Natalia Lacunza ha lanzado este viernes ‘N2STAL5IA’, su segundo disco, que ha venido precedido por los singles ‘Un castigo‘ con Jesse Baez, ‘Apego veroz’, ‘Tu culito‘ y ‘Singapur‘.
El disco revela nuevas joyas como ‘Plastilina’ y el focus track ‘SABES QUÉ???’ se ha promocionado con un videoclip que la propia Lacunza ha co-dirigido.
‘SABES QUÉ???’ versa sobre el deseo de Lacunza de liberarse de su propio autocontrol. «A veces necesito soltar las pinzas con las que tengo todo cogido y dejar que todo se destroce a mi alrededor», ha explicado en una entrevista reciente. En la canción, Lacunza expresa cansancio por ser siempre «la versión correcta» de sí misma y desahoga su frustración ante los sinsabores que le ha dejado la vida, lo cual incluye relaciones confusas, una búsqueda constante de validación, y la sensación de que el fulgor de la juventud -a sus 26 años- va quedando atrás: «Solía brillar, llegué a tener algo especial», canta.
Especialmente sonora es esa frase en que canta que, en esta nueva etapa de la vida, ya «no hay consejos de mamá», sino «solo un montón de mierda que no sé tragar».
Para contar esta historia llena de amargura e insatisfacción vital, Lacunza elige un sonido próximo al post-punk pero aún trabajado con sus colaboradores habituales, Pau Riutort y Pablo Stipicic. El sonido de ‘SABES QUÉ???’ remite al del primer Alizzz, el de ‘Ya no siento nada‘.
Martes, siete de la tarde. Llueve y hace frio en Gijón. Mientras espero para entrar en una sala de unos multicines (no todas las películas se proyectan en el elegante Jovellanos), me fijo en que solo hay colas para las sesiones del festival. Para el resto de las salas, no hay nadie esperando. Es una de las paradojas de los festivales: gente que apenas va al cine el resto del año, tragándose 10 o 15 películas en una semana.
Es la atracción del evento, la llamada del acontecimiento. No es ir al cine, es ir al festival: disfrutar del “ambientillo”, de los encuentros con los cineastas tras la película (ese aspecto Gijón lo cuida al máximo), de las actividades paralelas… Ahora que casi todo el cine está accesible por internet, esa es la función de los festivales que no están dirigidos a la industria, como Cannes o Venecia: crear lugares de encuentro y promoción cultural.
‘Nouvelle Vague’: así se hizo ‘Al final de la escapada’
Si te da igual la nouvelle vague, no conectas con el cine de Jean-Luc Godard y no has visto (y reverenciado) ‘Al final de la escapada’, la nueva película de Richard Linklater te parecerá tan interesante como a mí un libro sobre el “arte del toreo”. ‘Nouvelle Vague’ es droga para cinéfilos, una fiesta, una celebración, una gran bolsa de patatas fritas cinematográfica, el ‘Érase una vez en Hollywood’ de Linklater.
El director tejano no engaña a nadie: ‘Nouvelle Vague’ es, pura y simplemente, una carta de amor eterno a la película que alumbró el cine moderno. El filme recrea el rodaje de ‘À bout de souffle’ en clave de comedia cinéfila e imitando la caligrafía visual de la propia obra. El resultado es un falso making of tan encantador como divertido. Linklater no se dedica a hacer reverencias como un fan pesado cargado de solemnidad, sino que adopta la misma actitud que sus personajes cuando se burlan de la verborrea intelectual de Godard: complicidad, cariño y toneladas de admiración. 8’6
‘Blue Moon’: canción triste de Richard Linklater
‘The Lady Is a Tramp’, ‘My Funny Valentine’, ‘Blue Moon’… y así hasta mil canciones. El hoy olvidado letrista Lorenz Hart formó un popular dúo con el compositor Richard Rodgers en el Broadway de los años 20 y 30, luego eclipsado por el arrollador éxito de Rodgers junto a Oscar Hammerstein (‘Sonrisas y lágrimas’, ‘El rey y yo’).
Richard Linklater se acerca a la figura trágica de Hart (murió alcoholizado a los 48 años) recreando una sola noche de su vida: la del estreno del exitoso musical ‘Oklahoma!’ (1943), la primera obra que Rodgers compuso sin contar con él. Protagonizada por un sensacional Ethan Hawke -en la que podría ser la mejor interpretación de su carrera-, ‘Blue Moon’ es un biopic que se aleja del habitual semblante wikipédico para ofrecer un retrato del personaje más psicológico que biográfico, más centrado en transmitir su carácter y sensibilidad a través de la palabra (el filme está escrito de maravilla) que en enumerar su vida y milagros. 8’5
‘Las corrientes’: una mujer bajo la influencia
Precedida por las entusiastas críticas en los festivales de Toronto y San Sebastián (con quien el FICX mantiene un acuerdo de colaboración materializado en la sección Crossroads), la nueva película de Milagros Mumenthaler (‘La idea de un lago’, ‘Abrir puertas y ventanas’) se proyectó en Gijón envuelta en un inevitable halo de tristeza: la directora suizo-argentina estaba casada y tiene un hijo en común con el recientemente fallecido Fran Gayo, programador del festival e integrante del histórico dúo Mus.
‘Las corrientes’ se deja arrastrar por el caudal de estilistas de la imagen y la palabra como Hitchcock, Antonioni o Virginia Woolf para construir un relato misterioso, brumoso y esquivo sobre la inestabilidad emocional y la insatisfacción existencial de una mujer, una exitosa diseñadora de moda que parece tenerlo todo en la vida. Mumenthaler mezcla de forma fascinante imagen y sonido, silencios y voces interiores, para componer una especie de sueño febril donde los límites entre lo real y lo imaginado comienzan a difuminarse, como si el propio estado emocional de la protagonista contaminara la puesta en escena. Otro ejemplo más (‘Trenque Lauquen’, ‘Los delincuentes’) de la extraordinaria vitalidad del cine de autor argentino. 8’5
‘El agente secreto’: los “tiburones” de la dictadura
Fue una de las grandes triunfadoras de Cannes: Mejor dirección (Kleber Mendonça Filho), Mejor actor (fabuloso Wagner Moura) y Premio de la crítica. El director de ‘Bacurau’ y ‘Doña Clara’ echa mano de los códigos narrativos y estéticos del thriller político estadounidense de los 70 para construir una parábola sobre la dictadura militar brasileña.
Ambientada espléndidamente en 1977 en Recife (el diseño de producción es magnífico), ‘El agente secreto’ refleja el clima de miedo, violencia y corrupción que se vive en el país a través del relato de un enigmático funcionario que huye de un pasado turbulento y es asediado por los sicarios de una poderosa empresa afín al régimen. A partir de esta trama principal, la película se abre en diversas direcciones: alegoría política, retrato de la sociedad de la época (gran parte de la historia transcurre durante los carnavales), memoria histórica y cinéfila (incluyendo la proyección de ‘Tiburón’ y ‘La profecía’) e incluso un desvío hacia el terror de serie B más bizarro. 7’9
‘Father Mother Sister Brother’: la familia según Jarmush
Flamante ganadora del León de Oro en el reciente Festival de Venecia, ‘Father Mother Sister Brother’ nos devuelve al Jim Jarmush de las películas episódicas de sus inicios, como ‘Mystery Train’ (1989) o ‘Noche en la Tierra’ (1991). Acompañado de un reparto de lujo –Tom Waits, Adam Driver, Charlotte Rampling, Cate Blanchett…-, el director narra tres historias conectadas por un mismo hilo temático: las relaciones familiares.
Las dos primeras son magníficas: dos variaciones sobre un mismo tema -una pareja de hermanos que va a visitar a su padre o a su madre-, llenas de humor, melancolía y reflexiones sobre la incomunicación, la distancia emocional y los roles que interpretamos cuando estamos en familia. Jarmush juega con las repeticiones para establecer rimas llenas de comicidad, desplegando una puesta en escena mínima pero precisa que potencia el peso de los silencios. Con el tercer relato conecté menos, quizá por su desequilibrio tonal con respecto a las anteriores: la historia de dos hermanos que se reencuentran para visitar la casa de sus difuntos padres. Es tierna, emotiva y cierra bien el conjunto, pero le falta la chispa y la ligereza de las otras dos piezas. 7’8
‘Al oeste, en Zapata’: los olvidados
El comienzo de ‘Al oeste, en Zapata’, ganadora del premio a la Mejor película, es impresionante. Como si se tratara de un plano secuencia de un filme de Béla Tarr, fotografiado en un expresivo blanco y negro, vemos a un hombre de espaldas avanzando por una ciénaga mientras carga sobre sus hombros un cocodrilo que acaba de cazar con sus propias manos. Es un plano de gran fuerza visual y dramática que sirve como puerta de entrada al mundo de un matrimonio que (sobre)vive en uno de los parajes más inhóspitos de Cuba.
Mezcla de documental antropológico, cine de denuncia (la radio emite sin descanso discursos propagandísticos del régimen) y retrato íntimo de familia (la pareja cría a un hijo autista en condiciones extremas), el debut de David Bim se adentra en la rutina de este matrimonio con una mirada paciente y respetuosa, evitando tanto la explotación miserabilista como la épica grandilocuente, confiando en la propia potencia del entorno y la humanidad de los personajes. Una de esas películas del FICX en las que uno entra “a ciegas” (como el año pasado ‘Mother Vera’) y sale casi iluminado. 8
‘A pied d’œuvre’: bohemios del siglo XXI
Valérie Donzelli (‘Declaración de guerra’, ‘Solo para mí’) adapta el superventas autobiográfico de Franck Courtès (su guion fue premiado en el festival de Venecia). ‘A pied d’œuvre’ actualiza el mito del artista bohemio. El filme narra la historia de un fotógrafo de éxito (fantástico Bastien Bouillon, uno de los mejores actores franceses del momento) que abandona una posición de privilegio laboral y familiar para entregarse a su verdadera vocación: la escritura.
A través de su día a día, aceptando todo tipo de trabajos precarios para sobrevivir mientras escribe -un periodo muy fecundo desde el punto de vista creativo pero agotador en lo emocional y lo material-, la película traza un retrato íntimo de la fragilidad contemporánea del artista, siempre dividido entre la necesidad de crear y la urgencia de llegar a fin de mes. Donzelli observa con sensibilidad cómo esa precariedad, lejos de romantizarse, deja cicatrices, pero también abre un espacio para la libertad y la búsqueda de una voz propia. 7’7
‘Stereo Girls’: pop y muerte
Caroline Deruas, ex mujer de Philippe Garrel, dirige su segundo largometraje, protagonizado por su hija, Lena Garrel. Sí, todo muy “nepobaby”. Pero esta sensación se diluye en cuanto suenan las estupendas canciones compuestas por Calypso Valois, conocemos a las dos amigas protagonistas (a Garrel la acompaña Louiza Aura, conocida por ‘Las reinas del drama’) y nos vemos arrastrados por una narración muy afinada que mezcla la comedia musical con un coming of age tan luminoso como duro y profundamente dramático.
La directora parte de un hecho autobiográfico (el filme está ambientado en los 90) para contar un sencillo y hermoso relato de amistad adolescente, con la música como impulso vital (son fans de Les Rita Mitsouko y quieren ir a París a triunfar como dúo musical). Liviana y desenfadada como una canción pop, ‘Stereo Girls’ termina revelándose como una película más honda de lo que aparenta: un retrato vibrante y melancólico sobre la euforia, las heridas y la intensidad de unos años en los que todo parece posible (el título original es ‘Les Immortelles’). 7’5
‘Por el bien de Adam’: una enfermera contra el sistema
Laura Wandel irrumpió en el panorama del cine europeo con la contundencia de un puñetazo en el estómago. Su brutal acercamiento al acoso escolar desde el punto de vista de los niños en ‘Un pequeño mundo’, la situó como una de las cineastas más prometedoras del presente, una suerte de heredera de los hermanos Dardenne pero con mirada propia.
En ‘Por el bien de Adam’, la directora belga continúa explorando el mundo de la infancia, aunque esta vez desde el punto de vista de una enfermera pediátrica (extraordinaria Léa Drucker). El ingreso en el hospital, bajo orden judicial, de un niño con malnutrición será el detonante de un intenso drama médico, articulado alrededor del conflicto entre los protocolos de protección a la infancia y las complejidades de cada caso particular, entre la fría lógica institucional y la mirada humana de quien debe aplicar esas normas. Aunque carece de la sutileza y potencia dramática de la anterior, ‘Por el bien de Adam’ es tan buena como lo podría ser un episodio de ‘The Pitt’ rodado por los Dardenne. 7’7
‘Un día con Peter Hujar’: el día más largo
Había mucha expectación por ver la nueva película de Ira Sachs, quien además iba a estar en Gijón para presentarla. El teatro Jovellanos recibió con una gran ovación al autor de ‘Passages’ y ‘Keep the Lights On’, pero despidió su película con tímidos aplausos.
‘Un día con Peter Hujar’ recrea la grabación de la conversación entre Peter Hujar y Linda Rosenkrantz que tuvo lugar en 1974, en la que el célebre fotógrafo explicaba cómo transcurría un día normal en su vida. Sachs narra el encuentro emulando, con brillantez y notable capacidad evocadora, las formas del cine underground neoyorquino. Ben Whishaw brilla interpretando a Hujar (ganó el premio al mejor actor) y Rebecca Hall, en un papel muy poco agradecido, le da la réplica con sobriedad. El problema es que lo que cuenta Hujar tiene un interés muy limitado salvo para los muy fans del fotógrafo. Quizás, como ejercicio de estilo para un corto, hubiera tenido un pase, pero como largometraje se hace eterno. 5
Morrissey volverá a intentar actuar en España, tras cancelar su última fecha anunciada en Madrid por prescripción médica. Esta vez, el ex vocalista de los Smiths se ha aliado con Primavera Tours para llevar a cabo tres shows en tres ciudades españolas.
Morrissey estará el 12 de marzo en el Palau de les Arts de Valencia, el 14 de marzo en el Auditorio de Zaragoza y el 16 de marzo en el Cartuja Center de Sevilla, en tres conciertos coproducidos por Primavera Sound y SFMusic. Estas fechas forman parte de una nueva gira de Morrissey que comenzará en Estados Unidos a principios de 2026.
La venta general de entradas se abrirá en la página web de Primavera Sound el 28 de noviembre a las 10 horas, confirma la promotora.
Udo Kier, el actor alemán conocido por su presencia imponente y su participación en cientos de películas de culto, de directores como Lars von Trier, Gus Van Sant, Werner Herzog o Rainer Werner Fassbinder, ha fallecido a los 81 años. Su pareja, Delbert McBride, ha confirmado el deceso.
Especialmente recordado por su papel de Conde Drácula en ‘Blood for Dracula’ (1974), Udo Kier se especializó en interpretar personajes secundarios oscuros y depravados, incluido el mismo Adolf Hitler en uno de sus trabajos más recientes, ‘Iron Sky: The Coming Race’ (2019). Casualmente, cuando Kier nació en 1944, al final de la Segunda Guerra Mundial, su hospital fue bombardeado y él y su madre hubieron de ser rescatados de los escombros.
La presencia natural de Kier le llevó a encarnar a más de un vampiro, también en la transgresora ‘Flesh for Frankenstein’ (1973), y sus diferentes personajes en ‘Suspiria’ (1977) de Dario Argento, ‘The Third Generation’ de Fassbinder (1979), ‘My Own Private Idaho’ (1991) de Van Sant o ‘Zentropa’ (1991) de Von Trier -de villanos, aristócratas o científicos locos- fueron igualmente excéntricos o decadentes, cuando no antagónicos. Su último trabajo es ‘The Secret Agent‘ (2025) de Kleber Mendonça Filho.
Uno de los roles recientes más recordados de Kier es el de peluquero extravagante en ‘Swan Song’ (2021). Fue, a sus entonces 77 años, su primer papel protagonista.
Kier, quien rodó unas 220 películas tanto en Europa como en Estados Unidos, y también dobló películas, series y videojuegos, colaboró asimismo con artistas musicales. Su elegante presencia atrajo la atención de Madonna, quien contó con Kier para que posara con ella en su controvertido libro ‘Sex‘ (1991). Kier apareció también en los videoclips de ‘Erotica’ y ‘Deeper and Deeper’. Kier apareció también en los vídeos de ‘Make Me Bad’ de Korn y ‘Let Me Blow Ya Mind’ de Eve y Gwen Stefani.
En 2013 The Neighbourhood lanzaron su debut ‘I Love You.’, un álbum que albergaba una canción que ha ido imponiéndose como uno de los grandes (y más soprendentes) éxitos de los últimos quince años. ‘Sweater Weather’, la carta de presentación de la banda californiana, no pudo llegar en un momento más idóneo. Todo en ella respondía a las demandas estéticas de entonces: desde los coches vintage y atardeceres en blanco y negro de su videoclip hasta su atmosférico sonido pop-rock alternativo playero y muy cool. Si Tumblr fuera una canción, sería esa, y si fuera un sonido, sería el de los dos primeros discos de The Neighbourhood.
Ahora Tumblr no tiene casi relevancia y estamos en 2025. Pese a que parece que 2013 fue hace dos días, ya hay toda una generación de adultos que en aquella época su edad no llegaba ni a los dos dígitos. Para muchos de ellos, escuchar ese tipo de canciones supone regresar a la infancia o a la preadolescencia, y por todos es sabido que no hay nada que guste más, a cualquier generación, que la nostalgia. Probablemente por eso, la banda ha vivido un resurgir a través de TikTok (‘Sweater Weather’ acumula más de 4 mil millones de reproducciones en Spotify, mientras que ‘Softcore’ y ‘Daddy Issues’ superan holgadamente los mil millones cada una) y quizá por eso también han decidido finalizar el hiato en el que se encontraban y lanzar su cuarto disco tras seis años de sequía.
‘(((((ultraSOUND)))))’ es un regreso a lo que la banda sabe hacer, una zona de confort donde no hay grandes avances sonoros ni innovaciones estilísticas, pero sí un cierto refinamiento en las composiciones. La nostalgia es, sin duda, la luz que les guía, y en cierta manera, cada una de las canciones recuerda en mayor o menor medida al rock alternativo de los 2010s.
La buena noticia es que se percibe una mayor madurez que en los discos anteriores. Hay momentos en los que la banda suena mejor que nunca, como en ‘Lil Ol Me’, que destaca por una producción hipnótica y sugerente. El álbum entero intenta siempre lograr ese tipo de atmósfera densa con resultados irregulares, pero cuando lo consiguen, les sale muy bien la jugada. Es el caso de la muy britpop ‘Hula Girl’, que abre el proyecto, y que figura desde ya entre lo mejor del catálogo del grupo; y también de ‘Zombie’, que se construye mediante un ritmo de batería y una sutil línea de bajo tan adictivos como la relación tóxica que describe.
En otras ocasiones, los de Jesse Rutherford no se muestran tan acertados, hundiendo varias de sus canciones en un pozo de mediocridad que afecta considerablemente a la fluidez del disco. La animada ‘OMG’ se sustenta en una melodía facilona que no aporta demasiado; lo mismo puede decirse de la olvidable ‘Mama Drama’; y ‘Planet’ parece un tema cualquiera de Cigarettes After Sex, menos en su extraño estribillo a lo Michael Jackson. La combinación ya suena rara sobre el papel, y el resultado también lo es: no funciona nada.
Otros pseudo experimentos, sin llegar a maravillar, sí que sirven para airear la secuencia y se agradecen, como los cinco minutos de puro dream pop pausado tipo Beach House que propone ‘Rabbit’; o ‘Stupid Boy’ que comienza medio acústica y va paulatinamente ganando capas de distorsión en su instrumentación e intensidad en la interpretación del cantante, cerrando el álbum en un punto álgido.
En su cuarto disco, The Neighbourhood elevan considerablemente la calidad de su sonido sin dar grandes volantazos estilísticos y siendo fieles a ellos mismos. Sin embargo, hay una falta de concisión que perjudica a un álbum que no necesitaba 15 cortes para mostrar todas sus cartas. Afortunadamente, sus momentos insustanciales se presentan mezclados con otros que indican mejor que en ninguno de sus otros proyectos que la banda es capaz de crear buenas canciones. (((((ultraSOUND))))), pese a sus defectos, debe ser visto como un paso adelante.
Jeanette ha anunciado las fechas de su Gira 50 Aniversario, que pasará por algunos de los recintos más grandes de España. Entre estos, el Movistar Arena de Madrid y el Palau de la Música en Barcelona. Las entradas ya están disponibles.
La cantante nacida en Reino Unido repasará toda su carrera en esta gira, desde sus inicios folk con Pic-Nic hasta los clásicos que todos conocemos, como ‘Soy rebelde’, ‘¿Por qué te vas?’o ‘El muchacho de los ojos tristes’. Así, Jeanette comenzará la gira el próximo 19 de diciembre en Tudela y pasará por Granada, Vigo, A Coruña, Barcelona, Bilbao, Valencia, Sevilla, Gijón, Madrid y San Sebastián.
En un comunicado de prensa, se adelanta que la cantante ofrecerá «versiones renovadas que respetan la esencia de sus canciones originales», y que las actualizan con «instrumentación acústica, pianos eléctricos y unas delicadas cuerdas». Próximamente, se anunciarán las fechas de la gira para el continente americano.
Fechas de la Gira 50 Aniversario de Jeanette:
– Tudela (19 de diciembre)
– Granada (6 febrero 2026)
– Vigo (14 febrero 2026)
– A Coruña (15 febrero 2026)
– Barcelona (9 marzo 2026)
– Bilbao (15 marzo 2026)
– Valencia (21 marzo 2026)
– Sevilla (12 abril 2026)
– Gijón (23 mayo 2026)
– Madrid (14 diciembre 2026)
– San Sebastián (19 diciembre 2026)
La segunda tanda de confirmaciones de Low Festival ha sido anunciada. El evento, que se había celebrado durante 15 años en Benidorm, se traslada este año a Torrevieja y tendrá lugar durante los días 31 de julio, 1 y 2 de agosto en el Parque Antonio Soria.
Low suma a su cartel ocho nuevos nombres: Kasabian, Love of Lesbian, Ginebras, La Casa Azul, Rufus T. Firefly, Aiko el Grupo, Los Chivatos y Nuevos Vicios. Estos se suman al primer avance de artistas, anunciado hace una semana con Editors, Dani Fernández, Fangoria, Alcalá Norte, Barry B, Natalia Lacunza, Ojete Calor, Veintiuno, Besmaya, joseluis, Perro y Repion.
Los abonos generales y VIP Low 2026 están disponibles en la web oficial del evento. Por su parte, la organización también ha anunciado un descuento especial para empadronados en Torrevieja que podrán conseguir su abono a precio reducido.
En 2016, Monkey Week anunciaba que, tras 7 ediciones en el Puerto de Santa María, se mudaba a Sevilla. La organización argumentaba que era la «consecuencia lógica de su crecimiento como punto de encuentro de la industria musical». Este 2025, la Monkey Week ha vuelto al Puerto de Santa María, tras sentir que las instituciones sevillanas estaban ahogando el festival, alejándolo cada vez más del centro de la ciudad (cuando se había concebido como festival urbano), e imponiendo restricciones horarias.
El regreso a Puerto de Santa María ha sido un éxito. Se puede echar de menos la triada de salas contiguas que, entrada la madrugada, acogía conciertos en Sevilla, pero las localizaciones para el desarrollo del festi no admiten comparación. Las charlas sobre la industria se celebran en la mezquita del Castillo San Marcos (siglo XIII), el escenario en dicho Castillo está dentro de una bodega, y los shows nocturnos se celebran en el espectacular Monasterio de la Victoria (siglo XVI), lo cual incluye una gigantesca capilla. Recintos en piedra no siempre amigos de los técnicos de sonido más noveles, pero que compensan cualquier falta con su espectacularidad.
Si Monkey Week tiene el cometido de descubrir bandas, lo que se llama «la música del mañana», hay un par de proyectos que me llevo muy bien apuntados. El dúo madrileño Las Nietas del Charli ofrecieron el viernes en la Sala Milwaukee uno de esos conciertos actústicos que, de tan bonitos, son capaces de callar a todo el mundo. Las hermanas alternaron humor con delicadeza. Ambas a la guitarra acústica, recordaban obviamente a Pauline en la Playa y a sus maestras Vainica Doble, aunque con armonías vocales más propias de los Low más descorazonadores.
Entre canción y canción, divirtieron. En verdad, nada más salir bromearon: «Gracias por venir a la hora de la siesta. Nosotras somos un poco siesta también». Y añadieron, provocando alguna carcajada: «¿por casualidad nadie tendrá una cejilla?». Aunque en el penúltimo tema un productor presente en la sala fue capaz de apañar una cejilla con un bolígrafo y una goma de pelo, el concierto de «Las Nietas» habría salido igual de bien sin ella. Anunciaron que no iban a tocar ninguna de las 6 canciones que tienen publicadas, se decantaron por las nuevas, y fueron capaces de cortar el hipo, sin grandes estribillos, con la calidez de ‘Trece’, ‘Pájaros de plata’, un tema sobre una «montaña», otro sobre la «distancia» o ese ‘Rabia’ con el que empezaron y que, lleno de violencia, dedicaron al 20-N que acababa de pasar. Y de qué manera. Volveremos sobre Las Nietas del Charli pronto.
A continuación, en la misma sala, el show del vallisoletano Dulzaro fue mucho. El joven artista remoza el folclore castellanoleonés con letras abiertamente LGTBIQ+ llevando un paso más allá -en cuanto a dance se refiere- lo exhibido por Rodrigo Cuevas desde Asturias. Dulzaro sabe cómo actuar cuando suenan pregrabadas las voces de los featurings de su álbum ‘Ícaro’, que son de paisanos tan improbables como David Ruiz de La M.O.D.A. o Erik Urano, revelándose como un gran performer al margen de los instrumentos folclóricos que se sacan de la manga tanto él como su músico.
‘Veinte duros’, pese a su temática de ITS o prostitución, hace reír por alguna razón, además de mejorar casi a capella en lugar de en su versión de estudio. Ante todo, un concierto muy divertido, gracias a la buena recepción popular. Alguien gritó «¡vivan las maricas castellanas!». Y otra, que se había identificado como su fan número 1, chilló: «¿Qué te falta?». Y él devolvió: «un ventilador».
Javier Rosa
Lo mejor de Monkey Week sucede cuando puedes ir alternando estos escenarios en los bares, en las salas, con los del Castillo, durante el día, mientras los del Monasterio son los nocturnos. En ese ir y venir de un recinto a otro durante el día del viernes pude descubrir también a Pleito. Se trata de una artista canaria que toca el saxofón y lo samplea, lo mismo que hace con conchas que de repente se saca de un bolsillo, entre otros artilugios que la rodean. Ocasionalmente, tamnbién canta algo. Junto a sus explicaciones sobre leyendas macabras de las Islas o canciones que se dedican a vírgenes, amenizó la comida de dicho día, con ciertas ínfulas avant jazz.
Hablando de saxo, fue inesperadamente un gran protagonista del concierto de Bernarda. Hubo sus momentos fieros, pero sobre todo sorprendió la experimentación de este show, hasta el punto de llegar a dudar de si estaba viendo a Bernarda en la Bodega del Castillo, o había habido algún tipo de cambio de escenario. Pero identifiqué finalmente temas como ‘Sadboy en bicicleta’ u ‘Otra mañana’. Nada que ver con Gonzalo Brancchiari, que ofreció un acústico junto a un colega que pudo traerse de su país Uruguay, y defendió sus composiciones de rock con lo mínimo, lo que incluyó su bonita voz.
Javier Rosa
El jueves llenaron también sus recintos en la zona centro de El Puerto de Santa María, Sanguijuelas del Guadiana y Karmento. Los primeros son la sensación nacional de 2025, ya lo eran desde antes de actuar en ‘La Revuelta’ y ahora lo son más. Los extremeños, jovencísimos, son definitivamente un cruce entre Estopa, Extremoduro y Pignoise, con algún ramalazo electrónico y la gracia de tener un himno sobre la España vaciada. Dedicaron ‘Revolá’ a la «gente que se va de su pueblo porque no puede hacer lo que quiere», aunque es cierto que su técnico no logró sacarles mucho brillo en la Bodega del Castillo.
Por el contrario, Karmento sonó increíble con su banda eminentemente femenina en la Sala Milwaukee. Interpretó sus hits como ‘La loca del pueblo’, ‘Fangos’ o ‘Quiero y duelo’, además de su nueva canción junto a Le Parody, quien pudo subir al escenario porque estaba por allí. Karmento no paró de hablar entre tema y tema, recordando fiestas de su pueblo en que las «serranonas» lucen traje, anticipando que en Nochevieja podremos verla en RTVE y a veces desconcertando un poco también: «Mujeres, no me revolucionéis a los hombres. Hermanas, sabéis de lo que hablo», espetó misteriosamente al presentar un tema, sin que nadie pudiera adivinar qué quería decir.
En verdad, el único enemigo de este Monkey Week ha sido el frío. La Feria se celebra hoy por hoy a finales de noviembre, y aunque el invierno ha tardado en hacer acto de presencia por obra y gracia del cambio climático, lo cierto es que ha llegado a la península justo esta semana. Programar a Cupido a las 2 de la madrugada en el Escenario al aire libre del Monasterio, un 21 de noviembre, no lució como la mejor idea, por muy al sur de España que nos encontremos. El Monkey debería ser en octubre o no alargarse tanto durante la madrugada al aire libre.
Cupido salieron airosos del reto, de todas formas. Pimp Flaco apareció con un plumas minúsculo y diminuto que le había dejado su hermana, y además al final se animó a quitárselo. El teclista y guitarrista Toni D comentó varias veces que le estaba costando tocar, especialmente la guitarra, con los dedos entumecidos por el frío. Aun así, el público resistió y se cantó temas como ‘Sobredosis de amor’, ‘Milhouse’ o ‘Autoestima’. Esta última, Pimp Flaco se la dedicó a su padre, ya fallecido, que además era de Cádiz. Aunque quien de verdad se llevó el gato al agua, al aire libre, este viernes, fueron Ortiga con su banda «Las Fanáticas de lo Sensual».
Javier Rosa
Decenas de shows por todo el país avalan el proyecto del compostelano, y el show, marcado por las mujeres a los vientos y el ritmazo, es una fiesta. Decía Ortega -antes en Esteban y Manuel- cuando salió ‘Obra social’ que le gustaba entender el grupo «como una obra social que sirva a la gente que anda perdida en la vida». Que quería crear «un lugar en el que sentirse acogido y respetado». Y eso fue exactamente lo que logró con una mezcla de merengue, bachata, cumbia y música de verbena (de hecho es que tiene un tema llamado casi ‘Verbena’), que animó a todo el Escenario Son Estrella Galicia a bailar. No sé si las escuchas de Ortiga se dispararán algún día, pero no deberían faltar en ningún festival.
Justo antes en el mismo escenario, La Paloma habían estado presentando su segundo disco, el notable ‘Un golpe de suerte’. Hubo sus altibajos en cuanto a sonido, pero el grupo sirvió show dada la gracia de compartir liderazgo (incluso han incorporado al bajo a Ade ex Hinds). Quizá sean más conocidas las canciones que canta Nico (‘Bravo Murillo’, ‘La edad que tengo’), pero Lucas se queda algunas tan carismáticas como ‘Cosquilleo’ (la que adaptó Alcalá Norte) y además en esos momentos, Nico aprovecha para poco menos que revolcarse por el escenario.
Javier Rosa
En la Capilla, contigua, se vivieron momentos tan mágicos como el recital de La Tania, que en parte tuvo lugar dentro de un bonito cubículo. Emocionadísima, no dejó de agradecer la buena acogida que había tenido ‘Los almendros’, un tema que dejó naturalmente para el final. Además, tuvo la elegancia de, en ocasiones, abandonar el escenario para dejar brillar a sus dos músicos, en especial a su guitarrista (que no era Yeray Cortés).
Peor sonido tuvo la banda de Tristán!, algo apagada durante todo el set, pese a que su nuevo disco tiene temazos como ‘Tutta La Notte’ o ‘Verónica’, que se desplegaron sin artistas invitados. Quien no iba a dejarse amedrentar por nada fueron Throes + The Shine. Se suponía que el grupo iba a explorar su origen angoleño y los ritmos de Mozambique, pero al final dio igual el dónde, porque su líder, que reside en Oporto, no paró de animar al personal en perfecto castellano. Ni un segundo paró entre el bajarse con el público, abrir un canal en mitad del foso, hacer el moonwalking o quitarse la ropa porque tenía calor. Parecía querer decir: «si tenéis frío, pues puto moveos».
Javier Rosa
Entre los últimos coletazos del viernes, en el Escenario Jägermeister, algo más resguardado merced a que se sitúa encima de una pista de coches de choque, entretuvieron y mucho -al menos en la mitad que pude ver- Aiko El Grupo, ya con ganas de introducir temas de su próximo disco, que dicen que es «mucho mejor», pero aún fieles a viejos temas como ‘Romantinski’; y Joe Crepúsculo, que no deja de interpretar ‘Mi fábrica de baile’ como el gran imprescindible en todo festival que es. Los conciertos continúan este sábado con artistas como Destroyer. Y es verdad que volverá el frío, pero tampoco es nada que no puedan resolver un abrigo gordo, una bufanda y unas manoplas.
En principio, ‘La Perla‘ sucumbió ante ‘Berghain‘ entre las canciones favoritas de nuestros lectores. A la larga, la batalla entre dos canciones de la misma Rosalía se está resolviendo en favor de ‘La Perla’, que además es número 1 oficial en España y repetirá la semana que viene. En nuestro Instagram, el vals se ha hecho con el 52% de los votos frente al 27% del tema con Björk e Yves Tumor, de popularidad claramente decreciente. ‘La Perla’ es el 12º top 1 de Rosalía en nuestra web, despúes de ‘Malamente’, ‘Pienso en tu mirá’, ‘Di mi nombre’, ‘Barefoot in the Park’ con James Blake, ‘Aute cuture’, ‘La fama’ con The Weeknd, ‘Saoko’, ‘Candy’, ‘New Woman’ con Lisa, ‘Omega’ con Ralphie Choo y ‘Berghain’ . Curiosamente, ‘Despechá’ nunca lo consiguió. Rosalía empata así en números 1 de JENESAISPOP con Lady Gaga y ya solo tiene por delante a Lana del Rey (15).
La entrada más fuerte es la de Robyn, que queda lejos del top 1 con ‘Dopamine’, seguida de Charli XCX y John Cale, que tienen éritos llegando al top 4 con una canción tan ambiental como ‘House’. Otras entradas son las de Sigrid, Oklou, Musgö, Anna Von hausswolff y Tobias Jesso Jr.
Ya podéis escuchar cómo ha quedado el top 40, junto a las 10 nuevas candidatas, en Apple Music.
Algo más de un año después del maravilloso ‘Imaginal Disk’, Magdalena Bay siguen sin dar un paso en falso. Mica Tenenbaum y Matthew Lewin han lanzado la friolera de 8 canciones en los últimos dos meses, de dos en dos y sin aviso previo. «Simplemente deja que pasen los buenos tiempos», escriben en Instagram. ‘This Is The World (I Made It For You)’ es la Canción del Día.
Todas las canciones que han lanzado en este periodo han sido diferentes entre ellas, y complementarias a la vez. En el caso de ‘This Is The World’ y ‘Nice Day’, el nexo está en el uso de guitarras. Magdalena Bay también han aclarado que esta se trata de la «pareja final». Y no se podría acabar de mejor manera.
‘This Is The World (I Made It For You)’ es un tema de corte clásico en el que no abundan tanto los sintetizadores como en el resto de composiciones del dúo. Las campanitas del estribillo, pegadizo a más no poder, nos remiten al doo woop de los 50 y principios de los 60. El dúo sigue manteniendo su vena experimental en momentos contados, pero están implementados de forma sutil, como el potente sinte que irrumpe después del primer estribillo.
La letra elige la vía críptica, pero se mantiene disfrutable. «Intento sonreír / Daré mi mejor interpretación hasta la fecha», canta Tenenbaum en la primera estrofa. El estribillo, por otro lado, podría tratar sobre una relación, ya sea romántica («Ahora lo que tienes que hacer es enseñarme amor y afecto de verdad») o del artista con su arte: «Este es el mundo / Lo hice para ti / Ahora lo que tengo que hacer es perder un pelín de paranoia».
¿Ha inventado Austra el «disco post-ruptura bailable»? Seguro que no. Hay precedentes o al menos indicios en las carreras de Robyn, Lorde o, en España, recientemente, Miss Caffeina. Pero un vistazo a los álbumes de desamor más populares de la historia evidencia que la mayoría se compone de baladas (Adele), soul (Amy Winehouse), folk americano (Bob Dylan), pop-rock (Fleetwood Mac) o pop a secas (ABBA). Eso sin ponernos exquisitos, porque hay supuestos discos de ruptura que no lo son absoluto (Alanis, No Doubt, Radiohead).
‘Chin Up Buttercup’, el quinto álbum de Austra, sí se inspira casi únicamente en el desengaño que ha sufrido su líder Katie Stelmanis tras 3 años de relación. Y la novedad es esa, que con sus altibajos y sus momentos meditativos, Katie ha salido de ella de una manera muy clara: bailando con los brazos en alto.
La toxicidad campa a sus anchas en los textos del álbum. La frase más citada de ‘Chin Up Buttercup’ procede del single ‘Math Equation‘, que pide a gritos un mash-up con el gran hit de Kylie Minogue. Es aquel de «dijiste que necesitaba tener mis propios amigos, los encontré, y les jodiste». Spoiler: hay más. ‘Amnesia’ se desespera por tratar de averiguar qué es lo que espera la otra persona que hagamos. Y hay un momento en ‘Fallen Cloud’ en el que no tienes ni idea de en qué lado de las dos partes reside el problema: «quiero que seas diferente / viviríamos la perfección total / si pudieras cambiar, tan solo un poquito…» Suena mal.
No así el disco, en absoluto. En contraste a la tristeza de algunos textos, y a otras sensaciones similares, como la necesidad de conexión de ‘Siren Song’ o el hastío de llorar de ‘Look Me in the Eye’, las canciones se levantan. Los ejemplos más palmarios serían ‘Amnesia’, que pasa de depender del piano a depender del beat, y esa ‘The Hopefulness of Dawn’ -de 6 minutos- que pasa de la balada a un trance al modo de ‘Vocal’ de Pet Shop Boys. El clímax de ‘Fallen Cloud’ es como si lo hubiera ideado David Lynch.
‘Chin Up Buttercup’, cuya traducción libre sería «Alegra esa cara», es como el tercer disco que este año se inspira en ‘Ray of Light’ de Madonna. Bebe de la música electrónica y de cierto clasicismo también: hay pianos, flautas y recursos operísticos, los habituales en la carrera de Katie. Hay tantos acercamientos a la new-age como al synth-pop de los 80. El tema más divertido y ácido del álbum, ‘Think Twice’, habría colado en la era electroclash: «Por favor, Adonis, tan tímido y humilde / Qué fácil te resulta mantener el control de la narrativa».
Hot Chip podrían haber estado detrás de esa canción o de la final ‘Good Riddance’. Tan cerca de Enya como de Moby, Austra nos ha entregado un álbum navideño que invita al recogimiento, solo que recordando que este no lo tenemos que pasar pegados a una silla ni tapados por una manta.
Hoy 21 de noviembre se editan nuevos álbumes de Natalia Lacunza, Tobias Jesso Jr (el primero en 10 años), Repion, Aya Nakamura, Ruiseñora, Oneohtrix Point Never, EDE, Kris Tena o Bely Basarte. Además, sale la banda sonora de ‘Wicked: For Good‘, al igual que la película. También se ponen en circulación la reedición del disco de Tate McRae y los nuevos EPs de Orville Peck o el de Skrillex lanzado por sorpresa.
Pipiolas abren la playlist «Ready for the Weekend» con la Canción Del Día. Destacamos, además, los nuevos singles en solitario de Bad Gyal, dani dicostas, Los Puñales de Martín, Luna Ki, La Plazuela, mori o Parquesvr, y las colaboraciones de Tainy con Karol G, Danny L Harle con Oklou y MNEK, Zoe Gotusso con Rigoberta Bandini, o Maria Rodés con Soleá Morente y Nieves Lázaro.
La jornada llega cargada de otras alianzas interesantes como las de Sébastien Teller con Slayyyter, Le Parody y Karmento o Belén Aguilera y Metrika (en un remix).
Y las novedades siguen tanto en el plano internacional, con estrenos de Ca7riel y Paco Amoroso, KNEECAP, Coline Rio, Tems, Annalisa, Ladytron, Miya Folick, Absolutely (la hermana de RAYE), The Leaving (Martin Doherty de CHVRCHES), Kingfishr, la maqueta de Madonna…
…como, sobre todo, en el nacional: tenemos nuevos lanzamientos de cosas bien cosas mal con Carlotta Cosials, BANANI, Biodramina Mood, Yerai Cortés, Estela Gris, Estrogenuinas, Vez Era con Rufus T. Firefly o Salma de Diego, la primera concursante de Operación Triunzo 2025 que lanza single, y escrito por Carmen Lancho.
Triángulo de Amor Bizarro solo han tardado 21 años en versionar la canción que les originó. Así, la banda gallega lanza hoy ‘Triángulo de Amor Bizarro’, su particular interpretación del clasicazo de New Order, originalmente titulado ‘Bizarre Love Triangle’ y lanzado en 1986. Tan buena como la original, es la Canción del Día.
El clásico del synthpop que se marcó New Order a mediados de los 80 ha probado ser atemporal. Fue sampleado por C. Tangana en la versión Tiny Desk de ‘Los Tontos’ y ahora es homenajeado por la banda que la propia canción generó en 2004, en un pequeño puebnlo de la costa coruñesa llamado Boiro.
‘Triángulo de Amor Bizarro’ es una versión bastante fiel a la original, desde los arreglos musicales hasta la traducción de las letras. Donde cambia realmente es en las texturas que utiliza, abrasivas y contemporáneas, especialmente en esas primeras notas de sintetizador. Los riffs de guitarra que se introducen en la intro también son pura marca del indie español. Desde luego, es lo suficientemente diferente como para escucharla en bucle una y otra vez.
Las letras también son una traducción casi literal de la original de New Order, comenzando por su icónico estribillo: «Cada vez que te veo caer, me arrodillo y pienso en ti / Esperando el momento al fin que tú digas lo que yo no sé», canta Isa Cea. De esta forma, la banda pone el broche final a la celebración de sus 20 años de trayectoria, sobre lo cual también se explayaron en el podcast de JNSP, Revelación o Timo, hace un año.
Triángulo de Amor Bizarro estarán el próximo 11 de diciembre en la Sala BUT, como parte de la programación especial por el 25 aniversario de Ochoymedio. Todavía hay entradas.
pablopablo, que ha publicado uno de los mejores discos nacionales de 2025, ‘Canciones en Mí‘, visita nuestro podcast. El artista habla de cómo la competitividad perjudica la creatividad: «Hay mucha competitividad, es agotador, lo mejor es que no participes de ninguna manera, que no intentes reventarlo. Lo mejor es ponerte de lado, hacer lo que tienes que hacer y disfrutar. Si tú consigues hacer la música que te representa, a lo mejor lo petas igual porque no lo has intentado petar tan locamente».
Además, confiesa que le encantaría que el número de oyentes mensuales de Spotify no fuera público, y añade sobre las crisis de creatividad: «Si no estás algo perdido, es como que no vas a hacer algo que te vaya a representar».
pablopablo habla de su trabajo con C. Tangana y de su amistad con Rusia IDK. «Después de Rosalía y Pucho (…) sí que pienso que la música española ha empezado a darle vuelta al ciclo cultural por el que manan ideas. Viví en Londres y allí les resultaba nuevo un corrido mexicano. No solo cosas de España. Una plena. ¡Un inglés llega tarde a los corridos! ¡Por primera vez yo tengo algo que contar! Hay estructuras de Ralphie y de rusowsky que son más modernas que cosas que veo en Londres o L.A. O escribir con «Guitarrica». Ver su manera de escribir es mucho más interesante que lo que veo en L.A.» Además, pablopablo recuerda cómo en Estados Unidos le mostraron el nuevo himno del Celta sin saber que él lo había co-escrito.
Finalmente, no podemos evitar preguntarle por su padre, Jorge Drexler. Pero pablopablo está muy dispuesto a reírse de su condición de «nepobaby». Algo que reflejó en el tema ‘Las tuyas’: «Yo quería reírme de mí mismo mucho más que cualquier otra persona. Los artistas que yo más admiro hacen eso muy bien. No pretenden ser perfectos ni ocultar nada. Honestamente, la historia de esa canción es muy sencilla. Tuve una interacción con una persona que no puedo decir quién es. Me dijo: «¿Tú sabes que con esa cara que tú tienes y con ser el hijo de tu padre te va a ir de puta madre?». Yo dije: «esto es una canción. Es tan horrible que hice una canción».
Curiosamente, fue C. Tangana quien le dijo que suavizara la letra. «Tenía en mi cabeza la frase: «Si te gusta mi cara te va a encantar mi apellido». Estaba escuchando mucho a Jose Alfredo. Yo siempre supe que quería hacer una canción sobre ser un nepobaby. Tenía que hacer una ranchera del nepobaby. Reírme de mí mismo. Y llegar a decir «mis canciones no funcionan». Me parecía una cosa súper potente de hacer. Tenía otro estribillo, más cabrón, se iba un poco a la mierda. Se la mostré a Pucho, a C Tangana y él escribió el estribillo. La letra era más cabrona y él me ayudó a llevarla … a algo bonito. Me dijo: «Di algo bonito de tu padre». Y quedó brutal».
Este episodio está dedicado a jóvenes artistas por debajo de 30 años. Si en otros episodios ya hemos alternado el respeto a las grandes leyendas como Antonio Arias o Ana Curra, junto a artistas más jóvenes como Jimena Amarillo o Dani Dicostas, en esta ocasión hemos querido hablar expresamente de cómo ven el mundo artistas que no han llegado a los 30 años. ¿Se mantienen los mismos prejuicios? ¿Pecamos de paternalistas cuando decimos cosas como «qué mona Amaia» en lugar de «cuánto la admiro?
En la segunda parte del episodio, nos visitan los protagonistas del programa INTERAUTOR que ha hermanado a dos artistas jóvenes de España y Uruguay. El objetivo de este ciclo a cargo de SGAE y AGADU (Asociación General de Autores del Uruguay) es exportar más música de estos dos países hacia el mundo. Para ello, una artista española ha actuado en Montevideo, y un artista uruguayo actúa en España durante esta semana, tanto en Monkey Week como en Madrid.
Los artistas elegidos son de un lado la malagueña Alba LaMerced, que alterna flamenco, pop-rock y otras músicas en su álbum debut, y además acaba de sacar un «banger» llamado ‘Ponte guapa». Y del lado de Uruguay, Gonzalo Brancciari, que tras recibir un Premio Grafiti por su disco ‘Diez’, prepara ya su segundo álbum, de nuevo inspirado por el pop-rock argentino/uruguayo. Hablamos con ambos sobre la escena de Montevideo, la de España, diferencias y similitudes.
Gonzalo nos habla sobre los artistas uruguayos y argentinos que más le han inspirado, como Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota o La Vela Puerca, y ambos valoran el auge de la música en español. Indica Alba LaMerced: «Somos muchísimos hablantes por todo el mundo, para mí se va a mantener y se va a ampliar. Los artistas que encabezan las listas mundiales son españoles o de habla hispana». Gonzalo añade: «no sabría hacer un estudio de mercado de industria, pero todo esto de las plataformas y la democratización de las canciones generó que podamos llegar adonde no se llegaba. Antes sonaban en la radio las canciones que venían de Estados Unidos. Ahora cualquier artista sube una canción desde su casa y puede llegar a romperla en el mundo entero».
Gonzalo y Alba actúan juntos este sábado 22 de noviembre en la Sala Berlanga de Madrid. Las entradas valen tan solo 6,50 euros.
Pipiolas fusilan ‘Será porque te amo‘ (1981) de Richhi e Poveri en su nuevo single, ‘Soy una estrella!!!’. El parecido entre ambas canciones es tan evidente que la misma nota de prensa reconoce aquel clásico del italo disco como su principal influencia, pero lo mejor es que, con estos cimientos, a Pipiolas les ha salido otro temazo pop.
En ‘Soy una estrella!!!’, el dúo formado por Paula y Adriana recupera una vieja idea (la melodía de ‘Sarà Perché Ti Amo’, en su versión original) y logra que suene fresca. Lo consiguen gracias a su desparpajo habitual, su ironía, la cristalina producción de Vau Boy y a su propio contexto, pues que Pipiolas hagan exactamente esto tiene todo el sentido.
‘Soy una estrella!!!’ ironiza sobre el papel del artista en la industria del pop. Oficialmente es «una sátira sobre aquello en lo que nos convierte el funcionamiento de la industria a las actrices que intentan cumplir sus sueños. Soy buena, soy brillante, soy válida, pero si nadie nos escoge, entonces, no somos nada».
¿En qué convierte la industria a esas actrices o cantantes? Según ‘Soy una estrella!!!’, en animales hambrientos de atención y admiración, condenados a competir por una miga de visibilidad, muchas veces a costa del propio arte. «Tanto talento, actúo, canto y pinto, supero a mis maestros, sé que está llegando mi momento», cantan Paula y Adriana, conscientes de que nada de esto será suficiente. En el estribillo, suplican que las elijamos a ellas porque sus caras son preciosas y su talento, el más valioso. El talento es intrínseco a ellas: forma parte de su «naturaleza».
«La sátira sobre el funcionamiento de la industria del arte, tantas veces ajena al talento y mucho más pendiente del rendimiento económico, les ha servido a Paula y a Adriana para mostrar todo esto en una canción», añade Elefant.
‘Soy una estrella!!!’ es el segundo adelanto del disco que Pipiolas publicarán en 2026. El primero, ‘No tocar‘, está disponible desde el pasado mes de octubre.
En estos tiempos de anticipación, sobreinformación y entradas de conciertos a 18 meses vista, me entero de que Lucas Bolaño, Estrella Fugaz, ha sacado disco nuevo porque lo veo en una de mis tiendas habituales. Ningún anuncio, ningún aviso, nada: sorpresa total. Ojo, que lo mismo me ha ocurrido con Linda Mirada.
Sin muchas alharacas, pues, Lucas ha regresado, acompañado por Javier Carrasco aka Betacam a los sintetizadores y Ricardo Ramos a la batería. ‘Una casa espacial’ es un disco más sobrio que ‘Luminosa’, no incluye alguna de las flipadas que llenaban el disco (coros extraños, maullidos). Y si allí había bastante indietrónica, aquí desborda. El espíritu de The Notwist se apodera de casi todo: no solo se les nombra, sino que musicalmente las canciones remiten mucho a ‘Neon Golden’, disco que, por cierto, aparece en la fantástica portada, obra de Álvaro Martínez Bueno, cantante de Templeton y dibujante de cómic en DC (suya es ‘The Nice House on the Lake’).
El álbum gira, como siempre, sobre la vida y sobre la música de Lucas Bolaño. El título refleja su universo cotidiano, simbolizado en el dibujo infantil que ilustra la portada de su single ‘Estrella Fugaz’ (2019) que representa, eso: una casa espacial. Un universo algo más triste esta vez. Me tengo que enterar, también de rebote, de que este es un disco sobre rupturas, según explicaba Lucas a Europa Press, Sin embargo, la canción inicial, ‘Olivia’, no suena a ruptura. Más bien a crisis superada. Es pura reafirmación, es un refugio en las cosas cotidianas: “Se nos rompió una puerta, abrimos otra”. Es una canción tan tenue como hermosa, que no se eleva hasta el final: hay un pequeño homenaje al reprise de ‘Computer Love’ (1981) y a Kraftwerk en general: “Por la autobahn, no se está tan mal cantando”.
Sin embargo, la crisis gorda sí que aparece en ‘Una calavera y un corazón’: “No nos queremos igual, pero nos queremos fuertes”. Aunque al final parece que hay un rayo de esperanza. Como ‘Olivia’, es una canción muy indietrónica. Hay algo muy emocionante en ese aferrarse en repeticiones y bucles, sin nunca perder los nervios, sin subir la voz. Quizás la única canción que difiere de este ambiente melancólico es ‘Superpoderes’: si suena al Fernando Alfaro más animado, pues se invita a Fernando Alfaro a cantarla.
‘Estás tocando fondo’ es el retrato de la depresión, de ir sin rumbo, de la auto-recriminación, entre brumas de pop sintético y cierta desesperación (“escuchas discos de Notwist que te recuerdan a ti”). ‘Hoy ha muerto João Gilberto’, es otro meta-tema, sobre el arte (y el agobio) de hacer canciones, con bien de “clics” y “clacs” y referencias al affaire Lana del Rey (“no fue divertido”, canta Lucas). La cara A cierra hermosa y frágil con ‘Dos partículas’ y el saxo de Manu Mendoza.
Pero si en la cara A se vislumbra cierta esperanza, en la cara B se instala una asunción resignada de la derrota. Una no devastadora quizás, una que el tiempo curará, sin duda. Pero jodida igual, aunque Lucas se queje bajito. En ‘Vulcana’, la pieza más animada, es paradójicamente la que mejor refleja un proceso de separación. También es bonito escuchar a Miren Iza, Tulsa, en ‘Una casa espacial dibujada en un A4’, un reggae de juguete. Piezas que empiezan menores como ‘Huele a saliva el micrófono’, acaban elevándose: se va por derroteros free jazz, entre saxos, y deja en el aire una sensación de fracaso: “No hay notas en el calendario, se canceló el lanzamiento’.
Lucas Bolaño, Estrella Fugaz, continúa mostrando todo su universo, sus miserias, sus pequeñas (o grandes) derrotas. ‘Una casa espacial dibujada en un A4’ es un disco triste. Pero, como suele suceder con la música de Estrella Fugaz, también es paradójicamente reconfortante. Y luminoso.
Gary Mounfield, más conocido como Mani, ha fallecido a los 63 años. Su hermano Greg ha comunicado el fallecimiento de Mani en una publicación de Facebook, sin revelar la causa de la muerte: «Descansa en paz, RKID».
Alcanzó el estatus de icónico como bajista clave del movimiento Madchester, en su etapa en The Stone Roses, y del Britpop tardío, con Primal Scream. Las líneas de bajo de canciones como ‘I Wanna Be Adored’, ‘She Bangs The Drums’ o ‘Fools Gold’, su divertida actitud y una vida totalmente dedicada a la música sirvieron para que Mani se ganase un lugar en los corazones de todos los fans. Y en el de sus compañeros de profesión.
Ian Brown, cantante en los Stone Roses y compañero de Mani, se ha despedido de él en X con un «Descansa en paz». Tim Burgess, de The Charlatans, lo ha descrito como «uno de los mejores en todos los sentidos» y Liam Gallagher, por otro lado, ha admitido sentirse «conmocionado»: «Absolutamente devastado al enterarme de la noticia sobre Mani, mi héroe».
Originario de Crumpsall, Manchester, Mani comenzó su carrera en las filas de The Stone Roses, participando en los únicos dos discos de la banda hasta que esta se disolvió en 1996. El primero de estos, homónimo, sigue considerándose como uno de los discos más importantes para el origen del posterior Britpop y uno de los mejores de la historia. Ese mismo año, Mani se unió a Primal Scream y permaneció en la banda de Bobby Gillespe hasta 2011, momento en el que salió para la reunión de The Stone Roses.
Recientemente, Mounfield había anunciado una gira de conferencias por el Reino Unido que habría tenido lugar desde septiembre de 2026 hasta junio de 2027. El objetivo era repasar momentos clave de su carrera, tales como el mítico concierto de su primera banda en Spike Island o su gira de regreso.
I shared this photo a week or so ago on Mani’s birthday – It never failed to bring a smile to my face – and that was exactly the same for the man himself.
One of the absolute best in every way – such a beautiful friend
La primera secuencia de ‘Changes’ es una invitación a soltar el móvil como si diera calambre: no, por favor, más walkmans no. Ni cintas de vídeo ni niños en bici ni diademas de aerobic. Ya está bien con los 80; que no estamos en 2010.
Luego, cuando uno se recupera del golpe de cliché y escucha la canción, se relaja un poco: hay que reconocer que la estética del vídeo es coherente con el estilo musical de ‘Changes’, un poco a lo Peter Gabriel o Phil Collins (aunque siga dando pereza).
Siguiendo con Gabriel, la realizadora Charlotte Rutherford parece haberse inspirado en ‘Sledgehammer’, una de las joyas de la historia del videoclip animado. Sobre todo en lo referente a la utilización de la técnica stop-motion combinada con la imagen real. En cuanto al tono, recuerda más al Michel Gondry más juguetón y naif.
Charlie Puth, vestido como recién salido de una película de John Hughes o de la serie ‘Los problemas crecen’, protagoniza una alegre fantasía nostálgico-musical, cuyo referente más reconocible es la comedia ‘Big’ (1988) y su mítica secuencia del “walking piano”. ‘Changes’ se puede ver como la representación de los pensamientos y sensaciones que evoca la escucha de la canción: instrumentos y partituras volando por un cielo azul en sintonía con la ligereza de la melodía pop que está sonando.
El vídeo incluye un guiño final para fans (o para familiares y amigos despistados): la aparición de Brooke Sansone, esposa del cantante, anunciando que está en estado de buena esperanza. El bebé llega en marzo.
Contaba Björk, en una de sus rarísimas apariciones mediáticas durante una entrevista con Zane Lowe para Apple Music, que actualmente goza de un considerable anonimato que le permite salir a comprar al supermercado en Islandia sin que nadie la pare por la calle. Añade que sus fans saben que le molesta cuando se acercan a ella para saludarla o pedirle una foto, y que respetan su privacidad. Normal: nadie quiere que Björk le dedique su dedo corazón, como hizo hace años.
Se da la irónica casualidad de que Björk tiene ahora mismo un éxito en las listas, por supuesto gracias a Rosalía. ‘Berghain‘ ha sido número 1 en España y ha recordado a muchos la vez en que ‘Hidden Place’ lo fue… hace más de veinte años, y gracias a las ventas de aquella cosa llamada «CD single». ‘Berghain’ cae ya al 45 del global de Spotify, pero no sin haber duplicado los oyentes mensuales de Björk en la polémica plataforma, denostada por la islandesa.
Justo cuando Björk es más anónima, después de haber pasado una década portando máscaras en entrevistas y conciertos para protegerse de la atención mediática (memorable fue aquel DJ set en Barcelona donde apareció vestida de momia; sabíamos que era ella porque nos lo habían dicho, pero desde luego no la vimos), le llega lo que pronto se convertirá en el mayor éxito de su carrera, muy por encima de ‘Oral‘, su primera colaboración con Rosalía. No es casualidad que en el vídeo no aparezca y sea reemplazada por un pajarito.
Pero si ‘Berghain’ ha demostrado algo es que las nuevas generaciones necesitan que Noemí Galera les explique quién es Björk, porque ellos no lo saben. ¿Por qué iban a hacerlo? Björk, que cumple 60 años este 21 de noviembre, ya no es ese personaje mediático que recorría los programas de televisión a principios de siglo y daba las gracias, eufórica, al recibir un premio. Mientras ella ha decidido seguir haciendo discos más experimentales, la vida ha seguido, y el resultado es que Björk ha perdido el contacto con la realidad, y la realidad con ella. Hasta el punto que 20 Minutos saca un artículo explicando quién es, usando un, digamos, desacertado titular que se viraliza de forma inmediata.
Uno de los secretos del éxito en la música -es posible que sea la clave principal- es hacer discos accesibles, y los de Björk hace tiempo que no lo son. ‘Medúlla’ (2004), ‘Utopia‘ (2017) o ‘Fossora‘ (2022) eran obras interesantes pero exigentes, mientras que ‘Post’ (1995) o ‘Vespertine’ (2001) lograban ser artísticamente fascinantes y, al mismo tiempo, asequibles. Como fan de Björk, sigo escuchando ‘Fossora’, descubriendo matices dentro de su universo, pero es improbable que el álbum le haya ganado a Guđmunsdóttir nuevos fans. No digo que sea imposible, sino que es muy difícil.
Por eso es tan surrealista y, a la vez, tan afirmativo, ver a Björk de repente en el número 1 de las listas oficiales, aunque solo sea la de España por defecto, porque Rosalía es española y este es su principal mercado (después ‘Berghain’ sí ha sido top 5 o top 10 en varios territorios). Que una artista con el alcance comercial de Rosalía ponga en valor para las nuevas generaciones el legado de Björk, Kate Bush o Patti Smith no tiene precio, y menos que esta admiración se refleje en el contenido musical de un disco cuyo éxito es global.
Se están leyendo comparaciones entre ‘LUX‘ y ‘Homogenic’ (1997), acertadas, aunque desde mi punto de vista ‘Vulnicura’ parece ser realmente la referencia en el disco de Vila Tobella, porque ‘LUX’ es particularmente orquestal. Pero lo importante es que Rosalía alumbre con este lanzamiento, aunque sea de forma sutil, la importancia de la discografía de Björk, una de las mejores de la historia por su carácter experimental e innovador, reflejado desde el ‘Debut‘ (1993) hasta hoy.
Da igual si prefieres el color de ‘Post‘, la intimidad de ‘Vespertine’ o el aire cósmico de ese ‘Biophilia’ (2011) que reivindicaba Maria Arnal hace años; en cada disco encontrarás una propuesta imposible de confundir con ninguna otra. Desde su primer disco, Björk ha creado desde la vanguardia, encarnando la modernidad misma, o en casos como ‘Medúlla’, la radicalidad artística absoluta. Es lógico que haya inspirado a tantos artistas que crean sin miedo a arriesgar.
Rosalía ni siquiera ha señalado un disco favorito de Björk, ni tiene por qué tenerlo: en las entrevistas habla mayormente de su admiración artística hacia la islandesa, llamándola su «mujer favorita». Estoy seguro de que le fascinan sus experimentos vocales en ‘Medúlla’ (2004) tanto como los complejos arreglos de ‘Vulnicura’ o las influencias globales en ‘Volta‘ (2007), que ya apuntaban hacia China o África del Norte antes que ‘LUX’. Siempre pensé que ‘Pienso en tu mirá‘ se parecía un poquito a ‘Innocence’, aunque fuera casualidad. O porque El Guincho ha trabajado con ambas.
Que Björk haya abandonado por completo al pueblo es positivo para aquellos que escuchan obsesivamente la obra de Arvo Pärt o Karlheinz Stockhausen, dos compositores a los que Björk admira (al primero le entrevistó, por cierto, en Barcelona). Pero también es complicado para quienes pensamos que ‘Crystalline’ era un temazo pop que se prestaba a ser escuchado en bucle tanto como ‘Human Behaviour’. Que Björk se haya convertido en un objeto que exponer en un museo -literalmente, ahí está el Björk Digital- es una victoria para el arte y la vanguardia, pero no para las personas nacidas después del año 2000 que no la ubican en su mapa musical.
Tampoco es que Björk haya huido completamente de lo popular en los últimos años: ahí está ‘Atopos’, que era prácticamente una canción de reguetón, o por supuesto ‘Oral’, que partía del dancehall, para Björk la «madre del reguetón». Sus colaboraciones con Arca, Sega Bodega y Shygirl demuestran que hay algo que no ha cambiado, y es el interés de Björk por la modernidad, por el ahora. El pasado, la nostalgia, para ella nunca es una opción. Si cabe desear que en sus discos fuera un poquito más fácil entrar que en ‘Berghain’ (la discoteca, me refiero), nunca será a costa de que defraude su propia expresión e intuición artística. La seguimos necesitando como es, aunque no la veamos detrás de su máscara.
Nuestro Disco de la Semana estos días va a ser ‘Chin Up Buttercup’ de Austra. El quinto disco de la banda autora de ‘Feel It Break‘ se presentaba con singles como ‘Math Equation’ y ‘Siren Song’.
También es digna de ser Canción de Día la seleccionada como «focus track» para playlists.
‘Fallen Cloud’ es una de las canciones más alegres, luminosas y celestiales de ‘Chin Up Buttercup’. Sus sintetizadores no pueden estar más llenos de luz y evocación de un futuro esperanzador. En la letra, Katie Austra Stelmanis propone un ligero cambio que reconduzca una relación.
El texto propone con cierto descaro: «si tan solo cambiaras un poquito, unas pocas modificaciones aquí y allá, nada del otro mundo / Solo lo justo para que nuestros caminos se alinearan, nuestros futuros se podrían juntar (…) Llévame contigo. Puedo ser el cielo, y tú mi este». Suena a que las cosas podrían ir bien.
El problema es el entorno de disco post-ruptura, del que esta canción es el centro. Katie se ha inspirado en el final de una relación para componer todo ‘Chin Up Buttercup’ y ese es el contexto de un tema que al fin y al cabo se llama ‘Fallen Cloud’.
La canción puede representar un remanso de paz en medio de una crisis de pareja. O podemos abrir el camino de las interpretaciones: ¿es sano pedirle a una persona que cambie, por poco que sea? ¿Y podrá cambiar de verdad?
Danny L Harle ha compartido los primeros detalles de ‘Cerulean’, el que considera su debut discográfico, pese a haber lanzado ‘Harlecore’ en 2021. Este estará disponible a partir del próximo 13 de febrero e incluirá grandes colaboraciones: Caroline Polachek, PinkPantheress, Clairo, Oklou, Kacha, Julia Michaels y MNEK.
Harle ha descrito ‘Cerulean’ como «un maremoto de melancolía eufórica». Esta también es una buena forma de describir el último sencillo del álbum, ‘Crystallise My Tears’ junto a Oklou y MNEK. Se trata del tercer single del disco y llega después de ‘Starlight’ y ‘Azimuth’: «Simplemente le envié la canción a Oklou, clavó las voces y me lo envió de vuelta», cuenta Harle sobre la colaboración.
El artista británico también ha explicado, muy por encima, por qué considera ‘Cerulean’ como su álbum debut: «De verdad que es el grande», ha declarado. También aseguró haberse inspirado por la película ‘Stalker’ de Andrei Tarkovsky, la ópera ‘Einstein on the Beach’ de Philip Glass, la música de la serie de videojuegos Dark Souls y los compositores Monteverdi, Thomas Tallis y William Byrd.
Danny L Harle estará presentando su nuevo disco ‘Cerulean’ en nuestro país el próximo febrero, unos días antes del lanzamiento oficial del proyecto. Estará en la sala NITSA de Barcelona el 6 de febrero.
Tracklist:
1. Noctilucence
2. Starlight (feat. PinkPantheress)
3. Azimuth (feat. Caroline Polachek)
4. Facing Away (feat. Clairo)
5. Raft In The Sea (feat. Julia Michaels)
6. Island (da da da)
7. Te Re Re (feat. kacha)
8. Laa
9. O Now Am I Truly Lost
10. Two Hearts
11. Crystallise My Tears (feat. Oklou and MNEK)
12. On & On (feat. Caroline Polachek)
13. Teardrop in the Ocean
Si algo está poniendo de acuerdo al mundo en los últimos días es que la gira de prensa de ‘Wicked: For Good’, al igual que la de la primera película y la famosa entrevista «holding space» o las continuas lloraderas, está siendo un delirio mediático. Día tras día surge de esta rueda promocional una noticia, una polémica, un meme. La íntima relación entre sus dos protagonistas, Ariana Grande y Cynthia Erivo, está siendo la comidilla de las redes, mostrando lo mejor de internet y también lo peor.
Lo mejor es ver gifs generados de las sorprendidas reacciones de Erivo vinculados a diferentes episodios, por ejemplo, la ruptura de Los Javis. O aquellos que ironizan sobre la amistad excesivamente afectiva entre ambas, y el comportamiento aparentemente protector de Erivo hacia Grande. Particularmente comentado ha sido el episodio en Singapur en el que un fan asaltaba a Grande y Erivo intervenía… pues como si estuviera rodando el final de ‘Wicked’ y salvando a Glinda del mal.
La conducta supuestamente sobreprotectora de Erivo hacia Grande, sugerida también en los vídeos en que le acomoda el collar, o en la manera en que la toca con frecuencia o se fija en cada mínimo gesto físico que realiza Grande durante una entrevista, está generando risas en el público, y no me extraña: no parece en principio un comportamiento demasiado natural, e incluso parece excesivo. La propia Grande ha dado a entender, durante una entrevista, que Erivo simplemente es así.
If you have seen any interviews with Ariana Grande and Cynthia Erivo, these two ladies do a brilliant imitation of just how cringey they are together! pic.twitter.com/SThrKaWYfx
Las cosas, sin embargo, se tornan siniestras y oscuras cuando los internautas empiezan a llamar a Erivo cosas como “súcubo satánico” (no lo digo por el vídeo de la youtuber Selena Milán, cuya opinión aprecio a pesar del dudoso clickbait) o su “cuidadora” por su excesiva atención hacia la cantante. Al margen de las implicaciones raciales de ambas etiquetas, que aunque no sean obvias están ahí sobrevolando, no sé de qué manera se puede ajustar a la realidad esta descripción. Jamás se me ocurriría sexualizar a Erivo por cuidar o sobreproteger a Grande, una persona que, al fin y al cabo, es más joven y que ha vivido situaciones muy duras durante su carrera. Los comentarios tránsfobos dirigidos a Erivo -una persona cis, aunque su identidad sexual es irrelevante- por su tonificado aspecto darían risa si no dieran pena.
El episodio en Singapur es especialmente revelador: todos recordamos los atentados de Manchester, pero es que este tipo de ataques personalizados a artistas o personajes públicos también se han dado durante los últimos años: Billie Eilish sufrió un episodio parecido durante un concierto hace poco, y -salvando las distancias- todos recordamos lo que le pasó a Christina Grimmie. Aunque el asalto del fan de Singapur queda en nada, Grande tiene motivos para alarmarse y Erivo para actuar.
La amistad de Grande y Erivo es particular, pero es que su vida, el contexto en el que se encuentran, también lo es. Grande y Erivo han construido un fuerte vínculo emocional durante el rodaje de ‘Wicked’, película en la que interpretan a dos amigas que son uña y carne. Es evidente que hay una sincronía afectiva entre ambas, motivada por los personajes que han interpretado y la presión mediática bajo la que se encuentran. Más evidente me parece que ambas siguen pegadas a sus respectivos personajes y que es a Elphaba y Glinda a quienes vemos en esta rueda promocional.
Recientemente, Erivo ha cancelado entrevistas tras perder la voz (ha aparecido disfónica en el programa de Jimmy Fallon, hablando a duras penas con un hilo de voz) y Grande ha hecho lo mismo en solidaridad. O escuchamos a ambas, o a ninguna.
Se da una especie de simbiosis entre ambas, generada por su contexto particular, probablemente también por sus personalidades, y por la enorme presión bajo la cual se encuentran. Erivo protege a Grande, Grande protege a Erivo; de alguna manera, Elphaba y Glinda pasan de la ficción a la realidad y nos muestran que la amistad y el cuidado mutuo pueden hacer el mundo un poco más bonito, más atento, más afectivo, y aunque sea de forma no intencionada, también un poco más divertido. Lo demás es ruido.
Kelis, Skepta, Charlotte de Witte y los legendarios Cabaret Voltaire están entre los primeros artistas confirmados para Sónar 2026, que tendrá lugar los días 18, 19 y 20 de junio en Fira Barcelona, el recinto ubicado en la Gran Via de L’Hospitalet.
La treintena de artistas anunciados hoy por Sónar incluye también a Amelie Lens, Modeselektor, Nia Archives, Julianna Barwick & Mary Lattimore, WhoMadeWho y Ascendant Vierge, así como los DJ sets de Chris Stussy, Sammy Virji, KETTAMA, Joy Orbison, Boys Noize, Ogazón, ISA y Alba Franch. Próximamente se darán a conocer más nombres.
La 33ª edición del festival será la primera en unificar las programaciones de Día y de Noche en un único recinto, a raíz de las obras de renovación que comenzarán en los espacios feriales de Montjuïc a partir de enero de 2026.
Sónar indica que su traslado a un único espacio le ha permitido desarrollar «un formato inédito de tres jornadas y música ininterrumpida durante la tarde y la noche, ofreciendo la experiencia más cómoda hasta la fecha». El festival desplegará «seis escenarios con identidad propia (que) ofrecerán una programación excepcional continuada, que conservará el espíritu de las históricas jornadas diurnas -con horario extendido- y ampliará los contenidos nocturnos».
Los emblemáticos escenarios SonarClub, SonarLab y SonarCar mantendrán sus ubicaciones habituales, mientras que el recinto incorporará el SonarVillage by Estrella Damm y nuevos espacios, como un SonarPark «más grande y al aire libre» y un SonarHall «renovado y ampliado» que «permitirá más directos y DJ sets en cada una de las tres jornadas».
En total, «res escenarios al aire libre y tres interiores permitirán una transición fluida entre día y noche, manteniendo la esencia del festival en un único espacio».
François Jozic, director de Sónar, ha comentado el nuevo formato de Sónar: “Barcelona tiene que volver a ser la capital de la cultura electrónica y Sónar 2026 marcará un paso decisivo hacia el futuro. Hemos diseñado un festival que no solo celebra la música, sino que integra tecnología, arte y creatividad en una experiencia única, ofreciendo un espacio idóneo para el descubrimiento. Barcelona volverá a ser el epicentro mundial de la innovación cultural.”
“Vamos a unificar -que no fusionar- los programas diurno y nocturno en un mismo espacio. Eso permitirá a cada uno de los públicos vivir la experiencia al completo y disfrutar de muchas más horas de música sin interrupciones, con más oferta y más escenarios funcionando simultáneamente en cada franja horaria».
Fangoria publican esta noche de manera digital y este viernes 21 de noviembre en las tiendas físicas ‘Modo aleatorio’. Se trata de una caja recopilatoria de 6 CD’s, que contiene rarezas grabadas entre 1990 y 2023. El proyecto surgió tras la colección de maxis que el grupo de Alaska y Nacho Canut sacó hace un par de años.
En total son 96 rarezas no incluidas en sus discos oficiales. Retrotrayéndonos a sus inicios como Fangoria, el álbum recupera divertimentos sobre procrastinar como ‘Perdiendo el tiempo’, también el medley homenaje a Carlos Berlanga que realizaron llamado ‘Carlos baila en otra dimensión’, la icónica ‘Absolutamente’ con Sara Montiel, en general las canciones de EP’s olvidados como ‘Entre Punta Cana y Montecarlo’, así como «bonus» de sus habituales ediciones deluxe.
Seguramente no recordaras el momento de Fangoria con Camela, el momento de Fangoria con Dover o que remezclaron al dúo nada menos que Marc Almond, Vive la Fête, GusGus, Joe Goddard o Hidrogenesse, entre muchísimos otros.
El repertorio ha sido remasterizado y, como informa Warner, «aunque está editado en orden cronológico, se recomienda su escucha en modo aleatorio», de donde recibe su título. La caja de 6 CDs se publica en carpeta de tamaño vinilo e incluye los créditos de cada canción. Os dejamos con el tracklist:
CD1
En mi prisión (Extended)
En mi prisión (Dub mix)
La vida sigue (Extended mix)
Perdiendo el tiempo
Hagamos algo superficial y vulgar (Extended Mix)
Hagamos algo superficial y vulgar (Club Mix)
Dios y diez demonios
Babalú Sálvame remix Danny Hide
Mr. Hyde Sálvame
Dr. Jekyll Sálvame
Flashback Sálvame
El dinero no es nuestro Dios (Maastrich Dance Metal Airlines)
El dinero no es nuestro Dios (Doctor Avalanche)
Ley de vida
Ley de vida/Ley de Talión
CD 2
Ley de vida/Ley de Caifás
En la Disneylandia del amor (Extended Mix)
En la Disneylandia del amor (Non stop exotic cabaret Mix)
En la Disneylandia del amor (Mr Hyde visita el tunel del amor)
En la Disneylandia del amor (Viaje espacial al planeta del amor)
Dios odia a los cobardes (Vanguard UHF remix)
Dios odia a los cobardes (Radio Edit)
A la felicidad por la electrónica (Prozac Remix)
Sentimental (Testimental remix)
Retorciendo Palabras (The Droyds Vocal Mix)
Retorciendo Palabras (Les Germanetes Gilda Remix)
Retorciendo Palabras (Jean Extended Play)
Miro la vida pasar (Marc Almond’s Fan-Glorious Electro Remix)
Miro La Vida Pasar (En Plan Travesti)
CD3
La mano en el fuego (Vive La Féte Filo Remix)
Carlos baila en otra dimensión (Medley)
Entre mil dudas (Spam remix)
Entre mil dudas (Fangoria vs Camela)
Carne, huesos y tú (Fangoria vs Sôber)
Interior De Una Nave Espacial Abandonada (Xmorph Remix By Icon Of Coil)
Algo de mi
Criticar por criticar (Remix)
Criticar por criticar (remezcla de Spam)
Sorry I’m a lady feat Dover
El cementerio de mis sueños (Hola sangría remix)
El Rey del glam con Mägo de Oz
Todo es mentira feat Julieta Venegas
Tenemos que hablar de las plantas carnívoras feat Miranda
A fuerza de vivir (Tony James and Neal X Remix for Sigue Sigue Sputnik)
Si lo sabe dios que se entere el mundo entero (Amplifer remix)
CD4
Por qué a mí me cuesta tanto (feat. Asier Etxeandia)
Flash
La mosca muerta
Supertravesti
Huracán mexicano
La verdad
Más Es Más (Kinky Roland Dreamscape Mix)
La Pequeña Edad De Hielo (Distressor Mix)
Las Walpurgis Te Van A Llamar (Atomizer Remix)
En un mundo nuevo
Absolutamente con Sara Montiel
Ensayo para una despedida (Reworked by Spam)
Solo química
Desfachatez (The Sound Of Arrows European Holiday Remix)
Desfachatez (Svper Remix)
Antes o después
Cómo pudimos ser tan idiotas?
Ni dioses ni monstruos
CD5
Mi mundo en desaparición
La sombra de una traición
Espectacular
El día de mi psicopatía
Qué quiere usted de mí
Lo peor es lo mejor
Canciones que hablan sobre bailar
Manual de decoración para personas abandonadas (Spunky remix)
Disco Sally baila una fiesta en el infierno
Sinestesia
¿De qué me culpas?
¿De qué me culpas? (Ellis Miah Club Mix)
¿De qué me culpas? (Ellis Miah Dub)
¿De qué me culpas? (Ellis Miah Club Mix Instrumental)
¿Quién te has creído que soy? (GusGus remix by Biggy Veira)
CD6
Un boomerang (Joe Goddard remix)
De todo y de nada (Marcus Santoro remix)
De todo y de nada (Marcus Santoro extended remix)
De todo y de nada (Marcus instrumental remix)
Momentismo absoluto (Ellis Miah & The Jagg Remix)
Momentismo absoluto (Ellis Miah & The Jagg Remix – Extended Mix)
Fantasmagoria (Hidrogenese remix)
Satanismo, arte abstracto y Rock’n’Roll (Kora Remix)
Mi burbuja vital (Ellis Miah remix)
Mi burbuja vital (Ellis Miah Dub Remix)
La pregunta del millón (TECIB remix)
Del uno al diez (MYUKO remix)
No me das pena (Ô Paradis Remix)
Un poco todo (Matt Pop remix)
Lo imposible (Ángel Molina remix)
No me compensa, no lo vuelvo a hacer, ¿Qué gano yo con todo esto? (FUTURACHICAPOP Remix)
Un vampiro para dos (Tauro remix)
Mi decisión (con Paulina Rubio)
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