No se puede imaginar la era más reciente de Kylie Minogue sin ‘Padam Padam’. La canción, que sirvió como single principal de su álbum ‘Tension’, fue todo un éxito para la artista. Pero eso estuvo a punto de no haber pasado. El tema podría ser ahora parte del catálogo musical de Rita Ora.
En una entrevista concedida por Lostboy, productor de ‘Padam Padam’, se ha desvelado que Rita Ora por poco graba sus voces para la canción. El single, que se envió a la discografía BMG (a la que tanto Kylie Minogue como Rita Ora pertenecen), desencadenó bastantes dudas en torno a la cantante perfecta para él. «Estaba rondando a unos cuantos artistas de ese sello», confiesa Lostboy, añadiendo que «Ora iba a grabar sus voces».
«Escribimos ‘Padam Padam’ en febrero de 2022 y estuvimos quizás cuatro o cinco meses sin hacer nada», continúa diciendo el productor. Sin embargo, alguien le sugirió que «Kylie lo petaría con esto». La discográfica, por el contrario, se mostraba bastante insegura en torno a Minogue, alegando que no consideraban que le pegara a ella.
Todo el mundo sabe lo que pasó al final: la canción acabó en manos de Kylie y ha tenido un enorme éxito en países como Reino Unido, donde alcanzó el top 10. «Me sorprendió lo segura que estaba de que podía hacerlo, de que iba a encajar en el tema», cuenta Lostboy en la entrevista. «Pero pienso en ella como alguien a quien se le da muy bien reinventar. La canción parece moderna, pero también parece Kylie», concluye.
Hoy 12 de enero publican disco nombres internacionales del tamaño de Kali Uchis o 21 Savage (incluyendo colaboración de Doja Cat), así como dos indie darlings de la calidad de The Vaccines o Marika Hackman. En España se ponen a la venta nuevos trabajos de Chanel, Delaporte o Rebe.
El viernes de novedades viene cargado con dos macrolanzamientos que darán mucho de qué hablar en este 2024 que acaba de empezar como son los de Ariana Grande (la Canción Del Día de hoy) y Lil Nas X. Otra grande, Jennifer Lopez, ha publicado su single de regreso durante la semana.
Hoy se estrena, además, nueva música de The Black Keys, Residente, Pipiolas con Rigoberta Bandini, Kid Cudi, Bad Gyal con Anitta, Bombay Bicycle Club, Pimp Flaco o la anunciada colaboración de Emilia y Nathy Peluso desde la «JET SET».
Por otro lado, durante la semana han salido jugosas novedades de muchos de los mejores artistas del momento: nos referimos a nuevos singles de -atención- Jamie xx, The Smile, Julia Holter, Four Tet, Waxahatchee, MGMT, Erika de Casier, Bizarrap con Young Miko, TORRES, serpentwithfeet, Laetitia Sadier, Ride o Future Islands. Además, os hemos recomendado a Pol Batlle y Lawson Hull.
La cantante armenio-estadounidense KÁRYNN, Whitelands (teloneros de slowdive) o la revelación nacional Gara Durán (asociada a Ralphie Choo) se encuentran entre los tesoros que os invitamos a descubrir hoy en la playlist de novedades «Ready for the Weekend».
Lil Nas X ha promocionado su nuevo single en los últimos días como mejor sabe hacer, siendo un incordio en redes sociales. No ha pasado un día en que Montero no haya dado la nota o troleado al personal de alguna manera, por ejemplo, inventándose que va a sacar música góspel de manera independiente y que cursará una carrera de «Estudios Bíblicos» en la Universidad, o contestando a todo aquel que le ha acusado de ridiculizar la religión o de ser un artista de la parodia y no serio.
La campaña publicitaria de ‘J CHRIST’ ha concluido a lo grande con la celebración de una supuesta premiere de la canción y el videoclip, a la que han acudido dobles de Taylor Swift, Kanye West, Ice Spice, Ed Sheeran, Dolly Parton, Michael Jackson, Oprah Winfrey o hasta de la Reina de Inglaterra.
Todos estos dobles aparecen en el vídeo de ‘J CHRIST’ -como se había revelado días atrás- como queriendo transmitir que buenos y villanos terminan en el mismo sitio. Aunque el verdadero protagonista es evidentemente Lil Nas X.
El vídeo de ‘J CHRIST’ es abiertamente una secuela del de ‘Montero (Call Me By Your Name)’, con Montero visitando tanto el cielo como el infierno. Las referencias al viejo mundo son varias y se mezclan sin orden ni concierto: Montero resucita como Jesucristo, se transforma en Moisés o lucha como un gladiador contra una versión diabólica de sí mismo.
La potencia visual de ‘J CHRIST’ deja poco tiempo para hablar de la canción. Aunque quizá no haya mucho que decir en este caso. Amenazando, en el estribillo, con marcarse un nuevo «viral», Montero entrega una producción bastante parecida a ‘HUMBLE.’ de Kendrick Lamar cuya potencia viralizable aún está por ver. De momento, el gancho se lo queda el videoclip.
Ariana Grande ha publicado -al fin- nuevo single, el primero en tres años. ‘yes, and?’ deja atrás las cadencias R&B del trabajo previo de Grande y se entrega plenamente a los ritmos del house-pop de finales de los 80 y principios de los 90, tanto como para diseñarse en el estilo de ‘Vogue‘ de Madonna en más de un sentido.
Que ‘yes, and?’ estaría inspirada en el clásico de Madonna de 1990 se rumoreaba en los últimos días. No parece haber sample ni «interpolación» específicos en la canción, pero Max Martin y Ilya Salmanzadeh parecen haberse empeñado en reproducir las percusiones y atmósferas de la producción de Madonna y Shep Pettibone. Seguro a que Ciccone, que ya colaboró con Grande narrando el videoclip de ‘God is a woman’, la inspiración no le pilla de sorpresa.
‘yes, and?’ es tan nostálgica que se atreve a incorporar una intro de CASI UN MINUTO (!!), en estos tiempos que corren. Ari habita la producción de ‘yes, and?’ con máxima elegancia. En la Canción Del Día de hoy, por supuesto también la primera Whitney Houston podría haber sido una referencia, pero Grande opta vocalmente por la contención.
También es evidente la querencia de himno popular de ‘yes, and?’. Como ‘Break My Soul‘ de Beyoncé, el nuevo single de Grande invita a sudar los problemas en la pista de baile poniendo voz a un plural indeterminado. «Todo el mundo está cansado, o se está curando de alguien o de algo que no se ve a primera vista», canta Grande, invitando «encender la luz cuando te sientas en la oscuridad».
Grande ya había coqueteado con la pista de baile en canciones como ‘Be Alright’ o ‘Greedy’, de su disco de 2016 ‘Dangerous Woman’, o por supuesto en ‘Break Free’, en todo caso sonando a su tiempo. ‘yes, and?’ es una de sus producciones más basadas en el pasado.
En el videoclip del tema, la artista vuelve a representar su deseo por poner al oyente a bailar. La primera que lo hace es, de hecho, ella. Sin embargo, se dirige un sector específico: los críticos. Casi pidiéndoles que dejen a un lado su escrutinio e incitándolos a bailar, Ariana Grande intenta alejar polémicas a través de la música y la coreografía. El vídeo es una referencia al de ‘Cold Hearted’ de Paula Abdul.
Los lectores de JENESAISPOP habéis votado lo mejor de 2023 durante las últimas semanas a través de nuestros foros. Los votos se han dividido en dos secciones claramente diferenciadas: por un lado, la categoría de las «serias por la música» y de las «etéreas y taciturnas» y, por el otro, la sección de las «peluqueras» que «no pueden vivir sin menear el poto y sin peluquería de altos decibelios». La mayoría de los votos, un total de 1.123, provienen del equipo «serias por la música», mientras que 626 han salido de la peluquería. Muchas gracias a Xtian23 por recopilar las votaciones.
La Mejor Canción de 2023 para los lectores de JENESAISPOP ha sido ‘A&W‘, la atormentada obra maestra de Lana Del Rey. En segundo lugar ha quedado la conmovedora ‘Will Anybody Ever Love Me?‘ de Sufjan Stevens. La primera representación peluquera llega en tercer puesto con ‘Padam Padam‘ de Kylie Minogue. Completan el top 5 ‘Not Strong Enough‘ de boygenius, en el 4, y ‘Vampire’ de Olivia Rodrigo, en el 5.
Grandes éxitos de 2023 aparecen en las votaciones definitivas de los lectores como lo han hecho en el Anuario de JENESAISPOP, aunque en puestos diferentes, como ‘Flowers’ de Miley Cyrus -puesto 18- o ‘Rush’ de Troye Sivan -puesto 8-. También grandes obras maestras de culto como ‘Begin Again’ de Jessie Ware (7) o ‘To be honest’ de Christine and the Queens (6) hallan lugar en las votaciones.
Entre las grandes reivindicaciones de los lectores destaca el puesto 8 para ‘Nothing Left to Lose’ de Everything But the Girl, y también se hace justicia para ‘Tension’ de Kylie (10), ‘Let’s Make a Mistake Tonight’ de Tennis (17), ‘Tristesse’ de Zaho de Sagazan (19), ‘Oral’ de Björk y Rosalía (28) o ‘One of Your Girls’ (29) de Troye Sivan. Ente las pocas apuestas nacionales que han recibido votos de los lectores se encuentran ‘Otra vida’ de pablopablo (22) o ‘Mambo‘ de Morreo (30).
Mejores Canciones 2023 para los lectores
01 A&W, de Lana Del Rey
02 Will Anybody Ever Love Me?, de Sufjan Stevens
03 Padam Padam, de Kylie Minogue
04 Not Strong Enough, de boygenius
05 Vampire, de Olivia Rodrigo
06 To be honest, de Christine and the Queens
07 Begin Again, de Jessie Ware
08 Nothing Left to Lose, de Everything But the Girl
09 Rush, de Troye Sivan
10 Tension, de Kylie Minogue
11 Chulo, de Bad Gyal
12 Ghosts Again, de Depeche Mode
13 What Was I Made For, de Billie Eilish
14 Loading, de James Blake
15 Vampiros, de Rosalía y Rauw Alejandro
16 kisses, de slowdive
17 Let’s Make a Mistake Tonight, de Tennis
18 Flowers, de Miley Cyrus
19 Tristesse, de Zaho de Sagazan
20 Talk to Me Nice, de Tinashe
21 Hold On to Now, de Kylie Minogue
22 Otra vida, de pablopablo
23 Contact, de Kelela
24 Tattoo, de Loreen
25 Psychedelic Switch, de Carly Rae Jepsen
26 CooCool, de Róisín Murphy
27 Beso, de Rosalía y Rauw Alejandro
28 Oral, de Björk y Rosalía
29 One of Your Girls, de Troye Sivan
30 Mambo, de Morreo
31 Where Are Your Kids Tonight, de CMAT y John Grant
Coachella suele publicar su cartel a principios de año. El de 2023 se reveló, de hecho, tal día como hoy hace un año. De momento se desconoce qué artistas actuarán en el macrofestival californiano la próxima primavera, pero HITS Daily Double, un portal vinculado a la industria musical, ha publicado los primeros nombres que -se rumorea- serían los cabezas de cartel.
Lana Del Rey y Tyler the Creator «está confirmado que serán cabezas de cartel de Coachella 2024», ha escrito el portal. Además, «parece» que Doja Cat será el tercer headliner del festival, programado como siempre en dos fines de semana, el del 12 y 14 de abril, y el del 19 y 21 de abril. También suenan en las apuestas los Rolling Stones, Olivia Rodrigo, Peso Pluma y Travis Scott.
Quien parece no actuará en Coachella es Shakira. Según HITS Daily Double, el equipo de Shakira ha intentado que el festival programe a la superestrella colombiana como cabeza de cartel este año, pero el festival ha rechazado la propuesta «por motivos que han generado mucha especulación». Dua Lipa tampoco podrá actuar en Coachella «por razones de agenda».
Finalmente, queda completamente descartada la posibilidad de que Rage Against the Machine sean otros de los headliners de Coachella en 2024, debido a que el grupo ha confirmado que no volverá a dar más conciertos, dando por anulada una gira anunciada en 2019 que nunca se ha podido realizar.
Hoy 11 de enero se cumple el primer aniversario de la sesión de Bizarrap y Shakira, el primer gran fenómeno pop de 2023. Se espera que Shakira publique nuevo álbum en 2024, conteniendo muchos de sus singles recientes.
La gira ‘Celebration Tour‘ de Madonna continúa, estos días de paso por Estados Unidos, pasadas las Navidades. En Boston, en la primera de dos fechas efectuadas en la ciudad, Madonna ha dado una sorpresa a la audiencia cantando por primera vez desde el estreno de la gira una de las canciones que más se habían echado de menos en el setlist, ‘Express Yourself’, que hasta ahora solo se había escuchado brevemente insertada en la sección de ‘Billie Jean’ y ‘Like a Virgin’.
Madonna ha recuperado ‘Express Yourself’ durante la sección acústica del show, previamente dedicada por ejemplo a versiones como la de ‘I Will Survive’ de Gloria Gaynor, interpretada durante el inicio de la gira en Europa, también en Barcelona; y, aún vestida de vaquera, ha dado a su clásico de 1989 un toque country, transformándola en el «sing along» de la velada.
‘Celebration Tour’ ha vuelto a contar con famosos para la sección de la gira dedicada al voguing. En Boston, Maggie Rogers, muy conocida por su éxito ‘Alaska’, se ha dejado azotar por una de las bailarinas del show. En España se sentaron en la silla de jueces junto a Madonna, en la primera fecha, Arca y, en la segunda, Úrsula Corberó.
Por otro lado, a su llegada a Toronto, Madonna ha sustituido el número de ‘Rain’ por ‘Frozen’, en una mezcla entre la versión original y el remix de Sickick que se viralizó en TikTok.
En 2024 Madonna tiene otras cosas que celebrar, pues tanto su single ‘Like a Virgin’ como el disco homónimo que lo contiene, como por supuesto su mítica presentación de ese año en los MTV Video Music Awards, cumplen este año su 40 aniversario.
Salma, cuarta expulsada de Operación Triunfo 2023, sigue con su vida fuera de la Academia buscando su propio camino en la industria musical. Por ahora puede presumir de haberse reunido en el estudio nada menos que con una de las mayores superestrellas del pop en España, Lola Indigo.
Sonrientes, Salma y Lola Indigo posan en el estudio acompañadas además, por un lado, de la cantante Samuraï y, por el otro, del productor Pablo Rouss. Tanto Samuraï como Rouss pertenecen a la órbita de Mimi Doblas: Rouss ya había producido ‘La llorera’, del disco ‘La Niña‘, antes de sentarse en la silla del jurado de Operación Triunfo, durante la edición actual.
La colaboración parece lógica atendiendo al que se presume el estilo musical de Salma, arraigado en el flamenco (ella es de Málaga). Entre las actuaciones destacadas de Salma en Operación Triunfo se encuentran su versión de ‘Cuando zarpa el amor’ de Camela o de ‘A tu vera’ de Lola Flores, junto a su compañero de edición, el zaragozano Juanjo. Sin ir más lejos, Lola Indigo vacaba de lanzar el EP ‘GRX‘, en el que colabora con artistas de Granada como Saiko o La Zowi.
Está bien rodeada Salma también de Samuraï, autora de hits de pop como ‘Adrenalina’ o ‘Tirando balas’ y, últimamente, invitada a ‘El principio de algo’ de La La Love You. Samuraï acaba de visitar la Academia para charlar con los concursantes.
Por su lado, Pablo Rouss está a punto de publicar nuevo disco, ‘Asintomático’, dedicado a su madre fallecida. Rouss ha colaborado con otra gran amiga de Lola Indigo, Belén Aguilera.
Mika está enamorado del amor. Lo canta en ‘Je sais que je t’aime’, una de las canciones incluidas en su nuevo disco, ‘Ta tête fleurisse toujours’. Su pasión por la vida, por vivirla al máximo, le hacen imaginar un beso que le “cambia la vida” en ’30 Secondes’, o entregarse a la sensualidad “hasta la muerte” en ‘Apocalypse Calypso’. Aquel muchacho apasionado que cantó ‘Grace Kelly’, no está tan lejos hoy. ¿O sí?
Los colorines de sus primeros discos, de vez en cuando, siguen animando la vida de Mika, de hecho: en ‘Sweetie banana’ tiene el “corazón de caramelo” y “coco en los labios”. En ‘Apocalypse Calypso’ su corazón “estalla en llamas” y casi puedes visualizar un dibujo animado representando este acto. Sin embargo, las nuevas canciones de Mika son mansas y plácidas. Lo cual no sería malo si sus cimientos compositivos fueran sólidos. No es el caso.
El sentimiento de Mika es noble en ‘Ta tête fleurisse toujours’. Cuando nos aconseja vivir la vida sin prisa, “suavemente”, como Elvis Crespo, en ‘Doucement’, da ganas de darle las gracias: es un recordatorio necesario. Aunque escuchando la canción luego se te olvida. Realmente, ninguna de ellas es la más inspirada que ha firmado.
Es simpática la pista inicial, ‘Bougez’, que juega con el house-pop y anima a mover el cuerpo “por tu salud”. Aunque, abriendo disco, no es espectacular. Una vez ajustadas las expectativas ante el que parece, desde el principio, un disco menor en la carrera de Mika, es mono el homenaje semibailable a ‘Jane Birkin’ y ‘C’est La Vie’, otra de las pistas movidas, en clave disco, ofrece amena compañía.
Algo mejores son las baladas y medios tiempos de ‘Ta tête fleurisse toujours’, especialmente ’30 Secondes’, que sería digna candidata a Eurovisión. Después, ‘Moi, Andy et Paris’ transmite una energía más contenta que sentida, pero te gana gracias a su cuco estribillo “please, excuse my French”. Es efectivamente un paseíto por París, ligeramente ensombrecido, entristecido, por el inminente final de un amor: “sonreímos pero estamos tristes, como en una foto turística”, canta Mika.
Es curioso que los mejores momentos de ‘Ta tête fleurisse toujours’ aparezcan en el tramo medio. Porque, al principio y al final, las canciones no pueden ser más endebles ni las melodías más desaboridas. La producción tropicalilla de ‘Sweetie banana’ la hace sonar más a 2017 que a 2024, pero lo peor es que Mika parece haber olvidado de hecho escribir una canción que valga la pena. ‘Apocalipse Calypso’ no puede hacer menos honor a su título. El drama orquestado de ‘Je sais que je t’aime’ suena artificial e inflado. La melodía de ‘Touche touche’ no puede estar más manida.
Así que hay poco que rescatar en ‘Ta tête fleurisse toujours’. Mika supo madurar en su disco de 2015, ‘No Place in Heaven’, y después se las apañó para refrescar su propuesta con el single ‘Ice Cream’ y su disco de 2019 ‘My Name is Michael Holbrook’. En ‘Ta tête fleurisse toujours’, su primer disco cantado enteramente en francés, suena acomodado y aburrido de sí mismo. A pesar de que el amor sigue iluminando la vida de Mika, sus nuevas canciones suenan realmente apagadas.
Esta noche nudozurdo vuelven con un nuevo álbum llamado ‘Clarividencia’. Será el primer disco en 6 años de la banda liderada por Leo Mateos, y este lapso ha incluido hasta una separación que parecía definitiva.
El single adelanto, ‘Angel Genetics’, es al final un bonus track. El álbum es menos post-punk de lo habituado y aparecen influencias más bien de indie-rock noventero, aunque con sus licencias al kraut o incluso algún arreglo orquestal. Las letras, más abstractas que nunca, se valen de metáforas animales y naturales que Mateos asocia a posteriori a lo ecológico. Vía mail, a petición suya, el artista nos habla sobre todas estas cuestiones, añadiendo el estado de la industria musical y del mundo.
Hace varios años que no sacáis disco. ¿Qué ha sido de la banda durante este tiempo?
Si te refieres a la última formación cada uno ha estado tocando en otras bandas y yo con mi proyecto personal.
¿Cómo creéis que ha evolucionado el mundo en este tiempo y cómo ha influido eso en vuestra música?
Bueno, hemos pasado por una pandemia y un conflicto armado a las puertas de Europa. No está mal. El Capital y su precariedad sigue apretando igual de fenomenal o incluso más y está detrás de todos estos males pero da la sensación de que preferimos mirar hacia otro lado. Todas estas cosas se han ido colando de alguna manera en el disco.
¿Cómo creéis que ha cambiado la industria musical o la escena en cuanto a corrientes estilísticas?
En el panorama musical ha irrumpido una generación nueva pero tampoco veo cambios paradigmáticos más allá de que músicas urbanas, etc, se empiezan a asentar porque su público crece y puede pagar creando una escena más profesional de directos, festivales, sellos…
Los más jóvenes están más pegados a las redes, lo que facilita la difusión al mismo tiempo que puede banalizar la escucha musical. En nuestro tiempo pasaba lo mismo de manera diferente. Aquellos que ponían la radio de fondo mientras la emisora de turno tutelaba y condicionaba el gusto de su audiencia.
Ahora con las plataformas digitales y los algoritmos pasa lo mismo. La escucha se puede convertir en un gesto social y el grupo imponer su gusto. Cada vez más gente delega sus necesidades audiovisuales en otras personas, empresas, plataformas, etc. Mientras la industria musical no redistribuya bien sus ingresos con los artistas, seguirá creando un sistema de mínimos. Pero no soy pesimista. Hay mucha gente que usa estos medios para encontrar su propio camino y el talento sigue ahí con bandas nuevas interesantes.
«Mientras la industria musical no redistribuya bien sus ingresos con los artistas, seguirá creando un sistema de mínimos. Pero no soy pesimista»
¿Qué artista nuevo os ha interesado más durante este lapso?
Relativamente nuevos: Fountains Dc, Holy Wave, Tropical Fuck Storm, Bad Nerves…
Habéis pasado por diferentes sellos y formas de edición. ¿Por qué este regreso en Sonido Muchacho?
Creo que es el sello que mejor lo está haciendo ahora. Apuestan por las bandas y lo hacen con entusiasmo. Son jóvenes y están muy profesionalizados. Me gusta además el espíritu humano que se respira.
En vuestro concierto sorpresa de vuelta en la Sala El Sol, no mencionasteis siquiera que erais una banda que se había separado. ¿No creéis que sea necesaria una explicación?
Jajaja. ¿Faltó eso? Cuando estoy tocando nunca se me ocurre qué decir. O sólo se me ocurren chorradas. El showcase fue muy intenso y normalmente lo veo innecesario. Además, era bastante obvio. Los que estaban allí ya lo sabían. Siempre pienso que hablar entre canción y canción rompe un poco la dinámica del directo. Me gusta que no se pierda el hilo musical. A veces, pequeños detalles hacen que el público se distraiga y empiece un concierto en paralelo. Un pequeño virus que se propaga muy rápido.
Las causas del parón las dejasteis muy claras, ¿cómo ha sido la decisión de volver? ¿Más bien progresiva y muy meditada o un pronto más bien?
Ha sido bastante meditada. Hace año y medio empecé a considerarlo. Me costó darle forma porque estaba inmerso en el proyecto en solitario y se acabaron fusionando.
«Los primeros discos eran más rígidos estéticamente. Ahora eso me importa menos»
El disco suena bastante diferente a lo que fueron los primeros pasos de nudozurdo. Parece que hay una influencia más indie-rock, un poco más 90’s. Radiohead, PJ Harvey, Yo La Tengo… son gente que puede venir a la mente. Cosa que no ocurría con ‘Sintética’. ¿Qué sonidos han influido el disco? ¿Por qué ahora estos sonidos?
No lo sé. Son cosas que suceden. Los primeros discos eran más rígidos estéticamente. Ahora eso me importa menos. De hecho creo que es uno de los discos más eclécticos que he hecho.
Con las letras también quise desaparecer un poco. Intentar llegar al contenido sin acercarme demasiado. El hecho de que las canciones sean diferentes entre sí ayuda también a no incidir demasiado en una dirección. Es un intento por desaparecer y evitar la repetición. Pero en el fondo no deja de ser un juego que trata de procurar otro tipo de personalidad más poliédrica y compleja parecida a la realidad.
Los desarrollos instrumentales siguen siendo fundamentales en nudozurdo, como en la intro de 3 minutos de ‘La isla del diablo’. ¿Cómo habéis trabajado en ellos o en el desarrollo final de ‘Angel Genetics’? ¿Son improvisaciones en el estudio o forman parte de la composición del tema en sí?
Forman parte de la canción. Cuando llegamos al estudio había un trabajo previo bastante intenso de prueba/error. Fueron 6 meses grabando todos los ensayos, improvisaciones, etc. Después añadí las voces y algún arreglo tras el estudio pero las canciones las grabamos en directo a lo largo de 3 días.
¿Que ‘Angel Genetics’ pueda ser la canción más nudozurdo es lo que ha llevado a la decisión de que apenas sea un bonus track aparte en 7″?
No. Llegamos a un acuerdo con la discográfica para hacer un disco corto donde pudieran entrar todas las canciones en el vinilo. A todos nos parecía buena idea. Por una cuestión de orden y de la continuidad musical ‘Angel Genetics’ se quedó fuera junto con ‘La bruja’, pero estarán reunidas en una versión especial en digital. En la versión del CD están todas. ¡Un lío divino!
¿Cómo surgió la idea de presentar un disco o un regreso con un bonus track? ¿Lo tuvisteis siempre claro o hubo un tira y afloja entre grupo, sello, vosotros mismos?
Para nada. Yo siempre estoy abierto a las sugerencias que hacen desde el sello. Nos pareció una buena idea que no quedara relegada exclusivamente a Bonus track y ellos pensaron que era uno de los singles. Pero como te acabo de comentar acabará bajo el paraguas de una edición especial.
El disco es un poco abstracto en cuanto a temáticas. Aparecen muchos animales, no solo «bisontes albinos», sino ballenas, osos, caballos, metáforas con la naturaleza y hasta manzanas Golden. ¿Te inspira la naturaleza o algún tipo de literatura en concreto, por ejemplo una nada centrada en la tecnología ni en la modernidad?
Creo que sin premeditarlo, ha salido un disco un tanto ecológico. Están ahí todas esas referencias animales y a la naturaleza. Es un canto al paraíso que podemos estar perdiendo. Pero como te dije antes intenté con las letras acercarme a mi tiempo sin intentar explicarlo demasiado. Para mí lo ideal es que las cosas se desvelen sin acercarte demasiado.
Hay una idea que vuelve varias veces que es la identidad (“no quiero ser lo me gusta sino lo que soy”, por ejemplo. ¿Cuál es la temática o temáticas principales del álbum?
La identidad siempre ha sido una de mis obsesiones. Está en ‘Mil espejos’, ‘Hasta que acaben por confundirnos’, ‘Debo ser un robot por dentro’, etc. Me obsesiona entender por qué somos como somos, qué condiciona la personalidad y escribir sobre eso. La capacidad que tenemos para mimetizarnos y sentir que pertenecemos a un grupo para poder sobrevivir. Pero tampoco me gusta preparar demasiado estas cosas. Creo que en un disco debe tener cierta dosis de espontaneidad. De lo que te toca vivir en cada momento. Una polaroid. Otra cosa es que después te lleve un tiempo traducirlo a un sonido.
«El mundo femenino siempre me ha permitido explorar mejor el mundo del sufrimiento y de la empatía»
Las 3 primeras canciones hablan de mujeres, al menos ‘Soledad’ podría serlo de manera metafórica. Pero están seguro Elvira y Nina. ¿Hay en nudozurdo o en este disco una visión concreta de lo que representa la figura femenina o esa visión sería más poliédrica y cambia de canción a canción?
Sí, es verdad, hay mucha presencia femenina. No sabría decirte por qué. Ha salido así. Es verdad que el mundo femenino siempre me ha permitido explorar mejor el mundo del sufrimiento y de la empatía. Y hablando del mundo en llamas o paraíso por perder es probable que le estemos haciendo a la Tierra lo mismo que le hicimos a las mujeres. Empieza a parecer un chiste malo que le llamemos Madre Tierra.
Hay un sinfín de curiosidades en las letras por las que podríamos preguntar. No sabemos muy bien cuál elegir, por decir alguna: ¿por qué Crevillente? ¿Es por la fiesta Moros y Cristianos de esta localidad ?
Tiene que ver con mi familia. Una de mis abuelas era de Crevillente. Es una zona que tiene que ver con mi imaginario familiar. Era una persona especial. Por sus venas corría el sentido del drama y de la tensión narrativa. Podías quedarte mirándola horas y horas mientras te contaba historias que probablemente se estuviera inventando. La canción está atravesada a la vez por la imagen de la Dama de Elche, que durante un tiempo estuve visitando y estudiando y que es de esa zona también. Mezclado con el paisaje histórico del Levante y el Mediterráneo. En el fondo también tiene que ver con la identidad. Suelo preguntarme muy a menudo cómo eran nuestros antepasados. Puede que el Arte sólo sea eso. Un mensaje encriptado que te llega del pasado y otro que lanzas hacia el futuro. Lo más parecido al ADN que los humanos somos capaces de crear.
Selena Gomez da un paso de gigante en su carrera como actriz e interpretará a Linda Ronstadt en una película sobre su vida. Las especulaciones sobre el papel, que comenzaron después de que la artista publicara una story en Instagram sobre las memorias de Ronstadt de 2013, ya han sido confirmadas y la transformación de Selena Gomez en la legendaria artista será una realidad.
La cantante de ‘Single Soon’, que hablaba hace unos días sobre su retiro de la música tras el lanzamiento de su próximo álbum para dedicarse íntegramente a la interpretación, demuestra que tenía un gran proyecto bajo la manga. La película biográfica se encuentra actualmente en preproducción, con el equipo de Ronstadt vinculado en ella. De hecho, son John Boylan, agente de la estrella, y James Keach quienes figuran como coproductores.
La elección de Selena Gomez como protagonista fue aprobada personalmente por Linda Ronstadt, según ha podido afirmar TMZ, pues está feliz de que haya querido vincularse al proyecto y siente que encaja perfectamente en el papel. El medio, además, desvela que ambas se reunieron hace un par de meses para poder hablar en privado.
La noticia ha sacudido Hollywood porque dicha película promete ser un gran título a tener en cuenta, empezando por el mero hecho de que Selena Gomez vaya a ser quien interprete a Ronstadt. La habilidad vocal está asegurada y ambas tienen un pequeño parecido, siendo las dos de ascendencia mexicana. Sin embargo, aún se desconocen más detalles acerca del reparto o una posible fecha de estreno.
Recientemente Selena Gomez acudió a los Globos de Oro por su nominación a la mejor actriz de una serie de comedia o musical por su papel en ‘Solo asesinatos en el edificio’. Su presencia no pasó desapercibida, pues en redes sociales se viralizó un vídeo donde la cantante cuenta un supuesto cotilleo sobre Timothée Chalamet a Taylor Swift. Ella lo desmintió más tarde: «Qué va, le hablé a Taylor sobre dos amigos míos que se enrollaron. No es que sea de la incumbencia de nadie».
El próximo 12 abril se estrena en cines de Reino Unido ‘Back to Black’, la película sobre Amy Winehouse protagonizada por Marisa Abela. Sam Taylor-Johnson, directora del biopic de John Lennon ‘Nowhere Boy’ y de ‘Cincuenta Sombras de Grey’, ha dirigido la película basándose en un guion escrito por Matt Greenhalgh.
Desde hoy puede verse en Youtube el primer tráiler de ‘Back to Black’, donde se avanzan varias etapas de la vida de Winehouse, desde sus inicios musicales hasta su famosa reacción de asombro en la ceremonia de los Grammy cuando escuchó que era la ganadora del premio a Disco del año, precisamente por ‘Back to Black‘.
El asedio de los paparazzis a Winehouse, concretamente en el momento en que la cantante llevaba el flequillo teñido de rubio; su famoso concierto en el Shepherd’s Bush Empire de Londres, en 2007, en su momento editado en DVD; o por supuesto su turbulenta relación con Blake Fielder-Civil, aparecen también representados en el primer avance de la película.
Marisa Abela, conocida por su papel en la serie de HBO ‘Industry’, no solo encarna a Winehouse en ‘Back to Black’ sino que, también, canta las canciones de Winehouse incluidas en la película, imitando su voz. También dentro del reparto se encuentran Jack O’Connell interpretando a Blake, Eddie Marsan al padre de Amy, Mitch, Juliet Cowan a su madre, Janis, y Lesley Manville a su abuela, Cynthia.
‘Back to Black’ ha contado con la aprobación de la familia de Winehouse. Mitch y Janis se han mostrado «emocionados» con el estreno de la película por «celebrar el extraordinario legado musical de Amy y exhibir su talento de la manera que merece».
Ajena a los tiempos de la industria musical, Jennifer Lopez publica el primer single de su nuevo disco… más de un año después de anunciar dicho disco, en noviembre de 2022, e incluso después de revelar su listado de canciones. No fue hasta el pasado mes de noviembre (de 2023) que Lopez anunciaba la llegada del primer single, ‘Can’t Get Enough’, haciéndonos esperar otro mes para poder escucharlo.
‘Can’t Get Enough’ apuesta por un sonido de pop y disco clásico, de color pastel, decorado con unas simpáticas y alegres trompetas, y de instrumentación minimalista a pesar de que sus créditos incluyen hasta ocho personas, nueve contando a la propia Jennifer Lopez. Es la Canción Del Día hoy jueves.
Jennifer Lopez ya coqueteó con la música disco y el sonido Motown, Stax y Soul Train en ‘Brave’, su disco de 2007. ‘Can’t Get Enough’ no es tan exuberante como la infravalorada ‘Hold It Don’t Drop It’, pero logra ser elegante desde la contención de esas trompetas que nunca explotan y de ese estribillo «no me canso de ti» que admite la calificación de adorable.
‘Can’t Get Enough’ es el primer avance de un nuevo álbum de estudio de Jennifer Lopez que verá la luz el 16 de febrero de 2024 bajo el título de ‘This is Me… Now’. La secuela de ‘This is Me… Then’ (2002) sale en un momento en que Lopez vuelve a relacionarse románticamente con Ben Affleck. Lopez y Affleck están casados desde el verano de 2022.
J Lo acompañará el lanzamiento de su noveno álbum de estudio con el estreno de la película ‘This Is Me… Now: A Love Story’, que se estrena en Prime Video también el 16 de febrero.
Después del gran éxito cosechado por los Javis con la serie ‘La Mesías’, el dúo de jóvenes directores se une a Nacho Vigalondo y ya trabajan en su próximo proyecto. Recién anunciado por Netflix en la mañana del jueves, la plataforma prepara una serie sobre la vida y la carrera de Yurena.
En concreto, la nueva producción española de Netflix girará en torno a los comienzos artísticos de la cantante, cuando se dio a conocer como Tamara y se convirtió en un icono de la cultura pop al inicio de los 2000. La historia nos llevará hasta el momento en que Yurena publicó ‘No cambié’, uno de sus mayores pelotazos, y el posterior lanzamiento de su álbum ‘Superestar’, del que la serie coge el título.
A diferencia de ‘La Mesías’, esta serie tendrá a Los Javis en la mesa de producción, dejando así la dirección en manos de Nacho Vigalondo y Claudia Costafreda. Además, ‘Superestar’ tendrá un total de seis capítulos, escritos por el mismo Nacho Vigalondo, María Bastarós, Paco Bezerra y Claudia Costafreda.
Los Javis ya tienen experiencia trabajando en televisión en el contexto del mundo de la fama después de su ‘Veneno’ y ‘Paquita Salas’. «No hay nada que nos guste más que el pop y mirar hacia atrás, a la historia de nuestro país. Si hay una época salvaje en la que todo era posible, esa es la época del tamarismo, donde los más insospechados protagonistas acapararon horas y horas de televisión», ha comentado Javier Calvo sobre la serie de Yurena.
«Cuando uno se enfrenta a una serie basada en hechos reales, lo más importante es encontrar el punto de vista. ‘Superestar’ lo ha encontrado gracias a la mente brillante y loca de su creador, Nacho Vigalondo. La serie tiene detrás un buque de talento como pocas veces había visto antes. Es el homenaje a una época de España que merece ser revisitada. Como productores, estamos emocionados de poder compartir este viaje con Netflix», ha añadido Javier Ambrossi.
Por su parte, Nacho Vigalondo comenta que «una de las mayores suertes con las que me he topado a lo largo de mi carrera es la complicidad creativa con Javier Ambrossi y Javier Calvo, y esta serie es el remate de esa ecuación. En ‘Superestar’ hemos querido comprender, humanizar y respetar a una serie de personajes normalmente maltratados, y por el camino hemos hecho un volquete de fantasía, magia y locura que no se parece a nada que hayamos visto».
Malas noticias para FKA twigs. La artista, que ha colaborado en una campaña publicitaria de Calvin Klein en Reino Unido, se enfrenta a un caso de censura después de que la Autoridad de Normas Publicitarias haya prohibido el anuncio en el que aparece la cantante.
En la fotografía promocional ahora prohibida, FKA twigs aparece con una camisa vaquera que, como no ha terminado de ponerse, deja al descubierto la parte derecha de su cuerpo. Esto, según la organización, es lo que ha llevado a la decisión de eliminar el anuncio, alegando que la «composición de la imagen centraba la atención de los espectadores en el cuerpo de la modelo en lugar de en la ropa anunciada».
Por otro lado, la organización sentencia que sus «rasgos físicos» la habían «presentado como un objeto sexual estereotipado», por lo que concluyen que «el anuncio es irresponsable» y podía «causar una ofensa grave». La prohibición llega tras las quejas de dos personas de que las imágenes estaban «excesivamente sexualizadas» y cosificaban a las mujeres.
Calvin Klein ha defendido su campaña publicitaria en un comunicado, donde afirma que sus poses son «naturales y neutras»: «Las imágenes no eran vulgares y eran de dos mujeres seguras de sí mismas y empoderadas que habían elegido identificarse con la marca Calvin Klein, y los anuncios contenían un mensaje progresista e ilustrado».
Además, la artista también defendió el anuncio en Rolling Stone en el momento de su lanzamiento: «Hacer esta campaña significa que puedo ser quien soy: una mujer fuerte. Es algo que no va a pasar de moda. Cuando tenga 60 años y nietos, podré enseñarles estas fotos y decirles: ‘Tu abuela era fuerte'».
Respecto a la censura de la fotografía, FKA twigs ya se ha manifestado a través de Instagram, donde comenta que «a la vista de otras campañas pasadas y presentes de este tipo», siente que «hay doble rasero». «No veo el ‘objeto sexual estereotipado’ que me han etiquetado. Veo a una mujer de color, hermosa y fuerte, cuyo increíble cuerpo ha superado más dolor del que puedan imaginar», escribe.
Estas quejas también se produjeron en el mes de marzo cuando Kendall Jenner realizó una publicidad similar con Calvin Klein, según afirma Variety. Sin embargo, en ese caso la campaña publicitaria no llegó a ser eliminada. El debate, de hecho, ni siquiera existió cuando recientemente Jeremy Allen White apareció semidesnudo en otro anuncio de la misma marca.
Lil Nas X ha publicado un adelanto de 20 segundos del videoclip de ‘J Christ‘, su nuevo single, que se podrá escuchar a partir del viernes 12 de enero. Solo 20 segundos bastan para vaticinar que el vídeo de ‘J Christ’ dará de qué hablar.
En el clip un grupo de personas camina en fila campo a través, siguiendo un sendero blanco, aparentemente después de haber muerto, dirigiéndose al cielo. La noticia es que estas personas se parecen mucho a otras que conoces: una parece Kanye West, otra Oprah Winfrey, otra Barack Obama, otra Mariah Carey. Hasta Taylor Swift y Ed Sheeran aparecen representados.
Lil Nas X ha confirmado la presencia de dobles famosos en el videoclip de ‘J Christ’ compartiendo un mensaje publicado en X donde se describe que el vídeo contiene cameos de «Table Lift, Kanye South, Banot Obama, Noprah y más».
Por otro lado, Lil Nas X ha contestado a las críticas que ha estado recibiendo en los últimos días a raíz del uso de imágenes y símbolos religiosos en el videoclip de ‘J Christ’. Una persona se ha dirigido a Montero para reprocharle su falta de clase, comparando su trabajo con el de Madonna y Lady Gaga. Lil Nas ha contestado que «el problema es que algunos gays creéis que estoy intentando ser como Gaga o Madonna cuando la realidad es que, con el debido respeto, lo que han hecho ellas me importa una mierda, y con mi carrera estoy haciendo lo que me da la gana».
Por otro lado, Lil Nas ha sorprendido anunciando que en otoño cursará una carrera de «Estudios Bíblicos» en la Universidad, aunque TMZ ha desmentido la información.
Lo último que hemos sabido de Savages es… que Jehnny Beth sale en ‘Anatomía de una caída‘ (y lo hace muy bien). Más que desarrollar una carrera regular, consistente y duradera, el grupo de rock alternativo ha sido una influencia en un siglo necesitado de referentes punk, guitarreros y reivindicativos, aunque sea de vez en cuando. La banda dublinesa SPRINTS está en esa línea. Se miran en gente como los Pixies y Siouxsie, saben quiénes son Bauhaus, hablan de Patti Smith pese a su juventud.
‘Letter to Self’ ya es, editado tan pronto como un 5 de enero, uno de los debuts más prometedores del año. Como dejando las ganas de revolucionar esquemas y estructuras para primavera o verano, SPRINTS nos hacen plantearnos más bien por qué a principios de 2024 tantísimas cuestiones planteadas en los tiempos del post-grunge continúan vigentes. Por qué sigue siendo común esa rabia interior. Por qué tenemos que aparentar que somos felices cuando el sistema no nos lo permite. Por qué hay que justificar cada decisión cuando la vida nos da tan pocas oportunidades.
La gran artífice de SPRINTS se llama Karla Chubb y asegura que ha escrito canciones como ‘Shadow of a Doubt’ por «puro egoísmo». Su intención era la de quitarse de encima «trauma, depresión, secuelas». Aquí no hay tiempo para la literatura ni para líos. Sus letras son extremadamente abiertas y sencillas. Desde luego no habrían sobrevivido a la crítica de aquellos señoros que tanto se reían de autoras directas y sencillas de los 90, mientras rendían pleitesía a rimas tipo «Feeling supersonic / give me gin and tonic». Pero los tiempos han cambiado. Y ‘Letter to Self’ da lo que quiere a un público víctima de sus inseguridades.
‘Ticking’ abre el álbum en un mar de dudas. ‘Cathedral’ habla de padres, madres, religión y abusadores. ‘A Wreck’, de autoestima. Una de las piezas principales, ‘Adore Adore Adore’, de una misoginia en la que muchas se verán retratadas («nunca me llaman «guapa» / solo dicen que estoy loca»).
Esta última canción la podría haber cantado la Courtney Love de ‘Violet‘. Cada vez que Karla Chubb dice eso de «do you adore me», rezarás para que vuelvan Hole. Aunque sea a un festival. Sleater-Kinney y Yeah Yeah Yeahs también pueden venir a la mente y, ya sin diferenciar sexos, también los Radiohead de ‘Pablo Honey’ o más recientemente, la habilidad para construir algo que suene poético con muy poco de Fontaines DC.
La base rítmica de ‘Ticking’, el modo en que ‘HEAVY’ se desata, el momento en que ‘Cathedral’ se convierte en un pogo… construyen el disco sin descanso. La melodía de ‘Can’t Get Enough of It’ hace honor a su nombre hablando de una «pesadilla viviente» y de la «imposibilidad de hablar». Mientras muchas de las composiciones se benefician de una estructura in crescendo, como ‘Up and Comer’ cuando el «diablo llama a la puerta», otras suenan desde el principio como esa canción que siempre te gustó tanto para sacar medio cuerpo por la ventana en tu propia road movie imaginaria (‘Literary Mind’).
‘Letter to Self’ se cierra con una canción homónima en la que Karla Chubb, que se declara queer, es decir, no está cantando necesariamente a un hombre, asegura: «te he dado todo, pero nunca eres feliz». No está claro si se dirige a una ex o a sí misma. Pero la pregunta del millón es si dentro de 30 años seguiremos buscando la «felicidad» de esta precisa manera. 60 años después de Kurt Cobain.
Fotograma de 'Tengo sueños eléctricos', de Valentina Maurel
Es tiempo de listas con lo mejor del año. Listas inevitablemente sesgadas porque hay estrenos en salas que no han visto ni mil personas en toda España. Literalmente. Un ejemplo: la extraordinaria ‘Trenque Lauquen’ (Filmin), que ha encabezado listas como la de Cahiers du Cinema, la han visto exactamente 609 espectadores en España (datos del Ministerio de Cultura). Aprovechamos que muchos de estas películas ya están disponibles en plataformas para recomendar diez títulos que pasaron desapercibidos en las salas o que merecían un recorrido mayor.
Upon Entry (Alejandro Rojas, Juan Sebastián Vasquez)
Ha sido una de las grandes sorpresas de este año en el cine español. Los votantes de los Feroz, siempre atentos a estos descubrimientos (ya lo hicieron con ‘Espíritu sagrado’, ignorada en los Goya), la han nominado como mejor película. El debut de los venezolanos Rojas y Vasquez, es un (in)tenso drama psicológico, de tintes kafkianos, que parte de una de las frases que más miedo da si la escuchas en un aeropuerto: “Acompáñenme, por favor”. Sustentado por un guion de hierro y unas interpretaciones fabulosas a cargo de Alberto Ammann y Bruna Cusí, los directores construyen un angustioso thriller con toques de drama psicológico, que critica los abusos de poder de los funcionarios de inmigración de las aduanas y reflexiona sobre los límites de la confianza de la vida en pareja. 8’2
Disponible: Filmin, Movistar+
Retorno a Seúl (Davy Chou)
El segundo largometraje de Davy Chou parte de hechos autobiográficos. El director, francés de padres camboyanos, acompañó a una amiga, adoptada por un matrimonio francés, a Corea, su país de nacimiento, para conocer a su familia biológica. El choque cultural y la crisis identitaria que desencadenó el encuentro están en la base del guion de ‘Retorno a Seúl’. La película narra una historia de desorientación vital y autodescubrimiento a través del protagonismo de una joven francesa en busca de sus orígenes coreanos. Una historia de desarraigo nada complaciente ni sentimental, con un personaje psicológicamente complejo -una joven antipática y desagradable, producto de su frustración- llena de momentos tan mágicos y emotivos como el baile de la canción ‘Anybody’ (Christophe Musset y Jérémie Arcache) que se hizo viral en Francia. 8’3
Disponible: Movistar+, Prime Video
Scarlet (Pietro Marcello)
Después de la monumental y premiadísima ‘Martin Eden’ (2019), Pietro Marcello (seguramente el director italiano más interesante de la actualidad) regresó con la adaptación (muy libre) de otro clásico: ‘El velero rojo’, del escritor neorromántico ruso Alexander Grin. ‘Scarlet’ es una hermosa fábula humanista y feminista ambientada en un pueblo del norte de Francia tras la Primera Guerra Mundial. Una historia que discurre a medio camino entre el musical romántico (la banda sonora del oscarizado Gabriel Yared es una maravilla), el cuento de hadas, el drama paternofilial y la alegoría política. Como es habitual en el director, la película está llena de hallazgos expresivos y fugas poéticas: insertos documentales, recreaciones de imágenes de archivo, una melancólica fotografía con luz natural y la particular textura que proporciona el rodaje en 16 milímetros. Una joya. 8’5
Disponible: Filmin
Crónica de un amor efímero (Emmanuel Mouret)
El romance de esta película es tan efímero como su paso por las salas españolas. La carrera como director de Emmanuel Mouret tuvo su punto de inflexión con ‘Las cosas que decimos, las cosas que hacemos’ (2020). No solo por las trece nominaciones a los premios César o el unánime aplauso de la crítica francesa, sino también porque evidenciaba la consecución de un estilo propio que venía gestándose durante dos décadas. ‘Crónica de un amor efímero’ es la confirmación de que lo logrado por Mouret en el filme anterior no es algo casual. Es un Rohmer del siglo XXI, un Woody Allen francés, un director con un talento extraordinario para diseccionar las relaciones sentimentales (la película está articulada por medio de una veintena de encuentros amorosos) a través de un manejo brillante de los diálogos (es una delicia escuchar una película tan bien escrita) y una gran capacidad para crear situaciones divertidas y románticas. 7’9
Disponible: Movistar+, Rakuten
El maestro jardinero (Paul Schrader)
Tras una travesía del desierto de veinte años, desde ‘Aflicción’ (1997), Paul Schrader resucitó para Hollywood con ‘El reverendo’ (2017), primera parte de una trilogía bressoniana llamada Man In A Room, completada con otros dos peliculones: ‘El contador de cartas’ (2021) y ‘El maestro jardinero’, estrenada este año. Con un Joel Edgerton estelar, el filme narra el camino de redención que emprende el típico personaje Schrader: un hombre torturado, un jardinero meticuloso y solitario, que se esconde de un oscuro pasado. Cuando este florezca en el presente como una mala hierba, se verá obligado a poner en marcha su desbrozadora moral. La misma historia de siempre contada igual de bien que siempre: con aires de thriller desecado y podada al máximo de elementos superfluos. 8
Disponible: Filmin, AppleTV, Movistar+, Rakuten, Prime Video
Rimini / Sparta (Ulrich Seidl)
Se estrenaron a la vez y entre las dos apenas suman mil espectadores. Y es una pena porque las dos son películas magníficas, una nueva muestra del talento del director austriaco y su mujer, la guionista Veronika Franz, para ahondar en los aspectos más oscuros de la naturaleza humana. La primera es un retrato deprimente pero entrañable de una vieja gloria de la canción melódica “schlager”. Las andanzas de un borracho, racista y mal padre, pero también un hombre hundido y arruinado. Un cantante generoso con su avejentado público que se arrastra con la cabeza alta por unos ambientes deteriorados y muy kitsch de los que el director saca un enorme partido estético y dramático. La segunda sigue a su hermano, un pedófilo que lucha por no ceder a su pulsión erótica y convertirse en un pederasta. ‘Sparta’ es una película desoladora que plantea preguntas muy incómodas. No busca la provocación facilona sino el debate moral. 8’5
Disponible: Filmin
El extraño (Chloe Okuno)
El debut en el largometraje de Chloe Okuno (antes había dirigido un segmento de la antología ‘V/H/S/94’) es un notable ejercicio de terror psicológico y atmosférico, más interesado en que te dejes las uñas en la butaca que en que saltes de ella. La directora demuestra una gran habilidad para manejar la tensión dramática y el punto de vista femenino de la historia. Con una estupenda Maika Monroe como protagonista, ‘El extraño’ logra crear una sensación de creciente peligro, de amenaza en la sombra, de paranoia, acentuada por el espacio geográfico (la historia está situada en Bucarest), el estado emocional en que ella se encuentra (sola y sintiéndose observada en el nuevo apartamento que comparte con su novio, quien siempre está trabajando) y la ambigüedad que recorre toda la película propiciada por la subjetividad de la narración. A pesar de algunas obviedades del guion, la película funciona muy bien como inquietante relato de intriga con ecos del mejor Polanski. 7,5
Disponible: Movistar+
Tengo sueños eléctricos (Valentina Maurel)
El cine costarricense está de moda. Con el festival de Cannes como escaparate, las películas de Nathalie Álvarez (‘Clara sola’), Sofía Quirós (‘Ceniza negra’), Carolina Arias (‘Objetos rebeldes’) o Ariel Escalante (‘Domingo y la niebla’) están cosechando premios internacionales y estrenándose en todo el mundo. La última en llegar ha sido Valentina Maurel. Su excelente debut, ‘Tengo sueños eléctricos’, arrasó en Locarno y fue premiada en San Sebastián. Articulada formalmente a través de los códigos del realismo social con elementos poéticos, la película es una afortunada mezcla entre coming of age y drama psicológico que transita por caminos muy poco trillados. El despertar sexual de una adolescente le sirve a la directora para hablar de una relación paternofilial poco convencional. La fascinación de una hija por su padre irresponsable, violento y maltratador retratada a través de una mirada compleja, que huye de los juicios morales simplistas y abraza la ambigüedad. 7’7
Disponible: Filmin
Godland (Hlynur Palmason)
Tras darse a conocer internacionalmente con la impresionante ‘Un blanco, blanco día’ (2019), el islandés Hlynur Palmason se ha confirmado con ‘Godland’ como uno de los cineastas emergentes más interesantes del cine europeo. Ambientada a finales del siglo XIX, el filme narra la llegada a Islandia de un clérigo danés con la misión de edificar una iglesia y difundir la palabra de Dios en una comunidad aislada. La particularidad de este predicador es que también es un consumado fotógrafo, lo que le llevará a recorrer por tierra la isla cargado con una pesada cámara con el objetivo de retratar sus paisajes y habitantes. Esta doble misión, evangelizadora y antropológica, permite al director desarrollar una narración que combina la épica de la expedición y el esplendor paisajístico, visualmente apabullante, con la intimista, las tribulaciones del clérigo acerca de su labor y su fe cristiana. 7’5
Disponible: Filmin, Movistar+, AppleTV, Rakuten, Prime Video, Acontra+
Passages (Ira Sachs)
Un americano en París. El cineasta estadounidense Ira Sachs (‘Keep the Lights On’, ‘El amor es extraño’) lleva desde 2019 realizando películas en Francia. En la industria gala ha encontrado la libertad a la hora de filmar el erotismo que en su país no ha encontrado. ‘Passages’ (no por casualidad calificada como si fuera una cinta porno en EEUU, NC-17) presenta un triángulo amoroso desde una perspectiva poco habitual en el cine: un matrimonio gay. No es el marido o la esposa el que vive una relación extramatrimonial homosexual, sino al contrario, es el esposo gay (o bisexual) quien se lía con una mujer heterosexual. A partir de esta premisa (desvelada tanto en el tráiler como en la sinopsis, no es espóiler), el director teje un apasionante entramado sentimental que tiene su núcleo en el personaje interpretado por Franz Rogowski, un atractivo director de cine, narcisista y manipulador, cuya impulsividad y falta de empatía provoca seísmos afectivos de consecuencias dramáticas. Un filme que habla sobre el deseo y las relaciones de pareja con complejidad, sutileza visual y sabiduría narrativa. 8
Disponible: Filmin
Pol Batlle es uno de los artistas de la nueva escena catalana que están poco a poco dándose a conocer al gran público. Nacido hace 32 años en Gavà, Barcelona, Batlle ha publicado ya un álbum de estudio, ‘Salt Mortal’, editado en 2022; ha colaborado con estrellas como Silvia Pérez Cruz, Rita Payés o Clara Peya y ha cantado en el mayor escaparate de nuevos talentos a nivel internacional, COLORS, junto a Payés, una adaptación de ‘Vida’ de Lluis Llach.
El concepto de «vida» está tan presente en la carrera de Pol Batlle que precisamente Vida es el nombre de la discográfica -efectivamente asociada al festival- que, en 2020, editaba su primer single, ‘Colmena’. Y la vida de otra persona, la de su hija recién nacida, ha inspirado la nueva canción de Pol Batlle, la primera en dos años, ‘No ho has entès’.
‘No ho has entès’ describe la relación de Pol Batlle con la experiencia de la vida después del nacimiento de su hija, Juna, y también necesariamente su relación con la muerte, pues, ante la paternidad, Batlle experimenta lo que él llama una «urgencia de presencia», la necesidad imperiosa de estar ahí todo el tiempo posible para criar a su pequeña. Pero ‘No ho has entès’ no cuenta su historia con ninguna urgencia, en absoluto.
Con el apoyo de la distribuidora OneRPM, Pol Batlle se entrega a su faceta folk e intimista en ‘No ho has entès’ acompañado, además, de la cantante lisboeta Maro, quien representó a Portugal en Eurovisión en 2022 con ‘Saudade, saudade’, quedando en noveno lugar.
Batlle ha podido experimentar con la canción de autor o incluso con la copla en el pasado, pero ahora es la tradición brasileira la que colorea la música de ‘No ho has entès’. El sonido de las guitarras rasgadas, así como los detalles de piano y percusión, llevan a ese lugar, mientras Batlle y Maro transmiten la letra de ‘No ho has entès’ sumidos en una completa paz. Es como si, efectivamente, hubieran «entendido» algo de la vida, como si hubieran aceptado que tanto la vida como la muerte son igual de bellas.
De esta manera, ‘No ho has entès’ habla de «pájaros que emprenden el vuelo» pero también de un «duelo» que se «va cultivando» y que es «inminente». Batlle y Maro, cómplices, cantan que «tanto el nacimiento como la muerte» son dignos de celebración. Por eso, ‘No ho has entès’ nunca suena sombría o apenada, sino, más bien, contenta de vivir el presente.
Julia Holter, autora de discos indispensables del pop avanzado como ‘Ekstasis‘ (2012) o el más tradicionalista ‘Have You in My Wilderness‘ (2015), vuelve con nuevo trabajo. ‘Something in the Room She Moves’ sale este 22 de marzo habiéndose presentado con varios adelantos. Es nuestro Disco de la Semana.
El título de ‘Something in the Room She Moves’ es una referencia a los Beatles, pero ‘Spinning’ poco tiene que ver con los de Liverpool. Acaso podría evocar muy vagamente su etapa más experimental, porque el inusual, cojo, tempo de ‘Spinning’, más bien, hace pensar en Animal Collective.
Los detalles de ‘Spinning’ (de instrumentación jazz, de sintetizador), sin embargo, la hacen sonar a otra de esas composiciones fascinantes y libres de la autora de ‘Aviary‘ (2018). Es solo que, incluso exhibiendo una composición muy poco convencional, ‘Spinning’ es otra canción pop de Julia Holter.
Holter ha dicho que ‘Spinning’ habla de «ese estado pasional al que llegas cuando estás creando algo, vivir ese momento, ¿y cuál es ese momento?» Holter canta sobre entregarse a un «pulso» y también a la sensación de «no esperar nada y, a la vez, buscarlo todo».
Holter ha dicho que, con ‘Something in the Room She Moves’, ha intentado «crear un mundo que suene fluido, como acuoso, evocando el sonido interno del propio cuerpo». Las canciones de ‘Something in the Room She Moves’ están coloreadas por dos experiencias recientes de Holter, el fallecimiento de uno de sus sobrinos, a quien dedica el disco, y el nacimiento de su hija.
Apashe, el productor belga que crea verdaderos campos de batalla sonoros gracias a su épica mezcla de electrónica, hip-hop y orquestaciones, vuelve a Barcelona. El 14 de febrero, Apashe estará presentando su nuevo disco ‘Antagonist’ en la sala Paqui de Madrid, y el 15 de febrero, se personará en la sala Razzmatazz, donde ya se dejó ver hace un par de temporadas exhibiendo su ‘Renaissance‘ propio. Las entradas siguen a la venta.
Las nuevas canciones de Apashe reunidas en ‘Antagonist’ siguen fieles al maximalismo. Solo basta leer alguno de sus títulos: ‘Revenge of the Orchestra’ suena a lo que esperas. ‘Devil May Cry’ captura un drama orquestal que podría poner banda sonora a ‘The Crown’. Hablando de reyes y coronas, ‘King’ abre engorilada con una colaboración de Busta Rhymes. Apashe ha grabado las canciones de ‘Antagonist’ con las Orquestas Sinfónicas de Praga y Bulgaria y, además, ha creado vídeos musicales en Bulgaria, India y Mongolia.
Lo cual nos lleva a las diferentes influencias de ‘Antagonist’. ‘Catch Me’ mezcla orquestas y rave, siendo uno de los hits más inmediatos jamás firmados por Apashe, pero la música de India está presente en las percusiones de ‘Antagonist’, por ejemplo en ‘Gasoline’. Es pura «gasolina», por otro lado, el UK garage de ‘Lost in Mumbai’, mientras ‘Fracture’ o ‘Human’ se entregan a un hip-hop soldadesco que, agregando beats de dubstep a la mezcla, se prestan para videoclips igual de bélicos. Fría o caliente, Apashe sirve venganza, eso seguro.
Comparándose con Tom Petty pero reconociendo que es «la mitad de bueno» y con un «toque más triste», Lawson Hull es un artista australiano que no tiene miedo a abrirse en canal en sus canciones. Y no lo tiene porque es ahí donde destaca: en su composición. Su último lanzamiento, ‘Swim’, es una página más del diario personal que está tomando forma en su discografía.
El joven artista, acompañado por su guitarra allá donde vaya, se deja arropar por el pop más folk y alternativo para brillar con sus letras. Paradójicamente, este brillo lo logra gracias a la cruda oscuridad de la honestidad. Creando una atmósfera tranquila donde priman los instrumentos puros en lugar de la producción de ordenador que inunda las radios, Lawson Hull narra problemas universales con los que no resulta nada difícil empatizar. Ahí reside su fortaleza.
Es ese talento para saber contar lo que quiere transmitir el que, sin apenas promoción, lo ha hecho hacerse con más de cien mil oyentes mensuales solo en Spotify. Aunque ese no es el dato más curioso: Madrid y Barcelona figuran como las ciudades donde más se le escucha después de las australianas Sídney y Melbourne. Quizás España, ese país en el que domina el reguetón en las listas de éxitos, sea también un país abierto a apoyar a los artistas indie de otros rincones del mundo.
En la bonita ‘Swim’, donde Lucille Two le hace los coros, Hull expone sus inseguiridades acerca de una relación que cree que no merece y que tiene miedo de estropear. «Bebé, mi cabeza es un océano / No quieres caer aunque sepas nadar / Porque tengo la costumbre de hundir a la gente conmigo», canta jugando con las metáforas y con la verdad. Pero, a pesar de los malos presentimientos y su negatividad, son sus temores los que convierten ‘Swim’ en una canción profundamente romántica.
En el todavía pequeño catálogo del artista también destacan otros temas recientes, como el viaje por las tierras canadienses de ‘Canada’17’ o la mirada crítica hacia las tóxicas relaciones de sus amigos en ‘Honey’. Su primer lanzamiento de 2024, ‘Swim’, no tiene pinta de que vaya a ser el último. Y es que, en el mundo y la cabeza de Lawson Hull, parece que aún queda mucha marea por recorrer… y por nadar.
Cuando a Twitter le da por una cosa, hay esa cosa para rato. Y el paso de Sofía Vergara por El Hormiguero era contenido twittero tan bueno que los más acérrimos de la red social no iban a dejarlo escapar. Sobre todo, porque ha resultado ser una lluvia de zascas de la actriz a Pablo Motos. Desde ayer no hay otro tema de conversación en la plataforma.
«Haz preguntas más precisas si no quieres que te responda genéricamente», le dice entre risas Sofía Vergara al presentador cuando este se burla de sus respuestas en uno de los momentos del programa. Esa fue tan solo una de las tantas contestaciones que se han empezado a viralizar en la red social… y es que toda la entrevista fue un pequeño rifirrafe que parece que ambos se tomaron con humor.
Entre los zascas de la actriz más comentados destaca daquel en el que hace referencia a sus nominaciones a los Emmy. «¿Cómo pronuncias ‘Modern Family’?», le pregunta Pablo Motos después de que Sofía Vergara no pronunciara del todo bien el título de la serie. Rápidamente, la actriz se da cuenta de que el presentador busca reírse de su pronunciación y le espeta: «Ah, ¿porque hablas mejor inglés que yo?». «¿Cuántas nominaciones al Emmy tienes tú en Estados Unidos, perdón?», le contrapregunta ella enseguida.
Algunos tienen todavía la duda de si la broma estaba o no planeada, pero nada de eso importa en Twitter. El zasca es enorme y se corre como la pólvora en la plataforma. Sin embargo, Motos le responde que tiene 2 nominaciones a los Emmy, lo cual es cierto. Pero Vergara cuenta con 4. Y, cuando la actriz le reformula la pregunta aludiendo a los Globos de Oro, el presentador dice que son «premios menores» y le dan «un poco igual».
Los zascas continuaron a lo largo de la noche, llegando a pasar hasta por el pelo. «Una cosa que me han puesto en la documentación que supongo que es mentira es que tú eres rubia natural», le dice Motos. «No, es mío, pero ahí (en la foto) tenía 20 años y aquí tengo 51 años. O sea, ¿tu pelo te salió a ti así?», responde ella refiriéndose a sus canas.
Pese a que hubo buen rollo entre ellos durante el programa y algunas de las bromas parecen, en efecto, pactadas, hay un hecho revelador que podría confirmar que no le ha hecho mucha gracia al presentador: el vídeo en el que se recopilan todos los zascas de Sofía Vergara está siendo eliminado de redes sociales. Aferrándose al tema de los «derechos de autor», El Hormiguero se pasó todo el día de ayer eliminando el vídeo de los tuits con mayor número de interacciones, lo cual significa que el programa no tiene ningún interés en que se difunda por las redes.
Sembla que El Hormiguero ha denunciat i aconseguit esborrar aquest vídeo publicat ahir per l’@APM perquè Pablo Motos no en sortia ben parat. Seria una pena que ara es tornés a viralitzar… pic.twitter.com/oxreiIbxUt
La serie de The Weeknd y Lily-Rose Depp, ‘The Idol’, apenas duró viva unas semanas. Al poco tiempo de su estreno, HBO anunció su cancelación tras una mediocre primera temporada. Pero, pese a su pobre desempeño comercial y su horrible recepción crítica, el cantante de ‘Blinding Lights’ ha encontrado el éxito en su banda sonora (que él mismo interpreta).
El artista reunió a Madonna y Playboi Carti para una de los temas promocionales de la serie: ‘Popular’. Desde su lanzamiento el pasado junio, la canción ya ha acumulado más de 400 millones de reproducciones solo en Spotify. Además, actualmente sigue siendo la más popular de Madonna en la plataforma y la tercera de The Weeknd. Un éxito bastante evidente y que no deja lugar a dudas, teniendo en cuenta el catálogo bastante potente de ambos.
Sin embargo, ‘Popular’ no fue un hit por sorpresa. Los artistas apostaron por el single y le fue bastante bien en streaming desde su publicación. Y esto es algo que no se puede decir con ‘One Of The Girls’, el tema en el que The Weeknd y Lily-Rose Depp fichan a Jennie de Blackpink. Estrenado el videoclip en julio, ‘One Of The Girls’ pasó bastante desapercibida si se tiene en cuenta el furor que había en torno a la colaboración entre Abel y una de las principales figuras del k-pop.
No obstante, desde que la música se consume principalmente en streaming, no hay que dar nunca nada por sentado… y los casos de ‘Cruel Summer’ de Taylor Swift y ‘Die For You’ del mismo The Weeknd son grandes ejemplos. Y es que, casi medio año después, ‘One Of The Girls’ ha empezado a tener éxito gracias a su viralidad en redes sociales.
La canción, que está acumulando casi cuatro millones de reproducciones diarias en Spotify, ya cuenta con más de 300 millones en total. Y no solo eso: acaba de debutar en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos en la posición 100. O sea, por los pelos. Pero ya ha ascendido hasta el puesto 69 en la que supone ser su segunda semana. Además, esta es la primera aparición de Jennie en la lista.
Habrá que esperar para comprobar si continúa la escalada de ‘One Of The Girls’ en las listas de éxitos. Si estamos ante un nuevo gran hit de The Weeknd lo tendrá que dictar el tiempo, pero quizás la serie de ‘The Idol’ no fue un estrepitoso fracaso. El cantante ha logrado destacar con lo que mejor sabe hacer… cantar, que no actuar.
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