Inicio Blog Página 5

Belén Aguilera se rinde al arte en la catedralicia ‘Laberinto’

0

Belén Aguilera ha anunciado estos días el lanzamiento de su nuevo disco, ‘Anela’. El disco cuenta «una historia sobre los sueños, los deseos, la búsqueda de la identidad y las consecuencias de perseguir algo a ciegas». El álbum «va de la vida misma en el sentido más surrealista y mágico, de escucharse y de intentar entenderse y de bailar con el caos y de aceptar la intensidad». La fecha de lanzamiento se desconoce por ahora.

‘Laberinto’, el primer adelanto, es sorprendente. La melodía es elegante y clasicista, como es de esperar de esta maestra de la composición pop. Sin embargo, la producción de Lionel Cresta saca pecho y apunta al EBM de los 80. Ese «electronic dance music» desenfrenado que creaba auténticas catedrales de oscuridad. ‘Laberinto’ sigue esa línea y algunas ideas de producción -como la melodía ligeramente desafinada del estribillo- coquetean con la estética gótica.

Tiene sentido el sonido gótico e industrial de ‘Laberinto’, ya que la canción recurre a ‘El fantasma de la Ópera’ para narrar la historia de un personaje atrapado en el «laberinto» de la industria musical. Como en ‘Galgo‘, Aguilera se confiesa esclava del arte y retrata la industria como un lugar lleno de «espejismos» que le ha dejado herida, y del que ya no puede salir. En ‘Laberinto’, los coros fantasmagóricos parecen representar esos fantasmas que acechan a la artista.

El único traspié de ‘Laberinto’ es una línea que recurre al estereotipo de la “gitana” que echa las cartas, cuando en ‘El fantasma de la Ópera’ no había ningún personaje de este tipo. La figura de la gitana adivinadora se ha usado durante siglos para exotizar y discriminar a la población romaní. ¿No había una expresión menos incómoda que rimara con «manzana» y aún respetara la temática de la letra?

‘Anela’:
l. Nacer para morir
ll. Ático
III. Dramático
lV. Laberinto
V. Eclipse
Vl. Salvamento
Vll. Dama en apuros
Vlll. Soledad
lX. Mutantes
X. Cómo puedo volver
Xl. Bruja
Xll. Ahora que estoy bien
se queda dentro

¿Qué te parece 'Laberinto' de Belén Aguilera?

Ver resultados

Cargando ... Cargando ...

Primavera Pro anuncia charlas gratis de Mariliendre, Sabor a Queer y Hinds

3

Primavera Pro ha anunciado las actividades gratuitas que tendrán lugar en Barcelona durante la semana de Primavera Sound. Estas actividades se llevarán a cabo en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) de manera gratuita, sin reserva y hasta completar aforo.

Un año después de la exitosa charla de Los Javis en Primavera Pro, su última producción ‘Mariliendre’ estará en el centro de una charla sobre el futuro y el presente de la música. El 5 de junio a las 18.15, la protagonista Blanca Martínez Rodrigo y los directores Pablo Lluch y Vic Mirallas se sentarán con la moderadora Llum para debatir el papel de la música en la serie.

Música y cultura queer se darán la mano en el evento del día siguiente, 6 de junio, una grabación en directo y con público del podcast ‘Sabor a queer’ que tendrá lugar en el Auditori a partir de las 15.30. La conversación de María Escarmiento, Carmen Picado y David Velduque dialogarán sobre los retos y oportunidades que atraviesa la música queer en el contexto digital actual.

Las protagonistas de la tercera charla de Primavera Pro serán Hinds, que hablarán con Jack Coyne, presentador del programa de Youtube Track Star, sobre su último disco, ‘Viva Hinds‘ el mismo día 6 de junio a las 17.00 en el Auditori. Carlotta Cosials y Ana Perrote comentarán este disco que puede ser el mejor de su carrera y que ha contado con colaboraciones de Beck o Grian Chatten de Fontaines D.C.. Puedes recordar la charla de JENESAISPOP con Hinds aquí.

Además, el CCCB abrirá sus puertasdel 4 al 6 de junio para celebrar 22 conciertos gratuitos al aire libre, por parte de artistas como GUINEU, Remei de Ca la Fresca, OSKA, Milledenials, okdw, xiku o Juana Aguirre. Consulta los horarios aquí.

bb trickz viraliza su producción más ‘Super’

1

bb trickz tiene nuevo viral entre manos, ‘Super’, uno de los sencillos extraídos de su último «disco» de 11 minutos, ‘80’z‘ (2025). ‘Super’ también es una de las mejores canciones de bb trickz, amén de una de las producciones más pintorescas, co-producida por ella junto a Leodaleo (ESP) y Kilvertz. Es la Canción Del Día.

«Me siento en un sueño, no quiero volver» es una de las frases que pronuncia la madrileña Belize Kazi en la letra de ‘Super’, y define la propuesta de la canción. Con su vibrante línea de bajo e hipnótico drone de teclado, ‘Super’ crea una atmósfera colorida y surrealista, efectivamente, como de sueño. No extraña que el videoclip esté lleno de referencias a dibujos animados.

Después, ‘Super’ es un derroche de chulería veraniega. Belize pasa de un «chulo» a otro y pasea sus «chanclas Chanel», sus «uñas francesas» y su «bikini colorido» por una «playa exótica» mientras sostiene un «coco en la mano». A su vez, da un «guantazo» verbal a sus haters y recuerda que el dinero no da la felicidad: «Soy rica, pero estoy triste», rapea con su relajado fraseo habitual. Porque su corazón sigue «bien frío, bien frío», ‘Super’ tiene una capa de melancolía. ‘Super’ ha llegado al 6º puesto de las canciones más virales de Spotify en el mundo.

Melody: «Estoy en contra de cualquier guerra»

1

La neutralidad política de Melody ha suscitado un acalorado debate en redes y programas de televisión sobre la obligación de los artistas de posicionarse políticamente. Algunos creen que no debería ser controvertido defender los derechos humanos frente a un genocidio televisado, otros opinan que ni Melody ni nadie tiene obligación de pronunciarse sobre ningún tema político, sobre todo si no se está suficientemente informado.

Melody ha decidido calmar la polémica publicando un breve comunicado en redes, en el que aclara su postura sin mencionar ningún conflicto específico: «Tal y como creo que quedó claro ayer en la rueda de prensa, estoy en contra de cualquier vulneración de los derechos humanos y en contra de cualquier guerra. Me rompe el corazón ver como actualmente hay tantos conflictos armados en el mundo. Deseo la paz y mucho amor para todos».

Melody compareció el lunes en rueda de prensa para comentar su participación en Eurovisión, nueve días después de su actuación en Basilea. La cantante sevillana evitó en todo momento hablar de política o posicionarse respecto al conflicto entre Gaza e Israel. De hecho, afirmó que RTVE le «prohibía» abordar temas políticos por contrato y, para probar sus palabras, leyó la normativa de la UER, que prohíbe presentar canciones con letras de contenido político.

Sin embargo, no es lo mismo que RTVE impida a Melody hablar de política a que lo haga la UER, y la cadena pública ha desmentido las declaraciones de la artista en un comunicado.

«RTVE aclara, ante las afirmaciones de la cantante Melody, que en ningún momento se ha prohibido por contrato a ningún representante de España en Eurovisión hacer comentarios políticos», señala el texto publicado por la cadena. «Son las normas de la UER las que establecen que las canciones, y sólo las canciones, no deben incluir contenido político».

Melody ha eludido pronunciarse sobre política, pero ha pedido «amor y paz» en todo el mundo. Ha insistido, sobre todo, en que hablar de política no es su función, sino la de los políticos, y que ella prefiere centrarse en crear música y arte.

Aunque Melody ha defendido a capa y espada su postura neutral, incluso incurriendo en una falsedad que ha tenido que ser contestada por RTVE, el periodista Daniel Basteiro, director de Bloomberg, ha estado acertado esta mañana en La Hora de La 1 al señalar que la letra de ‘Esa Diva‘ contiene una frase que puede considerarse vagamente política: «la igualdad es mi bandera». Eso sí, es una frase que transmite un mensaje universal y que evita toda controversia.

¿Debe España abandonar Eurovisión?

AMAs 2025: actuaciones de Jennifer Lopez, Janet Jackson…

0

La 51ª edición de los American Music Awards se ha celebrado esta noche en el Fontainebleau Las Vegas de Las Vegas después de dos años de ausencia.

La ceremonia ha sido presentada por Jennifer Lopez, que ha realizado el show de apertura, en el que, después de cantar un trozo de ‘Dance Again’, se ha entregado por completo al baile, ofreciendo un medley de algunas de las canciones más populares de 2025, de artistas como Doechii, Chappell Roan, Bruno Mars y Rosé, Billie Eilish o Bad Bunny.

La gran ganadora de la noche ha sido Billie Eilish, que se ha llevado los siete galardones a los que aspiraba, entre ellos el de Artista del año. Eilish, sin embargo, no ha podido acudir a la gala, ya que se encuentra en Europa presentando su gira mundial. Otros premiados de la noche han sido Bad Bunny, Eminem, SZA -quien sí ha podido recoger su premio- o The Weeknd.

Otra de las protagonistas de la velada ha sido Janet Jackson, que ha recogido el premio Icon, en honor a su impacto en la industria. Jackson ha vuelto a 2001 en su actuación para recuperar la viral ‘Someone to Call My Lover‘ y ‘All for You’. También han sido premiados por su trayectoria Rod Stewart y Zac Brown.

Además, Benson Boone ha presentando ‘Mystical Magical’, Gwen Stefani ha ofrecido un medley de ‘Love.Angel.Music.Baby‘ por su 20 aniversario, Gloria Estefan ha recordado también su discografía, y Reneé Rapp ha presentado su divertido nuevo single. No todas las actuaciones están subidas oficialmente a Youtube, pero algunas sí.




Los 8 internacionales de Tomavistas 2025

2

Tomavistas está ya a la vuelta de la esquina, aguardando en La Caja Mágica de Madrid este fin de semana y con una previsión meteorológica excelente tras una primavera tormentosa en la ciudad. Los horarios están disponibles en la web oficial y también las facilidades para llegar y volver. Como el año pasado, la estación de metro San Fermín-Orcasur permanecerá abierta la madrugada de sábado y domingo con trayecto hasta Sol con parada en Legazpi hasta las 03.00h para uso de los asistentes.

JENESAISPOP se enorgullece de ser medio oficial de Tomavistas 2025, que cuenta con un exquisito cartel en el apartado nacional e internacional, el último de los cuales repasamos a continuación. Además, casi todas son fechas exclusivas en nuestro país para este año. Las entradas de día están disponibles desde 55 €, hay abonos de 2 días por 100 € y abonos de 3 días por 125 € a través de la página web oficial.

Doves, único show en España

Mientras la jornada del jueves estará dedicada sobre todo a talentos nacionales femeninos como Amaia, Mala Rodríguez, Ganges, Judeline, María José Llergo o Jimena Amarillo, el viernes 30 veremos los primeros conciertos de artistas anglo. Será el caso, por ejemplo, de Doves. Los autores de álbumes esenciales del pop británico de cambio de siglo como ‘Lost Souls’ (2000) y ‘The Last Broadcast’ (2002) han vuelto este año con ‘Constellations for the Lonely’ (2025). Un álbum producido por Dan Austin que ha conquistado a la crítica y que incluye temas como ‘Cold Dreaming’. Será su único show en España en 2025.

Caribou, único show en Madrid

El gran reclamo de este viernes 30 de mayo es Caribou, que visita Madrid para presentar su último disco, ‘Honey‘ (2024), conocido por su experimentación con la inteligencia artificial. Es de esperar que el autor del himno ‘Can’t Do Without You’ y de excelentes discos como ‘Swim’ (2010) ofrezca una de esas actuaciones capaces de elevarnos al cielo. Será su único show en Madrid este año.

Kiasmos, único festival en España

Ningún fan de la electrónica atmosférica debe perderse el show de Kiasmos. En directo, el dúo formado por el islandés Ólafur Arnalds y el feroés Janus Rasmussen se transforma en una dupla de magos capaz de aflorar sentimientos y hacer soñar. Y seguirán haciendo soñar a los asistentes de Tomavistas presentando ‘II’, un segundo disco publicado el año pasado que merece vuestra atención. Este será su único festival en España.

Romy, único show en España

Mientras sigue reuniéndose en el estudio con sus compañeros de The xx, Romy no olvida su faceta de pop star y continúa presentando en festivales su disco de debut, el encantador ‘Mid Air‘ (2023). El dance de los 90 asegura un directo tan divertido y emocional como las canciones del disco. Ella ha ampliado su repertorio en el último año lanzando singles sueltos como ‘I’m On Your Team’ com Sampha, y es el gran reclamo del cartel este sábado 31 de mayo a eso de la 1 de la madrugada. Único show en España en 2025.

Kelly Lee Owens

El sábado inmediatamente antes de Romy, en el Escenario «Tan de Madrid como Tomavistas» podremos ver a Kelly Lee Owens. Autora de algunos de los discos de electrónica más exquisita que recordamos, como ‘Inner Song‘, el año pasado publicaba un álbum titulado ‘Dreamstate’ que, como poco, contenía una de las mejores canciones de 2024, ‘Love You Got’.

Mogwai, único festival en España

También el sábado habrá un momento realmente emocionante cuando el atardecer caiga sobre el escenario Glo de Mogwai (21.20h). ‘The Bad Fire‘ es un disco en el que Barry Burns habla de la enfermedad de su hija, y Stuart Braithwaite luce especialmente inspirado en ‘Lion Rumpus’ y ‘Fanzine Made of Flesh’, dos de los mejores temas de los últimos años de los artistas de post-rock. Tomavistas es el único festival de Mogwai en España en 2025.

Yard Act, único show en España

Si Yard Act nos conquistaban en 2022 con ‘The Overload‘, en 2024 publicaban su álbum ‘Where’s My Utopia?’, empapado de himnos pensados para la pista de baile, como ‘Dream Job’, no tan estrictamente post-punk. Un álbum en el que se han inspirado en artistas tan dispares como Fela Kuti, Lauryn Hill o Ennio Morricone y que han completado con la ayuda en la producción de Remi Kabaka Jr (Gorillaz), lo que explica su carácter más funk y cercano a LCD Soundsystem. Su actuación del sábado será la única en España en 2025.

Bombay Bicycle Club, única fecha en España

Entre los reclamos del viernes 30 de mayo, justo después de Doves y Love of Lesbian, y antes del cierre con Caribou, Bombay Bicycle Club. El grupo visita Tomavistas en una de sus escasas fechas en toda Europa este 2025 y lo hace repasando casi 20 años de carrera. Su set suele incluir hits como ‘Eat, Sleep, Wake’ -normalmente abriendo- y ‘Always Like This -normalmente cerrando-, así como otras favoritas como ‘Everything Else Has Gone Wrong’.

‘Esa Diva’, número 2 en Singles España gracias a Eurovisión

1

Melody casi encabeza la lista de singles española gracias a su participación en Eurovisión. Después de ocupar el 22º puesto en la tabla la semana pasada, la artista sevillana asciende hasta el número 2 consiguiendo superar con ‘Esa Diva’ todas las entradas de Mora, incluida su reciente colaboración con C. Tangana, ‘DROGA’ (#4).

El puertorriqueño ha posicionado todas las canciones de su último disco, ‘LO MISMO DE SIEMPRE’, que a su vez ocupa el primer puesto de la lista de discos. Así, Mora entra en lista con ‘Aurora’ (#17), ‘Más que algo’ (#24), ‘Bandida’ (#28), ‘Mil Vidas’ (#34), ‘Tema de Jory’ (#38), ‘Detrás de tu alma’ (#41), ‘Lo mismo de siempre’ (#43), ‘De inmediato’ (#45), ‘De paquete’ (#46), ‘Pista de aterrizaje’ (#48), ‘Otra noche sin dormir’ (#49), ‘La presidencial’ (#51), ‘El último beso’ (#52), ‘Toa’ (#64), ‘Cuando Me Vaya’ (#79) y ‘Salu’ (#80).

Además, Beéle consigue entrar en el número 12 con ‘No Tiene Sentido’, Tommy Cash en el 37 con ‘Espresso Macchiato’, el tema más viral de la última edición de Eurovisión, y Guitarricadelafuente con ‘BABIECA!’ en el puesto 58. Por último, Abor & Tynna (‘Baller’, #76) y Brray y Feid (‘Te Colaboro, #96) también posicionan en lista.

Mora, nº1 en Discos España; Guitarrica y Damiano, top 5

0

Mora está petándolo. ‘Lo Mismo De Siempre’, su nuevo disco, entra directamente en el número 1 de la lista oficial de Discos en España. ‘DROGA’, junto a C. Tangana, también ocupa el primer puesto del Top 50 España en Spotify. El puertorriqueño supera así las entradas de los nuevos discos de Guitarricadelafuente (‘Spanish Leather’, top 3), Damiano David (‘Funny Little Fears’, top 4), Beéle (‘Borondo’, top 5).

En esta primera mitad de la lista también encontramos a Sebastián Yatra, que posiciona ‘Milagro’ en el décimo puesto; Dire Straits, con el 40 aniversario de ‘Brothers In Arms’ en el número 12; Jin, en el puesto 23 con ‘Echo’; y Salvador Sobral con Sílvia Pérez Cruz, que entran en el puesto 43 con ‘Silvia & Salvador’. Por otro lado, Linkin Park experimenta la mayor subida de la semana con ‘From Zero’, pasando del número 61 al 16.

Avicii inaugura las entradas en la segunda mitad de la tablacon su último recopilatorio, ‘Avicii Forever’ (#71). Le siguen ‘El Mejor de tus Días’ de Alfredo Piedrafita (#77), ‘La Boca del Lobo’ de Carlos Ares (#85), el ‘Grandes Éxitos’ de Marta Sánchez y Olé Olé (#88) y ‘Cancionera’ de Natalia Lafourcade, que entra en el número 91.

Melody, después de Eurovisión: «No voy a hablar de lo que no sé»

0

Melody ha dado su esperada rueda de prensa después de su actuación en la 69ª edición de Eurovisión, celebrada hace 9 días. La cantante de ‘Esa Diva’ ha abordado los rumores posteriores a su participación en el concurso y ha reflexionado sobre lo ocurrido en Basilea, evitando pronunciarse sobre la polémica con Israel. Ella deja claro que lo suyo «es el arte».

Nada más entrar en plató, la artista sevillana rompe un poco con la tensión del ambiente: «Llegó el gran día esperado». El primer tema que trata es el de los numerosos rumores y comentarios sobre su vuelta a España después del concurso: «Me sorprende muchísimo la que se ha liado y la expectación tan grande que tiene el hecho de que llegue a España y hable con vosotros», comenta.

Después de dar las gracias al público por su apoyo, Melody deja claro que necesitaba unos días de descanso con su familia: «Se habla mucho de la conciliación laboral como madre y mujer, y me sorprende que no se entendiese que necesitaba unos días en casa».

Esta también ha aprovechado para llamar la atención al programa de Broncano, sin citarlo: «Ha habido algún programa que se ha reído de que yo me haya ido a casa a ver a mi familia», cuenta después de citar la salud mental. Cuando le han preguntado si piensa ir, se ha mostrado tajante: «Ahora mismo, no. Voy a ir a los programas en los que se me respete y que me den mi sitio como artista. Siempre estoy abierta a unas disculpas».

La cantante se ha mostrado clara respecto a su posición con las polémicas de Eurovisión relacionadas con la participación de Israel, reiterando que ella solo se va a pronunciar sobre lo que tenga que ver con el arte. También ha citado su contrato con RTVE como uno de los motivos por los que no va a hablar de «temas políticos».

«Hay ciertas cosas que se salen del ámbito artístico que yo no sé, y de lo que no sé no voy a hablar, pero sí quiero dejar claro que por encima de todo lo que más deseo es que haya amor, paz y que ojalá esos conflictos que hay en muchos lugares del mundo se acaben», ha comentado.

Durante el resto de su aparición, ha dejado claro que ella ha hecho «lo que tenía que hacer», pero también ha mostrado su descontento con algunos aspectos de la actuación, citando el plano del momento vestido y el momento telón, con el que asegura que ha «sufrido mucho»: «Hay cosas que no han estado en mi mano, aunque las he luchado», ha asegurado. Esta se queda con que se podría haber «sacado más partido a la actuación»: «Lo que menos me ha gustado es que no he podido ser yo», ha declarado.

rusowsky / DAISY

En 2025 la posmodernidad ya no es contracultura, sino la corriente dominante. ¿En qué lugar deja esta realidad a un disco tan rematadamente posmoderno como ‘DAISY‘ de rusowsky? ¿Qué tiene que ofrecer Ruslán Mediavilla a estas alturas? ¿Qué sorpresas ofrece un disco que juega con la idea de que ya nada puede sorprender porque está todo hecho?

La respuesta es que, aunque esté todo hecho, no todo está hecho de todas las maneras. Quizá ‘DAISY’ habría sorprendido más antes del lanzamiento de ‘Supernova‘ (2023) de Ralphie Choo, que ya desplegaba muchas de sus ideas estéticas; pero ‘DAISY’ no está exento de particularidades: solo rusowsky podría haber mezclado tantas cosas diferentes de esta manera específica. Porque él también es una voz diferente dentro del colectivo Rusia-IDK. Aunque todos sus miembros comparten sensibilidad y códigos, cada uno pinta con su propio lienzo.

En ese «todo vale» reside el valor de un disco que navega ambiguamente sinceridad e ironía, nostalgia y futuro, y que se construye a partir de contrastes. Todo está explicado en portada -que parece una señal de tráfico pixelada- y título, que contraponen dos conceptos aparentemente opuestos, la fragilidad de una flor, la margarita, y la fuerza -¿la virilidad?- de un gorila. En ‘DAISY’ los choques sónicos son continuos, mientras las emociones expuestas en melodías y letras se resisten a la literalidad y danzan con la parodia.

Este diálogo entre lo tierno y lo absurdo da para un disco juguetón, despreocupado, lleno de imaginación y rendido a la experimentación, como un niño perdido en una tienda de juguetes. ‘KINKI FÍGARO’ pasa de la orquesta Disney al barullo industrial-rap de Travis Scott; ‘ALTAGAMA‘ del club evaporado a la guitarra acústica y ‘Malibu’ del acordeón al merengue. Ideas y colaboraciones son igualmente locas: la adictiva ‘JOHNNY GLAMOUR’ cuela entre sus ritmos de samba un sample de ‘Kusha Las Payas‘ (2002) de Las Ketchup; la enamorada ‘SOPHIA’ devanea entre el vapor digital y las percusiones de Timbaland, y ‘SUCKKKK!!!’ tiene a La Zowi montada a un beat a lo Death Grips, citando el ‘Papi Chulo’ y rimando «chocho» con lo que se le ocurra.

Las canciones de ‘DAISY’ transmiten la vulnerabilidad emocional de rusowsky, pero él la disimula tirando de autotune y falsete. Esto es evidente en las baladas, que muestran el gusto de Ruslán por la black music en sus diferentes facetas: la bonita ‘BBY ROMEO‘ con Ralphie Choo tiene el corazón glaseado como una balada de Justin Timberlake. ‘4 DAISY’, también R&B, habla de echar de menos y de labios que «ya no saben a nada». De fondo, una flauta MIDI y tarareos suman a esa sensación de jugueteo. Y la final ‘99%’ es una deconstrucción neo-soul muy efectiva.

La fusión de estilos es una locura en ‘pink + pink’, que halla a Ravyn Lenae situada entre percusiones de batucada y rasgueos de arpa. Sin embargo, la mutación de ‘DAISY’ no siempre fluye, sino que suena forzada. Por ejemplo, en la entrada de percusiones al final de ‘LIAR’, antes una balada emo que cuenta con la participación de Kevin Abstract. Y rusowsky peca de estirar el chicle en ‘(ecco)’, que, situada entre el piano soul y la música de videojuego, divaga sin llegar a ningún lado. ‘Project tu Culo’, una nube de naíf digital dedicada a un «ángel», se disuelve rápidamente en el aire. Una pena porque el título prometía.

Pero son mayoría los momentos divertidos que deja este viaje a través de la ecléctica paleta sonora de rusowsky. Un disco posmoderno porque no le quedaba otra, ‘DAISY’ es lo que pasa cuando un músico de conservatorio se cría consumiendo memes y playlists de Spotify. Más una ampliación del abanico sonoro de rusowsky que una revolución de la estética de Rusia-IDK, y a pesar de que ya hace seis años que conocimos a Ruslán, ‘DAISY’ es el debut natural y confiado de un artista posicionado cómodamente entre el nicho y la popularidad masiva.

La liturgia de King Gizzard & The Lizard Wizard es un alboroto

0
Christian Bertrand

La gira europea de King Gizzard & the Lizard Wizard tiene un formato bastante diferente: tres fechas en cada ciudad, pocas ciudades, recintos singulares. En Vilnus tocan en una prisión, en Atenas en un anfiteatro. Y en Barcelona, en el Poble Espanyol.

Ayer fue el primero de los conciertos. Hay una muy buena entrada para ver a los chalados australianos: gente que había venido de toda España para las tres fechas, multitud de guiris, algunos disfrazados. Un colega de Madrid que viene todos los días me chiva que hay personas que se recorren toda la gira. KG&TLW generan un culto enorme. Es curioso el éxito de un grupo que a priori no es nada fácil: son muy prolíficos (¡en junio sacan su disco número 27!), cambian de género con pasmosa facilidad, y están repletos de tics setenteros. Pero precisamente es su energía inagotable, su pericia instrumental y su desparpajo, junto con la complicidad del público, lo que hace que triunfe su propuesta.

La temperatura en Barcelona es agradable. Hay nubes amenazadoras, pero afortunadamente solo caen dos gotas. Los teloneros son Etran de l’Air de Níger, que practican blues rock tuareg. Se enzarzan en mantras progresivos y bailables, largos desarrollos de furia ascendente, mientras los fans de los KG&TLW los siguen muy atentos y entregados. Solo media hora, pero intensa.

Hay intriga con lo que nos van a ofrecer los australianos. En la noche del viernes lo que vamos a tener es a todos los KG&TLW posibles en forma de bloques, jams e improvisaciones. Aparecen puntualísimos. Hay un griterío ensordecedor, pogos y crowd-surfing desde el minuto 0. Pero es que han abierto con el inicio de ‘Nonagon Infinity’, uno de sus discos más famosos. Van a piñón fijo y es divertidísimo ver al público. En mi zona el sonido es muy bueno pero, me cuentan luego, que en el meollo no sonó bien.

KG&TLW tocan una jam larguísima, van encadenando las canciones sin pausa. Rematan con una flauta a lo Jethro Tull ¡y la gente hace lololo hasta con la flauta! De momento, les está dando por la psicodelia esta noche. Psicodelia que se va convirtiendo en tropicalismo más calmo. Siguen encadenando temas sin pausa, en fase más “Santánica” (que no satánica). Una larguísima ‘Muddy Water’ sube la tensión. Lo mejor sigue siendo ver al público: lo mismo te hacen un pogo en espiral que se sientan como si estuvieran en galeras. Los lagartos se hacen cada vez más blueseros, más tóxicos. Y casi una hora después de empezar, llega la primera pausa para aplausos.

Y hay un cambio de tercio radical. Se sacan los aparatos de la portada de ‘The Silver Cord’ y empieza la electrónica. Porque excepto el batería, todos han dejado sus instrumentos y andan con los cachivaches. Ahora son una mezcla entre Prodigy y Beastie Boys. Hemos pasado de Woodstock al Sónar en un plis. Los pogos continuan igual. Así otros 20 minutos hasta que vuelven al hard rock psicodélico, en el momento más aburridillo del concierto.

Poco dura, por suerte. Enseguida ponen todo patas arriba con trash metal. Para acabar dicen que «una más», que en verdad son como 4 ó 5, en que cambian de tercio con asombrosa facilidad: psicodelia, glam, hardcore… Tras 20 minutos de “última canción”, acaban sin la patochada de los bises. Han sido más de dos horas de liturgia lagarta. Cuando nos encontramos con los colegas que se han aventurado en el pogo, los encontramos sin camisetas, con las gafas rotas… y completamente felices.

Reneé Rapp es una «chica mala» en la divertida ‘Leave Me Alone’

0

Reneé Rapp, la cantante y actriz estadounidense conocida por interpretar a Regina George en la adaptación de ‘Mean Girls’ de Broadway, y después en el remake cinematográfico de 2024, vuelve.

‘Leave Me Alone’ es el primer avance de ‘BITE ME’, el segundo disco de Rapp, y propone un sonido guitarrero muy similar al de ‘APT‘ de Bruno Mars y ROSÉ. El sonido glam-punk de ‘Leave Me Alone’ es más Disney que Joan Jett, pero funciona. Es la Canción Del Día.

Y ‘Leave Me Alone’ funciona gracias al descaro con que Reneé Rapp interpreta la letra. Ella se cree su papel de «chica mala» y en la canción se rebela contra varias cosas: la industria musical, los NDAs que ha firmado, una ruptura por teléfono, los fans que le piden fotos, el mánager que le pregunta «¿dónde está el single?». El estribillo de ‘Leave Me Alone’ es claro y directo: «Déjame en paz, yo solo quiero divertirme».

La actitud de Reneé Rapp vende ‘Leave Me Alone’ tanto como las guitarras eléctricas producidas por Alexander 23, Omar Fedi y Julian Bunetta, a las que se añaden capas más sutiles de palmas y teclados. ‘Leave Me Alone’ es un dardo punk-pop que no tiene más objetivo que ser todo lo sencilla y efectiva posible, y cumple absolutamente su misión.

Parece deliberado también el espíritu dosmilero la canción. Las referencias de la letra a los pantalones bajos y los pezones marcados y el uso del vocal fry hacen parecer a Rapp la cuarta «chica mala» del Bimbo Summit. Lindsay, Paris, Britney, ¡haced sitio!

Morgan Wallen vuelve a «vender» (casi) medio millón

0

Morgan Wallen es el gran superventas del country actual en Estados Unidos. Su disco de 2023, ‘One Thing at a Time‘, vendió 5 millones de unidades solo en el país. El anterior, ‘Dangerous: The Double Album‘, registró una cifra parecida en 2021. Entre ambos discos suman 20 millones de unidades cifradas a nivel mundial, contando streams, ventas físicas y descargas.

‘I’m the Problem’, el nuevo álbum de Wallen, podría correr la misma suerte. De momento, Billboard reporta que ‘I’m the Problem’ ha movido (casi) medio millón de copias en Estados Unidos en su primera semana. En concreto, suma 493.000 unidades equivalentes, de las cuales 357.000 provienen del streaming (esta cifra equivale a 463 millones de reproducciones). ‘I’m the Problem’ suma otras 133.000 ventas puras (ventas y descargas del álbum completo) y 3.000 descargas de canciones individuales.

Con estas cifras, ‘I’m the Problem’ se convierte en el disco más vendido en su primera semana en Estados Unidos en lo que va de 2025. Además, es número 1 de álbumes en Reino Unido. El álbum ha vuelto a salir beneficiado de ser muy largo -incluye hasta 37 pistas- y de contener dos macrohits, ‘Love Somebody’ y ‘I’m the Problem’. Además, ofrece una colaboración de Tate McRae: ‘What I Want‘ ha sido el «focus track» en la primera semana de estreno y se ha posicionado en el número 1 de Estados Unidos en Spotify. En otras palabras, puede debutar en el número 1 del Billboard Hot 100. ¿Debe temer ‘Luther’ de Kendrick Lamar y SZA?

¿Lleva ‘DROGA’ de verdad la nueva de Mora y C. Tangana?

0

‘DROGA’ de Mora y C. Tangana ha logrado desbancar ‘La Plena’ del número 1 de Spotify España, donde llevaba más de dos meses. Además, la distancia entre ambos temas se amplía día a día en favor del regreso colateral de Puchito. La misma situación se produce en Apple Music: en esta otra plataforma también estamos hablando de la canción más popular en España. Aunque la canción no salió en viernes, es cuestión de tiempo que sea número 1 oficial en nuestro país, pues según pasan los días, su popularidad no es decreciente, sino todo lo contrario.

En este artículo os ofrecemos una opinión a favor y otra en contra de ‘DROGA’.

«‘DROGA’ no es la canción que esperaba de C. Tangana cuatro años después de ‘El Madrileño’. Como bachata aceleradísima, es un paso atrás para alguien que hace ya demasiado nos entregó ‘Ateo’. Pero ahí se acaban los peros para este single internacional de Mora -el portorriqueño es el artista principal- en el que han intervenido como productores Sky, Neneto, el catalán Alizzz y Cromo.

El tema sí lleva «droga» de la buena cuando ofrece frases tan universales como «Yo no sé por qué carajo te vuelvo a escribir, pero perdona la hora». Tira de humor cuando bromea sobre el sexo sin protección dentro de la pareja que se acaba de romper («No quiero buscarte en otras ni tener que comprar Durex») y añade ganchos y más ganchos hasta llegar a esa outro maravillosa en la que domina el uso de una guitarrita que podría ser también una mandolina. Al fin y al cabo Italia fue el escenario del extinto romance: «Si fuera por mí, te volvería a conocer / Para cambiar par de cosas, menos esos polvos / Bien locos en el balcón con Italia de fondo». Sebas E. Alonso.

«No tengo nada especialmente negativo que decir de ‘Droga’ en el sentido técnico. La canción está bien construida desde todos los puntos de vista, la composición se preocupa por ofrecer introducción, nudo y desenlace, la melodía por ser dinámica, la producción por añadir textura. ‘Droga’ es una canción tan cuidada que casi alcanza los cuatro minutos de duración.

Mora y C. Tangana son cómplices de esta bachata de desamor que nos recuerda cuán sesgada puede ser la visión blanca de la música latina: hablamos siempre de «modas» como si este tipo de ritmos no sonaran todo el rato, cada día, en todas partes, en países que no son España, por parte de artistas locales. C. Tangana no fue ningún pionero haciendo bachata en ‘Ateo’ cuando analizamos su propuesta dentro del contexto de la música latinoamericana.

Sin embargo, C. Tangana sí ha sido pionero en otros ámbitos y, en este rol colaborativo, simplemente echa el cable a su colega de gremio. «He intentado meditar» es una frase poco habitual en el pop; es más habitual la propuesta artística de ‘Droga’, que mira más hacia atrás (2017) que hacia adelante y se ajusta al sonido que pide el sistema sin contestarlo de ninguna manera. Personalmente, estoy un poco saturado de las melodías vocales autotuneadas de la música urbana y quizá eso hace que mi conexión con ‘Droga’ no termine de cuajar. Me parece una propuesta poco interesante y que no me suscita ningún entusiasmo ni sorpresa. ¿Está bien hecha? Sí. ¿Me mueve algo? La verdad, no». Jordi Bardají

¿Qué te ha parecido DROGA de Mora y C Tangana?

Ver resultados

Cargando ... Cargando ...

Olona opina de que Lola Indigo no quiera ser madre

0
Marta Sánchez

Lola Indigo ha acudido a Nude Project Podcast hace unos días para promocionar su concierto en el Metropolitano, ya que la fecha se acerca a pasos agigantados: la cita es el 14 de junio.

Una declaración se ha viralizado de todas las que dejó allí, en concreto la que hacía referencia a ser madre. En un momento dado dijo: «La maternidad no la quiero». Y los presentadores respondieron nada menos que «¡Hostias!» y «¡Wow!».

Explicaba la autora de ‘Yo tengo un novio‘: «Me da pánico a muchos niveles estar embarazada. Simplemente no lo quiero en mi vida. Tener esa responsabilidad de por vida, cuando yo busco la libertad… Me refiero a la full libertad. Coger una mochila e irme a tomar por culo sin depender de nada ni de nadie. Mi objetivo vital es ser libre. Siempre».

Esta declaración, que no levantaría ampollas dicha por un hombre, ha traído cierta polémica. No parecemos haber avanzado mucho desde que Maribel Verdú hace ya una década se preguntaba por qué a ella le preguntaban constantemente en las entrevistas por qué no era madre, pero nadie se lo preguntaba a sus compañeros de profesión masculinos.

Entre quienes han considerado que era imprescindible opinar, varios líderes de ultraderecha, como Macarena Olona, una de las muchas dirigentes de VOX que en los últimos años se han desvinculado del partido de Abascal, y no precisamente por tener otras ideas. Olona ha acudido a X para advertir a Mimi de que lo que le ocurre es un «falso feminismo»: «Hace unos días Lola Índigo rechazaba ser madre porque “mi objetivo vital es ser libre”. Esas palabras, dichas a los 30 años, te llenan de un vacío inmenso a los 40 años. Cuando chocas contra el muro del reloj biológico y ser madre se convierte en un milagro al alcance de muy pocas. Siento lástima de una generación a quienes un falso feminismo ha inculcado que la maternidad son grilletes y que una mujer se realiza y es libre dedicándose a su vida profesional. No solo nos condena como sociedad, también nos condena como mujeres».

Finalmente, aseguraba que ella se siente «más libre» cuidando de su hijo en una playa: «Pienso en mi mayor éxito profesional, lo multiplico por 1.000, y no hay nada comparable con mi mayor logro en esta vida, el que le da sentido a todo: Diego. Ayer en la orilla del mar miraba mi nombre y el suyo escritos en la arena. No era Macarena, era “mamá”. No había una mujer más feliz que yo. Ni más libre».

Tommy Cash, gran viral de Eurovisión 2025, en España

0

Hace unos días anticipamos que no habría gran hit de Eurovisión en las listas de éxitos de 2025: nos equivocamos. ‘Espresso Macchiato’ de Tommy Cash se está destacando a lo grande en las listas internacionales de Spotify. Es la canción más escuchada a diario de esta edición y está plenamente asentada en el top 100 Global del gigante de streaming.

En la lista de este sábado, la última disponible, ‘Espresso Macchiato’ sube al puesto 75 de las canciones globales de Spotify, en la que es su 6ª semana en el top 200. Ha llegado a ser número 35 en esa tabla coincidiendo con la emisión de Eurovisión 2025, pero es significativo que en los últimos días esté reescalando en lugar de bajando, como las demás canciones.

Con 1,8 millones de streams diarios, el tema de Tommy Cash triunfa sobre todo en Islandia (número 1 actual de Spotify), Suiza (#2), Austria (#3), Finlandia (#3) o Luxemburgo (#3).

Si nos ceñimos a mercados grandes en cuanto a streaming de ‘Espresso Macchiato’, hay que hablar de Suecia (#3), Holanda (#10), Alemania (#11), Polonia (#14) o incluso España (#53). Efectivamente, nuestro país es uno de los que mejor está acogiendo a Tommy Cash, y de hecho nos ha incluido en su anunciada gira mundial. Concretamente el artista, que recordemos que ha trabajado con Diplo o Charli XCX y ha publicado discos como ‘¥€$‘, estará en Barcelona y Madrid los días 26 y 27 de noviembre (La 2 de Apolo y Mon). Las entradas están a la venta en LastTour. Veremos si no hay ampliación de aforo hacia otras salas.

Los buenos datos de Tommy Cash saltan a la vista, pero una cuenta de X analiza a diario qué canciones de Eurovisión 2025 están obteniendo mejores streams, y hay más sorpresas. En el 2º lugar ahora mismo aparece la «sauna» de Suecia, y en el 3º el llenapistas de Alemania ‘Baller’, que recordemos que quedó en una modesta 15ª posición.

La canción ganadora de Austria, ‘Wasted Love’, está siendo simplemente la 4ª más escuchada. Casi empatada con Noruega, que quedó en 18º lugar. Destaca la buena posición de Melody, ‘Esa diva‘, en 6º lugar, aupada por su éxito en España, pero también por su buena aceptación en lugares como Estonia, Lituania, Suiza, Islandia o Finlandia; y también la mala recepción de Israel, como ya analizamos. No ha habido cambios en los últimos días. Pese a que ‘New Day Will Rise’ ganó el televoto, tan solo es la 19ª canción más escuchada de esta edición.

Podcast: analizamos los resultados de Eurovisión 2025

Festial!, una fiesta popular venida muy arriba

2

Dicen que ya casi cada pueblo cuenta con su propio festival. Se habla de una burbuja que no termina de explotar, y bien, porque nadie quiere que lo haga. En cualquier caso, Alcázar de San Juan es uno de esos lugares que cualquier excusa es buena para visitar. Con 30.000 habitantes, a 80 minutos de Madrid en tren, billetes de Renfe a precios ridículos y una historia que ocupa varios siglos, es un descubrimiento para todo aquel que aún no tenga el gusto.

A media hora andando del centro de Alcázar -o a 3 minutos en coche-, se pueden visitar los molinos que inspiraron ‘El Quijote’ -lo que queda de ellos, y restaurados, una visita con vistas muy recomendables-, así como una de las casas de Cervantes o el museo local. La Plaza del Ayuntamiento acoge conciertos gratuitos de Festial! durante la mañana del sábado, y la gastronomía y el vino son alicientes tan valiosos como el propio cartel del evento. Se nota que su creador, Javier Ajenjo, lo fue de Sonorama, pues cuenta con una filosofía parecida.

En la misma plaza de conciertos es especialmente recomendable, por ejemplo, el bar/restaurante Viña E, donde una camarera primero nos indica que no podemos comer sin reserva, pero después se apiada de nosotros, quizá por nuestra tenacidad devorando unas tristes aceitunas hasta los huesos. Muy recomendable el pisto manchego con huevo y magro, también su secreto ibérico cocido a baja temperatura, o su selección de vinos locales y de otras tierras a precios económicos.

La proximidad del escenario permite disfrutar de manera intermitente de unos conciertos gratuitos cuyo mayor enemigo es el calor. El ayuntamiento despliega una serie de toldos a modo de sombra, a una distancia prudente del escenario para no impedir la visibilidad de los realmente interesados. El mayor highlight de cada set se produce en el momento en el que la gente se decide a abandonar los toldos para bailar más cerca de los artistas.

Lo aprovechan muy bien Embusteros, pero no tanto Jordana B, en verdad con los discos más notables de la mañana, pero muy dispersas en una prueba de sonido que dura más que el propio concierto. Al final les apagan el sonido mientras cantan su hit sobre el Mar Menor. A continuación aparecen Los Invaders, la actuación sorpresa, con una mezcla entre los sonidos de Blur, los de Stone Roses y Molotov: tienen una versión de la incómoda -sobre todo para una plaza pública- ‘Puto’, que cambia «matarile al maricón» por «matarile al reggaeton». Salvados por los pelos, supongo.

Esta segunda edición de Festial!, con JENESAISPOP como medio oficial, ha sumado 10.000 asistencias entre sus dos jornadas, la fiesta de bienvenida del jueves y estas actividades gratuitas. Estamos hablando de un evento sobre todo disfrutado por el público local, diverso en edad, muy familiar, con asistentes entre los 0 y los 75 años, algunos con bastante pinta de llevar todo el fin de semana de after, pero al que también se acerca gente de fuera, dada su buena comunicación con Madrid y otros puntos de Castilla la Mancha. Y en esta especie de fiesta popular, venida muy arriba con tremendo cartelón, llegó Amaia y dijo: «¡Viva la muerte!».

El cabeza de cartel este sábado, tras la actuación el viernes de Viva Suecia y Delaporte, era la presentación del tercer disco de Amaia ‘Si abro los ojos no es real‘. El sonido que ofrece el único escenario de Festial! es excelente, espectacular, perfectamente audible en todo el recinto y más allá, pero tanto Amaia como La Casa Azul lidiaron con algún problema técnico, en el caso de ella tratando de adaptarse a un arpa nueva que tenía las cuerdas más juntas y negras.

Amaia lidió con estas insignificantes vicisitudes con su simpatía habitual, calificando el pueblo como «buenrollero» o preguntando a las diez de la noche si la gente ya estaba muy «borracha». «Luego me pienso poner…», anunció. Si debido al dichoso arpa, Amaia tuvo más problemas de lo habitual para silenciar a la gente durante ‘Ya está’, sí lo consiguió sin esfuerzo durante la impresionante versión de Papá Levante que se está marcando en esta gira. Es alucinante cómo ha podido reescribir aquello de «Aunque parezca mentira, me pongo colorada» a golpe de piano y copla.

Como ‘Yamaguchi’, otro de los improbables momentos más emocionantes de un setlist que celebra la muerte a golpe de taconeo en ‘Despedida’. La imagen de Amaia bailando mientras suena el tarareo «la-ra-la-la-la», ideado tras el fallecimiento de su abuela, es bellísima. ‘Tengo un pensamiento’ y ‘Bienvenidos al show’ siguen cerrando el ídem en un buen espectáculo que aprovecha lo visual de sus dos alturas, pero sobre todo el virtuosismo de sus jóvenes músicos, uno de los cuales cumplía años. Amaia le cantó el «cumpleaños feliz» a velocidad 1.5x, que como le comunicaron discretamente, iba justa de tiempo, y había prisa. Guille Milkyway, por cierto, no perdió detalle del concierto de Amaia, entre el público, con discretísimos pantalones deportivos de color rosa, y gorra identificativa.

Antes de Amaia, vimos un gran concierto de Carlos Ares, que presenta un nuevo trabajo en el que continúa viajando por diferentes tiempos y épocas, de la hippie a la sintética, con una banda muy numerosa, capaz de cambiar de tempos y vibe en tiempo récord. A destacar, la violinista, por lo bien que se la escucha, y composiciones como ‘Importante’ o ‘Rocíos’.

Y después de Amaia, de Pamplona, según ella misma anoche, «la mejor ciudad del mundo», viajamos a su vecina Donosti, en un punto ciego entre la Movida y el Donosti Sound. Duncan Dhu están celebrando sus 40 años con una gira sin Diego Vasallo, en la que Mikel Erentxun recuerda su repertorio en compañía de otros músicos. La intro al concierto fue ‘Girl from North Country’ de Bob Dylan, una pista de lo que nos íbamos a encontrar en el repertorio que celebra a Duncan Dhu. Algo realmente bastante inesperado: una reivindicación del grupo en clave rock’n’roll, con una amplia banda que exageraba la inspiración americana de Duncan Dhu y obviaba la británica, que hasta donde la memoria me alcanza, era la predominante. Aquello parecía más bien un concierto de Coque Malla.

Sonaron más o menos fieles a sí mismas ‘Una calle de París’ o ‘A tu lado’, pero en general el repertorio sonaba dylanizado y un gran ejemplo fue la versión actualizada de ‘Mundo de cristal’. De repente el tema sonaba a Dylan, Springsteen o a los Rolling Stones, y no a The Style Council. El concierto se fue acercando a su final con una versión de ‘Esos ojos negros’ que se habría entendido mejor en una sala Galileo Galilei, y sí supo dejar un claro highlight en la preciosa versión de ‘Jardín de rosas’, en ‘100 Gaviotas’ y en el bis ‘En algún lugar’. Tremendos melodías y estribillos. Mikel Erentxun, por cierto, luce estupendo en lo vocal.

Algo después de que sonara ‘La casa azul’ de Duncan Dhu, a la 1.05 de la madrugada tenía que salir La Casa Azul, pero no lo hicieron por un problema en las luces que les retrasó 10 minutos, y que persistió entre la primera y la segunda canción del grupo. Momento que aprovechó Guille Milkyway para intentar arrancarse con una versión acústica de un tema que podía ser de Julio Iglesias. Cuando pudieron, volvieron «a lo suyo», lo cual era un despliegue de luces blancas e iluminación que no me extraña que tumbara el sistema, pues lo mismo podía haber provocado un apagón en toda Castilla La Mancha. Algunos tuvimos que volver a usar gafas de sol, en torno a las 2 de la madrugada.

Como si Guille se agobiara con la mera existencia de un solo segundo de aburrimiento, cuando un festival suele dejar muchos, muchísimos, y no pasa nada, su repertorio está lleno de estímulos bien sea en forma de hits, luces, proyecciones detrás de las luces, coros y más coros en directo y pregrabados. No voy a ser yo quien cuestione un set que empieza con ‘No hay futuro’, sigue con ‘No más Myolastan’, ‘Los chicos hoy saltarán a la pista’, ‘A T A R A X I A’, ‘Prometo no olvidar’, ‘Podría ser peor’, ‘Esta noche solo cantan para mí’ -indisociable de sus proyecciones de artistas femeninas como Nina Simone o ahora Lorde, Lana del Rey, Billie Eilish, Amaia-, ‘Superguay’, ‘La fiesta universal’, ‘La revolución sexual’ o ‘Nadie nunca pudo volar’. Aquello fue una fiesta de 10. Pero también es verdad que habría disfrutado igual el concierto con un 90% menos de llamaradas.

La noche terminaba con una sesión de Carlos Jean, poniendo remezclas de Dorian y cosas así. Bueno, no sé muy bien cuándo terminó la noche porque en las pantallas se indicaba sin ningún disimulo dónde había que ir de after. Pero sin salir aún del recinto tenemos que hablar de Chinches DJ’s, el dúo que ponía música entre concierto y concierto y que no solo fue cambiando de vestuario después de cada concierto, sino que arriesgaron poniendo canción política de PUTOCHINOMARICÓN (‘Tu padre es un facha’), hits con referencias locales de Amatria o la banda sonora de la serie ‘El Quijote’, y también algún mash-up chulo como el que une a Daft Punk con Los Piratas. Muy divertidos.

Robert Forster / Strawberries

En su tercer disco en seis años (casi un milagro en su caso) Robert Forster nos ofrece ocho canciones que son como ocho relatos de ficción, en una de sus obras menos autobiográficas hasta la fecha. Quizá sea por la publicación inminente de su primera novela, o simplemente que las canciones a corazón abierto de ‘The Candle and the Flame’ exigían un giro temático para esta nueva entrega. Sea como fuere, el resultado es tan delicioso, delicado e inspirado como se puede desear de un nuevo disco de este legendario Go-Between.

Y en esa delicadeza tiene mucho que ver la producción de Peter Morén, de Peter Björn & John: a lo largo de ‘Strawberries’ las canciones más tranquilas y acústicas refulgen con detalles preciosos, y las más propulsivas cobran vida con la medida justa de impacto.

A medio camino de esos dos polos se sitúa la primera canción del álbum, ‘Tell It Back to Me‘, un clásico instantáneo (otro) en el triunfal catálogo de Forster: pop eufórico con cada elemento gloriosamente en su sitio, en un encadenado perfecto de introducción instrumental irresistible, estrofas y estribillos inspiradísimos, puente (inusual en Forster, frecuente en este disco), y como colofón una emocionante armónica. Envoltorio simplemente perfecto para un microrrelato sobre dos almas que se atraen pero son muy distintas (“yo enseñaba inglés, tú eras francesa… yo era corporativo y tú eras folk”).

Lo mejor del álbum sigue esta senda narrativa, con frecuencia sentimental. Ocurre en la deliciosa anécdota doméstica de ‘Strawberries’, con ese acertadísimo arreglo de cadencia ragtime. O en ‘Foolish I Know’, una fascinante viñeta acústica de atracción hacia el mismo sexo (“lo supe a la edad de 10 años, no serían las mujeres, serían los hombres / mis amigos me dicen, debes estar loco (…) Hoy pasó algo curioso / él me miró, y yo no aparté la mirada / estoy solo y necesitado de amor”).

Pero ese brillo narrativo que arrastra consigo a la música en perfecta armonía se manifiesta con especial inspiración en lo que se puede considerar la pieza central del disco, ‘Breakfast on the Train’, otro nuevo diamante que sumar al ya abundante canon de este autor. Durante sus casi ocho minutos Forster relata una historia de amor, sexo y humor que te hará reír y soltar una lágrima. La narración es conducida con impecable voz (una de sus mejores interpretaciones vocales en décadas), un ritmo acústico perfecto al que se van uniendo bellos arreglos de guitarra de Morén en un crescendo lento y bello, y con resonancias dylanescas por partida doble: el reciclado de la secuencia de acordes completa de ‘Most of the Time’ es impecable, pero Forster la traslada a un inesperado espacio muy ‘Blood on the Tracks’. Lo hace, eso sí, sin el romanticismo roto, amargo, de aquel disco: aquí solo hay espacio para el asombro, la ternura, y el humor.

El relato se va desgranando: “desayunaron en el tren, la noche anterior no la pueden explicar / (…) después del partido en la barra / él la recordaba del colegio (…) hablaron toda la noche / el hotel, fue idea de ella”. Para disfrutar del tierno y divertido final tendrás que escuchar la canción.

Intercaladas entre todo esto se reparten canciones como ‘Good To Cry’, o ‘All Of The Time’, que funcionan como eficientes album tracks, con menos peso melódico pero aportando atractivos grooves y ritmos uptempo que Peter Morén engrandece con arreglos de guitarra impresionantes: hacía tiempo que Foster no contaba con una aliado a la segunda guitarra tan inspirado y eficiente.

Ya en los compases finales, la aparición de ‘Such a Shame’ causa impacto: melodía redonda tocada con un piano imposiblemente precioso a cargo de Anna Åhman, sobre el que Foster expone las reflexiones y confesiones de un músico de pop que no es realmente él, pero que seguro que contiene trazas de su experiencia: “Mi agente solía decirme “cabreas a la gente / ¿por qué no eres como todo el mundo y tocas los Hits?” (…) / y estoy trabajando en un sentimiento que puedo sentir en mi pecho / la sensación de que nadie ha visto todavía lo mejor de mí, no”. Lo completa un precioso solo de su hijo Louis Forster.

Si algo se puede reprochar levemente a este gran disco es su controvertido final. No es que el experimento de ‘Diamonds’ sea completamente fallido: se agradece ver a un Foster saliéndose de su zona de confort, y a pesar de las pegas que se puedan poner a su experimentación sonora (con saxo expresionista y un ritmo un poco Rage Against the Machine en el estribillo) lo que termina por no funcionar es la composición en sí. Una pega mínima en un disco que contiene algunos de los más brillantes diamantes de la última década de Robert Forster.

Pulp abrazan, histéricos, el amor y el northern soul

2
Tom Jackson

Se acerca ‘More’, el primer disco de Pulp en 24 años, que saldrá el próximo día 6 de junio. El primer adelanto fue ‘Spike Island‘ y el segundo es un arrebatador tema llamado ‘Got to Have Love’. Nuestra Canción del Día hoy es una de las composiciones más accesibles de Pulp desde los tiempos de ‘Different Class’, en el sentido retro de la palabra. De hecho, su vídeo es un homenaje al northern soul.

Pulp ya tenían una canción con deletreo, ‘F.E.E.L.I.N.G.C.A.L.L.E.D.L.O.V.E.’, pero este caso es muy distinto. Explica el mismo Jarvis Cocker:

«‘Amor’ es una palabra que no pude decir hasta que me acerqué a los 40. Escuchaba canciones de amor todo el tiempo, pero no podía usar la palabra en la vida real. La letra de esta canción soy yo teniendo una conversación conmigo mismo sobre ese estado de las cosas. Me di una verdadera charla a mí mismo. Ahora he aprendido a decirlo manteniendo la cara seria. «Tienes que tener amor». Oh, por fin, lo has hecho».

El video dirigido por el propio Jarvis Cocker se basa en imágenes del documental ‘Wigan Casino’ de 1977 dirigido por Tony Palmer: son bailarines de northern soul. «Me encanta bailar, y esta es la mejor grabación de baile que he visto en mi vida. Lo vi por primera vez en el video ‘Fiorucci Made Me Hardcore’ de Mark Leckey», confiesa Cocker.

Además de actuar en el próximo Bilbao BBK Live, Pulp han organizado una serie de «listening parties» de su nuevo álbum en todo el mundo.

Las tiendas escogidas en España son Marilians y Bajo el Volcán en Madrid, Oldies en Valencia, Bora Bora y Marcapasos en Granada, Revólver y El Genio Equivocado en Barcelona y Bloody Mary en Irún. La fecha española es el 29 de mayo y los horarios están disponibles en su web.

AMORE / Top Hits, Ballads, etc…

El debut de AMORE es un disco peculiar. Su título promete «hits», como si se tratara del recopilatorio de una gran leyenda (su gira, siguiendo con el concepto, se llama Essentials Tour). Sin embargo, su contenido se asemeja más a una compilación de maquetas. Eso sí, muy bien pulidas: este es un lanzamiento de Sony Music y no independiente, a pesar de la sensación de frescura e improvisación que transmiten las canciones.

O quizá ignoramos todavía que la propuesta minimalista y cruda de ‘Top Hits, Ballads, etc.’ señala al futuro. Como mínimo es evidente el potencial de ‘Top Hits, Ballads, etc…’ y de sus diversas ideas sonoras, que, por otro lado, tampoco esconden sus influencias.

La murciana afincada en Madrid María Moreno, que ha trabajado con Amaia o con varios agentes de Rusia-IDK, se dio a conocer renovando la jota en la simpática ‘Querió‘, y ella cita entre sus inspiraciones lo mismo a Rocío Jurado que a Portishead. ‘Top Hits, Ballads, etc.’ exhibe dos de sus facetas, la acústica y la electrónica, en dos mitades más o menos diferenciadas, aunque la fluidez de la secuencia no sea la más convencional.

El disco se abre con una intro ambient-glitch y sigue con tres piezas semi-acústicas, guiadas por acordes desganados de guitarra de estilo grunge, pero sujetas a una producción con más detalle y mimo de lo que parece, como los vibráfonos que emergen al final de ‘Llora que te llora’, que narra la historia ficticia de una persona que espía a su ex en la calle. El encanto de composiciones como ‘Last Maria on Earth’ es innegable y, aunque las melodías transmiten un espíritu doméstico e informal, la inventiva del disco se hace notar.

La sensación de «cajón de sastre» de ‘Top Hits, Ballads, etc.’ parece deliberado. De hecho, el «etcétera» del título, no tanto su referencia a éxitos y baladas, define la propuesta artística. A AMORE le caben lo mismo ritmos hip-hop en la pegadiza ‘I Gotta Feeling‘ -que no tiene nada que ver con los Black Eyed Peas- que ambientaciones a lo Final Fantasy en la final ‘Infinity 2024’.

En una segunda mitad más rítmica, AMORE coquetea con el dancehall en ‘Delirio’, y convence menos apuntando a los 80 de Kate Bush en ‘Juvenil’. ‘Top Hits, Ballads, etc.’ es mejor cuando propone su particular visión del pop digital de hoy. No es casualidad que Javiera Mena aparezca en ‘Evangelion’, pero lo es menos que este denso vals parezca ideado por Caroline Polachek. Todas estas referencias construyen una propuesta que, como mínimo, es original y se diferencia. Talentos como el de AMORE indican hacia dónde va el pop, son su «etcétera».

Pros y contras de ‘Misión imposible: Sentencia final’: una despedida agridulce

0

Después de 30 años, la saga ‘Misión imposible’ se despide. O eso parece… Esta última entrega tiene un tono entre nostálgico y celebratorio (hay numerosos guiños y recuerdos a las películas anteriores) que parece apuntar en esa dirección. Quizás no a un cierre definitivo -eso dependerá de los resultados en taquilla- pero sí a un fin de ciclo. Y eso que el sesentón Tom Cruise parece más en forma que cuando hizo la primera con treinta y pocos. ¿Otro reboot a la vista para enganchar a las nuevas generaciones?

Lo mejor de ‘Misión imposible: Sentencia final’
1. Su mera existencia. Esto va a sonar un poco a contertulio de ‘Cowboys de Medianoche’, pero ahí va: ya no se hacen películas de acción así. O muy pocas. En un Hollywood donde la mayoría de los blockbusters son indistinguibles unos de otros desde un punto de vista visual y narrativo, donde los directores pintan menos que el señor del catering y los actores se pasan la jornada delante de una pantalla verde, la saga ‘Misión imposible’ es un ejemplo perfecto de cine espectáculo que consigue equilibrar de forma muy armónica acción (en esta entrega hay dos set pieces fabulosas), humor, emoción y narración. Christopher McQuarrie, autor de las cuatro últimas, demuestra que sabe rodar, pero también contar.

2. El carisma de Tom Cruise. Seguramente la escasez de este tipo de cine de acción tiene que ver con la ausencia de estrellas del calibre de Cruise. Esta figura del actor-autor, comprometido con la realización de la película hasta límites enfermizos (yo creo que la Cienciología le ha convencido de que es inmortal) y con un entusiasmo contagioso, sí que está en vías de extinción. De hecho, seguramente desaparezca cuando el actor se jubile (o se vea obligado a jubilarse, más bien). A Cruise se le pueden poner todas las pegas que uno quiera: sobre el tipo de masculinidad que representa, sus dotes actorales, su gigantesco ego… Pero ni una a su capacidad para llevar todo el peso –dramático, simbólico, financiero- de la película sobre sus espadas y convertir a su personaje, Ethan Hunt, en sinónimo del mejor cine de entretenimiento.

Lo peor de ‘Misión imposible: Sentencia final’
1. La primera media hora. Hay que ver lo que le cuesta arrancar a esta segunda parte. Entre homenajes a la saga (¿cuántas veces sale la escena de Tom Cruise descolgándose en la primera película?), flashbacks (y más flashbacks) para refrescar la memoria sobre lo ocurrido en la anterior, y un torrente de palabrería para recordar qué misiones imposibles ya se habían completado y cuáles quedan por resolver, la película no termina de empezar.

2. Su excesiva solemnidad. No sé si se debe al hecho de estar haciendo la que podría ser la última entrega de la saga o a que director y actor están preocupadísimos por el futuro de la humanidad, pero lo cierto es que ‘Misión imposible: Sentencia final’ (¿por qué no se llama ‘Sentencia mortal – Parte 2’?) tiene una gravedad y una trascendencia en su discurso -geopolítico y humanístico- que resultan chocantes, muy ajenas al espíritu lúdico de la saga. De hecho, toda la parte que transcurre en los despachos funciona peor que la melena larga que se ha dejado Cruise para esta entrega.

3. La sombra de ‘Sentencia mortal’ es demasiado alargada. La he vuelto a ver para esta segunda parte y me parece incluso mejor de lo que recordaba. El listón estaba tan sumamente alto -si eso era solo la primera mitad, cómo debía ser la traca final- que la sensación que queda es que ‘Sentencia final’ es una película entretenida, más o menos divertida, pero sin alcanzar las cotas de ingenio, emoción, espectacularidad y diversión de su predecesora. ‘Sentencia mortal’ deja a ‘Sentencia final’ como Cruise se pasa gran parte de la película: en gayumbos.

Saint Etienne se despiden felices en el single de su disco final

1

Saint Etienne han anunciado en redes un nuevo álbum que saldrá el 5 de septiembre bajo el nombre de ‘International’. El grupo no lo ha indicado en sus redes sociales, donde estaban revelando cuándo y dónde -en qué emisora de radio británica- se estrenaría su nuevo álbum, pero poco después se ha sabido que este será su disco final.

Dado el alboroto formado en torno a sus fans, el grupo ha escrito en un comentario de Facebook que todas las cosas «llegan a su fin», que en todo caso «no se van a separar» y que será tan solo «el último disco de nuevo material».

Entendemos que habrá algún concierto puntual, sobre todo muchas reediciones de las que gustan, y también, con suerte, algún tema suelto en el futuro.

De momento, parece que el grupo no decepcionará en ‘International’, pues su primer single, ‘Glad’, es otra de las exquisitas joyas con la marca del grupo. Es nuestra Canción del Día para este sábado. Emparentada con su faceta más pop -recordemos que Saint Etienne vienen de publicar uno de sus álbumes de ambient– recuerda a los tiempos de ‘Good Humor’, solo que con la sabiduría de proyectos como «Tales» o «Words and Music». Atención a detalles como los vientos, las voces o los sampleos tipo 90’s.

El tema vendrá acompañado en su versión single de tres caras B inéditas:
1. Glad
2. Theme From Shapiro
3. Missing Pieces
4. Fire

En cuanto al vídeo de ‘Glad’, en sintonía con la celebración de la soledad, de la compañía, de la vida… de la letra, está protagonizado por varios jóvenes bailarines, cada uno en su estilo, lo que puede ir del breakdance al baile tradicional irlandés, pasando por el hip hop.

A lo largo del año, rendiremos tributo al trío que ha dejado una de las discografías más exquisitas e infravaloradas de la historia del pop. Su cumbre creativa ni siquiera hay que buscarla en sus inicios de los años 90 sino en el mencionado ‘Words and Music by Saint Etienne‘. Opina en nuestro foro de Saint Etienne.

Bono hace una petición a Hamas y a Netanyahu

0

Esta semana se han entregado los Ivor Novello en Londres, centrados en los mejores autores de canciones, y dejando entre otros ganadores a Charli XCX. U2 han recibido un premio honorífico, Fellowship Of The Ivors Academy, y Bono ha tenido unas palabras sobre lo que está sucediendo en Gaza.

Haciendo gala de un sentir popular en un conflicto que solo en el último año y medio ha dejado más de 50.000 muertos en la Franja de Gaza, ha pedido a Hamas que libere a los rehenes; y también ha pedido que Israel «se libere de Netanyahu». El líder de U2 ha cargado contra los «fundamentalistas de extrema derecha» israelíes.

En su discurso se refirió a su clásico ‘Sunday Bloody Sunday’, que apelaba a la paz en Irlanda del Norte: «Solía presentar esta canción diciendo que no era una canción rebelde. Lo era, porque creer en las posibilidades de la paz, entonces y ahora, era y es un acto rebelde; y algunos dirían que ridículo. Creer que la paz era alcanzable entre su país y el nuestro, entre nuestro país y él mismo, era una idea ridícula, porque la paz crea posibilidades en las situaciones más intratables y Dios sabe que ahora mismo hay unas cuantas».

Prosiguió: «Hamás, libera a los rehenes, detén la guerra. Israel, liberaos de Benjamín Netanyahu y de los fundamentalistas de extrema derecha que retuercen vuestros textos sagrados. Todos vosotros, proteged a nuestros cooperantes: son lo mejor de nosotros».

Y terminó: «Dios, debes estar tan cansado de nosotros, los hijos de Abraham, en los escombros de nuestras certezas. Hijos, en los escombros de nuestra venganza. Dios, perdónanos».

Billy Joel cancela su gira de 2025 y 2026 por salud

0

Billy Joel anuncia que cancela definitivamente su gira de 2025 y las fechas de 2026. Estas a su vez se habían reprogramado al ser pospuestas por problemas de salud. El pasado marzo, cuando se anunciaban el nuevo itinerario, no se conocían detalles de lo que estaba ocurriendo. Solo se hablaba de una cirugía por determinar.

Ahora dice el comunicado de sus redes sociales: “Billy Joel ha anunciado que cancelará todos los conciertos programados tras un diagnóstico reciente de hidrocefalia normotensiva (HNT). Esta afección se ha visto agravada por las recientes presentaciones en directo, lo que ha provocado problemas de audición, visión y equilibrio”.

A instrucciones de su médico, «Billy va a seguir una fisioterapia específica y le han aconsejado que deje las actuaciones durante este periodo de recuperación. Billy está muy agradecido de los excelentes cuidados que está recibiendo y está comprometido a priorizar su salud. Está muy agradecido del apoyo de fans que ha recibido durante este tiempo y aguarda el día en que otra vez pueda subirse al escenario». El artista añade: “Lamento sinceramente decepcionar a nuestro público y gracias por la comprensión”.