Cinco años después de ‘The Slow Rush’, Kevin Parker es padre y Tame Impala está a punto de lanzar su quinto álbum. De ahí que ‘Deadbeat’, disponible el próximo 17 de octubre, exhiba la portada más personal de la discografía del australiano.
Después de la epopeya techno de ‘End of Summer’, Parker vuelve al rock alternativo y psicodélico por excelencia de Tame Impala con ‘Loser’. «Te lo tenía que decir, es ahora o nunca», canta Parker en las primeras líneas. Tanto este como el anterior single formarán parte de ‘Deadbeat’, compuesto por otras 10 canciones.
Según la nota de prensa, las canciones del nuevo disco están construidas con «espontaneidad» y «repletas de una energía revitalizada por la experimentación». Aunque se ve claro en ‘End Of Summer’ y no tanto en ‘Loser’, ‘Deadbeat’ está principalmente inspirado por la cultura «bush doof», las raves australianas por antonomasia.
El vídeo de ‘Loser’ también ha hecho ruido entre los fans del australiano al ser protagonizado por Joe Keery, actor de ‘Stranger Things‘ y artista bajo el nombre de Djo. El clip comienza con el protagonista siendo abandonado por su novia y procede a hacer todo lo que haría un verdadero «perdedor», como robar un mechero o recoger la colilla de una chica que le ha gustado.
La islandesa Laufey se ha hecho tan grande ya que su tercer disco contiene una carta a su país, en la que le pide a sus paisanos, en su lengua materna, que no la olviden. La balada ‘Forget-Me-Not’, de tintes clásicos, es una de las grabaciones de ‘A Matter of Time’ que se beneficia de la disponibilidad de los más de 70 músicos que han participado en este álbum. Sólo en esta pista hay acreditados 18 violinistas.
Las cosas cambiaron para Laufey Lín Bing Jónsdóttir cuando ‘From the Start‘, el single principal de su segundo álbum, empezó a funcionar en TikTok. Era una canción maravillosa, con un vídeo bastante gracioso, y unos arreglos que se inspiraban en el jazz. Su disco favorito de todos los tiempos es ‘Chet Baker Sings: It Could Happen to You’ (1958).
En este nuevo álbum, el primer sencillo, ‘Lover Girl‘, está escrito a imagen y semejanza de ‘From the Start’. Y vuelve a tener un punto bossa nova que después refuerza ‘Mr Eclectic’, porque otro álbum que le encanta es ‘Getz/Gilberto’. ‘Mr Eclectic’ es una de las canciones que trata de evitar que este sea un disco marcado por el desamor, como manda el género en su faceta más pop. Laufey carga contra un ser «bastante patético» al que bautiza como «Mister Eclectic Allan Poe» en referencia al escritor: «me hablas de un compositor muerto, estás siendo condescendiente».
Otra canción que se sale de la dinámica romántica, y una de las más llamativas, es ‘Snow White’, muy dura con su crítica a la dependencia del físico que sufren las mujeres. «No creo que sea guapa, no ha lugar el debate, la mejor moneda de una mujer es su cuerpo, no su cabeza», protesta con su característica voz en una de sus interpretaciones vocales más emocionantes, hablando también de las «mentiras» que nos cuenta un espejo. Insiste: «El mundo es un lugar enfermo, al menos para una mujer».
Musicalmente, el disco te convencerá de que la Navidad se acerca aunque a 30º no te lo creas, y para muestra los primeros segundos de ‘Carousel’. El interludio llamado ‘Cuckoo Ballet’ recuerda a los hermanos Gershwin y a las viejas bandas sonoras de Disney, todo ello sin que el disco olvide su tono ligero. Cuando, nada más empezar con ‘Clockwork’, Laufey se pregunta quién le habrá mandado salir con un amigo, está evocando más las comedias de enredo de los años 60 que los dramas.
Algo estándar en ciertas pistas, Laufey hace bien en explorar otros registros más próximos al pop-rock (‘A Cautionary Tale’, hecha con Aaron Dessner, podría ser un tema de Coldplay) o al country (‘Clean Air’) para que ‘A Matter of Time’ no se lance a los peligrosos brazos de la música de fondo. ‘Too Little, Too Late’, que ha escrito desde la perspectiva de un hombre («no recuerdo las cosas que he hecho mal, las promesas que he roto, la fragilidad de una canción»), y ‘Tough Luck’ han trabajado muy bien sus desarrollos. En ‘Sabotage’, el productor Spencer Stewart explica que decidieron pervertir el chelo y también otros arreglos, a medida que Laufey lanza preguntas, tiene pensamientos intrusivos o «empieza a perder la cabeza». Ojalá más de esa película en el futuro.
La tercera película de Carla Simón, ‘Romería’, cierra una trilogía temática sobre la historia familiar de su autora. Desde su debut con ‘Verano 1993’, la cineasta catalana ha utilizado el cine como medio para buscar respuestas sobre su origen. En aquella película se adentraba en la infancia de una niña que, tras morir sus padres biológicos, era adoptada por una nueva familia. En ‘Alcarràs’, ganadora del Oso de Oro a la mejor película en la Berlinale, retrataba de forma coral la vida de una familia de agricultores en la Cataluña rural que se enfrentaban a la que podía ser su última cosecha de melocotones, ya que la implantación de paneles solares en el terreno era inminente.
Las dos películas, con un tono autobiográfico, presentaban a una autora con una sensibilidad superdotada para plasmar las dinámicas familiares con un poderoso universo visual. ‘Romería’ dialoga temáticamente con ellas, especialmente con ‘Verano 1993’, pero a nivel narrativo se desmarca de sus predecesoras. Simón continúa siendo fiel a su estilo naturalista, pero lleva a la cinta un paso más allá, atreviéndose a incluir elementos que sacuden ese realismo que tanto había explorado con anterioridad.
Estrenada en la sección oficial del Festival de Cannes, ‘Romería’ se divide en dos líneas temporales: una en los 80 y otra en los 2000. Esta última funciona como el cimiento en el que la película se construye, mientras que la otra toma una deriva más lírica. La historia comienza cuando Marina, una chica catalana de 18 años, viaja a Vigo para conocer a la acomodada familia de su padre biológico y conseguir un papel que la reconozca como hija de este para poder pedir una beca para la universidad. A través de conversaciones con diferentes miembros de la familia y apoyándose en el diario que dejó escrito su madre, va reconstruyendo la historia de sus padres, víctimas de la pandemia de sida.
Ambos tiempos se van entrelazando en la narración hasta llegar a un punto donde la película rompe y da un arriesgado salto. El neorrealismo característico del cine de Simón se transforma en ensoñación, en una suerte de realismo mágico que enamora por su osada poesía. La fotografía preciosista de Hélène Louvart destaca retratando los 80 con una textura granulada en unas escenas románticas donde los cuerpos de los protagonistas se entrelazan sobre una cama de algas marinas. A nivel visual, ‘Romería’ es el trabajo más sofisticado de la cineasta, capaz de crear imágenes bellísimas al servicio de una narración sólida y tremendamente ambiciosa.
Es esencial resaltar el trabajo actoral, donde Simón vuelve a optar por trabajar con caras no conocidas. Sus castings son largos y meticulosos pero siempre acertados, ya que aquí nuevamente, cada miembro de la extensa familia está perfectamente escogido e interpretado. Llúcia Garcia, que fue descubierta caminando por la calle, brilla en su doble papel como Marina y su madre biológica, aportando dulzura y luz a sus personajes. Mitch, en su primer papel en un largometraje, se luce especialmente en su interpretación como el padre de Marina.
Pese a tratarse de una obra profundamente autobiográfica, Simón convierte lo personal en político sin juicios ni didactismo, retratando con enorme sensibilidad cómo una generación entera fue borrada por pura vergüenza, por el qué dirán. La directora aboga por llamar a las cosas por su nombre y no esconderlas, ya que lo único en lo que eso deriva es en más dolor. Marina, su álter ego, a diferencia de la mayoría de los personajes más adultos de su familia, nunca tiene ningún reparo en verbalizar que sus padres murieron de sida.
Mediante un relato envolvente, poético y relevante tanto a nivel personal como social, Carla Simón da un paso de gigante a las grandes ligas cinematográficas con ‘Romería’, una película que busca convertir los recuerdos en imágenes para poder resucitar a los muertos.
Más tablones han aparecido hoy en lugares como Londres sugiriendo que la llegada de un nuevo disco de Justin Bieber era inminente. Finalmente, se ha confirmado que esta misma noche se publica ‘Swag II’, la segunda parte del álbum sorpresa que Bieber se sacaba de la manga este verano.
En aquel momento se dijo que otro disco de pop del artista estaba en camino y que vería la luz a finales de 2025 o principios de 2026. En este momento se desconoce si ‘Swag II’ sería ese álbum, pero nos inclinamos a pensar que no. Que este seguirá la línea lo-fi, improvisada e inacabada de ‘Swag I‘, que al fin y al cabo ha dado buenos resultados al artista.
Pese a su aparente falta de ambición comercial, ‘Swag’ ha sido top 2 en Estados Unidos, top 4 en Reino Unido, top 1 en mercados como Austria, Dinamarca, Noruega u Holanda, y aún sigue en listas.
‘DAISIES‘ ha sido un improbable y decidido hit para el artista, que todavía encontramos en el número 12 del Global de Spotify dos meses después de salir, y también le ha funcionado ‘YUKON’ (aún top 82 en dicha lista a día de hoy sin una promoción específica).
The Weeknd volverá a visitarnos el año que viene. La nueva parte de la gira de estadios ‘After Hours Til Dawn’, que celebra su trilogía ‘After Hours‘ (2020), ‘Dawn FM‘ (2022) y ‘Hurry Up Tomorrow‘ (2025), llegará a Madrid los días 28 y 29 de agosto. Se recalca que será la única ciudad que visite en España.
La cita será, de nuevo, en el Riyadh Air Metropolitano, donde actuaba el verano de 2023. Las nuevas fechas, bajo estas líneas, incluyen también nuevas citas en México, Brasil, Europa y Reino Unido a lo largo de 2026. Además, su colega Playboi Carti, con quien ha compartido recientemente el hit ‘Timeless’, acompañará a The Weeknd en todos los conciertos de Europa y Reino Unido. Si estáis en América, Anitta será telonera en las fechas de México y Brasil. La etapa norteamericana de este tour ha incluido más de 40 conciertos con entradas agotadas.
Las entradas salen a la venta la próxima semana, el 12 de septiembre a las 12 del mediodía, a través de Live Nation, Ticketmaster y El Corte Inglés. Habla una preventa en SMusic el día 9 de septiembre a las 14.00 horas, y otra el 11 de septiembre en Live Nation a las 12.00 horas.
Recientemente, ‘Blinding Lights’ ha sido confirmada como la canción más reproducida de la historia de Spotify, al superar los 5.000 millones de streams. El setlist incluirá temas de la toda la trilogía, que terminaba con el reciente ‘Hurry Up Tomorrow’, en el que había temas tan chulos como ‘Open Hearts’, que hemos destacado entre lo mejor de 2025.
FECHAS EN 2026:
20 y 21 de abril – Ciudad de México, Estadio GNP Seguros
26 de abril – Río de Janeiro, Estádio Nilton Santos
30 de abril y 1 de mayo – São Paulo, Estádio MorumBIS
10 de julio – París, Stade de France
17 de julio – Ámsterdam, Johan Cruijff ArenA
21 de julio – Niza, Allianz Riviera
24 de julio – Milán, San Siro Stadium
30 de julio – Fráncfort, Deutsche Bank Park
4 de agosto – Varsovia, PGE Narodowy
8 de agosto – Estocolmo, Strawberry Arena
14 y 15 de agosto – Londres, Wembley Stadium
22 de agosto – Dublín, Croke Park
28 y 29 de agosto – Madrid, Estadio Riyadh Air Metropolitano
‘Michael’, la nueva película biográfica sobre el Rey del Pop, tiene previsto su estreno en abril tras varios retrasos, uno de ellos debido a que hubo escenas que tuvieron que volver a rodarse. Por el acuerdo al que se llegó con su familia, está prohibido que Jordan Chandler, uno de los niños que le acusó de abusos, aparezca dramatizado en una película.
Antoine Fuqua dirige, un sobrino de Michael llamado Jaafar Jackson le interpretará, y Colman Domingo (‘Euphoria’) hará de Joe Jackson, padre de Michael. En una entrevista reciente, Domingo ha agradecido el apoyo de la hija de Michael Jackson, Paris Jackson, porque según él, «una breve charla» les fue «muy útil». Paris ha acudido a las redes sociales para responder que eso es falso, pues según ella, no le hicieron caso en absoluto.
Su testimonio es el siguiente: «Leí uno de los primeros borradores del guión y les pasé unas notas sobre lo que era deshonesto o no me sentaba bien, y cuando no siguieron esa dirección, seguí con mi vida. No son mis monos, no es mi circo».
Después se ha explayado más y ha dicho que la película se dirige a una parte muy específica del fandom de su padre y que a la gente le va a gustar. «La cuestión de estos biopics es que es Hollywood. Es la tierra de la fantasía, no es real pero te lo venden como si lo fuera. Está muy edulcorado, la narrativa está muy controlada. Hay un montón de incongruencias y un montón de mentiras bien gordas».
Continúa: «Eso no va conmigo. No me gusta ser deshonesta. Yo hablé, no me escucharon, y tuve que joderme. Eso es todo. Os va a gustar la puta película así que id a verla, disfrutad, pero dejadme fuera de ella».
En algún momento fue posible una reunión de los Smiths. Lo supimos cuando se anunció la reunión de Oasis. Para nuestra sorpresa, era Johnny Marr el más reticente, dada la deriva política de Morrissey, quien fuera el cantante del grupo. Desde entonces, ambos han estado enfrentados por el control de la marca.
Ahora Morrissey ha estallado en las redes sociales, asegurando que pone a la venta todo lo que tenga que ver con los Smiths y le corresponda. Eso incluye el nombre «The Smiths» creado por Morrissey, todos los diseños ideados por Morrissey, los derechos de merchandising, todas las canciones tanto en cuanto a letra como en cuanto a música, los derechos de sincro, las grabaciones y los derechos de edición. Se desconoce qué porcentaje de todo ello le pertenece.
En un post de Instagram explica que está agotado de tener que lidiar con sus compañeros, y eso que uno de ellos está muerto, Andy Rourke: «Estoy agotado de tener cualquier tipo de conexión con Marr, Rourke, Joyce. Estoy harto de asociaciones maliciosas. Con toda mi vida he pagado lo que me corresponde por estas canciones e imágenes. Ahora quisiera vivir desvinculado de quienes solo me desean el mal y la destrucción, y esta es la única solución. Las canciones soy yo, no son nadie más, pero traen consigo comunicaciones comerciales que se esfuerzan al máximo para crear miedo y rencor año tras año. Ahora debo protegerme, sobre todo por mi salud».
Morrissey lanza un mail para los inversores interesados, eaves7760@gmail.com
Por otro lado, seguimos sin noticias sobre los discos grabados en el estudio por Morrissey, pendientes de edición desde hace varios años. El single ‘Rebels Without Applause‘ continúa huérfano desde allá por 2022. El artista canceló este año su actuación en Noches del Botánico, por prescripción médica.
Lo que está haciendo Sabrina Carpenter con el vídeo de ‘Tears’ es prácticamente inédito en la música mainstream. El clip ya va por el cuarto final alternativo en YouTube y parece que va a haber todavía más. Todo, sin perder las visitas originales. Es el ejemplo más avanzado, pero lo de los finales alternativos viene de mucho antes. Se avecinan spoilers.
«Nadie hace un vídeo musical como Sabrina», ha comentado la cuenta oficial de YouTube en el vídeo de ‘Tears’. Una afirmación que es totalmente cierta. Nadie puede editar vídeos ya subidos mantiendo las reproducciones originales, por lo que suponemos que Carpenter debe haber llegado a algún tipo de acuerdo con la plataforma. Gracias a ello, además del final original en el que Sabrina asesina a su novio con un zapato de tacón, tenemos otros tres desenlaces.
Todos cambian los últimos instantes del vídeo, cuando Sabrina está en el porche de la casa y se reencuentra con su novio, que le ocurren todo tipo de desgracias. En el primer final alternativo, un rayo cae a su lado y, lejos de hacer caso a la advertencia de Sabrina, termina aplastado por un árbol. En el segundo, y al puro estilo Looney Tunes, un piano le cae del cielo. En la versión actual, Carpenter incumple eso de que «alguien tiene que morir en cada vídeo». En su lugar, su pareja sale de la casa cuando ella ya se ha ido y nos encontramos con que va entero vestido de lencería roja.
La moda de los finales alternativos se popularizó en los 90, con muchos artistas grabando diferentes versiones de sus videoclips para que MTV eligiese cuál emitir según el país o el horario. Este es el caso de ‘Jeremy’ de Pearl Jam o, sobre todo, de ‘My Favourite Game’ de The Cardigans. Los cinco finales que ofrece el vídeo varían desde la censura completa hasta la decapitación de Nina Persson. De hecho, en tres de ellos la cantante acaba muriendo. Lo mismo con los finales alternativos de ‘Erase/Rewind’: en uno la banda se salva y en el otro son aplastados.
En otras ocasiones, como en el caso de ‘They Don’t Care About Us’ de Michael Jackson, se llegaban a grabar dos vídeos totalmente diferentes. Así, Spike Lee dirigió una versión en las favelas de Brasil, que es la que más conocemos hoy en día, y otra en una prisión. Esta contiene imágenes reales del caso de Rodney King o del Ku Klux Klan y cuenta con una décima parte de las visitas del vídeo de Brasil.
También era común que algunas de estas versiones alternativas solo pudiesen encontrarse en formatos físicos, como en DVD. Es lo que hicieron No Doubt con ‘Don’t Speak’. En la versión emitida en MTV, el vídeo mostraba tanto a la banda tocando como a Stefani lidiando con su ruptura en la parte más narrativa. Sin embargo, en la versión del DVD ‘The Videos 1992-2003’, las escenas narrativas son eliminadas, centrándose en el grupo tocando en vivo.
En la década de los 2010, aparecieron los vídeos interactivos. Siempre al borde de la vanguardia en este tipo de materia, Coldplay lanzó en 2014 el vídeo oficial de ‘Ink’, solo disponible en la página web oficial del grupo. El clip sigue a un protagonista que está tratando de encontrar a una chica desaparecida en la ciudad. Tu trabajo es elegir qué camino toma y ayudarle a encontrar las pistas pertinentes. En cuanto a finales, este se lleva la palma con más de 300 desenlaces diferentes.
En la era del streaming, aparte de Sabrina, uno de los ejemplos más recientes es el de la canción ‘Mixed Signals’ de Robbie Williams. Tirando más de humor, el vídeo nos sitúa en el punto de vista del cantante mientras intenta encontrar a su chica, que está de fiesta por ahí. Hay dos finales diferentes: en el primero Williams despierta junto a su mujer de la vida real, Ayda Field, mientras que en el otro es Gary Barlow, ni más ni menos, el que acaba con la chica del protagonista.
David Byrne termina el rollout del disco que lanza este viernes, ‘Who Is The Sky?’, haciéndose una de las preguntas más complicadas que existen: ¿Para qué sirve el amor? Para ello, ficha a Hayley Williams, que justamente también acaba de sacar un disco. ‘What Is The Reason For It?’ es la Canción del Día.
La influencia de la música latina es clara en ‘What Is The Reason For It?’, tanto en los acordes y percusión como en las maravillosas trompetas que abren la canción y que recuerdan tanto a una ranchera. Estas también aparecían en uno de los anteriores singles, ‘She Explains Things To Me’.
Byrne abre la veda hablando del amor en absoluto y describiéndolo como algo tanto «frío» como «caliente», tan «nuevo» como «viejo». Hayley Williams se une en el dramático estribillo y la canción cobra todo el sentido: «¿Por qué está ahí? ¿Es mi cuerpo o mi cabeza? ¿Por qué hablamos sobre ello las 24 horas del día?», cantan. En el pre estribillo, también definen el amor como «raro», «queer»: «El amor te sacará de aquí para encontrar a alguien».
Antonia San Juan ha anunciado públicamente que tiene cáncer. Por ello, ha aclarado que dejará de lado por un tiempo su trabajo como actriz. La artista canaria, conocida por interpretar a Agrado en ‘Todo sobre mi madre’ y a Estela Reynolds en ‘La que se avecina’, ha dado a conocer la noticia a través de sus redes sociales.
San Juan cuenta que llevaba «más de un año con problemas de garganta» y que siempre había sufrido de «faringitis crónica», pero que en la última consulta del médico de familia le detectaron un «problema en las cuerdas vocales». «Me hicieron una biopsia y ya me han dado el medio diagnóstico: tengo cáncer», declara la actriz.
Aunque todavía no se conoce qué tipo de cancer tiene o si tiene solución, San Juan asegura que confía «plenamente en la ciencia» y que ahora lo que toca es «seguir el tratamiento que me pongan». La actriz termina su comunicado con honestidad: «Mi vida ha sido y es bonita y no me gusta quejarme ni que la gente me tenga compasión. Solamente quiero dar las gracias a los que están ahí. Si ven que no estoy activa, pues bueno, es que estoy enferma», concluye.
Un día de verano, sin que nadie lo esperara, Hayley Williams lanzó 17 singles de golpe. Aparentemente, no formaban parte de ningún disco, o al menos, en aquel momento la líder de Paramore no quería que se percibiese de esa manera. Mediante este modelo, los fans podían hacerse sus propias playlists, alterando el orden de las canciones a su gusto o incluso prescindiendo de las que no les gustaban. Con esto la artista parecía preguntarse si sigue teniendo algún sentido el formato álbum en 2025 y, por encima de todo, ¿qué es un álbum?
No es la primera vez que Williams emplea métodos poco convencionales para promocionar su música en solitario. De hecho, su debut ‘Petals for Armor’ fue lanzado en tres tandas, con cinco canciones en cada una; mientras que su sucesor, ‘Flowers for Vases / descansos’ llegó al completo por sorpresa.
‘Ego Death At A Bachelorette Party’ es el título de su tercer trabajo, presentado oficialmente como un disco varias semanas después de aquella ristra de sencillos sueltos, añadiendo ahora una nueva canción (y a juzgar por su post de Instagram, quedan dos más). ¿Por qué ahora y por qué así? Solo Hayley sabe lo que estaba buscando con una promoción tan extraña y anticlimática de un proyecto que merecía mucho más mimo. Es más, varias de sus mejores canciones en solitario las encontramos aquí.
A pesar de su longitud, una de las principales virtudes es que la secuencia fluye con sorprendente soltura -otro motivo por el que es importante que las canciones nos lleguen en un orden pensado- gracias a una producción cuidadísima y sofisticada. Además, a Williams nunca le da miedo probar cosas nuevas en su música. Por ejemplo, la inclusión de los efectos vocales en algunas canciones, que aporta una capa de extrañeza que las eleva a una dimensión mayor. Como en los versos de ‘Glum’, un tema que, como muchos de los que encontramos en el disco y en toda la carrera de Williams y Paramore, explora un sentimiento de vacío existencial, de total desconexión con el mundo. En cambio, en su gran estribillo se despoja de distorsiones y su voz se escucha cristalina, apasionada.
El Autotune también aparece en el pop rock de la irónica ‘Hard’, que juega con la idea de la masculinidad tóxica que lo impregna todo. “I can’t get soft cause I’m too hard (No puedo ser blanda, porque soy muy dura)” solo puede ser una juguetona referencia al miembro viril, ya que después reconoce “me casé en botas de combate, solo escuchaba música ‘de testosterona’, tuve que matar mi feminidad para hacerlo”. Este tipo de humor negro, aparece mucho a lo largo del álbum, a veces de manera genial, como en ‘Discovery Channel’, una sombría canción sobre el dolor de una ruptura y el deseo primario que permanece pese a todo. Williams toma prestado el gamberro y divertido estribillo de ‘The Bad Touch’ de Bloodhound Gang y lo convierte en algo anhelante y apesadumbrado.
Hay muchos géneros y estilos dentro de ‘Ego Death’, muchos de ellos ya transitados por la artista a lo largo de su carrera, pero aquí adquieren un cariz diferente. Pese a la variedad, hay un sentido de cohesión que une a todas estas canciones con enorme solidez. El trip-hop, un sonido que parece estar de vuelta, atraviesa muchas de las producciones, a veces de forma más tímida (el corte titular, ‘Zissou’), otras totalmente directa (la inquietante y muy 90s ‘Negative Self Talk’ o en la anticristiana ‘True Believer’). Esta última es especialmente relevante en la carrera de la artista, ya que la religión de una manera u otra siempre ha formado una parte importante de su vida habiendo crecido en el seno de una familia muy cristiana de Misisipi. Aquí, Williams está desencantada con todo, sobre todo con la intolerancia y el racismo que la devoción a veces trae consigo: “Dicen que Jesús es el camino, pero le ponen una cara blanca para no tener que rezar a alguien que consideran inferior a ellos”.
Williams siempre ha sido una excelente letrista y aquí vuelve a demostrarlo, sobre todo en los versos aparentemente más sencillos, que en muy pocas palabras crean sentimientos poderosos. En la luminosa ‘Love Me Different’, se siente por fin preparada para amar de nuevo (“Y sé que probablemente te dices a ti mismo que nadie me va a querer como tú. Y sé que probablemente tengas razón, pero alguien me va a querer de otra manera. Y quiero que me quieran de otra manera”).
En la espectacular ‘Mirtazapine’, una oda grunge al antidepresivo, la artista transmite un mundo con un simple “Mirtazapine, me haces comer, me haces dormir, me haces soñar”. O en el maravilloso cierre (al menos de momento) que es ‘Parachute’, en un solo verso desmonta todas sus ilusiones románticas con una honestidad que desarma: “Pensé que ibas a agarrarme, nunca dejé de caer por ti, ahora ya lo sé, nunca me dejes salir de casa sin un paracaídas”.
Este gran viaje a la psique de Hayley Williams que es ‘Ego Death At A Bachelorette Party’, donde se abre en canal hablando de sus experiencias con la depresión y sobre relaciones fallidas, no está exento de algún traspiés (la desubicada ‘Brotherly Hate’, principalmente), pero en su mayoría, es un recorrido fascinante y mucho más valioso de lo que parecía en una primera y caótica toma de contacto. Cuando salieron las 17 canciones sueltas era difícil ver lo que la artista quería decir con ellas. Ahora, está todo mucho más claro. Pasen, y escuchen.
A la espera de que este fin de semana se celebre una nueva entrega de los Premios MTV, Billboard ha elaborado uno de esos rankings que tanto dan que hablar, votados por sus críticos. Han cogido los 41 vídeos que han ganado la categoría principal de MTV, esto es, el Vídeo del Año, y han elaborado un top 41 en el que los valoran del peor al mejor.
Billboard recuerda que hay muchos artistas de primer nivel que jamás ganaron este premio, como Michael Jackson, Nirvana o Drake. También castiga duramente con la última posición ‘Mirrors’ de Justin Timberlake, por ser demasiado largo; o ‘Firework’ de Katy Perry, con la penúltima, por tener poco «replay value».
‘Bad Blood’ de Taylor Swift también aparece en mala posición, porque aseguran que la artista mejoraría su cualidad blockbuster 10 años después en ‘Eras Tour’. Tampoco ha habido suerte para ‘Ray of Light’ de Madonna, de la cual indican que aquí parece «una actriz secundaria» a diferencia de en otros vídeos. Igualmente denostados han sido ‘Wrecking Ball’ de Miley Cyrus o «Montero» de Lil Nas X.
En el top 20 encontramos ‘All Too Well’ de Taylor Swift, ‘Virtual Insanity’ de Jamiroquai o ‘Nothing Compares 2 U’ de Sinéad O’Connor.
Los ganadores del top 10 han sido, entre otros, el clásico ‘Sledgehammer’ de Peter Gabriel, dos vídeos de Beyoncé marcados por su carácter social, clásicos de los 90 como ‘Tonight, Tonight’, ‘Jeremy’ y ‘Losing My Religion’; ‘Bad Romance’ de Lady Gaga, por haber «logrado en 18 meses lo que a otros artistas les lleva años»; y sobre todo ‘We Found Love’.
La obra de Calvin Harris con Rihanna ha sido elegida mejor Vídeo del Año por ser «romántico, estimulante, aterrador, paralizante, catártico, afirmar la vida, desafiar la muerte y alterar la percepción». Así les ha quedado el top 10:
1.-Rihanna, ft Calvin Harris / We Found Love
2.-Peter Gabriel / Sledgehammer
3.-Beyoncé / Single Ladies
4.-Pearl Jam / Jeremy
5.-Lady Gaga / Bad Romance
6.-Don Henley / The Boys of Summer
7.-R.E.M. / Losing My Religion
8.-Missy Elliott / Work It
9.-Beyoncé / Formation
10.-Smashing Pumpkins / Tonight, Tonight
Patrick Wolf nos encadiló por completo con la práctica totalidad de álbumes que sacó entre 2003 y 2011, a destacar ‘The Magic Position’. El multiinstrumentista nos regalaba una música de fábula llena de magia, que pululaba entre la Björk de ‘Homogenic’ y el pop de cámara de Sufjan Stevens.
Un buen día se lo tragó la tierra, tras alguna que otra actuación errática, y este año ha vuelto con su primer álbum en 10 años, ‘Crying the Neck‘. A finales del pasado mes de julio tuve la suerte de hablar con él por teléfono. Tenía un poco de miedo por lo que me iba a encontrar, por un fallo técnico le tuve esperando 15 minutos y aun así me encontré una de las conversaciones más afables y enriquecedoras que recuerdo de los últimos meses. El 3 de diciembre tendremos la suerte de poder verle en el Teatro Lara de Madrid, de mano del Primavera Sound. Últimas entradas, aquí.
Antes de nada, ¿cómo estás?
Estoy bien, es verano. Vivo cerca del mar. Cada día es un día de playa y de escribir. Está siendo un verano muy productivo y feliz, de momento. Me alegro de oírlo, porque durante muchos años no hemos sabido nada de ti. ¿Vives en la playa o estás de vacaciones?
Vivo en una pequeña casa al este del todo de Inglaterra, casi donde ves Francia en los mapas. Vivo en un pueblo muy pequeño, tengo un jardín, dos gatos y un estudio. Dejé Londres hace 4 años.
¿Cómo ha sido cerrar un proyecto nuevo, que ya no es un EP, después de tanto tiempo?
Me había olvidado de lo agotador que es terminar el proceso de mezcla o el propio proceso de terminar un álbum, con el detalle que le pongo a la producción. Al final, casi no podía ni andar. Dormía muy poco y pasé mucho tiempo entre Londres y mi estudio. Así que el aspecto físico fue bastante intenso. Pero también me había olvidado de la recompensa. La sensación de culminación es realmente mágica. Es una especie de alquimia. Convertir algo que sale de tu imaginación en algo físico que literalmente puedes entregar al mundo en mano es algo extraño. No me ha pasado tantas veces en la vida, así que es muy especial cuando sucede.
Has mencionado la palabra «detalles». Se me había olvidado a mí también la cantidad de detalles que podía haber en un disco de folk de los 2000 como los tuyos o los de Sufjan Stevens. Cuánto ha cambiado la música, ¿no?
La verdad es que no presto atención a lo que hace otra gente.
Es la sensación que me ha dado totalmente oyendo tu álbum: Patrick Wolf no escucha la música de hoy en día.
(risas) Conozco a los artistas que me influyeron de joven. Al grabar un álbum, tengo una determinación muy importante: no escuchar nada de lo que se está publicando actualmente. A veces oigo algo de pop. Si sé que no me va a influir, como el último álbum de Marina, lo disfruto mucho. Siempre he pensado que escuchar mucha música pop no afecta realmente mi trabajo. Sí puedo escuchar música pop, pero en cuanto a otros músicos y gente de mis contemporáneos que publica… hace años que no escucho el disco de otra persona de esa manera.
Pero también tiene sentido que menciones a Marina, porque su pop es diferente, en arreglos, melodías… Quizá por eso la has mencionado a ella.
Sí, ella siempre nos entrega un mundo particular, y se compromete con él por completo. Tiene una imaginación brillante y una gran convicción. Creo que es realmente fascinante. Y divertida. Está bien ser entretenido por alguien inteligente, ya sabes.
«Estaría bien ser entretenido por alguien inteligente (…) Aunque la música pop no tiene por qué ser inteligente»
(risas) Vale, no te voy a preguntar quién NO es inteligente.
Estaría aquí horas. Aunque la música pop no tiene por qué ser inteligente. Hace poco estuve en España y me fascinó. Fui solo a un bar gay donde solo ponían música española. Estoy aprendiendo español de nuevo porque lo aprendí cuando era más joven, y la temática de las canciones es muy diferente al pop en inglés. Me fascinó que muchos temas trataran sobre mujeres oprimidas, sobre venganza, sobre ser una zorra y todos esos temas tan interesantes que, en mi opinión, no se ven en la música de Estados Unidos ni Inglaterra. Quizás Lady Gaga podría ir por ahí, pero no sé… Creo que en otras culturas la gente permite que la música pop tenga más fantasía, sea más narrativa y más emocionante. Pero bueno, ya no me considero un músico pop. La palabra pop significa popular. Yo nunca he sido tan popular y creo que me encuentro en una especie de mundo contracultural, lo cual me parece muy bien. No creo que haya hecho ningún esfuerzo para ser popular, aunque he estado en un sello importante.
Entiendo que no te veas como un músico de pop. En cuanto a España, estamos yendo mucho hacia nuestra tradición. ¿Qué ciudad visitaste?
Primero estuve en Málaga y terminé en Torremolinos. Quería ir para ver el trabajo de Moreno Villa. Era mi cumpleaños, y quería bucear en la música española. Me lo pasé muy bien. Descubrí muchos músicos.
Torremolinos es muy jevi. Yo no sé si es un sitio al que la gente vaya, específicamente, a conocer músicos.
La cosa es que dejé de beber hace cinco años, así que me contentaba con escuchar música española y tomarme una Fanta de Limón, como si volviera a ser adolescente. Supongo que ahora tengo una motivación diferente para salir de fiesta a la de la mayoría, porque no me gusta el alcohol ni las drogas. Así que buscaba esa canción pop española que me hiciera pensar o que me hablara algún chico guapo español random. Es algo muy inocente y maravilloso para mí ahora mismo. Así que creo que he visto una cara de Torremolinos diferente a la de la mayoría.
Primero de todo, enhorabuena por tus 5 años sobrio. A ver si tomo nota.
Es algo que está ahí para ti, si quieres. Es duro, pero no imposible.
«Cuando bebía no tenía confianza en mí mismo, ni autoestima ni ambición. Y si no tienes esas tres cosas, no puedes estar en la industria musical»
¿Cómo ha nutrido tu álbum dejar de beber?
Creo que me dio la capacidad de terminarlo. La lista es larga, pero hay relación entre el día en que empecé a estar sobrio y el día en que lancé mi primer EP después de 10 años. Cuando bebía no tenía confianza en mí mismo, ni autoestima ni ambición. Y si no tienes esas tres cosas, no puedes estar en la industria de la música. Necesitas confianza, autoestima y ambición, y no tenía ninguna de las tres cuando toqué fondo. Dejé de leer durante 6 años. Ahora estoy en mejor forma física que nunca. Estoy leyendo filosofía. Me habría parecido muy aburrido cuando bebía.
Mi mente y mi cuerpo están en su mejor momento desde que tenía 15 años. Y eso es gracias a que dejé las drogas y el alcohol. En cuanto al álbum en sí, eso no está ahí del todo, porque me llevó varios años hacer ‘Crying the Neck’. Las lecciones que estaba aprendiendo eran demasiado actuales como para plasmarlas en música que durara para siempre. Estoy esperando, supongo que en los próximos dos álbumes hablaré mucho más de eso. Aunque hay algunos momentos, como cuando en ‘Jupiter’ hablo de llevar «90 días en esta tierra»: son los primeros 90 días sin drogas. Y reconoce una sensación de decadencia y podredumbre que se había apoderado de mi vida y que comparo con la muerte de mi madre. Hubo muchas muertes llamando a mi puerta y tuve que como que mudarme de casa, ¿sabes?
¿Hay una sensación de resurrección o de liberación? En ‘Dies Irae’ dices algo así como «aún no es tu funeral».
Me gusta que se interprete así, como cuando empiezo el disco con ‘Recolver’, la gente ha entendido ‘Recover’, y Recolver es en verdad un sitio. Esa canción la escribí sobre alguien que sabía que iba a morir. Los dos lo sabíamos y lo que estoy diciendo es «aún no, tenemos esta noche, tenemos mañana, todavía tenemos tiempo, no es tu funeral aún». De alguna manera, las canciones que canto sobre la muerte de mi madre son también quizá sobre mí: aún no estoy muerto. ¿Hay tiempo aún para cambiar? ¿Todavía hay tiempo para volver a la vida? Esa frase de «volver a la vida» sale mucho en el disco porque puedes estar muerto en vida. Y tienes que elegir entre volver a la vida o esperar algún milagro. Y los milagros no pasan a menudo, así que tienes que crear tu propio milagro.
A fin de cuentas, ¿crees que es un disco agridulce o triste? ¿Un disco de aceptación?
Me parece muy raro que haya gente que diga que le da mucha esperanza. Pero creo que es ese tipo de esperanza que surge al reconocer la tristeza, la miseria y la pérdida. Espero que sea un álbum sanador. Pero creo que el álbum aún no ha llegado a un público amplio, todavía está muy adentro. No tengo presupuesto para marketing. Con cada entrevista que hago, 10 personas más lo escuchan. Si llegara a una audiencia amplia, me gustaría que fuera reconociendo la sensación de pérdida y decadencia cultural que hemos vivido en los últimos 5 años. Creo que funciona a un pequeño nivel para alguien que ha experimentado la muerte de una persona o se está recuperando de algo. Pero creo que debería funcionar como un hechizo que hiciera reconocer a la gente su miseria, pérdida y decadencia, para volver a empezar otra vez, y escoger vivir.
«Si este disco llegara a una audiencia amplia, me gustaría que fuera reconociendo la sensación de pérdida y decadencia cultural que hemos visto en los últimos 5 años»
¿Cómo ha evolucionado la música en estos 10 años desde tu último disco?
¿Ha evolucionado o involucionado? Mira, ha dado ya la vuelta y yo ya encuentro la IA interesante porque es el síntoma perfecto de la enfermedad. La enfermedad de la música siendo menos y menos sagrada, en favor de la música adulterada genéticamente. Ya sabes, cómo la mayoría de las canciones en el top 10 están escritas por 25 personas.
Ya, es surrealista.
Para mí es como tomar algo tan hermoso como un tomate y llevarlo a un laboratorio científico y preguntarse: «¿Cómo podemos mejorarlo?». Bueno, es que el tomate siempre ha sido precioso. Sólo necesita que le dé el sol, agua y tierra. Pero no: tenemos que enviarlo al laboratorio, copiarlo, coger su ADN, hacerlo más grande y crearlo. En este punto, podríamos simplemente dejar la música pop en manos de la IA, porque ahí es donde ha llegado la modificación genética. Así que creo que el público general no distinguirá entre IA y artista. Del mismo modo, no entenderá que esta canción de un artista, en verdad fue compuesta por 25 personas y ha pasado por un gasto de marketing de un millón de libras. El público general no lo sabe y no le importa. Es solo algo secundario.
Por otro lado, siempre hay gente obsesionada con el carácter humano de la música y con la parte física del objeto. Así que dejemos que el público generalista tenga su IA, su música adulterada genéticamente, solo para luego podamos volver a una aproximación más humana de la música, que es lo que queremos todos. No todos, pero sí me he dado cuenta de que hay gente que ama la música, el arte, la historia y la humanidad detrás. Y luego está el público generalista (risas) Pero vamos a dárselo. Dejemos que tomen la industria de la música, o mejor, la industria del entretenimiento. Porque no es realmente una industria de la música.
«Esto ha dado ya la vuelta y yo ya encuentro la IA interesante porque es el síntoma perfecto de la enfermedad»
Recuerdo estar en un concierto tuyo en Madrid, en el Nasti, pequeñísimo, presentando tus primeras canciones. Estabas exultante, se te veía súper feliz. Me he preguntado muchas veces todos estos años, ¿cuándo empezó a irte mal?
¿Cuando nací?
(risas) No, al menos en ese concierto parecías muy feliz. Fue increíble, de verdad.
Probablemente estás hablando de cuando tenía unos 22 años, y aún no había experimentado la decepción, ni la fama, ni la adicción, ni la enfermedad mental, ni el abuso financiero de mis mánagers. Te he hecho el chiste sobre si fue cuando nací, pero hablando en serio, mi visión de la vida es como si todas esas cosas que acabo de mencionar me hubieran llevado a este punto, a hacer este álbum, a sentarme aquí al fondo de mi jardín en este estudio con mis dos gatos, a esta vida que tengo ahora y al futuro que me espera. Así que entiendo que nada salió mal. Todo salió exactamente como estaba planeado. Aquí es donde debo estar. Si me hubiera muerto, sí que podríamos preguntarnos cuándo salió todo mal, pero a cualquiera que lea este artículo, le puedo decir que no siga la narrativa: si aún tienes un mañana, entonces nada ha salido mal. Probablemente estés exactamente donde necesites estar, pero no necesariamente donde quieres estar. Y son dos cosas completamente diferentes.
Una pregunta más, sobre la gira. ¿Hay alguna canción de tus viejos hits que te dé pereza cantar o que sí tengas ganas de hacer, especialmente?
Creo que en alguno de los últimos 40 shows no he tocado ‘The Magic Position’. Pero creo que siempre tocaré esa canción porque siempre ha cuidado de mí. Me ha privado de la mendicidad. Tengo que respetarla y respetar cuán querida es. Hay una parte de mí al hacer giras que siempre respeta las canciones importantes para la gente. Y lo bueno es que yo no odio esas canciones en absoluto.
‘The Childcatcher’ es quizá la única que nunca he encontrado apropiado cantar, no creo que sea apropiada para mi edad o mi experiencia. ‘Battle’ de ‘The Bachelor’ me parece realmente tonta. Cuando hago el Patreon una vez al mes, ves en tiempo real lo que quiere la gente y te dicen «esta canción significa algo para mí a causa de X, Y o Z». Y yo pienso: «ok». Creo que nunca debería sacar una canción de mi catálogo porque nunca se sabe. De repente llega alguien y te dice que la cara B más oscura que tengas, que te parecía la cosa más estúpida que hayas escrito, le ha impedido suicidarse. No puedes sacar nada de tu catálogo. Una vez que está en el mundo, ya no es solo cosa tuya.
Los rumores de una gira europea de Radiohead se han hecho realidad. Durante los últimos meses, las pistas sobre la vuelta de la banda británica a la carretera se han sucedido con bastante solidez. Esta semana, unos flyers recogidos por los fans del grupo apuntaban a que Radiohead estarán este noviembre en Madrid y cuatro ciudades europeas más. Algo que ha sido confirmado finalmente por la banda en redes.
El tour comenzará en Madrid. Las entradas solo se podrán comprar a través de radiohead.com. El registro empezará el 5 de septiembre a las 10am BST / 11am CEST, durando hasta el domingo 7 de septiembre.
Estos serán los primeros conciertos de Radiohead en 7 años. Los shows madrileños se celebrarán los días 4, 5, 7 y 8 de noviembre de este año en el Movistar Arena. Intuíamos que era cierto porque no había ningún concierto programado en el recinto para esas fechas, según la página web oficial.
La noticia llega después de la inauguración de una nueva sociedad de responsabilidad limitada con el nombre de RHEUK25, lo cual en el pasado siempre ha significado la salida de un disco o el anuncio de una gira. Ahora, lo que falta es el disco.
Conciertos de Radiohead en 2025
11/4 Madrid, Spain @ Movistar Arena
11/5 Madrid, Spain @ Movistar Arena
11/7 Madrid, Spain @ Movistar Arena
11/8 Madrid, Spain @ Movistar Arena
11/14 Bologna, Italy @ Unipol Arena
11/15 Bologna, Italy @ Unipol Arena
11/17 Bologna, Italy @ Unipol Arena
11/18 Bologna, Italy @ Unipol Arena
11/21 London, UK @ The O2
11/22 London, UK @ The O2
11/24 London, UK @ The O2
11/25 London, UK @ The O2
12/1 Copenhagen, Denmark @ Royal Arena
12/2 Copenhagen, Denmark @ Royal Arena
12/4 Copenhagen, Denmark @ Royal Arena
12/5 Copenhagen, Denmark @ Royal Arena
12/8 Berlin, Germany @ Uber Arena
12/9 Berlin, Germany @ Uber Arena
12/11 Berlin, Germany @ Uber Arena
12/12 Berlin, Germany @ Uber Arena
Kneecap han sido noticia este verano porque su apoyo a Palestina y su condena al Ejército de Israel le está costando un juicio por terrorismo a uno de sus miembros. Recientemente, Mo Chara fue recibido como un héroe cuando acudió a declarar en los juzgados.
Por supuesto su carrera musical continúa tras su álbum ‘Fine Art’, que presentaron con enorme éxito en Bilbao BBK Live y volverán a hacer este otoño en Europa, sin parada en España, y con casi todo agotado. El 10 de octubre publicarán un single de doble cara A que incluirá el ya conocido ‘THE RECAP’ que estrenaron en Glastonbury, y este ‘Sayōnara’ que es la Canción del Día hoy.
‘Sayōnara’ es una colaboración con Paul Hartnoll, conocido por ser un pionero de la electrónica noventera a través de su banda Orbital. Así, la producción es un taladro de beats y sintes que pululan entre el trance y la cultura rave, de la que tanto se ha hablado este año a raíz de la película ‘Sirat’. Se ha buscado realizar un homenaje a la escena de Belfast durante los años 90.
PIAS España nos pasa la traducción de esta letra de la banda irlandesa al inglés, en lo que parece un himno de liberación sobre «subir el bajo más y más alto», «quitarnos los tops y entregarnos al trance» o «bailar hasta por la mañana desde el principio de la noche». Dice, también: «no importa la policía, les pagaremos por adelantado».
Además, su vídeo dirigido por Finn Keenan y protagonizado por Jamie Lee 0’Donnell de la recomendable serie de comedia ‘Derry Girls‘, cumple. O’Donnell interpreta a una oficinista, un poco aburrida en su presentación de informes y gráficos, hasta que empieza a ver encajes y arneses entre sus compañeros de trabajo.
La actriz ha dicho que el rodaje fue muy divertido y que es muy fan de Kneecap. En el vídeo aparece un plano en que conduce un todoterreno con la pintada «Free Mo Chara», el gran grito de guerra para su liberación de cargos.
El director ha recordado que las raves eran espacios a los que «católicos y protestantes iban a bailar juntos», por lo que para ellos es un símbolo de hermandad. Gracias a Jerome en el foro de novedades por el aviso.
Hoy mismo se estrena la segunda parte de la segunda temporada de ‘Miércoles’ y, con ella, la nueva canción de Lady Gaga para la serie: ‘The Dead Dance’. Se cerrará así un bonito círculo que comenzó cuando el viejo tema de la artista ‘Bloody Mary’ se viralizó en redes con un baile de Miércoles, que en la serie en verdad tenía lugar con otra canción de The Cramps.
En el fondo, siempre tuvo sentido esta relación, pues Lady Gaga ha usado tradicionalmente imaginería de película de terror, por ejemplo en ‘Paparazzi’ o en ‘Born this Way’.
‘The Dead Dance’ está escrita por Gaga junto al equipo de ‘Mayhem’, involucrando principalmente a Andrew Watt y Cirkut. Se trata de un tema de corte disco que encajaría en la segunda parte de su último álbum, más o menos en torno a ‘Zombieboy’, aunque no está muy claro que encierre más posibilidades comerciales que esta.
Actualización: De hecho, desde hoy se ha publicado una versión deluxe de ‘Mayhem’ que integra ‘The Dead Dance’ justo después de ‘Zombieboy’. También aparecen otros dos bonus: ‘Can’t Stop the High’ como pista 5, y ‘Kill for Love’ como pista 13. Sigue inédita ‘All I Need Is Time‘, dedicada a su prometido.
Tim Burton dirige el vídeo de ‘The Dead Dance’, con mejor fotografía que narrativa, casi siempre en blanco y negro. El ritmo disco produce una coreografía en un entorno siniestro, de nuevo, casando con la estética de lo que hemos visto en la gira ‘Mayhem’. Opina en nuestro foro de Lady Gaga.
El mes pasado, Gaga era vista reunida con Tim Burton en Ciudad de México, según informaron varios medios. Ambos se encontraban visitando la famosa Isla de las Muñecas, un enclave conocido por las cientos de muñecas deterioriadas que se encuentran colgadas por la zona. Finalmente han resultado las protagonistas secundarias de este videoclip.
El lanzamiento coincide con la aparición de la artista en la serie, interpretando a la «legendaria profesora de Nevermore Rosaline Rotwood». El Mayhem Ball Tour llegará a España los días 28, 29 y 31 de octubre, con paradas en Barcelona que coincidirán, casualmente, con la celebración de Halloween. Lady Gaga también será una de las actuaciones de la próxima edición de los MTV VMA, que tendrá lugar este 7 de septiembre.
Tanto el director del Mad Cool, Javier Arnáiz, como la empresa promotora del festival irán a juicio por los altos niveles de ruido de la edición de 2023, según informa El Diario. Así, la Fiscalía pide dos años de cárcel para Arnáiz por un delito contra el medioambiente, además de una multa de 10.800 euros y la prohibición de trabajar en la industria de los conciertos durante dos años.
Después de las multas de 800.000 euros a los promotores de los conciertos en el Bernabéu y de las quejas de los vecinos por el volumen del festival Tomavistas, llega el turno del Mad Cool. La edición señalada es la de 2023, que contó con las actuaciones de Robbie Williams, Liam Gallagher o Lizzo.
Las quejas de los vecinos de Getafe y Villaverde, que aseguraban que era imposible conciliar el sueño, fueron confirmadas por las mediciones sonoras, que certificaban que el umbral legal de ruido se había superado. Por ello, el Ayuntamiento de Madrid castigó el evento con una multa de 22.001 euros. Por aquel entonces, la Fiscalía presentó una denuncia que ahora se convertirá en un juicio contra la empresa del festival y su director por provocar un «riesgo de grave perjuicio para la salud de las personas» a causa del ruido.
La multa que se pide para la empresa ‘Mad Cool Festival SL’ asciende a 72.000 euros. A eso, se le añade una indemnización para cuatro vecinos de Getafe y Villaverde afectados por el ruido. Cada uno recibiría una suma de 6.000 euros. Por otro lado, la asociación ‘Plataforma Stop Mad Cool Villaverde’, que se encarga de denunciar este tipo de ruidos, sube la petición de la Fiscalía de dos a tres años de cárcel para Javier Arnáiz. JNSP ha contactado a Mad Cool para obtener su versión, de momento sin respuesta.
Cardi B ha protagonizado infinidad de memes durante los últimos días a raíz de un juicio civil del que ha salido victoriosa. Así, la demanda interpuesta por una exguardia de seguridad, que exigía una indemnización de 24 millones de dólares por un supuesto altercado con la rapera en 2018, ha sido desestimada por un juez de California.
La denuncia de Emani Ellis culpaba a la artista de presuntamente escupirle y arañarle la cara durante una discusión en un consultorio médico de Beverly Hills en 2018. El fallo, sin embargo, determinó que no existían elementos de agresión o negligencia suficiente como para condenar a Cardi B, absolviendo a la rapera de toda responsabilidad.
Ellis trabajaba en el centro médico y aseguraba que llegó a necesitar cirugía plástica por las heridas provocadas por las uñas de Cardi B. La artista, por otro lado, simplemente negó las acusaciones. Además, durante el juicio dejó algunos momentos tan graciosos como surrealistas que, por supuesto, se han viralizado en redes.
Más allá de lanzar un boli a los periodistas o jurar su inocencia por su «lecho de muerte», los momentos más icónicos de la rapera se dieron en los tribunales. Esta se encargó de contestar las preguntas de los abogados con la máxima sinceridad posible, como cuando le preguntan si llamó «gorda» a la demandante: «No, le llamé zorra». O cuando le interrogan sobre sus cambios de pelo: «Ayer tenías el pelo negro y corto, y hoy es rubio y largo. ¿Cuál es tu verdadero pelo?». Cardi B, sin creérselo: «Son pelucas».
"I did not touch that woman."
Cardi B spoke to reporters outside of court after being found not liable in civil suit. pic.twitter.com/kkliqL8Xip
¿Cómo es que se organizó una pre-escucha para prensa y fans del nuevo disco de Blood Orange en una ciudad como Barcelona? ¿Pero tantos seguidores mantiene Dev Hynes tras años desaparecido o dedicado a bandas sonoras, música clásica, escribir para otros? Una vez descubierto el contenido de su quinto disco con su principal alias, es claro que alguien ha entendido en ‘Essex Honey’ una de las obras más relevantes de 2025, por lo que consideró pertinente darle ese tipo de visibilidad. Reunir a un montón de gente para no hacer otra cosa que escuchar el álbum atentamente tenía sentido.
‘Essex Honey’ es uno de los pocos discos que últimamente se ha molestado un mínimo en posicionarse en el lado de la vanguardia. Se acerca al jazz y no con manidos ritmos de contrabajo, líneas de piano o saxos que aparezcan para hacer subrayados. Estos instrumentos pueden emerger cuando menos te lo esperas, cuando piensas que la canción ha acabado, generando melodías áridas pero intrigantes como algunas de las que encontramos hace 50 años en el ambicioso ‘Histoire de Melody Nelson’ de Gainsbourg.
De igual manera, los escasos beats electrónicos, por ejemplo el drum&bass que figura solo en la parte central de ‘The Last of England’, tampoco están cortados por el patrón de las playlists de 2025. Poco después de que Blood Orange haya logrado un par de virales con producciones antiguas (‘Champagne Coast’, ‘Charcoal Baby’), publica el disco más esquivo de su carrera, y a la vez el más estimulante.
Lo que termina de convertir ‘Essex Honey’ en un álbum tan importante es que no es un ejercicio esteta que colgar en la vitrina de un museo. Al contrario, puede ser al mismo tiempo su álbum más pasional y visceral, en tanto que versa sobre el fallecimiento de su madre en 2023. Mirad al chaval de la portada: camina cabizbajo con uniforme, con una pelota de basket en una mano, y un móvil en la otra. Ninguna de las dos cosas le aporta nada. En gran parte de este álbum, Dev Hynes habla de su deseo de volver atrás, de su negativa a aceptar que el tiempo se nos acaba o de su anhelo por volver a tener 13 años. «La realidad del trauma, el dolor y la pena» son los temas del álbum, como ha explicado en NPR. Una de las composiciones más claras sobre esto, ‘Somewhere in Between’, solo puede remitir a Stevie Wonder cuando incorpora la armónica.
‘The Last of England’ se abre con un audio en el que escuchamos hablar a su madre y a su hermana, antes de que la canción incorpore el piano y la mencionada sección drum&bass. Pero es importante también reseñar que no estamos ante un álbum narrativo o lacrimógeno. Lo que nos ofrece Blood Orange son meras pinceladas impresionistas de su pasado, que el oyente puede terminar de rellenar si así lo desea.
Su mayor carácter narrativo puede ser el musical, cuando los arreglos sorprenden como nos sorprende la vida, a veces para mal, y a veces para bien (ese corazón de tela que le dieron en el hospital al fallecer su madre). En ese sentido, las muchas voces invitadas funcionan como un instrumento más, a menudo en segundo plano, incluso pasando tan desapercibidas como la de Lorde. Su amiga Caroline Polachek es quien se queda el coro más agradecido, pues su agudo timbre siempre ha tenido un punto new age muy apto para la espiritualidad, y es su voz la que lleva temas como ‘The Field‘, con su bonito punteo de guitarra, y ‘Mind Loaded‘, a otro nivel. El mismo efecto que añade Mabe Fratti en castellano en ‘I Can Go’.
No se pueden pasar por alto las colaboraciones voluntarias e involuntarias que ha adoptado Blood Orange para este álbum. Sumar a Lorde y a Caroline Polachek y a gente tan guay como Tirzah (en ‘Life’), Brendan Yates de Turnstile (en ‘Scared of It’) o Ben Watt de Everything But the Girl (también en ‘Scared of It’) puede ser relativamente fácil para alguien con la agenda de Blood Orange, que al fin y al cabo ha producido o remezclado a todo Dios. Pero es que aquí también hay recuerdos a artistas que no están precisamente de actualidad, y que agradecen o habrían agradecido una reivindicación en un disco de estas características.
Cuando en ‘Mind Loaded’ Lorde canta «Everything means nothing to me» lo que se está haciendo es un recuerdo a Elliott Smith, escalofriante con la respuesta de Mustafa, el propio Blood Orange y el chelo. Cuando ‘Westerberg’ dice eso de «I’m in love / What’s that song?», es porque se está recordando ‘Alex Chilton‘ de Replacements: el homenaje en esa línea es doble. Yo La Tengo, New Order o Durutti Column a través de la referencia a ‘Sing to Me’ en ‘The Field’ son otros de los artistas rememorados en un recorrido por la música alternativa muy peculiar, cuando aún muchos siguen asociando a Blood Orange al R&B.
La vida que insufla la batería o el detalle de las flautas de ‘Vivid Light’ -con una frase leída por la escritora Zadie Smith- inclina el disco hacia lo clásico, mientras ‘The Train (King’s Cross)’, con sus guitarras eléctricas, lo hace hacia el indie. No parece que haya seguido ninguna norma Blood Orange, salvo la de su instinto, en un álbum con algunos pasajes bellísimos, sobre el paso del tiempo y el pasado que no podemos cambiar, en el que resuenan frases tan tristes como «ya no quiero estar en este mundo».
Miguel, el hombre que un día pareció salvar el R&B, está de vuelta. El autor de discos como ‘Kaleidoscope Dream‘ no publica ningún largo desde 2017, cuando salió ‘War & Leisure‘, aunque es verdad que sí ha sacado algún EP y algunos singles sueltos.
De ellos, según Pitchfork, solo ‘Always Time’ estará en el próximo disco que el artista sacará el 23 de octubre bajo el nombre de ‘Caos’, coincidiendo con su 40º cumpleaños.
En una nota de prensa ha dicho que para «reconstruir, tenía que destruirse a sí mismo», y esa es la confrontación de la que habla en ‘Caos’, donde se explayará sobre su evolución personal, y sobre cómo «la transformación es un proceso violento».
Miguel colaboró en el pasado con estrellas del tamaño de Travis Scott o Mariah Carey. El tema que las plataformas de streaming han convertido en su gran clásico ha sido ‘Sure Thing’, extraído de su debut ‘All I Want Is You’ (2010).
El caso de las endemoniadas de Loudun es uno de los episodios más célebres de posesión demoníaca colectiva de la historia. El suceso, que culminó con un sonado proceso de brujería y la ejecución en la hoguera de un párroco, sirvió de inspiración para la blasfema y enormemente polémica en su día ‘Los demonios’ (1971), una de las películas más reivindicables (disponible en Filmin) del hoy algo olvidado Ken Russell, con un Derek Jarman pletórico como director de arte.
La cineasta Autumn de Wilde, directora de ‘Emma.’ (2020) y habitual realizadora de los clips de Florence, parece haber conjurado el espíritu de histeria colectiva que impregnaba el filme de Russell, donde “everybody scream” mucho y muy fuerte, y lo ha reinterpretado en clave de folk horror gótico y brujeril.
Con una sensibilidad estética a medio camino entre el Robert Eggers de ‘La Bruja’, el romanticismo de las hermanas Brontë y una fiesta de Halloween de un pueblo de Yorkshire, ‘Everybody Scream’ es un aquelarre visual que eleva la noción de baile de San Vito a coreografía pop.
El videoclip puede leerse como una reivindicación del concepto de “histeria femenina” -tradicional arma patriarcal para acallar la rabia de las mujeres- convertido en elemento empoderador. Florence aparece como una “loca del coño”, liderando a un grupo de brujas ruidosas y descaradas que, al pasar de la naturaleza a la civilización, subvierten el orden establecido a grito pelado.
A destacar una escena de extraordinario poder metafórico: Florence vomitando “pensamientos” sobre el rostro del jinete. Maravilla.
¿Está Karol G en su «flop era», como sugería alguien hace poco en nuestros foros? Pues la verdad es que no. ‘Tropicoqueta‘ no parece que vaya a ser 4 veces platino como el anterior ‘Mañana será bonito’, pero dista mucho de ser un «flop».
El nuevo álbum de Karol G se mantiene en el número 4 de los discos más populares en España, en su 10ª semana de edición, y certificado como disco de oro. El platino ha de estar al caer. En Estados Unidos, aguanta en torno al top 60 del Billboard 200: no es Bad Bunny, pero tampoco ha caído con la velocidad de otras novedades.
En cuanto a singles, ‘Si antes te hubiera conocido’ sigue copando toda la campaña al resistir en el top 18 en España 62 semanas después de su lanzamiento. Pero también encontramos ‘Verano rosa’ con Feid en el número 27, ‘Latina Foreva’ en el 70, ‘Papasito’ en el 77… y desde esta semana tenemos una nueva incorporación en el top 100, procedente de este mismo disco.
Se trata de ‘Viajando por el mundo’, la canción que tiene acreditado a Manu Chao. Entra en el puesto 74 dos meses después del lanzamiento de ‘Tropicoqueta’, debido a que se está viralizando en TikTok. Con ella de fondo, la gente comparte imágenes de sus vacaciones, fotos de paisajes, aviones aterrizando y despegando y cosas así. Quizá por la fama de Manu Chao en nuestro país, ‘Viajando por el mundo’ solo está en listas españolas, a diferencia de otros temas del disco de Karol G. En cualquier caso, 5 singles del mismo disco en un top 100 y a estas alturas del verano, no es el concepto de «flop» más exacto, precisamente.
Volviendo a la lista española, ‘Tú vas sin (fav)’ de Rels B continúa en el número 1, ‘Me mareo’ de Kidd Voodoo y JC Reyes sube ya hasta el puesto 2, y rusowsky se aproxima al top 10 con ‘malibU‘: ya es top 12.
En cuanto a entradas nuevas esta semana, la que más recorrido parece que va a tener va a ser ‘Scat Pack’ de Clarent y Omar Courtz (30). También entran ‘Se lo juro mor’ de Feid (32), ‘Pórtate bonito’ de Anuel AA, con Blessd y Ovy on the Drums (65), ‘Dónde’ de Kapo y Ryan Castro (68), ‘Do You Remember’ de Xiyo, Fernandezz y Eix (80), ‘Yogurcito (remix)’ con Blessd, Anuel AA, Luar la L y demás (82), ‘Cosita linda’ de Elena Rose y Justin Quiles (94). Y finalmente, una sorprendente: ‘Antes de que cuente diez’ de Fito y Fitipaldis (98).
Sergio Ramos se ha lanzado al mundo de la música, suscitando el recelo de todo aquel que alguna vez usó la palabra «intrusismo». La red por supuesto se ha llenado de memes. Y es que el futbolista ha publicado esta semana un temita llamado ‘CIBELES’ que no desentonaría en ninguna playlist de novedades, dado su carácter tropical. Sin destacar para bien ni para mal (esto no es aquel desastre que un día presentó en TV Jesulín de Ubrique), Sergio Ramos García figura como co-autor del tema junto a Marval, bajo la producción de Ovy on the Drums, muy conocido por su trabajo con Karol G.
La letra tiene la gracia de parecer dedicada a una mujer pero en verdad versar sobre su relación con el Real Madrid. Se ve mucho más claro en el vídeo, que ha realizado Little Spain, nada menos que la productora de C. Tangana. No, no se ha andado con chiquitas (aunque lo de poner a la Cibeles a llorar, habrá sido idea suya, ¿verdad?).
De momento, hay una desproporción tremenda entre quien escogió ver el vídeo (1,5 millones de reproducciones) y quien decidió escuchar el tema en Spotify (50.000 reproducciones). Las razones parecen evidentes: la gente ha querido más «ver» a Sergio Ramos que oírle «cantar».
La producción de ‘Cibeles’ parece mirarse en Omar Montes, en algún fraseo en Shakira, como mucho en algún tema veraniego de Rels B. Para sorpresa del mundo, su playlist de influencias compartida con Apple Music revela que él en verdad viene de otro lugar muy distinto.
Sergio Ramos es todo un «90’s kid» en una playlist que reúne hits como ‘Always’ de Bon Jovi y ‘Se fue’ de Laura Pausini. No faltan más baladones como ‘More than Words’ de EXTREME ni ‘You Are Not Alone’ de Michael Jackson. ‘I Don’t Want to Miss A Thing’ de Aerosmith certifica que Ramos está muy marcado por la música que salió cuando tenía entre 5 y 9 años (nació en 1986).
Entre temas de otras décadas como ‘Bohemian Rhapsody’ de Queen o ‘The Final Countdown’ de Europe, la única concesión a la actualidad es ‘Si antes te hubiera conocido’ de Karol G. Lo único relativamente parecido a la música que, a la hora de la verdad, ha decidido hacer Sergio Ramos por alguna razón. ¿Esperará alcanzar el éxito, en realidad, también en este otro mundillo? Finiquitado lo del Bernabéu, ¿será su aspiración llenar el Metropolitano?
La decidida apuesta por músicos concursantes, además tan dispares, me hace volver a intentarlo con ‘Masterchef’, un concurso que empecé adorando y terminé aborreciendo. ¿La razón? Su guerra descarnada y sin piedad contra la conciliación, y la deriva de sus jueces, en especial Samantha Vallejo-Nágera y Jordi Cruz. Pepe más o menos supo mantener ese aura entrañable: sigue llorando por cualquier cosa. Pero a mi parecer, Paco Roncero, Eva Arguiñano y Damián Betular les han comido toda la tostada en simpatía, espontaneidad y honestidad.
Nada ha cambiado en esta 10ª edición de «Celebrity» y 13er. año de emisión en total. Ni con alguien tan cabal como José Pablo López al frente de RTVE, el programa logró acabar antes de las 2 de la madrugada. Su concursante Charo Reina se quedó traspuesta durante una prueba, y yo también. Cuesta entender quién demonios puede ser el target de todo esto a la 1.45 de la madrugada de un lunes, cuando hasta el peor antro que me pueda venir a la mente está cerrado.
El cásting, eso sí, no defraudó. Después de haber exprimido a personajes tan televisivos como Yolanda Ramos o Tamara Falcó, han dado con Torito, una de esas personas que nadie quiere cerca, empezando por el pobre violinista Necko, y que cuando se va, misteriosamente deja un vacío. Estuvo regalando picos a quien no lo había pedido, maldirigió la prueba de exteriores con más laca que Julieta Serrano en la escena de la moto de ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’, se lio a huevazo limpio con Parada porque por qué no y anuló cualquier intento de «attention-whorismo» que tuviera el resto de personajes faranduleros, deportistas y sobre todo actores. No querría ser Alejo Sauras o Valeria Ros mientras esta persona siga concursando.
Juanjo Bona, que ya lo había intentado en la edición infantil, no pudo ser más Juanjo Bona. Cantó a pleno pulmón en cuanto le dejaron, reivindicó esa Aragón a la que ha dedicado su disco, el recomendable ‘Recardelino‘, al sacar partido de unos desagradecidos cardos, y sorteó un beef que no venía mucho a cuento, sin perder los estribos. Resultó que Parada encontró una referencia que Juanjo hizo a su edad, edadista. La respuesta de Bona fue echarse a llorar, pero luego supo resolver. Recordó a quién había dedicado su tema ‘Mis tías’, contó lo que le gusta actuar en residencias y tratar con gente mayor. Al final decidió arreglarse con Parada, con la madurez que ya demostró en OT.
No sé si Mala Rodríguez habría reaccionado igual. Deseando estoy comprobar cómo resuelve conflictos en la pequeña pantalla, porque ella como «Mala» sabe dar dónde más duele. Recordad aquel día que en Instagram deseó lo peor que se le puede desear a nuestra redacción: que nos comiéramos un micropene. En ‘Celebrity’ empezó con un plato incomible, picante y soso a la vez, pero salió muy bien parada de la última prueba, con tan solo 3 ingredientes, mostrando que es cierto que guisa puchero para sus 3 hijos. Desconcertó más en algún momento alzacejas, como cuando se puso a hacer estiramientos en el suelo mientras aguardaba una valoración de los jueces. «Me estoy sintiendo Esperanza Aguirre», dirá por alguna razón en el próximo programa. Recuerda a esos gatos que actúan de manera random, y el final de la película ‘Inside Out’ intentó explicar: puede salir por cualquier lado y no le des más vueltas. Algo positivo para un formato de estas características, supongo. Sus caras a veces son un poema.
Soraya Arnelas rebosó simpatía, aunque no ha dejado de momento ninguna escena destacable, es decir, mantiene su perfil un tanto inocuo de ‘Bake Off’. Valeria Vegas también tiene que trabajar su carácter como personaje televisivo, y Carmina Barrios, como jueza invitada, robó el foco a los demás tirándole la caña a David Amor. La madre de Paco León decidió que el humorista le había dicho que «tenía todo grande», como él, cuando no había sucedido nada de eso.
Las 3 horas de programa, el equivalente a escuchar dos veces toda la discografía de, por ejemplo, Amy Winehouse, se completaron con Rosa Benito haciendo un muy bonito recuerdo a Rocío Jurado, Mariló Montero sorprendiéndose a sí misma con sus dotes para cocinar, y el mago Jorge Luengo sacándose cosas de la chistera que nadie le había pedido. Una pena que no fuera al final el primer expulsado…
Sigue sin morir del todo, sigue sin dejar indiferente ‘Masterchef’, y anoche arrancó con un enorme 16% de share. Ahora, a mí, que me suban resúmenes de 45 minutos a RTVE Play…
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