‘La forma del agua‘ ha resultado la gran ganadora de los Oscars 2018 al hacerse con el premio a mejor película y mejor director. La cinta de Guillermo del Toro fue estrenada en España en el festival de Sitges el pasado otoño, varios meses antes de llegar a las grandes pantallas del país. ‘La forma del agua’ también se ha hecho con el premio a mejor diseño de producción y mejor banda sonora.
La mejor canción ha sido ‘Remember Me’ de ‘Coco’, interpretada en la ceremonia por Miguel, Gael García Bernal y Natalia Lafourcade, lo que ha dejado sin premio a Sufjan Stevens, quien, como se había anunciado, ha interpretado ‘Mystery of Love’ en compañía de St Vincent, entre otros artistas. La composición de ‘Call Me By Your Name‘, película que ha logrado arañar el Oscar a Mejor Guión Adaptado, era interpretada con los artistas elevándose desde una plataforma subterránea. Esta es la actuación de la versión reducida de la canción.
No ha habido sorpresa en cuanto a los actores, por Gary Oldman ha ganado el galardón por ‘El instante más oscuro’ y Frances McDormand lo ha hecho por ‘Tres anuncios en las afueras’. Los mejores secundarios han sido Sam Rockwell también por ‘Tres anuncios en las afueras‘ y Allison Janney por ‘Yo, Tonya’. La excelente ‘Déjame salir‘ ha conseguido quedarse con el premio a mejor guión original, merecedísimo. Para ‘Dunkerque‘ han sido varios de los Oscars técnicos (sonido, efectos sonoros), además del de mejor montaje.
MEJOR PELÍCULA
‘La forma del agua’
MEJOR DIRECTOR
Guillermo del Toro por ‘La forma del agua’
MEJOR ACTOR
Gary Oldman por ‘El instante más oscuro’
MEJOR ACTRIZ
Frances McDormand por ‘Tres anuncios en las afueras’
MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Sam Rockwell por ‘Tres anuncios en las afueras’
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Allison Janney por ‘Yo, Tonya’
MEJOR GUIÓN ADAPTADO
James Ivory por ‘Call Me by Your Name’
MEJOR GUIÓN ORIGINAL
Jordan Peele, por ‘Déjame salir’
MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
Una mujer fantástica (Chile)
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
Coco
MEJOR DOCUMENTAL
Icarus
MEJOR FOTOGRAFIA
Roger Deakins por ‘Blade Runner 2049’
MEJOR SONIDO
Dunkerque
MEJORES EFECTOS SONOROS
Dunkerque
MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN
La forma del agua
MEJORES EFECTOS VISUALES
Blade Runner 2049
MEJOR VESTUARIO
El hilo invisible
MEJOR BANDA SONORA
Alexandre Desplat por ‘La forma del agua’
MEJOR CANCIÓN
‘Remember Me’ de ‘Coco’
MEJOR MONTAJE
Dunkerque
MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA
El instante más oscuro
MEJOR CORTO DE ANIMACIÓN
Dear Basketball
Mejor Corto de Acción Real:
The Silent Child
MEJOR CORTO DOCUMENTAL
Heaven is a Traffic Jam on the 405
En el variadísimo segundo disco de Papaya, que incluye country, tropical, salsa, trap y rock surfero, una de las canciones que destaca por su diversión es ‘Soy un macarra’. Su estribillo resuena y se pega desde la primera, proclamando: «soy un macarra, soy un hortera, voy a toda hostia por la carretera», si bien la composición es en verdad de Ilegales, en concreto extraída de ‘Agotados De Esperar El Fin’ (1984) y de hecho es la canción más escuchada de estos en Spotify.
En España llamamos «fitipaldis» a este tipo de conductores imprudentes en honor al corredor Emerson Fittipaldi, y la canción tiene un componente autoparódico según se desprende de las palabras de su autor Jorge Martínez: «‘Soy Un Macarra’, por ejemplo, habla de ese tipo que nos mira desde el espejo y que puede ser un ejercicio muy peligroso reconocerse en él. A mí nunca me ha dado miedo nada, en esto hay que meterse a fondo, hasta donde sea».
Eso sí, paradójicamente la pista es apta para escuchar a todo volumen mientras conduces. Esto decía Jorge Martínez «Ilegal» en otra entrevista: «‘Soy un macarra’ era ya un canturreo que cantaba cuando llevaba a reparar los bafles y todos los altavoces. Cogíamos el coche del padre de un amigo y llevábamos todos los altavoces a que nos los repararan después de todo un fin de semana. Así se compuso esa canción, a un volumen en el que te pitaban los oídos en locales con capacidad para unas 500 personas, que se ponían hasta arriba. Perjudicial».
Papaya han reivindicado la vigencia de la canción más de 30 años después, ralentizando ligeramente la composición, haciéndola a pesar de ello más pop, y dándole a su vez un aire tarantinesco. Ya había aparecido en sus directos en alguna ocasión y seguramente no falte en el futuro: ya es la segunda más escuchada de ‘Corazón abierto’ pese a ser solo pista 11.
Una nota de prensa enviada a los medios advierte de que St Vincent subirá al escenario de los Oscar 2018 junto a Sufjan Stevens, Moses Sumney y Chris Thile para interpretar en conjunto ‘Mistery of Love’, la canción que Sufjan ha escrito para ‘Call Me By Your Name‘, nominada a Mejor Película. Aunque la cinta no parte entre las favoritas, pues es ‘Tres anuncios en las afueras‘ la que va mejor situada en las apuestas; y aunque Sufjan tampoco es el favorito de las casas de apuestas para hacerse con el Oscar a mejor canción, sin duda se ha puesto toda la carne en el asador para que sea una gran noche para Stevens.
‘Mystery of Love’ es una canción breve, que será interpretada con seguridad de manera concisa en la ceremonia, pero servirá para recordar a los millones de espectadores de la gala lo buena composición que es, y también los días en que St Vincent era miembro de la banda en vivo de Sufjan Stevens antes de desarrollar su carrera en solitario, con discos tan destacados como el premiado ‘St Vincent‘, o recientemente ‘MASSEDUCTION‘.
Sufjan Stevens rechazó la propuesta de Luca Guadagnino, director de ‘Call Me By Your Name’, de narrar la película, pero a cambio le entregó dos canciones originales y un remix de ‘Futile Devices’. Entre estas pistas, la que más ha gustado es ‘Mystery of Love’. La música del artista tiene una importancia vital en la película, como muestra su final, y así, ‘Mystery of Love’ tiene toda la pinta de ser una de las canciones más populares que conocerá la carrera de Stevens. Ya antes de lo que pase esta noche, el tema suma 11 millones de streamings en Spotify.
Para el desarrollo de la canción, Sufjan se ha leído muy claramente el libro que inspiró la cinta: en Genius sus seguidores han rebuscado varias referencias a palabras características que aparecen en la novela. Además, aunque no conozcas ningún ‘Call Me By Your Name’, la canción es disfrutable como retrato del primer amor o del gusanillo que produce el amor, muy claro en esa insistencia a «la primera vez que me besaste», «la primera vez que me tocaste» o, finalmente, «la última vez que me tocaste».
Ese «elevar» los pies del suelo, ese «flotar» en el aire del amor adolescente se corresponde con la suave interpretación vocal de un susurrante Stevens, y unos arreglos minimalistas entre los que despunta un banjo que por momentos parece un arpa. Ese intimismo se ve reforzado por el uso de la palabra «riverbed» («lecho»), jugando con su raíz de «río», de «amor» que se va -literalmente- secando. Por último, el artista no se ha quedado en lo fácil y ha querido hacer un guiño a los personajes homosexuales de la película, mencionando la relación entre Alejandro Magno y Hefestión, y añadiendo además puntuales guiños a su carrera (aparece su sobrina, sí, la de ‘Should Have Known Better’, y también hay una cita de ‘Eugene’, entre otras), que han hecho las delicias de sus fans.
Puede que Sufjan Stevens no se lleve el Oscar, viéndose derrotado por ‘Coco‘ o ‘The Greatest Showman’, pero ha sabido trabajar una canción que funciona dentro de su repertorio, comprensible para quien no conozca su trabajo y además estrechamente vinculada a la temática de la película y la de la novela. Seguramente deje un momento tan bonito o más como el de Karen O y Ezra de Vampire Weekend haciendo ‘The Moon Song’, que, si no forma parte de la historia es por la negativa de la Academia a subir sus cosas a Youtube…
La llegada de las plataformas digitales a nuestro día a día ha revolucionado la forma de ver y entender el cine en la industria. Están quienes reciben el hecho de que una película no pueda verse en salas de cine como insultante, pero también quienes piensan que los tiempos cambian y que hay que ajustarse a ellos. Netflix produce películas que estrena en exclusiva y directamente en su plataforma. Sonados y polémicos fueron los casos de ‘Okja’ y ‘The Meyerowitz Stories’, ambas compitiendo por la Palma de Oro en Cannes el año pasado. Sin embargo, esta especie de videoclubs online también ayudan a visibilizar películas que, de otro modo, nunca llegarían a nuestras carteleras. Filmin, especializada en cine de autor, ha estrenado en España muchas propuestas arriesgadas, diferentes o demasiado pequeñas para que ningún distribuidor haya querido -o podido- darles la oportunidad.
Estas diez películas de las que hablamos a continuación, no se vieron en salas de cine comerciales, por lo que no tuvieron un recorrido tan visible como las demás, pero no merecen caer en el olvido ni quedar enterradas en el amplio catálogo de sus respectivas plataformas.
Good Time
Una de las películas más aclamadas del último Festival de Cannes fue esta odisea nocturna a ritmo de la hipnótica música de Oneohtrix Point Never que presentaron los directores neoyorquinos Benny y Josh Safdie. El peculiarísimo y muy efectivo estilo claustrofóbico de los hermanos, autores de la magnífica ‘Heaven Knows What’ (disponible en Filmin), vuelve a poner su foco en la white trash americana, narrando la historia de un delincuente de poca monta que debe conseguir dinero en una noche para pagar la fianza de su hermano discapacitado mental, que fue arrestado mientras atracaban juntos un banco. Un ritmo frenético, luces de colores y un gran reparto liderado por un espectacular Robert Pattinson, han convertido a ‘Good Time’ en un nuevo referente del cine underground.
Lovesong
Esta pequeña joya estrenada en el festival de Sundance de 2016, que no ha tenido el reconocimiento que merece, fue incluida en el catálogo de Netflix España hace unos cuantos meses. Dirigida por la coreano-americana So Yong Kim, muestra la relación de amistad entre los personajes interpretados por una impresionante Riley Keough y Jena Malone. Rara vez en una película se ve reflejada con tanta sensibilidad y delicadeza la delgada línea que en ocasiones puede separar la amistad del amor romántico. Contada a base de silencios, miradas y pequeños gestos, compone una bellísima reflexión sobre las relaciones humanas.
Blue Jay
Otra película tan diminuta (en presupuesto e intenciones) que ni siquiera con tener de protagonista a Sarah Paulson ha logrado distribución en salas. La película de Alex Lehmann -que conformaría una buena sesión doble con ‘Lovesong’- narra el reencuentro de dos viejos conocidos. Cada uno marcó la vida del otro, pero llevan veinte años sin verse y sin ningún tipo de contacto. ‘Blue Jay’ se compone principalmente por diálogos ingeniosos, y construye dos buenos personajes con los que empatizar. Un drama romántico indie capaz de llegar hondo con muy pocos medios.
Holy Hell
Si algunas películas de ficción ya lo tienen complicado para llegar a los cines, para la no ficción es casi imposible. Pero Netflix se caracteriza por tener una gran cantidad de documentales para elegir. ‘Holy Hell’ no es el mejor de ellos, pero es bastante poco conocido y merece la pena, ya que cuenta una historia realmente apasionante sobre una secta creada en Los Angeles en los 80 que duró veinte años. El documental cuenta con entrevistas a los miembros a la vez que repasa la escalofriante historia alrededor de su líder.
Las elegidas
La segunda película del mexicano David Pablos, ‘Las elegidas’, tras pasar por la sección Una cierta mirada en Cannes 2015 y por varios festivales como el de San Sebastián, tuvo su estreno en España directamente en la plataforma digital. El filme denuncia la violencia y la mala situación social mexicana centrándose en un adolescente que seduce a una chica para engañarla trabajando, a la fuerza, en un prostíbulo. La mirada del director no nos permite ver escenas explícitas, pero sí primeros planos llenos de dolor reforzados por un interesante uso del sonido. Una muestra austera y cruda de cine social.
Heaven Knows What
Esta película de los hermanos Safdie estrenada en España directamente en Filmin, como comentaba arriba, narra la historia de una heroinómana indigente en Nueva York. Los cineastas encontraron por la calle a Arielle Holmes -protagonista de la cinta-, una joven drogadicta que les llamó la atención y le ofrecieron presentarse a un casting para un proyecto. Ella fue, pero les confesó que tenía un problema con las drogas. Los Safdie la animaron a rehabilitarse y a escribir un libro contando su historia que se llamaría ‘Mad Love In New York City’. Cuando lo terminó, hicieron la película, interpretada por ella misma (completamente rehabilitada, claro). ‘Heaven Knows What’ es uno de los retratos más veraces sobre el mundo de la droga que se han filmado, y una película excelente.
The Lure
Un musical original polaco sobre dos sirenas contratadas por un club de noche para hacer espectáculos. ¿Suena raro? Lo es, y mucho. Y está bien verlo precisamente por eso. Hay quienes han encontrado en esta película algo verdaderamente atractivo y les ha atrapado por completo su mundo surrealista y absurdo. A otros les ha irritado desde la primera secuencia. Y hay quienes nos quedamos a medias, los que apreciamos el intento de hacer algo nuevo aunque finalmente no termine de resultar efectivo. El motivo por el que está en esta lista es porque, independientemente de todo, no vais a encontrar nada ni remotamente parecido a esto.
Porto
Gabe Klinger debutó en 2013 con un documental llamado ‘Double Play: James Benning y Richard Linklater’, sobre los dos cineastas. En 2016 debutó en la ficción con la singular ‘Porto’, un drama romántico dividido en tres partes que funciona como un homenaje al séptimo arte a la par que recuerda a la trilogía ‘Antes de…’. Una película interesante y romántica, que además cuenta con una de las últimas interpretaciones de Anton Yelchin (a quien está dedicada la película).
Queen of Earth
Alex Ross Perry no ha conseguido estrenar ninguna película en nuestro país. El director, que empezó en el mumblecore (movimiento cinematográfico que se caracteriza por presupuestos muy bajos, tener diálogos improvisados y retratar a gente de entre 20 y 30 años), contó con Elisabeth Moss y Katherine Waterson para esta suerte de revisión de ‘Persona’ pasada por el filtro indie americano y el característico estilo del autor, que ya recomendamos en Halloween. Así, dos amigas van a pasar unos días a una casa retirada en la playa. Ross Perry indaga en cómo se ha ido enfriando la relación entre ambas hasta no soportarse la una a la otra. Un thriller psicológico repleto de violencia verbal.
Ensayo para una revolución
Es el título con el que Filmin ha estrenado ‘Those Who Make Revolution Half Way Only Dig Their Own Graves’, es decir, “aquellos que hacen la revolución a medias solo cavan sus propias tumbas”. Una película de tres horas de duración que cuenta con apertura, intermedio y cierre y en la que se cambia con frecuencia de formato cinematográfico. Es una especie de ensayo, a veces muy excesivo pero siempre interesante, sobre la rebeldía, la juventud y la transgresión. No ha dejado a nadie indiferente y ha dividido a la audiencia allá donde ha sido proyectada.
Lo miremos por donde lo miremos, este ‘Sangre en los surcos’ no es un “grandes éxitos” como tal –para colmo, esa etiqueta no podría ser más paradójica– de Fernando Alfaro ni cabe acusarle de oportunismo por querer revivir –uno no puede menos que, dado el autor de este disco, intentar emular sus juegos con la semántica– canciones de los distintos proyectos de sus 30 años de carrera en un formato distinto al de sus originales. Puede que esa apariencia pueda despertar algún reparo en quienes ya conocen bien su historia musical, y en parte vital, pero ellos, tanto como los neófitos, encontrarán sobradas razones para sumergirse en este álbum que se mira y suena en blanco y negro.
Aunque la nota de prensa dice que ‘Sangre en los surcos’ se inspira en la serie ‘American Recordings’ de Johnny Cash –solo que el Hombre de Negro interpretaba en formato mínimo canciones ajenas y contemporáneas, no solo propias–, en realidad este doble álbum de 21 cortes parece más una traslación al estudio de esos conciertos en solitario que estuvo haciendo cuando presentaba su último disco solo, ‘Saint-Malo’, o celebraba los 25 años del capital ‘Hermanos carnales’ de Surfin’ Bichos. Pero solo lo parece: porque es mucho más.
Para empezar, los expertos en fernandoalfarismo tendrán razones de sobra para empaparse de «Sangre». Aunque solo sea porque contiene cuatro canciones nuevas que refrendan que la creatividad de Alfaro está muy viva 30 años después. Ya conocíamos ‘Dominó’, esa espeluznante historia personal entre la ficción y la realidad –algo inherente, en realidad, a toda su obra– que se eleva a la altura de sus grandes clásicos; pero es que ‘Sangre en los surcos’, otra visión sobre ese amigo muerto cuyo fantasma deambula por sus discos desde hace décadas, empata con aquella como uno de los momentos más brutales del disco –¡y eso que contiene muchas de sus mejores canciones!–. ‘Barbaridades’ –al menos en este formato– no brilla tanto pero, de nuevo, ‘Trozos que un día’ se muestra como una joya delicada desde el punto de vista musical, y una lección vital desde el punto de vista lírico. Espantada así la sospecha de que su intención sea hacer de este álbum un simple ejercicio de nostalgia.
Por supuesto, esos conocedores de sus distintas etapas –o alguna de ellas–, con Surfin’ primero, Chucho después y ya en solitario (o con Alienistas), se saben estas canciones de sobra. Cabe pensar que, dado que están representados todos y cada uno de sus álbumes oficiales –salvo, curiosamente, ‘Los años luz’–, Fernando ha pretendido tratar una especie de autobiografía musicada, pero la idea se resquebraja también al verificar que no hay un orden cronológico, o que un disco tan lejano y poco popular como ‘Fotógrafo del cielo’ es de largo el más representado, con ‘¿Qué clase de animal?’ y hasta ¡tres! outtakes de la época, casi encadenados: ‘Un alud en septiembre’, Mi refugio’ y ‘Siempre lo mismo’ –con unos inesperados aires folk–.
Sus temas más conocidos e imprescindibles –‘Gente abollada’ (¡qué versionaza!), ‘Fuerte!’, ’Magic’ o ‘Camisa hawaiana de fuerza’– son tan grandes que no necesitan más coartada que esa para estar aquí. Pero ‘Sangre en los surcos’ ofrece además la oportunidad de redescubrir canciones menos obvias, casi perdidas en su vasta discografía –‘Su mano sobre la mía’, ‘El último día que me verás’–, y “redisfrutar” las inventivas recreaciones de otras: los espíritus que se hacen presentes en ‘¿Qué clase de animal?’ o ‘Mi anestasia’; el banjo de ‘Saariselkå Stroll’; las alegres palmas en ‘Ricardo ardiendo’; o el formato dark country –aquí sí que es muy ‘American Recordings’– de ‘Qué condenadamente negra’ o ‘Mis huesos son para ti’ justifican la existencia de este disco.
Pero, además de para aquellos, se percibe también en el carácter de glosario de este largo una vocación tanto didáctica como reivindicativa hacia nuevas generaciones, que no conocieron los discos de Alfaro en su momento y necesitan –aunque no lo sepan– un punto de partida, un volumen de “1º de Alfarismo” para poder empezar a tirar del hilo. En ese sentido, sí veo en ‘Sangre en los surcos’ la conexión con las “American Recordings” que, para muchos, supusieron nuestra forma de engancharnos y comprender a Johnny Cash. Si alguien quiere adentrarse en el vasto y rico universo de uno de los mejores autores en la historia del pop rock en español, esta puede ser la mejor forma de empezar.
Calificación: 8,1/10 Lo mejor: ‘Dominó’, ‘Sangre en los surcos’, ‘¿Qué clase de animal?’, ‘Trozos que un día’, ‘Gente abollada’ Te gustará: tanto si conoces bien el universo de Alfaro como si deseas adentrarte en él por primera vez. Escúchalo: Spotify
‘The Emoji Movie’ ha sido la gran «ganadora» de los Razzies a lo peor del año al hacerse con el premio a peor película y peor director, entre otros. La gran «derrotada» podríamos interpretar por tanto que era ‘Fifty Shades Darker’, pero la segunda parte de la saga ‘50 sombras de Grey‘ ha podido arañar el premio a peor película y el premio a peor actriz secundaria para Kim Basinger. Entre lo peor del año también encontramos a Tom Cruise y Mel Gibson, lo cual significa que Javier Bardem se ha quedado con las manos vacías, pese a estar nominado a peor actor secundario por ‘Mother!‘ y «Piratas del Caribe».
Bajo estas líneas podéis encontrar el «palmarés» vía Cadena Ser, destacando la divertida categoría de peor dueto, donde encontrábamos, por ejemplo, a Johnny Depp y su papel de borracho, aunque al final la ganadora ha vuelto a ser ‘The Emoji Movie’.
PEOR PELÍCULA
“Baywatch” “The Emoji Movie”
“Fifty Shades Darker”
“The Mummy”
“Transformers: The Last Knight”
PEOR ACTRIZ
Katherine Heigl, “Unforgettable”
Dakota Johnson, “Fifty Shades Darker”
Jennifer Lawrence, “Mother!” Tyler Perry, “Boo! 2: A Madea Halloween”
Emma Watson, “The Circle”
PEOR ACTOR Tom Cruise, “The Mummy”
Johnny Depp, “Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales”
Jamie Dornan, “Fifty Shades Darker”
Zac Efron, “Baywatch”
Mark Wahlberg, “Daddy’s Home 2” & “Transformers: The Last Knight”
PEOR ACTOR SECUNDARIO
Javier Bardem, “Mother!” y “Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales”
Russell Crowe, “The Mummy”
Josh Duhamel, “Transformers: The Last Knight” Mel Gibson, “Daddy’s Home 2”
Anthony Hopkins, “Collide” & “Transformers: The Last Knight”
PEOR ACTRIZ SECUNDARIA Kim Basinger, “Fifty Shades Darker”
Sofia Boutella, “The Mummy”
Laura Haddock, “Transformers: The Last Knight”
Goldie Hawn, “Snatched”
Susan Sarandon, “A Bad Moms Christmas”
PEOR DÚO EN PANTALLA
Cualquier combinación de dos personajes, dos juguetes sexuales o dos posiciones sexuales, «50 Shades Darker”
Cualquier combinación de dos humanos, dos robots o dos explosiones, “Transformers: The Last Knight” Dos emojis desagradables, “The Emoji Movie”
Johnny Depp y su interpretación de borracho, “Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales”
Tyler Perry y su peluca o vestido, “Boo! 2: A Madea Halloween”
PEOR REMAKE O SECUELA
“Baywatch”
“Boo! 2: A Madea Halloween” “Fifty Shades Darker”
“The Mummy”
“Transformers: The Last Knight”
PEOR DIRECTOR
Darren Aronofsky, “Mother!”
Michael Bay, “Transformers: The Last Knight”
James Foley, “Fifty Shades Darker”
Alex Kurtzman, “The Mummy” Anthony Leondis, “The Emoji Movie”
PEOR GUION
“Baywatch” “The Emoji Movie”
“Fifty Shades Darker”
“The Mummy”
“Transformers: The Last Knight”
Esta noche comienza la gira de Operación Triunfo, que llevará a los 16 concursantes por varios recintos de todo el país. La primera cita será en el Palau Sant Jordi de Barcelona y gracias al ensayo que se ha producido con miles de fans y medios asistentes como Vertele, ya se han conocido las canciones del setlist, casi 40 pistas con algunos de los momentos icónicos de esta edición que se vieron en el programa especial final (‘Lo malo’ de Aitana War, ‘Tu canción’, ‘Shape of You’, ‘City of Stars’…) y muchas de las que faltaron y muchos de sus seguidores reivindicaban (‘A-YO’ de Lady Gaga, ‘La bikina’). No faltarán ni ‘A quién le importa’ ni ‘La revolución sexual’ como podéis ver bajo estas líneas.
La gira también ha sido noticia porque en el backstage a algún lumbreras se le ha ocurrido poner una PlayStation en el camerino de los chicos, y en el de las chicas, no. Amaia Romero ha protestado contra esta circunstancia a través de un Instagram Stories de Ricky, indicando que ellas tenían «un espejo». «Los chicos en su camerino tienen tele con Play y nosotras no tenemos una mierda». «¿Y vosotras qué tenéis?», repreguntaba Ricky. «Un espejo, ¿se puede ser más triste?».
Os dejamos con las canciones preparadas y con el vídeo de Amaia.
Grupales
Camina
La revolución sexual
A quién le importa
I’m Still Standing
Amaia
Miedo
Shake It Out
City Of Stars – Amaia y Alfred
Con las ganas – Amaia y Aitana
Todas las flores – Amaia y Ana Guerra
Tu canción – Amaia y Alfred
Shape Of You – Amaia y Roi
Aitana
Chandelier
Issues
No puedo vivir sin ti – Aitana y Cepeda
Con las ganas – Aitana y Amaia
Lo malo – Aitana y Ana Guerra
Miriam
Invisible
What About Us
Euphoria – Miriam y Thalía
Alfred
Que nos sigan las luces
City Of Stars – Alfred y Amaia
Tu canción – Alfred y Amaia
Don’t Dream It’s Over – Alfred y Marina
Ana Guerra
La Bikina
Lo malo – Ana Guerra y Aitana
Todas las flores – Ana Guerra y Amaia
Don’t You Worry About A Thing – Ana Guerra y Mimi
Agoney
Eloise
Manos vacías – Agoney y Raoul
Symphony – Agoney y Nerea
Roi
Heaven
Shape Of You – Roi y Amaia
Nerea
Quédate conmigo
Symphony – Nerea y Agoney
Cepeda
Say You Won’t Let Go
No puedo vivir sin ti – Cepeda y Aitana
Raoul
Million Reasons
Manos vacías – Raoul y Agoney
Mireya
Ni un paso atrás
Madre tierra – Mireya y Ricky
Corre – Mireya y Juan Antonio
Ricky
Let Me Entertain You
Madre tierra – Ricky y Mireya
Marina
The Voice Within
Don’t Dream It’s Over – Marina y Alfred
Thalía
Cenizas
Euphoria – Thalía y Miriam
Juan Antonio
A puro dolor
Corre – Juan Antonio y Mireya
Mimi
A-YO
Don’t You Worry About A Thing – Mimi y Ana Guerra
1. I’m still standing – TODOS
2. Let me entertain you – RICKY
3. Todas las flores – AMAIA y ANA G.
4. ¡Corre! – MIREYA y JUAN ANTONIO
5. The voice within – MARINA
6. What about us – MÍRIAM
7. A puro dolor – JUAN ANTONIO
8. Don’t you worry ‘bout a thing – ANA y MIMI
9. Don’t dream it’s over – ALFRED y MARINA
10. Manos vacías – RAOUL y AGONEY
11. Quédate conmigo – NEREA
12. Miedo – AMAIA
13. Con las ganas – AITANA y AMAIA
14. Euphoria – THALÍA y MÍRIAM
15. Million reasons – RAOUL
16. Symphony – NEREA y AGONEY
17. Cenizas – THALIA
18. Madre tierra – RICKY y MIREYA
19. Issues – AITANA
20. No puedo vivir sin ti – AITANA y CEPEDA
21. Say you won’t let go – CEPEDA
22. Ni un paso atrás – MIREYA
23. A-YO – MIMI
24. A quién le importa – TODOS
25. Heaven – ROI
26. Shape of you – AMAIA y ROI
27. Eloise – AGONEY
28. Invisible – MÍRIAM
29. Que nos sigan las luces – ALFRED
30. Shake it out – AMAIA
31. City of stars – AMAIA y ALFRED
32. La Bikina – ANA
33. Chandelier – AITANA
34. Lo malo – ANA y AITANA
35. Camina – TODOS
36. Tu canción – AMAIA y ALFRED
37. La revolución sexual – TODOS
Es una pena que los resultados comerciales del nuevo disco de MGMT, ‘Little Dark Age‘, estén siendo tan malos, porque en muchos sentidos, el álbum recupera el espíritu pop que su música había esquivado deliberadamente desde que se acabó la promoción de ‘Time to Pretend’ y ‘Kids’, canciones ambas tradicionalmente maltratadas o ignoradas en sus giras posteriores.
Y después de ‘Congratulations’, para algunos de sus fans su cima creativa, y del curioso ‘MGMT’, el grupo ha vuelto con algunos de los sencillos más inmediatos que ha grabado. Entre ellos está ‘Me and Michael’, que se presentaba justo antes de la edición del disco, pero que por su capacidad contagiosa -se ha dejado caer un par de veces entre los virales de Spotify-, quizá debería haber llegado antes del tema titular, de ‘Hand It Over‘ y de ‘When You Die’. Además, acaban de presentarla en la tele, en el programa de Stephen Colbert, como podéis ver bajo estas líneas.
La canción se inspira en el italo disco ochentero con resultados más explosivos que el último disco de Phoenix, con el estribillo más reluciente que se recuerda a cualquiera de las dos bandas en al menos un lustro. La letra parece la culminación de todo un “bromance” que no puede dejar de recordar al himno gay de Franz Ferdinand, que de hecho también se llamaba ‘Michael’. MGMT han revelado en entrevista con la revista Q que la canción iba a llamarse “Me and my girl” pero a Andrew VanWyngarden le pareció “demasiado aburrido”, por lo que decidió cambiar a “su chica” por un chico, “Michael”.
El vídeo, en el que ya ahondamos, es la habitual fantasía de humo 100% MGMT: muestra cómo descubren esta canción, en el vídeo original de la banda filipina True Faith (guiño a New Order) y entonces, asegura la nota de prensa: “MGMT deciden grabarla como propia llevando a un éxito sin precedente a la banda, seguido de una gran caída cuando les acusan de plagio”. El final es para verlo.
Mientras la línea de guitarra referencia el indie pop ochentero de The Smiths y algunas de las voces y teclados tratados a Pet Shop Boys o Depeche Mode a finales de los 80, la letra es tan mónguer como cabría esperar: “en todas partes, estamos Michael y yo / Bombas imaginarias cayendo de las nubes / Parece que los signos de peligro no dejarán morir los sentimientos / cuando todos los mejores y los más brillantes hayan desaparecido”.
Recuperamos la sección «El físico importa» en la que destacamos ediciones físicas que merecen la pena. Christina Rosenvinge actúa hoy sábado 3 de marzo en Joy Eslava de Madrid para presentar las canciones del excelente ‘Un hombre rubio‘. La cantante ha anunciado que no habrá vinilos de ‘Un hombre rubio’ disponibles hoy a la venta en el tenderete habitual de esta sala, pues se han agotado. A falta de que El Segell decida si hace una nueva tirada de vinilos o no, no se distribuirán más. Eso significa que en algunas tiendas puede quedar alguno, lo que esté distribuido ya, pero una vez terminado ese stock, no habrá más, al menos durante una larga temporada.
Que el disco se haya agotado en apenas un par de semanas no es una sorpresa mayúscula: Christina Rosenvinge ha cuidado con muchísimo mimo la edición física de sus últimos discos tanto en su etapa en Warner como ahora en El Segell. El vinilo es de color dorado en honor al «rubio» del título de este disco en el que la artista, partiendo de un homenaje a su padre muerto, toma la postura de un hombre (rubio) para hablar de los roles de género (algo muy claro en ‘La flor entre la vía’) o para posicionarse como un «crooner» con el que siempre había soñado ser.
El vinilo incluye un libreto desplegable (en la imagen) en el que encontramos las letras y, tras ellas, una instantánea de Christina y otra de su padre. En el reverso, hay un collage entre Christina y su padre realizado por Susana Blasco sobre la foto restaurada por Jorge Rosenvinge (sí, el de ‘Jorge y yo’ de ‘La joven Dolores’, hermano de Christina). El CD a la venta aparte también incluye este encarte, si bien lógicamente en versión más reducida. Fnac.es ha estado vendiendo, solo a través de la web, discos firmados por la artista, lo que seguramente haya contribuido al éxito de este disco en formato físico, alcanzando el puesto 13 de la lista española de ventas.
Elton John ha tenido un pequeño incidente durante una actuación en Las Vegas de esta semana. Mientras interpretaba una canción de su repertorio, un seguidor se empeñó en extender su brazo para tocarle e intentar «chocar esos 5» mientras Elton tocaba el piano. Finalmente abandona el escenario cabreado, y tras volver, anuncia que no va a invitar a más gente al escenario en conciertos venideros. Si se atiende al vídeo del momento, puede leerse en sus labios cómo dice claramente «fuck off».
La canción que interpreta, ‘Saturday Night’s Alright for Fighting’, suele aparecer en su setlist hacia el final, ejerciendo de penúltima canción o, como se ve en el vídeo, de despedida antes de un bis.
Elton John, que como se apreció en los Grammy o en estas imágenes, se mueve con bastante dificultad, se encuentra realizando una residencia en Las Vegas. También ha anunciado recientemente que realizará una gira de despedida con el nombre de ‘Farewell Yellow Brick Road’, casi como ‘Goodbye Yellow Brick Road’. Este era exactamente el nombre del disco de 1973 que contenía la mencionada canción ‘Saturday Night’s Alright for Fighting’, primer sencillo de aquel álbum que también incluía la a la postre célebre por su dedicatoria a Lady Di ‘Candle in the Wind’.
La gira de despedida de Elton John incluye 95 fechas, la mayoría inmensa en Estados Unidos. 19 tendrán lugar en primavera de 2019 en Europa, de momento al menos sin parada en España.
Rick Ross ha sido hospitalizado en las proximidades de Miami tras haber sido encontrado inconsciente el jueves por la mañana, respirando con dificultad. Las razones por las que no respondía a estímulo alguno no han salido a la luz, pero según TMZ y recoge el NME, Ross está recibiendo oxigenación por membrana extracorpórea, algo que aporta apoyo cardíaco y respiratorio a alguien cuyos pulmones no están funcionando correctamente por sí mismos.
Después de que algunos medios especularan con la gravedad de su estado, su colega el rapero Fat Trel ha acudido a Instagram para contar que ha hablado con Rick Ross y que este se encuentra bien.
Rick Ross ha publicado 9 discos, 5 de los cuales han sido número 1 en Estados Unidos, el más exitoso de los cuales fue el primero, ‘Port of Miami’, editado en 2006. También es conocido por sus decenas y decenas de colaboraciones, entre ellas varias con DJ Khaled. Entre sus mayores éxitos está ‘Purple Lamborghini’ junto a Skrillex, que se posicionó en la banda sonora de ‘Escuadrón suicida’. Este año está prevista la edición de un nuevo disco suyo.
Karol G ha dado una vuelta de tuerca a ‘Sua Cara’ de Major Lazer con su voz en la versión hispana. Después, ha encadenado hit tras hit en su debut ‘Unstoppable’. Entre ellos, la colaboración con Bad Bunny ‘Ahora Me Llama’, que lleva 500 millones de reproducciones en Youtube. Karol G no descansa y prepara una edición deluxe de su álbum, estrenando este mismo viernes ‘Pineapple’, su primer adelanto.
A su paso por España para una serie de conciertos en salas, pudo atendernos unos minutos por teléfono. Y a pesar de las dificultades técnicas en la llamada, mantuvimos una interesante conversación donde con mucha amabilidad nos habló sobre lo que ha significado para ella el éxito de ‘Unstoppable’ y de colaboraciones como la reciente ‘Mi Mala’, sobre el estado actual de la música latina, la música urbana y el reggaeton, sobre la competitividad forzada entre mujeres en la industria musical, sobre el papel de ellas en la industria (y el de hombres no heteros), sobre sus próximos proyectos… y hasta sobre AitanaWar.
¿Qué tal por España? He visto que tienes conciertos estos días en algunas salas, ¿has venido también por alguna colaboración?
Mucho gusto, Pablo. Pues estoy súper feliz de estar aquí, estamos de gira de conciertos, es la tercera vez que venimos. Vamos a estar en Málaga, en Toledo, en Sevilla, y en julio volveremos y estaremos en las Islas Canarias.
Muchos se confunden a la hora de decir si alguien hace trap, música urban o reggaeton (NdE: desde algunos medios se ha dicho que La Zowi hace reggaeton, que Ms Nina y Bad Gyal son traperas…). ¿Qué consideras que es tu campo? ¿O lo son todos?
Definitivamente cantante de trap no soy (risas), solo tengo ‘Ahora Me Llama’ y ‘El Pecado’. Siento que la música urbana como tal es la evolución de la música latina, ¿me entiendes? Tú escuchas a Shakira, a Ricky Martin… y vas viendo que son artistas urbanos. Es la evolución de la música latina, y la gente la disfruta, la canta, les encanta.
En España hay mucho desprecio al reggaeton, aunque luego sea la música que más suena en las discotecas. Esto esté cambiando, y cada vez más gente dice que el machismo está en todos los géneros musicales, pero se sigue considerando un género menor, y se le califica de machista. ¿Crees que detrás de esto hay también un prejuicio de tono un poco racista hacia Latinoamérica y la música latinoamericana?
Yo siento que ya la gente se quedó en otra época. Puedo entenderlo cuando el reggaeton empezó, con esas letras tan fuertes, pero eso ha cambiado. Pasa un poco eso también con el trap. Pero no estoy de acuerdo con que la gente generalice, no se puede hablar de todo ello como algo machista, hay música urbana con muy buen contenido.
No sé si has escuchado ‘Lo Malo’…
Sí, sí, precisamente me hablaron esta semana del tema. Me encantó, me pareció buenísima la canción, y además habla de mujeres determinadas y empoderadas, y eso siempre me va a encantar a mí, ¿sabes?
«A veces parece que por hacer música urbana estemos como sentenciados: una misma temática la pones en otro género y está bien, la pones en un tema urban y ya ahí está mal»
Aunque quedó finalista para Eurovisión, que ya es un algo destacable, el argumento más repetido entre los que no la votaron fue que les gustaba para bailar pero “no era un género serio para Eurovisión”.
Sí… yo en algún momento he recibido comentarios así, sobre que la música urbana no es música seria, creo que se generaliza. Somos cada vez más artistas que… mira, yo en varias canciones tengo músicos en vivo, guitarras, pianos, me he sentado con compositores grandísimos de todo tipo de géneros para hacer música urbana. Creo que estamos en otra época. Y a veces parece que por hacer música urbana estemos como sentenciados: una misma temática la pones en otro género y está bien, la pones en un tema urban y ya ahí está mal. Es una mentalidad de algunas personas respecto a esa música que siento que ya… siento que, así como la música urbana y latina han evolucionado, esa mentalidad tiene que evolucionar. Y, respecto a ‘Lo Malo’, aunque no haya ganado, el hecho de estar entre las favoritas significa que se están abriendo puertas, y lleva a la gente también a escuchar algo más.
¿Te gustaría participar en un remix?
De ‘Lo Malo’? ¡Me encantaría! Ustedes en España tienen artistas que están viniendo muy fuerte, me encanta Beret, me encanta C. Tangana, me encanta Rosalía… y yo siento que entre artistas nos podemos ayudar, de manera que ellos me presenten un público que tienen conquistado acá, y pues yo los presente al público mío internacional, ¿me entiendes? Esas colaboraciones son siempre exitosas, y yo voy a estar disponible cien por ciento.
Mucha gente considera que mujeres haciendo canciones de alto contenido sexual, o simplemente siendo sexuales, le hacen el juego al machismo. Cuando le preguntamos por esto a Ms Nina, ella comentaba que precisamente lo feminista era poder cantar lo que quisieras, al igual que lo hace un hombre.
¡Exactamente! He tenido la oportunidad de hablar del tema con ella, somos buenas amigas y nos hemos sentado a hablar al respecto, y es exactamente lo que pienso yo. Siento que, si los hombres lo dicen, ¿nosotras por qué no lo podemos decir? Y decirlo desde el punto de vista de cómo lo sentimos nosotras. Hacía falta, y creo que el año pasado se rompió el hielo, entramos varias y se abrió una ventanita.
De hecho, uno de las cosas que comenté en la reseña de tu disco es que las canciones de tu disco cuentan distintas historias cuyo denominador común es que tú eres el sujeto, no el objeto.
Claro, es eso que comentas, al tener la oportunidad de contarlas desde nuestro punto de vista, dejamos de ser el objeto y nos convertimos en protagonistas de la situación. Y eso es muy bueno.
En ‘El Pecado’, por ejemplo, tomas un rol muy controvertido: la chica es infiel a su pareja y, además, se mete en medio de otra pareja. La cosa es que el otro chico hace lo mismo… y ahí no hay tanta controversia.
¡Ya! Aunque yo creo que empieza a verse una igualdad en ese sentido, ya no es tanto “hombres y mujeres de la industria musical”, hay cambios y cada uno dice lo que quiere decir y cada uno escucha lo que quiere escuchar.
¿Estás un poco cansada de que siempre te pregunten/preguntemos en las entrevistas por el machismo, por ser “una de las chicas que hace reggaeton”, etc?
(risas) ¡No, no! Me gusta hablar, porque entiendo que la industria no tiene muchas representantes femeninas, entonces es entendible que la gente me pregunte por eso. En todas partes nos preguntan por lo que hemos conseguido, es como “wow, cuéntanos cómo ha sido”. Pero ya te digo, no me molesta para nada, me gusta contar mi historia. Sí siento que llegará el momento en que dejen de preguntar eso y pregunten por los logros del artista en sí.
Has comentado que tu canción favorita del disco es ‘Lo Sabe Dios’. ¿Te ves en un futuro haciendo un álbum de temas más acústicos?
Pues a mí me encantaría, yo siento que soy una artista más versátil que urbana. Aunque mis canciones tienen esos golpes de reggaeton, las melodías son muy pop, las letras son muy pop, y eso siento que es lo que me ha destacado a mí. Por eso quise que ‘Lo Sabe Dios’ fuera tan básica: que se sintiera lo que yo quería decir con la letra, y que nada más me robara el show, por eso le pusimos solo guitarra. Y fue una de las canciones más descargadas, junto a ‘Ahora Me Llama’ y ‘A Ella’, o sea que la gente también está como de escuchar cosas así.
«Shakira es la reina de la versatilidad (…) Qué bueno que uno pueda llegar a ese punto donde pueda hacer todo lo que sueñe y todo lo que tiene en mente»
Ahí tienes a Shakira; aunque no es el tipo de música que más hace ahora, una de las canciones favoritas de sus fans sigue siendo ‘Inevitable’…
Bueno, y ella es que es la reina de la versatilidad, ¡si ha hecho un tango! Me parece que ella ha llegado a un punto espectacular, que todas las miras que uno tenga en la cabeza las pueda plasmar en una canción sin miedo a si va a vender o no, sino que tú lo hagas por música, porque te apasiona, y eso de alguna manera a la gente le llega. Qué bueno que uno pueda llegar a ese punto donde pueda hacer todo lo que sueñe y todo lo que tiene en mente.
Colaboraste en ‘Mi Mala’ junto a Mau y Ricky, y hace poco salió su remix. Se suele pensar que los remixes no aportan nada nuevo, pero éste tiene un videoclip propio, fichando además a Becky G, Leslie Grace y Lali. Vaya superproducción, ¿no?
Te voy a ser súper honesta: cuando me dijeron que estaban haciendo un remix, yo me esperé todo menos esto, me ha parecido espectacular. Se habla de una mala, y se quería contar nuestro punto de vista. Dejar los puntos claros desde un principio, que nosotras también somos mujeres que no la jugamos: que si queremos algo serio, queremos algo serio, y si simplemente queremos estar con una persona y ver qué pasa pues también lo podemos hacer. El resultado fue espectacular, pudimos compartir entre nosotras lo que pensábamos. Además, hay un mito en el que la gente piensa que entre mujeres es más difícil trabajar, que habrá mala actitud… pero nosotras disfrutamos impresionante del vídeo. Y, como te digo, con Becky pues somos súper buenas amigas, hemos hablado de muchos proyectos y de muchas cosas. Siento que la canción puede ser muy especial. De hecho, la primera vez que la cantamos fue aquí en Barcelona, la canción tenía pocos días de lanzamiento y yo aún no la tenía en mi show, pero la gente me la pidió, “¡Mi Mala! ¡Canta Mi Mala!”.
«Las cuatro mujeres que rompimos el año pasado el hielo en la música latina nos hemos juntado en una canción y va a ser grandísimo»
Ya me has respondido en parte, pero pensaba preguntarte si creías que se tendía más, prensa incluida, a buscar enfrentamientos entre cantantes femeninas. Es raro que se intente enfrentar a Bruno Mars y Ed Sheeran, por ejemplo, y hay mil ejemplos de lo contrario entre estrellas del pop femeninas. ¿Te ha pasado alguna vez que te hayan intentado buscar polémica con Leslie, Becky y Lali, o con alguna compañera en general?
Sí… bueno, con Becky nos tuvieron una película impresionante mucho tiempo, porque ella era Becky G, y yo Karol G. Pero te voy a ser súper honesta: yo he participado en tres proyectos femeninos, con solo mujeres en las canciones, y siempre pasa que las diferencias son más cosa de los managers y las disqueras, y por eso esos proyectos no salen. Pero ahora acabo de participar en una canción donde somos cuatro mujeres, creo que las mujeres que rompimos el año pasado el hielo en la música latina. Nos juntamos en una canción, y creo que esto va a ser algo grandísimo para las mujeres en la industria.
En una entrevista comentabas que, cuando eras pequeña, no había referentes femeninos en el reggaeton en los que fijarte y decir “yo quiero hacer eso”. Y que, en ese sentido, Ivy Queen fue para ti una inspiración.
Cien por ciento. Ella tenía una personalidad súper fuerte, y mucho criterio, salió y dijo “para este género que está en masculino, yo tengo que ir con mi criterio y pararme como un roble, que nadie se me monte encima, que nadie me empuje, que nadie me atraviese”. Eso ha sido como de las cosas más grandes que he aprendido de ella. He tenido también una inspiración muy grande por parte de otra artista que es Selena Quintanilla. Su proceso me encanta, estaba también en un género muy masculino y dedicó muchos años de trabajo hasta que empezó a funcionar. Y murió siendo una de las artistas más importantes del momento, y sus álbumes todavía son de los más vendidos, todavía se le dan premios… Siento que estamos en una industria de canciones del momento, ya no de ídolos, sino de que la gente se enamora de una canción, y conoce al artista por la canción, pero ya la gente no está tanto alrededor de los artistas como años atrás. Entonces creo que el reto más grande no es hacer una canción buena, es ser un artista completo, que la gente se enamore y le siga.
Al igual que Ivy fue para ti un referente, ¿crees que tú puedes serlo para chicas más pequeñas que te vean en la tele y decidan dedicarse a la música, y concretamente al reggaeton?
Exactamente, ya se trata también de nosotras dar un mensaje, el otro día hablaba con alguien de que aprovechando que tenemos las redes sociales, se puede usar eso para pasar a la gente un mensaje positivo. Hay artistas que lo utilizan muy mal, pero también estamos los que ponemos nuestro granito de arena para que cada vez haya más gente con inspiración.
«Sería brutal que hubiese un cantante de reggaeton abiertamente gay, me encantaría, pero siento que no va a ser pronto»
Un referente que de momento falta en el mundo del reggaeton es el de un cantante abiertamente gay o bi. J Balvin comentó en una entrevista que sería estupendo que alguno diese el paso de decirlo, como modelo a otros que quisieran dedicarse a esto. ¿Crees que dentro de poco veremos algún cantante de reggaeton abiertamente homosexual?
Sería brutal. A mí me encantaría. Pero siento que no va a ser tan pronto… porque hay todavía muchos estigmas, por lo menos en la comunidad latina. Tuvimos reciente el caso de Ricky Martin, y hubo muchísima polémica pero al final a la gente le encantó que se abriera. Pero teniendo un género tan de la calle, tan, por así decirlo, malhablado, como es la música urbana, creo que el cantante que lo sea no va a ser pronto cuando se sienta en la libertad de decirlo.
El Arenal Sound confirmó como cabeza de cartel a Bad Bunny. ¿Te veremos también a ti en algún festival por aquí?
Sí, estuvimos hablando para estar en el festival de Los 40, lo más probable es que estemos ahí. El tema de los festivales me encanta porque te abre a públicos más masivos… me encantaría empezar a ir a festivales, es un paso bastante grande.
El pasado año fue muy importante para la música latina, no solo por ‘Despacito’, lo de J Balvin es bastante fuerte también: ‘Mi Gente’ lleva mil millones de reproducciones en Youtube y tiene remix con Beyoncé, pero en absoluto es el único tema suyo con éxito. ¿Cómo ves el momento actual de la música latina, y el éxito de Balvin?
Balvin se ha encargado de que la música urbana sea vista con respeto, con altura. Ha traído nuevos sonidos, ha traído música para bailar, romántica, para dedicar, además le ha puesto un punto fashionista a la música urbana, ha participado en muchísimos eventos. Creo que él en especial, muchos artistas lo hacen, pero él en especial se ha puesto la tarea de que la música urbana sea vista como un género serio, un género de respeto.
¿Cómo te llegó la propuesta de hacer el remix de ‘Sua Cara’ de Major Lazer? (Karol ha puesto voz a la versión hispana: ‘En La Cara’)
Me hablaron para decirme que estaban buscando a quien hiciera la versión oficial de ‘Sua Cara’ en español, que habían puesto varios perfiles sobre la mesa, y el mío era el que habían elegido. Y pues cuando me lo dijeron obviamente me emocioné mucho aunque no estaba del todo confirmado. Fuimos hablando, y ahora pues tenemos la versión oficial en español, y además, dentro de la negociación que hicimos, yo participaba en esta canción, y tengo una canción de ellos que viene mía… así que todavía van a pasar cosas increíbles, viene una canción de Karol G con Major Lazer. Y bueno, esta canción salió y en el primer día tuvimos un número altísimo de streams en Spotify, a la gente le encantó esa canción que ya habían escuchado en portugués con tan buen ritmo, con tan buen sonido, con tan buenos artistas, la pudieran interpretar a español.
Enhorabuena también por tu nominación a los Billboard Latinos, además compartes categoría con Gloria Trevi, Alejandra Guzmán… y Shakira. Imagino que esto último te hará especial ilusión, al ser las dos colombianas.
¡Claro! Shakira es la artista latina más representativa que hemos tenido y, en realidad, solo estar con ella en la misma categoría es increíble. No ya aparecer en la de “artista revelación”, sino estar en “mejor artista femenina” y con ella. Es muy grande.
Vi un adelanto que estaba en tu Instagram que era de algo llamado «La Oscuridad».
Es ‘Pineapple’, es que la gente le puso ese nombre porque se dice en la canción. ‘Pineapple’ es mi nuevo sencillo. Estoy muy emocionada, la escribí con Sky y con Mau y Ricky, y Sky produce, es una canción para bailar que creo que va a gustar mucho. La canción es en español, y no se nombra ninguna piña (risas). Se llama ‘Pineapple’ pero ya, alguien dijo el nombre, me gustó y ya empecé a pensar en el concepto de la canción, que fuera un lugar lleno de piñas. Llamé a Sky y le dije: “quiero una canción que suene como a piña, como a selva”.
¿El tema se lanza de forma aislada o es un adelanto de un próximo disco?
Pues estamos preparando una edición especial de ‘Unstoppable’ donde vamos a poner ‘Pineapple’ y vamos a poner otras tres canciones que vienen, una edición deluxe del álbum.
Contra todo pronóstico -aunque los Bafta (nueve nominaciones) ya habían dado una buena pista- ‘El instante más oscuro’ se ha convertido en la cuarta película con más nominaciones en los Oscar de este año. Todo el mundo esperaba el de mejor actor principal (Gary Oldman) y el de maquillaje (la papada de Gary Oldman). Pero… ¿mejor película del año? ¿De verdad a alguien le parece ‘El instante más oscuro’ mejor que ‘The Florida Project‘, ‘Yo, Tonya‘, ‘Molly’s Game‘ o ‘Blade Runner 2049‘, por poner cuatro ejemplos de películas “oscarizables” que se han quedado fuera?
‘El instante más oscuro’ es la típica película que parece mejor de lo que es. Por cinco razones: 1) un tema importante (el dilema de Gran Bretaña de seguir luchando en solitario contra la Alemania nazi o llegar a un acuerdo de paz con Hitler), 2) una interpretación “importante” (Oldman encarnando a un Churchill a medio camino entre lo brillante y lo chanante), 3) una producción “importante” (mucho dinero y talento invertido en una ambientación de lujo), 4) una dirección “importante” (el exhibicionista Joe Wright enfatizando su discurso a golpe de plano cenital), y 5) una duración “importante” (dos horazas que se hacen más largas que a un soldado esperando en Dunkerque).
Sin embargo, debajo de tanta “importancia”, de tanto látex, sombrero Homburg, libros de historia y manierismo visual, lo que queda es una convencional mezcla de biopic y drama bélico con aroma a telefilme británico rancio. Un vehículo de afirmación nacional diseñado de principio a fin para el lucimiento del actor principal y el ensalzamiento, hasta el límite de la mitificación, del líder británico.
Todo está burdamente colocado para que la progresión dramática funcione de forma previsible: la joven secretaria (con un hermano en el frente) como representación del pueblo británico, la esposa de Churchill (una desaprovechada Kristin Scott Thomas) cuya única función es “humanizarle”, el rey como máximo antagonista que acabará trasformado en su máximo valedor, y la utilización del metro como símbolo del pueblo llano que dará lugar a una de las secuencias más tontorronas del cine reciente.
Al director le importa menos la complejidad de los asuntos políticos (mejor no compararla con ‘Los archivos del Pentágono’, el “thriller de despachos” del año) que su divulgación simplista y estilosa, la hagiografía de un símbolo nacional que el relato de ese “instante más oscuro”. La película da vueltas y más vueltas durante dos horas sobre un mismo conflicto dramático -guerra o acuerdo de paz- para acabar deslizando cuatro ideas que podría haber desarrollado en veinte minutos.
Y una última pregunta. Gary Oldman parece que tiene el Oscar en el bolsillo desde que se puso la primera capa de maquillaje. Pero, ¿de verdad su interpretación es mejor que la del impresionante Timothée Chalamet en ‘Call Me by Your Name’? 5,5.
Cuando hablábamos el pasado mes de octubre de Client Liaison, coincidiendo con su penúltima visita a la sala Razzmatazz de Barcelona –club en el que vuelven a actuar este fin de semana, el sábado 3 de marzo–, aún no estaba disponible fuera de su país, Australia, el que fuera su álbum de debut ‘Diplomatic Immunity’. Pero semanas después, a mediados de noviembre, tenía por fin edición internacional y llegaba a plataformas de streaming de todo el mundo, pudiendo al fin disfrutar de él completo y no solo de sus singles. Por eso esta visita es una buena oportunidad para reseñar el álbum: al fin y al cabo, es un disco nuevo fuera de Oceanía. Tampoco hay que temer que su sonido suene caduco porque… en realidad ya nació así.
Como ya contamos en su día, Harvey Miller y Monte Morgan podrían haber nacido (al menos artísticamente) 30 años atrás y hubieran encajado a la perfección. Sus canciones y su estética funcionan como un portal que les permite viajar (y, de paso, nos llevan con ellos) en un limbo temporal entre los años 82 al 90, aproximadamente. Y sonar indistintamente a italodisco, Duran Duran, Modern Talking, INXS –no sorprende lo más mínimo que hayan rehecho ‘Need You Tonight‘–, o ABC con total descaro. No es nada nuevo: proyectos tan distintos como Chromeo, Cut Copy, The 1975 o Alex Cameron lo hacen también y sus nombres también sirven para enmarcar este debut, si resultan más familiares.
Sin embargo, Client Liaison llevan su propuesta un paso más allá y lo convierten en una experiencia retro total: no solo sus portadas, su web y ellos mismos parecen como recién aterrizados en un Delorean, sino que llevan su apuesta estética hasta las últimas consecuencias. Incluso en sus letras, repletas de referencias a yuppies ambiciosos, políticos corruptos, parafernalia de lujo, neón, asfalto, palmeras y puestas de sol, toda la parafernalia. Todo esto funciona mucho mejor, sin duda, con el apoyo de sus fantásticos clips, y sin duda las canciones que cuentan con uno llevan ventaja: ‘World of Our Love’ –co-producida por Flight Facilities–, ‘Off White Limousine’ –con coros de Mr. Hudson–, ‘A Foreign Affair’ –con feat. de Tina Arena, una estrella infantil australiana en los 80; hasta en esto hilan fino– y ‘Wild Life’ cuentan con ese plus y se nota.
Pero ‘Diplomatic Immunity’ es un buen disco incluso más allá de su ingenioso universo estético porque, superada la primera mitad del disco, en la que se acumulan sus inapelables singles, aún encontramos canciones capaces de mantener el interés cuando el tufo a laca y el picor de las hombreras comienzan a resultar cansinos. La muy Human League ‘Where Do We Belong’ –con Miami Horror–, la elegante ‘Electric Eyes’ y la housera ‘Do It My Way’ son lo suficientemente frescas como para que no se desmorone el atrezzo de cartón-piedra. Habrá quien les acuse de abusar de la nostalgia, pero personalmente veo en Client Liaison, en su teatralidad y en este debut cierta vocación didáctica, casi museística. Además de un gran divertimento, obviamente.
Calificación: 7,2/10 Lo mejor: ‘A Foreign Affair’, ‘Off White Limousine’, ‘World of Our Love’, ‘Where Do We Belong’ Te gustará si te gustan: Cut Copy o Duran Duran, The 1975 o INXS, The Human League o Flight Facilities Escúchalo: Spotify.
Esta imagen tan propia de Harry Styles es la portada de ‘Sanctify’, el nuevo single de Years & Years, que llega la semana que viene. Y no el viernes, día de lanzamientos, sino dos días antes, el 7 de marzo. Será el primer avance del “difícil segundo álbum” de Years & Years, como el mismo grupo bromea en Twitter.
Como es evidente, el grupo de Olly Alexander seguirá en ‘Sanctify’ utilizando terminología religiosa, como ya mostraba el título de su debut, ‘Communion‘, o una de sus pistas, ‘Worship’. El tema es co-autoría Kid Harpoon, quien ya trabajara con Years & Years en ‘Desire’, ‘Take Shelter’, ‘Worship’ y ‘Meteorite’, la canción del trío británico para ‘Bridget Jones’s Baby’.
Esta vez, sin embargo, y como puede verse en los avances visuales compartidos por el grupo en las redes sociales, el nuevo disco de Years & Years tendrá un componente interestelar. Por cierto, parece que se titulará ‘Sanctioned Humans’, como reconocerán los fans del grupo registrados en su app de noticias.
Karol G ha triunfado con ‘Mi Mala’ y con su disco ‘Unstoppable‘, que incluye hits como ‘Ahora me llama’ y ‘A ella’. La cantante colombiana publica hoy un single llamado ‘Pineapple’ que en apenas 10 horas ha superado el millón de visualizaciones de Youtube, situándose cómodamente entre lo más visto del día en España. La canción ha sido producida por Sky (J Balvin, Pharrel, Nicky Jam, Ozuna y Yandel), uno de los productores referencia para Alizzz, y mezclada por Mosty. El videoclip oficial ha sido producido por 36grados e incluye la participación de la influencer Killadamente, que cuenta con 4 millones de seguidores en Instagram. Al margen de esta última, vídeo y canción reinciden en la sensualidad tropical con arreglos suntuosos y ganchos como ese «tú prefieres tocar lo que puedes ver».
Karol G ha estado recientemente en España promocionando su música y mi compañero Pablo N. Tocino pudo hablar con ella sobre este single que la gente empezó a llamar «La oscuridad» a partir de un teaser en redes sociales. En ese momento nos decía: «Estoy muy emocionada, la escribí con Sky y con Mau y Ricky, y Sky produce, es una canción para bailar que creo que va a gustar mucho». A juzgar por los primeros datos, parece que estaba en lo cierto.
También nos avanzaba: «La canción es en español, y no se nombra ninguna piña (risas). Se llama ‘Pineapple’ pero ya, alguien dijo el nombre, me gustó y ya empecé a pensar en el concepto de la canción, que fuera un lugar lleno de piñas, llamé a Sky y le dije: “quiero una canción que suene como a piña, como a selva”. Por último, nos desvelaba el destino de ‘Pineapple’: una versión deluxe de ‘Unstoppable’, «con ‘Pineapple’ y otras tres canciones que vienen». Próximamente publicaremos la entrevista completa.
La Audiencia Nacional ha condenado al rapero catalán Pablo Hasel a 2 años y un día de cárcel por delitos de enaltecimiento del terrorismo y por injurias y calumnias contra la Corona y las instituciones del Estado. De confirmarse la decisión del Tribunal Supremo, Hasél pasará cinco años en prisión, sumándosele una condena anterior. Además, se enfrenta a una multa de 40.500 euros.
64 tuits en los que critica a la Monarquía o a la Guardia Civil y canciones como ‘Odio justificado’ son las razones por las que la fiscalía considera que Hasél ha demostrado un «sistemático enaltecimiento de las actividades terroristas y de sus autores, presentándolos como héroes y ejemplos a imitar y sus actos como actos heroicos y justificados».
La fiscalía ha analizado, cita Público, “1.915 tuits en la cuenta de Pablo Hasel en los que aparecen los términos grapo, monarquía, ETA, rey, terrorismo, Bilbo, Bomba, Borbón, Policía y Guardia Civil», entre ellos, varios contra rey emérito Juan Carlos I y a la monarquía (al primero se le llamaba “ladrón”, a la segunda “parásitos” y “mafiosos”) y contra la Guardia Civil en los que se acusa a las Fuerzas del Estado de haber “torturado a inmigrantes” o de “asesinar” a personas “con total impunidad”.
Hasel ha expresado su frustración por la decisión de la Audiencia en Twitter, escribiendo que no se arrepiente de los tuits por los que ha sido condenado: “jamás claudicaré, fascistas de mierda”.
La noticia de la condena a Hasel llega unos días después de que el Tribunal Supremo confirmara la condena al rapero mallorquín Valtonyc por enaltecimiento del terrorismo, calumnias, amenazas e injurias graves a la Corona. Valtonyc se enfrenta a 3 años y 6 meses en prisión.
Un saludo a la escoria que celebra mi encarcelamiento. Sólo darán más voz al mensaje que quieren silenciar, sólo me van a fortalecer como revolucionario. Esto adelanta el fin de vuestra tiranía.
Muchos medios mienten. No me han condenado por enaltecer a ETA. Jamás he condenado la mayoría de sus acciones, pero no me están condenando por esto, sino por denunciar las torturas que sufrió un supuesto militante de ETA entre otras cosas.
Mirad si me arrepiento que ahora mismo procedo a escribir lo mismo por lo que he sido condenado:
-Las presas y presos políticos son ejemplos de resistencia. -Isabel Aparicio fue exterminada por el Estado negándole asistencia médica. -La Guardia Civil asesinó a 15 inmigrantes
-La familia real son unos parásitos. -La monarquía tiene negocios criminales como el tráfico de armas a Arabia Saudí. -La monarquía vive a todo lujo a costa de la explotación y miseria ajena. -La Guardia Civil, como hasta el tribunal europeo ha dicho, ha torturado.
Ya no es ni una cuestión de opiniones, es que me han condenado por contar hechos objetivos sobre la monarquía, la policía o los presos políticos. Aún así, no hace falta compartir todo lo que uno dice para ver que esto son injusticias muy graves.
Si hasta por opinar, si hasta por luchas pacíficas ejercen una brutal represión, que ningún hipócrita se lleve las manos a la cabeza cuando haya quienes ejerzan la autodefensa pasando a mayores. Ante una dictadura así, toda lucha es legítima.
Me han condenado a 2 años y otro de pena-multa, es decir, 3 años. Se suman a los 2 que ya tengo por canciones contra el régimen. Pasaré 5 años preso por delitos de opinión, pero jamás claudicaré. Jamás, fascistas de mierda.
Nuevo viernes repleto de novedades. En el apartado de singles, nos sorprende encontrar una no-anunciada nueva colaboración de Beyoncé con su marido, Jay Z, en el nuevo single de DJ Khaled. Future se ha unido en esta ocasión a la fiesta. Pero no es el único single llamativo que se lanza estos días: ahí están los nuevos temas de Diplo con Santigold y Lil Yachty, MNEK, Karol G, Yo La Tengo, Perro, Young Fathers, Rels B, The Kills, los mexicanos Zoé, Unknown Mortal Orchestra, La Habitación Roja, Dominique A, Betacam, The Vaccines, King Tuff, Egon Soda, Vega, Frankie Cosmos, Flight Facilities, Rae Sremmurd, El Trinidad, Blossoms, Little Dragon, Cruz Cafuné, George FitzGerald & Bonobo, Nos Miran, Tom Misch & De La Soul, David Kitt (¡vuelve 8 años después!), Logic & Marshmello, Shainny (pronto hablaremos de esta nueva trap queen), L’Impératrice o George Ezra.
Con ellas, todas las canciones de las que hemos venido hablando esta semana y han llegado a Spotify, que no son todas –faltan Azealia Banks, Ladytron, Summer Spree–: Meghan Trainor, Chvrches & Matt Berninger de The National, Jack White, Natalie Prass, iceage, The Blaze, Buzzy Lee, J Balvin con y sin Nycky Jam, Tracyanne & Danny, Las Chillers y Laura Veirs ft Sufjan Stevens. También destacan esta semana una serie de remixes bastante singulares: al de ‘Dancing’ de Kylie Minogue a cargo de Initial Talk, también tenemos un rework de ‘Fior di Latte’ de Phoenix por parte de A.G. Cook, The Avener pasando por filtros contemporáneos ‘Masters of War’ de Bob Dylan. Dylan goes electro, tal como lo oís.
Y por supuesto, tenemos un listado considerablemente largo de nuevos discos que disfrutar: los regresos de The Breeders y Tracey Thorn y los debuts de Superorganism y La Plata a la cabeza, junto con obras de Moby, Lucy Dacus, Titus Andronicus, Jonathan Wilson, Luz Casal, Joan Baez, Cycle, Sonny Smith, Gwenno, Suuns, Soccer Mommy, Moaning, Los Chicos y UB40 (sí, siguen activos). En el apartado de EPs, destacan los que lanzan ALMA (con MØ, Tove Styrke y Kiiara), Everything Everything, Soft Regime (proyecto de Tim, ex-Baxendale) y los excéntricos murcianos Alien Tango.
Vega ha puesto finalmente fecha a su nuevo disco, ‘La reina pez’. Será el 13 de abril cuando llegue a las tiendas el esperado sucesor de ‘Wolverines‘, su último trabajo de material inédito, publicado en 2013. Después sí ha habido más música de Vega, aunque en formas de versiones de la canción italiana en ‘Non ho l’età‘, editado el pasado año.
Después de estrenar la animada ‘Sally’, sobre la que la propia Vega nos hablaba extensamente hace unas semanas, la cantautora publica un nuevo adelanto de ‘La reina pez’, una balada agridulce sobre superar el dolor causado por una ruptura -de la naturaleza que sea. El tema se estrena con un videoclip rodado en la nieve.
‘Después de ti’ “reflexiona acerca de la superación del dolor”, escribe Subterfuge, y sobre “la fortaleza necesaria para avanzar después del sufrimiento y cómo esa resiliencia nace del afán de superación personal”. La propia Vega cuenta de la canción: «Hemos dicho tantas veces ‘después de ti ya no quiero a nadie’ por amor, convencidos… Es por eso que necesitaba recrear esa insistencia para avanzar sobre la idea de decirlo en su sentido contrario o menos habitual, es decir, el literal. No quiero a nadie que no me aporte felicidad».
Exactamente un año después del estreno de ‘Green Light’, canción que por cierto sigue inamovible en el top 10 de nuestro top de canciones, Lorde sigue de gira presentando ‘Melodrama‘ por el mundo. Su última parada ha sido este jueves 1 de marzo en Milkwaukee.
La neozelandesa ha reservado un par sorpresas para su público de esta última noche. En primer lugar, ha estrenado una canción nueva, que según Pitchfork es una composición inédita de las sesiones de ‘Melodrama’. Es una canción de prominentes pianos, hipnóticos “ah ah ahs” y ritmo bailable, aunque por calidad suena a descarte y se entiende que no entrara en el disco.
La segunda sorpresa ha sido una versión. Lorde ha realizado “covers” de varios temas clásicos a lo largo de su gira -en Barcelona cantó ‘Somebody Else’ de The 1975, y en su paso por la capital de Wisconsin se ha arrancado con una versión de ‘Solo’ de Frank Ocean. Una de las canciones más bonitas de ‘Blonde‘ interpretadas por la carismática voz de Lorde.
Y volviendo a ‘Melodrama’, Run the Jewels han estrenado recientemente un remix de una de sus pistas, ‘Supercut’. Está disponible en este enlace.
El festival O Son Do Camiño de Santiago de Compostela ha sorprendido esta semana al anunciar que los 20.000 abonos puestos a la venta para su primera edición, que se celebra en julio, se han agotado “en menos de 2 horas”. El festival asegura que la demanda de entradas para el festival ha sido muy superior a lo que se esperaba, pero las personas que se han quedado sin entradas atribuyen su fracaso a un proceso de venta errado que ha supuesto su aparición inmediata en sitios de reventa a precios desorbitados. Se ha lamentado, por ejemplo, que las entradas no fueran nominales, que el proceso permitiera comprar hasta seis entradas por persona y que este llevara a largas colas virtuales.
El festival ha enviado hoy un comunicado explicando la situación: “queremos resaltar que la demanda fue un 400% superior a las entradas que estaban a la venta y que el sistema de compra ha funcionado de manera correcta en todo momento. Las colas virtuales que se han implementado son naturales de un proceso de compra de estas características y queremos ratificar que el número de entradas que se vendieron en cada uno de los tramos de precio respetaron aquellos cupos que fueron anunciados. Los minutos de espera en las citadas colas fueron únicamente debidos a las decenas de miles de personas que en todo momento optaban a la compra de su abono. Incluso antes de la hora a la que fueron puestos a la venta los abonos del Festival, miles de personas estaban ya conectadas en nuestra web”.
O Son Do Camiño ha querido recalcar su posición contraria a la reventa de entradas en mercados secundarios: “Ni la Organización de O Son Do Camiño como promotores ni la plataforma oficial de venta de entradas hemos reservado o redirigido ninguna entrada al mercado secundario. Sobre este aspecto nuestra posición es rotunda. No sólo sabemos que la reventa de entradas es un problema a nivel nacional que incluso se está debatiendo en las Cortes sino que además, desde dentro de la Asociación de Promotores Musicales (de la que formamos parte) se está estudiando interponer acciones legales ante estos casos y quienes estén detrás de los mismos. También recordamos que en todo momento se comunicó que las entradas sólo estarían disponibles a través de los canales oficiales: www.ticketea.com y www.osondocamino.es . Además, para luchar contra el fenómeno de los mercados secundarios, desde la Organización se limitó la venta a un máximo de seis entradas por usuario”.
El festival anuncia que próximamente se pondrán a la venta entradas de día, y agradece al público el éxito en la compra de los abonos, que ha sido tanto nacional como internacional: “Desde la Organización de O Son Do Camiño queremos expresar nuestra alegría por lo que ha sido un éxito absoluto sin precedentes en la historia de la música en directo en nuestro país: los 20.000 abonos que estaban a la venta para la primera edición del Festival se agotaron en menos de dos horas.
De los 20.000 abonos vendidos, un 50% se han vendido en Galicia y otro 40% en el resto de las Comunidades Autónomas de nuestro país. Además, podemos destacar la repercusión internacional que ha tenido este cartel ya que se han comprado abonos en un total de 12 países. Por esto, ya que un 50% de los abonos fueron comprados fuera de nuestra Comunidad Autónoma, podemos confirmar que O Son Do Camiño tendrá una repercusión económica de millones de euros en toda Galicia.
Nuestro más sincero agradecimiento a todos aquellos que habéis depositado vuestra confianza en nosotros para celebrar los próximos 28, 29 y 30 de junio la primera edición de O Son Do Camiño junto a miles de personas y grandísimos artistas de renombre nacional e internacional”.
Los ocho miembros de los debutantes Superorganism tienen la rareza de proceder de diferentes países y continentes y de tener muy divididas sus labores dentro de la formación, pese a lo que todo -aseguran- se decide de manera democrática. Seis de ellos se conocieron después de haber intercambiado opiniones en foros de internet, con sus miembros procediendo de lugares tan diversos como Nueva Zelanda o Japón, como es el caso de Orono, una de las cantantes del grupo que, a sus 17 años, recibió la música del himno ‘Something For Your M.I.N.D.’ y escribió su letra en menos de una hora. Y eso incluye el célebre párrafo «sé que piensas que soy una psicópata / una demócrata al acecho en la oscuridad / esto apesta, soy la idiota de la soda del K-mart / circo de basura, me quedé el alijo».
El grupo, que parece haberse asentado en Londres (Orono vivía en Maine), y comparte y define ideas «en la cocina», cuenta como componentes también con Harry a la guitarra; Tucan a la autoría, producción y batería; Emily a la autoría, producción y sintetizadores; Seoul a los coros; Ruby y Bee también en las voces; y Rob a cargo de los visuales, los vídeos y la escenografía de los directos, a los que quieren dar vital importancia. Dicen que lo que les une «es que ninguno tiene unas raíces geográficas muy arraigadas», pues casi todos se han mudado de país como adolescentes, creciendo en verdad «en la cultura de internet», lo que ocupa buena parte de las letras de sus discos y también sus videoclips.
Es lo que vienen a retratar en el vídeo correspondiente a ‘Everybody Wants to Be Famous’, un festín de bajos duros, cajas registradoras y distorsión en el que se autorreivindican y proclaman: «el mundo es demasiado pequeño para mí». Aunque para canción sobre internet, ahí está la espléndida ‘Reflections On The Screen’, en la que estar «sentada en la cama, alumbrada por la luz de un tonto gif puesto en modo repeat» hace «sentir viva» a su vocalista.
Muchas canciones de Superorganism lidian también con la angustia y el letargo adolescentes y la búsqueda de un lugar propio en el mundo, como es el caso de la inicial ‘It’s All Good’. Porque si el disco se cierra con despertadores y las constantes llamadas a la acción de esos «wake up! wake up!» (‘Night Time’, de base un tanto drum&bass), se abre con el ánimo de frases como «sabemos que el mundo puede ser muy duro / pero puedes dar un vuelco si quieres». ‘Nobody Cares’, en la línea, indica: «bebe algo, fúmate un cigarro, haz lo que quieras para desahogarte, a nadie le importa»; hay una pista abiertamente llamada ‘Relax’ y ‘The Prawn Song’ es un «eye rolling» muy gráfico: «¿alguna vez has salido de una ensoñación / para darte cuenta de que el mundo se ha vuelto loco? / todo el mundo es igual / diciendo bla bla bla / haciendo bang bang bang».
Pero lo que termina de dar personalidad a Superorganism son sus producciones. El grupo nos lleva a los tiempos de Elephant Six y a aquellos días en que conocíamos a grupos que tenían canciones llamadas como ellos mismos, como era el caso de I’m From Barcelona. Aquí también hay una canción llamada ‘Superorganism’, como el disco, a modo de celebración de ser «lo único que está vivo». Su música suena ciertamente vívida, acompañada de sonido ambiente (bostezos, pajarillos, choques), elementos orgánicos, ruido, arreglos distorsionados y samples. Es como si las melodías de Moldy Peaches hubieran sido producidas por The Go! Team, dando lugar a un sonido irresistible que no tanta gente, desafortunadamente, ha querido seguir durante la última década.
Calificación: 7,7/10 Lo mejor: ‘Something For Your M.I.N.D.’, ‘Everybody Wants To Be Famous’, ‘Reflections On The Screen’, ‘Night Time’ Te gustará si te gustan: The Go! Team, The Apples In Stereo, Moldy Peaches Escúchalo: Spotify.
Emulando al Mercury Music Prize de Reino Unido, los países del norte de Europa implantaron hace no muchos años el Nordic Music Prize, “celebrando el álbum como un formato artístico”. Después de que en años anteriores el premio fuera para artistas como Goran Kajfes (Suecia), First Aid Kit (Suecia), The Knife (Suecia), Mirel Wagner (Finlandia), Band Of Gold (Noruega) y Jenny Hval (Noruega), este año optaban al galardón Björk, por ‘Utopia’, Fever Ray, por ‘Plunge’, Yung Lean, por ‘Stranger’, y Susanne Sundfør, por ‘Music for People In Trouble’. Salvo el del joven rapero, los otros tres discos estuvieron entre lo mejor de 2017 para nuestra redacción.
Finalmente ha sido la noruega Sundfør, la que ha obtenido el premio. El jurado ha dado el premio a este magnífico álbum “que a la vez es una escapada valiente para ella pero confirma su fantástico talento. Completo y bello, conteniendo tanto canciones de fuerte clasicismo como experimentación. De los nominados, sentimos que este es simplemente el mejor disco como un todo, exponiendo una voz maravillosa”.
‘Music for People In Trouble’ sucedía a su también notable disco de 2015 ‘Ten Love Songs‘, en el que sintonizaba con sonidos electrónicos y bailables. En cambio su último disco mostraba un giro hacia instrumentación y formato de canción más clásicos, recuperando el folk y el piano como instrumento principal, aunque sin renunciar a experimentar con estructuras y producción.
Precisamente la próxima semana Susanne Sundfør estará presentando ‘Music for People In Trouble’ en nuestro país: el día 6 de marzo estará en Barcelona, en la Sala Luz de Gas (dentro del certamen Guitar BCN), teloneada por Shey Baba. Al día siguiente, 7 de marzo, estará en el Teatro Lara de Madrid, dentro del ciclo Voces Femeninas 2018.
Bad Gyal ha publicado recientemente su nuevo “mixtape”, el notable ‘Worldwide Angel‘, lleno de odas al perreo como ‘Blink’, y actualmente se encuentra en Estados Unidos presentándolo en una gira que llevará a la artista catalana hasta mediados de marzo por Washington, Atlanta, Brooklyn, Seattle, San Francisco, Los Ángeles y Austin.
Alba Farelo está lejos (en el otro lado del charco, para más señas), y de eso habla ‘Tra’, una de las canciones destacadas de su “mixtape”. Esta producción de Dubble Dutch (Marc Glasser), productor neoyorquino asociado al jamaicano Popcaan (autor de ‘Luh Ya Bad’ y al que has oído en ‘Good Times’ de Jamie xx o ‘Saturn Barnz’ de Gorillaz), y artífice también de los instrumentales de ‘Jacaranda’ y de otros temas de ‘Worldwide Angel’, nos presenta a una Alba Farelo triste por culpa de un amor a distancia que solo quiere una cosa: perrear para olvidar. “La niña quiere tra, tra, tra”.
Por supuesto, es ella quien está lejos, de gira por todo el mundo, en esta canción de ritmo infeccioso en la que anuncia su pesar por la distancia, expresando “El baby está enfadao, porque estamos separaos, yo ya no sé qué hacer, con este curro me va a dejar”. Pero para Bad Gyal, cubata en mano, es momento de bailar, y cualquiera que haya pasado por una relación a distancia entenderá frases como “yo estoy triste, no dejo de pensar en qué piensa, mejor salgo, me olvido de que tú no estás cerca” que pueden llevar a más de una decisión de la que arrepentirse al día siguiente.
Tal cual transcurre esta ‘Tra’ en la que Bad Gyal finalmente se va a casa con un tío, dejando además el momento cumbre de la canción en una estrofa para enmarcar: “baby, no te comas el coco, vamos a fumar un poco, quiero que te quedes conmigo, quiere que me comas el toto”. La niña quiso tra, tra, tra…