The Drums, desde hace rato el proyecto unipersonal de Jonny Pierce, vuelve con nuevo disco. ‘Jonny’ sale el 13 de octubre a través de ANTI Records. ‘Brutalism‘, el anterior álbum de The Drums, salió en 2019, hace ya cuatro años.
Citando la nota oficial, ‘Jonny’ es «una obra desgarradora, juguetona, estridente y serena a la vez, que aborda el arraigado trauma infantil que sufrió Johny Pierce, miembro fundador de la banda, al crecer en una comunidad religiosa de culto en el norte del estado de Nueva York, y supera la larga sombra que proyectó sobre su vida y sus relaciones durante años».
En ‘Jonny’, el cantante de The Drums escribe una «carta de amor» a las diferentes versiones de sí mismo con las que ha convivido, desde la infancia hasta la vida adulta pasando por la adolescencia o su rol de performer. Cada single representa una versión diferente de ese yo. Ya estaban disponibles ‘I Want it All’, ‘Plastic Envelope / Protect Him Always’ y ‘Obvious’ y hoy es posible escuchar ‘Better’. Todos ellos conservan el sonido de indie-pop surfero marca de la casa.
1. I Want It All
2. Isolette
3. I’m Still Scared
4. Better
5. Harms
6. Little Jonny
7. Plastic Envelope
8. Protect Him Always
9. Be Gentle
10. Dying
11. Green Grass
12. Obvious
13. The Flowers
14. Teach My Body
15. Pool God
16. I Used to Want To Die
Estos días se ha viralizado la imagen de la reunión de Iván Méndez, David Méndez y Ramón Noguera, directivos de la empresa que organiza festivales en el norte de España, como Tsunami Xixón y Gijón Life, con Óliver Suárez, futuro presidente de Divertia -la empresa municipal que abarca las áreas de Festejos, Teatro Jovellanos, y Festival Internacional de Cine- y concejal de Vox en el Ayuntamiento de Gijón. La foto era tomada dentro de la sede de Vox.
A raíz de la publicación de la foto, uno de los grupos confirmados en el cartel de Tsunami Xixón, La Élite, ha decidido no actuar. «No son momentos para grandes comunicados, sino de acciones. Así pues después de la reunión que mantuvieron organizadores del festival Tsunami en la sede de Vox en Gijón, hemos decidido no tocar en dicho evento», expresan Nil Roig y David Burgués en un breve comunicado. «Entendemos que es necesaria la reunión, pero que se haga en el Ayuntamiento y sin la posterior difusión en redes, ya que es humillante para los artistas que participamos en este. La Élite nunca participará en donde el fascismo intente poner su sombra. VIVA LA LIBERTAD!!!»
En su post, los autores de ‘Nuevo Punk‘ hacen referencia a un comunicado previamente publicado por Tsunami Xixón en el que el festival explica su decisión de reunirse con Suárez, en el que señala que «para la correcta realización de Tsunami Xixón Festival, es totalmente necesario reunirse con cargos electos de la ciudad, y con todas sus autoridades públicas». El festival explica que esto «es necesario para gestionar diferentes permisos, para poder mejorar cada año, en definitiva para que el festival se lleve a a cabo, para seguir trayendo a los más grandes artistas internacionales, nacionales y asturianos a Gijón y para que en Asturias se siga celebrando uno de los mayores y mejores festivales de punk rock del mundo».
En el comunicado, Tsunami Xixón aclara que está «totalmente a favor de la libertad de expresión y en contra de que se utilice el festival de forma partidista o electoral» y apunta que «siempre estaremos en contra de cualquier tipo de censura a la libertad de expresión». En el texto, Tsunami Xixón indica que siempre se asegurará «de que todos los artistas nacionales e internacionales que forman parte del festival puedan expresarse libremente y comunicar lo que deseen en sus letras en castellano, asturianu, galego, euskara, català, inglés o en la lengua que deseen»
En el texto, Tsunami Xixón, concluye que el festival «siempre ha sido y siempre será un punto de encuentro con la libertad y la multiculturalidad» y «un festival donde su público siempre es bienvenido sea cual sea su origen, sus creencias, preferencias, opiniones, cultura u orientación sexual».
Ahora mismo, a julio de 2023, ‘Un Verano Sin Ti’ de Bad Bunny es el álbum más escuchado en toda la historia de Spotify a nivel mundial. El trabajo del cantante de ‘Me Porto Bonito’ acumula 13.493 millones de reproducciones y ha sobrepasado a Ed Sheeran. Hasta ahora él era el que tenía esta primera posición con los 13.491 millones de escuchas de ‘÷ (Divide)’.
Es cierto que el disco de Bad Bunny es el que más temas tiene de este Top 10, 23 en total. Solo le supera ‘Dua Lipa’, de Dua Lipa, en su versión «Complete Edition». En este caso, no se cumple el refrán «quien mucho abarca, poco aprieta», casi todos los temas de ‘Un Verano Sin Ti’ tienen más de 500 millones de reproducciones. Por eso, cabe reconocer el mérito de Olivia Rodrigo y su ‘Sour’, que con solo 11 canciones, es el noveno disco más escuchado del ranking.
El Top 10 completo aquí:
1. Un Verano Sin Ti, Bad Bunny
2. ÷, Ed Sheeran
3. Dua Lipa, Dua Lipa
4. Hollywood’s Bleeding, Post Malone
5. Beerbongs & Bentleys, Post Malone
6. Starboy, The Weeknd
7. Future Nostalgia, Dua Lipa
8. After Hours, The Weeknd
9. Sour, Olivia Rodrigo
10. When We All Fall Asleep, Where Do We Go?, Billie Eilish
Britney Spears anunciaba ayer vía Twitter que tenía «grandes noticias para hoy» que la tenían emocionada. Todo apuntaba al estreno de nueva música, pero finalmente People ha anunciado que la gran noticia era acerca de su libro. El libro que comenzó a anunciarse hace ya un año y medio.
Tras mucha demora, parece que la artista está preparada para contar su historia y esta verá la luz el 24 de octubre, aunque ya se puede hacer el pre-save. Según la editorial Gallery Books, Britney Spears «revelará por primera vez su increíble viaje y mostrará la importancia de que una mujer cuente su propia historia en sus propios términos». También se ha publicado la portada, en la que se ve a una Britney muy joven junto al título, que hace referencia a ‘I’m Not a Girl, Not Yet a Woman’.
La cantante de ‘Toxic’, que terminó estas memorias en abril, firmará un contrato de 15 millones de dólares por su libro. Esta toma de control de su vida llega después de su victoria en los tribunales contra la tutela en la que ha estado durante más de 13 años. En 2021, cuando consiguió ponerle fin, la artista dijo: «Solo quiero recuperar mi vida». Parece que en octubre dará un gran paso.
Curtida en los años 90, PJ Harvey es muy difícilmente asociable a ningún movimiento de aquella época. No era una cantautora al uso. Sus guitarras eran crudas pero no grunge. Apenas la vinculábamos con las riot-grrrls americanas, en las que podía encajar por estética e ideas. Ni mucho menos con el pop de MTV, donde solo figuró un par de veces como por equivocación. El Brit Pop le era ajeno igual, pese a ser británica y pese a lo necesitado que estaba aquel movimiento de referentes femeninos. A posteriori, es fácil concluir que siempre fue un género en sí misma.
Mientras muchas figuras de aquella época sobreviven con más o menos dignidad, algunas haciendo aún alguna canción chula, otras ya en el olvido casi total, PJ Harvey sigue su propio camino otra vez. Saca discos cada 5 o 7 años, cuando encuentra algo que decir, y ese algo está siendo incluso más sorprendente de lo que podríamos haber adivinado por discos como ‘Rid of Me’ (1993) o ‘To Bring You My Love’ (1995).
La autora de obras tan accesibles -‘Stories from the City, Stories from the Sea‘ (2001)- como inquietas -‘White Chalk’ (2007), ha pasado a ser una excelente autora de discos conceptuales. ‘Let England Shake‘ (2011) hablaba de la historia de Reino Unido a través de sus conflictos bélicos. De manera más inesperada aún, ‘The Hope Six Demolition Project‘ (2016) aunaba viajes a Kosovo y Afganistán con otro a Washington DC, como reflexión sobre el mundo de hoy. Este nuevo disco, ‘I Inside the Old Year Dying’, el primero en 7 años, puede recordar por lo que tiene de sombrío a esas dos últimas obras hasta ahora, pero a la vez es un proyecto completamente diferente.
Cuenta la artista que por primera vez pensó en tirar la toalla y no volver a hacer música. No se sentía inspirada. Sin embargo, parece que la dedicación a bandas sonoras de televisión y teatro -‘Eva al desnudo‘, ‘Bad Sisters’, ‘The Virtues’- la empujaron en la buena dirección. Escribió un libro de poemas llamado ‘Orlam’, centrado en una población imaginaria de Dorset llamada Underwhelem, donde se habla inglés antiguo. Como en el caso del disco anterior, tal libro de poemas la ha llevado a grabar un álbum junto a sus habituales colaboradores, Flood y John Parish.
La protagonista de la historia es una niña llamada Ira-Abel que tiene como ídolo a un soldado-fantasma llamado Wyman-Elvis. Elvis Presley es la inspiración de este personaje idolatrado, como sabemos a través de la repetición del lema «Love Me Tender» a lo largo de todo el disco, y también de la icónica mención a sándwiches de plátano y mantequilla de cacahuete de la letra de ‘Lwonesome Tonight’. Esta letra es una clara metáfora del paso de niña a mujer en un álbum de 12 canciones en que cada corte representa un mes diferente del año. El peligro de la muerte y la pérdida de la inocencia son algunos de los temas principales.
En ‘I Inside the Old Year Dying’ no encontramos tanto la recreación de una historia con presentación, nudo y desenlace, como la de unas imágenes muy visuales que nos sitúan en esta localidad de Dorset. ‘Autumn Term’ hace un paralelismo entre «un autobús escolar que sube una colina» y «ascender 3 pasos al infierno». Detrás de ti, unos ojos rojos aguardan entre la niebla salvaje. Y el tema incluye unos sonidos de patio escolar que aportan cierta inquietud.
Por su parte, ‘I Inside the Old I Dying’ describe con detalle el bosque -los fresnos, las hayas, las ranas, los sapos, los erizos- para hablarnos de una infancia que se desliza a través de nuestra piel. ‘A Child’s Question, July’ es una conversación con un seto que no tiene tanto que ver con el personaje de Lady Leño de ‘Twin Peaks’, pero que sí nos sugiere la creación de un universo propio como el de David Lynch, solo que por parte de PJ Harvey. 7 años después de modas y tendencias, este álbum es todo un mundo en sí mismo.
Y lo consigue no solo por la fuerza poética de la artista, complementada con referencias a ‘Hamlet’ de Shakespeare o Juana de Arco (final de ‘The Nether-Edge’), o con las narraciones de actores como Colin Morgan en ‘A Child’s Question, July’ y Ben Whishaw, este último haciendo de Elvis en ‘August’. Podemos considerar que el disco tiene un final, ‘A Noiseless Noise’, una invitación a volver a casa, que suena a forma de salvación («vete a casa ahora, amor, deja de deambular»). Pero son la música -esas percusiones ligeras, los efectos de guitarra, los sonidos ambiente- y la voz de Harvey las que enriquecen todo el discurso, dado su carácter nocturno y misterioso, desinteresado por situarse en ningún momento de la historia del pop concreto. Flotando aparte.
‘Seem an I’ («seems to me») tiene un principio ancestral que podría llevarnos a algún año remoto, tan remoto como ese inglés antiguo que domina todo el álbum. Sin embargo, los arreglos electrónicos aparecen y son fundamentales en otras pistas como ‘The Nether-Edge’ y ‘All Souls’. Las campanas de fondo en ‘I Inside the Old I Dying’ son un recurso excelente y PJ Harvey ha trabajado su voz para lograr que fuera lo más irreconocible posible, experimentando en los extremos. Por ejemplo, Flood le hizo cerrar los ojos y no le dijo dónde iba a situar el micrófono durante una de las grabaciones. ‘Prayer at the Gate’ tenía que ser cantada con la voz de una anciana, y ‘Autumn Term’, con la voz de una niña.
Aunque a veces es frustrante lo obtuso de algunos textos, el décimo disco de PJ Harvey vuelve a ser un tesoro que ir descubriendo durante meses. El tiempo que podemos tardar en comprender todos los entresijos de esta población con un diccionario de inglés antiguo en la mano. Nunca una obra de usar y tirar, es un nuevo gran disco de PJ en el que los “doo-doo-doo” de ‘Prayer at the Gate’, los menos de 2 minutos de la necesaria ‘I Inside the Old Year Dying’ o el guiño a sus inicios rockeros que supone el tema final, ‘A Noiseless Noise’, pueden tener tanta vida por separado, como ya la tuvo el adelanto ‘A Child’s Question, August’. En caso negativo, da igual. Tratar de repetir una fórmula ya testada nunca iba a ser una opción para esta artista.
Entre los artistas que han publicado disco estos días se encuentra Tainy. Su debut, ‘DATA‘, incluye colaboraciones a cascoporro de Bad Bunny o Myke Towers pero también Arca o Judeline; y acaba de colocar varios temas en la lista de singles española.
Entre esos temas que han conseguido irrumpir en la lista se encuentra ‘VOLVER’, una de las colaboraciones más improbables en papel. ‘VOLVER’, que ha entrado en el número 59, une a Tainy y a Rauw Alejandro con Four Tet, uno de los productores de electrónica más prestigiosos de las últimas dos décadas, y con Skrillex, uno de los más populares y exitosos.
La mezcla de nombres funciona. La parte de Four Tet viene de un sample de ‘Lush’, uno de los cortes incluidos en su disco de 2017, ‘New Energy‘, compuesto por una bonita melodía creada con un handpan. ‘Lush’ ha sido siempre uno de los temas destacados de aquel álbum, en palabras de mi compañero Sebas, «toda una lección para Crystal Castles sobre cómo construir un himno electrónico a partir de un instrumento clásico sin resultar en ningún momento excesivo o demasiado obvio». Parece que Tainy está de acuerdo.
En ‘VOLVER’, Tainy utiliza la melodía de ‘Lush’ para insertarla dentro de un beat de reggaetón clásico, e invita Rauw a canta por encima. Después, al final del track, Skrillex hace su aparición aportando un outro de beats de drum n’ bass y voces cortapegadas.
Más allá de que todos los elementos de ‘VOLVER’ son distinguibles y reconocibles, el tema funciona por sí solo y es un estupendo hit de reggaetón mutante que aporta nuevos aires al género, hasta el punto de que te hace desear que más productores descubran el catálogo de Four Tet y lo sampleen.
La letra de ‘VOLVER’ no deja de ser la típica súplica por un amor perdido. La letra lo dice (casi todo). Rauw, que canta como los ángeles, escribe a su ex, le pide que vuelva y, además, planta su bandera: «yo sé que tú me piensas cuando lo haces con él». Pero hay algo emotivo en su interpretación que solo puede venir influido por la melodía de ‘Lush’, que ya era acongojante.
El FIB vuelve a celebrarse un año más en Benicàssim, del 13 al 16 de julio, con un cartel que aúna pop anglosajón y escena nacional. Grandes nombres de aquí y de fuera como The Offspring, Franz Ferdinand, Bastille, Vetusta Morla, Crystal Fighters, Kaiser Chiefs, Orbital, Zara Larsson, Tom Odell, Amaia, The Wombats o La Casa Azul, figuran en la programación.
Con motivo de la inminente llegada del FIB, dentro de dos días, se da a conocer KAPPA X FIB 2023, la colección de camisetas oficial de FIB 2023, una colaboración con la marca italiana Kappa que sirve de homenaje al propio festival y también a la cultura futbolera. Como recordando la fuerte vinculación entre este deporte y el Brit Pop, o el icónico partido entre artistas y prensa que tantas veces se celebró en Benicàssim.
Se trata de cuatro camisetas de edición limitada, de manga corta, dos de estilo deportivo y dos de estilo streetwear. Las camisetas de estilo deportivo se inspiran en el diseño clásico de la camiseta de futbol tradicional y se componen de dos versiones. Por un lado, la camiseta que representa el equipo local utiliza un color azul muy llamativo y vistoso, incorpora la tipografía del festival y se inspira en el sponsoring que aparecía en las camisetas de futbol británicas durante los 80 y 90. Por el otro, la camiseta que representa el equipo visitante se compone de un estampado muy llamativo de palmeras como las que dibujan el icónico paisaje del FIB y que pertenecen al Desert de Les Palmes de Benicàssim, que se puede ver parcialmente desde el recinto.
Las dos camisetas de estilo streetwear, de corte recto y cuello redondo, están disponibles también en dos versiones, una blanca y otra negra. La blanca incorpora el logo de Kappa a un lado y el del logo que deletrea el FIB al otro y, en la espalda, reproduce el slogan «Fibers Are Family» que rodea una hoja de palmito. La negra, por su lado, utiliza el mismo logo de Kappa a un lado, el icónico logo del astronauta del FIB al otro y, en la espalda, reproduce íntegro el cartel de FIB 2023.
Con el lanzamiento de la colección de camisetas exclusiva de Kappa y FIB, la marca italiana y el festival valenciano celebran la llegada de uno de los festivales más importantes del circuito musical europeo y también el inicio de una temporada estival que volverá a producir nuevos y grandes recuerdos acompañados de música, sol y verano. Las cuatro camisetas ya están disponibles en pre-venta en la web oficial de Kappa.
La decisión de pinchar ‘The Boys Are Back In Town’ en el WiZink Center antes de la salida de Arctic Monkeys no podía haber sido más acertada. Después de 10 años sin actuar por su cuenta en Madrid, los de Sheffield celebraban anoche la primera de las dos citas en la ciudad, y no decepcionaron ni por un segundo.
Willie J Healey salió a la tarima como aperitivo de lo que estaba por venir y acabó siendo un buen entrante. El número empezó flojillo, con un sonido rock lo-fi un tanto vacío, pero remontó rápidamente gracias a temas como ‘Thank You’ y ‘For You’, dos de las joyas de su no tan extenso repertorio. Ligero y efectivo, el cantautor inglés amenizó la gran espera que, para algunos, había comenzado alrededor de las 6 de la mañana. La casualidad quiso que el mismo día en el que Alex Turner pisaba Madrid, esta se viese golpeada de lleno por una ola de calor. Sobre las 18:30 de la tarde, para cuando abrieron las puertas, el termómetro marcaba los 40 grados.
En estos 10 años, los Monos han lanzado dos discos de estudio, han formado familias y han madurado, y de qué manera, como músicos. Antes del lanzamiento de ‘The Car’, ellos mismos declararon que había ciertas canciones de sus anteriores elepés que ya no se veían tocando en directo. Es lo que tiene crecer. Seguramente se refiriesen a los temas del empalagoso ‘Suck It And See’, el cual han ignorado completamente a la hora de crear su setlist. Sin embargo, parece que siguen estando orgullosos del resto de su repertorio, y no es para menos.
El show comenzó con la rara avis de ‘Sculptures Of Anything Goes’, una anomalía electrónica en la discografía de Arctic Monkeys que parece hecha para que Turner luzca su voz, la cual está en su mejor momento. Junto con la contemplativa ‘Star Treatment’, que inauguró el bis, estas serían las únicas dos canciones que desentonaron en un setlist hecho para hacer feliz a cualquier fan nostálgico de los Monos. Los tres singles de ‘The Car’ y ‘Four Out Of Five’, el corte más inmediato de ‘Tranquility Base Hotel & Casino’, sonaron igualmente, pero ahí se para la cuenta.
En el BBK sí que intercambiaron ‘Star Treatment’ por ‘I Wanna Be Yours’. En mi caso, no eché de menos a esta última, pero podía ver en las caras de la gente que la mayoría sí habría preferido que cantasen el éxito viral de TikTok. Lo bueno es que en estos momentos ningún grito tapaba la voz de Alex, como sí ocurría en los cortes más masivos, en especial los sacados de ‘AM’. En cuanto a la costumbre del vocalista de desconcertar al público ralentizando o acelerando la cadencia de los versos, también hubo de eso, pero en general Turner respetó bastante la forma original de los temas. En ese sentido, para quien lo busque, el concierto fue bastante «sing along friendly».
El espectáculo fue una demostración de elegancia y reinvención. Una de las grandes bandas de nuestro tiempo en su punto más alto, sin miedo a volver a los temas más antiguos de su carrera y con la certeza de que esas mismas canciones nunca han sonado mejor. Las partes cañeras son más cañeras y las lentas más sofisticadas. ‘Brianstorm’, ‘Crying Lightning’, ‘The View From The Afternoon’, ‘Pretty Visitors’, ‘Do Me A Favour’, ‘505’ y ‘I Bet You Look Good On The Dancefloor’ protagonizaron los momentos de mayor euforia colectiva. Una de las cosas que más gracia me hace es cómo todo el mundo es capaz de ponerse de acuerdo para corear a pleno pulmón todos los riffs, breaks y sutilezas de estos temas. Muy británico por nuestra parte.
Por otro lado, las versiones actualizadas de ‘Fluorescent Adolescent’, ‘Cornerstone’ y ‘Mardy Bum’, incluida recientemente en sus actuaciones, fueron las que convirtieron el set en un emocionante viaje nostálgico que osciló constantemente entre el pasado y el presente. “Fantastic, terrific, excellent!”, exclamó Turner al escuchar al público volcarse totalmente con ‘Mardy Bum’. Momentazo también cuando Alex cambió el “Yes” del clímax de ‘Cornerstone’ por un inesperado “Sí, señor!”.
Este hizo de sí mismo durante todo el recital. En todos mis años siguiendo a Arctic Monkeys he visto infinidad de vídeos con los “mejores momentos” de Alex Turner, y anoche presencié exactamente lo que esperaba. Se movió como nos tiene acostumbrados y derrochó ese carisma especial que amamos. Pasan los años y no pierde ese magnetismo que hace que no puedas parar de mirar. Aunque no estuvo especialmente elocuente, no diciendo mucho más que “thank you” o “muchas gracias, Madrid”. Siempre a su manera, claro.
Musicalmente, tanto él como la banda entera siguen siendo un portento. En este aspecto, los momentos más destacados se dieron con dos de sus creaciones más complejas: ‘Body Paint’ y ‘There’d Better Be A Mirrorball’. En esta última, Turner hizo de director de orquesta, marcando los golpes de la intro mientras daba la espalda a las 17.000 personas del WiZink Center. Al terminar la canción, la bola de espejos que tanto ansía Turner en la letra acabó iluminando todo el recinto y dando paso al último tercio del show, que culminaría de forma apoteósica con ‘Body Paint’.
Este fue el final real del concierto, sin contar el encore. Así se sintió. De la nueva tanda de tracks, este último seguramente sea el que más conectó con el público, y parte del mérito se lo lleva de nuevo el propio Turner. Este regaló a los asistentes un salvaje solo adicional de dos minutos (sin exagerar) en el que se recorrió todo el escenario, llegando incluso a donde no se le veía. Todo sin parar de tocar. En ‘Body Paint’, Arctic Monkeys evidenciaron que todavía tienen la energía cruda que les catapultó en un principio. Lo único, que ahora saben cómo domarla.
En resumen, toda una experiencia digna de repetir. De hecho, así será. Esta noche, los británicos volverán a sacudir el WiZink, y todavía quedan entradas. Si te gusta Arctic Monkeys, pero no te convencen los últimos discos, no te preocupes. Los Monos tienen lo que quieres.
Sonido Muchacho anuncia que Russian Red se suma a su catálogo de artistas. El sello independiente que ha impulsado las carreras de Carolina Durante, Natalia Lacunza, Sen Senra o Depresión Sonora, o que, recientemente, ha editado el último disco de La Bien Querida, ficha a la autora de ‘Cigarettes’.
Doblando apuesta, un nuevo single de Russian Red se puede escuchar desde este martes, 11 de julio, bajo el título de ‘This is un volcán’. Se trata de un susurrante tema en Spanglish, que recupera su vena más folkie, no la electrónica exhibida en los que eran sus últimos discos. El tema ha sido grabado en casa de la propia Lourdes con Carlos René Echanique Torres y Luis Sanso Gil a la producción. La mezcla ha sido obra del propio Carlos René y de Álex Ferrer, quien también se ha encargado del máster.
Hace ya tres años que Lourdes Hernández confirmó que se encontraba trabajando en un nuevo álbum de estudio. Se desconoce si ‘This is un volcán’ formará parte de él o, por el contrario, será una simple muestra de lo que viene, pues Sonido Muchacho habla de «regalo».
Russian Red ha seguido publicando música en los últimos años, si bien a un ritmo distinto al de antaño. En 2021 apareció en singles de Melpo Mene (‘All of This Is True’) y _juno (‘Rutinas domésticas en 2009). Antes, en 2020, cantó ‘Cállate‘ con Casero. ‘Karaoke‘, su último trabajo, compuesto por versiones, salió en 2017.
En realidad hay que remontarse a 2014 para ubicar en el tiempo el lanzamiento del último álbum de estudio real de Russian Red, ‘Agent Cooper’. Desde el estreno de aquel notable disco, Lourdes Hernández se ha mudado a Los Ángeles y ha perseguido distintos proyectos extramusicales. Últimamente, Hernández ha protagonizado la película ‘Ramona‘ y ha publicado un poemario, ‘These Words Leaving My Body‘.
Myke Towers se corona esta semana con el Top 1 en la lista de singles España con ‘LALA’. La canción pertenece al álbum ‘LA VIDA ES UNA’, y aunque la semana anterior entró en el puesto 52, la forma en la que se ha viralizado el tema en redes sociales puede ser el causante de esta subida. Además, también es Top 1 en la lista de Spotify Global.
En segundo lugar, Rauw Alejandro y Bizarrap se roban la posición a ellos mismos: la «session» baja a tercer puesto y’BABY HELLO’ sube al 2º. Otra de las entradas de esta semana ha sido Tainy y su ‘DATA’, que han colado 4 temas en la lista, pero no ha logrado el podio con ninguna: ‘MOJABI GHOST’ con Bad Bunny en el número 14; ‘PASIEMPRE’ con Arcángel, Arca, Jhayco, Myke Towers y Omar Courtz en 32ª posición; ‘LA BABY’ con Daddy Yankee, Feid y Sech en la 36ª y ‘VOLVER’, el tema con Skrillex, Four Tet y Rauw Alejandro en el top 59.
No han entrado demasiado alto Shakira y Manuel Turizo con ‘Copa Vacía’, pero aun así están en la 16ª posición. También entra bajo el nuevo single de Olivia Rodrigo ‘vampire’, adelanto de su segundo álbum ‘GUTS’. No llega ni a la primera parte de la lista, se queda en 53ª posición.
Otra de las últimas entradas ha sido la de ‘Se grita’, de Morad con el rapero francés Jul, en el puesto 85. Al igual que el tema de Myke Towers, su estribillo se ha usado mucho en Tik Tok esta última semana. Y para finalizar, Anne-Marie, Coi Leray y David Guetta logran entrar con su ‘Baby Don’t Hurt Me’ en el número 89.
Tras muchos rumores acerca de la salud de Madonna y poca información sobre cómo se iba a desarrollar ‘The Celebration Tour’, la artista se ha pronunciado. Lo ha hecho a través de una publicación en Instagram en la que ha informado de que la gira comenzará en Europa en las fechas planeadas. Mientras tanto, los conciertos en América serán reprogramados en la mayor brevedad. «El plan actual es reprogramar la etapa de Norte América y comenzar la gira en Europa, en octubre. No puedo estar más agradecida por vuestro cuidado y apoyo. Con amor, M.» escribía la artista.
Además de esto, Madonna ha agradecido el apoyo que ha recibido desde que se hizo pública su hospitalización. «Gracias a todos por vuestra energía positiva, oraciones y palabras de ánimo y sanación. He sentido vuestro amor. Estoy en el camino de la recuperación y me siento muy afortunada de todo lo bueno que tengo en mi vida. Cuando me desperté en el hospital, mi primer pensamiento fueron mis hijos. Pero el segundo fue que no quería decepcionar a la gente que había comprado entradas para el tour. Y tampoco quería defraudar a quienes han trabajado sin descanso conmigo en los últimos meses para crear el show. Odio decepcionar a la gente. Mi prioridad ahora es mi salud y ponerme más fuerte, ¡y os aseguro que estaré con vosotros lo antes posible!», ha agradecido ella.
Justamente ayer, la periodista Lauren Conlin veía a Madonna por las calles de Nueva York: «Adivinad a quién hemos visto fuera y con muy buen aspecto». En las imágenes, publicadas en Tik Tok, se veía a la artista mucho mejor de lo que esperaban algunos de sus fans.
‘Barbie’ no se ha estrenado aún y la expectación es cada vez más grande. La película de Greta Gerwig se estrenará el 21 de julio y cuenta con un reparto que ha conseguido llamar mucho la atención. Y no solo por el rosa fluorescente que envuelve su universo. La premiere se ha celebrado en Los Ángeles con los actores, actrices y artistas musicales: Margot Robbie, Ryan Gosling, Dua Lipa, Billie Eilish, Ava Max, Nicki Minaj y Karol G no se han perdido la cita.
Y es que la ropa y la música son partes muy importantes de esta nueva versión de ‘Barbie’, y así se ha demostrado en su presentación. Tanto Margot Robbie como Ryan Gosling (los dos principales protagonistas) lo han dado todo, comprometiéndose con la estética de la muñeca en cada una de sus apariciones de prensa. Ayer, Margot Robbie, se vistió con un diseño de Schiaparelli inspirado en un traje real de la muñeca Barbie de 1961: ‘Solo In The Spotlight’.
Entre los asistentes estaba Dua Lipa, que, además de actuar en el filme, le ha puesto sonido con ‘Dance the Night’. Billie Eilish no renunció a su estilo personal, pero lo hizo muy «Barbiecore». También ella participará con una canción, ‘What Was I Made For?’. Parece que pondrá letra y melodía a la crisis existencial que tendrá la muñeca en la película.
Además, Ava Max, Karol G y Nicki Minaj pasaron por la alfombra roja, ya que serán parte también de la banda sonora. Aquí se puede ver el tracklist:
1.-‘Pink’ by Lizzo
2.-‘Dance The Night’ by Dua Lipa
3.-‘Barbie World’ Nicki Minaj & Ice Spice (with Aqua)
4.-‘Speed Drive’ by Charli XCX
5.-‘WATITI’ by KAROL G featuring Aldo Ranks
Track 6 by Unkown
7.-‘Journey To The Real World’ by Tame Impala
8.-‘I’m Just Ken’ by Ryan Gosling
9.-‘Hey Blondie’ by Dominic Fike
10.-‘Home’ by HAIM
Track 11 by Unknown
12.-‘Forever & Again’ by The Kid LAROI
13.-‘Silver Platter’ by Khalid
14.-‘Angel’ by PinkPantheress
15.-‘butterflies’ by GAYLE
16.-‘Choose Your Fighter’ by Ava Max
17.-‘Barbie Dreams’ by FIFTY FIFTY featuring Kali (Feat Kali)
margot robbie at the barbie premiere in custom schiaparelli based on the 1961 ‘solo in the spotlight’ barbie, the pink scarf in her hand and red rose detailing this commitment to barbiecore is top notch pic.twitter.com/3ShKr3oDv0
Primavera Sound, Bilbao BBK Live, Low Festival, esa joyita llamada Canela Party… son solo algunas de las citas clave de este año para la formación La Paloma. A la postre, han sido uno de los grupos que hablan sobre desencanto generacional que han terminado presentando sus ideas frente al Presidente del Gobierno en un mitin electoral.
Incluyan o prefieran borrar este episodio de su currículum, La Paloma están viviendo un gran 2023. Sobre todo teniendo en cuenta que no hace tanto que muchos consideraron su estilo muerto. El de cuatro chicos haciendo indie-rock, con inspiraciones como Pavement y Wire, sonando desde el principio como unos Yo La Tengo remozados.
En su momento más afilado, ‘Tiré una piedra al aire’ podría recordar a My Bloody Valentine o Sonic Youth. Su aportación es lo directo que resulta su mensaje. Los caminos de aquellos grupos se intrincaron tanto, que hace tiempo que una letra de indie-rock se entendía tan bien como la de esta canción: «Me gusta pensar que vosotros también fracasáis igual que yo / Me gusta pensar que a veces lo veis todo igual de jodido que lo veo yo».
La Paloma recibe su nombre tanto de unas fiestas de Madrid como de Maspalomas, pues de cada uno de estos sitios procede alguno de sus integrantes. Nico Yubero y Lucas Sierra son los dos compositores principales, alternando voces en diferentes temas, mientras Rubén Almonacid pone el bajo y Juan Rojo se encarga de la batería. Este ‘Todavía no’ lo arrancan hablando del porqué de «un estado emocional frágil, consecuencia de una vida fácil». Un disco que en sus mejores momentos deja estribillos tan nítidos e insistentes como los de los primeros Planetas.
Es el caso de las inmediatas ‘Algo ha cambiado’, ‘No es una broma’ o ‘Quejas célebres’, esta última de título tan destacable como pegadizo es su estribillo «Ya sé que no es para tanto / Lo sé, pero… Para mí sí que es para tanto». En otras ocasiones los referentes son más oscuros, como los primeros Pixies, siempre sin abandonar sus temas favoritos: «lo rápido que va todo» (‘Todo esto’), la «historias de terror» (‘Cosquilleo’) y los tiempos inciertos que viviremos. «Saldré de esta, pero aún me queda un rato», dice otro de los temas principales, ‘El adversario’.
El sábado en Bilbao BBK Live reservaba probablemente el concierto más importante de todo el festival, el de Arctic Monkeys, que hoy 10 de julio y mañana 11 actúan en Madrid. Eso sí, en recinto. También IDLES dieron uno de los conciertos destacados del día y Röyksopp no decepcionaron… pese a salir 40 minutos tarde. Bilbao BBK Live volverá a Kobetamendi los días 11, 12 y 13 de julio de 2024.
Con el cansancio acumulado de los últimos días llegamos al recinto de Kobetamendi pasadas las 19.00. Nos bifurcamos entre Perfume Genius y Judeline, que tocan exactamente a la misma hora (19.20). Mi opción es Mike Hadreas, que actúa en el San Miguel acompañado de su banda habitual, aunque le he visto conciertos mejores. O, mejor dicho, menos desganados. La música suena bien, su voz también… pero él parece que está de paso. Viste una camiseta agujereada y tejanos sucios. OK, es el personaje. Pero saca una silla al escenario y la tira al suelo. El micro también termina lanzado al suelo de mala manera, por alguna razón. Mike se cubre de un gigante velo púrpura, o se dobla hacia atrás mostrando su flexibilidad, como si ensayara en su habitación, pero sin la gracia de Amaia. Las canciones se suceden agradables y agradecidas: ‘On the Floor’ anima el ambiente, ‘Slip Away’ sigue siendo la mejor de todas y ‘Queen’ el colofón final. Pero el show deja un sabor agridulce.
Después de la visita de rigor a los food trucks (un acierto la presencia en Kobetamendi de un área de servicio gastronómico alternativa, a la que se accede subiendo unas escaleras) nos sacamos tensión de encima bailoteando en el set que está dando por la tarde Gazzi en el escenario Basoa, cuya selección este año vuelve a ser estupenda. Después toca elegir entre Love of Lesbian y 070 Shake. Me quedo con la segunda, pero me cuentan que, en su concierto, Santi Balmes lanza un mensaje contra el fascismo. Dice que “los monstruos están sacando las garras” y que “no van de broma”, habla de la censura y pide que “no podemos volver al 1800”. El 23 de julio hay que votar.
Oscar L. Tejeda
En el escenario Beefeater algunos descubrimos por primera vez el directo de 070 Shake, una persona que últimamente ha estado en todas partes a raíz de sus colaboraciones con Madonna, RAYE o Christine and the Queens. De hecho, el set de Danielle Balbuena empieza con la intro de ‘Violent Crimes’ de Kanye West, interpretada por ella. Danielle afronta completamente sola el show, sin bailarines, y se dirige a la audiencia en español, pues se crió en República Dominicana, para transmitir mensajes de paz y amor o clamar que “Dios es lo único más grande que nosotros”. En un momento nos pide que abracemos y digamos que la queremos a la persona que tenemos al lado. Además de hits conocidos de su repertorio que son coreados por el público, como ‘Skin and Bones’, 070 Shake toca un par de temas nuevos que formarán parte de su próximo álbum. Además, Danielle tiene tiempo de parar una pelea que advierte en la primera fila desde el escenario: a las dos chicas les pide que se den un abrazo.
Arctic Monkeys dan a su público lo que quiere (que no es no su último disco)
Sharon Lopez
Sabes que hay mucha gente -y de todo tipo- en un concierto cuando por un lado escuchas a alguien cantar el “Pachuru” de Rosario y, por el otro, con el concierto de Arctic Monkeys ya empezado, a alguien le da por berrear el ‘Padam Padam’ de Kylie Minogue repetidas veces. Voy más lejos incluso: hay gente en el concierto de Arctic Monkeys que no sabe quiénes son Arctic Monkeys, tal y como me cuenta una persona. En el espectro que va desde los fans situados en las primeras filas hasta los que sienten más bien indiferencia por los británicos, hasta los que directamente ignoran su existencia, se esconde un mundo de perfiles diferentes a los que les une un objetivo, porque el de Arctic Monkeys es el “place to be” del sábado y de todo el festival.
Así que SPOILER para los que les veis hoy en Madrid. O no, a menos que el setlist cambie drásticamente. Los de Alex Turner están presentando ‘The Car’, un disco difícil de encajar en un festival, sobre todo al lado de un legado como el suyo. Por eso, apenas son cuatro las canciones del disco recuperadas en BBK y alguna suelta del anterior. Como dice una amiga, los últimos dos discos de los Arctic son “más de músico sabio, no tan punkis”, pero el concierto se apoya sobre todo en sus trabajos aún más previos, acertadamente.
Alex Turner, en su era Nick Cave, sigue levantando pasiones y convence como frontman elegante y vestido de traje. Claro que su elegancia es decadente, a propósito. El escenario, a un viaje en avión de distancia desde mi posición, está decorado con la imagen de una luna llena gigante. Más tarde, una bola disco emerge desde el techo recordándonos aquellos tiempos que bailábamos a los Arctic en 2007. El repertorio puede alternar hits engorilados como ‘Brainstorm’ con otros lentos como ‘Cornerstone’, puede ir de ‘Mardy Bum’ a la aún más indispensable ‘Do I Wanna Know?’, pero mantiene el ritmo elevado la mayoría del tiempo, con ‘Why’d You Only Call Me When You’re High?, ‘Pretty Visitors’ o ‘505’ entre los cortes rescatados. Este último suena con arreglo nuevo. Sin embargo, aunque los conciertos de Arctic Monkeys recientes tienen fama de pervertir los clásicos de mala manera, de modo que el público no pueda seguir el ritmo a Turner, el set en BBK respeta bastante las formas originales.
Así, el final del show es agradecido con el público y con el contexto festivalero y, después de tocar ese nuevo clásico de Arctic Monkeys que es ‘I Wanna Be Yours’, un balada de 2013 que se ha popularizado ahora, los ingleses rematan con ‘I Bet You Look Good on the Dancefloor’ y ‘R U Mine?’. A pesar de que la masificación podía llegar a agobiar, estoy seguro que nadie sale del concierto desencantado.
Sharon López
Si te habías quedado con ganas de saltar y de soltar rabia, si la elegancia de los Arctic se te quedaba corta, IDLES ofrecen un necesario desahogo de toda la tensión que puedes haber acumulado durante el festival. Si Santi Balmes proclamaba un mensaje contra el fascismo durante el concierto de Love of Lesbian, Joe Talbot canta una canción antifascista y, además, nos invita a gritar que “jodan al rey”. Los himnos punkarras de IDLES construyen un repertorio de directo eléctrico y vibrante, Talbot es un frontman brutal, es imposible despegar los ojos de él, y el grupo anima el set cantando algunos hits azucarados del pop, de ‘Right Round’ a ‘Up Where We Belong’, mandando -quizá- un mensaje sobre la posibilidad de que ambos mundos -el del punk y el del pop- puedan existir sin prejuicios de por medio.
Sharon López
El colofón final de BBK lo ponen Röyksopp, cuyo set se retrasa 40 minutos debido a problemas técnicos. Los noruegos estaban programados a la 1.50 y salen a las 2.37. La espera es desesperante (valga la redundancia) y empiezan los abucheos. ¡Gente abucheando a Röyksopp! Lo nunca visto. Da la impresión de que el show se cancela, porque pasa el tiempo y el grupo no sale. Por suerte, las luces se funden y empieza el concierto. Además de Svein Berge y Torbjørn Brundtland aparecen en el escenario bailarines de estilo urban y otros que van vestidos con túnicas, como salidos de una secta. La energía, en los primeros minutos, es rara, es como que la gente está enfadada. El grupo pide perdón por salir tarde y, con sus elegantísimos ritmos de electrónica, de synth-pop y acid, van calentando el ambiente y metiéndose al público cada vez más en el bolsillo. Al final es imposible no rendirse a un show de electrónica tan emocionante y cuidado.
Laura Sam y Juan Escribano, el dúo autor de ‘La voz en contra‘, ha publicado estos días un nuevo single que puede ser uno de los mejores de su carrera. ‘Tampoco puede ser eterno’, además, es una colaboración de lujo con Abraham Boba de León Benavente.
En el estilo habitual de Sam y Escribano, en ‘Tampoco puede ser eterno’, ella aporta la letra y él el fondo musical, mientras Boba hace coros. El tema habla, citando la nota oficial, «sobre el tiempo vivido desde los ojos de quien lo mira, la espera de quien lo atesora, la celeridad de quien no es capaz de darse cuenta de que está pasando, y sin remedio, lo pierde». Es la Canción Del Día para hoy lunes.
El anhelo por tiempos no vividos, tan presente en nuestros días por el auge de la cultura de la nostalgia, está muy presente en ‘Tampoco puede ser eterno’. «Cómo puedo echar de menos algo que no ha sucedido» es una de las reflexiones incluidas en la letra, la cual, a su vez, imagina «un espacio con la imagen de nosotros siendo otros sin habernos conocido». El acompañamiento musical, de ecos synth-pop y tecno, es turbio y oscuro, bello en sus contrastes de elegancia y distorsión.
El videoclip de ‘Tampoco puede ser eterno’ tenemos el honor de estrenarlo en exclusiva en JENESAISPOP. Dirigido por Diskolo y producido por Minimoto, el vídeo es una alegoría del tiempo simbolizado por la figura de un misterioso busto de origen desconocido. El busto es el «eje central que conecta las historias, desempeñando distintos roles según la época» y «no es otra cosa que la representación del tiempo, sin importar en qué periodo histórico nos encontremos, (pues) el tiempo siempre estará en “presente”».
Las imágenes de ‘Tampoco puede ser eterno’, cita la nota, «se conectan con una letra que recurre a la nostalgia de las vidas no vividas, a las múltiples posibilidades de ese tiempo finito y a cómo interpretamos su paso por nuestra historia». Atraviesan el proyecto aquellas teorías que «argumentan que el tiempo es una construcción mental», así como «fragmentos en los que el busto viaja por el espacio (y que realizan) un guiño a la teoría de la relatividad».
Depeche Mode han dado pistas estos últimos días de que volverían a tocar en España. Las ciudades confirmadas, a través de sus redes sociales, eran Madrid, Barcelona y Bilbao.
Hoy, Depeche Mode detallan todas las fechas de este nuevo tramo de la gira de ‘Memento Mori‘, que pasará por España en marzo. El 12 y 14 de marzo, Depeche Mode actuarán en el WiZink de Madrid, el 16 lo harán en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 21 de marzo en el BEC de Bilbao. Todos los detalles, aquí.
Con las nuevas fechas de Depeche Mode, los fans españoles se quitarán la espinita de haberlos visto este año solo dentro de un festival, el Primavera Sound, con las inconveniencias que ello supone a nivel de concurrencia y sonido, o las diferencias en el repertorio que se puedan dar.
El dúo compuesto por Dave Gahan y Martin Gore estará presentando ‘Memento Mori’, un disco dedicado a su compañero de banda fallecido, Andy Fletcher, y que ha producido uno de sus mejores sencillos recientes, ‘Ghosts Again’. Estos días han salido los remixes oficiales del álbum.
El pasado agosto, en el podcast de JENESAISPOP, repasábamos toda la discografía de Depeche Mode en un programa de casi dos horas de duración, a la vez que reflexionábamos sobre el futuro de la banda, que en ese momento todavía no había publicado su último disco.
En el último día de un festival es cuando toca reflexionar sobre lo vivido y hacer balance. Este año Mad Cool puede presumir de haber superado muchas expectativas con un cartel mucho más interesante de lo que en un principio podía parecer, y sobre todo, gracias a una organización generalmente ordenada, a un recinto cómodo y a una buena acústica en todos los escenarios.
En uno de los principales, a las 19h empezó Years & Years, el proyecto en solitario de Olly Alexander tras anunciar antes de la salida de su tercer disco que había dejado de ser una banda y que continuaría la aventura él solo. Comienza a capella cantando ‘Nightcall’ mientras va apareciendo su equipo, formado íntegramente por mujeres (dos bailarinas/coristas, una batería y teclista). En la pantalla se proyecta una suerte de videoclip para la gira con el propio cantante como protagonista. El aspecto visual no llegó a apreciarse todo lo que debería simplemente porque el sol cegaba (y abrasaba) y los vídeos eran bastante oscuros, de atmósfera nocturna.
Olly se mostró muy amable con su público, sonriente y cercano. Una lástima que durante buena parte del show no terminara de encontrarse, dando lugar a algunas interpretaciones vocales que dejaron que desear y a versiones alteradas de sus canciones que no funcionaron. ‘Shine’ salió mal parada, convertida en una balada acústica hasta su segundo verso; ‘Take Shelter’ también. Las canciones de su último trabajo, como ‘Sweet Talker’, tampoco sonaron particularmente bien. Sin embargo, aunque irregular, el show sí contó con algún destello interesante. ‘Desire’ sonó convincente y divertida, la cover de ‘It’s a Sin’ -que comienza con el cantante sentado frente a un teclado- funcionó bien dentro del set… Pero lo mejor llegó al final y de forma bastante inesperada. Es cierto que ‘King’ es, con mucho, la mejor canción de Years & Years, pero tras un concierto -reconozcámoslo- algo mediocre, quién podría imaginar que conseguiría hacer de ella el mejor momento del festival: el público absolutamente desatado desgañitándose en cada palabra, el cantante pasándoselo en grande… un auténtico fiestón para terminar por todo lo alto.
Andrés Iglesias
En el otro de los escenarios grandes, Liam Gallagher convocó a un número considerable de asistentes, llenando el espacio a una hora mucho más temprana que los días anteriores. Con un gran cartel en el que se leía “Rock N’ Roll”, el inglés, consciente de lo que el público quería oír, hizo de su set prácticamente un concierto de Oasis. ‘Morning Glory’, ‘Rock N’ Roll Star’ y ‘Stand By Me’ marcaron la primera mitad del concierto, a las que la gente, evidentemente, respondía con energía cantando sus letras con el artista. Hacia el final llegaron otros dos grandes momentos de colectividad con ‘Wonderwall’ y ‘Champagne Supernova’.
Entre medias fuimos a ver lo que Kurt Vile and the Violators estaban haciendo en el escenario Region of Madrid. Había considerablemente menos gente que en el de Gallagher, pero un ambiente muy relajado y agradable. El cantante de Pensilvania y su banda sonaron magníficos en todo momento con sus largos y bellísimos pasajes instrumentales repasando las nuevas canciones de su álbum reciente, ‘(Watch My Moves),’ así como otras más antiguas. Vile tiene una gran presencia escénica y una voz cálida que embelesa. Fue un concierto íntimo y precioso para ver bajo la luz cambiante del cielo mientras el sol bajaba.
Javier Bragado
Hace unas semanas, Janelle Monáe, previamente citada como cabeza de cartel, se caía de la programación por incompatibilidades de agenda. El festival inmediatamente anunció su sustitución, ni más ni menos que M.I.A. Este cambio de última hora, cuando los abonos del día estaban prácticamente agotados, puede haber afectado a que la explanada del escenario Madrid Is Life estuviera mucho más vacío de lo habitual teniendo en cuenta que ya eran las 21:35. No obstante los que estábamos allí no pudimos resistirnos a sus encantos en cuanto salió, acompañando a dos bailarinas vestidas de amarillo fluorescente que hacían poses de taichí. La rapera británica surgió con una energía arrolladora y con una gran actitud. Una de sus primeras frases fue “Tengo una mala reputación, me siguen cancelando en 2023”. Recordemos que M.I.A. ha estado envuelta en controversias sobre su posicionamiento antivacunas en la pandemia o sobre sus reticencias respecto al movimiento Black Lives Matter centralizado en Estados Unidos.
Recientemente la cantante se ha convertido al cristianismo y así nos lo hace saber proyectando una inmensa cruz en la pantalla y sujetando una contra su micrófono. Sea cual sea tu opinión sobre su persona, ideas y comportamientos, M.I.A. dejó claro con su espectáculo que es una estrella. Es entretenidísimo en todo momento, donde tan pronto suena un fragmento de ‘Rumble’ de Skrillex como se pone a cantar el temazo que es ‘Bad Girls’, con su correspondiente videoclip detrás de ella. Con proyecciones de palomas de la paz y mensajes antibélicos, el show de M.I.A. es mucho más que conciencia social y política. Es, sobre todo, un gran concierto pop (y hip-hop) en su máximo esplendor. Además, la artista se da un baño de multitudes en su icónica ‘Paper Planes’ haciendo crowdsurfing en ambos lados del escenario cubierta de billetes, creando una poderosa energía con su público.
Andrés iglesias
El momento más esperado para la grandísima mayoría de los asistentes, a juzgar por la infinidad de camisetas detectadas de la banda, por fin llega: Red Hot Chili Peppers se llevan sin lugar a duda la mayor atención de todo el festival. No cabía ni un alma y se estaba apretado rodeado de gente incluso desde muy atrás. Los californianos desataron una fiebre generalizada en un público de todas las edades que coreaba exaltado todas las canciones de sus héroes. Empezaron con una larga intro instrumental que servía como presentación de los miembros de la banda y que derivaba en ‘Around the World’ de su emblemático álbum ‘Californication’. Pese a que los de Anthony Kiedis están de gira con su disco del año pasado ‘Return of the Dream Canteen’, solo le dedicaron tres canciones, entendiendo que allí la gente estaba para otra cosa: los hits. Y así sonaban, uno tras otro, estableciendo una evidente conexión con los fans. El sonido y la actitud de la banda sobre el escenario fue irreprochable y ofrecieron ni más ni menos que lo que la gente ansiaba. Cerraron con ‘I Could Have Lied’ y ‘Give It Away’ de su disco de 1991 ‘Blood Sugar Sex Magik’.
Paco Poyato
Como los horarios del festival dejaron algunas coincidencias dolorosas, dejamos por un momento la locura multitudinaria de los Red Hot para ver una propuesta que se encuentra en las antípodas de ellos: Ava Max. La prometedora diva pop presentó un show discreto en cuanto producción escénica pero cargado de hits que defendió de manera muy solvente. Sin músicos en el escenario, solamente acompañada de un grupo de bailarinas, la cantante mostraba su potencia vocal mientras bailaba sus coreografías. Dedicó la mayor parte del set a su nuevo álbum ‘Diamonds and Dancefloors’, pero, por supuesto, no se olvidó de su macrohit ‘Sweet But Psycho’ ni de ‘Kings and Queens’ de su anterior disco. Fue un buen concierto de evasión pop sin más pretensiones que pasártelo en grande bailando con tus amigos.
Para cerrar el festival sacrificamos a los veteranos The Prodigy para acercarnos al set de Jamie xx, que empezó un pelín errático, como si estuviese buscando el estilo de sonido que mejor pudiese ajustarse a su público. Afortunadamente, no tardó demasiado en encontrarlo. Hubo un poco de todo: pinchó desde ‘CUUUUuuuuuute’ de Rosalía hasta ‘Ritmo de la noche’ de Lorca, pasando, por supuesto, por temas suyos como ‘Idontknow’ o ‘KILL DEM’. En las pantallas se proyectaba, con filtros psicodélicos, a la gente bailando cerca de la torre de sonido, sintiendo y disfrutando de los beats y las texturas atmosféricas del productor inglés.
‘METANOIA’ de Belén Aguilera es nuestro Disco de la Semana. El EP se ha ido presentando con multitud de singles: ‘GALGO’, ‘PAS’ con Pimp Flaco, ‘Nadie me ha preguntado’ e ‘ILUSIÓN ÓPTICA’. Por lo que vemos en Spotify, parece que el que más se puede pegar es el último, ‘LICÁNTROPO’, y es nuestra Canción del Día hoy.
En nuestra crítica del EP especulábamos con que esta canción optaba por una producción adulterada, precisamente para reflejar la personalidad de alguien que se transforma en un monstruo. La propia Belén Aguilera nos da la razón en unas palabras para JENESAISPOP.
Nos cuenta en WhatsApp de voz: «Sobre las distorsiones vocales, me gusta mucho que la producción tenga mucho que ver con la letra y que cuente un poco lo que la letra está contando, o al menos la emoción que quiero transmitir. Como hablo de un elemento de transformación, me gustaba la idea de jugar con la distorsión de las voces para reflejarlo. Y a la vez también, como es una canción que habla de algo un poco oscuro, que incluso quería que diera miedo, he intentado que esa oscuridad y ese miedo se reflejara en producción».
El vídeo lleva la canción a otro lugar. Si la letra parece enfrentar los propios fantasmas para no desbarrar uno mismo, consintiendo interpretaciones como el tratar sobre una adicción, el videoclip, medio comedia, medio película de terror, va por otros derroteros. En él vemos a Belén Aguilera como asesina en serie, en un hotel en el que finalmente es descubierta.
Varios eventos aguardan a Belén Aguilera durante las próximas semanas, por ejemplo Fan Futura, Arenal Sound, Salamanca Vive, Brava Madrid o Extremusika. Podéis consultarlos todos en el Linktr.ee de su Instagram.
La segunda jornada de Bilbao BBK Live se diferencia de la primera por la afluencia de gente, mucho mayor ya desde primera hora de la tarde, y también por el calor que el primer día solo había asomado tímidamente. La temperatura es de 30 grados a la sombra al mediodía y, entrada la tarde, el calor aún quema a cuchillo durante el concierto de La Plazuela en el escenario Txiki, por lo que buena parte del público opta por atender el set de lejos, bajo la arboleda; aunque aún hay valientes que prefieren quedarse bajo el sol disfrutando de la divertida mezcla de calorro y electrónica del dúo granadino.
Igualmente el público se dispersa en varios puntos del escenario Beefeater (cubierto por una carpa) para no perderse el concierto de Ben Yart, un anarca musical cuya propuesta camina la fina línea entre la seriedad y la coña, sobre todo cuando lo que emite su micrófono parecen más improvisaciones engoriladas que melodías. Probablemente ambas opciones son correctas. Como correcto es también que al vasco, que cuando llego ya actúa descamisado, no le faltan seguidores que vocean sus canciones.
Oscar L. Tejeda
Empieza a ser multitudinaria la asistencia en el set de Duki, algo desubicado por horario, pues es uno de esos espectáculos que se apoyan en el truco de los chorros de fuego, uno que funciona mejor a la noche. Duki, venido de Argentina, ofrece el típico show de trap actual, en el que ocasionalmente emerge el beat house de rigor para levantar el ambiente, pero es un despropósito la presencia de guitarras pseudometaleras en casi todas las canciones, enlatadas a más no poder, y la alta dosis de autotune llega a resultar indigesta, tanto como el exagerado volumen de los altavoces, un abuso de los decibelios que no hace sonar mejor la música, sino todo lo contrario.
En otra galaxia, Róisín Murphy ofrece un concierto realmente fascinante, un regalo por varias razones. Róisín no se conforma con cantar por encima de las bases -ella tiene más gusto que eso- y ofrece al público un auténtico concierto de música tocada en directo, mezclando electrónica viva con guitarras eléctricas o teclados, en canciones que se alargan cómodamente hasta los 10 minutos, elásticas y expansivas, apoyándose sobre todo en los ritmos de la música disco pero tomando diferentes formas y versiones. Róisín no solo canta sus canciones, habita dentro de ellas, algo que se hace evidente por ejemplo en su interpretación de ‘Incapable’, inmensa.
Luego está el componente cómico del concierto, pues es conocido el gusto de Róisín por los cambios de vestuario y por hacer el bobo en el escenario. Del gorro de cono de ‘Can’t Replicate’ pasamos al muñeco de ‘Overpowered’ y de ahí al sombrero de pluma de ‘CooCool’ o a la pistola de cartón (o lo que fuera eso) de ‘Incapable’. Las maletas que debe empacar Róisín cada vez que sale de gira deben ser loquísimas. Pero lo mejor es que el humor de los vestuarios de Róisín, y el de su propia presencia escénica, consiguen que su música entre por los ojos, restándole esa seriedad que se le presupone.
Una seriedad que puede venir de la experimentación, porque si algo puede decir Róisín es que su música es realmente innovadora, algo que se va a volver a constatar con el lanzamiento de su nuevo disco, pero que ya era evidente por ejemplo en ‘Ramalama’, uno de los clásicos genialmente recuperados (aunque el micro se corta al final, no sé si a propósito). Y el público por fin le está siguiendo el ritmo, de ahí que su popularidad haya dado un salto considerable en los últimos años. Róisín no necesita recuperar ‘Sing it Back’ o ‘The Time is Now’ (y lo hace) para meterse al público en el bolsillo, pues muchos de sus fans actuales son de nueva hornada.
Oscar L. Tejeda
Entrada la noche el público en Bilbao BBK Live ya es realmente masivo y con el turno de Phoenix entra una oleada de gente considerable. El grupo francés ofrece su típico show de indie correcto, limpio y elegante, como lo son todas sus canciones. El repertorio está tan nutrido de hits que se atreve a empezar con ‘Lizstomania’ y no se despeina en ningún momento. Especialmente favorecido sale su último disco, pues ‘Alpha Zulu’ parece de repente un hit de Phoenix que siempre ha estado ahí, y lo mismo se puede decir de ‘Tonight’ o ‘After Midnight’. Thomas Mars se muestra agradecido por que el público se sepa las letras de sus canciones, pero más agradecido es asistir a un concierto tan masificado y, a la vez, tan cómodo de ver, al menos desde las filas de atrás.
Oscar L. Tejeda
Sin embargo, el verdadero plato fuerte de la jornada es The Blaze. El dúo -también francés- demuestra el porqué de su popularidad en un espectáculo de electrónica que te hace viajar y volar sin volarte los sesos. Las canciones de ‘Jungle’, su último disco, y también las de su debut, se apoyan en el desarrollo de una euforia tranquila que busca ser bella sobre todo, nunca trallera de más, a la vez que los visuales de acompañamiento te hacen reflexionar sobre las desigualdades que existen en el mundo.
El secreto de The Blaze, en mi opinión, es que sus producciones son eminentemente simples: un beat 4×4, un teclado boreal, una melodía que derrapa… Los elementos de sus canciones son perfectamente visibles en un sentido literal, sin necesidad de aplicar una mirada sinestésica. Pero ya sea metiendo teclados acid o más cercanos a lo cósmico, la música de The Blaze se mantiene en todo momento agradecida, humilde y capaz de emocionar sin perder sutileza y gusto. Otro de esos grupos que se crecen en directo un 200%.
Como se crecen también La Élite en la carpa de Beefeater poco después. Es un acierto decirle adiós a Jamie xx en esta ocasión, pues su show ya nos lo sabemos de memoria. El de La Élite es una especie de consagración, pues el dúo catalán está realmente desbordante y el público se sabe todas sus canciones, no solo el hit de ‘Bailando’. En otras palabras, La Élite hacen honor al título de su disco, ‘Nuevo punk’, pues sus canciones son auténticos himnos que ya suenan a clásico. Digamos que David Burgués y Nil Roig consiguen que un simple “lololo” suene a nuevo, y eso es un mérito. Divertidísimos.
En lugar de explorar el potencial de canciones de ‘Memento Mori’ como ‘People Are Good’ o ‘Never Let Me Go’, Depeche Mode continúan promocionando ‘Wagging Tongue’, el corte 2 del disco.
Este viernes se ha publicado un EP con 8 remixes de la canción, y son bastante dispares e interesantes. Richie Hawtin y Gaiser han puesto el punto techno en la pista 6. También Gabe Gurnsey lleva ‘Wagging Tongue’ a los clubs más oscuros. Nada que ver con el trabajo de otros artistas.
Encabeza el EP de remixes una colaboración con Kid Moxie que es más bien un featuring, un dúo. Wet Leg, dada su popularidad y su reconocimiento en los Grammy, están copando muchos titulares por un remix muy personal que, eso sí, no es nada rockero. Destaca la grabación de nuevas voces e instrumentos en estas 2 primeras remezclas del EP.
Y en España tenemos que destacar la intervención del dúo español Imbermind (Edu Imbernon y Clemente) en la pista 3 de este pequeño disco. El dúo español ya publicó hace unos meses ‘Kind of Love‘ junto a Peter Murphy. Su aportación ahora a Depeche Mode es una de las más melódicas y a la vez guitarreras. Te gustará si te gustan tanto ‘Precious’ como ‘Songs of Faith and Devotion’.
El propio Edu Imbernon, a quien quizá conozcas de verle pinchar en festivales o por sus remezclas a gente como The XX, explica cómo ha terminado ahí: “Depeche Mode me pidieron que les preparase este remix, y decidí crearlo junto a Clemente, por lo tanto sumarlo a nuestro proyecto conjunto IMBERMIND. La banda británica ha sido la formación que más me ha influenciado desde siempre, con diferencia ellos han contribuido a creer en mi carrera como músico… aún más ahora al darse este hito tan importante que ha sido trabajar para ellos, e incluso conocerlos en persona. Esta remezcla para el tema ‘Wagging Tongue’ está enfocada a contentar tanto sus fans más clásicos, como a una nueva generación de oyentes, además de nuestros propios seguidores».
Desokupa ha colgado una lona contra el Presidente del Gobierno, Pedro Sánchez («Tú a Marruecos, Desokupa a la Moncloa»), que estos días ha generado una enorme controversia a varios niveles.
Situada en la céntrica calle Atocha de Madrid, se ha colgado sin que los vecinos aprobasen su contenido. Ha sido boicoteada por el Movimiento de Vivienda de Madrid, y se ha dudado de su legitimidad por incitar al odio. Finalmente, la Junta Electoral ha aprobado su uso en amparo de la libertad de expresión.
Desokupa, que por un momento anunció ayer que retiraría la lona después de que esta fuera boicoteada, luego reculó y aseguró que la mantendría. En uno de los vídeos que su líder Daniel Esteve compartía utilizaba el hit ‘Tubthumping’ de Chumbawamba, uno de los mayores éxitos de los años 90.
El exguitarrista del grupo Boff Whalley ha acudido a Twitter para exigir a Desokupa que dejen de usar su canción. Como todo el mundo sabe, porque siempre se presentó así a Chumbawamba en la radio, el colectivo era de ideas izquierdistas y se sigue reconociendo como anti-nazi. Entre sus preocupaciones figuraron el marxismo, el feminismo, el movimiento LGTB+, los derechos de los animales y el pacifismo.
Whalley ha ido más allá: “Chumbawamba es una banda antinazi. Si tienes que usar una de nuestras canciones, prueba con ‘The day the nazi died’, tiene una letra agradable y una buena melodía”. Podéis escucharla bajo estas líneas.
Cuando alguien ha sugerido que ‘Tubthumping’ se va a convertir así en un himno antifascista, también por su letra «cantaremos, cuando ganemos / me derriban, pero vuelvo a levantarme», Boff ha recordado que siempre lo fue: “Todas las canciones que hemos cantado son himnos antifascistas. Si es conocido como un himno antifascista, eso es todo lo que podríamos desear de nuestra música”.
STOP USING OUR SONG. Chumbawamba is an anti-Nazi band. If you must use one of our songs, try THE DAY THE NAZI DIED, it’s got a pleasant lyric and a good melody.
Cerca de las 19h comenzó en el escenario Region of Madrid Angel Olsen acompañada de su banda. Ante un público un tanto tímido, la cantante presentó principalmente las canciones de su último disco, ‘Big Time’, del que sonaron ‘Ghost On’, ‘This Is How it Works’ y ‘Go Home’, entre otras. La intimidad de su música se aprecia mejor en una sala y en un concierto exclusivamente propio, pero aun así, la calidad de sonido fue excelente, y escuchar su preciosa voz mientras el sol iba bajando, un privilegio.
Incluso cuando se equivocó, como en ‘Shut Up Kiss Me’, que no se acordaba de cómo seguía el segundo verso después del estribillo y tuvo que ser ayudada por un fan, Angel Olsen mostró su buen hacer y su profesionalidad sobre el escenario. Precisamente antes de tocar esa misma canción, la cantante bromeó con que la había escrito la noche anterior inspirada por el propio Mad Cool.
A partir de la devastadora ‘Through the Fires’, el público se encendió ligeramente y parecía estar más metido en el concierto. Hacia el final, Olsen reconoció que le es muy difícil crear un setlist porque su música es muy variada y de géneros muy distintos. De hecho, ningún concierto suyo en esta gira tiene el mismo set ni hay ninguna canción que cante siempre.
Por ello, incitó a que le propusiéramos canciones si había alguna en concreto que quisiéramos escuchar. Un par de personas dijeron ‘All the Good Times’, a lo que Olsen respondió que llegaríamos ahí, dejando caer que tenía pensado incluirla. Finalmente no lo hizo porque un chico propuso ‘Sister’ -petición a la que me uní-, y a ella le gustó la idea, tanto que decidió cerrar con una versión extralarga de la misma. Todo un acierto, no solo porque es una de sus mejores canciones, sino porque pocas de su repertorio se ajustan tan bien al ambiente de un festival.
En uno de los escenarios principales, apareció Sam Smith y, desde el principio, fue una revelación. Una enorme figura dorada de un hombre tumbado (similar a un buda) ocupaba todo el ancho del escenario. Acompañade de tres coristas, Sam comenzó con ‘Stay With Me’ animando al público a que se uniera. La gente la cantaba con entusiasmo y su preciosa e imponente voz llenaba cada rincón del recinto. Siguió con ‘I’m Not the Only One’ para ganarse definitivamente la atención de todos los asistentes.
El show, que era la primera vez que se presentaba al aire libre, comenzó discreto a nivel visual con esas dos baladas, pero poco a poco fue llevándonos a diferentes lugares y estilos. En cada cambio de vestuario, Smith cambiaba el tono. En ocasiones, se convertía en una reivindicación de la sexualidad sin tapujos, como cuando dos bailarinas simulaban sexo entre ellas e incluso se besaban. En otras, hacía referencia a RuPaul’s Drag Race con su mítico “If you don’t love yourself how in the hell you gonna love somebody else” luciendo un enorme vestido morado.
Hacia el final del concierto, Sam, que se había ausentado para cambiarse, vuelve al escenario mientras suenan unos cánticos de iglesia. Con un velo y una corona, se une a los cantos eclesiásticos hasta que deja caer su velo y aparece sin camiseta tapándose los pezones con dos cruces, con unas medias de rejilla y unas altísimas botas de cuero para cantar su macrohit ‘Unholy’, una canción horrorosa y que, sin embargo, en directo defiende muy bien. Ahí es cuando te das cuenta de la importancia de todo lo que has visto.
Más allá de que a nivel sonoro y vocal fuese impecable todo el tiempo, el hecho de ver a un artista abiertamente queer, de género no binario, siendo cabeza de cartel de un gran festival e instalando nuevos referentes y nuevas estéticas en la gente joven es esperanzador. Sus diferentes outfits y la celebración de la libertad sexual del show incomodaron a varios hombres heterosexuales que estaban viendo el concierto con sus parejas. Sonrisas incómodas e incluso usos inapropiados de la palabra “maricón” cada vez que Sam bailaba sin camiseta, movía el culo o vestía con alguna prenda asociada a lo femenino. En nuestra burbuja queer no hay nada escandaloso en su espectáculo, pero si intentas ver fuera de ella te das cuenta de que hay mucho por hacer y mucho por educar. No hay mejor forma de hacerlo que ante casi 70.000 personas con un concierto irreprochable de principio a fin.
Andrés Iglesias
En otro de los escenarios grandes, Queens of the Stone Age ofrecían una velada musical muy diferente a la de Sam Smith. La banda estadounidense, que está en la gira de su reciente álbum ‘In Times New Roman…’ ofrecieron un clásico concierto de rock. Con un sonido convincente y una sólida presencia en el escenario por parte de su vocalista Josh Homme, no tardaron en ganarse a sus fans con algunas de sus canciones más míticas, como ‘No One Knows’, con la que abrieron su set.
Homme interactuaba con el público como podía en español, haciendo bromas (“¡Mi amor! Bailar, beber y…” dijo antes de empezar una canción). También se mostró cariñoso con su banda y recordó que era el cumpleaños de uno de ellos. Mientras sonaba ‘Paper Machete’ de su último disco, me alejé del escenario, dejando la fiesta rockera que estaban montando para poder llegar a Ralphie Choo.
Ralphie Choo, gran revelación nacional
En uno de los escenarios cubiertos, en la zona de Vibra Mahou, Ralphie Choo, una de las revelaciones españolas de los últimos años, estaba a punto de comenzar su show. Lo acompañaban tres violinistas, una chelista, un dj y un guitarrista. Pese a no contar con un amplio repertorio, el madrileño recibió instantáneamente el cariño de un público muy entregado que se sabía todas las canciones. El artista se movía de un lado al otro del escenario y animaba a la gente a cantar con él. ‘Bulerías de un caballo malo’ y ‘Lamento de una supernova’ causaron entusiasmo, pero la fiesta realmente se desató cuando invitó a su colega rusowsky a cantar con él. La última canción, ‘Valentino’ derivó en pogos y locura colectiva.
Javier Bragado
Mumford and Sons empezaban su concierto con ‘Babel’, de su segundo disco homónimo -al que dedicaron la mayor parte del tiempo, tocando hasta 6 canciones de él- trayendo a Madrid su característico folk indie. Justo después sonó ‘Little Lion Man’, un auténtico himno en tierras británicas que, evidentemente, fue cantada con exaltación por el público.
El concierto sonó correcto siempre, sin recurrir a nada externo más allá de un discreto juego de luces, donde repasaron sus canciones más queridas como ‘The Cave’ o ‘Believe’, y cerraron, por supuesto, con ‘I Will Wait’. Su música, por algún motivo, resuena con fuerza en mucha gente y eso es admirable, especialmente teniendo en cuenta que no han evolucionado ni un ápice desde sus comienzos. Ver un concierto de Mumford and Sons en 2013 y verlo ahora es prácticamente lo mismo. Siguen siendo cabezas de cartel en todos los festivales a los que van, así que se ve que tampoco necesitan mucho más.
La apretada agenda festivalera no permite parar ni un segundo. Romy pinchaba en el escenario dedicado a la electrónica sustituyendo a The Blessed Madonna, que tuvo que cancelar. No quería perderme al menos una parte de lo que la de The xx tenía que ofrecer. Fue una buena decisión. El set de Romy era una fiesta divertidísima, donde sonaron desde temas propios como ‘Enjoy Your Life’ o ‘Lifetime’ hasta una remezcla de ‘(It Goes Like) Nanana’ de Peggy Gou, que para quien escribe esto, es la canción del verano.
Dejamos a Romy para cerrar la noche con los australianos Rüfus Du Sol y su espectáculo de house progresivo. Su música es tan atmosférica como enérgica y optimista, y la gente que allí estaba disfrutaba de cada instante, de cada vez que el beat rompía, de cada cambio de luces. Su cantante empezó vocalmente algo flojo, pero enseguida consiguió centrarse y estar a la altura. El público sacaba constantemente sus móviles para grabar, se subían sobre los hombros de sus amigos y levantaban los brazos en alto, coreaban todas las canciones… ‘On My Knees’ y ‘You Were Right’ fueron dos momentos particularmente eufóricos, pero todo el set fue dinámico y estuvo cargado de una alegría contagiosa. Un gran cierre a una jornada muy marcada por el eclecticismo por el que ha apostado el cartel del festival este año.
Taylor Swift ha publicado este viernes su versión regrabada de ‘Speak Now‘, su disco de 2010, el que fue el tercero de su carrera. La cantante continúa así con la publicación de nuevas versiones de sus primeros discos tras haber perdido los derechos de los mismos. A las regrabaciones se suman nuevas canciones, y es el caso de ‘I Can See You’, para la que se acaba de estrenar un videoclip dirigido por Taylor Swift que, cómo no, es una superproducción. Es, aunque solo sea por su enorme relevancia e inversión económica, nuestra Canción del Día para este sábado.
Si la canción, de la que se tuvo conocimiento por primera vez en 2010, es una rareza guitarrera, casi rock, casi Brit Pop, en la carrera de Taylor Swift, la letra habla de alguien a quien se observa y se desea sexualmente en secreto («te he observado durante años (…) ¿qué pasaría si me acercara y te tocara?»). Ese objeto de deseo es algo inesperado en el videoclip, que contiene referencias a películas de acción como ‘Misión Imposible’ y ‘Spider-Man’.
Está la gracia de que de los actores principales, Joey King, Presley Cash y Taylor Lautner, Joey y Presley aparecieron en el vídeo de ‘Mean’ de ‘Speak Now’ cuando tenían 9 y 13 años. Pero además es que Taylor Lautner fue pareja de Swift en 2009, por lo que se cierran varios círculos. Se presupone que Swift le ha dedicado varias canciones y se sabe que ‘Back to December’, un tema de este mismo ‘Speak Now’ del que hablamos, estaba dedicado a él. En concreto, decía que le gustaría «volver» a la noche de la ruptura, la noche en que ella lo dejó, para hacer las cosas mejor.
Pero sobre todo, el nuevo vídeo está lleno de simbología en ese plano en el que vemos a la propia Taylor Swift, dirigida por sí misma, portando un cuadro con la imagen de portada de ‘Speak Now’ bajo el brazo. Al fin es suyo y con él volverá a conquistar desde hoy las listas de éxitos.
Por cierto, ya hay quien, a la caza de los habituales «Easter Eggs» de los vídeos de Taylor Swift, ya se ha fijado en algún detalle que indica que ‘1989’ podría ser el próximo disco revisitado. Al menos eso se especula en los foros de Popjustice.
Nelly Furtado ha concedido una larga entrevista a Vogue en la que da más detalles sobre su nuevo álbum. Si hace unos meses ya revelaba en otra entrevista que había trabajado con Bomba Estéreo, ahora podemos conocer algunos títulos y líneas artísticas.
Al margen de una colaboración con Dom Dolla que ya salió llamada ‘Eat Your Man’, el reportaje habla de dos canciones que aparecerán en el que será su séptimo disco de estudio, que está en proceso de mezcla. Una se llama ‘Showstopper’ y se vincula melódicamente con ‘Promiscous’, quizá por el éxito de esta en TikTok, del cual Nelly Furtado se enteró por su hija adolescente («ni siquiera tenía la APP bajada»). Y la otra se llama ‘Corazón’ y se define como dance y uptempo, como un «himno de club», con letras en español y en inglés.
‘Corazón’ habla sobre «vivir la vida e intentar hacer las cosas lo mejor posible». «Incluso aunque cometamos errores, que salgan del corazón», explica la artista.
Eso sí, no se sabe si ‘Corazón’ es la colaboración, también con letra en español y en inglés, que va a salir este verano junto a Li Saumet de Bomba Estéreo, a la que Furtado define como su «amiga». Esta canción con Bomba Estéreo que saldrá este verano parece otra canción, pues así se refiere a ella. Este otro tema habla sobre «uno mismo y la comunidad» y fue grabado en tres ciudades diferentes, durante la gira de Bomba Estéreo. El tema cuenta con flautas colombianas, baterías y guitarras.
En otra de las partes de la entrevista, Nelly Furtado recuerda que en sus inicios, a los 18 años, lo que le gustaba era la electrónica, las raves y el trip hop, en la escena de Toronto. «El mundo de la electrónica es totalmente diferente al pop. El trance, el techno y el house van sobre dejarte llevar», indica, revelando que al quedarse soltera ha vuelto a salir mucho, tanto a clubs, como a fiestas en casa o a conciertos de Lady Gaga, Post Malone y The Weeknd.
También explica que le gusta trabajar con mujeres, y ha hecho un tema com WondaGurl y otro con Charlotte Day Wilson. También menciona a una autora llamada Charmie. E incluso su hija adolescente aparecerá en los créditos del disco. «Mi hija mayor está en la industria de la música, en márketing, y hemos escrito algunas canciones juntas en el estudio. Tiene mucho talento, y eso me motiva». Finalmente, también menciona que ha hablado con Timbaland recientemente, durante 2 horas, a través de FaceTime, aunque no han grabado nada, de momento. «Tenemos planes, seguro. Es divertido porque sí estoy trabajando con un gran fan de él, T-Minus, que ha producido mi nueva canción».
