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Arctic Monkeys / Tranquility Base Hotel & Casino

Por
Raúl Guillén
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No exageran –quizá un poquito, pero no mucho– Arctic Monkeys cuando dicen que ‘Tranquility Base Hotel & Casino’ requiere de unas 10 escuchas para poder entrar en ese mundo. Y su decisión de no adelantar su sexto álbum de estudio con single alguno parece coherente. Primero, por mantener esa incertidumbre, ese factor sorpresa que la actual dinámica de la industria casi ha perdido; y segundo, porque realmente es muy difícil escoger una entre estas 11 canciones que en su totalidad no pasan, rítmicamente, de la velocidad de un medio tiempo y cuyos estribillos, cuando los hay, están lejos de lo obvio y lo destacable. Pinto bien la cosa, ¿eh?

Desde luego, los fans de los viejos Arctic puede que no les perdonen nunca este viraje, salvo que, como ellos, hayan madurado lo suficiente como para no temer al cambio y sí a la autoparodia. Y, a cambio, vaticino que muchos que no le veían tanta gracia al grupo de Sheffield lo encontrarán fascinante. Es un disco exuberante y complejo en lo sonoro, con las guitarras tomando un papel más ornamental y testimonial y basado, sobre todo, en el piano, el nuevo juguete favorito de Alex Turner. Un Turner al que la vida en Los Ángeles ha cambiado mucho y que ha trasladado ese lado de crooner trasnochado y socarrón que ofrecía con la última personificación de The Last Shadow Puppets: en muchos sentidos, sería más coherente escuchar ‘Tranquility Base Hotel & Casino’ bajo la etiqueta de su proyecto con Miles Kane.

Él y su forzadamente sensual voz son los absolutos protagonistas en la cálida maraña instrumental creada y coordinada junto al habitual James Ford y en la que intervienen miembros de Mini Mansions, Tame Impala (Cameron Avery), Klaxons y otros músicos habituales de sus directos. Un tejido denso y nocturno, repleto de sonidos añejos de vibráfono, Farfisa o clavicémbalo, bajos funk, armonías vocales y guitarras en la que centellean destellos de Prince (‘Star Treatment’), Beach Boys (‘The World First Ever Monster Truck Front Flip’), David Bowie (‘Four Out of Five’), Nick Cave (‘Science Fiction’), Serge Gainsbourg (‘Tranquility Base Hotel & Casino’), el Elvis de los 70 (‘The Ultracheese’) o los Pulp de ‘This Is Hardcore’ (‘One Point Perspective’, ‘American Sports’). Además, claro, de referentes menos frecuentes citados explícitamente por los Monkeys, como Electric Prunes, Nina Simone, The Walker Brothers, Leon Russell, David Axelrod, Nino Rota o Ennio Morricone. Estos dos últimos son especialmente significativos, en cuanto estamos ante una obra que a menudo parece más una banda sonora que un álbum de rock.

De hecho, las canciones ofrecen el hilo conductor para una suerte de película de ciencia ficción retro-futurista –Turner ha llegado a citar ‘El mundo conectado’ de Fassbinder como influencia– en la que encontramos a una vieja estrella del rock en decadencia –obviamente, una especie de fantasma del futuro del propio Alex–, recurriendo a sus demodés recursos de seducción desde lo más profundo de la barra de un bar situado en ese imaginario hotel-casino establecido en el Mar de la Tranquilidad donde alunizó el Apolo XI –ideado hasta el punto de que su portada es una maqueta del mismo, realizada por el propio Alex en cartón-pluma e inspirándose en las obras de los arquitectos Eero Saarinen y John Lautner–.

A partir de ahí Turner, presumiblemente influido por la lírica de Father John Misty, se sirve de sardónicas, y a menudo cómicas, alegorías repletas de referencias a la tecnología, la política (adivinad quién puede ser ese “líder del mundo libre que recuerda a un luchador embutido en calzoncillos dorados”) y la cultura popular –de ‘Blade Runner’ a ‘1984’, de la lucha libre americana a viejos programas musicales de la televisión británica, de la realidad virtual a la religión– para esbozar, al estilo ‘Black Mirror’, un futuro que se parece terriblemente al presente. “Te he reconocido por el destello de tu pantalla”, “desde el Éxodo, todo se ha gentrificado” o “no hay nada como el exótico sonido del almacenamiento de datos por la mañana” son algunas de las múltiples líneas memorables en las que el Turner de dentro de 30 años retrata el proceso de degradación al que se aboca la humanidad, en lo ético, lo social y lo político, pero desde una perspectiva divertida y desconcertante. Una gozada para desmenuzar y disfrutar tanto como la música que le da soporte.

Asimilado, pues, el gran progreso de Arctic Monkeys en lo sonoro y lo lírico, ¿dónde quedan, a todo esto, las canciones? Esta es la parte, sin duda, más polémica y discutible del álbum, puesto que sus ganchos son esquivos, nada evidentes y lo que más llama la atención es la renuncia explícita –o así lo asumo yo– al estribillo. O eso se desprende de unas áridas primeras escuchas, que apenas sirven para asimilar los cambios, y que dejan la impresión de que ‘Tranquility Base Hotel & Casino’ es una obra densa en la que las partes no son nada, o muy poco, distanciadas del conjunto. Pero la persistencia y el magnetismo que desprende sobre todo la parte instrumental del disco, aunado a una observación cuidadosa de sus enrevesados y divertidos textos, van revelándonos momentos de verdad memorables que, por ahora, parecen concentrados en su primer tramo, destacándose ‘Four Out of Five’, ‘American Sports’, ‘Star Treatment’ y ‘One Point Perspective’ –precisamente, las que ya han comenzado a mostrar en directo–. Pero ‘Science Fiction’, ‘Batphone’ y hasta la medio cómica balada crepuscular ‘The Ultracheese’ van poco a poco ganando enteros, a menudo más reconocibles por sus riffs y arreglos que por sus melodías vocales.

Pero no es un disco fácil, seguro que dividirá y habrá quien pase ampliamente de dedicarle más allá de dos o tres escuchas. No les culpo, pero honestamente creo que merece la pena hacerlo. Y no es, de verdad lo digo, la pose presuntuosa de un crítico que quiere hacer ver que hay algo que no ven los demás: la persistencia, en este caso, tiene premio y va desnudando que ‘Tranquility Base Hotel & Casino’ es un gran disco que brilla –eso sí– por cosas distintas a las que solemos valorar en el pop. No es inmediato, no es pegadizo, no es fácil de rememorar… “¿Y qué narices han hecho bien, entonces?”, se preguntará alguien. Se podría decir que lo mejor –porque lo contrario, a todas luces, hubiera significado el fin de la banda–, es que huyen de la preconcepción general de Arctic Monkeys: no hacen una 2ª parte de ‘AM’, su disco más exitoso hasta la fecha, ni regresan a la exuberancia brit-rock de ‘Suck It And See’, al post-stoner-rock de ‘Humbug’ o a la efervescencia de sus dos primeros álbumes. Curiosamente, aunque parezca que se han pegado un tiro en el pie, con este giro están siendo más Arctic Monkeys que nunca: nunca se han repetido a sí mismos, siempre han mirado hacia adelante y han desafiado sus límites. Quizá esta vez más que nunca. Si este fuera el último disco de los Monkeys –una posibilidad con la que se viene especulando desde hace tiempo–, sin duda sería un epitafio difícilmente superable.

En las próximas semanas, Arctic Monkeys presentarán ‘Tranquility Base Hotel & Casino’ en nuestro país en sendos festivales: el 2 de junio lo harán en Primavera Sound 2018, en Barcelona; y el 13 de julio en Mad Cool 2018, en Madrid.

Calificación: 8,2/10
Lo mejor: ‘One Out of Five’, ‘Star Treatment’, ‘American Sports’, ‘One Point Perspective’, ‘Tranquility Base Hotel & Casino’.
Te gustará si te gusta: los últimos Pulp, Father John Misty, The Last Shadow Puppets.
Escúchalo: Spotify

El cómico Antonio Castelo también da respuesta a las acusaciones de acoso sexual contra él

Por
Raúl Guillén
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Las acusaciones de presunto acoso sexual y abuso hacia el líder del grupo Izal, Mikel Izal, canalizadas a través de un story de Instagram convulsionaron ayer al mundo de la música y la cultura. Pero, en realidad, el origen de esta ola de supuestos fue la denuncia de una instagrammer por unos mensajes privados que había recibido del cómico y locutor de radio Antonio Castelo. A raíz de la experiencia narrada, muchas otras mujeres ofrecían testimonios –similares e incluso más graves– referidos también supuestamente a Castelo.

Izal respondía ayer tarde con un comunicado en sus redes sociales, y Antonio Castelo, que en principio guardó silencio, hizo lo mismo a última hora de ayer. El cómico tilda en él las acusaciones de «injustas y falsas» y dice hablar por «el grave daño [causado] hacia mi entorno familiar, amigos, compañeros» y él mismo. Castelo ha argumentado que «todas» sus relaciones han tenido «siempre» el «libre consentimiento por ambas partes» y, en línea con el escrito del músico, se manifiesta «en contra de cualquier actitud machista o acto violento contra las mujeres», y asegura que pretende emprender «acciones legales» para «la defensa de mi intimidad, mi familia y mi honor».

Esta ola de acusaciones provocó que una mujer iniciara una petición en change.org en la que solicitaban al programa radiofónico en el que trabaja, ‘YU, no te pierdas nada’ –emitido en Los40–, que despidiera a Castelo, obligando a su director, Dani Mateo a manifestarse al respecto. Mateo ha publicado una carta en Twitter en la que recuerda que tanto su programa como la emisora «siempre» se han posicionado en contra del acoso a las mujeres y de los abusos y agresiones sexuales, pero manifiesta que «no son las redes sociales ni Internet el lugar, donde en un país democrático, se decide quién es o no culpable de un delito». En todo caso, respecto a la petición de prescindir de Castelo, ha dicho «tomaremos las decisiones correctas», acordes con lo que consideran «justo». Dicho texto, dice recoger la postura de «toda la gente que formamos YU». Sin embargo, una conocida colaboradora del programa no ha sido tan comedida y prudente como ese comunicado. La youtuber Soy Una Pringada ha sido muy explícita en un tuit: «Me he estado callando desde que me he enterado pero no puedo más, @SrCastelo es un machista y un acosador de mierda. Que sea mi compañero de trabajo no significa nada y no me iba a impedir seguir mis principios como siempre he hecho y mucho menos ser real. Ahí lo llevas, “señor”».

Anitta: «Lo que intento hacer es usar mi sensualidad para transmitir mensajes más importantes»

Por
Sebas E. Alonso
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Con la eclosión del pop latino, ha quedado claro que las listas británicas y estadounidenses están muy bien, pero no lo son todo en esta vida. La brasileña Anitta es un exponente. Sin número 1 en Reino Unido o en el Billboard, los streamings de hits como ‘Downtown’ con J. Balvin, la hipnotizante ‘Vai Malandra’ o ‘Machika’ se cuentan por cientos de millones en Youtube. Aprovechando su visita a Madrid la semana pasada, pudimos hablar con ella en un céntrico hotel sobre los nuevos tiempos para la música pop, el pop latino, el apropiacionismo, la importancia de una buena melodía al margen de la producción o el mensaje de su música al margen -o no- de la sexualidad.

Si has terminado aquí para conocer mejor a Anitta, es importante leer esta entrevista imaginando un acentazo obviamente brasileño. En pos de ser fiel a lo que fue la conversación original y vista la buena voluntad de Anitta de hacer la entrevista en castellano en lugar de en inglés o con traductor, he mantenido algunas incorrecciones -he corregido errores solo cuando era imprescindible-, evitando castellanizarla o poner en su boca cosas que no había dicho exactamente. En todo caso, es claro que estamos ante toda una líder y una superestrellaza, desde el primer momento en que habla. Foto: Fernando Tomaz.

«Cuando veo algo que me parece imposible, lo quiero hacer»

Brasil es una potencia musical muy grande: hay mucha gente y muy interesada por la música, ¿por qué para ti es importante un mercado como España?
Es un sueño. Los artistas de Brasil no sienten la necesidad de salir. Es casi como un continente porque es muy grande, puedes ser muy feliz haciendo la música que haces, y luego ir a otros países de vacaciones por tu privacidad. Pero para mí es un desafío, cuando veo algo que me parece imposible, lo quiero hacer. Mucha gente me decía que era imposible hacer lo que hago hoy y por eso lo quería hacer. No tenía ganas («intenciones») al principio, pero una canción mía en portugués empezó a tocar aquí en España, ‘Show das Poderosas’. En Portugal es normal, pero España era muy nuevo para mí. En 40 Principales pidieron que cantase, vine aquí y no sabía hablar una palabra de español. 5 años hace. Me sentí muy mal porque amo comunicarme, tenía vergüenza de la traducción en televisión en vivo y yo me quedaba loca. Cuando volví a Brasil me puse un maestro de español y así empezó mi gana de aprender español. Mi profesor me dijo que la historia del reggaetón era la misma que la del funk para Brasil, me enseñó cosas nuevas y quedé muy interesada. Empecé a viajar para conocer la industria de otros países, y así descubrí a J Balvin. Hice otro viaje solo para descubrir música.

Hubo un momento en que trabajar con Major Lazer, Iggy Azalea… habría representado para ti un salto internacional, pero en realidad, ahora mismo, parece que abre más puertas trabajar con un artista latino. ¿Cuándo crees que hubo un cambio?
Hice ‘Ginza’ con J Balvin para Brasil, y un tema con Maluma. Yo creo que fue la unión de estos movimientos. Luego Major Lazer, Alesso… Pero J Balvin fue el más importante de todos. No solo por ‘Machika’ y ‘Downtown’, sino porque me ayudó mucho detrás de las cámaras, en cosas que no tenían nada que ver con él.

¿Cosas como consejos personales?
Cosas de mi carrera: «qué programa vas a hacer, toma este teléfono, toma estos contactos, ve a esta radio»… me ligaba («contactaba») con personas diciendo: «una amiga va para allá». Y yo hice lo mismo para J. Balvin en Brasil.

¿Trabajas cara a cara con tus colaboradores o vía mail?
Yo soy mi propia mánager, comando mi propia empresa en Brasil y para administrarla tiene que ser por teléfono. No me gusta el mail porque es muy demorado. Hago todo por teléfono. Si no, no podría ser mánager de mí misma.

Me refería más que nada a la composición.
A veces escribo una idea, o mando «voice notes». «¡Tuve esta idea, mira!», y me mandan algo de vuelta. Hago muchas cosas así en portugués. Trabajo con los mismos productores hace 6 o 7 años. Estamos muy acostumbrados. Cuando digo algo, ellos ya saben (lo que quiero).

¿Para ti es más importante la melodía, la producción o el ritmo?
La melodía. La producción puede matar, pero también puede salvar una canción. Pero cuando tienes una melodía muy buena (en la) que tú no necesitas nada, para mí esa es la mejor canción de todas. Cuando hago una canción solo con la voz, esa canción es muy bonita. Para mí esa es la llave: una canción que no necesita producción. Podemos poner producción, ¡claro! «Vamos a poner producción para quedar más comercial», obviamente, como en todas las canciones, pero si tú cantas y no necesita nada más, eso es una canción buena.

¿También es el caso de ‘Vai Malandra’?
‘Vai Malandra’ es una canción que necesita de la producción. Si yo canto ‘Vai Malandra’ para usted aquí, no va a ser tan increíble, porque tiene una parte más hablada, menos cantada. Pero la parte cantada (tararea la parte de «vai malandra»), esto es muy fuerte. Esta melodía es la llave.

Cuando salió esta canción e inundó Youtube, y tenía una tonelada de streamings en Spotify en Brasil, pensé que podía funcionar mejor en Estados Unidos y España. Pero no…
¿Con ‘Vai Malandra’? No esperaba nada. Solo en Brasil. Hice un proyecto llamado «Jaque mate»: hice canciones en otras lenguas, un trabajo dedicado a cada lugar. Por suerte fue más exitoso de lo que yo esperaba, (aunque) mi intención solo era tener buenos números en Brasil para presentar que canto en inglés, que canto en español… pero no tenía grandes sueños. ‘Vai Malandra’ era la finalización de ese proyecto «Jaque mate», para que mi público de Brasil no dijera que yo no estaba cantando más en portugués, que no me gustaba más mi país. ‘Vai Malandra’ fue totalmente para Brasil. Nunca imaginé que otros país escucharían ‘Vai Malandra’ por ser un funk, que es un ritmo nuevo, que las personas de otros países no conocen tan bien todavía. Y por ser en portugués, porque el idioma es una barrera muy grande. Quedé muy sorprendida.

Pero en Estados Unidos han triunfado muchas canciones latinas.
Latinas sí, pero en portugués, no. La comunidad latina que habla español en EE UU es muy grande, pero en portugués, no tanto. Y el idioma hace mucha diferencia.

«Quiero hacer música que amo, no hacer música para alcanzar algo, un público, un país»

¿Estados Unidos para ti es importante o, a estas alturas, es un país más?
Es bueno. Antes pensaba más: «¡yo quiero, yo quiero, yo quiero!». Pero ahora que todo está saliendo muy bien en mi carrera, estoy muy realizada. Me encanta el idioma español, la gente, el público, quiero disfrutar más de este momento sin prisa. No necesito prisa. Yo tengo 25 años. Si ocurriera en otros países, si (me proponen) alguna canción que me gusta, yo (la) voy a hacer. Pero quiero hacer música que amo, no hacer música para alcanzar algo, un público, un país. Quiero hacer lo que me gusta. No (quiero) hacer una canción porque las radios van a tocar eso. Si no (la) amo…

¿Por qué rodaste el vídeo de ‘Vai Malandra’ en agosto, pero no lo sacaste hasta diciembre?
Porque grabé en la favela como parte de lo que sería «Jaque mate», la última tacada, el último movimiento. Yo hice las fotos, y la expectativa era grande. La gente decía: «¿qué está pasando?» Esperaban por la canción (‘Vai Malandra’) y cada vez que yo iba sacando otro tema (‘Downtown’, etc), la gente decía: «¡no está en portugués!». Yo dejaba claro que para ellos Brasil, la favela, el funk, estarían al final del todo.

¿Te influye tanto lo que opina la gente?
Sí, porque yo quería llamar la atención sobre (todas) las canciones. Si yo hubiese lanzado un funk al inicio, ‘Vai Malandra’ habría sido la más grande y las demás no habrían tenido la atención necesaria.

De todas formas, siempre va a haber críticas: si cantas en otro idioma, porque cantas en otro idioma. Si sacas la favela, por apropiacionismo…
De apropiacionismo hablaron poco, pero (les) digo: «mira, estoy mostrando algo que es parte de mi vida». ¿Ahora vivo en otro lugar? Sí. ¿Ahora yo tengo dinero? Sí, Pero los 8 o 9 años de mi vida fueron de esta manera, de la que hicimos en el vídeo.

¿Cómo era tu vida de niña y adolescente?
Muy simples. (Me) quedaba mucho en casa porque no tenía dinero para salir. Vivía en un barrio de Brasil en el que para ir cerca de la playa era muy peligroso. No tenía dinero para pagar las conducciones, entonces (me) quedaba en casa o brincando con amigos de mi calle, o con mi mama, mi familia. Una vida feliz pero cerca de casa. Jugando en la calle con (los otros) niños, pero muy contenta.

¿Y de ahí viene la idea del biquini con cinta aislante? De no poder pagarte uno…
No, no de mí. Yo hacía esto de tomar el sol, porque hace mucho calor en Brasil, pero la playa me quedaba lejos y tienes que gastar mucho dinero (para ir). Entonces te quedas en casa tomando el sol. Esta idea de la fita está surgiendo en estos lugares de Brasil donde moraba antes. Aunque ya no viva allá, sigo visitando a mi familia, doy dulces a los niños, y veo todo. Empezó la moda de la fita y la puse en mi vídeo. Traje a la chica que creó esta idea para el vídeo (Erika Bronze). Es la primera de todas que estaba (confirmada) en el vídeo poniendo las fitas.

«Lo que intento hacer es usar mi sensualidad para transmitir mensajes más importantes (…) Siempre intento hacer algo que va a hacer al pueblo pensar»

Tu música tiene un componente sexual muy marcado. La música pop siempre lo ha tenido, desde Elvis, Michael Jackson… ¿Crees que ese componente sexual hace que, como arte, esté peor valorado?
Es parte del interés de las personas: cuando quieren divertirse, cuando quieren bailar, cuando quieren cosas que te hagan pensar en diversión, piensan en sensualidad. Yo tengo mi sensualidad, amo bailar, en las letras también. Pero lo que intento hacer es usar esto para pasar («transmitir») mensajes más importantes. Como el de la favela: fue para mostrar una cosa alegre en un momento muy difícil para Brasil. Yo quería mostrar una parte bonita. Con mi celulitis quería hablar para las chicas: si tienes celulitis, no vas a llorar por eso. Las chicas tienen. Cuando miran las revistas, piensan que solo ellas tienen imperfecciones, y yo quería mostrar que yo misma, siendo artista, también tengo. Cuando invité a la drag queen de ‘Sua Cara’, fue para (transmitir) un mensaje: también merece respeto, también merece trabajar. Porque en Brasil los travestis no (reciben) tanto respeto. Mi público es muy joven y en esta edad no les gusta (escuchar) mucho discurso. «¡Es aburridoooo!». Intento pasar un mensaje de manera divertida, cuando escuchan la canción de manera divertida, dicen: «mira, un drag queen», y ellos empiezan a debatir acerca de eso sin sentir que están haciendo algo importante. Cuando puse la flor amazónica en mi vídeo fue porque el presidente del país quería liberar la matanza de los árboles y yo pensé que era muy importante que prestasen atención a esto. Sin hablar, lo puse y las personas dijeron: «gracias, porque el turismo está muy bajo y es importante que la gente quiera venir porque fomenta el dinero, las finanzas». Siempre intento hacer algo que va a hacer al pueblo pensar, no solo una canción que va a hacer a la gente bailar.

«Hago (vídeos) para las mujeres, porque yo quiero que las mujeres se sientan libres para hacer lo que quieran»

Una compañera hizo un artículo que me pareció muy interesante diciendo que le parecía ver en los vídeos de Madonna a Madonna en su propia fantasía sexual, con 7 chicos, etc, pero a Beyoncé dedicándose más que nada a la fantasía masculina. ¿Cuál sería tu caso? ¿Te diriges más al público masculino o haces los vídeos para ti misma?
Yo hago (vídeos) para las mujeres, porque yo quiero que las mujeres se sientan libres para hacer lo que quieran. Hay mujeres que les gusta (mostrar su sexualidad), pero tienen miedo de ser juzgadas, y tienen que ser libres para escoger lo que quieren hacer. Tengo una canción llamada ‘Will I See You’ con Poo Bear, el compositor de Justin Bieber, y en el vídeo estoy desnuda completamente. Pero la canción es romántica, es la más difícil que yo canté, y quería mostrar ese opuesto. Puedo cantar bien y ser sensual, ser romántica y ser sensual. Para ser romántica no necesito dejar mi sensualidad a un lado, ese es el mensaje que yo quería transmitir. (Me dedico) mucho a las mujeres, para que ellas miren qué estoy haciendo, (afrontando) las críticas y digan: «Lo puedo hacer también».

He leído que el disco no es importante para ti, que prefieres las canciones sueltas.
Porque a veces las personas, para completar el número de canciones de un disco, ponen cualquier canción y y no me gusta. Yo solo quiero las mejores.

¿No escuchabas discos enteros de pequeña?
Escuchaba, pero yo creo que ahora es un momento diferente. Las personas están escuchando una canción y se cansan, buscan otra. Se cansan muy rápido de todo. Para mí es más inteligente hacer una canción, otra… con espacios pequeños entre ellas, no tan juntas.

Pero entonces no te van a dar nunca el Grammy a mejor álbum.
¡No me importa! (se ríe)

¿Qué conoces de música española?
Escuché un poco, estoy escuchado más canciones en español, en inglés ya sabía más. Me encanta Alejandro Sanz, canté para él en los Grammy latinos, crecí escuchando su música, que es increíble. Y amo a Luis Miguel. ¡Amo! Quiero escuchar más cosas porque me encanta saber hablar de referencias antiguas, saber de referencias antiguas.

¿Cómo es tu disciplina diaria en cuanto a composición o grabación? ¿Te mandan ritmos y cantas sobre ellos, al revés…?
No. (Me) despierto y si tengo una inspiración, cojo el teléfono y le digo (a uno de los productores): «mira la idea». Si no tengo una inspiración, no me quedo en mi casa y digo: «tengo que hacer (forzosamente) una canción». A veces estoy en casa, en el baño y me viene, y ya está. Lo prefiero así.

¿Y tu empresa es todo sobre Anitta, no?
Sí.

¿Supongo que para hacer un producto a lo Rihanna, con perfume, acuerdos con marcas…?
No. Tengo una empresa porque no tengo mánager en Brasil. Tengo mi oficina con mis empleados, uno para lanzamientos, otro para conciertos… La empresa es mi oficina, donde hago mi carrera, porque no tengo un mánager.

¿Sabes algo de Iggy Azalea desde vuestra colaboración? Era una canción muy chula…
No tengo contacto pero fue muy importante para mí.

Está como desaparecida…
Hay momentos en la carrera de cada artista. Pero la canción me gustó y fue muy generosa conmigo, fue mi primera actuación en la televisión de Estados Unidos, en el show de Jimmy Fallon: una conquista grande para mi país. Fue un momento muy importante.

«No tengo contacto con Iggy Azalea, pero fue muy importante para mí. Fue muy generosa conmigo»

¿Qué crees que le ha pasado? ¿Crees realmente que se ha podido echar a perder su carrera por la cuestión del apropiacionismo?
Yo no sé… creo que es una cosa del momento. A veces la persona no da importancia a eso. Ahora tengo 4 temas en el top 20 de Brasil, pero yo no los hice pensando en tener números. Fue una consecuencia, como ‘Indecente’. Esta canción fue que estaba en Miami y mi cumpleaños estaba llegando. Estaba con los compositores de ‘Machika’ y ‘Downtown’ y quería invitarlos a una fiesta porque amo la fiesta, e hice una en mi casa. Pensé: «en 20 días quiero hacer un vídeo en vivo en mi fiesta de cumpleaños». Y por eso lancé la canción, pregunté a la disquera si me autorizaba este lanzamiento (al tener otros singles en el mercado). Pensaba: «quiero divertirme, hacer la canción con mis amigos, después pensamos en la divulgación».

¿Y serás tan espontánea para mantenerte?
No. Algunas canciones las tengo que planear. Estoy planeando las próximas para que todos las escuchen y den su opinión, pero a veces lo hago solo por placer.

¿De qué canción perdida estás orgullosa? De discos viejos o que no haya tenido tanto éxito.
‘Will I See You’ no es tan grande porque es romántica, la canción romántica es más difícil de pegar. Es una bossa nova. Una canción tan lenta…

‘Tabula Rasa’: el sorprendente boom de las series belgas

Por
Joric
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Seguro que ya lo has leído por ahí o te lo ha wasapeado tu amiga la seriéfila: “ahora mismo, las series belgas son las mejores”. Como todas las frases cero sesenta, tiene algo de verdad. La natación no es “el deporte más completo”, pero sí es muy completo. Pues las series belgas igual. No son “las mejores”, claro, como si hubieran ganado un Eurovisión de series o algo parecido, pero sí son muy buenas. La razón de este pequeño boom de las ficciones televisivas belgas, tanto flamencas como valonas, hay que buscarla en los programas de ayuda al audiovisual que desde hace unos años han venido desarrollando los dos gobiernos regionales. Un sistema de subvenciones que empezó a dar sus frutos a partir de 2015. De repente, el MIPTV o los Prix Europa se llenaron de series belgas que arramplaban con todos los premios como si fueran los Dardenne en Cannes.

‘Enemigo público’ y ‘La tregua’ (las dos en Movistar+) fueron de las primeras en llegar, y su éxito fue arrollador. La primera es la serie belga más vista de la historia. Luego llegaron ‘Hotel Beau Séjour’ (comprada por Netflix), ‘Profesor T.’ (Movistar+) y ‘Team Chocolate’ (Netflix), la ganadora del último Prix Europa y otro enorme éxito en su país. Pero, sin duda, la serie belga que más está dando que hablar internacionalmente es ‘Tabula Rasa’. Aunque Netflix la estrenó un poco de tapadillo, el boca-oreja la ha hecho más visible que la última de Los Vengadores.

Lo primero que llama la atención de ‘Tabula Rasa’ es que es una serie creada casi exclusivamente por mujeres. Al frente del proyecto, como creadora y protagonista absoluta, está Veerle Baetens, una de las estrellas más famosas de Flandes, conocida por su papeles en ‘Alabama Monroe’ y ‘El veredicto’. Junto a ella, la productora y guionista Malin-Sarah Gozan (‘Clan’, ‘Connie & Clyde’), y la directora Kaat Beels, también realizadora de la mencionada ‘Hotel Beau Séjour’. Completando el cuarteto está Jonas Govaerts, un joven director que llamó la atención en Sitges hace unos años con ‘Cub’, donde se llevó el premio a la mejor dirección.

Lo segundo que sorprende de esta serie es lo bien llevada que está su intriga. Al menos, durante siete de los nueve episodios que tiene. ‘Tabula Rasa’, con ese cartel tan ‘Cisne negro’, parecía el típico thriller que te coge por las solapas en el primer episodio y te suelta en el tercero. Pero no. Gracias a una muy medida dosificación de la información, un extraordinario montaje de las dos líneas temporales (con algunas elipsis de lo más sugerentes), una equilibrada mezcla de tonos (del domestic noir al cine de terror, pasando por el thriller psicológico), una fabulosa interpretación de Baetens (sin olvidar a unos estupendos secundarios, como el pirómano), y un giro a la mitad que no puede llegar en mejor momento (justo cuando te estás repanchingando demasiado en el sillón), la serie consigue mantenerte pegado a la pantalla como una cleptómana al Eroski.

La pena es que al final todas las piezas acaban encajando muy deprisa y a golpes de efecto telenovelero (o de giallo trasnochado). No resulta molesto porque estás tan metido en la intriga, te lo has pasado tan bien, que te dejas llevar de la mano por cualquier sitio. Pero sí es algo decepcionante. Aun así, el viaje por la (des)memoria de esta madre sospechosa de asesinato, merece mucho la pena. 8.

Nora Norman / Chaos

Por
Sebas E. Alonso
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‘Chaos’ es el debut oficial de la cantante Nora Norman, nacida en Sabadell pero desde hace unos años afincada en Madrid, que se daba a conocer en 2014 a través de las versiones que subía a Youtube. Entre las canciones escogidas, ‘Dancing On My Own’ de Robyn o ‘When I Was Your Man‘ de Bruno Mars. También se ha atrevido luego con White Stripes o Stevie Wonder, pero el caso Mars es más significativo. Nora Norman puede ser comparada con él o por timbre con el antiguo Justin Bieber, pero quizá solo se deba a la admiración que los tres tienen -o deberían- hacia el primer Michael Jackson en solitario o hacia los Jackson 5.

Tras un EP en que incluyó temas que han sonado tanto como ‘Odd One’ y ‘Fix It All Again’, y haber pasado por el programa de Buenafuente, además de por Mad Cool, Sonorama, etcétera, este ‘Chaos’ es su gran apuesta, situándose bien a finales de los 70, cuando Stevie Wonder conseguía Grammys y números 1 por un tubo, o bien alrededor de 2005 en Reino Unido, cuando aparecieron cantantes de neo-soul como Estelle, Adele o Katie Melua.

Así, Nora Norman resulta mucho más amable que una Amy Winehouse, citando como influencias a gente como John Legend, acercándose muy tímidamente a Adele en algún momento (el arranque de ‘Beggining’ es un tanto ‘Rolling in the Deep’, aunque luego derive hacia otra cosa), y prefiriendo en verdad un sonido atemporal que situarse en 2018. Algo que parecía que iba a suceder cuando por la inicial ‘Did It Wrong’ se asomaba alguna tímida base, algún piano, que conectaba con Rudimental o Example. Pero no, aquí la canción principal es la alegre ‘What If’, y ciertamente podría ser un hit del citado Bruno Mars.

Sobre todo si se hubiera redondeado mejor. ‘Chaos’ echa de menos bien un poco del mismo o bien un poco de perfección, pues nunca llega a sonar vívido o rugoso como grabación en directo, pero tampoco realzado en teclados disco, guitarras eléctricas o metales, dejando un poco a medias en ese sentido. Nora Norman ha querido terminar el álbum con una balada a la guitarra eléctrica, ‘Time’, más cercana a Tracy Chapman, Sinéad O’Connor o las maquetas de Amy, pero la canción no termina ni de resultar cruda, ni de estar debidamente ornamentada. Lo mejor termina siendo la melodía de su estribillo.

A juzgar por el buen dúo con Devonte en ‘I Was the One’ (el soul siempre agradecerá un contraste de voces así), las posibilidades y los buenos arreglos de la agridulce y estupenda ‘She May Have Done It Wrong’ o unas letras que a lo largo de su corta carrera no solo han lidiado con el desamor sino también con la aceptación de uno mismo; da la impresión de que Nora Norman, más que una enorme autora a día de hoy, sería ya una buena co-autora para esas 354 personas que suelen estar implicadas en los discos de Mars o Bieber. Tiene por ello mérito haber escrito este disco completamente sola.

Nora Norman presenta ‘Chaos’ este 10 de mayo en Madrid cerrando este ciclo de MadTown Days, y el 12 en Sidecar, Barcelona. Más fechas y entradas, en Ticketea.

Calificación: 6/10
Lo mejor: ‘What If’, ‘She May Have Done It Wrong’, ‘I Was the One’
Te gustará si te gusta: el primer Michael Jackson y sus sucedáneos, la canción por encima del acabado
Escúchalo: Spotify

Mikel Izal, acusado de acoso sexual por varias mujeres, responde y niega las acusaciones

Por
Jordi Bardají
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En las últimas horas, Mikel Izal, líder de Izal, una de las bandas más exitosas de nuestro país actualmente como ha mostrado la salida reciente de ‘Autoterapia‘, durante mes y medio nº1 en España en las listas de streaming, ha sido acusado por varias mujeres de acoso sexual, en unos mensajes remitidos a la instagrammer Irene Halley que podéis consultar en su “stories”. Estos mensajes también salpican a otro miembro de Izal, Alejandro Jordá, y al presentador Antonio Castelo.

Los mensajes contra Mikel Izal relatan incómodos encuentros sexuales de mujeres con el músico o reproducen declaraciones de alto contenido sexual que el músico presuntamente ha expresado a estas mujeres, alguna de ellas menor de edad.

Izal ha respondido a las acusaciones en un comunicado emitido en sus redes sociales. En el texto, Izal niega “categóricamente cualquier acto de acoso, violación o actividad de carácter físico y sexual NO consentida, ni con personas adultas ni por supuesto con menores de edad”.

Este es el comunicado completo:

«Madrid, 9 de mayo de 2018

Ante la horrible campaña que acontece desde ayer en redes contra mi persona, me veo obligado a emitir este comunicado, en uno de los peores días que recuerdo, y los de mi familia.

Las redes sociales han sido y son una gran herramienta en estos años para el desarrollo de mi vida profesional. Pero, como nada es blanco o negro, acaban de mostrarme su lado más terrible, dañino, injusto y falaz. Ayer la red y su crueldad anónima distorsionó el contenido de mi corazón y mi cerebro hasta hacerlos irreconocibles, usando además como arma aquello que quién me conoce sabe que me revuelve el estómago: el menosprecio a la mujer.

No hay nada de gracioso, entretenido o ingenuo en esos textos acusadores y gratuitos, que circulan libremente por la red y que hoy me hacen pasto de las llamas a mí, mañana a quién sabe quién.

No solo destapan y atentan contra la vida privada, un DERECHO de tod@s, a golpe de click, sino que banalizan, monetizan y manosean problemas MUY graves que son lacra social y tarea de la Justicia.

Por supuesto, niego rotunda y categóricamente, cualquier acto de acoso, violación o actividad de carácter físico y sexual NO consentida. Ni con personas adultas ni por supuesto con menores de edad.

En cuanto al desarrollo de mi vida privada, es posible que algunos y algunas, personas individuales o colectivos, estéis esperando detalles concretos. No creo que hagan falta. Todo lo acontecido, es mío y de quienes me rodean.

Reitero que he llevado mi vida privada como tal, siempre desde el respeto a la otra parte, de forma honesta, transparente, sin absolutamente NINGUNA actitud vejatoria.

A partir de aquí, me reservo el derecho de tomar las acciones legales que se consideren oportunas.

Muchas gracias».

Salvador Sobral califica como «horrible» la canción de Israel para Eurovisión 2018

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Sebas E. Alonso
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Salvador Sobral, ganador de Eurovisión 2017, protagonizará todo un «comeback» este sábado en el festival, al actuar con Caetano Veloso tras haberse sometido a un trasplante de corazón. Ahora ha concedido una entrevista al diario portugués Público, en la que habla sobre la emoción que representa para él ese momento. «Creo que voy a desmayarme. Es una pena, porque no voy a poder aprovechar del todo el momento. Estoy muy nervioso. Antes nunca me ponía nervioso y ahora no duermo nada. Es surrealista. Siempre he escuchado a Caetano. Es mi mayor referencia. Después de Chet Baker, al que ya no puedo conocer, Caetano es la mayor referencia para mí. Le he podido conocer y es muy humilde, un tipo que adora la música».

Pero los titulares los está dejando, por supuesto, su conocido amor-odio por Eurovisión, pues nunca le ha gustado o interesado el tipo de música que va al festival y además se queja de no haber podido salir a la calle al volver a Portugal después de ganar. Eso sí, agradece haber podido tocar gracias a eso en «teatros lindísimos de España» o en «festivales de jazz que nunca soñó».

En la línea, dice no haber escuchado ninguna canción de Eurovisión 2018 salvo la portuguesa y la israelí. Dejando al margen que su hermana fue jurado en la final española, no ha habido piedad para la favorita Israel: «YouTube me hizo verla. Cosas de la tecnología. De repente, YouTube creyó que me gustaría la canción de Israel, y entonces abrí aquello y me salió una música horrible. Pensé: «YouTube, muchas gracias, pero no es esto». Afortunadamente, este año, no tengo que oír nada. No creo que haya cambiado algo. El año pasado, la gente decía: «¡Al haber ganado tú, todo va a cambiar!». Pero no creo. Tal vez en el futuro».

Post Malone, número 1 en streaming en España… y Niña Pastori, en ventas

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Sebas E. Alonso
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La lista separada de ventas y streaming en España sigue mostrando dos mundos completamente opuestos. Esta semana nos deja uno de los ejemplos más ilustrativos. Post Malone es número 1 de “streaming álbumes” con su nuevo disco ‘beerbongs & bentleys‘, que seguramente va a ser uno de los mayores éxitos a nivel mundial de todo este año tras sus espectaculares cifras sobre todo en Estados Unidos. En cuanto a ventas, Niña Pastori reina con una entrada directa al puesto 1 y ojo, una nada desdeñable aparición en el número 17 de streaming álbumes. Llama la atención por su género y no hay más que ver con qué dos álbumes hace sándwich: ‘Victory’ de Wisin e ‘Ídolo’ de C. Tangana.

Solo dos artistas más, aparte de Niña Pastori, repiten entre las novedades de las dos listas a la vez. Anne-Marie es número 27 en ventas y número 57 en streaming con ‘Speak Your Mind’ ;y Janelle Monáe es top 33 y número 65 en streaming con ‘Dirty Computer’. Anne Marie obtiene en España un número muy similar al logrado en Estados Unidos (número 31), pero muy inferior al británico (top 3), y Janelle Monáe queda lejos de sus resultados en ambos lugares: ‘Dirty Computer’ sí se ha colado en el top 10 de ambos países.

El resto de entradas en ventas en España deja la aparición de Van Morrison and en el puesto 6 con ‘You’re Driving Me Crazy’, de Toundra en el puesto 12 con ‘Vortex’ (no repiten el número 2 conseguido con el anterior álbum de estudio), Whisky Caravan en el 21 con ‘La guerra contra el resto’, Neil Young en el 36 con ‘Roxy: Tonight’s the Night Live’, Julia Garrido con ‘A contratiempo’ en el 48, 77 con ‘Bright Gloom’ en el puesto 62 y Paula Valls con ‘I Am’ en el 64.

FKA twigs revela que le han sido extirpados 6 fibromas uterinos

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JNSP
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FKA twigs, que no ha editado álbum largo desde 2014, el celebrado ‘LP1‘ (sí editó en 2015 el EP ‘M3LL155X‘ y después alguna canción suelta como ‘Good to Love‘ y alguna colaboración o anuncio), ha revelado en Instagram que durante los últimos meses ha estado convaleciente debido al hallazgo de 6 fibromas uterinos -tumores no cancerosos-. La cantante bromea sobre su enorme tamaño («un frutero de dolor diario»), pero revela que lo ha pasado realmente mal, animando a otras mujeres que han pasado por lo mismo a seguir adelante.

Indica: «Queridos amigos, sabéis que valoro mucho mi vida privada, y he pensado mucho en si quiero compartir que este año he estado recuperándome de una laparoscopia para eliminar 6 tumores del útero. Los tumores eran bastante grandes, del tamaño de dos manzanas, 3 kiwis y un par de fresas. Un frutero de dolor diario. La enfermera dijo que el peso y el tamaño equivalía a 6 meses de embarazo”.

Continúa: “Intenté ser valiente, pero a veces era insoportable, y a decir verdad, comencé a dudar si alguna vez mi cuerpo volvería a ser el mismo. Me operé en diciembre y estaba muy asustada, y a pesar del amor que me ha profesado mi familia y mis amigos, me sentí muy sola, como si mi confianza como mujer estuviera noqueada. Pero hoy mientras bailaba con Kelly volví a sentirme fuerte por primera vez en mucho tiempo y fue mágico. Gracias, preciosa, por curarme; gracias por recordarme ser amable conmigo misma, eres maravillosa. Sé que muchas mujeres han tenido este tipo de tumores y solo quería decir después de mi experiencia que sois unas luchadores increíbles y que no estáis solas. Podéis superar esto. Y con esto dejo la pena marchar. Os quiero”.

dear friends, I am a very private person as u all know and I have gone back and forth in my mind whether to share that this year I have been recovering from laparoscopic surgery to remove 6 fibroid tumours from my uterus. the tumours were pretty huge, the size of 2 cooking apples 🍎 🍎, 3 kiwis 🥝 🥝 🥝 and a couple of 🍓🍓. a fruit bowl of pain everyday. the nurse said that the weight and size was like being 6 months pregnant. I tried to be brave but it was excruciating at times and to be honest I started to doubt if my body would ever feel the same again. I had surgery in December and I was so scared, despite lots of love from friends and family I felt really alone and my confidence as a woman was knocked. but… today whilst dancing with Kelly at the choreography house I felt like my strong self again for the first time in a while and it was magical. thank you precious body for healing, thank you for reminding me to be kind to myself, you are a wonderful thing, now go create and be other once again <3 I know that a lot of women suffer from fibroid tumours and I just wanted to say after my experience that you are amazing warriors and that you are not alone. you can get through this. and with this I let go of the pain… love always twigs 🌱

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‘Sin pijama’ de Becky G y Natti Natasha y ‘El anillo’ de Jennifer Lopez destacan en la lista de singles española

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Sebas E. Alonso
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‘Lo malo’ de Aitana y Ana Guerra continúa en el número 1 de la lista española oficial de singles, produciéndose la extraña circunstancia de que una canción eliminada de las final nacional eurovisiva sea top 1 en la semana de Eurovisión. No recordamos que algo así haya sucedido antes. Eso sí, ‘Tu canción’ de Almaia al menos vuelve a subir del número 53 al 26, un gran puesto para una canción finalista si recordamos el recorrido de ‘Do It For Your Lover’ o incluso ‘Say Yay’ de Barei, un hit moderado en nuestro país.

La subida más fuerte esta semana es la de Becky G y Natti Natasha, otras dos chicas que van a arrasar este verano, en su caso, ‘Sin pijama’, que hace poco pasaba por nuestra sección “Canción del día”. El nuevo sexy-invento pasa del puesto 28 al puesto 7 ya, y seguirá subiendo a tenor de lo visto en Spotify. Por otro lado, la entrada más fuerte es la de Jennifer Lopez con ‘El anillo’, directa al puesto 21. Parece que el tema va a tener muy buena acogida en los países latinos y en Spotify aún permanece en torno al top 30 dos semanas después de su edición.

En la mitad baja de la tabla hay que destacar la re-entrada de ‘El remedio’ de Ana Guerra en el puesto 57, sin superar el número 51 original; y dos entradas curiosas. ‘Caprichosa’ supone una entrada más para Mala Rodríguez en el top 100. Mientras ‘Usted’, su tema con Juan Magán, ya es número 18, este otro tema con Beatriz Luengo es número 64. ‘Belerofón’, lo nuevo de Taburete, una canción digna de diseccionar, produce una entrada en el número 65.

La lista de entradas se completa con ‘Sirena’ de Cali y El Dandee (puesto 85), ‘Única’ de Ozuna (puesto 90) y el nuevo hit espontáneo a nivel mundial de Post Malone, ‘Better Now’, que es top 95.


Una gran víbora mecánica y casi todo ‘reputation’, protagonistas del inicio de gira de Taylor Swift

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Jordi Bardají
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Taylor Swift ha empezado esta noche en Arizona la gira de su disco ‘reputation‘, que como de costumbre se centrará en Estados Unidos, pero también pasará brevemente por Europa, concretamente por Reino Unido e Irlanda, eso sí, por estadios mastodónticos que acogerán a miles de fans procedentes de todo el continente. No hay parada en España de momento y no parece probable que la vaya a haber para este tour que mantendrá a Swift ocupada en los escenarios hasta el 22 de junio.

En un primer vistazo al setlist llama la atención la casi total presencia de todas las canciones de ‘reputation’. Si Lana Del Rey apenas se acordaba de su último disco en su recientemente terminada gira, Swift solo deja fuera una pista, ‘So it Goes…’, y quizá por no tener mucho que ver con el tono del álbum, ‘Love Story’ y ‘You Belong with Me’ se presentan en un “medley” con ‘Style’ a principio de concierto. Pese a la presencia obligada de singles como ‘Shake it Off’ o ‘Blank Space’ y del número acústico de turno (‘Dancing with Our Hands Tied’, ‘All Too Well’), está claro que Swift no ha querido dar protagonismo a canciones antiguas y ha optado por respetar y potenciar el “guion” de su oscuro disco.

Y hablando de potenciar el guion, en cuanto a la puesta en escena, Swift ha llevado más lejos todavía su rol de “snake” y ha colocado una enorme víbora mecánica que se contonea en mitad del escenario, por ejemplo durante el número de ‘Look What You Made Me Do’. Por cierto, el interludio “I’m sorry, the old Taylor can’t come to the phone right now” lo realiza la cómica Tiffany Haddish. Eso sí, entre tanta “maldad”, quizá Swift tenga que eliminar ‘Bad Blood’ del setlist porque en Instagram se ha regocijado de que Katy Perry le ha enviado una rama de olivo, que simboliza la paz. Parece que ya no hay “beef”.

Camila Cabello y Charli XCX serán, como se ve en la foto, las teloneras de esta gira y de momento la segunda ya ha aprovechado la gran plataforma que le ha proporcionado actuar en el escenario de Taylor Swift para estrenar un tema nuevo, aparentemente titulado ‘5 In the Morning’. Por cierto, ambas aparecieron en el directo de Swift para cantar con ella ‘Shake it Off’. Parece que en esta gira, Swift no se hartará a sacar famosos en los conciertos noche tras noche como hiciera en la de ‘1989’.

TIDAL, acusados de inflar por cientos de millones las escuchas de Kanye West y Beyoncé

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Jordi Bardají
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Tidal, la plataforma de streaming de Jay-Z que cuenta con socios como Beyoncé, Madonna, Nicki Minaj, Daft Punk o Rihanna, ha sido acusada de inflar, por los cientos de millones, los streamings reales de ‘The Life of Pablo’ de Kanye West y ‘Lemonade’ de Beyoncé, y por tanto de pagar royalties inflados a sus discográficas “a costa de otros artistas”. Music Business Worldwide publica un detallado informe sobre las investigaciones que el medio noruego Dagens Næringsliv ha realizado a lo largo del último año junto a Midia, una reputada empresa dedicada a la investigación en la industria de la música, para demostrar que las espectaculares cifras en streaming publicadas por Tidal en relación a ‘The Life of Pablo’ y ‘Lemonade’ son falsas.

Tidal publicó en 2016 que ‘The Life of Pablo’ había producido 250 millones de streamings en sus primeros 10 días, por lo que “cada usuario tendría que haber escuchado el disco 8 veces al día”, y que en 15 días las reproducciones de ‘Lemonade’ superaban los 300 millones. Para el medio noruego, estas cifras no cuadraban y en 2017 descubrió unos documentos que, en palabras de Music Business Worldwide, “sugerían que Tidal habían estado inflando deliberadamente su número de suscriptores”. La investigación situaba el número de suscriptores de Tidal en torno al millón, y no en 3 millones, como había publicado la compañía de streaming inicialmente.

Siguiendo con la investigación, y tras encontrar un disco duro con millones de datos internos de Tidal que contenían “títulos, tiempos, datos de usuarios y códigos de países”, Dagens Næringsliv ha concluido que los streamings publicados por Tidal de ‘The Life of Pablo’ y ‘Lemonade’ son imposibles. Por ejemplo, el medio noruego se entrevistó con varios usuarios de Tidal para comunicarles los supuestos streamings que habían realizado de Kanye y Beyoncé, y según los análisis, una de ellas había escuchado ‘Lemonade’ “180 veces en 24 horas”, lo cual esta persona consideraba imposible. En acorde a sus streamings, otra persona había reproducido ‘The Life of Pablo’ “96 veces en un solo día, 54 de ellas en medio de la noche”.

Posteriormente, un importante centro de investigación y seguridad cibernética noruego ha analizado estas cifras y concluido, en unos documentos disponibles online, que inequívocamente ha tenido lugar una manipulación por parte de Tidal de los streamings de ‘The Life of Pablo’ y ‘Lemonade’ mediante una “serie de métodos”, como por ejemplo, en el caso de ‘Lemonade’, “repetir los patrones de escucha en streaming de los usuarios para engordar el recuento de reproducciones”. La investigación llega a revelar que “cada usuario supuestamente escuchó un gran número de canciones exactamente en el mismo segundo”.

Por su parte, Tidal ha negado las acusaciones de forma oficial. Un portavoz de la plataforma de streaming señala a JENESAISPOP que “esta es una campaña de desprestigio de una publicación que una vez se refirió a nuestro empleado como un «oficial de inteligencia israelí» y nuestro propietario como un «traficante de crack». No esperamos nada menos de ellos que esta historia ridícula, mentiras y falsedades. La información fue robada y manipulada, y lucharemos contra estas afirmaciones enérgicamente”.

Christina Aguilera anuncia la gira de ‘Liberation’, de momento sin fechas europeas

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Jordi Bardají
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Christina Aguilera había confirmado que emprendería una gira en presentación de ‘Liberation’, su nuevo disco, que sale el 15 de junio. La noticia era importante porque Aguilera no realiza una gira en condiciones desde 2007, año en que terminó el tour de ‘Back to Basics‘, su tercer disco (en 2008 realizó unas fechas pospuestas en Kiev y Abu Dhabi). En 2010, la cantante canceló la gira de ‘Bionic‘ y para ‘Lotus‘ jamás se anunció tour alguno.

Hoy, Aguilera anuncia la gira de ‘Liberation’. Las primeras fechas, todas en Estados Unidos -con inicio el 25 de septiembre-, pueden consultarse en su página web. Las entradas salen el 18 de mayo. De manera interesante, se ha confirmado que con cada entrada vendida se regalará al comprador una copia de ‘Liberation’, una táctica comercial destinada a impulsar las ventas discográficas que han empleado recientemente Arcade Fire, P!nk o Katy Perry, entre otros. Sería raro que Aguilera no confirmara al menos un par de fechas en Reino Unido, como Taylor Swift, así que habrá que estar atentos.

El 20 de mayo, Aguilera actúa junto a Demi Lovato en los premios Billboard. Presentarán su colaboración, ‘Fall in Line’, que se espera logre mejor desempeño comercial que ‘Accelerate’, el primer avance del álbum, que de momento no está calando en las plataformas de streaming, pese a tratarse de una composición bastante avanzada… ¿o quizá por eso mismo?

Ronnie Spector & The Ronettes actuarán en Santiago, Barcelona, Madrid y Santander en verano

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Jordi Bardají
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Ronnie Spector visitará por primera vez España este verano junto a nueva formación de las Ronettes para presentar los temas de la histórica formación fememina. Y, posiblemente, también para recordar los varios en temas en solitario que ha publicado durante su carrera al margen de las Ronettes, como ‘Say Goodbye to Hollywood’.

La primer fecha de Ronnie Spector & the Ronettes en España se producirá en el Escenario Santander de la ciudad cántabra, el día 16 de junio, antes de acudir a la Sala Apolo de Barcelona el 18 de junio. Luego el grupo actuará, el 21 de junio, en Santiago de Compostela, y finalmente visitará Madrid para tocar en el festival Blackisblack! de Madrid, que se celebra en Matadero los días 22 y 23 de junio.

Ronnie Spector, que nació y creció en el Spanish Harlem de Nueva York, formó The Ronettes siendo una adolescente y lanzó su primer disco en 1961 en el sello Colpix. A principios de 1963, Ronnie Spector, ya como líder y principal vocalista del grupo, grabó junto al productor Phil Spector una larga lista de éxitos que se han convertido en clásicos de la era pop: poderosos y conmovedores himnos adolescentes como ‘Walking in the Rain’, ‘Baby I Love You’, ‘I Can Hear Music’ y el número uno internacional ‘Be My Baby’. En 2017, Ronnie Spector & the Ronettes publicaron un tema nuevo, ‘Love Power’, el primero en décadas.

James Blunt, Azealia Banks, The Vamps, Alfred García, Rels B y David Otero, a Arenal Sound

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Jordi Bardají
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Con el cartel de “entradas agotadas” desde hace más de tres meses, Arenal Sound anuncia nuevos artistas para su novena edición, que tendrá lugar del 31 de julio al 5 de agosto en la playa de Burriana. Llama la atención, en esta nueva tanda de incorporaciones, la presencia de Alfred García, finalista de Operación Triunfo 2017 y próximo representante de España en Eurovisión junto a la ganadora de la edición, Amaia Romero. García es cantautor, colega de PAVVLA y ha actuado con Love of Lesbian (de hecho, podría haber colaborado con Santi Balmes recientemente), por lo que no debería ser ninguna sorpresa verlo en Arenal Sound, un tipo de festivales en los que, sin embargo, no es precisamente habitual encontrar a artistas salidos de concursos de talentos. De momento, el Arenal a quien no ha conseguido es a Aitana, tras reclamarla en un tuit meses atrás, incluso antes de que terminara OT.

A García se suman también, de manera destacada, James Blunt, que presenta su último disco, ‘The Afterlove‘; Azealia Banks (aunque esta confirmación no nos la creeremos hasta que la veamos), The Vamps, la revelación Rels B y David Otero, que presenta su propio ‘1989’ titulado ‘1980’.

Completan la tanda de confirmaciones Full, Elyella, Delaporte, The Zombie Kids, Ley DJ, Sandro Ávila, Brian Van Andel, GoMad!&Monster, Subshock&Evangelos, Kuve, El Tío La Careta, Vendetta, Frida, Six To Fix, King Kong Boy, los ganadores del concurso Vodafone Yu Music Talent Zazo & Gxurmet, Zoé, Innmir y Nation.

Todos estos artistas se suman a los ya confirmados Bad Bunny, Crystal Fighters, Steve Aoki, Dorian, La Raíz, Lost Frequencies, Taburete, Jess Glynne o Carlos Sadness, entre otros.

The Horrors, ALMA, Monarchy, Chase & Status, Toundra, La Plata… entre los 27 nuevos confirmados del FIB

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Jordi Bardají
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A solo dos meses de que se celebre una nueva edición del FIB, el festival de Benicàssim suma 27 nombres a su cartel, entre los que destacan las incorporaciones de The Horrors, que presentarán su notable último disco; la revelación del pop finesa ALMA, los británicos Monarchy, que estrenan disco, los productores de dubstep y drum and bass Chase & Status (han producido, por ejemplo, a Rihanna), la veterana banda alemana de garage King Khan & The Shrines, o el rapero británico Giggs, al que has oído recientemente en un single de Lily Allen.

En el apartado nacional hay que resaltar la incorporación de Toundra o las bandas revelación de 2018 La Plata y Carolina Durante. A todos los artistas y grupos mencionados se suman también The Parrots, Perro, Oddisee & Good Company, Hayden James, Detroit Swindle, Oscar & the Wolf, Los Nastys, ZOE, FAVX, Joana Serrat & the Great Canonyers, Bodega, Holy Bouncer, Marem Ladson, leyya, Nadia Sheikh, The Snuts, Cuchillo de Fuego y Zazo & Gxurmet.

A la vez que desvela nuevas incorporaciones a su cartel, el FIB comparte la programación por días. El 19 de julio tocará el cabeza de cartel Travis Scott y grupos destacados como Two Door Cinema Club, Izal o J Hus, además de Jessie Ware, Everything Everything, Cashmere Cat, Tune-Yards, Nothing but Thieves o Princess Nokia. El 20 será el turno de The Killers, Eric Prydz, The Vaccines, Rag’N’Bone Man o Catfish and the Bottlemen, el 21 de Pet Shop Boys, The Kooks, Belle & Sebastian o Metronomy, y el 22 de Liam Gallagher, Justice, Bastille, Madness, Dorian, Wolf Alice o Parquet Courts. Hoy, el FIB pone a la venta además las entradas de día: Jueves (50€*), Viernes (60€*), Sábado (50€*) y Domingo (50€*). Estas entradas no cuentan con zona de acampada.

La canción del día: ‘Shy’ de Leon Bridges es una sofisticada canción de amor entre dos corazones tímidos

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Jordi Bardají
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Este 4 de mayo ha salido a la venta ‘Good Thing’, el nuevo álbum de Leon Bridges, que reseñaremos próximamente. Los dos singles principales del disco, ‘Bet Ain’t Worth the Hand‘ y ‘Bad Bad News‘, han pasado por nuestra sección “La canción del día” y con razón, y hoy nos detenemos en un tema enormemente especial, ‘Shy’, que es, en la secuencia del álbum, el que sigue a estos dos primeros cortes.

Compuesta por Austin Michael Jenkins, Dan Wilson, Eric Frederic (Ricky Reed), Joshua Block -algunos de los cuales ya habían trabajado en ‘Coming Home’- y el propio Bridges y producida por Niles City Sound y Ricky Reed, ‘Shy’ es una preciosa canción de amor en la que Bridges pone de relieve su timidez, en este caso, con el objetivo de seducir a una mujer también vergonzosa. En ella, Bridges canta, “sé que eres tímida, puedes ser tímida conmigo, sabes que te necesito” antes de reconocer que no está “del todo sobrio” y que “él también es un poco tímido”. De hecho, Bridges, quien se crió en una familia profundamente religiosa, no es extraño a este sentimiento, ya que nunca ha dejado de mencionar en las entrevistas que ha sido un joven tímido sin demasiados amigos, y su carácter retraído es evidente también en sus entrevistas o directos.

‘Shy’ se basa en un misterioso “loop” de guitarra eléctrica, al que pronto se suma un ritmo a medio tiempo, y son sus sutilezas, como la guitarra acústica que se añade en la segunda parte del primer estribillo, o la líquida melodía remolineante que se suma al segundo puente (confluyendo ambos arreglos en el estribillo final), las que van conformando poco a poco una canción elegante y sofisticada en la que los puentes son casi igual de buenos o mejores que el estribillo. De hecho, ni siquiera los dos puentes o, ejem, “bridges”, presentes en la composición son exactamente iguales y el segundo, en el que Bridges se acompaña de un coro, variando la melodía, presenta la parte más emocionante de la canción, cuando el cantante ruega: “oh oh oh, why, no, take your time, hey, you’re so shy”. Cuando termina con su falsete “all that I want is you” sabes que la chica ya no se lo va a pensar dos veces…

Jungle por fin regresan y estrenan la bailable ‘Happy Man’ y la romántica ‘House in LA’

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Jordi Bardají
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El grupo británico Jungle lleva varios años presentando por todo el globo su aclamado y exitoso debut homónimo. Publicado en 2014, el álbum producía al menos dos singles enormes como ‘Time’ y ‘Busy Earnin’ y, gracias a sus temas de disco y funk cálido y sexy, Jungle se ha convertido en una de las bandas favoritas en los festivales. No es de extrañar que los streamings de su debut se cuenten por las decenas de millones o que el disco terminara nominado al prestigioso premio Mercury.

En los últimos meses, el septeto liderado por Josh Lloyd-Watson y Tom McFarland ha ido presentando en directo los temas de su nuevo trabajo, y hoy es el momento de conocer las versiones en estudio y los videoclips de dos de ellos, ‘Happy Man’ y ‘House in LA’. El primero recupera los ritmos disco que ha hecho famoso al grupo para contarnos irónicamente una historia sobre la felicidad verdadera: “cómprate un coche nuevo, una casa en la que vivir, consíguete una chica, a alguien distinto, cómprate un sueño, y nada de eso tendrá algún valor”. El segundo es una balada romántica, en la que Jungle parece equiparar el amor con el calor que emite el sol, y cuyo idílico vídeo sitúa a la banda pasando el rato en una preciosa casa situada en una colina de Los Ángeles.

Sobre el segundo álbum de Jungle hay pocos detalles todavía. El grupo explica que suena como una “post-apocalíptica estación de radio pasando canciones de ruptura” y la nota de prensa detalla que el grupo “cambió Shepherd’s Bush por las colinas de Hollywood” para grabarlo. “La romántica idea del sueño californiano chocó con la realidad de vivirlo, y aunque la experiencia los llevo de vuelta a Londres donde finalizaron el disco, el viaje en si mismo definió la música producida”.

Calvin Harris, involucrado de nuevo en un leve accidente de tráfico

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Jordi Bardají
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En 2016, Calvin Harris sufrió un pequeño accidente de coche en Los Ángeles al chocar su automóvil contra otro que había invadido el carril contrario, y la historia se ha repetido este fin de semana en Beverly Hills, si bien es ahora cuando TMZ publica la exclusiva.

El accidente de Harris, quien triunfa actualmente con ‘One Kiss’ junto a Dua Lipa, se produjo el domingo 6 de mayo, cuando su coche, un Range Rover, chocó contra el costado izquierdo de otro, un Honda, que, según las primeras informaciones, giraba hacia un acceso de garaje. El automóvil en el que iba Harris, que conducía su novia, Aarika Wolf, no redujo la velocidad mientras el segundo coche giraba y colisionó contra él, haciéndolo dar vueltas, activando los airbags y dejando a sus dos pasajeras “doloridas”.

Sin embargo, una fuente cercana a Harris asegura a TMZ que el accidente se produjo cuando el Honda, desde el acceso, invadió al carril por el que iban el músico y su novia sin previo aviso, produciendo el choque. Las chicas que ocupaban el Honda piensan poner una denuncia y por lo menos el accidente no terminó con nadie en un hospital, pero parece que va a tener que ocuparse la policía de determinar el culpable del mismo.

Jon Hopkins / Singularity

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Sebas E. Alonso
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Jon Hopkins se ha hecho un nombre en muchos sentidos, no solo en el mundo de la electrónica, durante los últimos años: ‘Immunity‘, su cuarto álbum, conectó con un público bastante mayoritario, como se pudo ver en el madrileño Mulafest, cuando fue ni más ni menos que lo mejor de aquella noche. También han gustado mucho sus bandas sonoras, especialmente la de ‘Monsters‘ -para algunos una película de culto-, pues a la postre ‘Candles’ de aquel disco ha terminado siendo una de sus canciones más populares. E igualmente Hopkins es conocido por sus colaboraciones con otros artistas, como las muy fructíferas realizadas junto a Brian Eno y Leo Abrahams o King Creosote, y más adelante con Coldplay, con los que trabajó en la canción central de ‘Ghost Stories‘, ‘Midnight’, sin duda una de las producciones más avanzadas de la carrera de los de Chris Martin.

En principio pianista curtido en la Royal College of Music de Londres entre los 12 y los 17 años, dada la influencia que en él ejercieron Ravel y Stravinsky, Hopkins ha sabido enriquecer su carrera como productor de electrónica con el que durante los años clave de su formación fue su instrumento, como ya se vio en pistas del disco anterior, como ‘Abandon Window’. ‘Singularity’ sigue una línea parecida, aunque ahora muchas cosas han cambiado: el piano tiene más protagonismo, pasando a ser el instrumento principal -por momentos único- de varias pistas de este disco, y a su vez el artista ha evitado las estructuras circulares con las que le gustaba trabajar, optando en su lugar por canciones que van a lugares.

Jon Hopkins indica en una entrevista con Billboard que se siente muy agradecido por tener «el mejor trabajo del mundo», pero está claro que hubo un momento durante la gira de ‘Immunity’ en que, después de 160 conciertos, el asunto se le fue de las manos. Nótese, por ejemplo, que el referido concierto en nuestro país tuvo lugar en 2015, cuando el álbum que presentaba había salido al mercado en 2013. Hopkins decidió dar un paso atrás, interesándose por la meditación trascendental y algunas prácticas alternativas de yoga, para recordar dónde estaba y también para explorar rincones de su mente que desconocía que existían.

El viaje que el artista plantea a lo largo de este disco es apasionante incluso a pesar de los nubarrones que le amenazan en el camino. De hecho, sobre todo revuelve al oyente en los momentos en que adivinamos a Jon Hopkins al borde del precipicio, retratando la inquietud y la sensación de irrealidad que merodeaban por su cabeza por aquel entonces. No cabe duda cuando abre el álbum con el tema titular de que en ese momento Hopkins no se encuentra en ningún lugar feliz, pues pese a la suavidad de un sintetizador que va emergiendo y podríamos vincular con Jarre o Moroder, la deriva de la canción es tremendamente agresiva, pasando de los bosques que nadie pisaría de noche de ‘Twin Peaks’ del arranque a terminar en el peor de los antros a lo ‘Asylum’. Comparando el primer minuto de esta canción con el último, es obvio que la composición sí ha cambiado de sitio, y lo mismo va sucediendo con el tracklist completo de ‘Singularity’, ideado para escuchar como un todo.

A continuación de esta primera pista, ‘Emerald Rush’ arranca con un suave piano que tratará de ir abriéndose camino a lo largo de toda la secuencia. Pero pronto en este otro single, que ha dado la vuelta y oculta a la misma voz sueca que cantaba en ‘Collider’, termina por imponerse la sensación de opresión y locura, como sucede en la parte central de los 10 minutos que dura otra de las pistas fundamentales, ‘Everything Connected’. Esta canción lleva, eso sí, a uno de los claros remansos del álbum, ‘Feel First Life’, que Hopkins ha grabado con un celestial coro de 15 voces formado por 8 chicos y 7 chicas.

Otra de las canciones destacadas de ‘Singularity’ es ‘Luminous Beings’, en la que los sonidos parecen emular una especie de tren o una olla a presión a punto de explotar, dando después paso a partes mucho más preciosistas en reconciliación con la pista anterior ‘Echo Dissolve’, otro de los temas a piano, y con la siguiente, ‘Recovery’, que termina el álbum también con este instrumento, y con un título que no puede ser más revelador. En muchos sentidos, ‘Singularity’, en su desarrollo, es una búsqueda de la «recuperación» de uno mismo, del yo «singular» y propio, tras largos pasajes de techno oscuro e industrial. Por este motivo, por esa búsqueda, las canciones a piano no disponen tanto de una melodía que funcione por cuenta propia como funcionan como un lugar de destino al que dirigirnos en paz. La misma paz que trata de aportar la pista ‘C O S M’, con influencia de la electrónica de DNTEL, o las animaciones subidas por Hopkins al disco en la APP de Spotify.

Son muchos los puntos, como sucede en la pista 3 ‘Neon Pattern Drum’, en que las bases suenan deliberadamente cortadas, como si Jon Hopkins fuese buscando a través de ellas un despertar que va asomándose a veces en estos 62 minutos, pero que sólo termina de suceder al final, el término de la pesadilla tras varias luchas por alcanzar ese amanecer. Estamos, claramente, ante un álbum con historia que además no se ha querido mantener oculto para una élite de iluminados. Hay una serie de «radio edits» conformando una especie de «CD2» en la edición digital que no se dirigen a la «radio», pues nadie va a pinchar esto aparte de Siglo XXI y Annie Mac, sino al mundo: cualquiera puede disfrutar de este disco como ha sucedido en otros momentos de la historia con la música de Wim Mertens o Michael Nyman. Hay un carácter inequívocamente cinético en esta música y… ¿no es la banda sonora uno de los géneros favoritos del público generalista?

Calificación: 8,5/10
Lo mejor: ‘Singularity’, ‘Emerald Rush’, ‘Everything Connected’, ‘Luminous Beings’
Te gustará si te gusta: Four Tet, Caribou, Fuck Buttons, The Field
Escúchalo: Spotify

Gaz Coombes: «Odio que mis hijas me busquen en Google»

Por
Sebas E. Alonso
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4

Gaz Coombes, ex vocalista de Supergrass, ha publicado un notable disco en solitario -el tercero solo- llamado ‘World’s Strongest Man‘, cercano al sonido de Radiohead y por momentos a la Velvet, que él dice influido también por Frank Ocean. Hablamos sobre cómo este ha influido en su música, sobre los diferentes y variados temas del álbum -de la masculinidad a la política, pasando por la locura-, sobre la era Brit Pop o sobre la importancia de la nominación al Mercury Prize. Coombes, algo desaliñado pero muy bien conservado, tímidamente divertido y nunca demasiado solemne, porta uno de los anillos de casado más gordos que he visto recientemente, por lo que sí, su familia también sale a colación, puesto que ha jugado un papel en el desarrollo de este álbum.

Este es tu primer disco tras la nominación al Mercury de ‘Matador’, ¿fue importante para ti?
Fue solo uno de los grandes momentos de un gran año. Hicimos grandes actuaciones en las que todo salió increíblemente bien, como un show perfecto en Glastonbury. Y la nominación al Mercury Prize fue algo bueno, claro. Mola porque cualquiera entre 1000 discos puede ganar, hace poco ha estado nominado Ed Sheeran.

Me sorprendió mucho verle nominado, pero también hay que recordar que también lo estuvieron Spice Girls o Take That.
Es verdad, me gusta que todos los artistas puedan concurrir y fue un buen momento para el reconocimiento del disco que había hecho.

¿Te suelen gustar los ganadores del premio?
No (se ríe, bromeando). Sí, claro, ha habido grandes discos, supongo. A veces es difícil saber si lo que gana es la historia del artista o la historia del álbum. A lo mejor es más el álbum que encaja ese año para ganar el premio.

«No toco las canciones de Supergrass ni me asiento sobre mi historia pasada, no me interesa»

Me sorprendió verte nominado porque suelen apostar por artistas noveles, con alguna excepción como PJ Harvey, que es la única que ha ganado 2 veces.
Supongo que fue la validación a haber hecho algo nuevo. No toco las canciones de Supergrass ni me asiento sobre mi historia pasada, no me interesa. He dado un paso adelante y hago música escrita en 2018, adapto todas las estéticas, algunas cosas suenan mejor en crudo y por otro lado lo contrapongo a nuevas técnicas de grabación. Me encanta hacer loops. Lo que hago ahora es muy diferente a Supergrass.

Has tocado la mayoría de instrumentos de este disco, ¿cuál te ha resultado más difícil?
Creo que el violín, que he tocado en estos dos últimos discos. Es muy difícil, pero he encontrado una manera de tocarlo a lo Velvet Underground. Mirando atrás, también creo que he mejorado mucho con el piano.

¿Por qué tocas tú casi todo cuando puedes contar con profesionales que lo hagan por ti?
Porque lo hacen demasiado bien para lo que busco. Por ejemplo, sí hay una violinista increíble tocando en ‘Walk the Walk’, pero yo hago más bien drones o dibujo ciertos pasajes con el violín, y le sienta muy bien a lo que busco en un momento dado. Los músicos están sobrecualificados para lo que yo quiero hacer en ese caso, que es trastear.

Este disco tiene un ángulo político, algo que me parece complicado hacer bien para un artista de pop o de rock.
Solo es una pequeña parte. No hago canciones políticas, pero algunas sí tienen momentos en los que aparece lo que pasa alrededor: un titular, algo que veo en las noticias, algo que me cuenta alguien… Intento que sean momentos puntuales. En ‘Wounded Egos’ sí que apelo a 2017 cuando digo «right-wing psychos». Fue un año duro, fue muy triste ver cómo se imponían visiones extremas y eso me afectó, pero la canción es sobre el escapismo en general. Es una mezcla entre las dos cosas.

Creo que en el futuro el disco se podrá identificar fácilmente con el clima de 2017 o 2018…
Quería decir cosas que resonaran y que fueran relevantes, pero hay una mezcla de temas en las letras: ‘Weird Dreams’ habla sobre el amor intenso. ‘In Waves’ sobre ser un adolescente y descubrir cómo aprender a tocar la guitarra. También hay cosas divertidas. Me gusta mezclar diferentes temas.

La masculinidad es otro de ellos.
No tanto. El título del disco sí, pero ninguna canción va específicamente sobre ello. Vivo en una casa con tres chicas y es un tema candente. Quería más que nada referirme a la situación actual, a hombres ridículos haciendo declaraciones totalmente pasadas de moda. Es una declaración.

«Los chicos jóvenes no tienen que crecer pensando que tienen que hacer dinero, tener el poder y ser duros. Si se liberan de eso pueden convertirse en gente increíble»

En los 90 parecía haber dos tipos de bandas en el Brit Pop. Estaban Noel Gallagher, Damon Albarn… con una imagen mucho más masculina; y luego Brett Anderson de Suede o Placebo, orgullosos de su feminidad. Hacía a Supergrass más en el primer grupo…
Éramos chicos jóvenes salidos de un pueblo (NdE: Wheatley, de 4.000 habitantes, pero muy cerca de Oxford). No éramos de Londres. Éramos buena gente y dejábamos que la música pusiera el punto agresivo. Llevábamos ese rollo, y aún soy igual que entonces, pero tener a mis hijas me ha hecho más femenino de alguna manera. Es de lo que habla ‘La caída del hombre’ de Grayson Perry (que ha inspirado el título del disco). Sobre aún ser hombre, tener el sentimiento de un hombre, tener esa competitividad del hombre hetero… Supongo que ahora me interesa una visión más amplia: se puede ser un hombre de maneras diferentes, puedes ser delicado o duro, no hay normas. Los chicos jóvenes no tienen que crecer pensando que tienen que hacer dinero, tener el poder y ser duros. Si se liberan de eso pueden convertirse en gente increíble.

Además, Frank Ocean es una referencia en este disco, ¿qué te ha aportado?
Un toque delicado y de vulnerabilidad, es como un hip hop experimental, no hace hits pensados para la radio y es muy enriquecedor. Ahora que soy un artista en solitario, me fijo más en artistas en solitario. Por ejemplo, he reparado en Beck ahora mucho más que antes. PJ Harvey es increíble, Nick Cave…

‘Deep Pockets’ habla sobre la vida de una estrella, sobre un estilo de vida que implica estar «colocado en la parte de atrás de un coche». ¿Todavía haces esas cosas? ¿Vives en Londres?
No, vivo en Oxford, pero he pasado mi vida viajando. Así es como la letra empezó, era como un viaje sinfín, psicodélico, una paranoia, una alucinación, en un espacio pequeño donde tu cabeza se vuelve loca. Tienes momentos así cuando estás haciendo conciertos, has tomado demasiados drogas y te vuelves loco, pero la canción no es tanto sobre drogas como sobre volverse loco dentro de un coche.

¿Has tenido muchos momentos salvajes como rockstar? ¿Quizá a finales de los 90?
Unos pocos. Pasé una noche entera con Slash, hablando durante 6 o 7 horas en un hotel, supongo que tomando drogas y bebiendo mucho. Terminamos a las 6 de la mañana, fue un gran momento rock’n’roll. También yo y Steven Spielberg hablando de programas de televisión (se ríe). Y con Dave Grohl tocamos en América, fue una locura.

Has mencionado a varios artistas americanos, aunque nunca fuisteis tan famosos en Estados Unidos… Y mira que a veces sonabais americanos…
A los grupos americanos les gustábamos, quizá porque nos inspiraban cosas como Pixies, Frank Zappa, Jimi Hendrix… Cuando era joven me gustaban mucho Nirvana, Patti Smith, Blondie, Captain Beefheart… Todo artistas americanos que me influyeron y aún me influyen.

Cuando vi que tenías una canción llamada ‘Shit (I’ve Done It Again)’ pensé en…
¡Britney! (interrumpe)

(risas) Además de eso, pensé que iba a ser más uptempo, pero es triste. Háblame sobre ella.
Quería que la letra tuviera sentido del humor, ya que la canción presenta un entorno bonito, aunque con su oscuridad. Me gustan esas yuxtaposiciones de luz y oscuridad, así es mi vida. Es divertida, surreal, da miedo, es rara, pero supongo que hacer cosas diferentes es lo que me mantiene despierto. Pero me encanta esa canción, salió así, no puedo explicarla.

«Tenía que haber hecho un vídeo como el de Britney, pero con un uniforme totalmente jodido»

¿Cuándo has sido consciente de la coincidencia con Britney? ¿O fue deliberado?
Me di cuenta más o menos mientras la hacía, pero es distinta. Esencialmente estamos cantando más o menos lo mismo, ¿no? Aunque supongo que ella habla de enamorarse otra vez y la mía es más sobre malos hábitos. La mía es la versión madurada y oscura (risas). Tenía que haber hecho un vídeo como el suyo, pero con un uniforme totalmente jodido (risas).

El humor siempre ha sido importante en tu carrera, pero no es tan común en el rock, ¿por qué crees que es?
Porque te puede acercar demasiado a la imagen de los Teleñecos o al Frank Zappa de los 80. Pero a mí me gusta el humor, incluso para artistas desvaneciéndose que parecen estar diciendo: «somos jodidamente importantes». No hace falta ser serio, incluso en este disco está claro que no me lo tomo tan en serio. No me gusta tomarme demasiado en serio. Por eso me gusta Nirvana, Pixies, Foo Fighters…

El humor en Foo Fighters lo veo claro, ¿pero en Nirvana?
Nirvana también. Kurt tenía un toque muy divertido, con letras un poco tontas. Es una parte muy importante de ellos.

Hay un elemento kraut en este disco y he recordado que se dijo que el 7º disco de Supergrass, que quedó inédito, también era kraut. ¿Se parecía?
No… No sé… No escucho tanto kraut, es que cuando toco la batería tiendo a ese ritmo. Aunque siempre me ha atraído experimentar con ese período de la música alemana, mediados de los 70, pero más por la ausencia de estructuras. Eso me interesa muchísimo y Can, y también Brian Eno o David Bowie, eran muy buenos haciendo anti-canciones.

¿Te interesan ahora más las estructuras que las melodías?
No es que me interese más, es que busco hacer cosas diferentes. Hay un momento en que se va construyendo una canción en el que dices: «si sigue así, ahora viene un gran estribillo». No hay nada malo en eso, pero quiero probar cosas diferentes. Así que pienso en dónde se piensa la gente que voy a ir, y voy hacia otro lado.

«Teníamos una broma en Supergrass que decía que éramos la 4ª banda favorita de todo el mundo, porque estaban Oasis, Pulp y Blur (…) pero estamos muy orgullosos de lo que hicimos. Es buena música»

Dos discos de Supergrass ya han pasado su 20º aniversario y otro está a punto de hacerlo. ¿Te preocupa cómo se recuerdan tus discos? ¿Miras listas de lo mejor de los 90 o de lo mejor de aquellos años que están saliendo?
No mucho, imagino que se están olvidando de nosotros la mayoría de las veces (risas). Te lo digo de buena forma: teníamos una broma en Supergrass que decía que éramos la 4ª banda favorita de todo el mundo, porque estaban Oasis, Pulp y Blur.

Bueno, ‘I Should Coco’, ‘In It For the Money’ se reivindican a menudo, pero rara vez el tercero, que era mi favorito.
Sí, hemos apreciado siempre el éxito que hemos tenido, gustar a la gente. Por lo demás, creemos en nosotros mismos y el resto es mejor dejarlo estar. Sabemos que hicimos buenos discos, así que no necesito la aprobación de alguien en concreto. Gano mucha confianza en mí mismo sintiendo esa confianza en mí mismo, sin necesidad de que alguien me diga que he hecho algo bueno.

Pero existen las reediciones, se pueden hacer cosas.
Estamos en ello, no puedo decir mucho, pero habrá buenas reediciones, porque estamos muy orgullosos de lo que hicimos. Es buena música.

De los últimos tres discos, ¿cuál era tu favorito?
De los últimos 3… ‘Road to Rouen’ fue un álbum muy personal, gran parte del disco lo hice cuando mi madre murió y cuando estaba muy enferma. No sentía la presión de los viejos tiempos y me enorgullece haber mostrado esa faceta, porque a nosotros nos encantaba Elliott Smith, Neil Young… discos muy bonitos, y se nos asociaba a otra cosa. Neil Young es un buen ejemplo de alguien que podía hacer un disco de puro caos con Crazy Horse y luego podía hacer ‘Harvest Moon’, que es un álbum delicado y muy bonito. Supergrass siempre tuvieron eso.

Teníais también una canción llamada ‘Mama and Papa’ que era una monada. ¿Era favorita de tu familia?
Creo que a mis padres les parecía una canción muy mona, no sé muy bien quién había nacido para entonces. Tengo que pensar mucho para acordarme. ¡No recuerdo nada de la vida antes de mis hijas! De verdad, es como si no hubiera tenido esa vida. No me acuerdo, pero sí que la tuve… ¡durante 27 años!

«A veces mis hijas me buscan Google, lo odio. Les digo: «¡no me busquéis en Google!»»

¿Qué opinan tus hijas de tu trabajo?
A veces me buscan Google, lo odio. Les digo: «¡no me busquéis en Google!» (risas). Han encontrado vídeos como el de ‘Pumping on your Stereo’… Está bien, están al tanto de lo que hice, de la vida diferente que llevé.

Fuiste muy famoso justo antes de la explosión de internet, ¿cómo recuerdas tu primera aproximación a internet como artista? ¿Recuerdas leer algo sobre ti mismo que ni siquiera recordabas?
No me acuerdo del momento exacto de cambio, lo primero que me viene a la mente es un foro con todos los fans, que ahora sería como Twitter, y la gente opinando.

¿Y os ponían bien o eran malos?
No, no, eran hardcore fans y hablaban muy bien. Algunas veces me decía: «voy a entrar a ver qué dicen», pero tampoco mucho, no le prestaba mucha atención. Éramos un grupo muy solvente con un buen sello que nos promocionaba bien y podíamos concentrarnos en hacer el idiota y estar en la banda. Ahora los grupos tienen que estar en las redes todos los días, promocionarse a sí mismos. Creo que es una pena que los grupos tengan que estar encima tan a lo loco, pero bueno, a algunos se les da muy bien promocionarse.

He leído que tocas una canción de Supergrass al final de tus conciertos. Háblame de tu relación con el repertorio de Supergrass a día de hoy.
Solo toco algo cuando actúo yo solo, al final, no siempre lo hago, pero si la audiencia lo pide… Me gusta tocar ‘Moving’ en acústico porque la escribí yo y funciona bien con la guitarra, pero nunca he querido tocarlas y no lo haría con otro grupo. Tendría que ser con Danny y Mick, no quiero hacer una imitación, así que no toco canciones Supergrass. Solo lo hago alguna vez en acústico.

«No toco canciones de Supergrass, salvo algún acústico, porque es ofrecer una versión rebajada del original. No quiero reemplazar a Danny y Mick con otra gente haciendo su trabajo»

Algunos artistas tienen esa postura y cuando tienen 4, 5, 6… discos cambian de opinión.
Estoy abierto a ello. No voy a decir que no lo voy a hacer. Pero lo que más me tira para atrás es la idea de tocar esas canciones con otro grupo. No sé. Creo que es ofrecer una versión rebajada del original, pero tocar algo yo en acústico, sí. Lo acabo de hacer en una radio de aquí, en Madrid. Ha sido divertido. Es solo que no quiero reemplazar a Danny y Mick con otra gente haciendo su trabajo. Se me hace raro.

Tienes que tener una relación muy intensa con ellos para pensar así.
Simplemente me parece lo correcto. No puedo hablar de lo que haré en 5 o 10 años. También es cierto que si hago shows, nadie espera que toque algo de Supergrass, tengo mi propio bis y es increíble, me hace sentir en el lugar correcto, que estoy evolucionando, siguiendo adelante. No me quiero quedar parado y vivir del legado. Quizá cuando sea algo mayor (risas).

Lo mejor y lo peor visto en la primera semifinal de Eurovisión 2018

Por
Sebas E. Alonso
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Esta noche se ha celebrado la primera semifinal de Eurovisión, en la que han quedado como clasificados para la final del sábado Austria, Estonia, Chipre, Lituania, Israel, República Checa, Bulgaria, Albania (!!!), Finlandia e Irlanda (!!!). Bélgica y Grecia quedan, pues, eliminadas de la final.

Han destacado las actuaciones de República Checa, Bulgaria con su quinteto vocal oscurete, y Chipre, la cual ha desbancado a Israel como favorita de las apuestas horas antes de empezar, y se ha consolidado después de la actuación de Eleni Foureira con ‘Fuego’. Como nos contaba Manu Palmer hace unos días, «ojo, porque Chipre puede dar la sorpresa». Esta parece que puede acaparar todos los votos que no se va a llevar -por ausencia- ‘Lo malo’ y recuerda ciertamente a la Helena Paparizou de 2005 y también a Beyoncé. A la Beyoncé de 2003, hay que matizar. Gracias a Dios, que diría la misma Mrs. Knowles, Beyoncé hoy en día es otra cosa.

Más moderna ha sido la escenografía de Mikolas Josef por República Checa. Pese a haberse lesionado en los ensayos, y tras haberle visto algo hierático durante el inicio de su canción, al final sí ha habido «salto mortal». Lo mejor no es la composición, a medio camino entre Justin Timberlake y Bruno Mars, o la coreografía, con un guiño al «chico con mochila» de ‘Swish Swish’ de Katy Perry, sino el gracioso y colorido montaje de la realización, de lo más moderno que se ha visto esta noche. Porque ciertamente, esta semifinal de Eurovisión ha sido en muchos sentidos un viaje al pasado. ¿Dónde quedó la originalidad y la elegancia de ‘Euphoria’ o ‘Heroes’?

El paso del aburrimiento bielorruso, cuya puesta en escena se basaba en una rosa voladora, a la balada lírica de Estonia, ha estado entre lo más anacrónico imaginable. El final del primero, tan kitsch, seguro que no era un homenaje al giallo de Dario Argento, y el vestido de 65.000 euros de la segunda, luminoso y con efecto centrifugado, esperemos que acabe pronto en el correspondiente contenedor de reciclaje más cercano a su casa de Tallinn.

Tampoco ha convencido Netta desde Israel. ‘Toy’, pegarse se pega, y puede tener más mensaje que la canción del pajarraco irlandés de hace unos años, Dustin the Turkey, pero a ratos suena igual de desesperada, y desde luego es mucho menos moderna de lo que parece en los primeros instantes.

Entre las canciones disfrutables, ha decepcionado la sosilla presentación de Bélgica, que de hecho la ha llevado a ser eliminada. Eso sí, Tony Aguilar nos ha dado una alegría recordando la co-autoría de un Hooverphonic, aunque no recuerdo haber oído al grupo en su momento en 40 Principales, ni mucho menos a día de hoy. Y sobre todo está desperdiciada la medio radiable canción de Finlandia, con un set rococó-rococó, que dirían Arcade Fire, que hasta da vueltas sobre una suerte de diana. Alguien en Escandinavia no ha oído hablar de minimalismo o de Loreen, siquiera. Pese a todo, una alegría poder volver a ver a Saara Aalto el sábado, visto el nivel.

A Loreen ha recordado y mucho -demasiado, pues la han eliminado- Azerbaiyán con su buena canción pop, y también han estado entretenidas la actuación en varias alturas de Austria, pese a que la canción no desarrolla esa vena James Blake que promete al principio; y Macedonia, cuya canción pop reggae no estaba mal, aunque su falta de norte quizá la ha dejado fuera. La anécdota de la noche la ha dejado Tony Aguilar, preguntando si había premio a los peores vestidos inmediatamente después de su show.

El resto ha sido bastante despropósito, como ese innecesario tirar el micrófono y esa balada demasiado forzada de Islandia, lo viejuno de Grecia (una alegría su eliminación), el nada que decir de la épica albana (un misterio su paso), el descarado plagio de Alicia Keys de Croacia, ese cantante armenio que deseas ver devorado por el humo blanco pero nada, la bengala suiza o el paseo gay de Irlanda, que no obstante, ha calado. Ojo, por cierto, a la clasificada Lituania: su balada es bonita, Ieva Zasimauskaitė realiza una toma vocal muy frágil, hace un gorgorito un tanto O’Riordan también, y al final se abraza al marido, al que dedica el tema. Puede hacer bastante pupa a Almaia, cuyo vídeo con el montaje final subido a Youtube procedente de un ensayo promete una ausencia absoluta de montaje o ideas escénicas. Se vieron mejores puestas en escena en las galas semanales de Operación Triunfo…

Dua Lipa, confirmada en la final de la Champions, dará «girl power» a los hinchas del fútbol

Por
Sebas E. Alonso
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El próximo 26 de mayo se celebra la final de la Champions, que disputarán el Real Madrid, tras la ajustadísima vuelta de la semifinal en el Bernabéu, y el Liverpool. El evento tendrá lugar en Kiev, Ucrania, y hasta allí tendrá tiempo de desplazarse Dua Lipa para actuar en la ceremonia de apertura, ante la atenta mirada de millones de espectadores. Si alguien quiere hacerse una idea de cuánto se parece este evento a la Super Bowl, dura más o menos la mitad de tiempo. En 2017 actuaban Black Eyed Peas con un medley culminado por ‘I Gotta Feeling’ que incluyó fragmentos de 6 canciones y casi idéntica cantidad de minutos.

A falta de comprobar si Dua Lipa puede ajustar sus 3 mayores hits, ‘New Rules’, ‘IDGAF’ y el actual junto a Calvin Harris ‘One Kiss‘, a estos tiempos, la cantante ha mandado un mensaje de agradecimiento: «Estoy realmente emocionada de tener la oportunidad de hacer algo diferente, algo original y creativo, algo que supongo que no tengo la oportunidad de hacer en mis propios conciertos».

Continúa diciendo: «es un show bastante grande, es un escenario más grande, así que creo que va a ser divertido. Quiero que sea una sorpresa pero quiero conseguir que la mayor cantidad posible de seguidores del fútbol baile. También habrá mucho de «girl power» así que será una mezcla». Os recordamos que entre esos conciertos propios estará el que dentro de un par de meses realizará en el Mad Cool de Madrid, donde actuará gente como Pearl Jam, Depeche Mode o Post Malone.

Mordisco transforman en crema la canción menos popular de ‘Aurora’ de Fuel Fandango (ft Niño de Elche)

Por
Sebas E. Alonso
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En el exitosísimo disco de 2016 de Fuel Fandango, ‘Aurora‘, que fue top 2 de ventas en España, había una canción con la voz invitada de Niño de Elche que se llamaba ‘El todo y la nada’. El dúo granadino Mordisco, conocido por el club del mismo nombre que se ha desarrollado en la ciudad durante 7 años colgando a menudo el cartel de «sold out», o también por sus remezclas para gente como Belako, se animaba el año pasado a remezclar esta canción prescindiendo de su letra, incorporándola a sus sesiones en vivo.

Como resultado, la que era exactamente la canción menos escuchada en Spotify de todo el disco de Fuel Fandango pese a no ser la última de la secuencia, se transforma en un hitazo digno de ser pinchado en todas las pistas de baile. Precisamente al haber prescindido de la letra, su línea melódica se acentúa y sobre todo las voces de Nita y Niño de Elche adquieren un componente más extático. Nadie mejor que Mordisco para explicarlo, como vemos a continuación.

El dúo indica en sus redes sobre este remix: «Hace prácticamente un año hicimos una versión muy personal del tema «El Todo y la Nada» de Fuel Fandango. La remezcla ha formado parte de nuestros sets de este último año y ahora nos apetece compartirla. Para el tema original Fuel Fandango contó con la colaboración de El Niño de Elche, lo que unido a las voces de Nita, otorgan al tema un carácter especial. Nosotros usamos las vocales tanto de Nita como de El Niño de Elche como base sobre la que hacer nuestra revisión del tema. Sin embargo, usamos sólo aquellas voces que nos permitían acercarnos a ellas como un instrumento más, evitando la aparición de alguna frase o palabra concreta en la remezcla, para que los quejidos de El Nicho de Elche y Nita hablaran por sí mismos. Lo pasamos en grande haciendo el remix, y nos hemos divertido muchísimo pinchándolo durante este último año. Ahora el tema es vuestro. ¡Ojalá os guste!». Podéis descargar el tema gratis en Soundcloud.


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