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Niño de Elche forzará las fronteras del género en ‘Antología del cante flamenco heterodoxo’

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Ahora que el flamenco se ha convertido en un género no tan ajeno e incluso atractivo para más gente gracias en parte al debut de Rosalía –mal que le pese a los puristas–, uno de sus principales renovadores y divulgadores para las nuevas generaciones, Niño de Elche, anuncia nuevo disco. Disco que, precisamente y no sin cierta sorna e ironía, se presenta con una portada que parece burlarse de la ortodoxia flamenca desde su título, ‘Antología del cante flamenco heterodoxo’.

Un título que, leído al completo en un vistazo atento de su cubierta –en la que el cantaor posa con la solemnidad que requiere el asunto–, revela esa sorna a la que me refería: «Gran magna antología, historia, memoria, rito y geografía del canto flamenco-andaluz, mundo y forma del cante gitano y archivo y tesoro del flamenco original, antiguo, jondo y heterodoxo», dice al completo. Por su envoltorio, en cambio, no se diría que los referentes manejados por Francisco Contreras en la creación de esta obra «van del cineasta Val del Omar, al escritor antiflamenquista Eugenio Noel, el performer Valcárcel Medina y cantantes como Tim Buckley o Mikel Laboa, pasando por la única e inclasificable Lola Flores o músicos contemporáneos como Shostakovich, Crumb o Manuel de Falla».

El disco, que publica Sony el día 23 de febrero en formato de doble CD y triple vinilo, consta de 27 temas creados con la dirección artística de Pedro G. Romero y producción de Raül Fernández Refree, tándem que ya colaboró en el enorme ‘Firmamento‘ que publicó Rocío Márquez el pasado año. El guitarrista Diego de Morón y el bailaor Israel Galván son algunos de los colaboradores ilustres de Contreras en la grabación de este disco, que presentará el día 24 de febrero en Torrevieja, Alicante, antes de hacer una minigira por Países Bajos tras la que actuará en la sala BARTS de Barcelona (9 de marzo), antes de actuar en Nueva York y Miami.

‘Antología del cante flamenco heterodoxo’ supone un nuevo disco de Niño de Elche tras el notable ‘Voces del extremo‘, aunque 2017 también fue un gran año para él, publicando su primer libro –’No comparto los postres’; Editorial BandaÀparte– y ‘Para quienes aún viven‘, primer disco de Exquirla, proyecto que le une a Toundra y que fue uno de los mejores discos nacionales publicados el pasado año.

James Franco afirma que las acusaciones de acoso sexual contra él son “inexactas”

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Poco le ha durado la alegría a James Franco después de ganar un Globo de Oro por ‘The Disaster Artist‘. Franco está en el ojo del huracán debido a en las últimas horas ha recibido varias acusaciones de acoso sexual contra él por parte de tres mujeres, Ally Sheedy, Violet Paley y Sarah Tither-Kaplan. Paley acusa a Franco de haberla forzado a realizarle una felación en un coche y de acosar a dos menores de 17 años, y las tres señalan la hipocresía del actor, quien durante la ceremonia de los Globo de Oro portó un pin de TIME’S UP, el movimiento que lucha por proteger a víctimas de acoso sexual.

Franco ha acudido esta noche al programa de Stephen Colbert para comentar su victoria en los Globos y no ha esquivado las preguntas sobre estas acusaciones. El actor ha dicho que no “sabe” qué ha hecho a Ally Sheedy -quien ha borrado sus tuits- y que las acusaciones contra él son “inexactas”. “Apoyo completamente a la gente que sale a la palestra [para denunciar el acoso sexual] porque ahora tiene una voz que durante mucho tiempo no tuvo, así que no quiero cerrarles esa puerta de ninguna manera”. Franco asegura que si ha hecho algo mal, lo “solucionará”. “En cuanto a cómo hacerlo, yo no tengo las respuestas. Creo que lo importante de este asunto es que escuchemos. Estoy aquí para esuchar y aprender y cambiar mi perspectiva si es que está mal. Estoy totalmente dispuesto a hacerlo”.

‘Wonderstruck. El museo de las maravillas’: Todd Haynes también sabe cómo contar un cuento

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Al contrario de lo que pudiera parecer por su temática infantil, ‘Wonderstruck. El museo de las maravillas’ no supone ninguna ruptura en la filmografía de Todd Haynes. Su preciosista adaptación de la novela de Brian Selznick, ‘Maravillas’ (Ediciones SM, 2012), no está tan alejada de otras películas suyas como ‘Lejos del cielo’ (2002), ‘Carol’ (2015) o la miniserie ‘Mildred Pierce’ (2011). El director californiano sigue dialogando con el melodrama clásico de Hollywood. Y esta vez lo hace llevando esta historia dickensiana de discapacidades y orfandades a su terreno: el de la estilización formal, la emoción contenida y el pasado del cine.

Haynes adapta la novela de Selznick (autor también de ‘La invención de Hugo Cabret’) respetando su estructura dramática (el guión es del propio escritor). Dos historias paralelas, que transcurren en épocas diferentes (1927 y 1977), y están conectadas de tres maneras: por medio de un fabuloso montaje lleno de ingeniosas rimas visuales y narrativas (obra de Affonso Gonçalves, montador también de ‘Carol’, ‘Mildred Pierce’ o ‘True Detective’), a través de una omnipresente y muy expresiva banda sonora compuesta por el gran Carter Burwell, el músico habitual de Haynes o los hermanos Coen (y uno de los favoritos a los próximos Oscar por ‘Tres anuncios en las afueras’), y con la presencia de una magnética Julianne Moore interpretando dos papeles diferentes.

En la primera de las historias, Haynes demuestra todo su talento. En el libro, la parte correspondiente a 1927 está contada solo con dibujos a carboncillo. Un relato sin palabras articulado como metáfora de la sordera de la niña protagonista. En la película, el director resuelve este desafío narrativo también sin palabras; imitando, como en ‘The Artist’, el lenguaje del cine silente. Una brillante opción estilística que funciona como poética equivalencia del original, virtuoso ejercicio de puesta en escena, y sentido homenaje a grandes autores del cine mudo como F. W. Murnau, King Vidor o Victor Sjöström.

En cuanto a la parte ambientada en los setenta, Haynes echa mano de las formas del Nuevo Hollywood, de la aspereza fotográfica y la violencia estilística (zooms, bruscos cortes de plano) de películas como ‘Cowboy de medianoche’ o ‘The French Connection’. Como el niño protagonista, el espectador contempla maravillado la exquisita recreación del Nueva York del verano del 77, el año del gran apagón. La ciudad se convierte en una protagonista más de la historia a través de la maqueta que hay en el museo de arte de Queens. Sobre ella, el director revela el misterio de la trama, a la vez que enlaza la narración -con figuras en miniatura- con su sorprendente debut: ‘Superstar: The Karen Carpenter Store’ (1987), el biopic sobre The Carpenters que realizó con muñecas Barbie. 8’5.

P!nk cantará el himno de Estados Unidos en la Super Bowl

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P!nk vive uno de los momentos más dulces de su carrera gracias a su último disco, ‘Beautiful Trauma‘, uno de los 10 más vendidos de 2017; y a esta buena racha se suma ahora la noticia de que la cantante interpretará el himno de Estados Unidos en la Super Bowl. Como ya se sabe, en el intermedio del evento actuará Justin Timberlake, que presenta disco.

Suele haber mucho revuelo entorno al artista que actúa en el intermedio de la Super Bowl, ya que se trata del evento musical televisado más importante de Estados Unidos y uno de los más comentados del mundo, pero también entorno a quien canta el “star-spangled banner”, ya que en el pasado este momento ha producido actuaciones míticas como la de Whitney Houston en 1991. En los últimos años hemos visto asumir esta responsabilidad a Idina Menzel (2015), Lady Gaga (2016) y Luke Bryan (2017).

En cuanto a ‘Beautiful Trauma’, nada ha pasado realmente con el último single del disco, el que lo titula, que apenas ha registrado una entrada tímida en UK (25) y por poco se ha quedado fuera de la tabla estadounidense (95). El tema está ausente de ambas listas en la actualidad, claro que los meses de Navidad suelen ser difíciles para cualquier artista. Tras la Super Bowl, la promoción de ‘Beautiful Trauma’ debería remontar, sin olvidar que la colaboraicón de P!nk con Eminem también tiene posibilidades.

G-Eazy también rompe con H&M por la polémica de su anuncio racista

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Tras la polémica de la imagen racista de H&M, que mostraba a un niño negro portando una sudadera con el eslogan “el mono más guay de la jungla”, un ¿desliz? inaceptable debido al pasado histórico racista de esta asociación, The Weeknd -quien colabora con H&M desde hace años- ha decidido romper con la marca, tras lo cual H&M ha pedido disculpas y ha retirado el anuncio y la prenda de las tiendas.

Sin embargo, Abel Tesfaye no es el único artista asociado a H&M que ha decidido romper con la marca tras la controvertida imagen. El rapero G-Eazy ha anunciado también que ya no va a volver a trabajar con H&M después de lo ocurrido, en un comunicado del que se desprende que su próxima colección con H&M ya no va a ver la luz. Este lee: “Tenía muchas ganas de lanzar mi próxima línea con H&M. Desafortunadamente, después de ver ayer aquella perturbadora imagen, mi emoción respecto a nuestra campaña global se ha evaporado rápidamente, así que he decidido que nuestra colaboración en este momento ha de terminar. Fuere un descuido inocente o no, es realmente triste y perturbador que, en 2018, algo tan insensible tanto racial como culturalmente pueda pasar por la revisión de tanta gente (estilistas, fotógrafos, creativos y equipos de márketing) y se considere aceptable. No puedo permitir que mi nombre y mi marca queden asociados a una empresa que ha dejado que esto ocurra. Espero que esta situación sirva de llamada de atención a H&M y otras compañías para espabilar y tomar más conciencia de los asuntos raciales y culturales, y a ser más diversos en todos los sentidos”.

Over the past months I was genuinely excited about launching my upcoming line and collaboration with @HM… Unfortunately, after seeing the disturbing image yesterday, my excitement over our global campaign quickly evaporated, and I've decided at this time our partnership needs to end. Whether an oblivious oversight or not, it's truly sad and disturbing that in 2018, something so racially and culturally insensitive could pass by the eyes of so many (stylist, photographer, creative and marketing teams) and be deemed acceptable. I can't allow for my name and brand to be associated with a company that could let this happen. I hope that this situation will serve as the wake up call that H&M and other companies need to get on track and become racially and culturally aware, as well as more diverse at every level.

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El Jueves retrata a los concursantes de Operación Triunfo para meter pulla a Rajoy

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Como cada miércoles, llega a los kioskos una nueva tirada de la revista satírica El Jueves, y la portada de esta nueva edición va a dar que hablar especialmente, pues hace una crítica de la corrupción en España mediante el fenómeno de Operación Triunfo. La ilustración es de Juanjo Cuerda e Igor Fernández.

El Jueves retrata así varios concursantes del programa -Agoney, Cepeda, Roi, Ana Guerra, Aitana, Nerea, Amaia y Alfred- junto a un excitado Mariano Rajoy, quien celebra que “por fin se habla de una «operación» que no es ni Lezo, ni Púnica, ni Gürtel». “Parecía imposible, pero Operación Triunfo vuelve a ser un fenómeno en toda España. Y su mayor fan es el mismo Rajoy”, escribe la revista.

La portada por supuesto ha dividido a quienes ven en ella un dibujo gracioso, sin más, y a quienes creen que los concursantes de Operación Triunfo son demasiado jóvenes todavía para verse caricaturizados en un medio, especialmente Nerea, quien debido a su dentadura ha afirmado haber sufrido acoso escolar.

El colosal espectáculo escénico-lumínico de alt-J

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Ola de frío en España y, cómo no, las compañías eléctricas suben el precio de la luz. Mal momento para organizar un concierto de alt-J. Los británicos, en tan solo hora y veinte minutos de actuación, encarecieron sustanciosamente la factura correspondiente del Sant Jordi Club al ofrecer un espectáculo escénico-lumínico colosal (tanto, que no cabe en las fotos), amén de un señor concierto. No hay unanimidad sobre lo acertados que han estado o no con ‘Relaxer’, su última entrega discográfica, pero su (a)puesta en escena es incuestionable. Categórica en lo que respecta a la plasmación de su universo sonoro en el directo, roza lo tajante en función del sistema de conexiones que establecen con el público, entre ellos mismos e incluso entre sus propias canciones, piezas todas ellas monumentalizadas sin contemplaciones. Calidad musical cortante.

Este fue, precisamente, uno de los peros que pudimos achacar a alt-J en sus visitas más recientes –Primavera Sound 2015 y el pasado Mad Cool–: cierta frialdad y distancia, posiblemente debidas al escaso espacio de tiempo en el que, en su día, se foguearon en salas pequeñas, chupando horas de furgoneta y ensuciándose las manos montando y desmontando su set (no uno tan grandilocuente, claro). Todo es limpio, magno y preciso. En el directo, más que en estudio, la producción y su efectismo se imponen al detallismo, aunque sin mermarlo demasiado. Es más, aparte de postularse como una de las grandes propuestas de pop-rock artístico surgidas en los últimos años, la banda de Leeds exhibe una envidiable y emocionante capacidad para combinar sutileza y contundencia, entendida ésta como auténtica grandiosidad.

Todo esto quedó claro en el segmento central de su actuación de anoche en Barcelona, cuando encadenaron una eléctrica ‘Every Other Freckle’, una pulsante y pasional (y casi sangrante) ‘Hunger Of The Pine’, una enriquecida y pedregosa ‘Bloodflood’ (con preciosos detalles de piano y guitarra) y una muy aplaudida ‘Matilda’, donde el poder y la importancia de la batería, como elemento más característico del sonido de los británicos junto a la voz de Joe Newman, quedaron de manifiesto. Una voz que, por cierto, en determinados (bastantes) momentos –‘Tessellate’, ‘Every Other Freckle’, ‘Bloodflood’, ‘Matilda’, ‘3WW’– parecía sufrir para mantener la afinación sostenida.

Y hasta aquí todo lo malo que puede decirse del paso de alt-J por Barcelona. El resto, más allá de una conexión medio fallida que no ha de confundirse con que el público disfrutara o no del concierto y de algún patinazo de Newman, fue delicioso. Desde el inicio musculado de ‘Deadcrush’ y ‘Fitzpleasure’ (convertida en clásico), pasando por la intensidad y la magia de ‘Nara’, ‘Something Good’ y ‘The Gospel of John Hurt’, por la vibración de ‘In Cold Blood’ (una de las cuatro únicas canciones que interpretaron de ‘Relaxer’) y ‘Tessellate’, por el tramo central ya mencionado y acabando con una última media hora inaugurada por una celestial y prístina ‘Pleader’, donde literalmente se hizo la luz, el concierto fluyó envuelto en un aura de asombro y fascinación, como si a cada instante se nos revelara una maravilloso secreto.

La guinda fue esa parte final con ‘Left Hand Free’, un pequeño himno en ciernes que, quizá por su morfología extrovertida, fue la pieza que lució con más fuerza, y ‘Taro’, que, en su nocturnidad, logró sacar partido a lo sutil, a lo exótico y a lo eléctrico que tanto la caracteriza. Después, ya en los bises, terminaron con la ‘Intro’ de ‘An Awesome Wave’, tenue y contundente a la vez, con ‘3WW’ y con ‘Breezeblocks’, protagonista indiscutible de un final festivo lleno de flow y de esos detallitos encantadores y coloridos que tanto nos gustan. Una canción cuya presencia, seguramente, marcó la diferencia entre que los asistentes se marcharan jodidos por la brevedad del concierto o que se fueran a casa plenamente satisfechos.

Porque a alt-J no se les puede pedir mucho más. Derrochan espectacularidad y evocan casi el 100% del encanto mágico de su universo sonoro y de su obra discográfica. Salvando la ausencia de temas nuevos (que, con excepción de ‘Adeline’, no se echaron de menos), en menos de hora y media reproducen lo más esencial de su cancionero conformando un recital redondo, espeso y con poco hueso: todo carne tierna. De consumo y digestión fáciles, pero no por ello simple o parca en condimentos. Probablemente seguirás sufriendo su pecado original: el de haber triunfado tan pronto –no olvidemos que se llevaron el Mercury Music Prize con su álbum de debut–, pero lo van compensando con el oficio y la experiencia que están ganando. Un concierto digno de escuchar. Y de ver. 9.

La canción del día: Fernando Alfaro vence a la muerte (y a la monotonía) en ‘Dominó’

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Fernando Alfaro, responsable de algunos de los mejores discos que se han hecho en el país durante los últimos 30 años, tanto al frente de Surfin’ Bichos como de Chucho como en solitario, tiene un nuevo largo preparado para publicar el próximo 23 de febrero, ‘Sangre en los surcos’. El primer single de este disco se llama ‘Dominó’ y fue un regalo para sus seguidores el pasado 5 de enero.

Este primer single desde luego no tiene nada que ver con ‘Velero’ ni con ‘Camisa hawaiana de fuerza’, y por el contrario muestra una faz mucho más áspera. La canción arranca, para empezar, casi a destiempo, con la voz de Alfaro entrando como una centésima de segundo tarde, reforzando la crudeza de la historia que narra. Como ya sucediera en ‘Extintor de infiernos’, el autor recuerda sus días de enfermedad, en los que pensaba que iba a morir, y cómo los afrontó retirándose al campo, recuperando dominó, perro y bastón familiares, pese a contar con tan solo 26 años. Su letra fue colgada hace un par de semanas.

La segunda estrofa revela cómo un viejo termina dando una paliza a sus atracadores («y además los atracó»), probablemente como metáfora de cómo Alfaro ha vencido a la muerte («ahora el tiempo ya pasó y aún estoy vivo, y mi perro ya murió y yo estoy vivo»), si bien la gran victoria de la canción es su capacidad para tocarnos la patata mucho más de lo que parecía en las primeras escuchas y sin los efectismos de canciones similares. Aquí los trucos son solo dos -dejando lo directo de la letra aparte-: el brillante cambio de acordes a la llegada del estribillo y ese arreglo de teclado tan sutil, emergiendo tan solo en el minuto final, en el segundo estribillo. Otra maravilla de Alfaro y van…

L’Impératrice pueden ser las nuevas estrellas francesas

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Francia lleva décadas alimentando la música popular, no siempre de una manera genuina y propia, pero sí inconfundible y muy influyente. Entre las numerosas nuevas propuestas que el panorama francés nos está deparando últimamente –Papooz, Agar Agar, Vendredi sur Mer, Polo & Pan…– hoy destacamos a L’Impératrice.

Este ambicioso nombre esconde en realidad a un grupo que comanda el músico Charles de Boisseguin y que lleva en activo desde 2012, cuando publicaron un primer EP homónimo en el que ya establecían sus pautas sonoras principales: música bailable pero elegante, arreglos exquisitos con querencia retro-funk y jazz y aspiraciones cinematográficas. Una propuesta que dejó atrás el rap esporádico y se adentraba en territorios propios de Air o los Daft Punk más paisajistas en ‘Sonate Pacifique’ (EP, 2014), con algún pasaje de pop folk a lo Kings of Convenience, si bien en ‘Vanille Fraise’, su canción más escuchada hasta la fecha (casi 5 millones de streamings en Spotify, más 3 de su cachondo vídeo en Youtube, son poca broma), adoptaban desde un prisma fresco la sampledelia de The Avalanches o Étienne De Crécy.

Ya en 2015 L’Impératrice ampliaban su formación con la presencia de Fleur, una vocalista proveniente de la escena parisina del jazz que ampliaba los registros en ‘Odysée’ (EP, 2015), como unos Yelle despojados de estridencia. Tras un par de años de singles esporádicos y de maduración, a finales de 2017 L’Impératrice anunciaban al fin la publicación de su primer álbum de estudio: ‘Matahari’, producido por Renaud Létang (Feist, Gonzales, Keren Ann, Mocky), verá la luz el próximo día 3 de marzo. Sus primeros adelantos, entre los toques jazz-funk del corte titular recién estrenado, la fascinación retro-electrónica de ‘Là-haut’ o el electropop con melodías 60s de ‘Erreur 404’, ya hacen vaticinar el posible nacimiento de unas nuevas estrellas del pop francés más exquisito.

La editora de Radiohead niega la demanda a Lana del Rey y la petición del 100% de ‘Get Free’

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El parecido entre ‘Get Free’, el tema que cierra el último disco de Lana del Rey, y ‘Creep’, de largo la canción más exitosa de Radiohead, parece no haber llegado a los tribunales al contrario de lo que leíamos este fin de semana. La noticia saltaba a través de un tabloide, pero era la misma Lana del Rey la que acudía a las redes sociales para asegurar que la denuncia existía y que el equipo de Radiohead la estaba atosigando para quedarse con el 100% de los derechos de ‘Get Free’, cuando ella había ofrecido una co-autoría del 40%. «Aunque sé que mi canción no se inspiró en ‘Creep’, Radiohead creen que sí y quieren el 100% de la publicación», aseguraba.

Ahora un representante de Warner/Chapell ha hablado como editora de Radiohead para negar que haya denuncia alguna. «Es verdad que estamos en conversaciones con los representantes de Lana del Rey desde agosto del pasado año. Está claro que las estrofas de ‘Get Free’ usan elementos musicales de las estrofas de ‘Creep’ y hemos pedido que esto se reconozca en favor de los autores de ‘Creep’. Para que quede claro, no hay demanda y Radiohead no han dicho que «solo aceptarán el 100%» de la publicación de ‘Get Free'».

¿Quién miente o manipula la información, pues? Radiohead no publicaron en Warner/Chapell como discográfica ‘Pablo Honey’, sino en Parlophone Records (parte de EMI). Recordando lo mal que acabaron con EMI y lo mal que acabó la propia EMI (se la compró Universal, pero Warner adquirió Parlophone), seguramente haya un grave problema de comunicación entre grupo, discográfica y editora encargada de gestionar los derechos de la canción (y también entre los responsables de Lana, muy poco hábiles consintiendo que el tema llegue, visiblemente manipulado, a Twitter).

Y es que solo hay que irse a octubre de 2015 para recordar que Radiohead denunciaron a su propio ex sello Parlophone por desajustes en los beneficios de las descargas de sus primeros trabajos. En 2016, el catálogo del grupo pudo pasar a manos de XL Recordings, su último y actual sello tras la autoedición de ‘In Rainbows’, si bien parece que los derechos como editora de las viejas canciones siguen perteneciendo a Warner como editora.

The Weeknd rompe con H&M tras un anuncio racista; la marca retira spot y prenda

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The Weeknd, que ha colaborado con H&M en el pasado, desfilando para ellos en 2017 o incluso contribuyendo a sus diseños bajo la marca XO, ha anunciado esta semana que no volverá a trabajar con la marca tras topar con un anuncio de la compañía en el que podía verse a un niño negro portando una sudadera en la que podía leerse el eslogan «Coolest Monkey in the Jungle» («el mono más guay de la jungla»). Esto escribía Abel Tesfaye: «Me he levantado esta mañana y he sentido mucha vergüenza y me ha impresionado esta foto. Me siento profundamente ofendido y no trabajaré más con H&M».

Tras la polémica generada, H&M ha emitido un comunicado: «Pedimos sinceras disculpas por ofender a la gente con esta imagen. Creemos en la diversidad e inclusión en todo lo que hacemos, por lo que revisaremos nuestra política interna para evitar que esto se repita en el futuro». Además, un representante ha respondido a Pitchfork yendo más allá: «Comprendemos que mucha gente esté molesta con esta imagen. Todos los que trabajamos en H&M solo podemos estar de acuerdo. Sentimos muchísimo que esta imagen se haya hecho, y también difundido. Por tanto, no solo vamos a retirar la imagen de todos los canales, sino también la prenda a nivel global. Es obvio que nuestras rutinas no se han seguido de manera apropiada. Sin duda. Vamos a investigar lo que ha pasado para impedir que este error vuelva a suceder».

Entre los artistas que se sumaban a las quejas de The Weeknd, estaba Questlove, que afirmaba estar seguro de que una disculpa se avecinaba, como así ha sido.

Jack Antonoff y Lena Dunham han roto

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Lena Dunham y Jack Antonoff, más conocido como Bleachers y también por ser parte de los más exitosos todavía fun., han roto. El nombre de Jack Antonoff es uno de los que más ha sonado en el mundo del pop en 2017 después de haber ejercido de co-autor y/o co-productor de discos tan importantes en críticas y ventas como ‘Melodrama’ de Lorde, ‘MASSEDUCTION’ de St Vincent y ‘reputation’ de Taylor Swift. Además, con su propio proyecto Bleachers alcanzaba una considerable relevancia. Para nuestra redacción, ‘Don’t Take the Money’ fue una de las mejores canciones de 2017.

Jack Antonoff había además hablado con naturalidad en las entrevistas promocionales de cómo él y Lena Dunham, que el año pasado presentaba el final de ‘Girls’, llevaban su relación en medio de la fama. En cierta ocasión ella escribió un artículo llamado «novio judío o perro» bromeando sobre su ascendencia y generando cierta polémica, algo que él excusaba asegurando que ambos se respetaban profundamente. “Los dos confiamos en el proceso creativo del otro, y nunca nos dejamos mal, a la vez que seguimos creyendo en la idea de que tenemos que escribir sobre lo que sentimos. Nunca le pediría no escribir algo, pero también confío totalmente en que nunca me deje en una posición rara. Escribamos canciones o guiones de televisión, hay una comprensión mutua”, decía en 2015.

Según una fuente ha indicado a E! News, la separación ha sido de mutuo acuerdo, pues ambos simplemente se han distanciado, y se desean lo mejor el uno al otro. Sus representantes han confirmado la ruptura, que se produce 5 años después, casi 6 como puede comprobarse en esta foto de Instagram, de que empezaran a salir.

5 years today ❤️ what a fucking glorious ride!

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Playlist semanal actualizada: Bowie, Breeders, Belle & Sebastian, David Byrne, Car Seat Headrest…

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Actualización 9 de enero: sumamos a nuestra playlist de novedades del viernes pasado una decena de canciones que se han editado desde entonces: el regreso de The Breeders, el de David Byrne extraído de su próximo disco, el tema que hoy han sacado Black Eyed Peas, un nuevo single de Franz Ferdinand, ‘Princesas’ de Ladilla Rusa, un tema del próximo EP de Belle & Sebastian, una nueva demo de Bowie coincidiendo con su cumpleaños, y los protagonistas de nuestro último Revelación o Timo, L’Impératrice. También el excelente ’Nervous Young Inhumans’, un atractivo rework del tema que Car Seat Headrest editaba en 2011.

Actualizamos nuestra playlist de novedades semanales «Ready for the Weekend», en la que sin duda el rey es Justin Timberlake, estrenando single justo la primera semana del año, intentando emular la estrategia (y el éxito) del año pasado Ed Sheeran con ‘Shape of You’, aunque evidentemente va a estar complicado siquiera acercarse.

También presentan canción de los discos que editarán este año Fernando Alfaro, MGMT, The Vaccines o The Go! Team. Además, incluimos nuevos singles de gente como Rae Morris, Rita Ora (ahora junto a Liam Payne), Joan As Police Woman, Mikel Erentxun, Fetty Wap, cupcakKe o Black Rebel Motorcycle Club. Hay una versión primigenia de esa obra maestra de Fleetwood Mac llamada ‘Landslide’, con motivo de la reedición de ‘Fleetwood Mac’. También hay nuevas versiones de temas de The Shins, Noah Cyrus o Pavvla, quien saca disco de demos.

En días pasados, los primeros de 2018, os hemos hablado de los sencillos nuevos de Superorganism, Charli XCX mezclando y cantando sobre Wolf Alice, Kendrick Lamar con SZA, Charlie Puth vs Boyz II Men, Bruno Mars vs Cardi B, Titus Andronicus o Børns con Lana del Rey. Naturalmente, todos están aquí. Entre las versiones, una de las que más ha dado que hablar esta semana, la de Amaia Romero de Florence and the Machine, y una de ‘Halo’ de Beyoncé de Jono McCleery.

The Breeders anuncian su primer disco en 10 años y estrenan single

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The Breeders actuaban recientemente en Madrid por sorpresa, y el grupo de Kim Deal vuelve a sorprender hoy también anunciando nuevo disco, su primero en 10 años. ‘All Nerve’ se publica el 2 de marzo a través de 4AD y se presenta ahora con el tema titular, un número de rock crudo que encantará a los fans de toda la vida. El disco incluye además otro single anterior, ‘Wait in the Car’.

‘All Nerve’ se ha grabado entre Dayton (Kentucky), Chicago y Dayton (Ohio) con la formación original de The Breeders y saldrá en CD, vinilo negro, en una edición limitada en vinilo naranja solo para tiendas de discos independientes, y en formato digital. 4AD ofrece a sus socios añadir a la compra de ‘All Nerve’ la nueva edición del 7″ de ‘Wait in the Car’, que viene con una versión de ‘Joanne’ de Mike Nesmith.

La colaboración estrella de ‘All Nerve’ es de Courtney Barnett, autora de uno de los mejores discos de 2015, que hace coros en la pista 7, ‘Howl at the Summit’.

‘All Nerve’:

01 Nervous Mary
02 Wait in the Car
03 All Nerve
04 MetaGoth
05 Spacewoman
06 Walking with the Killer
07 Howl at the Summit
08 Archangel’s Thunderbird
09 Dawn: Making an Effort
10 Skinhead #2
11 Blues at the Acropolis

Black Eyed Peas vuelven a sus inicios para rapear sobre racismo en ‘Street Livin’

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Black Eyed Peas han vuelto a sus inicios, tanto que ahora mismo son un trío, sin Fergie. Este regreso a las raíces se materializa hoy en un nuevo single de hip-hop clásico titulado ‘Street Livin’ que, lejos de los ritmos electro-pop de ‘I Gotta Feeling’, podría haber aparecido en el primer disco de Black Eyed Peas o, si usamos un ejemplo más reciente, en el último disco de Jay-Z.

‘Street Livin’ habla del racismo en Estados Unidos, de manera especialmente directa en frases como “hay más negros pudriéndose en las prisiones ahora mismo, de los que hubo recolectando algodón” o menciones al Ku Kux Klan. El grupo escribe: “El complejo industrial penitenciario. La inmigración. La violencia con armas. La brutalidad policial. Estos problemas son cruciales para nuestras familias, amigos, comunidades, y para el mundo”.

El vídeo de ‘Street Livin’ presenta a los integrantes de Black Eyed Peas -will.I.am., Taboo y apl.de.ap- “dando vida” a imágenes históricas del racismo en Estados Unidos. Vemos, por ejemplo, la cara de will.I.am. pegada a un retrato de Malcolm X o al cuerpo de un esclavo.

Black Eyed Peas publicaron su último disco en 2011, aunque en 2015 presentaron un single como trío titulado ‘Yesterday’ cuyo videoclip se parecía al actual. Esperemos que nadie les acuse de plagio esta vez.

Arranca la X Edición de los Premios MIN: descubre todas las fases

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Los Premios MIN, que a lo largo de los últimos 10 años (antes se conocían como UFI) se han celebrado premiando a los artistas que desarrollan sus carreras en la independencia al margen de las multinacionales, arrancan hoy su nueva edición. Los artistas y profesionales de la industria musical podrán presentar sus candidaturas del 9 al 19 de enero a través de la web www.premiosmin.com. JENESAISPOP forma parte de los medios colaboradores de esta edición, que culminará en una ceremonia el próximo 14 de marzo.

Los Premios MIN, en su momento creados como respuesta a los extintos Premios Amigo y a los Premios de la Academia de la Música, se han consolidado poco a poco como una de las citas imprescindibles de la música española, reconociendo la labor de artistas como Vetusta Morla, Triángulo de Amor Bizarro o Gata Cattana. Sus galas han sido presentadas por personajes tan variados como Zahara, Anne Igartiburu o el equipo de El Mundo Today.

¿Cuál es el proceso que nos espera este año? Desde hoy y hasta el 19 de enero se abre el proceso de inscripciones para los artistas. Podrán presentar su candidatura todos aquellos artistas con grabaciones (álbumes, EPs o singles) publicadas en 2017 a través de sellos independientes o autoeditadas. También se pueden presentar videoclips y directos realizados en 2017. El proceso de inscripción es gratuito y se realiza a través de la web www.premiosmin.com.

En esta décima edición se concederán premios a los mejores álbumes de pop, rock, músicas del mundo y fusión, jazz, hip hop y músicas urbanas, flamenco, electrónica y clásica. Los premios más destacados incluyen el mejor álbum del año, la mejor canción, el mejor directo, el mejor artista, el mejor artista emergente y el mejor artista internacional. No faltarán los mejores álbumes en catalán, euskera y gallego, ni los premios al videoclip, a la producción musical y al diseño. Se entregará también el premio honorífico Mario Pacheco que reconoce la contribución de una persona o institución a la música independiente.

El público podrá votar a partir del 29 de enero entre todo lo presentado, para seleccionar a 30 semifinalistas. Un jurado del que forma parte JENESAISPOP determinará 5 nominados. Los nombres de los ganadores se desvelarán en la ceremonia de entrega de premios que tendrá lugar el 14 de marzo en el Teatro Circo Price de Madrid.

Cerrada la fecha en que se conocerá al concursante de OT que irá a Eurovisión

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Como cada lunes, esta noche ha habido gala de Operación Triunfo (resumen: Nerea se ha ido, Ana Guerra y Roi están nominados) y entre las noticias destacadas que ha dejado el programa está la fecha de selección del representante de España en Eurovisión, que como se sabe saldrá del panel de concursantes del talent, como ocurrió en las primeras tres ediciones del formato en TVE.

La fecha escogida es el 29 de enero, esto es, dentro de tres semanas. Para entonces quedarán solo cinco finalistas en la Academia, que son los que competirán en la gala especial que tendrá lugar en la fecha mencionada. Los concursantes competirán con una canción propia en español que conocerán el 23 de enero y que estará compuesta para ellos “por autores de prestigio”.

Naturalmente, será el público de Operación Triunfo el que escogerá al representante de España en Eurovisión a través de votación popular, como confirmaba Roberto Leal anoche durante el programa. Por lo que las apuestas ya están abiertas: ¿será Amaia, la favorita del público, quien acuda a Lisboa? ¿Aitana, también de las favoritas? ¿Dará la sorpresa Roi?

Nada se sabe de los compositores involucrados en las canciones que competirán por ir a Eurovisión, pero cabe recordar que entre el panel de profesores de la Academia se encuentra Guille Milkyway de La Casa Azul, quien ya compitió en su momento por participar en el festival.

Ballena / Navarone

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Los malagueños Ballena vienen para recordar, como sucedía recientemente con MissDandy, que tampoco debe haber «ageism» en la música alternativa de nuestro país y que para ser una de las bandas revelación del momento no hace falta tener 20 años. En su caso, su presencia en otros grupos de nuestro país como los lejanos Cecilia Ann, grupo en el que ejerció de bajista el cantante Miguel Rueda, les ha servido para llegar a este proyecto que tanto les ha ilusionado con una considerable experiencia en el estudio e incluso en la carretera.

Esa experiencia se nota en este buen debut coproducido por ellos mismos en el que refulgen la potencia de las baterías, que se quedan algunas de las partes clave del single ‘El policía del estilo’, la variedad de las guitarras que pueden moverse entre lo acuoso y lo ochentero a lo The Police (como sucede dentro de la misma ‘Trío de Pedernal’) y sobre todo en los coros. Como consecuencia de que los tres miembros de Ballena han ejercido de bajistas o guitarristas, es decir, de secundarios en otras formaciones, están acostumbrados a armonizar y a hacer coros, y estos ejercen de gancho en numerosas ocasiones a lo largo del minutaje de ‘Navarone’. Cuando no es un «oooh-oooh-oooh-oooh» es un «y tú y tú y tú», que lógicamente los vincula con Beach Boys, en España Los Brincos o más recientemente Lori Meyers (de hecho Alejandro Méndez ha aportado guitarras en ‘Tropisálida’).

Sin embargo, su gusto por empastar voces no es lo único positivo que encontramos en ‘Navarone’. El disco se abre con todo un trío de ases, como son las mencionadas ‘El policía del estilo’ y ‘Trío de Pedernal’, e inmediatamente después ‘Sagres Mini’. La primera sirve como carta de presentación por su carácter enfermizo y autoparódico, pues su letra es una venganza contra los grupos a los que han envidiado por su éxito. Su vídeo enriquece el tema, pues en él envenenan a sus colegas de Airbag, y también su producción, salpicada de vientos fronterizos. Su estribillo «Dime la verdad, ¿a que son buenas mis canciones? / Déjate llevar por estos cuatro acordes menores / Desaparecí de la escena en los 90 / Tengo que volver / Ahora que soy un gran poeta» se queda contigo desde la primera escucha.

Y lo mismo ocurre con ese ‘Trío de Pedernal’ que, referenciando a Los Goonies Miguel ha dedicado a sus hijos, y la cristalina ‘Sagres Mini’, cautivadora desde su riff de apertura y su dulce «despertar a tu lado», que avanza una canción costumbrista y romántica, de carácter optimista. Son igualmente inmediatas ‘Lolalé’ y ‘Los cañones de Navarone’, que podría llegar a los muchísimos fans con que se han hecho en los últimos tiempos sus compañeros de sello en Subterfuge Viva Suecia, con quienes también comparten al colega Neuman, al que han teloneado.

Después, para la segunda mitad, han dejado las canciones ligeramente más ariscas, con un poso más amargo, como es el caso de ‘De la cadena los favores’. ‘Taxígrafo’ les ha quedado un tanto intensa de más para la divertida historia que oculta (sobre vivir una relación a escondidas de tus amigos, cuando un taxista te pilla mintiendo), pero ‘Tropisálida’ es toda una curiosidad con su flauta travesera, su estructura diferente y su inspiración feminista, sobre una mujer que deja a un marido que no la satisface por un hombre mejor dotado. El álbum se cierra con una melancólica ‘Portugal’ que en medio de su cúmulo de desgracias mantiene el optimismo, algo reforzado por el bonus track ‘Primo Donna’, que remite a Dandy Warhols. No siempre Ballena saben expresar adecuadamente todas las historias que quieren contar, pero lo seguro es que su disco contiene un buen número de canciones con potencial para dar un campanazo en cualquier momento.

Calificación: 7/10

Lo mejor: ‘El policía del estilo’, ‘Trío de Pedernal’, ‘Sagres mini’

Te gustará si te gustan: The Shins, Viva Suecia, los primeros Lori Meyers

Escúchalo: Spotify

Carla Bruni habla de su disco, de Sarkozy y de su vivencia como primera dama en El Hormiguero

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Carla Bruni ha sido la última invitada internacional de El Hormiguero, con motivo de su inminente gira por nuestro país, que la lleva el 10 de enero a Barcelona y el 12 de enero a Madrid. Bruni presenta su nuevo disco de versiones, ‘French Touch’, compuesto por versiones en francés de clásicos del pop anglosajón.

Para sorpresa de nadie, El Hormiguero ha vuelto a realizar una entrevista más o menos polémica, en esta ocasión al considerarse que Motos ha enfocado demasiadas preguntas a la relación de Bruni y Nicolas Sarkozy, antiguo presidente de Francia y con quien Bruni lleva casada desde 2008. Motos ha preguntado a Bruni sobre cómo conoció a Sarkozy -ambos se conocieron en una cena y Bruni ha asegurado que, en cuanto le vio, sintió un “flechazo”- y también sobre su experiencia como primera dama de Francia, sobre la que ha destacado la capacidad que este título le otorga para “ayudar a mucha gente”.

Bruni ha hablado poco de ‘French Touch’, si bien ha interpretado en vivo una porción de su nuevo single, ‘Miss You’, con Motos a la guitarra. También ha dicho que es un disco “de intérpretes”, en el que “se utilizan canciones que ya todos conocemos”. La cantante ha afirmado que la idea de cantar en inglés fue del productor David Foster, quien tras un concierto de Bruni en Los Ángeles le dijo que le gustaba su música, pero que “no entendía” sus palabras.

5 razones para disfrutar de la timba que montan Jessica Chastain y Aaron Sorkin en ‘Molly’s Game’

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Que Aaron Sorkin acabara dirigiendo era cuestión de tiempo. Sus guiones tienen tanta personalidad, son tan reconocibles, que la mayoría de las películas que ha escrito parece que también las hubiera filmado. Salvo el caso de ‘La red social’, donde David Fincher impone su estilo, otras como ‘Algunos hombres buenos’, ‘El presidente y Miss Wade’, ‘La guerra de Charlie Wilson’, ‘Moneyball: Rompiendo las reglas’ y hasta ‘Steve Jobs’, por mucho que estuviera el efectista Danny Boyle detrás, llevan el sello Sorkin cosido en cada uno de sus fotogramas. Como ocurre también en sus series (‘El ala oeste de la Casa Blanca’, ‘The Newsroom’), los directores acaban siendo aplicados sastres dedicados a bordar sus diseños.

El mejor ejemplo de esto es ‘Molly’s Game’. El debut como director de Sorkin apenas se diferencia en su realización de las películas citadas. La dirección está al servicio del guión. Y menudo guión. Estas son las cinco razones para no perderte esta partida de póquer:

1. Un prólogo tan bueno como el de ‘La red social’. El director pone enseguida las cartas sobre la mesa. En apenas unos minutos, nos presenta a la protagonista, nos da las claves sobre su personalidad, planta la semilla de una excepcional metáfora que utilizará al final, pone en marcha el motor del relato y atrapa la atención del espectador como un alud bajando por una pista de esquí.

2. Otro guión de Oscar. La adaptación del libro de memorias de Molly Bloom (publicado en España por HarperCollins) es un festín para los amantes de la arrolladora prosa del escritor neoyorquino. Dos horas y media de monólogos, saltos temporales, referencias culturales y esgrima verbal que se pasan en un pestañeo. Como es habitual en sus libretos, Sorkin utiliza la biografía de un (anti)héroe moderno (en este caso una heroína) para (psico)analizarla y convertirla en un vehículo de expresión del capitalismo más salvaje.

3. Jessica Chastain. No importa que se le vaya a escapar otra vez el Oscar (este año parece un duelo entre Frances McDormand y Sally Hawkins), su interpretación de la llamada “princesa del póquer” es una de las mejores del año. Solo por recitar las frases de Sorkin a la velocidad que lo hace y sin trabarse merecería todos los premios, pero es que además su interpretación está llena de matices y complejidad psicológica. Puede ser tan resuelta, seductora y decidida, como tierna y comprensiva, o asustada y vulnerable. Da igual, siempre te la crees.

4. La importancia de unos buenos secundarios. Un íntegro abogado de derechos humanos que parece un extraterrestre en el país de Donald Trump (fabuloso Idris Elba), un experimentado jugador de póquer que simboliza el lado más oscuro de este juego (Bill Camp, el auténtico sucesor de George Kennedy), un borracho que comienza sus peroratas con frases que podían ser títulos de novela negra (un eficaz Chris O’Dowd), el personaje-broma del “jugador X” interpretado por Michael Cera (despeja la x con cualquiera de estos célebres jugadores de póquer: Tobey Maguire, Ben Affleck, Leonardo DiCaprio), y un padre tan severo por fuera como angustiado por dentro (Kevin Costner, cada vez más cómodo en este tipo de roles secundarios). Todos juegan en la partida de Chastain. Y todos ganan.

5. Las enseñanzas de Scorsese. Es evidente que a Sorkin le falta experiencia en la dirección, lo que se nota en la mecánica puesta en escena de algunas (pocas) secuencias (sobre todo en las partidas de póquer y cuando los personajes no hablan) y en la sobreexplicación (también pocas) que se da en otras. Pero no se puede decir que sea un director primerizo. Su labor como showrunner en televisión tiene mucho de realizador. En este sentido, su trabajo tras la cámara en ‘Molly’s Game’ es mucho más que correcto. Pone la dirección al servicio del guión y los actores, e imprime dinamismo a las imágenes por medio de un extraordinario montaje que podría haber firmado la propia Thelma Schoonmaker de ‘El lobo de Wall Street’ (de hecho, lo firma uno de sus “herederos”, el montador de ‘La gran estafa americana’). No es un póquer de ases, pero sí un full ganador. 8,3.

10 ocasiones en las que la ya cerrada Interviú fue noticia musical

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Grupo Zeta, una de las principales corporaciones editoriales de nuestro país acaba de anunciar el cierre de dos de las cabeceras más longevas, populares y características de nuestra historia periodística reciente. Se trata de Interviú, revista semanal que se publicaba ininterrumpidamente desde el año 1976, y Tiempo, que comenzó siendo un suplemento de aquella pero que desde 1982 pasó a publicarse individualmente. El cierre de ambas publicaciones se enmarca dentro de un ajuste de Grupo Zeta derivado de las dificultades económicas de Editorial Zeta, empresa del grupo que estaba en pérdidas.

Mientras que la segunda se centraba más en el ámbito de la opinión y el análisis políticos, la primera se centraba en reportajes de investigación alternados con otros en los que mujeres (y algún hombre) aparecían desnudas –en la mayor parte de las ocasiones, posando; otras, como Mercedes Milá, pilladas–. De hecho, la gran repercusión de esta revista a lo largo de las últimas 4 décadas ha estado en sus sonadas portadas, ocasionalmente ocupadas por personajes de desigual relevancia social. Por eso, Interviú ocupó mucha portadas de otros medios a lo largo de su historia, y eso incluye también nuestra publicación. Estas son 10 ocasiones en que esta revista que no olvidarán fácilmente varias generaciones fue noticia en JENESAISPOP.

C. Tangana estrena el vídeo de ‘Lo hace conmigo’
Antes del bombazo de su fichaje multinacional y su actual éxito comercial, el rapero madrileño se las amañaba para dar que hablar, beefs aparte. Y esta fue una de ellas: para sorpresa de todos, Interviú estrenó en exclusiva el clip oficial de su single ‘Lo hace conmigo’.

Alaska rinde tributo a Sara Montiel, Belén Esteban, Ana Obregón, Rocío Jurado…
Una de las artistas más exuberantes y populares del pop estatal difícilmente podía faltar en la selección de portadas del semanario. Olvido quiso rendir tributo en su reportaje para la revista a otras divas que ocuparon la portada de la revista antes que ella imitando, a su manera, aquellas instantáneas. No era, curiosamente, su primera vez: ya posó, aunque vestida, en el año 1986.

Chenoa, estrella del 40º aniversario de la revista
En 2016, tanto Interviú como la cantante mallorquina surgida de la primera edición de Operación Triunfo cumplían 40 años. Por eso parecía una ocasión ideal para situarla en portada, en un intento de promocionar además el que sigue siendo su último disco de estudio, ‘Soy humana’. Eso sí, Chenoa optó por no mostrar su cuerpo del todo.

Najwa Nimri, desnuda en su portada
La actriz y cantante navarra Najwa, en cambio, no dudó en ofrecer un desnudo integral para la portada cuando presentaba su disco ‘Rat Race’ –en cuya cubierta ya aparecía desnuda, por cierto–, además de una buena colección de sonoros titulares como “Los chicos sois unos cerdos y a mí me parece bien”.

Novedades Carminha presentan el primer vídeo musical porno de la historia
Aunque no fue una exclusiva suya, podríamos decir que el hecho de que el videoclip de ‘Ritmo en la sangre’, protagonizado por Amarna Miller y Sylvan y que incluye sexo explícito, llegara a ser noticia en su web pudo ser una primera señal del éxito que hoy ostentan los gallegos.

La China Patino (Cycle) posa en topless
La escena underground de la pasada década en nuestro país tuvo dos iconos sexuales femeninos por antonomasia: La China Patino, del grupo Cycle, y Vinila Von Bismarck –entonces en Krakovia junto a Guille Mostaza, entre otros–. Y la culpa, posiblemente, fue de sus respectivos posados para este semanario.

A Yurena le llevó 12 años decidirse
Tras haber sido etiquetada de freak por sus primeros pasos televisivos, Tamara/Ambar rechazó posar en topless en aquella etapa de popularidad mal llevada y entendida. Sin embargo, ya bajo su definitivo alias artístico, Yurena aceptó la oferta 12 años después.

Auryn posan en calzoncillos
No, no ha sido realmente común ver hombres desnudos en esta revista. Y, cuando lo han hecho, no ha sido con un desnudo integral –como sí ha sucedido con muchas mujeres–. Es el caso también de la boy-band española Auryn, que posaban en recatados conjuntos de camiseta y calzoncillos que, la verdad, no daban nada de juego.

Vicky Larraz “imita” a Marta Sánchez
Una de las portadas más míticas de Interviú fue la de Marta Sánchez cuando era cantante de Olé Olé y de la cual se arrepintió después durante mucho tiempo y le valió una cuantiosa indemnización –aunque 25 años después haya repetido en otro medio y con coartada benéfica–. Curiosamente, la cantante a la que sustituyó en aquel grupo, Vicky Larraz, “imitaba” a Sánchez hace 5 años en un reportaje de esta publicación.

Rebeca reivindica el Orgullo LGTBI y no cierra la puerta a una relación lésbica
La intérprete de ‘Duro de pelar’ sabe bien que uno de sus nichos de relevancia es la vertiente más chochi de los clubs gays y precisamente la celebración del Orgullo LGTBI en 2012 le sirvió como excusa perfecta para mostrar sus mamellas en Interviú. Ya de paso, no cerraba la puerta a la posibilidad de tener sexo con otra mujer.

La Canción del Día: Angel Olsen engalana ‘Burnin´ Up’, avance del nuevo disco de Sonny Smith

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Si el nombre de Sonny Smith no te suena mucho en sí mismo, quizá te haga clic el nombre de su grupo, Sonny & The Sunsets. Por este grupo ha pasado gente tan notable como Kelley Stoltz, John Dwyer (Thee Oh Sees) o Tim Cohen, que han apoyado a Sonny a presentar sus canciones deudoras del pop de guitarras más clásico, en discos como ‘Hit After Hit’, y con querencia country, como en ‘Longtime Companion’.

Aunque no es la primera vez que firma discos bajo su nombre propio –lo hizo en la loca serie ‘100 Records’, cuando escribió y grabó 200 canciones inspiradas en 100 grupos inventados– el de San Francisco ha anunciado su nuevo disco como Sonny Smith en un viraje que denota cierta… ¿madurez? ¡Glups! O, al menos, cierto paso adelante, puesto que se trata de su primer disco en el sello de Dan Auerbach (The Black Keys), que además lo ha producido. Se titula ‘Rod For Your Love’ y se publica el día 2 de marzo, con 10 nuevas canciones entre las que se incluye ‘Burnin´ Up’, que hoy es nuestra Canción del Día.

Se trata de un medio tiempo de arreglos exquisitos y un aire a Lou Reed en lo melódico, coronado por ese estribillo que repite el título de la canción. Una buena canción en la que los coros de su amiga Angel Olsen resultan cruciales, pues el contrapunto de su voz engalana esta canción que Sonny asegura está inspirada, aunque no de manera explícita, por ‘Fast Car’ de Tracy Chapman e ‘I’m On Fire’ de Bruce Springsteen. Olsen también se ha prestado a aparecer en el vídeo oficial para la canción, al que el director Ryan Daniel Browne –también es amigo de Angel y, según ha explicado en Facebook, eso le hizo decidirse a aparecer– ha dado un aire ochentero con esa iluminación de color en bloques que remite a la célebre ‘Drive’ de Nicolas Winding Refn.

David Byrne cuestiona el devenir del mundo en ‘American Utopia’, con Sampha, «Oneohtrix», Jack Peñate…

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David Byrne anuncia hoy su nuevo disco, ‘American Utopia’, que llegará al mercado el próximo 9 de marzo, el mismo mes en el que comenzará un tour mundial que le traerá a nuestro país en dos ocasiones: el 13 de julio actuará en Bilbao BBK Live Festival y el mismo fin de semana a Cruilla Barcelona. Dice que será «el show más ambicioso que ha ofrecido desde los conciertos que fueron grabados para Stop Making Sense», esto es, el film en vivo que entregó con Talking Heads en 1984. El disco, colaboraciones al margen (como la que hizo con St Vincent en un álbum entero) es su primer largo solo desde 2004, cuando editaba ‘Grown Backwards’. Foto: Jody Rogac.

Además ya podemos escuchar una ‘Everybody’s Coming To My House’ que ha co-escrito con Brian Eno y que cuenta con contribuciones de TTY, Happa Isaiah Barr (Onyx Collective) y Sampha, entre otros. El disco está relacionado con su serie ‘Reasons to Be Cheerful’, que recibe su nombre de un tema de Ian Dury, y trata de buscar cosas que «inspiren optimismo». «El disco cuestiona el estado actual de la sociedad al tiempo que ofrece consuelo a través de la música, y el contenido de la serie reconoce la oscuridad y la complejidad del mundo de hoy y ofrece alternativas a la desesperación que nos acecha», dice la nota de prensa.

El listado de colaboradores incluye al productor Rodaidh McDonald (The xx, King Krule, Sampha, Savages), Daniel Lopatin (aka Oneohtrix Point Never), Jam City, Thomas Bartlett y, atención, el desaparecido Jack Peñate. En la amplia nota de prensa, sobre el contenido del largo, David Byrne ha dicho: «¿es irónico? ¿es una broma? ¿va en serio? ¿en qué medida? ¿me refiero al pasado o al futuro? ¿es personal o político? Estas canciones no describen un imaginario o quizá un lugar imposible sino que intentan representar el mundo en el que vivimos. Muchos de nosotros, sospecho, no estamos satisfechos con el mundo que hemos construido para nosotros mismos. Miramos alrededor y nos preguntamos: «¿ha de ser así? ¿no hay otra manera?». Estas canciones son sobre mirar y preguntar». Os dejamos con el tracklist de ‘American Utopia’, que incluye títulos tan prometedores como ‘I Dance Like This’, ‘Dog’s Mind’ o ‘Every Day Is a Miracle’.

1. I Dance Like This
2. Gasoline And Dirty Sheets
3. Every Day Is A Miracle
4. Dog’s Mind
5. This Is That
6. It’s Not Dark Up Here
7. Bullet
8. Doing The Right Thing
9. Everybody’s Coming To My House
10. Here

Franz Ferdinand se meten en la batalla política por la Sanidad Pública británica y estrenan single

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Franz Ferdinand deberían ser noticia, sobre todo, porque están a punto de publicar un nuevo disco. Se trata de ‘Always Ascending’, que ve la luz el próximo 9 de febrero y supondrá su 5º álbum de estudio, el primero desde que en 2013 presentaran ‘Right Thoughts, Right Words, Right Action’ y, también, desde que Nick McCarthy dejara el grupo. Su primer single es el sorprendente corte titular del mismo, y hoy se presenta la versión de estudio del segundo, ‘Feel the Love Go’, bajo estas líneas.

El ahora quinteto de Glasgow ha presentado además otra de sus nuevas canciones, la aún inédita ‘Paper Cages’, en la que el grupo permanece fiel a su estilo aunque con un perfil más reposado, en un programa de la televisión británica. Sin embargo, una polémica política ha salpicado a los escoceses precisamente por esta aparición en la BBC.

Y es que, en este mismo programa, la Primera Ministra británica Theresa May había aparecido –en una intervención en diferido, eso sí– para disculparse por la crisis que vive el Sistema de Salud británico, en el que los recortes de su gobierno han derivado en la posposición de decenas de miles de operaciones para que el personal sanitario pueda hacer frente a una epidemia de gripe que se ha cobrado la vida de 48 personas en dos meses. La cuestión es que el batería del grupo, Paul Thompson, aparecía durante la actuación vistiendo una camiseta con el anagrama del sistema de salud público (“NHS”), en clara defensa del mismo ante esos recortes.

Algunos tuiteros han acudido a la red social para afearles su postura, calificándoles de “elite cultural” que está “aferrada al pasado” o “celebrities politizadas”, a lo que Alex Kapranos ha respondido: “¡Oh! Qué excitante. Me pregunto cuánto tiempo hemos sido parte de la “élite cultural”. Además, si el NHS es algo “del pasado”, me pregunto qué infernal alternativa nos depara el futuro”. Os dejamos también con la mencionada actuación.

Franz Ferdinand han sido confirmados en los carteles de Mad Cool Festival 2018 y Vida Festival 2018.