Ha llovido tanto desde que una joven compositora llamada St. Vincent se presentara al mundo con un discreto disco titulado ‘Marry Me’ (2007) que la Annie Clark pasada y la actual parecen dos artistas diferentes. Hoy, St. Vincent es una de las diosas del rock de nuestra era y su último disco, ‘All Born Screaming’ (2024), influido por el hard rock y por la oscuridad de la época en que vivimos, ha vuelto a demostrarlo.
El directo es el espacio perfecto en el que ver a St. Vincent en acción. ‘All Born Screaming’ es un trabajo extremadamente cuidado en el estudio, pero en directo las canciones arden como la propia Clark en la portada del disco, y sin necesidad de recurrir a colores flúor ni a pelucas rubias como ha hecho de manera muy creativa en el pasado.
Ya el inicio con ‘Reckless’ es épico: Clark se planta en medio del escenario, apenas su silueta es visible a través de la iluminación y el primer golpe de batería es glorioso. Las guitarras asaltan los sentidos en ‘Big Time Nothing’ o ‘Broken Man’ y el sonido en la sala Razzmatazz es perfecto de principio a fin: se escuchan tan bien instrumentos y voces que el público parece encontrarse dentro de un estudio de grabación.
En este primer concierto de la gira de St. Vincent en España, que continúa el domingo 20 de octubre en Madrid, y el martes 22 con una peculiar visita al Museo del Prado, Clark mezclará letras en inglés y en español, dado que ha decidido regrabar su último disco en este idioma, una decisión que en directo vuelve a ser cuestionable, pues el español guiri de St. Vincent es muy difícil de comprender. En ‘Flea’ (bueno, ‘Pulga’) es casi imposible.
Christian Bertrand
Se agradece el intento de St. Vincent de acercarse a su público hispanohablante. Sin embargo, la reacción de la audiencia barcelonesa ante su español es de confusión… y de pura euforia cuando St. Vincent se dedica a interpretar las letras originales de las canciones que su público conoce mejor. ‘Cheerleader’ es recibida con entusiasmo, pero es ‘New York’ la canción que da lugar al verdadero “singalong” de la noche, mientras St. Vincent hace “crowdsurfing” en el público.
Entre los momentos memorables del show hay que destacar el intimismo de ‘Violent Times’ o después de ‘Candy Darling’ y del bis con ‘Somebody Love Me’, pero también el grito iracundo de ‘Pay Your Way in Pain’, la nitidez con que suenan los vientos de ‘Digital Witness’ y, sobre todo, el continuo orgasmo auditivo que provocan los solos de guitarra de Clark, especialmente los de sus viejas composiciones, como ‘Birth in Reverse’.
En medio de los graciosos intentos de St. Vincent de dirigirse a su público en español (se la entiende mejor cuando habla que cuando canta, eso sí), a Clark no se le olvida trepar las gradas de la Razzmatazz para darnos un pequeña píldora de realidad: las verdaderas estrellas del rock siguen existiendo. En su mezcla de pura furia rock y sofisticación pop, ella es sin duda la mejor.
‘SOS’ es uno de los primeros éxitos de Rihanna, pero ni siquiera se cuenta entre sus mayores logros comerciales, más de 15 años después. La increíble cartera de hits de Rihanna ha diluido el impacto del que fue el primer single de la barbadense que alcanzó el número 1 en Estados Unidos. Por supuesto, es una de sus mejores canciones.
‘SOS’ destacaba por su sample de ‘Tainted Love’ de Soft Cell, pero su autor principal, E. Kidd Bogart, artífice de otros hits como ‘Halo’ de Beyoncé, ha revelado un detalle sobre la canción que ha pasado inadvertido todos estos años. Y eso que está a vista de todos.
En una entrevista con Daniel Wall, Bogart ha revelado que la segunda estrofa de ‘SOS’ está escrita «hilando títulos de canciones de los 80» para «componer frases». A Bogart esta idea de composición le pareció «súper ingeniosa»… tanto que nadie ha reparado en ella hasta ahora.
La segunda estrofa de ‘SOS’ dice «Take on me (uh-huh), you know inside you feel it right / Take me on, I could just die up in your arms tonight / I melt with you, you got me head over heels / Boy, you keep me hanging on, the way you make me feel». Solo esta estrofa incluye citas a ‘Take on Me’ de A-HA, ‘(I Just) Died in Your Arms’ de Cutting Crew, ‘I Melt with You’ de Modern English, ‘Head Over Heels’ de Tears for Fears, ‘You Keep Me Hangin’ On’ de Kim Wilde (una versión de las Supremes) y ‘The Way You Make Me Feel’ de Michael Jackson.
E. Kidd Bogart explica que todos los títulos elegidos para formar la segunda estrofa de ‘SOS’ pertenecen a canciones que llegaron al número 1… como ‘Tainted Love’ y después ‘SOS’. Sin embargo, ni ‘I Melt with You’ ni ‘Head Over Heels’ fueron nunca número 1 en ningún mercado, aunque aún se consideran clásicos del pop de los 80. Algunos de estos hits fueron número 1 en Estados Unidos y otros en Reino Unido.
Podcast: Los 10 errores que cometimos valorando a Rihanna
Juanjo Bona y Martin Urrutia arrasan en X como lo más votado de JENESAISPOP con el 89% de los votos. ‘El destello’, compuesta junto a Hidrogenesse, había entrado al puesto 7 de manera orgánica, y ahora sube a la cima apoyada por su fandom. Es el primer top 1 para Juanjo y Martin en nuestro top con 18 años de tradición, y podemos entenderlo como el 3º para Hidrogenesse tras ‘Disfraz de tigre’ y ‘Schloss’, en 2007 y 2008.
Entre las entradas, están Varry Brava, León Benavente, Espanto, LISA, Rahim Redcar, The Smile y Kokoshca.
El número 1 de Discos en Reino Unido esta semana ha sido uno de los más reñidos e interesantes de los últimos tiempos. Como recordaréis, ‘Brat’ de Charli xcx, uno de los discos del año, no pudo ser número 1 porque el último de Taylor Swift se lo impidió, lo cual tenía su intríngulis, pues Taylor es referenciada en el álbum de manera indirecta, y no para muy bien. En varias ocasiones, ‘Brat’ ha quedado a punto de llegar a la cima… pero no.
Esta semana tenía una nueva oportunidad, al reeditarse junto al disco de remixes lleno de superestrellas. Sin embargo, Paul Heaton, conocido como cantante de Housemartins y Beautiful South, se interponía en su camino con ‘The Mighty Several’. Vendía 23.000 unidades el fin de semana frente a las 16.000 de Charli. Para el miércoles, la diferencia se reducía a 24.000 frente a 21.500. ‘Brat’ recortaba día tras día, gracias al streaming.
Finalmente el streaming ha cumplido su función y Charli xcx ha logrado ser número 1 con ‘Brat’. Este ha rozado los 36.000 unidades con 11.000 CD’s, 7.000 vinilos, 125 cassettes, 435 descargas y 17.500 puntos de streaming. Paul Heaton ha tenido que conformarse con 31.000 unidades, 29.500 de ellas, físicas. Se trata del segundo top 1 en las islas para Charli xcx después de ‘Crash’, su álbum de 2022.
La OCC recuerda cómo quedaron en listas sus otros discos en listas británicas: nada cerca de la cima como podéis observar.
2013 True Romance (85)
2015 SUCKER (15)
2019 Charli (14)
2020 how i’m feeling now (33)
Otros países en los que ‘Brat’ sube al número 1 son Irlanda, Australia y Nueva Zelanda, todos de habla inglesa. También sube al top 5 en Alemania (nuevo máximo) y al top 15 en Italia. El resultado español no se conocerá hasta el lunes.
Desde su presentación internacional a finales de los 80, Pedro Almodóvar siempre ha tenido la posibilidad de hacer una película en inglés. Pero fiel a su estilo y visión, no se sentía preparado ni quería caer en las fauces de Hollywood a las primeras de cambio. Más de cuatro décadas después de su debut ‘Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón’ y tras un par de cortometrajes de preparación (‘La voz humana’ y ‘Extraña forma de vida’), el cineasta manchego se lanza por fin a la piscina con su primer largometraje en inglés, con el que ha ganado el León de Oro en el Festival de Venecia. ‘La habitación de al lado’ es una adaptación de la novela de Sigrid Nunez ‘Cuál es tu tormento’, donde dos mujeres que llevan años sin verse retoman su amistad cuando una de ellas se entera de que la otra está ingresada en el hospital con un cáncer grave.
Tilda Swinton, ya afianzada como chica Almodóvar tras su participación en ‘La voz humana’, interpreta a Martha, una antigua reportera de guerra que acaba de ser diagnosticada con la enfermedad letal, mientras que Julianne Moore es Ingrid, una novelista de éxito.
La manera en la que Almodóvar retrata esta tragedia dista ligeramente de lo que uno podría esperar. El cineasta, tan reconocido por sus grandes melodramas, se muestra aquí sorprendentemente austero, no dejando que en ningún momento la sentimentalidad se apodere del relato (incluso con el amplio uso de la magnífica partitura de Alberto Iglesias). Algo que juega siempre a favor de la cinta, ya que ‘La habitación de al lado’ se engrandece en sus momentos más intimistas, aquellos en los que basta con una mirada de sus excelentes actrices para transmitir todas las aristas y matices del conflicto principal.
La trama es sencilla, pero a nivel temático es una película muy rica, que extrae, partiendo de lo personal, un potente discurso sociopolítico. La muerte acechante, presente en cada segundo de metraje, está retratada como una parte inevitable de la vida, por lo que un sentimiento vitalista recorre el film de principio a fin. Almodóvar defiende el derecho a morirse con dignidad, y en ese discurso, es quizá en el único momento donde se pasa ligeramente con el subrayador. El resto del tiempo, ‘La habitación de al lado’ es una película, aunque muy clara con sus ideas y sin intención alguna de ambigüedades, envuelta en una gran elegancia discursiva y formal.
Se trata de un film que parece indicar el comienzo de una depuración de estilo, aunque es inequívocamente almodovariano. En su primer largometraje en inglés, el cineasta no ha perdido ni un ápice de personalidad ni a nivel estético ni en sus diálogos y personajes. Tanto Martha como Ingrid son dos protagonistas desde ya inolvidables en su universo, y su relación de amistad es uno de los aspectos más bonitos dentro de un guion ya de por sí estupendo. No resulta tan frecuente encontrarse con historias de amistad femenina en la madurez, y ahí es donde Almodóvar encuentra el verdadero corazón de la película. Ingrid entiende que lo único que puede hacer por Martha es pasar el tiempo que le queda junto a ella, ofrecerle su compañía, su cariño. Y ella está ahí, siempre en la habitación de al lado (ya sea de manera figurativa o literal). Ambas actrices se entregan a sus personajes con una delicadeza y una sensibilidad memorables, entendiendo perfectamente lo que su director pretendía. Porque la cinta es, ante todo, una obra profundamente humanista sobre la importancia de escuchar y ponerse en la piel del otro.
‘La habitación de al lado’ es la película más triste y solemne de la carrera de Pedro Almodóvar. También de las más profundas. Con una puesta en escena modesta, con escasas localizaciones y muy pocos actores, el cineasta compone un retrato emocionante y doloroso sobre aceptar el final de la vida.
El nuevo disco de Love of Lesbian -el décimo ya- es un homenaje a sí mismos. En concreto, es una celebración de su amistad y de ‘La hermandad’ -así se titula uno de los cortes- que Santi, Oriol, Jordi y Julián comparten desde hace muchos años. La misma amistad en torno a la cual se ha configurado su banda. ‘Ejército de salvación’ no es una reinvención, ni tampoco un descalabro, sino una constatación de que Love of Lesbian siguen aquí, como si fueran tus amigos, tal y como los recuerdas.
Y a tus amigos les quieres con sus virtudes y defectos. ‘Ejército de salvación’ es otra razón para amar y odiar a Love of Lesbian, ahora que ellos mismos reconocen sentirse “odiables” de vez en cuando. A Santi Balmes y compañía les han vuelto a salir muy buenas canciones solo lastradas por una línea lírica que se lanza de cabeza a la piscina de la vergüenza ajena, por usar una expresión que el propio Balmes podría haber escrito.
Balmes, que es escritor, tiene un público, pero desde luego escucharle cantar según qué expresiones no siempre da el resultado esperado. ‘Una conversación pendiente’, por temática, una de las pistas clave de ‘Ejército de salvación’, está llena de frases que no hay por dónde cogerlas. “A veces tú, a veces yo, a ver si tú, a ver si yo, poniendo modo avión nos estrellamos” es la que tiene más delito, pero no la única.
El “problema” es que, por cada “no eres tan imbécil” que canta Balmes, el grupo cuela una buena melodía que te calla la boca. En ‘La herida’ con Jorge Drexler, una de las cinco colaboraciones que incluye el álbum, Balmes se pregunta “quién es ahora el empleado del mes en tu vida”, utilizando otra de esas extrañas combinaciones entre lo formal y lo emocional que tanto le gustan. La frase incomoda, pero la melodía vuelve a ser un caramelo y la canción, que incorpora un acorde de piano de inspiración disco, vuelve a estar arreglada con sumo gusto. Y así, todo el álbum.
No vale la pena desgranar cada una de las frases de Santi Balmes que llaman la atención en ‘Ejército de salvación’. Ocurrencias como “1 a 0 contra la soledad”, “ye-ye-llévame a la mierda y si es de la mano, mejor”, “me la suda vivir” o, atención, “yendo por la calle me metí un buen piño y se me vieron las bragas”, volverán a ser apreciadas por sus fans y denostadas por sus estorninos, como ha ocurrido siempre. Y, en el peor de los casos, opacarán otras frases mejores, como esa graciosa mención a los guiris de Barcelona en ‘Contradicción’.
Es mejor quedarse con las canciones, y Love of Lesbian siguen siendo unos hachas componiendo melodías adhesivas y canciones edificantes que te ayudan a escapar un poco de los sinsabores del día a día. El fondo de ‘Ejército de salvación’ vuelve a ser un pop-rock con sintetizadores agradable y convencionalillo, pero efectivo al fin y al cabo para lo que nos quiere contar la banda y cómo nos lo cuenta, y diferenciado siempre por la inclinación épica de las canciones hacia aquello que ellos llamaron una vez «pop progresivo».
Vuelven a estar apañadas pistas como la inicial ‘Canción de emergencias’ o la mencionada ‘La herida’. Las colaboraciones son mejores en el contrapunto femenino. Especialmente Amaral están muy bien aprovechados en ‘Qué vas a saber’, una canción dedicada a una decepción amistosa que acaba en reconciliación y, por tanto, acaba también bien arriba; y Rigoberta Bandini se queda con el single más importante de esta era y directamente con la mejor canción, ‘Contradicción’, otra de esas composiciones épicas de Love of Lesbian tan edificantes que el componente coloquial de la letra pasa a un segundo plano (menos cuando cantan eso de “llévame a la mierda”).
La joya de ‘Ejército de salvación’ se llama ‘Tesis’, es una colaboración con Zahara y es otra de esas canciones de Love of Lesbian que se componen de dos partes diferenciadas. En este caso, la segunda parte, especialmente en su precioso inicio instrumental, sirve para aliviar el dolor expresado en la letra (la de “me la suda vivir”). No funcionan tan bien los casi siete minutos de la pista inicial, que no se conforma con ser una balada de inspiración setentera, sino que tiene que ir a lo épico, como todas las canciones de Love of Lesbian. No quiere ser diferente.
Entre los tropiezos que se da este ejército de salvación en este viaje de casi una hora de duración, el stomper folk-pop de ‘La hermandad’ es tan sutil como promete su letra, y la canción de los piños y las bragas, una colaboración con Leiva desarrollada por WhatsApp, contiene el estribillo “juro que ahora sí gano la Champions y el Mundial”, de nuevo, generando cringe con una mezcla imposible de imaginarios. Una mezcla absolutamente deliberada, por supuesto. Aunque para deliberada la copia de ‘El día que Starman huyó’ a ‘The Winner Takes it All’ de ABBA. Algo disimulada, eso sí.
Hoy 18 de octubre se editan nuevos discos de Kylie Minogue, Confidence Man, Kelly Lee Owens, Japandroids, Carlangas, Christopher Owens, Porridge Radio, Fin del Mundo, Shawn Mendes, Joe Jonas, The Blessed Madonna, Salvar Doñana, Dominique A o Tim Heidecker. También se lanza el EP de Bon Iver.
Se editan, por otro lado, varios sencillos importantes, a destacar el primer single del próximo disco de Zahara, y también dos duetos que darán de qué hablar, por un lado, el de Rosé y Bruno Mars y, por otro, el de Sevdaliza y Karol G.
FKA twigs presenta el segundo single de su nuevo disco, y el mundo recibe también nueva música de Tamino, Sophie Ellis-Bextor, Panda Bear con Cindy Lee, Mk.gee, JADE, Poppy, Polo & Pan u Odetari. Entre las novedades destacadas que ha dejado la semana, el remix de Charli xcx y Kesha.
El underground nacional está que lo tira hoy, por otro lado, con nuevos lanzamientos de Chucho, Aiko el grupo, Kora, Nos Miran, La Plata, Los Punsetes con Los Planetas, Atalaya Roja o Delaporte. Aún en el ámbito del pop en castellano, los colombianos Margarita Siempre Viva, que colaboran con Depresión Sonora.
Entre los nuevos nombres de la playlist «Ready for the Weekend» que os recomendamos se encuentran Lucas Jesús, Olga Zoet o Sr Bizarro. No os perdáis tampoco novedades de 070 Shake, Oklou, Antilopez, Nieve Ella, Rae Morris, «la balada» de Ruslana…
One Direction ha publicado un mensaje de luto por la repentina muerte de Liam Payne, uno de los integrantes de la banda. «Estamos completamente devastados por la muerte de Liam. Diremos más cuando haya pasado un tiempo y cada uno de nosotros se sienta preparado. Mientras nos tomaremos un tiempo para procesar la pérdida de nuestro hermano, al que tanto queríamos. Los recuerdos que compartimos con él los atesoraremos por siempre». Louis Tomlinson, Zayn Malik, Niall Horan y Harry Styles firman el comunicado.
En las últimas horas se han ido sucediendo los mensajes de despedida a Payne firmados por cada uno de los integrantes de One Direction. Tanto Zayn como Louis y Harry han recordado con cariño su amistad con Liam, y Zayn ha agradecido a Liam haberle dado su apoyo en «los momentos más difíciles» de su vida, aunque ha lamentado no habérselo podido decir en vida.
Niall Horan, el último componente de One Direction que vio a Liam Payne con vida, pues ambos coincidieron en Argentina hace muy pocos días, ha escrito: «Me siento afortunado de poder haber visto a Liam hace muy poco. Tristemente no sabía que después de decirle adiós y de abrazarle esa tarde, le estaría diciendo adiós para siempre».
Más allá de lo personal, Louis y Zayn han dedicado palabras en sus respectivos comunicados para elogiar el talento musical de Liam, destacando su buen oído para la música y su buen hacer para la composición. Para Zayn era el integrante musicalmente más «cualificado» de One Direction, y Louis ha expresado que Liam era «la parte más vital» del grupo.
Payne ha perdido la vida este miércoles en Buenos Aires tras precipitarse desde el balcón de un hotel, a los 31 años. JENESAISPOP recuerda el papel esencial que jugó Liam Payne en One Direction en un obituario firmado por Alberto Acerete.
Diversas obras artísticas a lo largo de la historia han presentado la casa como un personaje más, con alma y, en algunos casos, capacidad de hablar. El ejemplo más recordado puede ser ‘La caída de la casa de Usher’ de Edgar Allan Poe, cuento en el que el hogar simboliza la claustrofobia psicológica de su protagonista. El terror ha jugado mucho con el concepto de casa personificada, por ejemplo, la película ‘Monter House’ (2006) o el clásico de culto japonés ‘Hausu’ (1977). Sin embargo, no siempre el hogar ha servido de alegoría del estado de terror de los personajes, como demuestra la preciosa película de Disney, ‘Encanto‘ (2021).
El nuevo single de Zahara se integra en la segunda categoría de productos culturales que celebran el hogar. Zahara dedica «una canción de amor» a una casa de campo, de la que se ha «enamorado», y la contrapone a la de Madrid, ciudad de la que huye. «Que se muera Madrid, que arda en el infierno», canta en la letra.
Para Zahara, su nueva casa es una persona como ella. «Escucho sus ruidos en la noche, siento que esta casa me habla, que tiene manos, pulmones, escucho cada una de sus palabras», canta la ubetense embriagada por el recuerdo de una vida más tranquila, rodeada de naturaleza, que vuelve a ser una realidad. Zahara celebra su conexión directa con la naturaleza, con las «amapolas», los «abejorros» o los «cipreses». Observa incluso una «silla rota», seguramente de mimbre, aunque no lo detalla. En cualquier caso, Zahara encuentra en esta casa un vehículo para escapar de la «tristeza» y posiblemente también del frenesí de Madrid, una ciudad maravillosa pero que también puede ser muy hostil.
Para contar esta historia de amor, que es igual de romántica que otras, pero no está dedicada a una persona, Zahara no recurre a un sonido bucólico en absoluto. Eso habría sido demasiado predecible. En su huida de Madrid, Zahara también huye del pop en el primer adelanto de su nuevo disco, ‘Lento Ternura‘, que se pondrá a la venta ya en 2025.
El sonido de ‘Yo solo quería escribir una canción de amor’ no rompe radicalmente con el de ‘Puta‘ (2021), sino que lo asienta. La producción -firmada por Zahara- evoca con su base mecanizada una influencia del post-punk de base sintética. Sobre esta base, Zahara interpreta una melodía que tiene mucho más de canción melódica española de lo que parece, sin ofrecer ganchos obvios en una primera escucha. Es una apuesta arriesgada de Zahara… que entra por los ojos a través de su -literalmente- fantástico videoclip. El concepto de casa de pueblo daba juego, y Zahara ha hecho los deberes lanzando un visual que es pura golosina para la vista.
Se siguen sucediendo los macrolanzamientos en solitario de las integrantes de BLACKPINK. Después de escuchar a Lisa convertirse en una ‘New Woman‘ junto a Rosalía, y después de dejarnos conquistar por el ‘Mantra‘ de Jennie, ahora es Rosé la que mueve ficha lanzando single con Bruno Mars. Jisoo, calienta que sales.
Por otro lado, se ha anunciado que el álbum debut de Rosé, ‘ROSIE’, se pondrá a la venta el próximo 6 de diciembre. ‘APT.’ es el primer single.
En ‘APT.’, Rosé apuesta por un sonido muy diferente al de sus dos sencillos anteriores, ‘On the Ground’ y ‘Gone’. En concreto, ‘APT.’ se inclina hacia el sonido cheerleader y las guitarras bubblegum de Avril Lavigne… y hacia las percusiones de ‘Shake it Off’ de Taylor Swift.
‘APT.’ es una canción desenfadada y divertidilla, aunque suena todo lo procesada que puede sonar una canción «punk» diseñada en uno de esos laboratorios de la industria musical mainstream. Hasta 11 compositores figuran en los créditos de ‘APT.’, entre ellos, por supuesto, Bruno Mars, que con ‘APT.’ toma acción tras el lanzamiento de ‘Die with a Smile‘, actual número 1 global.
La estética prestada del bubblegum punk impregna el rockero videoclip de ‘APT.’. Están todos los códigos del punk que esperas: Rosé y Bruno Mars llevan chaqueta de cuero y gafas rosas con forma de estrella, tocan la batería e interpretan la canción delante de un set de altavoces y usando un micrófono enganchado a un largo cable. En otras palabras: ya era hora de que alguien reivindicara ‘Sucker‘… aunque Rosé no recupere la mala baba de Charli xcx.
Sevdaliza estrena ‘No Me Cansaré’, su colaboración con Karol G. Es un lanzamiento importante para ambas: en el caso de Sevdaliza, es su primer single desde ‘Alibi‘, y en el de Karol G, es el primero desde ‘Si antes te hubiera conocido‘. Ambos han sido grandes éxitos internacionales en el último año, sobre todo en el ámbito hispano, a pesar de que Sevda Alizadeh es iraní, aunque es cierto que su sonido ha ido evolucionando hacia los ritmos latinos.
‘No Me Cansaré’ está escrita sobre una base de reguetón a medio tiempo y, tanto por ritmo como por melodía, es la típica canción de Karol G, lo cual se confirma comprobando los créditos de composición, en los que el nombre de Carolina Giraldo aparece en primer lugar. Melódicamente, es una canción tan dulce como las suele escribir la autora de ‘Provenza’. La letra celebra un amor sano. «Tú me dejas brillar, me siento librе aún siendo tuya / No me cortas las alas, tú me dеjas volar», dice uno de los versos.
Aunque es la frase «Tú proteges mi niña interior» la que inspira el videoclip de ‘No Me Cansaré’, que tira de nostalgia mostrando las versiones infantiles de Sevdaliza y Karol G y, además, se ha rodado en blanco y negro.
Sevdaliza y Karol G coincidieron recientemente en la gira de Mañana será bonito a su paso por Brasil, por lo que la alianza entre las dos artistas puede venir de ahí.
Sevdaliza ha dado este año su gran salto al mainstream gracias a ‘Alibi’, su single con Pabllo Vittar e Yseult que emplea la melodía del «Rosa, qué linda eres» de Totó la Momposina. ‘Alibi’ se ha viralizado en TikTok, ha tomado el global de Spotify y ha sido un éxito en varias listas oficiales de Europa y América Latina, especialmente de Portugal, donde se ha posicionado en el número 1; Francia o Brasil. También ha alcanzado el número 1 en Turquía. En España la repercusión de ‘Alibi’ ha sido moderada.
A continuación se editó un remix de ‘Alibi’ con Anitta, copiando la estrategia del single anterior de Sevdaliza, ‘Ride or Die‘ con Villano Antillano, que se viralizó tras el lanzamiento de su remix con Tokischa. Ahora mismo, ‘Alibi’ -en su versión original- está posicionada en el 59 del global de Spotify superando los 300 millones de streamings en Spotify.
Dedicamos el nuevo episodio de ALGO CAMBIÓ…, el podcast que JENESAISPOP realiza junto a Fundación SGAE, a hablar de artistas españoles cuyo éxito ha llegado más allá de nuestras fronteras. Últimamente se ha hablado mucho de la internacionalización del repertorio de Rosalía tras fichar por la división internacional de Sony o de artistas presentes en el top 500 de Spotify como Quevedo y Rels B. Este último actuó en el Foro Sol de México para 65.000 personas, antes de hacerlo en España. Pero hubo precedentes, como el de Mónica Naranjo, que arrasó en este mismo lugar antes de en el propio.
Sonados fueron los casos de Raphael o Julio Iglesias. El modo en que este penetró en el mercado estadounidense fue analizado en el libro ‘HEY!’ de Hans Laguna. Muy diferente fue el caso de su hijo Enrique Iglesias, que arrasó antes del huracán latino y la música en español, en plena hecatombe 11-S.
Mecano tradujeron sus canciones al italiano o al francés, Luz Casal también llevó su éxito al país galo de la mano de Almodóvar, y Héroes del Silencio aún suenan en Alemania con ‘Entre dos tierras’. Todos sabemos que Alejandro Sanz y Pablo Alborán han llevado su éxito a países hispanohablantes, pero menos conocidos son los casos de Jarabe de Palo y Rosana, que lograron discos de platino en Italia y colaron su música en las emisoras de otros países de la Europa continental, además de en Latinoamérica.
Porque no solo son importantes las listas sino también la cultura de salas a escala internacional, visitan el podcast Hinds, que como siempre van a presentar su nuevo álbum por todo el mundo. Junto a Carlota Cossials y Ana Perrote, recordamos cómo asaltaron Reino Unido con su debut ‘Leave Me Alone’ y cómo lo llevaron a otros territorios tan complicados como Estados Unidos o la Europa continental. No obstante, el grupo puntualiza que tiene el mismo número de fans en España que en otros lugares. «Se nos pone el apellido de que «triunfamos más fuera que dentro», y nada más lejos de la realidad. Lo que ocurre es que el mundo es muy grande. Tocamos las mismas veces en Madrid y Barcelona, que en Nueva York. Lo que pasa es que vamos muchas veces a Nueva York, a Londres o a Berlín. Pero porque nos preocupamos de tener un gran jardín».
No siempre ha sido un camino de rosas. En Japón y tras la pandemia, tendrán que volver a empezar de cero tras haber perdido un Fuji Rock. «Tienes que plantar semillas en territorios de todo el planeta y si no las riegas se te mueren», indica Cossials. «Los gastos de ir a Japón son muy altos». De hecho, durante el confinamiento, Hinds han estado cerca de morir como banda. «Este disco es un renacer. A nivel interno. A nivel estilo no se ha notado tanto pero al ver la muerte tan de cerca, cada mañana que tenemos una promo, una entrevista o un podcast lo hemos cogido con muchas ganas. La pandemia nos pegó fuerte».
Ahora el dúo está entusiasmado por la recepción de su nuevo álbum, el notable ‘Viva Hinds’, tras varias eras recibiendo «hate». «Ahora estamos recibiendo mucho amor, pero todos los palos y hostias nos los hemos comido aquí (en España)».
Por su música, es cierto que se sienten más cercanas a la escena anglosajona. En su disco colaboran Beck o Grian Chatten de Fontaines DC, no artistas nacionales. «Nadie se atreve a ser nuestro amigo», bromean. «Rara vez encontramos una entrevista de un grupo de nuestro tamaño en que nos mencionen, únicamente los grupos de chicas». Cossials pone como ejemplos a Ginebras, shego y un tuit de Arde Bogotá que decía «ánimo, chicas». «Pero creo que nos referencian por motivos políticos, por el sexismo, al nivel de mujeres, por lo que hemos hecho para tener un lugar equitativo en la industria musical. Pero rara vez a un jambo que esté a nuestro nivel oirás decir «me encantan las Hinds». Sin politizar que somos internacionales o que somos chicas. No le gustamos a nadie», vuelven a bromear.
Y subrayan que eso solo pasa en España: «A los propios Fontaines se les cae la baba con nosotras. No vamos a ponernos a fardar pero en la industria fuera se nos quiere y se nos respeta mucho», puntualiza Perrote. «Yo no me cambio por nadie y me encanta ser de aquí y haber cambiado la escena española, pero si hubiéramos sido una banda sin el cariño internacional… Aquí hemos tardado 3 discos en que se nos empiece a respetar y a tratar un poco bien».
En la última parte del podcast, Luis Gómez, jefe de socios de SGAE, nos habla de su experiencia con Mecano o Quevedo, y nos da otros nombres que han dejado ingresos voluminosos, como el de los metaleros Crisix, que tienen público en Colombia o Francia o Álvaro Soler. Además, nos revela qué territorio es el más apetecible para los autores españoles por ser en el que más se recauda. SPOILER: no es México.
La pérdida de Liam Payne ha conmocionado al mundo, incluso a aquellos a los que su nombre no dijese nada. Era muy joven, apenas tenía 31 años y hace unas semanas se posponía el lanzamiento de su próximo álbum. Pero, sobre todo, formaba parte de una esperanza generacional que lleva años inundando las redes, sumando incluso a nuevos seguidores que nunca vivieron el fenómeno en su tiempo: volver a ver reunidos a One Direction.
One Direction fueron el último fenómeno de masas global, en cuanto a teen groups se refiere, en occidente. Ni sus sucesoras en The X Factor Little Mix, ni sus homólogas americanas Fifth Harmony, y mucho menos aquellos rivales directos que parecían ser The Wanted se acercaron a las cotas de popularidad e impacto cultural del grupo. Un tipo de banda, por otro lado, opuesta al control exhaustivo de los grupos coreanos actuales, que han elevado los estándares de ejecución del pop a un trabajo olímpico y, con ellos, los estándares del público al encumbrar este tipo de fenómenos. La espontaneidad y el descontrol de One Direction representan muy bien los años en los que existieron.
El tiempo, no obstante, ha distorsionado el impacto que Liam Payne tuvo inicialmente en el público y la banda. Aquellos que asistimos, semana a semana, a cómo un grupo de cinco chicos erráticos y descontrolados se salvaban, contra todo pronóstico, una semana tras otra en The X Factor; aquellos que asistimos al nacimiento de un fenómeno de masas cuando, siguiendo a ‘What Makes You Beautiful’, su primer single, lanzaron el que sería uno de los discos de pop adolescente (al igual que ‘Take Me Home’, su continuación) más perfectos de la historia; sabemos que Liam no mentía cuando hace unos años desvelaba públicamente que era él la figura que los productores habían elegido para liderar One Direction. Así se lo habían comunicado en su día.
El mundo hizo mofa de sus declaraciones, olvidando no solo su rol en las entrevistas del grupo, sus intervenciones o incluso su posición predominante en las canciones y los vídeos, sino también evitando recordar que fue Liam el primer integrante de la banda en presentarse ante la audiencia de The X Factor. Fue Liam, situado en el centro y un paso por delante de sus compañeros, el encargado de cantar el primer verso de ‘Viva la Vida’ de Coldplay. A pesar de la evidencia, Internet (especialmente Twitter) decidió no creerlo cuando lo relató, llevando a cabo una especie de cancelación. La primera de muchas. Afortunadamente, este dato lo confirmaría Nicole Scherzinger posteriormente, la mente de la que surgió la formación tal y como la conocimos. Era evidente que algo había cambiado entre el público y él.
Dentro del grupo, Liam Payne representaba la masculinidad hegemónica que la industria requería a las boybands entonces. Era 2010. El rol de Liam estaba tan asentado en las boybands y, para la industria era tan necesario, que The Wanted podría leerse como una banda en la que existían cinco versiones diferentes de la figura que Liam representaba en One Direction. Era el chico guapo, normativo, formal hasta cierto punto, canalla cuando estabas a solas con él. Era Mario Casas en ‘A tres metros sobre el cielo’, pero sin moto y teniendo la aprobación de tus padres.
Dotaba de aplomo a la banda, que durante sus tres primeros discos se caracterizaba por un descontrol festivo e infantil. El caos, de hecho, fue un elemento fundamental en One Direction. Si bien fue un aspecto que parecía jugar en su contra durante The X Factor, terminó convirtiéndose en la piedra angular de la marca. Las actuaciones e intervenciones del grupo, llenas de una energía excesiva, descontrolada y caótica, solían estar tamizadas por la serenidad y aparente madurez de Liam. Era, de algún modo, el hermano mayor que vigilaba, guiaba, sosegaba, pero agitaba cuando las cosas se volvían demasiado tranquilas. Fue, en muchas ocasiones, el pilar. Incluso en la gestión que el grupo hacía de la rebeldía de Zayn Malik.
«Liam fue el hermano mayor que vigilaba, guiaba, sosegaba, pero agitaba cuando las cosas se volvían demasiado tranquilas»
El descanso definitivo del grupo (nunca se llegaron a separar) terminó con esa figura. Y a ese fin hemos asistido año tras año. Las decisiones artísticas de Liam Payne, menos innovadoras o sólidas que las de sus compañeros, y los problemas que se acumulaban a su alrededor, especialmente en los últimos tiempos, le terminaron convirtiendo en la figura antagonista a la que representó en la banda. O hizo crecer aquella que se intuía bajo las capas de formalidad.
Desde el inicio del descanso de One Direction, el mundo (y con él, la industria) evolucionó en muchos aspectos culturales y sociales. Entre ellos, dejó de validar la masculinidad hegemónica que Payne había encarnado, algo frágil. Al tiempo que el resto de los miembros evolucionaba, se cuestionaba o crecía dentro y fuera de la música, Liam, como figura pública, permaneció estático. Harry, Louis, Zayn y Niall lograban, a su forma, reconfigurar sus identidades públicas al tiempo que la sociedad deslegitimaba actitudes y roles previamente aceptados. Así, conseguían mantener una sólida base de seguidores. Liam no.
La base de fans del grupo, de forma asombrosa, sigue siendo fiel catorce años después de su inicio, pero se trata de una base de fans muy distinta a la de entonces. El perfil actual de fans de One Direction probablemente encuentre cuestionables muchos detalles del pasado de la banda, como algunas de las caricaturas del icónico vídeo de ‘Best Song Ever’. Pero no solo han cambiado los seguidores que estuvieron entonces. El fenómeno ha crecido gracias a Tik Tok, sumando seguidores a la banda, gente tan joven que no la vivió en su momento. Todos los miembros se han visto favorecidos por un crecimiento exponencial a lo largo de los años. Liam Payne fue el único en no beneficiarse de esto. El proyecto de Liam Payne y su figura han parecido no disponer de espacio para cuestionamientos, ni personales ni artísticos. Y los seguidores no estaban dispuestos a entender a Liam y, parece, Liam tampoco supo (o quiso) entenderlos a ellos.
No obstante, llegará el tiempo en el que podamos analizar todo esto con perspectiva, lo ocurrido, su carrera, la responsabilidad del mercado en sus últimos años, la suya propia, y su pérdida. Ahora quizá sea momento de recordar a Liam Payne como la pieza fundamental que sí fue en el último fenómeno pop masivo de occidente, su impacto en la cultura popular y en toda una generación, que quizá entre de golpe hoy en la vida adulta. Crecer, en parte, es aprender a aceptar lo que se perdió y lo que ya nunca podrá ser.
‘Someone’s Ugly Daughter’, descrito como «grunge despreocupado» y «light punk» por la propia artista, fue grabado en secreto durante las sesiones de ‘Daydream’. Carey reveló en 2020 la existencia de este disco, pero ninguna canción ha visto la luz todavía. Ahora, en un nuevo episodio del podcast ‘Las Culturistas’, Carey ha declarado que sigue teniendo ganas de que lo escuchemos: «Estoy molesta por no haberlo sacado todavía».
Uno de los presentadores le sugiere a la cantante lanzarlo de forma independiente en Garageband, e inmediatamente responde que lo «podría hacer»: «Es un buen disco», añade. Después, Carey hace una promesa que no sabemos si se cumplirá en algún momento: «Vale, lo escucharéis», concluye.
En otro momento del programa, la cantante neoyorquina cuenta que ‘Butterfly’ (1997) es el disco que más significa para ella y admite que es su mejor trabajo, lo cual no es muy común entre artistas. Siempre suelen apostar por el último o por los primeros, pero ella es más sabia: «Me encanta ese disco. Tiene un sentimiento concreto cuando lo escuchas. Simplemente tiene mucha diversidad», declara Carey antes de bromear sobre la falta de elogios y premios hacia ese álbum. Curiosamente, Carey ya indicó que consideraba ‘Butterfly’ su obra maestra… en el libreto de un disco posterior, ‘Memoirs of an imperfect angel’ (2009).
En el podcast REVELACIÓN O TIMO, cuando nos detuvimos a seleccionar 6 discos esenciales de Mariah Carey, tuvimos claro que ‘Butterfly’ era el mejor. Tras las colaboraciones con raperos que habían comenzado en la era ‘Daydream’, ‘Butterfly’ contenía hits como ‘Honey’ y el pseudo bolero ‘My All’, además de ‘The Roof’, tema que sampleaba a Mobb Deep; ‘Babydoll’ con Missy Elliott; ‘Fly Away’ con David Morales y créditos de Elton John; o una versión de Prince. Es un perfecto resumen de lo que ha sido el legado de Mariah Carey.
Rita Payés visitó ayer La Revuelta y regaló una actuación sorpresa para terminar el programa. La artista catalana llevó un cuarteto de cuerdas al programa de Broncano para interpretar ‘Tantas Cosas’, sacada de su tercer disco, ‘De camino al camino’. El vídeo de la actuación puede verse en RTVE, en el minuto 6 de los 10 que dura su parte.
El invitado principal del espacio fue Marc Cucurella, defensa de la Selección Española, «primer futbolista de la temporada» y objeto de un meme que se viralizó hace unos meses gracias a un repetido cántico. Aquel que decía: «Cucu Cucurella, se come una paella».
No fue hasta el finalísimo del show cuando llegó el turno de la cantante. Esta se cruzó con el futbolista, tuvieron una conversación bastante insustancial y comenzó su sección del programa. Payés intentó que Broncano tocase un trombón de plástico que «suena muy bien en realidad», pero no hubo manera: «Me dijeron que tocara la de El Hormiguero, pero no me la sé», bromeó la cantante.
Mientras dirigía a los músicos, Rita exhibió su delicada voz, que causó el silencio total en el Teatro Príncipe. La solista de jazz y bossa presentará su último disco en el Teatro Circo Price de Madrid el próximo 10 de enero de 2025, como parte del nuevo ciclo de conciertos de Inverfest.
Coldplay no tienen suficiente con el número 1 mundial obtenido por ‘Moon Music’. Mediatraffic estima que han vendido casi medio millón de unidades en una semana. Nada mal para los tiempos que corren.
Tras pasar por Saturday Night Live, el grupo tiene un nuevo hito promocional que ya está dando la vuelta al mundo y descubrimos por la prensa extranjera. Se trata de una camiseta oficial con los colores del FC Barcelona, que lanzan de manera conjunta con Spotify. Por supuesto será benéfica, para los refugiados de UNHCR, y solo habrá 1.899 unidades en honor al año de fundación del club. La preventa comienza hoy.
El diseño contiene un logo inspirado en la era ‘Moon Music’. Toda la acción es un guiño al modo en que ‘Viva La Vida’ se convirtió en un himno oficioso del Barça durante la era Guardiola. El diseño lo portarán los jugadores en el clásico contra el Real Madrid el 26 de octubre, y las jugadoras en un partido posterior contra el Eibar. En la nota de prensa, Coldplay mencionan su relación especial con la ciudad. Hace no tanto llenaron 4 Estadios Olímpicos.
Hace poco León Benavente cuestionaban a cierto tipo de artistas españoles cuyas letras no se entienden entre un montón de supuesta poesía. Seguro que entre esos artistas NO están Alavedra. El cuarteto catalán formado por Dani (Daniel Belenguer), Xiri (Oriol Romaní), Ret (Albert Rams) y Genís Pena, que tiene un tema llamado ‘Jordi Pujol’ y otro sobre clichés llamado ‘Ada Colau’, ha sido siempre muy directo.
En sus primeros EP’s, si hablaban de cosas como ser famosos en Instagram titulaban la canción ‘La de Instagram’. En su primer disco destacó un tema sobre poliamor que llamaron ‘La jota del poliamor’.
Los temas en su segundo disco ‘Feliz a la fuerza’ son hijos de la cotidianidad, igual. En ‘Pase lo que pase’ se manifiestan «preparados para el desastre». En ‘Chamartín’ hablan sobre ser hallados muertos en los baños de esta estación. ‘La excusa perfecta’ es un absurdo listado de ídem. ‘Generación’ plantea conformarse con «ser un 5 y medio, aprobado por los pelos». ‘Barcelona’ rima «ciudad con ratas» y que huele a «cloaca», con que encima «no es barata». Y ‘Feliz a la fuerza’ habla de tenerlo todo, sentirse mal y pese a todo ponerse una careta para la galería.
Alavedra comunican todo esto con un sonido más profesional conseguido en el estudio de Paco Loco, con la autoproducción del propio Belenguer. Hay varios cantantes en la banda, no solo Genís y Dani (Ret se suma a ‘Generación’), lo que junto a la diversidad de estilos, da lugar a un sonido variado. Eso sí, siempre que haya guitarras, bajo y batería. Con esa misma paleta pueden recordar a los Strokes (‘La excusa perfecta’), Black Lips (‘Pase lo que pase’ con Diosssito de La Élite), Dandy Warhols (‘No me devuelvas la palabra’) Los Planetas (‘No sé’), o hasta Pignoise y Oasis a la vez (‘Personalidad’). Al fin y al cabo la letra de esta última va precisamente sobre ser chaquetero. «Si no te gusta mi personalidad, tengo otra».
Cada canción logra meterte en su pequeño mundo a través de su concreción, como sucede en el repertorio de las mejores formaciones de guitarras, bien sean punk pop, garage o power pop. Como con los Ramones y Alcalá Norte, pasando por Los Nikis, uno nunca esperará de Alavedra una enorme evolución musical, sino que sigan retratando su entorno, su desencanto, y también sus momentos felices con estribillos infecciosos. Alavedra en absoluto se conforman con un 5,5.
Alavedra actúan el 16 de noviembre en Zaragoza, el 30 de noviembre en Barcelona, el 14 de diciembre en Valencia y en 2025 aguardan Sevilla, Granada, Valladolid, Salamanca o Madrid. Detalles, aquí.
Alondra Bentley ha publicado esta semana su primer disco en español, que además supone su regreso a este formato tras 6 años, los que han pasado desde ‘Solar System‘. ‘La materia’ es un álbum que habla de la vida y de la muerte, inspirado tanto en su hija como en el fallecimiento de su madre. Por ejemplo, la canción titular, tan intrigante y fantasmal, es un Western que parece pulular entre dos mundos.
‘Marchar’, que escogemos hoy como Canción del Día, es una de las canciones más intimistas del álbum y también una de las más bonitas, narrando los últimos momentos de su madre.
De manera sencilla, Alondra Bentley se hace las grandes preguntas de la vida: “dónde estaba antes de nacer, qué sucederá al fallecer”. La gran diferencia frente a otras canciones existencialistas es su aceptación, o al menos, su lucha por la misma: “voy a desaparecer, es algo natural, intenta no pensar de forma tan occidental, haz todo lo que te gusta antes de marchar”, dice el estribillo.
Según la nota de prensa de Sonido Muchacho, Alondra está recogiendo algunas de las últimas palabras de su madre, pese a lo que se enfadó al oírlas: “No le quedaba mucho de vida y me lo dijo muy tranquila. Recuerdo que me enfadé y me puse a la defensiva, pero no podía tener más razón”, recuerda.
La producción acústica está muy ligeramente adornada por el clarinete de Pablo Borderías, mientras de la producción de todo el álbum se han encargado Gruff Rhys de Super Furry Animals y Bernardo Calvo. El vinilo está a la venta en la web de su sello.
LA CINC es la nueva sala de Apolo que cada sábado ofrece una programación diferente y diversa basada en DJ sets y diferentes actividades que no tendrán que ver necesariamente con la programación habitual de la sala. El tardeo irá de 17.00 a 23.30.
Así, por ejemplo, este sábado 19 de octubre, la CINC acogerá el DJ set de DJ Kosmos & Rho presentando The Muzic Box. A continuación, el sábado 26 de octubre, será el turno de Aka Inu & Junz, que traerán a la CINC su Tardeo Tropical. La programación de noviembre será anunciada próximamente.
Bajo el paraguas de CINC también cabe La Casa de Muñecas, una fiesta trans. Un jueves al mes en la Sala Apolo tiene lugar este evento que ha dado mucho de qué hablar en Barcelona en los últimos tiempos. Se trata de una fiesta que existe con el objetivo de dar voz, espacio y visibilidad a los talentos trans del underground. La Casa de las Muñecas se define como un «espacio de creación y exploración en el que se reinterpretan diferentes expresiones artísticas». En sus propias palabras, es un «colectivo artístico-musical sexo-disidente based in Barcelona formado por y para mujeres trans».
Pero que La Casa de las Muñecas sea un colectivo radicado en Barcelona no significa que solo acoja a artistas locales. Desde su creación en 2022, la Casa de las Muñecas abre sus puertas a artistas del underground tanto de Barcelona como del resto del mundo.
La Casa de las Muñecas, que se celebra entre 20.00 y 23.30, se incluye dentro de las actividades de LA CINC, el mencionado nuevo tardeo de Sala Apolo en su nueva sala inaugurada hace unos meses.
La edición de La Casa de las Muñecas del 17 de octubre cuenta con algunos de los talentos trans del underground que más están despuntando. En concreto, habrá dos live showcase, de LaSol y Anastasía Mía, y dos DJ sets, de Ciberpony y Manuelac0re. Cuatro artistas que juntas suman elementos de pop experimental, estética cyborg y performance drag. En este caso, la entrada está disponible en taquilla a un coste de 6 euros.
Tyler, the Creator ha mostrado un nuevo avance musical de lo que es su próximo proyecto, junto con un corto titulado ‘ST. CHROMA’. Después ha confirmado que ‘CHROMAKOPIA’, su nuevo álbum, saldrá el 28 de octubre. Un lunes.
No escuchábamos nada nuevo del artista californiano desde el lanzamiento de ‘Call Me If You Get Lost’ en 2021 y de su edición deluxe, en marzo del año pasado. Lo que podemos sacar del nuevo avance es que Tyler se va a adentrar en otra etapa experimental.
Podemos escucharle rapear en susurros en un beat compuesto principalmente por una marcha militar, que a su vez conecta directamente con la parte visual. En ella, dirige un grupo de personas en traje hacia un contenedor en el que se puede leer la palabra ‘CHROMAKOPIA’ pintada. Poco a poco, la música gira hacia un registro soul o R&B más ligero en el que aparecen diferentes voces. Sin duda, dejándonos con ganas de más.
Una de estas voces sería la de Daniel Caesar, que ha revelado su aparición en las Stories de Instagram: «Hice algunas voces para esto, estoy muy orgulloso. No puedo esperar a que escuchéis el disco completo», ha publicado. En la recta final del vídeo, y con todas las personas metidas dentro, alguien presiona un detonador y vuela el contenedor por los aires. Así, el vídeo pasa de blanco y negro a color.
La muerte de Liam Payne, con tan solo 31 años, ha conmocionado el mundo de la música. En las últimas horas, las redes se han llenado de mensajes de cariño, tanto de fans como de compañeros de profesión, recordando la figura del exintegrante de One Direction. Charlie Puth, Backstreet Boys, Paris Hilton o Liam Gallagher son solo algunos de los artistas que han dedicado unas palabras.
La noticia ha sido un shock para todo el mundo, y ha vuelto a resaltar la cara más insensible de la sociedad. De ahí, la cobertura de TMZ, que había acompañado la noticia con una fotografía del cuerpo de Liam tras caer del tercer piso de su hotel. Alessia Cara es la artista más famosa, y una de las primeras, en hacerse eco de esto: «Dais asco», escribió en X mencionando a TMZ.
Liam Gallagher, que poco tuvo que ver con Payne además de compartir nacionalidad, ha escrito uno de los tweets más sensatos que le hayamos visto: «La vida es valiosa niños y solo puedes vivirla UNA VEZ id con calma», ha compartido a modo de advertencia.
Incluso Paris Hilton ha mandado sus «condolencias» a la familia del artista británico. Flavor Flav, Juicy J o los Backstreet Boys tampoco se han podido creer la noticia: «Las palabras no pueden expresar las emociones que estamos sintiendo ahora mismo de manera colectiva, y parece que el resto del mundo está en el mismo barco», ha escrito la boy band en redes sociales.
Por supuesto, algunos colaboradores, como Zedd, Quavo o J Balvin han dedicado palabras de cariño al artista. De estas, la más dolorosa es la de Charlie Puth, que decide recordar a Payne en sus Stories de Instagram: «Estoy en shock. Liam siempre ha sido muy amable conmigo. Era uno de los primeros artistas grandes con los que pude trabajar. No me puedo creer que ya no esté».
Life is precious kids and you only get to do it ONCE go easy LG x
Love of Lesbian publica estos días su décimo álbum, ‘Ejército de salvación’, un trabajo que gira en torno al concepto de amistad. Para contar esta historia, Love of Lesbian cuenta con la colaboración de algunos de los artistas destacados del pop hispano, concretamente de Jorge Drexler, Amaral, Leiva, Zahara y Rigoberta Bandini. Es un disco lleno de esos himnos edificantes que Santi Balmes y compañía saben hacer tan bien: canciones como ‘Contradicción‘ o ‘Tesis’ se pueden contar ya entre las más destacadas de su carrera.
JENESAISPOP ha podido reunirse con Santi Balmes, Jordi Roig, Oriol Bonet y Julián Saldarriaga, que llega más tarde, pero llega; en las oficinas de RAC1 en Barcelona para comentar en profundidad el contenido de ‘Ejército de salvación’ y también para echar la mirada atrás a sus casi 30 años de trayectoria. Hablamos de sus artistas esenciales, esos que les «salvarían» la vida, de cuándo es idóneo colaborar con otro artista y cuándo no, o de la esclavitud de las redes.
¿Qué dice este disco de Love of Lesbian en 2024?
Santi: El álbum es una alegoría, en un 80%, de nuestra amistad, de nuestra convivencia y manera de entender la banda. Algunas bandas están montadas por supermúsicos, pero nosotros fuimos amigos antes que banda. Es un disco que habla de varias facetas de la amistad, desde su vertiente mas positiva, como ‘La hermandad’, hasta la más dolorosa, que sería la de ‘Una conversación pendiente’ o ‘Qué vas a saber’.
¿Y el 20% restante a qué se dedica?
Santi: Sería el amor romántico, la vertiente de ‘Tesis’, por ejemplo, que sigue la línea de canción de amor de toda la vida. En este disco, el amor romántico ha sido sustituido por una reflexión sobre la amistad. Aunque ‘Ejército de salvación’, la canción, está dedicada a una pareja, está enfocada desde el recuerdo de esas personas que forman la columna vertebral de la vida de una persona, que la sostienen, en referencia a la amistad o a la lealtad, dos factores que no son necesariamente pasionales.
El disco habla de “ese núcleo duro de amistad, hermandad y cariño tan necesario para esta vida”. ¿Se pone demasiado énfasis en el núcleo romántico y menos en el de amistad?
Oriol: Puede ser cierto que en el arte se le da más importancia a lo pasional, a la relación de pareja, pero creo que la vertiente de amistad es más rica porque conlleva una mayor responsabilidad. Nosotros como banda convivimos más que con nuestras parejas. Como canta Santi en ‘Ejército de salvación’, la pasión es un tiempo muy corto; lo bonito es saber cruzar la frontera entre lo pasional y lo que viene después, cuando de la pareja se pasa a la amistad, sin que acabe siendo rutinario. Se le da demasiada importancia al enamoramiento, pero es más importante lo otro. Cuando desaparece todo eso, ¿qué queda?
Santi: Me parece interesante tratar una decepción desde el punto de vista no de una pareja, sino de una amistad. De eso habla ‘Qué vas a saber’ con Amaral. Ahora mismo hay personas de 15, 16, 17 años encerradas en su habitación, desgarradas por una amistad, porque se han discutido con un amigo. Si lo piensas fríamente, hay muy pocos discos o canciones que hablen de la amistad. De esto nos hemos dado cuenta después de escribir las canciones, que había un tema común.
¿Qué áreas de la amistad exploráis en este disco?
Jordi: Las hemos vivido todas. Hemos vivido evidentemente mucho confort dentro de la banda, pero también desolación, soledad…
Santi: Conflictos no resueltos…
Jordi: En la pareja siempre tienes el comodín de la pasión. La pasión ayuda a suavizar las cosas después de una pelea. Entre amigos toca hablar y resolver las cosas.
La comunicación ha sido clave en Love of Lesbian, ¿no? Para manteneros como amigos y banda.
Jordi: Ha sido un aprendizaje de años, hemos crecido como personas… A veces el diálogo ha sido difícil. Hay una parte emocional que no te permite tomar decisiones empresariales con la frialdad necesaria, se mezclan cosas… Muchas veces toca separar ser amigos de ser empresarios.
Santi: Estar en una banda como Love of Lesbian implica estar abierto emocionalmente, por ejemplo en un concierto o en un proceso creativo y, a continuación, estar en un aeropuerto tomando decisiones frías. Pasamos de la frialdad absoluta a momentos muy emocionales que solo podemos explicar nosotros porque los hemos vivido en un escenario. Es una mina riquísima para echar mano de ella en un disco.
¿El disco se piensa desde la idea de traer artistas invitados, o estos vienen después? No son canciones escritas con voces invitadas en mente.
Santi: Nunca me he puesto a escribir algo con una intencionalidad comercial o de colaboración, pero durante el proceso creativo te empiezan a surgir nombres, en esa voz que podría pegar en determinada canción… Nunca trabajas haciéndote un encargo a ti mismo. A mí me ha pasado que editoriales me han escrito para proponerme una colaboración con un «artista del mundo mainstream que necesita un tema downtempo que hable de desamor con referencias estilísticas a la música urbana mezclando con pop”. Yo no puedo trabajar así. Lo he intentado, pero tengo que conocer antes a la persona, llevarme bien con ella y, a partir de ahí, saber lo que quiere haciendo un ejercicio de empatía.
Me quedo con ganas de saber qué artista te propusieron…
Santi: Te hablo de mails que envían agencias dirigidos a muchos compositores a la vez, en los que a veces ni te dicen el nombre del artista en cuestión. Una vez me llegó una propuesta para componer una canción para Sergio Dalma e hice la prueba, me puse a escribir una canción una mañana, pero siempre me pasa lo mismo: escribo una canción, me mola mucho y me la acabo quedando. Con Sergio Dalma -con todo el respeto que le tengo- no llegué a ningún lado porque ya estaba condicionado a hacer algo más comercial y no me encontré a gusto. Si desde el principio me proponen quedar con él, comer con él, conocerle y averiguar cuáles son sus inquietudes actuales, aún puedo escribir algo que lleve su esencia. Lo que no puedo hacer es intentar escribir una canción para Sergio Dalma, sin conocerle, basándome en su hit de hace 30 años. Estas propuestas tan frías que llegan por mail, por mi parte, van directamente a la papelera.
En otro escalón mas mainstream, gente como Taylor Swift o Lana Del Rey trabajan continuamente con Jack Antonoff por una cuestión de afinidad creativa, pero también porque comparten una amistad y se encuentran cómodos trabajando juntos. Da la impresión de que ya no se reúnen dos artistas en un estudio para estar incómodos, y que de ahí pueda salir algo interesante. ¿No os da miedo caer en ciertos vicios componiendo desde ese lugar de amistad?
Oriol: Lo que pedimos a una colaboración es que se dé con una persona que admiramos y que sume a la canción, con una persona que sabemos que va a hacer algo que nosotros no podríamos hacer. Las colaboraciones en este disco, además, nacen desde un lugar de agradecimiento, porque con Eva, Leiva, Zahara… hemos compartido escenario. Para nosotros era bonito capturar en un disco la esencia de esos momentos que hemos vivido juntos.
«Santi: Con Sergio Dalma no llegué a ningún lado porque, a la hora de componerle una canción, ya estaba condicionado a hacer algo más comercial y no me encontré a gusto»
¿Fue pan comido conseguir las colaboraciones?
Santi: No fue fácil encontrar fechas. Eva vive aislada prácticamente; Jorge Drexler está que medio planeta es su casa. Trabajar con Rigoberta ha sido fácil, porque ha grabado en Barcelona, pero cuadrar con el resto de artistas ha sido más complicado. Nos hemos adaptado a sus agendas. Yo, por ejemplo, me he pillado unos cuantos AVEs para ir a Madrid.
Jordi: El disco se empieza a grabar en principios de 2023, entre junio y septiembre se continúa la grabación en Barcelona y, después, ha sido todo viajes a Madrid para cerrar las colaboraciones. Ha sido un año aproximadamente de grabación. En el caso de Eva, ella prefiere trabajar en su zona de confort, que es su estudio de grabación propio, en el que trabaja asiduamente. Así que nosotros hemos ido a trabajar con ella, y no al revés.
Santi: Yo he visto a Eva trabajar en la canción con el setlist de su gira de verano delante, porque estaba ocupada con eso al mismo tiempo.
¿Y cómo ha sido compartir estudio con Jorge Drexler?
Santi: Ha sido muy curioso ver su proceso, ver cómo analiza una canción, cómo la disecciona. Él ha estudiado medicina y parece que aplica un método parecido a la composición: primero hace un análisis muy matemático de la melodía de la canción y, cuando tiene computada la secuencia de notas, le insufla su humanidad y su personalidad, rompe con esa perfección matemática, y empieza a proponer cambios. Hace un proceso 360.
¿Y Leiva?
Santi: Con Leiva hemos trabajado más por WhatsApp. Él es muy intuitivo y grabó su parte casi en la primera toma. El nombre del disco ha sido una propuesta de él.
Jordi: El titulo lo teníamos, porque es el de una de las canciones del disco, pero él vio que el disco se tenía que titular así.
Santi: El disco se iba a llamar ‘Mis vecinos los humanos’. No descarto usarlo algún día. Pero Leiva vio que en la canción ‘Ejército de salvación’ está la columna vertebral del álbum. Es la primera vez que una persona externa propone el titulo de un trabajo nuestro.
¿Qué me podéis decir de ‘Tesis’ con Zahara?
Santi: En esa cancion canto la peor frase que puedo cantar en una canción, que es “Ya no siento nada”. Te puede doler alguien, puedes amar a alguien, pero no sentir nada es lo peor que te puede pasar.
¿Cuál sería vuestro ejército de salvación musical? Esos artistas esenciales en vuestra vida. Decidme tres cada uno.
Santi: Johnny Marr, Robert Smith y Jonny Greenwood. Os jodéis porque no podéis repetir, comeos un poco la cabeza (NdE: se pelean por el vocalista de The Cure).
Jordi: Ian Curtis, Liam Gallagher y Bruce Springsteen. Yo, últimamente, he hecho un camino de retorno con Bruce y ahora le defendería hasta el final. Antes, si escuchabas a Springsteen, estabas desactualizado. Pero asistí a uno de sus últimos conciertos, descubrí parte de su repertorio de los 70 y 80 y estuve de rodillas ante él todo el rato.
Oriol: Te digo tres de España: Antonio Vega, Enrique Bunbury e Iván Ferreiro.
(Llega Julián Saldarriaga). Faltas tú.
Julián: Me gustan mucho Broken Social Scene, The War on Drugs y Twin Shadow.
Son más contemporáneos que el resto de opciones.
Julián: Hombre, Broken Social Scene tienen sus años.
Santi: Yo he descubierto ahora a Ca7riel y Paco Amoroso. Ahora con el Tiny Desk han explotado. Drexler, por lo visto, es súper colega de ellos. Y hay unas chicas de Barcelona que se llaman Marala que son muy jevis. Combinan música tradicional con electrónica a dolor y son muy buenas.
«El “hype” ahora está no en nosotros sino en Arde Bogotá o Viva Suecia, que son los que están recibiendo los palos»
En ‘La Hermandad’, Santi canta “Como nunca estuvimos de moda / De moda no podremos pasar”. ¿Nunca habéis sentido que estáis de moda?
Santi: Siempre hemos tenido complejo de banda anómala que no encaja en la escena. Pero se te quitan las manías cuando descubres que ‘Out of Time’ es el álbum con el que R.E.M. lo petaron, a pesar de que ellos decían que en medio de la eclosión del grunge no pintaban nada. Muchas bandas tenemos un complejo de no estar de moda, de ser odiosos y odiables.
¿Y os sentís así por lo que leéis sobre vosotros o ya de base?
Santi: En el infausto año 2012 todo se convirtió para nosotros en una oleada de admiradores y odio, sucediendo al mismo tiempo. Ahora ya no nos pasa tanto porque todo se ha asentado más para nosotros, nos hemos ganado esa medalla de respeto dentro de la escena. El “hype” ahora está en Arde Bogotá o Viva Suecia, que son los que están recibiendo los palos. Los haters son como estorninos: vuelan hacia donde huelen sangre fresca. Nosotros ya no tenemos sangre fresca por ningún lado (ríe)
Pero tiene que ser reafirmante mantenerse en el tiempo.
Oriol: Nosotros tenemos la sensación de ser una banda atemporal. Es verdad que con ‘1999‘, no sé si estuvimos de moda, pero lo petamos mucho. Pero ahora en un bolo tocamos una canción de ‘Maniobras de escapismo’ (2005) y se lleva fantásticamente bien con una cancion que está en este nuevo disco. Esto abarca toda la trayectoria discográfica de Love of Lesbian, y que nuestras canciones se lleven bien las unas con las otras, nos da la razón en este aspecto.
En ‘1999’ estabais en todos lados.
Santi: No podemos decir que no estuvimos de moda, lo estuvimos, pero era tentador expresar esa frase en una canción. A veces son concesiones…
¿Alguna canción que retiraríais de vuestra discografía para siempre?
Santi: (piensa) ‘Radio Himalaya’, aunque la escuché hace poco y no está tan mal…
Oriol: Quizá no las retiraría, pero hay canciones que, con el paso del tiempo, las habríamos resuelto de otra manera.
Santi: A ‘Psiconautas’ le cogí manía porque Ricky Falkner (su productor) me la hizo odiar. Decía: “pero cómo puede ser que a la mejor canción melódica que has escrito en tu vida le metas esa letra”.
«Antes vendíamos 3 Razzmatazzs con un tuit; ahora el trabajo en redes es un desgaste severo»
¿Algo que decir sobre la separación de Leire Martínez y La Oreja de Van Gogh?
Santi: Yo no quería decir que voy a ser el nuevo cantante de La Oreja de Van Gogh, pero las cosas se han precipitado.
Julián: A mí me parece más noticia que Carmen Boza haya entregado las armas. Carmen ha puesto en redes que está hasta el coño de tener que crear contenido todo el rato, que esa necesidad le ha provocado un quiebro mental, que está agobiada teniendo que estar siempre sacando música, y que se retira de los escenarios.
Desde fuera parece que es un poco lo que hay, que son las reglas del juego y quien quiere las acepta, jugando a su manera, y quien no, no. ¿Cómo lo veis vosotros?
Santi: Yo no quiero hacer demagogia con este tema, porque Love of Lesbian tiene ya mucho ganado. Te tienes que poner en la piel de una persona que está empezando.
Julián: Nosotros venimos de MySpace, hasta hace poco llevamos las redes nosotros y es un desgaste severo: no va solo de colgar cosas, de informar, y de usar las redes como te apetezca, que es la parte divertida; es que también va de subir anuncios, carteles, de comunicar información sobre entradas, de contestar a los fans… Eso es un agobio y tiene que llevarlo alguien externo. Nosotros tenemos un community manager desde hace un par de años. Es muy diferente al contexto de hace unos años. En otra época, nosotros colgábamos un tuit y con ese tuit vendíamos todas las entradas.
Santi: Vendimos 3 Razzmatazzs con un tuit.
Oriol: No colgábamos pósters en la calle porque ya lo teníamos todo vendido.
Jordi: Antes de MySpace el artista dependía de aparecer en un fanzine, en una revista, de que le pinchasen en Radio 3. Pero nada de eso dependía de nosotros. Las nuevas plataformas quitan poder a los de siempre pero, a su vez, usarlas se ha convertido en una especie de esclavitud, y perdón que use esta palabra, pero usar las redes hoy en día es un esfuerzo y un trabajo constantes. Y destacar es difícil porque en las redes hay mucho ruido.
Santi: Además, la imagen se homogeneiza mucho. Ahora desde el escenario el grupo se hace un selfie con el público detrás y, en la leyenda de la imagen, escribe una frase tipo “intentando asimilar lo que ha sucedido hoy”, y te das cuenta de que todos los grupos suben lo mismo. Al final estás consumiendo el mismo contenido todo el rato. Ahí vale la pena pensar si existe alguna alternativa a lo que ofrecen las redes hoy en día, porque tú puedes currarte un post de Instagram, y la realidad es que la gente lo va a leer sentada en la taza del váter, y si te enrollas mucho, hace scroll para arriba y a seguir mirando…
En 1978 el músico canadiense Mort Garson lanzó el álbum ‘Mother Earth’s Plantasia’, un disco de música ambiental diseñado «para que las plantas lo escuchen». En JENESAISPOP, Natalia Ferviú lo recomendó en su momento. El disco pasó desapercibido en su época pero, en los últimos años, ha ganado estatus de culto y se ha convertido en una pieza de colección para muchos melómanos que decoran sus hogares con plantas. Es decir, es un icono del postureo. Seguro que lo has visto en algún vídeo de decoración de Instagram y, si no, lo verás tarde o temprano.
El mundo natural ha inspirado grandes obras musicales a lo largo de la historia, algunas tan polémicas como «The Secret Life of Plants» de Stevie Wonder, y Ozoyo es uno de los últimos artistas que se basan en ella para crear su propia música.
Ozoyo es el alias de un músico y productor radicado en Estambul que factura una música electrónica de corte naturalista. Su música se inspira en las «texturas ricas de la naturaleza» y sus composiciones reciben títulos como ‘Dragonfly’ o ‘Distant Solace’.
Las primeras producciones de Ozoyo, como las contenidas en su álbum ‘Motel Lazy’ (2019), se alienaban en el chill beats y el lo-fi, y nunca adivinarías que Ozoyo cuenta a leyendas del jazz como Chet Baker entre sus primeras influencias. Sin embargo, su sonido actual es muy distinto, pues parece Aphex Twin su principal referencia, en su vertiente más rítmica y abstracta. Aunque la música de Ozoyo se inspira de manera más directa en los sonidos orgánicos de la naturaleza, tanto que su próximo disco, ‘Worm’, está enteramente dedicado al mundo de los gusanos y las larvas.
En base a títulos como ‘Slow Worm’ o ‘Hornworm Metamorphosis’, entre los cuales destaca, necesariamente, ‘Worms on Acid’, Ozoyo entrega una serie de interesantes diseños electrónicos que se debaten entre el ambient y el puro ritmo abstracto. ‘Bearded Fireworm’, uno de los singles de este ‘Worm’ que se lanza el 25 de octubre, es la Canción Del Día.
‘Bearded Fireworm’ es una de esas composiciones electrónicas que saben llamar la atención desde el segundo cero y que no podrás evitar ponerte en bucle. En un primer lugar su parecido con el estilo de Aphex Twin se hace evidente pero, después, la canción empieza a diferenciarse por su componente naturalista lleno de texturas líquidas y viscosas. ‘Bearded Fireworm’ es un festín de ritmos, melodías y efectos que hacen cosquillas a los oídos. En los 90 habría hecho las mieles de Björk y del sello Warp. En 2024, seguro que también las harían.
Liam Payne, cantante británico conocido por ser uno de los integrantes de One Direction, ha muerto a los 31 años. Acorde con las primeras informaciones, Payne se ha precipitado desde el tercer piso del hotel en el que se alojaba en Buenos Aires, Argentina. Se desconocen las causas de la caída.
Según la prensa argentina, la policía había sido llamada al hotel durante la tarde del miércoles por un empleado que alertaba de la presencia de un «hombre agresivo que podría estar bajo efectos de drogas o alcohol». Según TMZ, Payne había estado «actuando de manera errática» durante la tarde «en el vestíbulo del hotel» y había tenido que ser «llevado a cuestas a su habitación». El SAME ha constatado el fallecimiento.
Nativo de Inglaterra, Payne alcanzó la fama a los 16 años tras ser elegido para ser miembro de One Direction junto a Harry Styles, Zayn Malik, Louis Tomlinson y Niall Horan, en la séptima edición de la versión británica de X Factor. Hace unos días, Horan y Payne habían coincidido en Argentina, en la gira del primero.
Inmediatamente después del debut de One Direction en 2010, con el single ‘What Makes You Beautiful’, One Direction pasó a convertirse en un fenómeno de masas internacional y en la boy band más popular del mundo. Ni Payne ni el resto de integrantes de One Direction participaron en la composición de algunos éxitos de One Direction, como el citado ‘What Makes You Beautiful’ o ‘You & I’, pero sí en la de otros, sobre todo de la última etapa, como ‘Night Changes’ o ‘Steal My Girl’. One Direction comunicó su separación en 2016 y, desde entonces, cada uno de sus integrantes ha desarrollado su propia carrera en solitario.
Mientras el resto de sus compañeros de banda elegían las guitarras o un papel de artista serio, Payne no renunciaba al pop. ‘Strip that Down’, su single con Quavo, supera los mil millones de reproducciones en Spotify, y también son asombrosas las cifras de sus lanzamientos con Zedd (‘Get Low’), Rita Ora (‘For You’) o J Balvin (‘Familiar’). En solitario, ‘Bedroom Floor’ se encuentra entre las canciones más escuchadas de Liam.
El álbum debut de Payne, ‘LP1‘, publicado en 2019, no fue el más exitoso de los vinculados a One Direction ni a nivel de ventas (quedó en un puesto 17 en Reino Unido) ni a nivel de críticas, a pesar del correcto nivel de sus singles. Por otro lado, uno de sus cortes, ‘Both Ways’, fue criticado por convertir la bisexualidad en un fetiche.
Solo la semana pasada había sido noticia que Payne había decidido posponer el lanzamiento de su segundo álbum. ‘Teardrops’, el primer single, se lanzó en marzo.
En el aspecto personal es oportuno mencionar que Payne era padre de un hijo con Cheryl, integrante de Girls Aloud. El bebé nació en 2017, y Liam y Cheryl se separaron en 2018. Últimamente, Payne afrontaba acusaciones de acoso por parte de su ex-prometida, Maya Henry.
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