokes, Los Ronaldos, Tom Petty… Quería jugar, salir de lo que radio de hoy pide, no pensar en singles ni en sonidos urbanos ni invitar a nadie. Queríamos hacer un disco sin duetos, que se saliese de los cánones y que fuera un regalo para los fans».

La influencia de los Red Hot se nota mucho por ejemplo en el punteo de la nueva ‘La suerte de mi vida’ (la original era más «punk»), mientras ‘Quiero ser’, escrita con David Otero, presenta una progresión un tanto primeros Coldplay. Está por ver cómo responde el público al desafío de haber revestido estas canciones de pop-rock adulto. Curiosamente, el artista compite por el número 1 en España esta semana con la misma Taylor Swift y su revisión de ‘Red’. El martes conoceremos el nombre del ganador. Por si puede arañar algo en estas últimas horas de la semana, el cantante visita este jueves El Hormiguero.

Christina Aguilera se lanza al nihilismo chic con ‘Somos nada’

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Pa mis muchachas’ no ha sido precisamente un éxito para Christina Aguilera, pese a los tótems de la música latina con que contaba (Becky G, Nicki Nicole, Nathy Peluso), y tras un paso muy fugaz por el top 100 español y la nada en los países anglosajones, hay nuevo single de esta era de la cantante en castellano. Christina Aguilera ha estrenado esta noche baladón de título nihilista, ‘Somos nada’, un tema que pese a su título viene acompañado de tremendo vídeo de corte chic S&M.

Taylor Swift / Red (Taylor’s Version)

Sólo Taylor Swift podía liarla así. Iba completamente en serio cuando, al perder los derechos de sus propias canciones, se lanzó a regrabar sus viejos discos para poder explotarlos a su conveniencia y, después de relanzar ‘Fearless‘, el asunto no ha decaído. Todo lo contrario. La cantante ha conseguido que el relanzamiento de este álbum sea un acontecimiento, que las canciones suenen incluso más frescas y vigentes, que la nueva portada sea incluso más atractiva e icónica que la original y hasta que ‘All Too Well’, que ni siquiera fue de los 7 singles de la edición original, ni era una de las 5 canciones más escuchadas de este disco, se convierta en el nuevo clásico de Taylor Swift, a través de una versión de 10 minutos para la que ha hecho un corto y una actuación televisiva de similar duración. Ni siquiera a Adele me la imagino saliendo tan triunfal de este embrollo.

Corría el verano de 2012 cuando se empezaba a promocionar el disco original. ‘We Are Never Ever Getting Back Together’, con su ritmo entrecortado a lo ‘No Scrubs’ de TLC, representaba el paso de Taylor Swift de un country pop almibarado que le había dado muy poquito en Europa, al Olimpo del Pop. Fue una de las mejores canciones de aquel año, aunque muchos medios no lo detectaran entonces, y venía acompañada de otras pruebas de modernidad, como el dubstep/brostep convertido en meme de ‘I Knew You Were Trouble’ y aquella ’22’ que en su momento recordaba a Kesha. Estas tres eran las producciones de Max Martin y Shellback para una artista que antes jamás habríamos imaginado trabajando con ellos. Estaba evolucionando y madurando.

Swift no ha tocado el alma de las grabaciones originales, pues eso habría sido un error que provocara el mismo rechazo o la misma indiferencia entre el público que aquellas regrabaciones de su repertorio que realizaron hace pocos años Blondie. Sí les ha dado más cuerpo, algo más de sonido directo, ahora que frecuenta compañías más alternativas desde la era ‘folklore‘. Quizá porque han mejorado los equipos de alta fidelidad o los métodos de masterización, o porque han cambiado las modas, ‘State of Grace’ suena incluso más gloriosa, más próxima al Bruce Springsteen maximalista; ‘The Last Time’ con Gary Lightbody, más épica; ‘Stay Stay Stay’, más cuqui; ‘The Lucky One’, más girl group.

Pero ‘Red’, que perdió el Grammy a Álbum del Año contra un disco francés, en uno de los mayores momentos de lucidez que se recuerdan en la tormentosa historia de la Academia, también tenía sus defectos. Y no, no eches la culpa a su amigo Ed Sheeran por ‘Everything Has Changed’, ni por la nueva colaboración de aquella época que han revelado, una suerte de villancico llamado ‘Run’ que Sheeran prefería. En verdad, los dos son igual de ñoños cuando se ponen: ni él es de la escuela de Damien Rice, ni ella de la de Amy Winehouse. El abismo de aceptación crítica que existe entre ambos es un auténtico misterio cuando ‘Red’ patina en momentos tan prescindibles como la sobrecargada ‘The Moment I Knew’, que dice haber escrito en su 21º cumpleaños, el «peor día de su vida» porque su pareja no se presentó (qué envidia de vida, ¿no?); reiterativos como ‘I Almost Do’, que hubiera sido muy mona como cara B de «Never Ever», y también algo tóxicos como ‘Stay Stay Stay’. En esta, ese móvil volando por la habitación se regodea en el mal hacer, como más adelante lo haría el vídeo de ‘Blank Space’. ‘reputation‘ será un disco más poliédrico en su escala de grises del amor al odio. También, más divertido.

La visión del amor y del mundo es aquí unidimensional y adolescente, tan primaria y manida como ese Pablo Neruda al que aludía el libreto original. Cuando Swift explicaba, por ejemplo, que ‘Come Back… Be Here’ trataba sobre «un chico que conoció una vez», o que ‘Begin Again’ iba sobre «una ruptura que todavía le pone triste», uno se preguntaba qué podría tener tal cosa de particular, porque es exactamente lo mismo que nos llevaba contando a lo largo de una veintena de canciones. Hubo muchas especulaciones sobre qué letras versaban sobre John Mayer, Harry Styles o Jake Gyllenhaal. Mientras este trata ahora de evitar salir de nuevo en la prensa rosa 10 años después a raíz de la buena acogida de ‘All Too Well’, Poppy Noor afirma en The Guardian, sin hacer de menos a nadie, que lo más admirable de Adele no es haber adelgazado, sino cantar sobre sus rupturas sin revelar absolutamente nada de sus destinatarios, salvaguardando siempre su intimidad.

En cualquier caso, Taylor Swift suma en este ‘Red (Taylor’s Version)’ una decena de pistas inéditas, y la más interesante la verdad es que no es justo la que no habla de amor conyugal, ‘Ronan’, un single benéfico de 2012 para un niño que murió de cáncer y que en 1 semana ha sumado en su nueva versión más streamings que la original en 9 años. Qué buena noticia para la causa… no tanto para el disco dado su aroma a Céline Dion. Junto a composiciones de la época que donó a Little Big Town (‘Better Man’), a Sugarland (‘Babe’) o que ahora recupera junto a la hypeada Phoebe Bridgers (‘Nothing New’, inspirada en ‘A Case of You’ de Joni Mitchell), destacan tres de estos extras: un popero ‘Message In a Bottle’ que anticipa la explosión comercial de ‘1989’, el nuevo single oficial ‘I Bet You Think About Me‘, que escribió junto a Lori McKenna como broma tabernera y encierra un aire dylaniano bajo la producción de Aaron Dessner; y la letanía de 10 minutos de ‘All Too Well’.

La composición original de ‘All Too Well’ se había convertido en favorita de sus seguidores gracias a las imágenes tan vivas de la nostalgia que contenía, y a su sutil progresión de acordes: «allí estábamos en medio de la noche / bailando en la cocina a la luz de la nevera / estaba ahí, bajando las escaleras, lo recuerdo demasiado bien». Ahora Taylor recupera unos versos desechados que incluyen más detalles sobre aquella ruptura: referencias a la diferencia de edad entre los dos amantes, a una actriz que se interesó por el estado de Taylor (al parecer Jennifer Aniston) y hasta un llavero con la inscripción «que se joda el patriarcado» que arranca una sonrisa. Sobre todo porque hasta 2018 no se implicó políticamente. La versión de 10 minutos no es particularmente mejor, pero sí dignifica y eleva la original a niveles insospechados.

Ojalá todo ‘Red’ fuera o hubiera sido tan evocador como ese minuto final de esta nueva versión, en el que Taylor repite «I was there». ‘Red’ habría sido realmente un disco de 9 sobre 10 si en lugar de 16, 22 o 30 canciones, hubiera contenido estas 12: ‘State of Grace’, ‘Red’, ’Treacherous’, ‘I Knew You Were Trouble’, ’22’, ‘We Are Never Ever Getting Back Together’, ‘Stay Stay Stay’, ‘The Last Time’, ‘The Lucky One’, ’I Bet You Think About Me’, ‘Message In a Bottle’ y para terminar ‘All Too Well’.

Holly Humberstone: «Londres ha tenido un gran impacto en mi salud mental»

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Holly Humberstone es una de esas artistas que han continuado creciendo durante la pandemia y a pesar de la pandemia. Sus cálidas canciones, con ‘Vanilla‘ y ‘Overkill‘ entre las destacadas, trazan un punto de encuentro entre Lorde, Phoebe Bridgers y Maggie Rogers -aunque ella menciona entre sus mayores influencias a Damien Rice- y su mayor éxito, ‘Falling Asleep at the Wheel’, es una composición preciosa y sobresaliente más allá de sus influencias. Pero Holly tiene más cosas que contar en su segundo EP, ‘The Walls Are Way Too Thin’, que acaba de salir. Hablamos con Holly vía Zoom sobre su nuevo proyecto, su trabajo con Matt Healy de 1975 o su amor por Radiohead, a los que ha versionado.

Tu EP acaba de salir. ¿Cómo te sientes?
Estoy muy emocionada de que las canciones estén ya fuera. He esperado mucho tiempo por este momento. Las escribí en un momento de mi vida en el que estaba pasando por muchos cambios y espero que la gente pueda conectar con las canciones y ayudarles como me han ayudado a mí.

¿Lo consideras tu EP de debut o más bien el segundo?
Es el segundo. El primer epé reunía canciones escritas a lo largo de varios años, en las que aún estaba descubriendo quien soy como artista, experimentando… Y en ‘The Walls Are Way Too Thin’ he seguido desarrollando las mismas ideas, lo cual para mí ha sido muy divertido. Es la segunda parte de la misma historia.

El éxito de tus canciones se disparó durante la pandemia. ¿Cómo viviste esta experiencia?
Recuerdo que fue surrealista. No era capaz de entender lo que estaba pasando. Me costó entender el hecho que allí afuera hay gente que realmente escucha mi música porque, hasta ese momento, me enteraba de todo solo mirando el móvil. Me juzgaba a mí misma observando estadísticas, reproducciones en streaming y comentarios de Youtube. En el confinamiento me costó escribir canciones nuevas y, al mismo tiempo, las viejas empezaban a gustar a mucha gente. Fue una época rara.

¿Qué representa el EP para ti? ¿Ha sido terapéutico para ti escribirlo?
Escribí el EP en un momento de muchos cambios en mi vida, como he dicho. Me mudé de casa de mis padres a Londres, no tenía amigos en la ciudad, todo me parecía extraño, vivía en un barrio extraño con gente a la que no conocía de nada. Mi primera relación terminó sin yo quererlo porque no tenía a nadie más en la ciudad. Todo me resultaba alienígena e ir al estudio para escribir estas canciones nuevas me otorgó la estabilidad que me faltaba en mi vida. Y espero que conforten también a las personas que las escuchen.

El disco de hecho tiene un sonido reconfortante, no sé si era la intención…
Quería que las canciones tuvieran ritmos animados y que la producción contrastara con las letras, que son bastante tristes, mórbidas y oscuras. Ese contraste entre producciones edificantes y letras tristes ha sido terapéutico para mí.

¿De qué habla ‘The Walls Are Way Too Thin’? ¿Cuándo la compones?
Escribí esta canción justo antes de la pandemia. Acababa de llegar a Londres, no planifiqué mucho la mudanza -culpa mía por no haberlo hecho- y terminé en un cuchitril compartido con un montón de extraños. No suelo tener estándares a la hora de vivir en un sitio, me da un poco igual donde vivir, pero este sitio era horrible. Probablemente ni siquiera se tendría que poder haber alquilado por el mal estado en el que estaba. Había ratas por todas partes, los colchones estaban hechos un asco, había cristales rotos y colillas en el suelo… Imagínate cómo me sentó estar lejos de casa y vivir en un sitio así tan poco hogareño, yo que precisamente me considero una persona hogareña a la que le gusta tener a su familia cerca… Me acababa de mudar y ya la echaba de menos… En Londres me sentía como un pez pequeño dentro de un gran océano.

«En Londres me he sentido muy desconectada y sola»

Tu estancia en Londres influyó mucho en tu nuevo EP…
A raíz de vivir en ese piso me convertí en una persona muy introvertida. Solo salía de casa para ir al estudio y escribir sobre lo que me estaba pasando. De vez en cuando quedaba con mis amigos, cogía el tren y cuando volvía a casa me ponía triste otra vez. ‘The Walls Are Way Too Thin’ habla sobre los momentos en que me encierro en mi diminuto cuarto a escuchar todo el caos que sucede fuera. El EP se titula ‘The Walls Are Way Too Thin’ también porque representa el estado de ánimo en el que me encontraba en ese momento. Era una época en la que me sentía muy desconectada y sola.

El primer EP lo escribí en la casa donde me crié, las canciones contaban historias que habían sucedido en ese lugar, incluso algunos vídeos se grabaron en esa misma casa. Por el contrario, el segundo se basa en mi estancia en Londres, una ciudad que ha tenido un gran impacto en mi salud mental y en mi trabajo como compositora. Las canciones evocan una sensación de estar perdida, que es como me sentía entonces. Ir al estudio a escribirlas me ayudó a reencontrarme conmigo misma.

Entiendo que ya no estudias en Liverpool.
No, ya no estudio en Liverpool. Viví en Liverpool durante un año universitario y no me gustó, vivía sola, nada me sonaba y no tenía amigos. Fue una situación similar a la de Londres. Al año dejé la universidad y me fui a vivir a Londres porque ya viajaba allí a menudo para escribir.

Matt Healy de The 1975 ha colaborado en ‘Please Don’t Leave Just Yet’. ¿Qué destacas de trabajar con él?
Matt es tan «cool» en persona como te imaginas. Para mí escribir es un asunto muy personal, en general creo que cualquier artista necesita confiar en la persona con la que colabora, y Matt creó un ambiente maravilloso en el estudio para que fuera así. A mí me cuesta abrirme con personas a las que acabo de conocer y lidio con bastantes inseguridades, y él me hizo sentir muy segura en todo momento. El día que escribimos la canción salí del estudio muy contenta gracias a él. Además, tiene mucho talento y creo que, sin darme cuenta, su música me ha influido mucho.

Has versionado ‘Fake Plastic Trees’ de Radiohead. ¿Es una de tus bandas favoritas? ¿Cuál es tu disco favorito?
Radiohead es una de mis bandas favoritas, me encanta toda su discografía, no puedo decidir cuál es mi disco favorito. De pequeña los escuchaba sin parar en casa porque mis padres tienen un gusto musical increíble y, en concreto, mi padre los ponía todo el rato. ‘Fake Plastic Trees’ es una de sus canciones favoritas, la tengo machacada de tanto que la he escuchado. No sé de qué va la letra pero me encanta de todas formas.

Después de versionar ‘Fake Plastic Trees’ me enteré de que Radiohead odian que otros artistas versionen sus canciones.

¿Sí? ¿No era un rumor?
Quizá era un rumor pero me da igual si es cierto, yo les seguiré versionando.

¿Qué opinas del éxito de ‘Falling Asleep at the Wheel’? ¿Te planteas meterla en tu futuro debut?
No estoy segura si la meteré en el disco. Me aburro de mis canciones muy rápidamente, y esa en concreto lleva ya muchos años fuera, ni siquiera la considero mía ya. Y siento que he cambiado mucho desde que la escribí. Es una canción muy importante para mí, la amo, pero creo que no me representa tanto como antes.

Amaia y Rojuu anuncian single conjunto, ‘Quiero pero no’

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Amaia ha confirmado que su nuevo single ‘Quiero pero no’ sale el próximo miércoles 24 de noviembre. La navarra había anunciado que su nuevo tema vendría acompañado de una colaboración, y hoy ha desvelado que la persona invitada en ‘Quiero pero no’ es Rojuu. El autor de ‘Un paseo más‘ da «un paso más» en la dirección de las estrellas con esta colaboración.

‘Quiero pero no’ será el segundo single que sale en la nueva etapa profesional de Amaia. El primero fue ‘Yo invito‘, un tema de desamor dramático pero también agradecido que se le filtró antes de tiempo y que ha alcanzado el número 57 en la lista de singles.

Amaia lleva tiempo ya trabajando en su nuevo álbum, el sucesor de ‘Pero no pasa nada’, pero la información acerca de este trabajo es escasa. Curiosamente, Amaia llegó a afirmar que ‘El encuentro’, su colaboración con Alizzz, ejercería de «punto de partida» para su nuevo disco, pero el sonido de ‘Yo invito’ viene de un planeta diferente.

Por su parte, Rojuu continúa sumando buenas noticias tras la buena aceptación de ‘Tofu Delivery’, su tema ravero con Orslok, que está a punto de alcanzar el millón y medio de escuchas en Spotify, y tras el lanzamiento de sus «grandes éxitos». Tras su fichaje por Sonido Muchacho y su anunciada colaboración con Amaia, las cosas van viento en popa para el artista de emo-trap e indie-pop aficionado al anime que se diera a conocer hace unos años con temas como ‘Nintendo’ o ‘Ikari’. Dos mundos «emo», ahora unidos.

10 joyas que descubrir en Alhambra Monkey Week 2021

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Hoy se inaugura Alhambra Monkey Week 2021 con un concierto homenaje a esa obra maestra llamada ‘Mediterráneo’ de Joan Manuel Serrat, en el que tocarán Los Estanques acompañados de músicos como Anni B Sweet, Maria Rodés y Carlangas, entre otros.

El cartel se conforma de decenas de artistas entre los que ya destacamos a Black Lips, Kokoshca, Mujeres, Adiós Amores, etcétera. También actuarán habituales de nuestras páginas como Cabiria, Chaqueta de Chándal, shego, Hnos Munoz, Las Dianas, Morreo, ORTIGA, Ruiseñora, Diamante Negro, LUNA KI, Rothrigo, Tarta Relena, y un largo etcétera. En este artículo sumamos 10 recomendaciones más. Los horarios de Alhambra Monkey Week están disponibles aquí.

Paco Moreno
Paco Moreno será el encargado de cerrar hoy, en la noche del jueves al viernes, a eso de la 1 de la madrugada, el Auditorio Alhambra. Lo cual tiene sentido, pues a pesar del carácter tristón de algunas de sus grabaciones, como ‘Desabrazarme de ti’, su sentido de la rumba en ‘Rumba deluxe’ y ‘Rumba o nada’ es más bien festivo. Se van los pies con canciones de su repertorio como ‘Eterno balanseo’ o ‘cashconverters’. Atención con el que puede ser el nuevo Kiko Veneno.

La Paloma
Podríamos decir que sólo 3 canciones han bastado a los madrileños La Paloma para ser considerados «the next big thing», pero en realidad bastó una para ponerlos en el mapa. ‘Ya está’, ‘Siempre así’ y ahora mismo ‘Bravo Murillo’ han logrado que el grupo haya ido ganando adeptos desde el barrio de Tetuán, gracias a su sonido garajero y noise. Se les describe hablando de «la efervescencia de unos Hüsker Dü de los años de Instagram».

Nadie Patín
Desde Jerez, el dúo formado por Selu y Gome, aparte de amar el skate como se muestra en las fotos promocionales, también tiene el power pop en un altar. Sus canciones pueden tener referentes como Airbag o Sugar, sin renunciar a la cercanía de Los Planetas, Triángulo de Amor Bizarro, y los sucesores de ambos. El grupo debutaba con ‘El Boquete EP’, dándole continuación con ‘Siete Láminas EP’, otras cuatro canciones producidas por Paco Loco, entre las que ha funcionado especialmente bien ‘Pedregalejo’.

Ravages
Ravages es el dúo formado por Simon Beaudoux y Martin Chourrout, conocidos en España como miembros de la banda Exsonvaldes. Cuando presentaron su versión de ‘Vamos a la playa’, lo hicieron en forma de chiste: dos franceses haciendo una versión de dos italianos (Righeira) cantando en español, y con un guiño a unos alemanes. Estos eran Kraftwerk porque son sintéticas las texturas que manejan en su discografía, con referentes como OMD y New Order y también la chanson. ‘Métamorphoses’ es una de sus canciones más populares, extraídas del EP que han publicado este año, llamado ‘Jusqu’au large’.

Sofia
Siguiendo con la era sintética de Kraftwerk -o en España Aviador Dro-, la mallorquina Sofia, que se ha lanzado en solitario después de haber participado en otros proyectos colectivos. Este año ha publicado el EP ‘El ayre del almena’, además de 2 sencillos con tanta pegada como ‘El cielo blanco’ y ‘Decir adiós’, que van a encantar a seguidores de Elefant en general, y La Monja Enana en particular.

Grande Amore
El gallego Grande Amore está entre los talentos más particulares de nuestro país, gracias a un timbre de voz que te hace dudar si estás ante un cantante o ante un rapero, y unas bases que pululan con gracejo entre el kraut, el post punk y el electropunk. Sleaford Mods podrían estar entre las referencias de pequeños hits como ‘Esta pena que a veces teño’, mientras ‘Vamos enchernos’ es más bien un hit electro ochentero y lo de ‘Nunomanía’ con Mundo Prestigio -también en la Monkey Week- es más hip hop.

Cosmic Wacho
La cumbia estará representada por esta formación residente en Andalucía pero «con conexión argentina», que ha despuntado en grabaciones como ‘Ninfa de la villa’. De momento solo cuentan con 5 canciones subidas a las plataformas de streaming, si bien ya anuncian que su puesta de largo estará lista en 2022. ‘Cuando tú te vas’ podría interesar a los seguidores de Joe Crepúsculo, mientras en ‘Sirena’ se entregan a Jamaica.

Juárez
Desde Pamplona, los miembros de Juárez han pasado por otras formaciones como Los Culebras o Reina Republicana. ‘Entre palmeras’ ha sido su cuarto álbum en estos últimos tiempos, capitaneado por ‘Champagne francés’ y ‘El sol en movimiento’. Estos meses os hemos presentado en SESIÓN DE CONTROL sus últimos sencillos, ‘Duerme entre tú y yo’ y el tarareable ‘Tan lejos de casa’. Avanzan ‘Luna menguante’, que llegará ya en enero.

La Chica
Sophie Fustec hace uso de su origen francovenezolano en un proyecto de electrónica lleno de sensualidad y sugerencia que tan pronto juega con el pop de cámara como con la electrónica de una Juana Molina o Le Parody. Como muestra del mundo abierto a otras culturas que se está descubriendo en los últimos años, pese al uso del castellano en pequeños hits como ‘Oasis’ o ‘Agua’, sus seguidores están principalmente en París, donde reside.

Leftee
Conocido sobre todo por acompañar a LUNA KI en el hit ‘Rivotril’, Leftee es un cantante, compositor y productor valenciano que cuenta con carrera propia. Ha pasado por proyectos de rock’n’roll, y últimamente por el colectivo Toxic Pop, publicando discos como ‘Al fondo del bar’ y hits de dance 90’s como ‘Nuremberg’, este último junto a Nach000. Las colaboraciones con Valverdina y C. Marí, pululando entre lo antes conocido indie y lo antes conocido como trap, nos indican que su carrera podría ir en direcciones bien diferentes.

Summer Walker, la exempleada del hogar que lo peta en USA

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La historia de Summer Walker es de esas que se prestan a ser romantizadas en la prensa aunque, a decir verdad, no tiene tanta miga como parece. Antes de prosperar como cantante de R&B en una industria tan competitiva como la musical, la artista de Atlanta se ganaba el pan trabajando como bailarina en un club de stripease y también como empleada del hogar. Summer, como buena americana que debe tener su propio negocio, prestaba sus servicios de limpieza a través de su empresa Summer So Clean, la cual promocionaba a través de Instagram en una cuenta que sigue abierta y que hoy parece el fantasma de otra vida.

Hace unos años, Summer se dedicaba a hacer música como afición, subía versiones a Youtube de vez en cuando, y un día fue descubierta por un sello, que publicó su «mixtape» de debut, ‘Last Day of Summer’. Al año siguiente, el perfil de Summer había crecido tanto que su single ‘Playing Games’ con Bryson Tyller lo petó en streaming y su debut oficial ‘Over It’ alcanzó el número 2 de la lista de álbumes estadounidense a su salida. Su secuela, ‘Still Over It’, acaba de salir y le ha dado su primer número 1 de álbumes en el Billboard con la compañía de artistas invitadas como Cardi B, Ciara o Pharrell Williams. La industria ha apostado muy fuerte por Summer Walker y la jugada le está saliendo redonda.

Musicalmente, Summer practica un R&B ralentizado similar al de artistas como Kehlani, Teyana Taylor o SZA, esa artista cuya carrera actual se basa en sacar colaboraciones porque su segundo disco ya es más un mito que otra cosa. Solana es precisamente la artista invitada en ‘No Love’, que está siendo el mayor hit de ‘Still Over It’ y hoy es la Canción Del Día.

‘No Love’ es otra de esas composiciones de R&B downtempo en las que se especializa Summer, en su caso con el añadido de un bajo que dibuja la melodía. Su voz y la de SZA son prácticamente indistinguibles, pero el mensaje de la canción queda muy claro: ambas se dirigen a sus respectivos ex para comunicarles que, de volver con ellos, solo buscarían sexo.

«Si te tuviera de vuelta solo querría follar, emborracharme y tomar drogas», canta Summer al principio de la canción, segura de sí misma. «Sería todo lujuria, no habría nada de amor». Más mordaz, SZA que «si lo volviera a hacer todo otra vez, daría un 10% (en la relación), y tú te mereces la mitad de eso», antes de pedirle que «me devuelvas el dinero».

Britney le tira la caña a Oprah, Kanye y Drake se reconcilian, Chenoa mira al pasado…

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Compartimos una nueva edición de nuestra sección «10 fotos que» con algunas de las fotos que más nos han divertido o sorprendido en redes sociales.

Britney le tira la caña a Oprah: En vídeo, Britney habla abiertamente sobre su vida bajo la tutela de su familia y agradece a sus fans por haber «prácticamente salvado mi vida». La artista incluso alude a una posible charla con Oprah en la que «dejar las cosas claras» de una vez por todas.

Kanye West y Drake aplastan el «beef»: Tras años dedicándose varias rimas para humillarse el uno al otro -las más recientes aparecen en ‘Donda’ y ‘Certified Lover Boy’- Kanye y Dizzy se han reconciliado. Y han confirmado su amistad en esta imagen en la que también aparece J Prince.

La última cena: Ya nadie se acuerda del «squad» de Taylor Swift, ahora el que mola es el grupito de amigues de Arca, Caroline Polachek, Sega Bodega y compañía. La autora de ‘Pang’, cual Jesucristo, preside una mesa por la que también asoman las cabecitas de Danny L. Harle, Mura Masa o yeule.

La pesadilla de Mariah tiene la cara de Ed Sheeran y Elton John. Ambos se han juntado para escribir un villancico que anunciarán próximamente, y con el que podrían comerse una porción del pastel navideño que acapara cada año ‘All I Want for Christmas is You’. Ed ya se ha puesto el disfraz de Mariah para calentar motores.

Santi Balmes prueba suerte en Las Vegas: Hoy jueves se celebra una nueva gala de los Latin GRAMMYs y Love of Lesbian ya están en Las Vegas. Están nominados en tres categorías, pero con mejor suerte puede que lo que se lleven a casa no sea un premio sino un montón de pasta. Solo falta que a Santi Balmes le salga bien lo de sentarse delante del tragaperras.

Hablando de los Latin GRAMMYs, he aquí el encuentro de Nathy Peluso y Christina Aguilera en Las Vegas en el que la «muchacha» parece la segunda. Ambas cantarán juntas ‘Pa Mis Muchachas’ con Becky G y Nicki Nicole: será el debut en vivo de la canción.

Katy vuelve al negro: «Creo que ha llegado el momento de darles todo lo que quieren». Para Katy esta frase significa teñirse de negro y volver a los tiempos de ‘I Kissed a Girl’ y todo ‘Teenage Dream’, cuando se la conocía por su cabello negro tipo pin-up. Si ‘Harleys in Hawaii‘ ha vuelto, ¿por qué no iba a hacerlo la Katy original?

Adele y Lorena Álvarez, cara a cara: El destino ha querido que coincidan en el tiempo los lanzamientos de ’30’ de Adele y del nuevo EP de Lorena Álvarez. Solo una de ellas tiene un cartel en la estación Príncipe Pío de Madrid y no es Lorena, aunque lo merezca igual. Aquí, británica y asturiana «enfrentadas».

«Nada es igual» para Chenoa: Aunque parezca mentira ya han pasado 16 años desde que escuchamos a Chenoa cantar una de las mejores rimas de la historia del pop español, «me levanto muy temprano con café en mi mano». La cantante ha querido celebrar también el aniversario de su disco ‘Nada es igual’ con una recreación actual. ¿Qué es el tiempo?

El TikTok de Hilary Duff: La magia de TikTok es que una persona anónima se grabe bailando la increíble coreografía de ‘With Love’ de Hilary Duff, esta se viralice y la propia Hilary la termine recreando en su casa. Esto sí es reírse de una misma. Por cierto, ‘Cómo conocí a vuestro padre’ ya tiene fecha de estreno: el 18 de enero.

Shawn Mendes y Camila Cabello se separan

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Shawn Mendes y Camila Cabello han anunciado su separación. En un comunicado firmado por ambos expresan que «hemos tomado la decisión de dar por concluida nuestra relación sentimental» pero que «el amor que sentimos el uno por el otro como seres humanos es más fuerte que nunca». Añaden que «empezamos nuestra relación como mejores amigos y continuaremos siendo mejores amigos» y «que apreciamos el apoyo que nos habéis brindado desde el principio y también a partir de ahora».

La relación de Shawn y Camila ha sido objeto de admiración y mofa casi a partes iguales. Ambos empezaron a salir en 2019, tras el rodaje del videoclip de ‘Señorita’, y su relación ha inspirado las letras de muchas de sus nuevas canciones, las incluidas en el último disco de ella, ‘Romance‘, y en el último disco de él, ‘Wonder‘.

‘Señorita’ fue uno de los mayores éxitos comerciales de 2019, en concreto el tercero de todo el año, un hit verdaderamente monstruoso que está a punto de alcanzar las 2 mil millones de escuchas solo en Spotify. Sin embargo, no era el primer single compartido por «Shawnmila»: ambos ya habían aparecido juntos en el éxito de Shawn de 2017 ‘I Know What You Did Last Summer’.

M.I.A. lo apuesta todo al sample de ‘Radio Babylon’ en su nuevo «single»

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M.I.A. continúa por el camino de lanzar nueva música a través de su página web O H M N I. Después de ‘OHMNI 202091’ y de ese ‘CTRL’ que parecía su gran single de «comeback» pero al final no lo era, es posible escuchar desde ya ‘Babylon’, otro hit potencial que se queda a medio gas… a pesar de que el sample usado en la grabación no puede ser más acertado.

De la misma manera que ‘Bring the Noize’ usaba una base de Marble Players, y se podrían poner otros ejemplos, ‘Babylon’ es prácticamente una adaptación de ‘Radio Babylon’, aquel pepinazo de breakbeat industrial de Meat Beat Manifesto que tanto se bailó en las discotecas underground de Reino Unido allá por 1990. Una auténtica psicosis de percusiones amenazantes de jungle, gritos que suenan como látigos y coros fantasmales sampleados de ‘River of Babylon’ de Boney M que dio lugar a una de las producciones dance más fascinantes de la época y probablemente también de la historia.

En este nuevo «single» que no es tal, M.I.A. se apropia de ‘Radio Babylon’ y le agrega una capa «dub» para volcar sobre la base sus habituales reflexiones sobre el mundo. Su fraseo recuerda al del reggae, por lo que le queda un tema político en varios sentidos que además recuerda al sonido salvaje de ‘Born Free’ y de su gran tercer disco, /\/\ /\ Y /\. En él, Maya Arulpragasam se dirige a los «billonarios» que se construyen «bunkers» probablemente para salvarse de esa «guerra» mencionada también en la letra, y acaricia su lado conspiranoico cuando llama «tontos» a quienes la escuchan por creer que «todo en este mundo pasa sin ningún motivo».

En medio de la «broma» acerca del título de su nuevo disco, que llevaría por título ‘MATA’ en referencia al nuevo nombre de la empresa de Facebook, Meta, porque «mata» significa «madre» en sánscrito, M.I.A. ha puesto ‘Babylon’ a la venta en formato NFT junto con su mixtape de 2010 ‘Vicki Leekx’… y quizá si fuera un single de «comeback» de verdad lo habría publicado de otra manera. Es imposible equivocarse cuando tienes en tus manos la base de ‘Radio Babylon’ pero M.I.A. termina tan completamente perdida en la producción que su mensaje pasa a un segundo plano.

Colectivo Da Silva / Casa Vargas

Colectivo Da Silva han sido uno de los grupos más refrescantes de los últimos tiempos, una revelación hace tiempo gracias a la viralidad de canciones como ‘Bolitas’. Su primer álbum se llamó en 2019 ‘Vacaciones’, el gran hit del mismo recibía el nombre de ‘Marina d’Or’, otro de sus pequeños éxitos fue después ‘Amor de verano’ y las canciones de este segundo álbum que publica Subterfuge se grabaron también en verano. El de 2020. Suponemos que porque los caminos de la pandemia -y los de la industria musical– son inescrutables, es ahora cuando ‘Casa Vargas’ ve la luz, justo cuando nos adentramos en el más cerrado invierno.

Paradójicamente, la secuencia de acordes disco-funky, la fantasía y besos de ‘Invítame a tu casa’ invita a ponerse el bañador nada más comenzar el álbum. Tanto como algunos de los singles previos que de hecho hemos venido conociendo durante meses pasados: ‘After’ llegaba en junio presentada como una canción de resaca emocional, en contraste con un alegre estribillo con el poder revitalizador de los Phoenix más pop. En julio era el turno del que es de momento el gran hit del álbum, ‘Nos vemos luego’, alimentado por una atractiva percusión y un atractivo «featuring» de dani. Y después hubo promoción también para la pizpireta ‘Tú me pones nervioso’, escrita por su colega Chico Blanco -con quien ya habían colaborado en ‘Alas para volar’- y recientemente ‘Que Dios bendiga el reguetón’, una grabación no tan reggaetón que el productor Aaron Rux (también habitual de la misma dani) mantiene a medio camino entre los ritmos latinos y el color tropicalillo que ya identificamos con Colectivo Da Silva.

Esa variedad tan propia de los artistas de hoy -desde Cupido a Novedades Carminha, que parecen inspiración y referencia consciente o inconsciente- se manifiesta en otros puntos de ‘Casa Vargas’ como ‘¿Conoces a mi mamá?’, una canción cuya estrofa es muy Ellos (circa ‘Hasta el final’) y cuyas armonías en el estribillo apuntan más bien a La Casa Azul o Los Brincos. O ‘Lloraré por ti’, que trata de exprimir a su manera la influencia andaluza que les corresponde como naturales de Granada, sin que el asunto llegue a explotar del todo. El álbum se atreve a terminar con un bolero llamado ‘Motivos’, una improbable recuperación de Luis Miguel como prueba de que los artistas ya jamás se dejarán limitar por tonterías ni prejuicios. La sonrisa Profidén del cantante mexicano daba miedo en su perfección; la composición de Italo Pizzolante, ninguno.

Colectivo Da Silva presentan ‘Casa Vargas’ el día 25 de noviembre en El Sol (Madrid) como parte del ciclo Vibra Mahou.

Basia Bulat le da una nueva dimensión a ‘The Garden’ con Owen Pallett

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Basia Bulat ha anunciado su nuevo álbum ‘The Garden’, que verá la luz el próximo 25 de febrero en la plataformas digitales y un mes después, el 25 de marzo se publicará en formato físico.

En ‘The Garden’ reinterpreta 16 canciones de sus cinco discos anteriores acompañadas esta vez con el cuarteto de cuerda por Owen Pallett, Paul Frith y Zou Zou Robidoux, y producidas por ella y por Mark Lawson (Arcade Fire, Beirut). El primer adelanto de este nuevo disco es ‘The Garden (The Garden Version), que con los nuevos arreglos adquiere otra dimensión y más profundidad.

Y es que la perspectiva de la canadiense cuando escribió ‘The Garden’ en 2016, es muy diferente a la actual. En aquel año se encontraba en “en estado mental distorsionado y la canción me tomó de la mano y me calmó”. El año pasado fue un tiempo que le sirvió para ir despacio, vivir el presente y mirar hacia el futuro. “Los jardines evolucionan y cambian y siempre están creciendo. En mi jardín, las plantas vuelven, algunas podadas, otras demasiado crecidas, pero nunca son exactamente iguales que el año anterior”, explica.

Aunque en ‘The Garden’ se incluyan canciones de trabajos anteriores, los significados de estas han cambiado desde que Basia las compuso originalmente. «Ahora canto las canciones de manera diferente. La distancia enseña y revela, es el regalo del tiempo», confiesa.

EllESmusic reúne a artistas de género femenino y/o no binario

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El ciclo EllESmusic es la iniciativa impulsada por Houston Party y Digitalfems para visibilizar a través de propuestas musicales la brecha de género en el ámbito tecnológico. Nace como un proyecto cultural, social y musical cuya intención es impulsar un encuentro entre el mundo de la música, la tecnología y el género. Su misión principal es la de fomentar la visibilidad artistas de género femenino y/o no binario, de alta calidad artística y novedosos que sepan transmitir un avance hacia “un nuevo mundo en el que lo natural sea la integración del rol de la mujer y cualquier género.”

Esta iniciativa es fruto de la unión de la promotora de conciertos Houston Party y Digitalfems, una ONG de Barcelona que lucha por la presencia de más mujeres y personas de género no binario en los entornos digitales y/o tecnológicos, con vistas a enterrar los estereotipos de género y a diseñar tecnología más diversa.

Hoy han anunciado el show ‘MUÑEKITAS’, que presenta a Rakky Ripper, LVL1 y Cerescente el día 25 de marzo en Barcelona. Su reunión pretende «inaugurar la fiesta que España no tiene pero necesita con urgencia.»

Esta confirmación se une a los conciertos de EllESmusic previstos para los próximos meses: en diciembre se presentará Jimena Amarillo (en Barcelona), en enero y febrero Joana Serrat (en Valencia, Zaragoza, Madrid y Barcelona), en febrero Joan As Police Woman (en Barcelona, Valencia, Zaragoza y una ciudad gallega aún por anunciar) y en mayo Lido Pimienta (en Barcelona).Puedes comprar las entradas aquí.



Cuando Taylor Swift sonó demasiado pop para ‘Red’… y se adelantó al sonido ‘1989’

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Allá por 2011 o 2012, Taylor Swift metió un temazo pop dentro de una botella y lo soltó en el mar. 9 años después ha vuelto a sus manos gracias a la reedición de ‘Red‘, su segundo disco regrabado, y lo ha sacado de la botella para que todo el mundo pueda escucharlo.

‘Message in a Bottle’ es uno de los cortes antes inéditos de la etapa de ‘Red’ que Taylor ha incluido en ‘Red (Taylor’s Version)’. Un tema que está condenado a pasar desapercibido pues aparece en el número 25 de la secuencia… o no, pues al fin y al cabo sus autores no son otros que Max Martin y Shellback, además de la propia Taylor, y no hay que olvidar que ‘Red (Taylor’s Version)’ está siendo un gran éxito. ¿»Bop» al canto? En este caso sí.

‘Red’ fue el álbum en el que Taylor Swift dio sus primeros pasos hacia la música pop sin abandonar las raíces country de las que provenía. ‘We Are Never Getting Back Together‘, el single principal, fusionaba la fórmula pop infalible de Max Martin con las guitarras y los «yeehaw» de la música de raíz americana, y ‘I Knew You Were Trouble’ coqueteaba con lo que entonces se conocía como dubstep. Pero ‘Message in a Bottle’ era el tema más pop de todos, tanto que se adelantó al sonido de ‘1989‘ y terminó relegado a la recámara de temas inéditos de Taylor probablemente por todas estas razones.

Al escuchar ‘Red’ se hace evidente la razón por la que ‘Message in a Bottle’ no pasó el corte: de los temas pop incluidos en la edición original del disco, de los que no había tantos, quizá no es el más potente de todos. Sin embargo, ‘Message in a Bottle’ adelanta ya el sonido de ‘We Are Never Getting Back Together’ debido a su mezcla de dance-pop a la Katy Perry y guitarras acústicas, y lo hace literalmente porque ‘Message in a Bottle’ fue de hecho el primer tema que Taylor escribió junto a Max Martin y Shellback.

Escuchado hoy con oídos nuevos, ‘Message in a Bottle’ suena como un single perdido: no puede ser más adictivo su estribillo cuando potencia el sonido de las guitarras, y melódicamente casi pide un verso con Carly Rae Jepsen. Puede que no sea tan dinámico ni auténticamente Taylor como «We Are Never», aunque su letra sobre decirle a un chico que te gusta a través de un mensaje secreto enviado en una botella sí lo es, pero por lo menos ‘Message in a Bottle’ sí se puede considerar otra composición estupenda asociada a Max Martin y compañía.

Rosalía habla sobre su «innovador» nuevo disco, sus influencias o su tema ‘Delirio de grandeza’

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Rosalía es portada de la edición en español «inaugural» de Rolling Stone, revista a la que por supuesto concede una entrevista acerca de su nuevo disco, ‘MOTOMAMI’, que sale el año que viene. Rolling Stone lo describe como un disco conceptual «lleno de disonancias, sintetizadores y órganos saturados», un trabajo «innovador y vanguardista que captura las raíces y capacidades técnicas de Rosalía».

La revista compara el «grado de experimentación lírica, rítmica y sonora» de ‘MOTOMAMI’ con el de discos experimentales clásicos como ‘Ill Communication’ de los Beastie Boys o ‘Play’ de Moby y relaciona su sonido tanto con ‘Pure Heroine’ de Lorde en su faceta más cálida, como con ‘The Downward Spiral’ de Nine Inch Nails en la más industrial. En especial destaca la «deconstrucción» que el disco hace de las estructuras y los ritmos convencionales y el experimental trabajo de producción que se ha aplicado a su voz.

Según Rolling Stone, en el álbum conviven géneros musicales como el «dembow, la champeta, el flamenco, la bachata, el hip-hop o las melodías de piano». La propia Rosalía cita entre sus influencias a «Héctor Lavoe, Nina Simone, Patti Smith, Bach, el dembow, la bachata clásica y mucho reggaetón», así como a las personalidades de la moda Viviene Westwood y Michèle Lamy o las películas de Pedro Almodóvar y Andrei Tarkovski. Algunas de las colaboradoras que participan en el disco son Tokischa, la también dominicana Rita Indiana o la violinista estadounidense Caroline Shaw, que ha colaborado con Kanye West, lo que da a entender que ‘Linda’ forma parte del tracklist.

Durante la entrevista, Rosalía señala que no ha querido repetir el trabajo de ‘El mal querer’ porque ha buscado «usar códigos nuevos». Ha empezado «desde cero» con un disco que «está lejos de ser expresamente tradicional» y en el que también percibe «cierto sentido del humor». Lo considera un «retrato» de sí misma, según la revista, a tal punto que «rompe a llorar» cuando termina de escucharlo junto al periodista. En uno de los temas inéditos, ‘Delirio de grandeza’, habla sobre la fama «porque quiero que todo lo que me rodea impacte mi música y mi sonido».

En materia de feminismo, Rosalía contesta a la pregunta de Rolling Stone que ‘MOTOMAMI’ es el retrato de «una figura femenina que se construye a sí misma» pero que no considera que el feminismo sea una parte explícita del disco, sino que más bien lo es de manera implícita.

Sesión de Control: Pantocrator, Gigi Ros, Dellafuente, Estrella Fugaz, Leiva con Zahara…

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Renovamos «Sesión de Control», la playlist que recopila las últimas novedades del pop español, comenzando con ‘Polígrafo’, el tema que presenta hoy el que será el primer largo de nuestros queridos Pantocrator. Entre las novedades más calentitas, destacamos la adaptación al castellano que Axolotes Mexicanos han hecho con Ciberchico de una banda sonora de anime realizada por Kana Hanazawa; el tema de Estrella Fugaz con la últimamente omnipresente Valdivia, que además tiene nuevo tema propio; y la versión de la sevillana Zeddira del icónico ‘Muchacho de los ojos tristes’ de Jeanette.

Continuamos con el recuerdo al Donosti Pop de los en verdad catalanes Eterna Joventut, solo que ahora a través de un tema nuevo llamado ‘Una luz brillante’, el cuarto adelanto de su debut. Los curiosos homenajes de XX Aniversario de Mushroom Pillow continúan con nada menos que Triángulo de Amor Bizarro versionando La Buena Vida. Igualmente hay temas nuevos de habituales del site como Leiva con Zahara, La Habitación Roja, DORA, Chavales y Fresquito y Mango.

Entre quienes aún solo cuentan con una o dos canciones en plataformas de momento, Gigi Ros, influida por James Blake y Maria Arnal; Niños Luchando, el nuevo proyecto de Javier Bolívar (Aurora); REAL (Cascales DJ) y Shangai Baby, que no es otra cosa que el proyecto de Ade de Hinds. Ysa Bermejo, que publicaba minidisco el año pasado, se sumerge en el R&B y el folclore nacional en ‘La chica de’. En otro estilo completamente diferente pero también folclórico los extremeños Fônal, que experimentan con la electrónica en ‘Martilandrán’; y Canestéreo, pura psicodelia andaluza.

Dos pesos pesados del underground nacional se unen en un tema llamado ‘Guts & Griffith’. Se trata de Sticky M.A., del entorno de C. Tangana, y Rojuu, en claro ascenso durante los últimos años y tras recopilar sus hits en un disco llamado ‘Grandes hits (antes de los 18)‘. Además, Rojuu también presenta trallazo con Steve Lean, no tan lejano a la filosofía PC Music. Por su parte, Dellafuente afirma en la presentación de sus últimos singles que «ya no está buscando listas, ni un hit para las discotecas, ni la mejor foto para mostrarse en las redes, Dellafuente vivió eso hace tiempo y comprendió que ese no era ni su camino, ni el tipo de vida que le iba a llenar de alegría, por eso ahora está profundizando muy adentro de la música y la letra».

Ya está en la calle el disco del trío madrileño neo-bakala VVV [Trippin’you], con un poso de post-punk (produce Diego Escriche de La Plata) y algún resto de drum&bass en este largo que acaban de sacar. Lo acaban de presentar en MIRA y han colado un tema anterior en la banda sonora de ‘Cardo‘. Chico Blanco tiene EP con Soto Asa llamado ‘Blanco y nueve mix’, con 4 canciones.

Adelantan trabajos Magia Bruta, el nuevo proyecto de Isabel Fernández (Aries, Charades) con María Romero, que sacarán disco en 2022; Bronquio, que ha grabado otro junto a 41V1L (Livia) -el primer adelanto es ‘Fui a comprar a la cárcel’, uno de esos temas que al principio generan cierta indiferencia, pero en el que terminas sumergido de lleno-; y Vera Fauna, que estrenan la que consideran su primera canción de amor, ‘Voy temblando’, dedicada a sus barrios en Sevilla.

Completamos la playlist con Blanco Palamera, que ponen el punto funky con ‘No juega’; Valverdina de Cariño, que estrena otra de sus múltiples colaboraciones, ahora con Pavlo Tambien; y esa moda de pop-rock pasada por Autotune tipo Pignoise, a cargo por un lado de Aren con Kike con más y por otro el exitoso dani sabater con Marmi (el de ‘Tu foto del DNI’).


’30’ es un disco diferente de Adele… ¿en el camino correcto?

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Este lunes La 2 repuso ‘Cantando bajo la lluvia’ continuando con su ciclo semanal de clásicos. Ver la escena en la que Gene Kelly levita después de bailar continúa hipnotizando hoy como seguramente lo hacía a principios de los años 50. ’30’, el cuarto álbum de Adele y el más esperado del último lustro en todo el mundo tras las ventas descomunales de ‘21‘ y ‘25‘, termina más o menos así de arriba.

Esa última pista, ‘Love Is a Game’, con ecos de musical de Broadway, quiere terminar gloriosa tras haber comenzado más discreta, entre reminiscencias a Frank Sinatra y ‘Can’t Take My Eyes Off You’. Después, el optimismo se va construyendo gracias a los arreglos y a unos coros girl group casi burlescos, que contribuyen a que Adele vaya imponiendo un buen sabor de boca final, un punto positivo. Largo será el camino hasta ese momento del disco, en cambio. El álbum había empezado con Adele llevando flores al “cementerio de su corazón”, literalmente, en el tema ’Strangers by Nature’.

’30’, que no se quiere reducir a ser un álbum post-divorcio, se presenta con la balada ‘Easy On Me’, el single más evidente, y uno de los pocos temas a piano que recuerdan al trabajo del gran referente de Adele, Carole King. ‘I Drink Wine’ -con su góspel y su aire a ‘A Whiter Shade of Pale’- y ‘Hold On’ -con su estructura in crescendo- son los escasos momentos similares a ‘Easy On Me’. El disco prefiere en general moverse en diferentes direcciones, tan «ecléctico» como se anunció en un primer momento, en ocasiones jugando con lo arduo (‘To Be Loved’), con una serie de producciones complejas que el tiempo puede hacer madurar.

La canción más inmediata es ‘Can I Get It’. Es, claro, la aportación de Max “estoy aquí por la pasta” Martin. Situada hacia la mitad de la secuencia, es un soplo de aire fresco gracias a sus acordes a la guitarra acústica cercanos a ‘Faith’ -Adele cantó en un homenaje a George Michael, recuerden-, añadiendo un silbidito muy amigo de playlists y anuncios televisivos. Es el único corte ligeramente country, incluso con una caballería como propia de la Kacey Musgraves más pop. En otros momentos Adele huye por el contrario de la comercialidad, incluyendo mensajes de voz sampleados y llantos, como sucede en ‘My Little Love’, dedicada a su hijo entre ritmos trip-hop, algo que cabría imaginar más bien en boca de Erykah Badu.

En ’30’ también hay espacio para la Adele sensual, que ya advirtió en las primeras entrevistas que Marvin Gaye era una referencia en esta era. En muchos sentidos este es el disco más Amy Winehouse de la cantante, y sí, aquella Adele jamaicana que se convirtió en meme está materializada en la extraña ‘Cry Your Heart Out’. Más hermoso es el paso de ‘All Night Parking’ -que sí es más que un interludio con el fallecido Erroll Garner- a la tenebrosa ‘Woman Like Me’, pasando de lo sexual a lo inquietante.

Son dos muestras de elegancia, como lo habían sido desde el principio los teclados de ‘Strangers by Nature’, o los muchos juegos de voces y coros del disco, sin que Inflo o Greg Kurstin difieran demasiado, ofreciendo muchos más matices de lo que avanzaban ‘Easy on Me’ y las canciones estrenadas en vivo. La composición nunca es tan directa como en ‘Someone Like You’ o ‘Hello’. Esta vez, los caminos son más intrincados.

Inverfest confirma a Nation of Language, León Benavente, Sharon Corr, Mastodonte…

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El festival Inverfest volverá a celebrarse en Madrid a principios del año que viene. En concreto tendrá lugar a partir del 7 de enero hasta el 6 de febrero de 2022 en diferentes localidades de Madrid, Alcobendas, Pozuelo de Alarcón y Fuenlabrada.

El cartel confirmado hoy cuenta con la presencia de León Benavente, la banda revelación británica Nation of Language, Sharon Corr (de los Corrs), Neuman, Mastodonte, Chucho, Los Vinagres o La Habitación Roja, así como otras propuestas procedentes de distintas áreas artísticas como la poesía o la comedia. Así pues, también queda confirmada la presencia de Yo soy ratón, Chumi Chuma, Valeria Castro, Payasos y Fuego, Abraham Boba, Clavero, Clara Peya, STA, Fiesta Gong, Peter and The Tube Babies y Los Cuerdos de Atar + Juako Malavirgen,

En cuanto a las diferentes sedes que albergarán el cartel de esta edición, estas son WiZink Center, Teatro Circo Price, La Riviera, Centro Cultural CondeDuque, Teatro Infanta Isabel, Sala Mon Live, Sala Siroco, Gruta77, Sala Vesta, Sala El Sol, Auditorio de Alcobendas, MIRA Teatro Pozuelo y Fuenlabrada.

Como ya es habitual en la programación de Inverfest, el 85% de los conciertos serán estrenos de discos e inicios o finales de gira.