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Sónar: «Ni un solo euro llega a KKR»

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Tras la polémica suscitada por la vinculación societaria de Sónar Festival a Superstruct Entertainment, empresa de la que es propietaria la inversora estadounidense KKR, señalada por su participación en actividades de promoción inmobiliaria en los territorios ocupados ilegalmente por Israel en Palestina, Sónar Festival ha publicado una sección de «preguntas y respuestas» en su página web en la que responde a las preguntas e inquietudes más frecuentes que han surgido en los últimos días y que no han sido satisfechas en sus dos comunicados anteriores.

Sónar Festival «condena indudablemente el genocidio al pueblo Palestino» y asegura que su relación con Superstruct Entertainment es «puramente administrativa» y con KKR «nula». Sónar explica que la compra «fue una operación puramente financiera, en la que no tuvimos ni intervención, ni voz, ni voto» y que, de igual manera, «el festival «no ejerce injerencia ni control sobre sus decisiones de inversión o su funcionamiento interno».

Con respecto a esta asociación empresarial, que ha llevado a artistas y asistentes a cancelar su asistencia al Sónar, el festival niega que la compra de una entrada al Sónar beneficie directamente a KKR: «En ningún momento hemos enviado —ni enviaremos— ni un solo euro a KKR. Os podemos asegurar que todos los beneficios se reinvierten íntegramente de cara a las futuras ediciones de Sónar». Sónar reproduce asimismo las palabras de Superstruct Entertainment, que reafirman su independencia: “Todos los ingresos y beneficios de los eventos y festivales de Superstruct permanecen íntegramente dentro de nuestra empresa y se destinan al desarrollo y realización de nuestros festivales en todo el mundo».

Sónar reafirma su apoyo a Palestina y confirma que realizará, como cada año, donativos a asociaciones locales que luchan por esta y otras causas, e indica que este año sumará «una donación a ONGs que trabajan para ayudar a la población de Gaza». Además, Sónar +D abrirá espacios de debate sobre la causa palestina. Además, corrobora que los asistentes al Sónar podrán acceder al festival portando «símbolos de apoyo al pueblo palestino siempre y cuando estén dentro del marco legal vigente».

Sónar ofrece también la lista completa de artistas que han cancelado su participación en el Sónar, entre ellos Juliana Huxtable o Sega Bodega, el segundo por motivos de salud, y apunta que los reemplazos se anunciarán pronto.

Benidorm Fest 2026 premiará al ganador con 150.000 euros

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Benidorm Fest premiará con un bote de 150.000 euros al ganador de la próxima edición del certamen, prevista para 2026, ha anunciado este mediodía el presidente de RTVE, José Pablo López.

El premio pretende servir de «colchón» para que el artista ganador «lleve adelante su carrera musical» y también para incentivar la participación de artistas emergentes, independientes y/o consagrados. Sobre todo, el propósito parece ser fortalecer el certamen y elevar su calidad artística después de la decepción de la edición de este año, y esquivar de una vez el «bottom» eurovisivo el año que viene.

El pasado mes de febrero se anunció la primera novedad de Benidorm Fest 2026, el nombramiento de un director artístico. La persona elegida se encuentra «ultimando su contratación» con RTVE.

pablopablo / Canciones en Mi

Tan solo una semana después de disfrutarle como productor ejecutivo y co-autor del último disco de Guitarricadelafuente, ese petardazo llamado ‘Spanish Leather‘, en estos momentos absoluto favorito del público de JENESAISPOP, ha llegado el álbum de pablopablo. Pensábamos que el joven artista había debutado hace un par de temporadas, pero finalmente se considera aquel disco de 9 canciones que recuerdas una mixtape y ‘Canciones en Mi’, su primer disco de verdad.

¿Por qué ‘Canciones en Mi’? Este original título difícil de traducir (‘Songs In A Minor’ de Alicia Keys no tenía tan poliédrico significado), se refiere tanto a que la mayoría de las canciones están en la tonalidad de Mi Mayor, como a su carácter introspectivo. «Los acordes de Mi Mayor, que me parecían simples y predecibles se revelaron mensajeros de cierta verdad infantil e innegable», explica pabloplablo en nota de prensa, de manera muy enriquecedora.

Las letras encierran tortuosos mensajes de desamor. «Malo cuando vienes, malo si te vas», reza ese vendaval llamado ‘Dónde estás!’. ‘Eso que tú llamas amor’ revela también confesional: «Tengo la costumbre peligrosa de esperar otro mensaje / O de escribirte antes que el pedo se me baje / Yo ya no sé si hablamos el mismo lenguaje». Y hablando de esta última canción, uno de los singles principales, Carín León añade fuego de corrido mexicano en su verso: «Busco en mi saliva los rastros de las mentiras que dejaste (…) Y ahora diciendo que me extrañas, te mamaste / ¿Cómo quieres que sienta? Si me mataste».

En contraste con este arrebato pasional, la paz y la calma que transmite Amaia en el precioso dúo ‘De ti’: de la parte «sigo prendado de ti» de él a la parte «sigo prendada de ti» de ella. Ni que decir tiene que si «belleza» o «preciosidad» son conceptos que te vienen a la cabeza escuchando la música de pablopablo, Romero solo puede sumar en ese camino.

Aunque la sublimación de esta obra sería más bien ‘Vida nueva’. Después de que composiciones como ‘De vez en cuando’ parezcan surgidas del jazz o de la improvisación, casi de una prueba de sonido, aquí pablopablo ha buscado y conseguido una producción catedralicia que podríamos denominar neo-soul, en la estela del mejor Bon Iver. «Yo no sé qué tienes en la cabeza» es su estribillo definitivo, reluciendo entre un sinfín de detalles, coros y efectos, en este caso con la co-producción de apob.

La voz de Macario Martínez deja otro de esos momentos intimistas, ‘Ojos de ajonjolí’, mientras ‘Siempre te quiero a veces’ se extiende casi hasta los 6 minutos, resultando otro torrente de emociones casi post-rock para tan sensible autor. Quizá la sombra de James Blake o Justin Vernon siga siendo demasiado alargada, eso sí, pero por eso el cierre es todo un hallazgo. ‘Las tuyas’, co-escrita junto a C. Tangana, es una suerte de vals o ranchera, en la que pablopablo trata con humor tanto su trabajo propio o junto a Guitarricadelafuente («un niño que intenta poner la voz de un hombre»), como su condición de nepobaby (es hijo de Jorge Drexler). «Papá, toqué mis canciones, pero no ha funcionado ninguna / La próxima vez que me llamen… me canto las tuyas», bromea quitando hierro a sus amoríos, y abriendo un horizonte de posibilidades, por ejemplo el de un disco divertido o pop, quizá aún más pablopablo, de pablopablo.

Ca7riel y Paco Amoroso: virtuosismo y códigos para las nuevas generaciones

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Manu Pasik

Ca7riel y Paco Amoroso salen al escenario del abarrotado Movistar Arena imitando a Michael Jackson en la icónica Super Bowl de 1993. Ellos se mantienen impasivos durante varios minutos mientras se suceden los aplausos y los gritos, a la vez que dan la espalda a dos enormes hinchables de sus propias cabezas. Hace solo seis meses, el dúo argentino estaba tocando en la Sala But para 1000 personas.

Todo empezó con una banda de rock progresivo llamada ASTOR. A la guitarra, Catriel Guerreiro. Con la batería, Ulises Guerriero. La maestría de sus comienzos no ha desaparecido en esta nueva etapa de su carrera, marcada por los ritmos latinos, el R&B y el pop descarado. Solo se ha transformado. Quizás esto es precisamente la razón por la que tantas personas conectaron con su ya legendario Tiny Desk. Precisamente, este es el formato con el que comienzan su segundo show madrileño, conscientes de su apabullante éxito. Están presentes los mismos músicos, además.

Manu Pasik

Catriel y Paco saben combinar a la perfección el virtuosismo que tanto aman con los códigos de toda una generación. ‘DUMBAI’ abre el show con su fresquísimo reggaetón, pero envuelta en unos deliciosos arreglos de jazz y soul que se echan en falta en la grabación original. No pasa lo mismo con ‘IMPOSTOR’, una de las joyas del EP ‘PAPOTA’, en el que llevan al estudio el sofisticado sonido de su Tiny Desk a la vez que reflexionan sobre su privilegiada posición con su humor marca de la casa: «La gente se emocionó / Abuela haciendo TikToks / ¿Y ahora qué vamos a hacer? / El Tiny Desk me jodió».

Aun estando sentados, Catriel y Paco mantienen una presencia tremenda. En buena parte, por lo grandes personajes que son. Lo único que se me venía a la cabeza durante ‘Viuda Negra’ y ‘Te Deseo’ eran los memes comparando el parecido de Paco Amoroso y Lady Gaga. Él, con una mirada a cámara, es capaz de hacerte reír y ponerte un pelín nervioso a la vez. Mantiene una actitud despreocupada, mientras que Catriel es pura electricidad. Este es la impredecible fuerza vocal y técnica del dúo. Capaz de interpretar un delicadísimo solo de guitarra al final de ‘BAD BITCH’ solo para sacarte del trance gritando a todo pulmón: «¡DÓNDE ESTÁN MIS PUTAS MALAS!». Buen momento para recordar que este también es vocalista de una banda de metal llamada BARRO.

Los temas del repertorio individual de cada uno eran claramente los menos conocidos por el público, pero este es un concierto perfecto para no saberte ni una canción. Mientras te guste el ritmo, todo bien. Te puedes dejar llevar por la sensibilidad de estadio de ‘PIRLO’, el frenesí fanfarrón de ‘LA QUE PUEDE, PUEDE’ o la fiesta improvisada de ‘SHEESH’. En esta, el recinto se convierte en una oscura discoteca plagada de láseres. Sí hay que decir que en la But esto fue todavía más espectacular, con dichos láseres saliendo de las gafas de los artistas.

Manu Pasik

Antes del irrepetible tercio final del show, Paco deja a un lado su áspera voz impostada y sale del personaje un momento para recordar que su música no es solo cosa de jóvenes en uno de los momentos más bonitos de la noche: «Veo que aquí hay niños, abuelos, y adultos, y quiero que sepan que los vemos a todos», declaró. Acto seguido, dan las gracias a sus madres, presentes en el concierto, porque al final todo empezó con ellas. Catriel se deja llevar por la emoción: «¡Te amo, hija de puta!».

Después de regalar camisetas a diestro y siniestro con unos cañones con los que llegaban hasta el fondo de la pista, el dúo va de lleno con dos clasicazos de su carrera: ‘OUKE’ y ‘CONO HIELO’, las piezas más representativas de su segunda etapa como dos de los mayores exponentes del trap experimental en Argentina. El colofón llega a la mitad de ‘#TETAS’, con una especie de ‘pit crew’ invadiendo el escenario. Un festival de pectorales, testosterona y, por supuesto, bromance. Mérito extra para Catriel y Paco por conseguir traer de vuelta el dab en pleno 2025. ‘EL DÍA DEL AMIGO’ y ‘EL ÚNICO’ despiden el show con el punto perfecto de ternura y júbilo. La ovación es tan espectacular como merecida.

‘Bésame’ de Alejandro Sanz y Shakira no es una tortura

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Ahora que los dúos chico-chica vuelven a estar de moda gracias al enorme éxito de ‘Die with a Smile‘ de Bruno Mars y Lady Gaga, ‘luther‘ de Kendrick Lamar y SZA y -en menor medida- ‘What I Want‘ de Morgan Wallen y Tate McRae, ¿qué opciones tienen Alejandro Sanz y Shakira?

‘Bésame’, el tema que, 20 años después, ha vuelto a unir a la pareja de ‘La Tortura‘ y ‘Te lo agradezco, pero no’, no es el afrobeat más innovador que puede sonar en la radio en 2025. No suena avanzado como una producción de Amaarae ni exuberante como una de Tyla o Wizkid. Ni siquiera da la sensación de que la canción haya requerido ocho compositores y cinco productores para salir al mercado.

¿Pero quién puede dudar del potencial de ‘Bésame’, una producción perfectamente agradable y amena, porque no podía ser de otra manera? Guiada por una guitarra eléctrica filtrada, percusiones relajadas y un sonido electrónico envolvente, ‘Bésame’ cumple su función de proponer una canción del verano diferente que refresque la radiofórmula española. Tanto a Shakira como a Sanz les sienta vocalmente bien este contexto rítmico más distendido y la canción se pasa como una brisa.

Shakira, que acaba de anotarse un éxito con otro afrobeat, ‘Soltera‘, vuelve a ser lo mejor de la colaboración, mientras Alejandro Sanz sale del paso entregando sus típicas rimas pasadas de vuelta, como la de «Te escribí esta canción y una lista de cosas pendientes / La primera es hacerte el amor con carácter urgente / La segunda quedarme pa’ siempre». ‘Bésame’, de momento, solo ha llegado al puesto 61 del Spotify España. ¿Hay esperanza o ni se huele el éxito de ‘La Tortura’?

‘Bésame’ pertenece al nuevo EP de Alejandro Sanz, publicado estos días. En el ingeniosamente (no) titulado ‘¿Y ahora qué?’ (tú sabrás, Alejandro), además de Shakira, colaboran Manuel Turizo o Grupo Frontera.

¿Qué te parece Bésame de Alejandro Sanz y Shakira?

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Muse sustituyen a Kings of Leon en Mad Cool

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Mad Cool no se anda con chiquitas, y a poco más de un mes de su celebración, incorpora nada menos que a Muse al cartel del jueves 10 de julio, completando así el line-up de su octava edición. El grupo estuvo en la edición de 2022 y acude nada menos que en calidad de sustituto de Kings of Leon, que cancelaban ayer por una intervención quirúrgica de urgencia de su vocalista, Caleb Followill. En O Son do Camiño, donde Kings of Leon tocaban en 15 días, los han sustituido por Kasabian.

Según la nota de prensa, «el equipo de booking de Mad Cool ha trabajado intensamente para ofrecer a los fans una alternativa a la altura, y la incorporación de Muse responde a ese compromiso». La actuación de Muse en Mad Cool Festival 2025 formará parte de su gira europea y será su única fecha confirmada en España.

Muse compartirá jornada con artistas como Iggy Pop y Weezer, en una noche donde el rock será el gran protagonista. Os recordamos que otros confirmados en Mad Cool son Alanis Morissette, Olivia Rodrigo o St Vincent. Las entradas para Mad Cool Festival 2025 ya están disponibles en madcooltickets.com.

«Está muy bien admirar divas, pero también a históricos LGTBIQ+»

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Este domingo comienza el «Pride Month». En un escenario global de retroceso en cuanto a derechos debido al auge de la ultraderecha, y para muestra lo que está ocurriendo en Gaza, en otro sentido en Estados Unidos o incluso en los parlamentos europeos, es necesario seguir potenciando la visibilidad LGTBIQ+. Por eso hemos invitado al podcast REVELACIÓN O TIMO a Big Balls DJ y Joan Oh, responsables de la fiesta PLUMA en Barcelona. Joan Oh, coreógrafo y bailarín, ha trabajado con artistas de la talla de Mel C, Jake Shears, Cyndi Lauper, Jessie Ware o Kylie Minogue, y también tiene un par de anécdotas interesantes que contar sobre Madonna. El 21 de junio ofrecen su gran sarao del año en Razzmatazz, Barcelona, y las entradas están a la venta.

Los responsables de PLUMA nos hablan de cómo era la escena LGTBIQ+ en Barcelona cuando Joan Oh se mudó desde Londres a la ciudad (entonces dominada por el músculo y Circuit), cómo ha cambiado en cuanto al fenómeno drag -no solo por ‘Drag Race’-, la visibilidad trans o las personas no binarixs. Big Balls y Joan Oh recuerdan que PLUMA fue una de las primeras compañías artísticas en crear shows drags y dar plataforma a todo tipo de talentos independientemente de su expresión de género y sexual.

Ambos nos hablan honestamente sobre la dificultad de sacar adelante una fiesta queer «porque la gente prefiere ir a Apolo, donde sabe que va a haber 2.000 personas». No faltan, por supuesto, anécdotas sobre rodajes con Jessie Ware o Kylie Minogue, en este caso en el vídeo de ‘Edge of Saturday Night’.

Pero ojo, también hablamos sobre cuidar a los iconos realmente LGTBIQ+. Y la conversación versa sobre el edadismo dentro del propio colectivo. «Edadismo es quitar todas las piezas del ajedrez de golpe, es quitar todo lo que hemos conseguido hasta ahora. Hay una obsesión por estar al día, por la juventud eterna y si pasas de los 30, eres ya un cadáver. Esto nos está haciendo mucho daño porque deja a mucha gente sola. Todo lo que se ha conseguido por un lado, se puede estar perdiendo por el otro. La pandemia ha acelerado todo esto».

Nos indica Big Balls: «Tenemos una manía en el colectivo de admirar a una chica hetero o cis, como Lady Gaga, «mira cómo nos quiere». Y luego vemos a un activista que lleva 80 años, cuando era peligroso ponerse delante de la policía, y a lo mejor lo vemos por Grindr y decimos «vaya viejo de mierda». No nos valoramos a nosotros mismos, ni a nuestros líderes, y cuando hay una mujer cis, siempre queda esta duda: ¿de verdad es tan simpática o se está aprovechando de que nos compramos el merchandising y somos muy fans? A veces tenemos que hacer crítica de que está muy bien tener divas, pero también hay personajes históricos, la gente que ha estado dando la cara, y somos todos nosotros». Para quien tenga alguda duda, lo de Lady Gaga es solo un ejemplo: Big Balls y Joan Oh proclaman que tras el BRAT SUMMER, este será el verano MAYHEM.

Lorde se pregunta quién lx querrá como «Hombre del Año»

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What Was That‘ ha sido una buena introducción para ‘Virgin’, el disco que Lorde publica a finales de junio. Próximo al sonido ‘Melodrama’, enseguida conseguía mejores posiciones en las listas que los temas del que era su último disco hasta ahora, ‘Solar Power’. En su cuarta semana, resiste en el top 30 en Reino Unido.

Su nueva apuesta es una canción minimalista llamada ‘Man of the Year’. Pese a los pocos elementos con que cuenta en principio (bajo y voz, cierto aire a Lou Reed), después hay un pequeño crescendo desarrollado junto al productor Jim E-Stack. Lorde ha dicho que esta canción bucea muy profundo en su interior y que es la canción que más orgullo le produce de todas las incluidas en ‘Virgin’. Es nuestra Canción del Día.

En su vídeo, Lorde aparece vestidx con camiseta y vaqueros, de repente se desprende de la camiseta, se cubre el pecho con una cinta y pelea en la arena por ser «el hombre del año». Lorde ya había declarado últimamente que no se siente «ni hombre ni mujer» y se presentó justo con este mismo look en la Gala MET.

¿Qué nos está contando la letra? El texto habla, como no podía ser de otra forma, de la identidad de género, dirigiéndose a una pareja, aparentemente: «me conociste en un periodo muy extraño de mi vida (…) mi amor no puede creerse que me haya convertido en otra persona / otra más como yo». El estribillo se pregunta, de manera desgarrada: «¿quién me va a querer así?», en la línea de su obra maestra ‘Liability’. Y finalmente añade: «Ámame así, ahora que me he roto / Un aplauso para el hombre del año».

Por otro lado, Lorde ha revelado el tracklist de ‘Virgin’. Opina sobre esta nueva era en nuestro foro de Lorde.

01 Hammer
02 What Was That
03 Shapeshifter
04 Man of the Year
05 Favourite Daughter
06 Current Affairs
07 Clearblue
08 GRWM
09 Broken Glass
10 If She Could See Me Now
11 David

Drake presume de más singles de diamante que nadie

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Desde que cuentan los streams, es mucho más fácil conseguir un single multiplatino. No es lo mismo gastarte 10 dólares o 1000 pesetas en comprar un maxi que ponerte una canción muchísimas veces.

Drake es uno de los grandes beneficiados de esta estratagema de la industria actual, y el artista comparte en sus Stories un post de la RIAA en el que se asegura que él es y no otro, el artista con más singles de diamante en Estados Unidos. Un disco de diamante son 10 millones de copias o, en este caso, más bien, su equivalente en streams.

Las 10 canciones de Drake que han conseguido llegar a tan suculenta cifra son ‘God’s Plan’, ‘One Dance’ con Wizkid y Kyla, ‘Hotline Bling’, ‘Hold On, We’re Going Home’, ‘Best I Ever Had’, ‘Sicko Mode’ de Travis Scott, ‘Life Is God’ con Future, ‘Work’ con Rihanna, ‘Love Me’ con Lil Wayne y Future y ‘No Guidance’ con Chris Brown. Casi una decena de colaboraciones.

Las últimas en conseguirlo han sido las antiquísimas “Hold On, We’re Going Home” y “Best I Ever Had”. En cuanto a sus principales rivales, Post Malone cuenta con 9 singles de platino y Garth Brooks tiene 10 discos de platino. Tampoco nadie tiene 10 discos de platino en cuanto a álbumes.

Drake ha triunfado últimamente con ‘Nokia‘, aunque aún le quedan muchos Cola-Caos hasta llegar a los 10 platinos con esta canción. El tema se ha editado hace muy pocos meses como parte del disco colaborativo con PartyNextDoor, ‘Some Sexy Songs 4 U‘.

Los precios dinámicos son «repugnantes» para El Último de la Fila

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Hoy se ponen a la venta las entradas para la esperada gira de reunión de El Último de la Fila, y esta semana Manolo García y Quimi Portet han ofrecido una rueda de prensa muy reveladora y política en la que por ejemplo han mencionado lo que está sucediendo en Gaza.

Está circulando bastante una declaración suya captada por PRISA en la que hablan sobre los precios de las entradas en los últimos años. Pese a los grandes recintos en que tendrán lugar sus shows -el de Madrid aún no se ha dado a conocer-, los precios de sus entradas oscilan entre los 60 y los 90 euros.

«Si nos hemos caracterizado por algo es por tener una intención social correcta. No queremos abusar de nadie. Hay cosas que nos parecen desmesuradas, disparatadas, encarecer las entradas según la demanda, premiar al que corre más, es algo muy injusto, como se hace también en trenes y hoteles, es una modalidad ultracapitalista que nos parece repugnante», ha declarado Manolo García, que también ha añadido: «somos un grupo popular (…) Vamos desgranando un discurso y nuestra actuación en el día a día es la contraria».

Habla de las contradicciones de The Clash, un grupo de la calle que terminó vendiendo millones, lo que «les abrió una grieta y acabó con ellos». Ha dicho García, concordando después Portet: «Es importante significarte. El precio de las entradas lo hemos marcado nosotros. Con el efecto de la nostalgia, la gente está como loca, pero nos da igual. Si la reventa se pone a 2000 euros lo lamentaremos, no podemos hacer nada. Vemos terrazas llenas pero hay millones de personas que las pasan putas, y poner las entradas caras sería un insulto e iría contra nuestros principios».

El grupo repasará en este gira, lógicamente, sus grandes éxitos, que además dicen que coinciden más o menos con sus favoritas. No se descarta nuevo material: «Quimi tiene incontinencia compositiva, a veces voy a su casa y me enseña lo que tiene y yo canto, alguna cosilla se está haciendo».

La gira de El Último de la Fila tendrá lugar en 2026, comenzando el 25 de abril en Fuengirola (Málaga), y seguirá en el Estadio Olímpico de Montjuic de Barcelona (3 de mayo), en Roquetas de Mar (Almería, 16 de mayo), en Madrid (23 de mayo), Bilbao (30 de mayo), A Coruña (13 de junio), Avilés (Asturias, 20 de junio), el estadio de La Cartuja de Sevilla (27 de junio) y Valencia (4 de julio).

Stereolab / Holograms On Metal Film

La mejor noticia que deja el nuevo disco de Stereolab es que el sonido de la banda londinense sigue sorprendiendo 15 años después de ‘Chemical Chords‘ (2008). ‘Hologram On Metal Film’ es el disco de un grupo que sigue haciendo lo mejor que sabe hacer, y que lo hace con maestría.

‘Hologram On Metal Film’ también es una sólida colección de canciones: Stereolab están en un estupendo estado de forma. El disco recorre su mapa habitual de referencias krautrock, rock psicodélico, lounge, space age o cocktail jazz, y las cruza con nuevos destellos de música disco y electrónica lo-fi. El disco es un banquete de texturas -los instrumentos incluyen guitarras, pianos, teclados, marimbas, metales, largo etcétera- y se rinde a la pulsión progresiva de Stereolab. Durante su travesía, deja un reguero de caramelos que el oyente no puede evitar perseguir hasta llegar a misteriosos lugares.

El expansivo regreso de Stereolab puede tener que ver con que el líder Tim Gane ha trabajado recientemente en bandas sonoras como la de ‘In Fabric: Vistiendo la muerte’ (2018). Las producciones son tan cambiantes como la de ‘Melodie is a Wound‘, un frenesí prog, motorik, bossa, lounge y decenas de cosas más, que se supera gracias a una coda espectacular en la que cabe un solo de saxofón rabiosamente free jazz. ‘Immortal Hands’ evoca las fantasías «exóticas» de Les Baxter, y su segunda parte pasa de la música disco al glamour 60s en un pestañeo.

El alma de ‘Holograms On Metal Film’ es psicodélica, pero aunque Stereolab sigue divirtiéndose al construir capas y capas de sonido, en este álbum cada instrumento suena perfectamente definido por separado. En la fusión de lounge, krautrock y jazz de ‘Vermona F Transistor’ brillan especialmente los metales; las flautas de ‘Flashes from Everywhere’ son una delicia; el festín de la instrumental ‘Electrified Teenybop!’ remite a los viajes sónicos de Yellow Magic Orquestra, y el psych-pop de ‘Aerial Troubles’ y la melancólica ‘Transmutted Matters’ es ligero y ameno: Stereolab en su mejor versión.

La política actual inspira las letras de Laetitia Sadier, que denuncian la «ignorancia», el «odio», las «narrativas que buscan separarnos» o incluso la «economía de la guerra». Su voz, además, ha ganado profundidad con los años. «Yo pertenezco a la tierra, yo digo no a la guerra» es una de las rimas contenidas en el disco, interpretada en francés. En contraste, los textos de «Holograms» invitan a mantener la espiritualidad y abrir ese «corazón que solo ve amor». Aunque se reconoce existir en un mundo sumido en el caos, ‘Holograms on Metal Film’ es una explosión de color.

La magia de ‘Holograms On a Metal Film’ está en la efectividad de sus variadas y decididas ideas. La ensoñadora ‘Colour Television’ no necesita más que un simple tarareo para quedarse pegada al cerebro. ‘Mystical Plosives’ debería ser más que una intro, ya que su composición no puede ser más intrigante. Y las dos partes de ‘If You Remember I Forgot How to Dream’ «exploran sin miedo» la faceta de Stereolab más apegada a la canción francesa y a la fusión de electrónica y pop.

La travesía retrofuturista de ‘Holograms On Metal Film’ tiene el enorme mérito de ser, además, una de las más amenas y accesibles de su carrera. Seguro que el bajista valenciano Xavi Muñoz, ya miembro oficial de Stereolab después de que empezara a tocar en las giras de Stereolab y de Sadier en solitario, es parcialmente responsable de ello. Este es el disco de un grupo que sigue teniendo una química única.

Kings of Leon cancelan gira; O Son do Camiño anuncia sustitutos

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Kings Of Leon se ven obligados a cancelar toda su gira europea y británica, lo que incluía una parada en O Son do Camiño en Santiago en poco más de 15 días, y en Mad Cool el próximo mes de julio. La razón es un desafortunado accidente que ha sufrido el cantante, Caleb, y que le ha obligado a someterse a una operación.

Ha declarado en Instagram: «Hola a todo el mundo, sobre todo a nuestros seguidores europeos que iban a venir a vernos este verano. Desafortunadamente, lamento informaros de que estos conciertos van a tener que ser cancelados debido a un accidente loco que tuve el otro día. Me he roto un pie de mala manera jugando con mis hijos».

Continúa bromeando: «ha sido muy desagradable pero os voy a ahorrar los detalles. Pero tenemos la suerte de tener muy buenos médicos aquí en Nashville y me han operado de urgencia. Me estoy curando pero me han dicho que no puedo estar de pie, ni viajar ni hacer nada durante unas ocho semanas. Ha sido un palo». Finalmente, indica que pensaban estrenar en este tour algunas canciones nuevas que tenían preparadas, pero no podrá ser.

La noticia se ha conocido hace apenas unos minutos y Kings of Leon aún figuran como cabezas de cartel en la web de Mad Cool el jueves 10. Desconocemos si Gracie Abrams, Iggy Pop o Weezer pasarán a encabezar el cartel o habrá sustitutos. Los cabezas de cartel el resto de jornadas son Nine Inch Nails el viernes y Olivia Rodrigo el sábado. Otros confirmados ya sabéis que son Alanis Morissette, Noah Kahan, Justice, St Vincent o Arde Bogotá.

En cuanto a O Son do Camiño, dada su proximidad, el festival de Santiago de Compostela ha anunciado que incorpora a gente como Aiko, Filloas y muy especialmente Kasabian, en la que va a ser su única actuación en 2025 en España y Portugal.

Qué pasó en la ‘listening party’ de Aitana: ¿Revelación o timo?

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Aitana es la primera superestrella nacional en sumarse a la moda de las ‘listening parties’. Al menos, como lo entienden en Estados Unidos: un evento en el que un número limitado de fans son convocados para escuchar un proyecto en compañía del artista antes de su lanzamiento oficial. Algunos eligen celebrarlo de manera gratuita, mientras que otros lo ven como una oportunidad para aprovecharse de sus fans y ganar un dinero fácil. Aitana se ha decantado por un punto medio y, para sorpresa de nadie, se ha liado parda.

Según datos de la organización, 13.000 personas acudieron ayer a un reducido Movistar Arena para disfrutar en primicia del nuevo disco de Aitana, aunque debo decir que en directo no parecían tantas personas. La gran mayoría eran menores acompañados por sus padres. Cada uno de ellos había pagado 16,50 euros por una experiencia de la que solo se sabía una certeza, anotada en el pie del cartel del evento: «Esto no es un concierto, es la listening party de ‘Cuarto Azul‘». Efectivamente, Aitana no cantó en ningún momento.

La polémica está clara: ¿Es ético cobrar a tus fans por poner música en un altavoz? ¿Es lícito sacar beneficio de una estrategia de marketing encubierta? Teniendo en cuenta los datos, está claro que se han generado unos ingresos importantes a los que por supuesto hay que deducir una serie de gastos, pero lo más importante es si el precio se traduce en una experiencia a la altura.

Kanye West y Ty Dolla $ign amasaron más de 12 millones de dólares solo con las ‘listening parties’ de ‘VULTURES’, cuyas entradas de estadio se vendieron entre los 140 y los 220 dólares por cabeza. Sin embargo, la experiencia dejaba mucho que desear: escasa visibilidad del artista (que encima llevaba puesta una máscara), cero interacción con el público y ningún micrófono a la vista. Billie Eilish, por otro lado, también celebró las escuchas de ‘HIT ME HARD AND SOFT’ en grandes recintos, pero de forma totalmente gratuita. Eso sí, Eilish reproducía el disco de seguido y en cuanto terminaba se iba a su casa.

Aitana sí quiso dar algo más allá de las canciones. En total, 19. Lo primero que se veía al entrar era un apañado decorado en el centro de la pista que pretendía emular ese ‘Cuarto Azul’ de la artista. Este tipo de eventos siempre se benefician de un ambiente íntimo y ayer eso se consiguió. Podría haber sido algo todavía más exclusivo, pero los momentos de karaoke colectivo con los temas que ya habían salido no habrían sido lo mismo.

Antes y después de cada canción, Aitana se encargaba de contar cómo se había concebido, de qué hablaba, qué sentido tenía en el conjunto del disco… Y la verdad es que no se cortó ni un pelo. Antes hay que explicar que ‘Cuarto Azul’ contiene algunas de las canciones más tristes y vulnerables de la carrera de Aitana y mucho de lo que salía en su documental está plasmado directamente en el disco. Este suena constantemente a medio camino entre los ritmos de club de ‘alpha’ y los enormes sintetizadores de ‘SEGUNDO INTENTO’ o ‘6 DE FEBRERO’. Y mucha balada, claro.

La artista contó que en este LP no se ha inventado «nada»: «‘Cuarto Azul’ es conceptual por la historia que cuento. Es la vida tal cual de lo que me ha pasado», comentó al empezar el evento. Es por esto que la extriunfita acompañaba algunas canciones con documentos inéditos de su creación, como cuando mostró en su propio WhatsApp la primera versión del baladón que es la canción titular o el vídeo de su padre reaccionando entre lágrimas a ‘MÚSICA EN EL CIELO’. «Tenía claro que quería hacer una canción sobre la muerte y lo que me conecta con eso es mi abuelo», confesó.

Para estar delante de una audiencia formada principalmente por niños y niñas, Aitana compartió detalles muy adultos sobre su relación con la depresión: «Yo lloraba muchísimo por todo. Hace meses que no lloro por la medicación. Es bajita, pero las emociones están reguladas. Necesito un poco lo de llorar, porque para mí siempre ha sido importante», contó abiertamente.

La realidad de sus letras también fue evidente con ‘CUANDO HABLES CON ÉL’, una canción que Aitana dejó para el final, que adelantó como el ‘focus track’ del disco y que trata descaradamente sobre su relación con Miguel Bernardeau: «Yo sé que dejarle fue una estupidez / Cómo lo siento», canta la catalana.

La escucha fue amenizada con diferentes invitados. En primer lugar, algunos de los propios fans de la cantante, que fueron elegidos para hacerle una ronda de preguntas. Fue un momento tan divertido como tierno, especialmente por un chico que no podía parar de llorar en la presencia de Aitana. Al mismo tiempo, esta se quedó flipando cuando se fijó en que uno de sus fans llevaba su cara en el estampado de los calcetines. Ah, y en los calzoncillos.

El momentazo de la velada fue la visita de la mismísima Alaska, que acompaña a Aitana en la última canción del disco, ‘LA CHICA PERFECTA’. La admiración de Olvido, tanto por la canción como por la artista de 25 años, está clara: «Consumo tu música y estás en las playlists que nos regalamos Mario y yo en nuestro aniversario. No se me ocurriría colaborar con alguien que no escucho. Esta canción es tu declaración de principios y te doy las gracias», declaró.

Si hubiera sido una fiesta totalmente gratuita, dudo que Aitana se hubiese molestado en preparar todo este tinglado. Seguramente hubiese optado por algo parecido a lo de Billie Eilish. A cambio de 16,50 euros, una experiencia en la que tu artista favorita no para de hablar y abrirse emocionalmente durante más de dos horas, que está aderezada con invitadas de la talla de Alaska y que ofrece un vistazo único a lo que ocurre detrás de bambalinas me parece difícilmente un timo. Me quedo con lo que escuché decir a unos fans a la salida del evento: «Pues menos mal que he venido».

Glamour y lágrimas: el gran regreso house de Agnes

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Agnes, la diva sueca que se dio a conocer con la enorme ‘Release Me’, vuelve. Cuatro años después del recomendable ‘Magic Still Exists‘ (2021), se avecina nuevo disco de la artista.

‘Balenciaga Covered Eyes’ es el primer adelanto del nuevo proyecto de Agnes, y es su canción sobre llorar en la discoteca. Es la Canción Del Día.

Ese es literalmente el escenario de la letra: «Detrás de mis ojos cubiertos por (gafas de) Balenciaga, en el cobijo de un gentío que baila, bajo las luces y los láseres, lloro». Agnes expresa el dolor de una ruptura bailando hasta el amanecer. Y, después, se va de after. Ahí, el DJ «pincha música punk» y ella sigue «bebiendo demasiado» mientras luce su carísimo vestido.

Agnes no pierde la elegancia ni después de beber unas copas de más, y la producción de ‘Balenciaga Covered Eyes’ es alta costura musical. Los productores Vincent Pontare & Outrovert entregan una excitante fusion de club house, dance noventero y ballroom que transforma a Agnes en una diosa de la pista. Ella dice que le ha inspirado la música de Róisín Murphy (se nota) pero también el arte de Mark Rothko (se nota menos).

La tensión de ‘Balenciaga Covered Eyes’, magistralmente transmitida a partitura, es la de una persona que mantiene el glamour aunque esté rota por dentro: «Todo comenzó con una imagen que vi en mi mente: una persona en medio del caos del lujo, las fiestas, el desorden y las miradas», cuenta la artista. «Alguien que parece segura de sí misma y brillante por fuera, pero en cuyo interior está ocurriendo algo más, detrás de esos “ojos cubiertos de Balenciaga” Pero la canción también nació de una sensación: quería escribir algo que yo misma quisiera escuchar cuando salgo un fin de semana».

Melody y Broncano: dos egos jugando al circo mediático

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La rueda de prensa de Melody del lunes está dando más de sí de lo esperado. Ahora, David Broncano ha contestado a Melody durante el inicio del episodio de La Revuelta de esta noche. Broncano no solo se ha negado a pedir disculpas a Melody por supuestamente hacer comentarios «despectivos» sobre ella tras su paso por Eurovisión, sino que ha negado que dichos comentarios existieran, le ha afeado que sacase la «carta de la salud mental» para justificar el plantón a su programa, y ha criticado indirectamente su neutralidad política al decidir no condenar un genocidio, acto que, según Broncano, trasciende el ámbito de la política y responde a una cuestión de «humanidad».

Tanto Melody como David Broncano están jugando al juego del circo mediático. La primera exigiendo disculpas en una rueda de prensa, al calor de su público, como si fuera la persona más ofendida de España. El segundo, utilizando su programa para cuestionar indirectamente la «humanidad» de una persona que decide no pronunciarse políticamente por razones desconocidas, o bien porque no está suficientemente informada sobre el tema, o bien porque -desgraciadamente- no le interesa. La equidistancia no es suficiente cuando hasta el ganador de Eurovisión y el Presidente del Gobierno se han pronunciado. Pero, en este caso, me temo que las palabras «estoy en contra de cualquier guerra» tendrán que bastarnos.

Doy la razón a Broncano en que Melody erra usando la «carta de la salud mental» para defender la cancelación de su agenda. Melody tenía pactada su visita a La Revuelta del 19 de mayo desde hacía dos meses. Si hubiera quedado en mejor posición, todos sabemos que habría ido. Eso sí, la de El Hormiguero sigue en pie. Ahí seguro que la tratarán mucho mejor.

Pero que no nos ciegue la aparente «soberbia» de Melody. Detrás del personaje hay una persona que esperaba una mejor posición (como Islandia, seguramente). También es una artista convencida de que habría obtenido un mejor puesto si las cosas se hubieran hecho a su manera, y no a la manera de RTVE. Melody quería saltar por los aires, montar el circo que hizo Polonia. RTVE prefirió rebajar su propuesta, hacerla menos arriesgada. Melody tiene derecho a estar resentida.

¿Melody debe hacer autocrítica? Por supuesto: si ‘Esa Diva’ ha quedado antepenúltima es porque la canción no ha gustado. Aunque a ella le parezca «un temazo», si al público de Eurovisión no le ha parecido tal cosa, «por algo será», como le gusta decir a ella. También es de esperar una disculpa de su parte por mentir sobre los contratos de RTVE, que sí le permitían hablar de política. Pero también RTVE y Benidorm Fest deben analizar por qué la apuesta de Melody no ha sido competitiva en el escenario eurovisivo. Es genial que ‘Esa Diva’ sea conocida en España, pero no aspirábamos solo a eso.

Es lícito que Melody esté frustrada y enfadada por su antepenúltima posición y por sus 37 puntos. Es comprensible, por otro lado, que necesitase recargar pilas emocionales pasando tiempo con su familia, sobre todo si lo que traía a casa no es una victoria, sino una derrota. Es entendible que le molestase el comentario de Broncano sobre la «bajada de persianas», porque reducía la decepción eurovisiva de Melody a una pataleta; y el de que habría necesitado «unos 300 puntos más» para ganar, porque fue una burla, aunque Broncano lo niegue.

Y ahí está el problema, que ningún personaje de esta historia es capaz de reconocer su error. Melody exige que se la «respete como artista», pero es ella la que planta a La Revuelta en primer lugar. Y los protagonistas de La Revuelta se niegan a entender por qué sus comentarios han podido resultar molestos. Peor aún, Broncano podría haber elegido anoche el camino de la reconciliación validando el sentimiento de Melody, aunque él no vea ofensa en sus palabras. Sin embargo, ha decidido echar más leña al fuego y seguir alimentando el show de estos dos egos mediáticos.

Kalorama Madrid 2025 desvela horarios

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Kalorama Madrid ha desvelado los horarios de su edición de 2025, encabezada por The Flaming Lips, Scissor Sisters, Pet Shop Boys y Azealia Banks. El festival se celebra los días 20 y 21 de junio en la Caja Mágica de Madrid. Las entradas están disponibles en la web del festival.

La jornada del viernes contará con actuaciones de Jorja Smith a las 20.50, Father John Misty a las 21.55, The Flaming Lips a las 23.00 o Alizzz a la 1.30, entre otras. Y el sábado será el turno de Maria Arnal a las 20.45, Pet Shop Boys a las 22.30, Scissor Sisters a la 1.30 o Azealia Banks a las 00.20.

El cartel de Kalorama Madrid 2025 ha vuelto a destacar por su sobresaliente selección de artistas nacionales e internacionales. Lo repasamos en este artículo.

Viernes 20 de junio
Escenario 1
17:55 Bloodstein
19:00 La Plata
20:50 Jorja Smith
23:00 The Flaming Lips
01:30 Alizzz

Escenario 2
18:25 Irenegarry
19:45 BADBADNOTGOOD
21:55 Father John Misty
00:20 L’Impératrice

Sábado 21 junio
Escenario 1
17:55 Laura Sam
19:05 PUTOCHINOMARICÓN
20:45 Maria Arnal
22:30 Pet Shop Boys
01:30 Scissors Sister

Escenario 2
18:25 El Buen Hijo
19:45 Model/Actriz
21:30 Boy Harsher
00:20 Azealia Banks

Sufjan Stevens se «avergüenza» de ‘Carrie & Lowell’

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Sufjan Stevens ha afirmado que se «avergüenza» de ‘Carrie & Lowell‘, su aclamado disco de 2015, y que se «arrepiente» de haberlo escrito. El cantautor de Detroit cree que utilizó la creación de ‘Carrie & Lowell’ para transmitir una visión «manipuladora» y «egocéntrica» de su relación con su madre, que abandonó su familia cuando Sufjan era muy joven y murió en 2012.

«Creo que este disco es prueba de un fracaso artístico y creativo por mi parte», ha declarado el artista a NPR. «Intentaba encontrar el sentido a algo que no lo tiene. Estaba siendo manipulador, egocéntrico, solipsista y usando el odio hacia mí mismo. Sentía que el enfoque que siempre había tenido hacia mi trabajo -el de crear belleza a partir del caos- me estaba fallando. Fue muy frustrante. Y por primera vez me di cuenta de que no todo puede sublimarse en arte, que algunas cosas simplemente permanecen sin resolver, o son insolubles. Creo que en realidad estaba simplemente frustrado por intentar darle sentido a la experiencia del duelo a través de las canciones».

Sufjan añade que se siente «avergonzado» de ‘Carrie & Lowell’ porque cree que proyectó conjeturas sobre su madre en las canciones: «Siento que no tengo ninguna autoridad sobre mi madre o sobre su experiencia o muerte. Todo lo que puedo hacer es especular y la capacidad de usar mi imaginación y mi propia tristeza, pero no resolví nada intentando encontrarle sentido a todo».

Stevens ofrece una explicación parecida sobre ‘Carrie & Lowell’ en un texto publicado en la reedición del disco: «La creación de (‘Carrie & Lowell’) fue dolorosa, humillante y una completa distorsión de malas intenciones. Mi dolor se manifestó como autodesprecio y miseria. Cada canción que intenté escribir se convirtió en un arma dirigida contra mí, una acusación de ignorancia, culpa, resentimiento y apropiación indebida».

‘Carrie & Lowell’ fue elegido Mejor Disco de 2015 en JENESAISPOP. Estos días estamos repasando la discografía de Stevens de cara a su 50º cumpleaños.

«Guitarrica» logra un tercer top 1 en JNSP; Bad Bunny sigue con 0

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Guitarricadelafuente logra con ‘Pipe Dream’ su tercer número 1 en JENESAISPOP tras ‘Nana Triste’ con Natalia Lacunza y ‘Futuros amantes’. En la final de las Stories de Instagram se ha hecho con el 40% de los votos frente al 26% de ‘Baile inolvidable’ de Bad Bunny, que sigue sin sumar ningún número 1 en nuestra lista pese a los éxitos que acumula en el mundo.

Bad Bunny es, en todo caso, la entrada más fuerte de la semana, seguida de lejos por Arca, Lola Young, Arcade Fire o Natalia Lacunza. Ya en las últimas posiciones encontramos a Men I Trust, AMORE o Papa Topo.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 9 1 2 Pipe dream Guitarricadelafuente Vota
2 2 1 Baile inolvidable Bad Bunny Vota
3 11 3 3 Vertigo Sophie Ellis-Bextor Vota
4 4 4 2 All I Can Say Kali Uchis Vota
5 10 5 2 6 DE FEBRERO Aitana Vota
6 1 1 4 What Was That Lorde Vota
7 20 7 3 El vecino de Bea DeTeresa Vota
8 3 1 5 Mi nombre Leire Martínez Vota
9 8 1 5 Futuros amantes Guitarricadelafuente Vota
10 2 2 6 CUNTISSIMO MARINA Vota
11 7 3 7 End of the World Miley Cyrus Vota
12 12 1 Puta Arca Vota
13 5 5 4 Headphones On Addison Rae Vota
14 23 3 4 BBY ROMEO rusowsky, Ralphie Choo Vota
15 27 12 9 Salvation Rebbecca Black Vota
16 16 1 One Thing Lola Young Vota
17 17 1 Circle of Trust Arcade Fire Vota
18 12 12 3 Pretty Ugly Zara Larsson Vota
19 13 13 2 Illegal PinkPantheress Vota
20 17 17 2 Cancionera Natalia Lafourcade Vota
21 21 6 6 Spike Island Pulp Vota
22 22 1 Un castigo Natalia Lacunza, Jesse Baez Vota
23 14 6 5 Year of the Snake Arcade Fire Vota
24 18 18 2 Trueno azul Rufus T. Firefly Vota
25 30 25 2 The artist is absent Jenny Hval Vota
26 15 2 4 Mar de Coral Javiera Mena, Santiago Motorizado Vota
27 16 16 4 Stateside PinkPantheress Vota
28 25 14 3 Weight of Desire Tennis Vota
29 31 13 6 Devy Shetty BAJOCERO X Vota
30 30 1 Come Back Down Men I Trust Vota
31 31 1 I Gotta Feeling AMORE Vota
32 19 1 8 Busco un centro de gravedad permanente Rigoberta Bandini Vota
33 24 16 5 There’s a Rhythm Bon Iver Vota
34 29 2 15 M.A.P.S. Amaia Vota
35 34 2 12 Full time papi Guitarricadelafuente Vota
36 35 35 3 Focus Is Power Self Esteem Vota
37 28 1 22 Tengo un pensamiento Amaia Vota
38 32 9 4 El paseo Claudio Montana, Ultralágrima Vota
39 39 4 15 KAIMAN Rigoberta Bandini Vota
40 40 1 Ven a mis brazos Papa Topo Vota
Candidatos Canción Artista
Glad Saint Etienne Vota
Leave Me Alone Reneé Rapp Vota
LATINA FOREVA KAROL G Vota
Clímax dani dicostas Vota
Tell It Back to Me Robert Forster Vota
DROGA MORA, C Tangana Vota
Super Bb trickz Vota
Laberinto Belén Aguilera Vota
Fortuna joseluis Vota
Vida nueva pablopablo Vota

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Morgan Wallen y Tate McRae, top 1 en EE UU con ‘What I Want’

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Morgan Wallen y Tate McRae entran en el número 1 de singles de Estados Unidos con su nuevo single colaborativo, ‘What I Want’. Desbancan a otro dúo chico-chica, ‘luther‘ de Kendrick Lamar y SZA, que sumaba 13 semanas consecutivas en la cima. Al final ha sido Morgan, y no Drake, el que ha logrado poner fin al reinado de Kendrick y SZA en el Billboard Hot 100. Por supuesto, ‘I’m the Problem‘, el nuevo álbum de Wallen, también es número 1 en el país.

‘What I Want’ da a Wallen su cuarto single número 1 en Estados Unidos: antes lo había logrado con ‘Love Somebody’, ‘I Need Some Help’ con Post Malone y ‘Last Night’. En el caso de Tate Mrae, es el primero, pues ‘Greedy’ no pasó del 3 (su disco, ‘So Close to What‘, sí que lo ha logrado).

2025 está siendo un año especialmente fructífero para los dúos chico-chica: no solo ‘luther’ y ‘What I Want’ han topado el Billboard Hot 100, también lo ha hecho durante múltiples semanas ‘Die with a Smile’ de Bruno Mars y Lady Gaga, en este caso cinco.

‘What I Want’ ha sido el focus track en el día de lanzamiento de ‘I’m the Problem’ y no es difícil adivinar por qué su fusión de pop, country y trap está triunfando en Estados Unidos.

joseluis / Por ahora para siempre

¿Vuelve el indie? ¿Pero de verdad? ¿Con lo que ha salido por esa boca contra toda etiqueta, pero sobre todo contra esa? ¿Y justo hablando de un disco que publica la multinacional Sony? El éxito espontáneo de Alcalá Norte, que han triunfado en listas del año, galas de premios y tiendas de vinilos, sorprendió el año pasado. Y este lo hace el encanto de un álbum desafinado, grabado de aquella manera y editado por la discográfica que sacó la mayoría de discos de Los Planetas.

joseluis es el proyecto del murciano José Luis Beltrán, según él inseparable de la labor musical de su colega Alberto Saorín. Concentrado en su labor de diseñador, que asegura que le ha servido para dar una «visión global y coherente al proyecto», un buen día decidió que o le daba salida a las guitarras que tenía por casa o las vendía en el Wallapop, y así llegó ‘Navajas de Albacete’, un pequeño hit underground de enorme encanto DIY, que ha decidido finalmente dejar fuera de este debut, ‘Por ahora para siempre’. Cosas de indies…

‘Por ahora para siempre’ es en todo caso un disco que se sostiene por sí mismo desde que se abre con ‘Guapo’, una canción que parece basarse en la máxima atribuida a Oscar Wilde «La belleza está en el ojo del espectador». La voz se le va a joseluis entonando, pero la toma se ha quedado aquí, abriendo, porque eso hace la grabación más hermosa todavía. ¿Cómo no va a serlo con toda esa honestidad rebosante y ese delicado arpegio de guitarras acústicas?

Las eléctricas viran descaradamente hacia los 90 durante gran parte del minutaje. Pixies, Placebo, Smashing Pumpkins o PJ Harvey pueden venir a la mente en distintos momentos de ‘Accidente’ o ‘Fortuna‘, un tema que podían haber firmado Cala Vento. Sin embargo, joseluis se mira también en la grandiosidad de las cuerdas del Brit Pop: Bernard Butler podría haber estado detrás de los arreglos de la inmensa ‘La gravedad’ y de ‘Todo lo malo’, un corte a piano.

Terminando con el «name-dropping», cuando se pone a escribir letras, el artista apunta tan alto como a Morrissey o Stephin Merritt en esa mezcla de derrota-victimista y desafío-triunfal que se percibe muy bien en ‘Miedo de un país’: «Tengo el miedo de un país entero, a que todo salga como quiero, y no poder hacer ni la mitad».

Y es que al margen de comparaciones o inspiraciones, joseluis es un enorme creador de imágenes. En el nuevo single ‘Accidente’ habla de dos personas «chocando a 120»: «sal de mi mente, es como mirar un accidente / primero el morbo, y luego te arrepientes». En ‘La Gravedad’ asevera que «no duele la caída, sino la gravedad», en toda la ambigüedad de esta segunda palabra; y en la misma le da tiempo a dejar otra lapidaria: «si caen los aviones, ¿por qué no caigo yo? / Quiero ser el Concorde de 2022».

A veces no se toma tan en serio a sí mismo, y ‘Alguien con mi nombre’ es un relajante corte de transición en el que escuchamos alegremente que «esta es la canción número 6 del disco de joseluis». Pero casi siempre sus versos llegan por lo que tienen de vulnerables. «Voy a inventarme todo lo malo de ti / por si me dejas, no tener que sufrir», se defiende antes de tiempo ‘Todo lo malo’.

Hay dos canciones en este debut en las que confluyen con precisión lo que se nos cuenta con cómo se nos cuenta. ‘Fortuna’ es un arrebatado delirio de nicotina que termina entre gritos y tarareos inenarrables. Y ‘Caballo de carreras’ parece pasar de las distorsiones noise a los dulces silbiditos, cuando en realidad acaba exactamente con el mismo autoengaño con que empieza: «lo primero que quiero es saber si me quieres / lo siguiente es saber si soy suficiente / Lo último que quiero es la verdad». Los fantasmas siguen ahí, solo que anestesiados.

Belén Aguilera se rinde al arte en la catedralicia ‘Laberinto’

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Belén Aguilera ha anunciado estos días el lanzamiento de su nuevo disco, ‘Anela’. El disco cuenta «una historia sobre los sueños, los deseos, la búsqueda de la identidad y las consecuencias de perseguir algo a ciegas». El álbum «va de la vida misma en el sentido más surrealista y mágico, de escucharse y de intentar entenderse y de bailar con el caos y de aceptar la intensidad». La fecha de lanzamiento se desconoce por ahora.

‘Laberinto’, el primer adelanto, es sorprendente. La melodía es elegante y clasicista, como es de esperar de esta maestra de la composición pop. Sin embargo, la producción de Lionel Cresta saca pecho y apunta al EBM de los 80. Ese «electronic dance music» desenfrenado que creaba auténticas catedrales de oscuridad. ‘Laberinto’ sigue esa línea y algunas ideas de producción -como la melodía ligeramente desafinada del estribillo- coquetean con la estética gótica.

Tiene sentido el sonido gótico e industrial de ‘Laberinto’, ya que la canción recurre a ‘El fantasma de la Ópera’ para narrar la historia de un personaje atrapado en el «laberinto» de la industria musical. Como en ‘Galgo‘, Aguilera se confiesa esclava del arte y retrata la industria como un lugar lleno de «espejismos» que le ha dejado herida, y del que ya no puede salir. En ‘Laberinto’, los coros fantasmagóricos parecen representar esos fantasmas que acechan a la artista.

El único traspié de ‘Laberinto’ es una línea que recurre al estereotipo de la “gitana” que echa las cartas, cuando en ‘El fantasma de la Ópera’ no había ningún personaje de este tipo. La figura de la gitana adivinadora se ha usado durante siglos para exotizar y discriminar a la población romaní. ¿No había una expresión menos incómoda que rimara con «manzana» y aún respetara la temática de la letra?

‘Anela’:
l. Nacer para morir
ll. Ático
III. Dramático
lV. Laberinto
V. Eclipse
Vl. Salvamento
Vll. Dama en apuros
Vlll. Soledad
lX. Mutantes
X. Cómo puedo volver
Xl. Bruja
Xll. Ahora que estoy bien
se queda dentro

¿Qué te parece 'Laberinto' de Belén Aguilera?

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Primavera Pro anuncia charlas gratis de Mariliendre, Sabor a Queer y Hinds

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Primavera Pro ha anunciado las actividades gratuitas que tendrán lugar en Barcelona durante la semana de Primavera Sound. Estas actividades se llevarán a cabo en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) de manera gratuita, sin reserva y hasta completar aforo.

Un año después de la exitosa charla de Los Javis en Primavera Pro, su última producción ‘Mariliendre’ estará en el centro de una charla sobre el futuro y el presente de la música. El 5 de junio a las 18.15, la protagonista Blanca Martínez Rodrigo y los directores Pablo Lluch y Vic Mirallas se sentarán con la moderadora Llum para debatir el papel de la música en la serie.

Música y cultura queer se darán la mano en el evento del día siguiente, 6 de junio, una grabación en directo y con público del podcast ‘Sabor a queer’ que tendrá lugar en el Auditori a partir de las 15.30. La conversación de María Escarmiento, Carmen Picado y David Velduque dialogarán sobre los retos y oportunidades que atraviesa la música queer en el contexto digital actual.

Las protagonistas de la tercera charla de Primavera Pro serán Hinds, que hablarán con Jack Coyne, presentador del programa de Youtube Track Star, sobre su último disco, ‘Viva Hinds‘ el mismo día 6 de junio a las 17.00 en el Auditori. Carlotta Cosials y Ana Perrote comentarán este disco que puede ser el mejor de su carrera y que ha contado con colaboraciones de Beck o Grian Chatten de Fontaines D.C.. Puedes recordar la charla de JENESAISPOP con Hinds aquí.

Además, el CCCB abrirá sus puertasdel 4 al 6 de junio para celebrar 22 conciertos gratuitos al aire libre, por parte de artistas como GUINEU, Remei de Ca la Fresca, OSKA, Milledenials, okdw, xiku o Juana Aguirre. Consulta los horarios aquí.

bb trickz viraliza su producción más ‘Super’

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bb trickz tiene nuevo viral entre manos, ‘Super’, uno de los sencillos extraídos de su último «disco» de 11 minutos, ‘80’z‘ (2025). ‘Super’ también es una de las mejores canciones de bb trickz, amén de una de las producciones más pintorescas, co-producida por ella junto a Leodaleo (ESP) y Kilvertz. Es la Canción Del Día.

«Me siento en un sueño, no quiero volver» es una de las frases que pronuncia la madrileña Belize Kazi en la letra de ‘Super’, y define la propuesta de la canción. Con su vibrante línea de bajo e hipnótico drone de teclado, ‘Super’ crea una atmósfera colorida y surrealista, efectivamente, como de sueño. No extraña que el videoclip esté lleno de referencias a dibujos animados.

Después, ‘Super’ es un derroche de chulería veraniega. Belize pasa de un «chulo» a otro y pasea sus «chanclas Chanel», sus «uñas francesas» y su «bikini colorido» por una «playa exótica» mientras sostiene un «coco en la mano». A su vez, da un «guantazo» verbal a sus haters y recuerda que el dinero no da la felicidad: «Soy rica, pero estoy triste», rapea con su relajado fraseo habitual. Porque su corazón sigue «bien frío, bien frío», ‘Super’ tiene una capa de melancolía. ‘Super’ ha llegado al 6º puesto de las canciones más virales de Spotify en el mundo.

Melody: «Estoy en contra de cualquier guerra»

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La neutralidad política de Melody ha suscitado un acalorado debate en redes y programas de televisión sobre la obligación de los artistas de posicionarse políticamente. Algunos creen que no debería ser controvertido defender los derechos humanos frente a un genocidio televisado, otros opinan que ni Melody ni nadie tiene obligación de pronunciarse sobre ningún tema político, sobre todo si no se está suficientemente informado.

Melody ha decidido calmar la polémica publicando un breve comunicado en redes, en el que aclara su postura sin mencionar ningún conflicto específico: «Tal y como creo que quedó claro ayer en la rueda de prensa, estoy en contra de cualquier vulneración de los derechos humanos y en contra de cualquier guerra. Me rompe el corazón ver como actualmente hay tantos conflictos armados en el mundo. Deseo la paz y mucho amor para todos».

Melody compareció el lunes en rueda de prensa para comentar su participación en Eurovisión, nueve días después de su actuación en Basilea. La cantante sevillana evitó en todo momento hablar de política o posicionarse respecto al conflicto entre Gaza e Israel. De hecho, afirmó que RTVE le «prohibía» abordar temas políticos por contrato y, para probar sus palabras, leyó la normativa de la UER, que prohíbe presentar canciones con letras de contenido político.

Sin embargo, no es lo mismo que RTVE impida a Melody hablar de política a que lo haga la UER, y la cadena pública ha desmentido las declaraciones de la artista en un comunicado.

«RTVE aclara, ante las afirmaciones de la cantante Melody, que en ningún momento se ha prohibido por contrato a ningún representante de España en Eurovisión hacer comentarios políticos», señala el texto publicado por la cadena. «Son las normas de la UER las que establecen que las canciones, y sólo las canciones, no deben incluir contenido político».

Melody ha eludido pronunciarse sobre política, pero ha pedido «amor y paz» en todo el mundo. Ha insistido, sobre todo, en que hablar de política no es su función, sino la de los políticos, y que ella prefiere centrarse en crear música y arte.

Aunque Melody ha defendido a capa y espada su postura neutral, incluso incurriendo en una falsedad que ha tenido que ser contestada por RTVE, el periodista Daniel Basteiro, director de Bloomberg, ha estado acertado esta mañana en La Hora de La 1 al señalar que la letra de ‘Esa Diva‘ contiene una frase que puede considerarse vagamente política: «la igualdad es mi bandera». Eso sí, es una frase que transmite un mensaje universal y que evita toda controversia.

¿Debe España abandonar Eurovisión?