El 11 de septiembre de 1973 hubo un golpe de Estado en Chile contra el gobierno de Salvador Allende. El cantautor Víctor Jara, miembro del Partido Comunista, decidió ir a la Universidad Técnica del Estado. La Universidad fue bombardeada, los golpistas la asaltaron, y Jara fue detenido y transportado al Estadio de Chile, donde se estaba improvisando un campo de concentración.
Le torturaron y apalearon hasta dejarle la cara ensangrentada y romperle las costillas. Le privaron de comida y agua. Le insultaron y profesaron palabras de odio hacia su discurso político y sus letras. Al cuarto día, el autor de ‘El derecho de vivir en paz’ fue llevado a un sótano y acribillado. Recibió 44 balazos. Cuando apareció su cuerpo abandonado en las inmediaciones de un cementerio, su esposa Joan no se podía creer el estado de su cadáver. Parecía mentira que hubiera pasado tan sólo una semana desde la última vez que lo había visto. Hoy el Estadio en el que le torturaron y le fusilaron lleva su nombre.
La música de Víctor Jara ha sobrevivido como emblema de la canción protesta gracias a temas como ‘Manifiesto’ o su gran clásico, ‘Te recuerdo Amanda’, que retrataba las precarias condiciones laborales que afectan a una pareja. El mismo disco que contenía esta, ‘Pongo en tus manos abiertas…’ (1969), incluía también un tema llamado ‘A desalambrar’, que reivindicaba la propiedad de las tierras para los que la trabajan.
Víctor Jara ha recibido incontables homenajes en estos 51 años que han pasado desde su muerte. Las canciones que se han escrito para él se cuentan por decenas: Labordeta, Silvio Rodríguez, Ska-P, Ismael Serrano… Y no se circunscriben el castellano. También las hay de U2 (‘One Tree Hill’ le menciona), The Clash («Please remember Víctor Jara in the Santiago stadium» de ‘Washington Bullets’) o Calexico. Bruce Springsteen le ha versionado. En el vídeo de la imprescindible ‘This Is Not America‘ de Residente, el disparo del minuto 2.57 no es solo una referencia a ‘This Is America’ de Childish Gambino. La persona que lo recibe en un estadio deportivo, sosteniendo una guitarra, solo puede ser Víctor Jara.
Amaral han decidido sumarse a los homenajes en una de las composiciones más bonitas y redondas de ‘Dolce Vita’, ‘Podría haber sido yo’, nuestra Canción del Día hoy. En este medio tiempo de corte acústico aluden al Estadio Nacional en que fue fusilado, y hablan de «historias que no se han cerrado nunca» y que «vuelven cada vez que alguien te nombra».
Aunque no es un single de ‘Dolce Vita’, el Youtube Oficial de Amaral ya se les está llenando de mensajes de agradecimiento de chilenos que se han emocionado escuchando la canción. «¡Que emoción, Dios mío! Escuchar el nombre de Víctor Jara en una canción de Amaral!, dice un comentario. «No saben la canción que acaban de hacer», añade otro. Y así sucesivamente: «49 años desde que escuché «Te recuerdo Amanda» por primera vez. Gracias por esta canción tan especial para muchos que ahora ya somos «viejos»».
‘Podría haber sido yo’ parece una canción política en la que Amaral afirman: «ahora sé que el sistema no se cambia desde dentro». El grupo pide «que suene tu voz, Víctor Jara». Sin embargo, Juan Aguirre asegura que no estamos tanto ante una canción protesta como ante una reflexión sobre el azar: «Estamos utilizando la figura de un icono en castellano increíble, un cantante increíble, para decir que cualquiera que se exprese, cualquier individuo -tú que escribes, alguien que hace teatro, alguien que simplemente trabaja de cualquier otra cosa-, podría haber estado en ese lugar donde él estuvo junto a miles de personas».
FKA twigs protagoniza la subida más fuerte de la semana en el top 40 de JNSP. La autora de ‘Eusexua‘ lideraba ampliamente en la votación final de las Stories de Instagram hasta que en los últimos minutos los seguidores de Juanjo acudieron al rescate. En esa final, ‘Moncayo’ terminaba obteniendo 252 votos (46%), por 161 de ‘Childlike Things’ (30%). Lleva 7 semanas no consecutivas en la 1ª plaza. Esta semana entran en lista Ghouljaboy, The Weeknd -no tan arriba como habría cabido esperar-, Tate McRae, Oklou, Mø y finalmente Sparks.
Massiel ha relatado en Telecinco que ha sufrido un cáncer de pulmón que ha estado a punto de costarle la vida. La artista, que ganara Eurovisión en 1968 con ‘La la la’, y después destacara por otros éxitos como ‘Brindaremos por él’, ha asegurado que está «viva de milagro»·.
Massiel ha explicado que los médicos no podían llegar al tumor a través de la laringe, por lo que tuvieron que hacerlo a través de la espalda. Para extirparle el cáncer, tuvieron que «llevarse» un trozo del pulmón. «La quimio te deja hecha una mierda y ahí es cuando empieza el calvario», ha contado. El programa ‘De viernes’ se emite hoy, pero antes se ha avanzado una parte durante ‘Tardear’, el programa que antes presentaba Ana Rosa Quintana y ahora conducen Verónica Dulanto y Frank Blanco.
El País recuerda que Massiel ya tuvo problemas de salud hace unos años cuando se enfrentó a una enfermedad ocular degenerativa. “Otros se mueren de cáncer y yo me estoy quedando ciega. Es duro. No tiene cura”, decía en 2018.
¡Esta noche en De Viernes!
Claudia Bavel responderá a Iker Casillas, Massiel nos desvela cómo se encuentra tras su cáncer de pulmón y Esther Arroyo reaparece tras su ingreso hospitalario.
Paula Ortiz encandiló a la crítica con ‘La Novia‘, la particular adaptación de ‘Bodas de sangre’ con Inma Cuesta como protagonista, pero no corrió la misma suerte con ‘Teresa‘, por lo general vapuleada por los medios (a nuestro compañero Fernando García tampoco le gustó). Pero ‘La Virgen Roja’ ha resultado en una gran reconciliación tanto con la crítica como con el público, y ambos coinciden en una cosa: preguntarse cómo es posible que Najwa Nimri no esté nominada a los Goya.
Pero vamos por partes. ‘La virgen roja’ nos cuenta la historia real de Hildegart Leocadia Georgina
Hermenegilda María del Pilar Rodríguez Carballeira o, más bien, de Aurora Rodríguez Carballeira, su
madre y el personaje interpretado por Nimri. La desdichada vida de Hildegart Rodríguez Carballeira (mejor usamos la versión corta) ya se había trasladado al cine en otras ocasiones, desde la mítica película de Fernando Fernán Gómez a proyectos menos conocidos como el cortometraje de Sheyla Pye ‘The Red Virgin’ o el documental ‘A Virxe Roxa’ de Marcos Nine; o incluso, mediante libros escritos por autores como Fernando Arrabal o Almudena Grandes.
Pero la historia es tan potente que una nueva versión no era ningún problema. Y mucho menos cuando la propuesta no es hacer un biopic en sí, sino mezclar temas como la obsesión, el purismo ideológico, las proyecciones generacionales, el nacimiento del deseo, las enfermedades mentales, la violencia familiar o, también, cómo puede apretar más fuerte el corsé femenino alguien que a priori quiere desatarlo.
Escenas como el baile o el enfrentamiento final son clave, pero también destacan las ideas para representar la atracción entre Hildegart y Abel, o para esa perfección que se resquebraja a partir de la estatua. Y es que a la dirección de Ortiz se suma un guión mano a mano entre Eduard Sola (recientemente premiado con un Gaudí por ‘Casa en llamas’ con un vibrante discurso) y Clara Roquet (la directora de ‘Libertad’, nada más y nada menos) y, por supuesto, la majestuosa interpretación de Najwa Nimri. La pamplonesa tiene amantes y detractores casi que por igual, tanto a nivel personal como en sus interpretaciones, pero creo que incluso sus haters no podrán negar que, cada vez que aparece en pantalla, su magnetismo hace que tu atención aumente. Aurora es probablemente uno de sus mejores trabajos, estallando cuando es necesario, con sutileza cuando toca, y con capacidad para mantenerte en tensión continuamente y pasar a un verdadero terror en ciertos momentos (incluso algo extremadamente difícil en esta historia, que es guardar un pequeño espacio de ternura).
Pero es que además su contraparte está a la altura y más: Alba Planas (‘Días mejores’, ‘Skam España’) es fantástica tanto en la Hildegart absolutamente sumisa del inicio como mostrando el paulatino cambio que irá chocando más y más con las intenciones de Aurora. En roles no protagonistas hay que destacar el trabajo de la siempre eficaz Aixa Villagrán (de lo mejorcito de ‘La chica de nieve 2’, que en breve comentaremos) y el de Patrick Criado, en un papel muy distinto a ese cometido más rudo que suelen darle. Ambos, de hecho, son la parte más humana de la película, y, por tanto, de la propia Hildegart, provocando que la tragedia sea aún mayor.
Todo esto está además redondeado por una banda sonora compuesta por Juanma Latorre y Guille Galván de Vetusta Morla, y la canción titular, compuesta e interpretada por Maria Arnal, es una de las favoritas para llevarse el Goya a Mejor Canción Original. ‘La virgen roja’ está nominada en 8 categorías más, entre ellas Mejor Dirección y Mejor Actriz de Reparto. Nimri, Planas, Criado y el guión se han quedado fuera, pero habrá que ver si este domingo hay suerte y les vengan Ortiz y Villagrán.
Amaral publican hoy su nuevo disco ‘Dolce Vita’. Un álbum llamado a vender miles en la semana de Black Friday y la campaña de Navidad, que el grupo decidió retrasar debido a problemas familiares de Juan Aguirre.
El dúo se muestra 100% entusiasmado en una presentación en directo realizada para prensa y amigos este miércoles en el Matadero de Madrid, así como agradecido con las decenas de personas que lo han hecho posible, y que son mencionadas una a una. La sobrina de Eva protagoniza un momento muy tierno porque se la escucha balbucear entre canción y canción, y la vocalista, que se manifiesta «muy nerviosa», pero no se le nota en absoluto, la saluda. Aunque la verdadera noticia que deja la noche es que los 6 singles que han adelantado y tocan en vivo esta noche, no deslucirán nada entre sus clásicos.
La agenda en cuanto a entrevistas promocionales es vertiginosa, con 15 minutos programados para cada periodista en las espectaculares oficinas de Sony Music en el Paseo de la Castellana. Recuerdo grabarles prácticamente una hora cuando vivían en la autoedición, pero el grupo tiene clarísimo lo que quiere contar con ‘Dolce vita’ y lo sintetiza más o menos bien (al final araño 24 minutos y 22 segundos). Ni ese sonido clásico que oímos en ‘Los demonios del fuego’ quiere ser un regreso a sus orígenes, ni el álbum quiere ser tan político como aparenta con campos semánticos de «patrias» y «banderas». También tengo la sensación de que el grupo evita encontrarse en titulares donde aparezcan cosas como «Trump», «VOX» o «Gaza». Pero a veces esas palabras vienen a la mente escuchando un disco que habla de la libertad (de la verdadera, no la de tomar cañas), y que menciona a Víctor Jara y a Carlos Marx.
Siempre agradable y encantador, el grupo se abre a las interpretaciones y respeta las opiniones que genera. Eva Amaral llega a disculparse al final por haber sacado a relucir el beef que nos inventamos con La Élite, y que ya hemos aclarado dos veces con este otro grupo. Tampoco hacía falta… Una gira de arenas aguarda a Amaral, no dejéis de consultar fechas en su web, ni de comprar su disco en soporte físico: se fabricaron muchísimos pensando en la campaña de Navidad.
Con muchísimos matices, creo que este disco es un regreso al sonido clásico de Amaral, en contraste con el anterior. A vosotros no os lo parece por la cara que me ponéis…
Eva: «Es que me hace gracia que a cada persona le parece una cosa distinta. El lenguaje que nosotros manejamos son las guitarras y a partir de ahí sí que construimos otras capas con otros instrumentos. De ‘Salto al color’ nos hemos quedado con la electrónica, con las pequeñas pinceladas que tenía, con las dinámicas, con cómo mueve las energías, ese ir pasando por estados de ánimo muy distintos dentro de una misma canción. Con cómo son capaces de propiciar esos subidones en algunas partes de las canciones. Eso nos fascina y lo seguimos utilizando. Quizás más en el directo que en los discos, pero sigue estando ahí».
Yo pensé que ibas a decir las percusiones, por ‘Libre’ o ‘Podría haber sido yo’, que sí que tienen un punto percutivo más «de color».
Eva: «Sí que es verdad que igual la parte de sonidos un poco más industriales, por llamarlo de alguna manera, estaría en la parte de percusión».
Juan: «Más tribal».
Eva: «Nosotros siempre pensamos en una evolución, pero luego todo el mundo nos dice «Es que suena muy Amaral». Y dices: «¡Bueno, pues nada! ¡No hay tanta evolución como nos creíamos!» (risas) Sí es verdad que en este disco, aunque hay un regreso a esos orígenes, sí que hay una evolución en algunas cosas, sobre todo, por la parte rítmica, de sonido… Las guitarras están más presentes que en ‘Salto al color’, aunque había muchas guitarras en ‘Salto al color’… Lo que pasa es que era con texturas que parecían salidas de un sintetizador. Eran esos ambientes que hace Juan, que es otro de sus grandes puntos como guitarrista, que no solamente es melódico, sino que construye capas sonoras. Y eso sigue estando ahí».
«No hemos hecho nunca dos discos iguales y siempre hemos intentado ensanchar los límites de lo que ya habíamos hecho»
¿En qué canción nueva podemos percibir la evolución de Amaral?
Eva: «Para mí es un sonido como conjunto».
Juan: «‘Ahí estás’. La manera en la que fluye la base rítmica es bastante distinta. Si no hubiésemos hecho lo anterior, no habríamos llegado a eso. ‘Dolce Vita’ también tiene una base breakbeat con muchas capas de batería, algo que no habíamos hecho nunca. Y el sonido de las cuerdas tampoco lo habíamos hecho nunca. Ya habíamos grabado cuerdas, sobre todo ‘Días de verano’, pero el arreglo era mucho más inspirado en la Costa Oeste, los 60’s. Esto es diferente. Es más contemporáneo».
Eva: «Hay algunas canciones del disco que tienen una producción especial, como ‘Libre'».
Juan: «Creo que no hemos hecho nunca dos discos iguales y siempre hemos intentado ensanchar los límites de lo que ya habíamos hecho. Siempre lo hemos tenido en mente y siempre al servicio de las canciones. Ahora, haciendo las rondas de entrevistas, nos hemos encontrado a mucha gente muy fan, y creo que eso se debe a las canciones. Nunca hemos querido ser célebres, siempre hemos querido que nuestra música nos preceda y quedarnos en un segundo plano. Quizá a Eva le ha costado más porque es la frontwoman y creo que lo ha hecho muy dignamente y lo está haciendo muy dignamente, pero el concepto de «quiero ser famoso» nunca ha casado con nosotros. Incluso hemos querido sentirnos como un poco desvanecidos y desaparecidos detrás de las canciones, en la medida de lo posible. No hemos llegado a los extremos de no salir en las portadas como New Order».
Eva: «…O Daft Punk» (risas)
Bueno, tú te has puesto un gorro…
Eva: «Y yo un flequillo» (risas)
«El concepto de «quiero ser famoso» nunca ha casado con nosotros»
Hay un tema en el disco que yo creo que es la identidad, en ‘Libre’, ‘Tal y como soy’, ‘Rompehielos’… Hay bastante autoafirmación. ¿Puede tener algo que ver con esto que estás diciendo de alguna manera o no pensáis que la identidad sea un tema en este disco?
Juan: «‘Tal y como soy’ surgió el día que nos avisaron de que nos daban la Medalla de Oro de las Bellas Artes y nosotros nos sentimos muy abrumados porque pensábamos que eso se lo daban a grandes cantantes líricas o a gente que es mucho mayor que nosotros y que tienen una carrera mucho más extensa».
Eva: «Que asociamos más a alta cultura».
Juan: «Entre comillas».
Eva: «No es un término agradable, pero…»
Juan: «Eva lo ha dicho creo que con ironía.»
En JNSP creo que lo van a entender muy bien.
Juan: «Ya teníamos el título de ‘Dolce Vita’, y en realidad es una canción en que estamos hablando todo el rato de nosotros. Es una broma lo de «prefiero no hablar más de mí, prefiero tumbarme al sol y no hacer absolutamente nada». No recuerdo un mes en el que no hayamos hecho absolutamente nada, es un tipo de vida que va muy rápida…»
El disco plantea preguntas como «por qué me siento así», «cómo debería sentirme», «qué es lo que me gustaría que hubiera aquí… que no hay»
¿Tú, Eva, crees que la identidad es un tema en el disco? Tengo 44 años y todavía siento que me estoy reafirmando. No sé si uno termina de asentar su identidad alguna vez, y me parece que es un tema en el disco.
Eva: «No sé si lo llamaría «identidad», pero sí que hay una búsqueda de por qué estás aquí, cómo has llegado hasta aquí. Sí, podría ser «identidad». Son reflexiones de «por qué me siento así», «cómo debería sentirme», «qué es lo que me gustaría que hubiera aquí… que no hay». Recorre todo el disco, aparte de relaciones personales, por supuesto. Relaciones personales también contigo mismo, si te gustas a ti mismo y qué quieres cambiar. ¿Es posible cambiar? Es que también ese es otro tema. Después de tantos años viviendo contigo mismo, hasta dónde te puedes llevar a ti mismo. Y sobre todo creo que hay un tema que recorre todo el disco que es la sensación de libertad, de volver a empezar y de sentirte libre de abrir una página en blanco con tu propia vida».
Hay una canción sobre Víctor Jara, no sé cómo queda ahí el tema de la libertad tal y como está el mundo, un poco mal, ¿no?
Eva: «Otro tema en el disco es la sensación de impotencia ante lo inevitable. Tú estás intentando construir tu «dolce vita», tu universo perfecto, pero te encuentras con que la existencia misma tiene una brutalidad y una crueldad inherentes. La naturaleza la tiene, las personas la tienen y hay que aprender a lidiar con esa doble cara de la moneda: la belleza y la crueldad».
«Hay un tema que recorre todo el disco que es la sensación de libertad, de volver a empezar y de sentirte libre de abrir una página en blanco con tu propia vida»
Esta canción habla de historias que no se han cerrado bien. ¿Qué historias creéis que ahora no se están cerrando nada bien y van a repercutir en el futuro de la sociedad?
Juan: «¿Quieres decir, a nivel colectivo?»
Creo que es un tema en el disco a menos que vosotros digáis que no, por el vocabulario que usáis.
Juan: «No te entiendo…»
No quiero entrar en si es vuestro disco más político, vosotros siempre decís que habéis hecho temas sociales desde ‘Rosita’, pero en este álbum hay menciones a Víctor Jara y a Carlos Marx.
Juan: «‘Ahí estás’ es una canción de amor y de admiración. Básicamente. El leitmotiv de la canción es «ya era hora de decirte claramente que si te pierdes, yo te iré a buscar», que es lo máximo que le puedes decir a alguien. Y ‘Podría haber sido yo’ en realidad es una canción que menciona a Víctor Jara porque lo hemos oído desde niños, sobre todo las canciones más populares. Estamos utilizando la figura de un icono en castellano increíble, un cantante increíble, para decir que cualquiera que se exprese, cualquier individuo -tú que escribes, alguien que hace teatro, alguien que simplemente trabaja de cualquier otra cosa-, podría haber estado en ese lugar donde él estuvo junto a miles de personas. La canción habla de que hay cosas que son fruto de un azar más o menos buscado. De hecho, al principio pensábamos abrirla a un montón de compañeros músicos, porque cualquiera de nosotros podría haber estado en esa situación. Pero no lo quisimos hacer para no circunscribirlo solo a la condición de músico viajero. Y esa es la historia de la canción.
Puede haber política porque hay un entorno social, yo creo que el disco sí que refleja un entorno. Si un día vosotros hicieseis una foto de 2025, cogeríais un montón de discos, no solo el nuestro, y un montón de pelis, y darían una fotografía de 2025 o 2024. Y es inevitable que cuando tú haces una canción, como ‘No lo entiendo’, que habla también de una relación, se cuelen cosas del entorno en el que ha sido escrita, pero yo no creo que sea un disco social o político, como primera intención. Para mí la primera intención es hacer algo bello en el sentido de que conmueva, no bonito. Y luego sí se mezclan cosas: es inevitable porque los abrazos la gente no se los da en el espacio. Los conflictos, las relaciones tóxicas o las relaciones increíblemente positivas no se dan en una cámara vacía, se dan en un entorno. Por eso hay presencia del mundo».
Eva: «Yo creo que esa búsqueda de la belleza viene también dada porque a veces lo que te rodea, no es la belleza. A veces puede ser más combativo hablar de la belleza, porque hace que resaltes lo que falta».
‘En el centro de un tornado’ es una canción sobre personajes desamparados…
Juan: «Básicamente habla del padre de Eva».
Eva: «Bueno, habla de muchos personajes. Continúa, por favor, Sebas».
Creo que las cosas están mal internacionalmente y algunos nos vamos a agarrar a un clavo ardiendo con cualquier cosa que defienda a la gente que se siente acorralada, como decís en esta canción, o desamparada, desde un punto de vista social. Pero como grupo parece que no es el caso, que lo que buscáis es la belleza y la libertad de una manera más abstracta.
Juan: «No, no es abstracta, sino real. Igual me he explicado mal, no era por rebatir al periodista. Decía que por supuesto hay una visión del mundo, pero que el disco es algo más que un disco político. Y hay discos muy políticos que me encantan. Por ejemplo, el que han hecho Biznaga me parece maravilloso. Alguien lo tenía que hacer».
Eva: «Supongo que huimos del término disco político porque realmente eso es un género y hay que tenerle respeto y el nuestro no es solo político. Hay cierto contenido político, pero no es solo un disco político. No quisiéramos hacer bandera de ese género porque no lo somos».
El concepto de ‘Dolce Vita’ engloba algo como más optimista, como tú decías. Es como un «espacio seguro». Además el disco termina con ‘Pájaros’, un tema optimista, como de resistencia. ¿Hay un mensaje esperanzador?
Eva: «¡La dulzura de vivir, Sebas, claro! Claro que habla de eso. Lo que pasa es que, como te decía, todo el rato no se puede vivir en la dulzura porque hay amargura también. Yo creo que el disco habla sobre intentar construir ese paraíso y encontrarse con que, en esa foto fija de la cascada, el agua está fría. De eso hablan las canciones y esa última canción, sobre todo, habla de agarrarse a ese momento en que estás vivo y que tienes la felicidad en tu mano. Que ya vendrán mal dadas. «Guárdate esa reserva de felicidad para cuando vayan a venir los momentos más difíciles».
También hay humor en el álbum… ¿Quién es esa persona que descubrió a Nirvana tarde?
Eva: «¡Se dice el pecado, pero no el pecador!» (risas).
Juan: «‘Hasta que la música se acabe’ habla de volver a un sitio donde has crecido y de reencuentros. Lo de «Cuelga de mi pecho la cadena de Jesús y de María» es por una banda que fue importante en nuestra adolescencia y nos sigue gustando, tienen discos interesantes«.
¿Qué opináis del revival de los 2000 que hay últimamente? La gente habla de «Flow 2000» y es en todos los sentidos: La Oreja de Van Gogh, la música dance… Y vosotros estáis ahí también. ¿Sentís que ha habido una relectura con respecto a vosotros de alguna manera?
Eva: «Yo lo que noto es mucho cariño por parte de bandas con que coincidimos en festivales, que son generaciones distintas a nosotros y que de repente te demuestran un cariño… Te cuentan historias que tienen asociadas a canciones nuestras cuando eran niños. Ahora son jóvenes, pero entonces eran niños. Y la verdad es que me parece alucinante. Es algo increíble. Nunca pensé que estaríamos aquí en este momento viviendo este cariño y este respeto que tienen por nosotros. Por ejemplo, y aquí te voy a echar el broncazo, La Élite. Yo los seguía en redes porque me hicieron gracia y vi que ponían algún comentario en algún sitio. Y luego, cuando vi vuestro titular, dije «¿Pero cómo es posible?».
Entendimos mal una declaración suya en un festival, nos pidieron una rectificación y se la hicimos, sí… (NdE: también lo aclaramos con ellos en otra entrevista)
Eva: «Claro, es que era todo lo contrario a lo que habían dicho, que les encantaba…»
Juan: «Nosotros nunca hemos sido muy de mirar al pasado. Los 2000 es la década en la que nosotros crecimos, pero yo creo que nuestros mejores discos… O sea, a mí me gustan canciones de todos y de todos cambiaría cositas. Es inevitable si los hicieras ahora. Pero creo que cuando empezamos a tocar a lo bestia, fue una vez que ‘Pájaros en la cabeza y ‘Estrella de mar’ ya quedaron un poco atrás. En 2011 se edita ‘Hacia lo salvaje’ y a partir de ahí yo creo que viene un periodo de crecimiento. Sin renunciar a lo anterior porque todas esas canciones las seguimos tocando y tal, pero siempre vivimos pensando en el siguiente concierto y en el siguiente disco. Ahora mismo queremos planificar las giras mejor, hacerlas más limitadas, porque venimos de hacer una gira interminable, súper densa, tocando ante audiencias enormes y sí que nos gustaría grabar lo siguiente sin esperar tanto tiempo. Tenemos muchas canciones para otro disco que están muy bien. No somos muy de mirar hacia atrás.
«Nos gustaría grabar lo siguiente sin esperar tanto tiempo. Tenemos muchas canciones para otro disco que están muy bien»
¿Esas canciones que tenéis, no son parecidas a estas?
Eva: «No. Es otro disco. Podía haber sido todo el mismo disco. Lo que pasa es que había algunas que todavía no habíamos encontrado bien el camino para moverlas y, bueno, de alguna manera estas 15 sí que formaban un conjunto».
Juan, me llama la atención que digas que en 2011 empezó un crecimiento para vosotros cuando vuestro «peak» a nivel vender CD’s a lo loco fue al principio. Entiendo que os referís a los directos o a crecimiento personal o artístico.
Juan: «Crecimiento artístico y también de repercusión porque, por ejemplo, ‘Hacia lo salvaje’ vendió un montón, fue platino muchas veces, fue un disco que es el inicio de la segunda década del siglo. Lo que pasa es que nosotros vivimos una transición: cada vez se vendían menos discos, pero por otro lado la música era cada vez más relevante. Y luego hay canciones por ejemplo que en su día no vendieron tanto como por ejemplo ‘Cómo Hablar’ del segundo disco. Ahora mismo la gente hace versiones y la cantan y de pronto una vez la tocamos en el Arenal y es increíble. Es lo que vosotros llamaríais un «sleeper». Un «sleeper» muy «sleeper» porque parece la Bella Durmiente como «sleeper»: la canción ha aflorado mucho más tarde. Nos ha superado. Lo que hemos vivido en directo esta última gira ha sido algo que no hubiéramos podido planear».
Luck Ra, Villagers, Alan Sparhawk, Manolo Kabezabolo, Matt Elliott, Anni B. Sweet, Françoiz Breut o Los Pericos se encuentran entre los 60 nuevos artistas confirmados en la 11ª edición de Sound Isidro, que se celebra en diferentes salas de Madrid durante los meses de abril a junio.
Entre los nuevos confirmados se hallan también Bart Davenport, Wild Honey, Mala Gestión, Toldos Verdes, El Gavira, from, Confeti de Odio, Fresquito y Mango, Los Chivatos, Shanghai Baby, Niña Coyote eta Chico Tornado, Paco Te Quiero, La 126, Srta. Trueno Negro, Sistema Nervioso, Las Bajas Pasiones, CLUB o Nuevo Fichaje.
Se suman, además, L.A., Estrella Fugaz y La Estrella de David, Cabiria, mariagrep, Casero, BARIRI, La Pucci, GUADA, Erin Memento, Shanghai Baby, Azuleja, cosas bien cosas mal, ANADIE, Lucy Morry, irenexdios, Belén Natalí, Marina y su Melao, BOYE, El Chivi, Carmen y María o BARGO.
Todos estos artistas se agregan a los 50 que ya estaban anunciados en Sound Isidro 2025, como Los Punsetes, Osees, Jarfaiter, Israel B, PUP, Joe Crepúsculo, Leo Rizzi, Vera Fauna, Vic Mirallas, The Murder Capital o Delafé y las flores azules, entre otros.
Todavía queda una última tanda de confirmados que se desvelarán antes de que acabe el mes de febrero. Las entradas ya están disponibles.
Vicente Calderón era el nombre de un estadio que ya no existe, en honor a una persona que hace mucho que murió; desde ahora rescatado por un grupo que hace música que parece que ya no existía pero sí. Como el grupo madrileño ha explicado a la web Esto Es Atleti (LOL), el nombre de la formación es casual: la afición futbolera está ahí, pero no es tamaño Julio Ruiz. Vicente Calderón es un grupo «hecho para reírse».
Sus referentes están en el pop anglosajón, el punk pop de Los Nikis o Carolina Durante y, a partir de ahí, una paleta que incluye lo mismo el rock urbano que el indie pop del sello Elefant.
Entre las cartas de presentación de este debut, en los directos de Vicente Calderón ha destacado su himno sobre la gentrificación y la especulación inmobiliaria, ‘Costa marrón’. Las menciones a Alcorcón, Leganés y Benidorm son tan efectistas como la noche «hooligan» relatada en ‘Dientes rotos’, su colaboración con Samantha Hudson. «Esta noche voy a meterme en líos», asegura su líder Julián Clemente. ‘Porno’, más «college rock» estadounidense de los 90 que una canción de Weezer, reflexiona sobre el modo en que consumir porno influye en nuestras relaciones personales.
La cara B del vinilo publicado por Subterfuge está más centrada en hablar de astros, estrellas y de su acercamiento a la fama, casi todo en relación. Como Black Sabbath o Belle & Sebastian, proponen una canción llamada como ellos mismos, ‘Vicente Calderón’, a la que suceden con un tema llamado ‘Número 1’ que habla de manera optimista sobre sonar en Los 40 Principales o salir en la tele.
Entre todo este divertimento ante el que sus seguidores están respondiendo muy bien -han agotado en la Sala Wurlitzer y añadido una segunda fecha-, la verdad es que las canciones de amor terminan siendo las mejores. ‘Himno de las flores’, con Niña Polaca y lo que es más importante, subida de medio tono, parece su tema más memorable. Y más relevantes que la participación de Niña Polaca o Samantha Hudson, compañeros de sello prestos a subir su número de oyentes mensuales, lucen los coros femeninos de la guitarrista Ángela Pérez: les ayudan a distinguirse de otras formaciones, sobre todo en ‘Última fiesta’, que habla sobre ser «una estrella del rock».
Isa Cea de Triángulo de Amor Bizarro cuestionaba recientemente a los grupos sin chica, a los que denominaba irónicamente «grupos sin amigas». Vicente Calderón son mejores cuanto menos pertenecen a ese grupo. Por algo cierran con ‘Todo el mundo llora’, un tema en el que se encuentran el indie-rock de los Pixies y las baladas de décadas remotas.
Entre las artistas que publican nueva música este viernes, ninguna sirve tanto «coño» como Metrika, Euskoprincess y Main Costa en su nuevo single conjunto, ‘Totaína’, un reguetón producido por D.Basto (productor de Metrika) que pondrá a perrear al más impensado.
A Metrika la conocimos por hits como ‘Ya t has corrido?’ o por sus interesantes declaraciones sobre la bisexualidad en una entrevista con JENESAISPOP; a Euskoprincess por singles que se titulan lo mismo «Dick Pick» que ‘Lehendakari’, y a Main Costa por apuestas como ‘Me olvidas’ o ‘Hombreriega’. Juntas son las «súper-supernenas» en ‘Totaína’.
Cada una se reparte una estrofa lleno de barras citables en esta producción de reguetón nuclear que muta de beat al final. En primer lugar, Metrika nos cuenta que trae el «toto a medida» y que viene cargada de «totaína cotizá». Euskoprincess va más allá: dice que tiene el «chocho de Schrodinger: soy cis, pero visto Tranny». Y Main Costa ya va a por todas: «Tú ere’ un pollito, yo Marilyn Manson / Te arranco el cuello de cuajo».
‘Totaína’ es, en palabras del sello Oso Polita, un «himno de empoderamiento que contagia las ganas de pasar con ellas una noche de champá, twerking y mucha totaína».
Metrika es una de las 7 artistas que se añaden al róster de Jägermusic 2025, junto a los también imperdibles Aiko el Grupo, Amor Líquido, Juguete, Mundo Prestigio, Nusar3000 y Xenia.
Hoy 7 de febrero salen nuevos álbumes de Amaral, Oklou, shego (en realidad publicado el día 6), Olly Alexander de Years & Years, Sharon Van Etten & The Attachment, Biig Piig o Squid. Entre los lanzamientos nacionales a los que estar atentos, los nuevos de Merina Gris o Poncelam.
Entre los singles destacados de la jornada, el que une a LISA, RAYE y Doja Cat por un lado y, por otro, los caramelos pop de Ava Max y PERFUME, o por supuesto el conjuro de Lady Gaga, que está siendo un éxito en listas.
Esta semana ha visto unos cuantos comebacks, como el de Patrick Wolf, que ha anunciado su primer disco en 13 años, o los de María José Llergo, Tennis, Suu, Throwing Muses o Cold Specks. No han esperado nada de tiempo para publicar nueva música Anitta (que ha sacado un mixtape hace poco) o Waxahatchee, que vuelve a la carga tras el éxito crítico de su último álbum.
Hay nuevo material también de Repion, que se juntan con Rufus T. Firefly; la popera Alica Chatter, Panda Bear, Los Vinagres, St. Lucia, d4vd, Anika, Doechii, pablopablo y Ralphie Choo con Carin León, Dora Jar, LA MILAGROSA, Hamilton Leithauser, Nao, Vera Fauna, Winona Oak, Vic Mirallas o la artista revelación Léa Sen.
Y, hablando de revelaciones, no os perdáis a los garajeros Doctor Explosion; a Gala i Ovidio, el nuevo proyecto de Aida de Tanxugueiras y Refree, o los nuevos singles de Metrika con Euskoprincess y Main Costa, Kinara con Nusar3000 o roserona con Socunbohemio.
Léa Sen es una de las apuestas de Virgin Music para 2025. Nacida en París y afincada en Londres, Léa Sen escribe su propia música desde los 15 años y, en los últimos años, se ha ido haciendo un hueco en la industria musical apareciendo en un interesante single de Joy Orbison, la electrónica ‘Better’, y en el segundo disco de Sampha, o teloneando a Nilüfer Yanya.
Los talentos de Léa Sen y Yanya se prestan a la comparación fácil: ambas poseen registros vocales que admiten adjetivos como «aterciopelados», y ambas exploran las texturas de la guitarra eléctrica, así como las melodías del R&B y el blues, para sumergirse en paisajes de ensueño, muy personales.
Es el camino perseguido por Léa Sen en canciones como ‘I Feel Like I’m Blue’, que podría haber escrito una Tirzah con ganas de sonar comercial, o ‘Brother’. En sus dos epés publicados, las partes 1 y 2 de ‘You of Now’, la preciosa voz de Léa Sen mantiene intacto su poder incluso cuando las grabaciones, como ‘Hyasynth’ o ‘Again’, se enturbian o se sumergen en el surrealismo.
El lenguaje de Léa Sen se perfecciona en su nuevo single, ‘lvl 1: HOME ALONE’, publicado este 4 de febrero. La grabación empieza en una vertiente lo-fi, pero progresivamente agrega piano e interesantes texturas orgánicas y trip-hop. Todo ello mientras la melodía se abre, diáfana, como una flor, a un bello estribillo que vuelve a ser como venido de un sueño.
Hablando de una «ensoñación crónica», ‘lvl 1: HOME ALONE’ es una «auténtica declaración de intenciones de una fuerza creativa que pronto será imparable», en palabras de Virgin. Primer adelanto de un álbum debut que puede tener mucho que contar.
Chappell Roan fue una de las esperadas ganadoras en la última ceremonia de lo premios Grammy celebrada el pasado domingo. Roan, claramente la Artista Revelación de 2024, se hizo con el premio a «Best New Artist». Además, su discurso fue uno de los más aplaudidos de la noche por sus demandas a la industria musical: Roan pedía a los sellos que protejan a sus artistas con «sueldos tolerables» y «asistencia sanitaria», en lugar de dejarlos con una mano delante y otra detrás cuando deciden deshacerse de ellos.
Roan, exponiendo su caso particular, recordaba que firmó con una discográfica -Atlantic Records- cuando era menor de edad y que, cuando esta la despidió, se encontró en la calle sin experiencia laboral ni dinero para costearse un seguro médico básico. Roan explicaba que se había sentido «traicionada» por una empresa a la que había «dado todo».
No a todo el mundo le ha parecido correcto el mensaje de Chappell Roan. The Hollywood Reporter ha publicado una columna de opinión firmada por Jeff Rabhan, ejecutivo de la industria musical, que critica duramente las palabras de Roan. Según Rabhan, Roan erra al exigir que los sellos remuneren a sus artistas como si fueran «empleados con sueldo fijo» porque el modelo económico de una discográfica es «fundamentalmente diferente» al de otras empresas. Rabhan enfatiza que las «discográficas son negocios, no ONGs, y que el acuerdo es simple: ellos ponen el dinero, corren el riesgo y, en retorno, se quedan con una parte de los beneficios». Rabhan agrega que «nadie obliga a los artistas a firmar con discográficas» y que «si no les gustan los términos, pueden seguir siendo independientes».
El autor apunta que los sellos discográficos no tienen «ninguna obligación moral o ética de destinar fondos adicionales» para los artistas «más allá de anticipos y regalías».
Rabhan, que ha trabajado con artistas como Kelly Clarkson o Michelle Branch, cree que Roan está «muy verde» y «demasiado desinformada» para exigir cambios estructurales en la industria musical, y opina que Roan busca dar la imagen de ser una «outsider atacando al sistema desde dentro» cuando no lo es. Para Rabhan, Roan solo «se hace la ingenua» mientras apunta a la «máquina» que «la ha llevado donde está».
Rabhan no solo critica ferozmente a Roan, sino que propone una solución y sugiere a la autora de ‘Good Luck, Babe!‘ que abra ella una asociación para recaudar fondos destinados a apoyar a artistas emergentes, y que un «2 o 3 por ciento del anticipo» que su discográfica invierta en ella, lo done a esa fundación.
Roan ha contestado a Rabhan retándole a donar junto a ella «25.000 dólares a artistas emergentes echados por los sellos».
La respuesta de Halsey
La columna de Jeff Rabhan se ha topado con la respuesta de Halsey, que ha contestado al ejecutivo con una carta publicada en sus stories. Para Halsey, Rabhan pone a todos los artistas en el mismo saco y asume que todos viven las mismas experiencias en la industria. Para Halsey, el texto de Rabhan es un «berrinche lleno de acusaciones y generalidades» y al autor debería «darle vergüenza» haberlo publicado, especialmente dada su experiencia en la industria.
Halsey añade: «Los anticipos ya no se dan como antes, y sirven para que el artista sobreviva, ya que su compromiso con el arte le impide trabajar un empleo normal. La inversión de la discográfica se destina a la producción del material, y el MATERIAL ORGÁNICO -la persona- que produce el producto necesita acceso a cosas como asistencia sanitaria. Chocante, lo sé».
«Si los sellos se quieren beneficiar del arte que produce el artista, el artista debería disponer de los medios básicos para vivir y sentirse seguro para crear ese arte», agrega la autora de ‘The Great Impersonator‘.
LISA sigue dando pasos hacia el lanzamiento de su álbum debut, ‘Alter Ego’, uno de los más esperados de 2025. ‘Born Again‘, el nuevo single, junta a LISA con dos de las grandes superestrellas del pop anglosajón actual, RAYE y Doja Cat.
Se sabe que ‘Born Again’ es una canción originalmente escrita por RAYE y pensada para inclusión en su álbum debut, el premiado ‘My 21st Century Blues‘ (2023), pero dejada fuera, finalmente. RAYE se la cedió a LISA y la tailandesa la relanza ahora junto a Rachel Keen y Doja Cat.
‘Born Again’ no es ningún misterio: la Canción Del Día de hoy es puro nu-disco-pop, de melodía clásica y mensaje empoderado, un «tú te lo pierdes» dirigido a la pista de baile. Es una especie de continuación de ‘New Woman‘, un «nuevo» renacer. El sonido disco de ‘Born Again’ recuerda a los inicios de RAYE, que, antes de su debut, escribió temas tan chulos como ‘Love of Your Life‘.
En ‘Born Again’, cada una de las intérpretes se luce agenciándose su propio verso, aunque la firma de RAYE está por toda la canción, especialmente en el flow de esa letra semi cantada, semi rapeada que LISA aborda con su gusto habitual. Doja Cat, por su lado, ataca su verso con su conocida voz rasposa, enseñándole a su ex los «recibos» de todas sus mentiras.
Pocas artistas podrán decir tener en su disco de debut a Rosalía, Doja Cat y RAYE, pero así se las gasta LISA. ‘Alter Ego’ sale el 28 de febrero. Os recordamos que, además, LISA está confirmada en el reparto de la próxima temporada de ‘The White Lotus’. En otras palabras: 2025 es su año.
Azealia Banks ha criticado a J.K Rowling por sus continuos ataques hacia las personas trans, especialmente hacia las mujeres trans. Desde hace años, Rowling, autora de ‘Harry Potter’, se ha convertido en la cara visible del feminismo transexcluyente. Rowling fue una de las personas públicas que, durante los Juegos Olímpicos de 2024, contribuyeron a la polémica de Imane Khelif promoviendo el bulo de que es una mujer trans, cuando no lo es.
A Banks -que ha sido criticada en el pasado por su transfobia- le parece que Rowling tiene una obsesión enfermiza con las personas trans que es síntoma de un sentimiento de «inseguridad», y se lo ha hecho saber en X, además, después de que Rowling empezase a seguir a Banks en esta red social. «Gracias por seguirme, pero las mujeres trans no son una amenaza para tu feminidad», empieza el mensaje que la autora de ‘212’ dirige a la escritora británica.
En un tuit anterior, Banks recalcaba que ella no se siente amenazada por las mujeres trans y que no va por la vida «compitiendo con las muñecas». Además, señalaba que personas «paranoicas» como J.K Rowling sienten amenazada su feminidad por las mujeres trans «por alguna razón» y que intentan «tapar esa inseguridad usando la ciencia, como si la gente fuera estúpida y no supiera estas cosas».
En el siguiente, Banks expone el ejemplo de su hermano, que es trans: «He visto de primera mano la miseria, el dolor, el ostracismo, los intentos de suicidio (que ha pasado), el abuso innecesario que ha sufrido por parte de mi madre, la incomodidad con su cuerpo… No es una enfermedad mental, es una cosa espiritual. Uno podría pensar que tú, que has escrito libros sobre magia y cosas esotéricas, comprenderías la manera en que los estados de conciencia varían en los seres humanos».
Azealia continúa: «Los adultos follan: hay muchas posibilidades de que el hombre con el que sales sienta atracción por las mujeres trans y fantasee con comer pollas de otros hombres. Protestar todo el rato sobre esto no va a cambiar la realidad. Eres demasiado exitosa y estás demasiado forrada como para preocuparte por lo que las personas adultas deciden hacer con su vida sexual. Repite la «ciencia» todo lo que quieras: ni una sola mujer trans te la va a debatir. Pero realmente creo que esto tiene algo que ver con un complejo de inferioridad que solo existe dentro de tu cabeza. Te lo digo con respeto y amor».
Melody se mantiene bastante bien en las listas de streaming con ‘Esa diva’, la canción ganadora de Benidorm Fest. Si llegaba a ser top 40 en Spotify España el pasado domingo tras su victoria, 3 días después aún se mantiene en el puesto 53. Desaparecida Daniela Blasco del top 200, ‘Esa diva’ tiene pinta de que va a ser la canción más popular de esta edición. No habrá «dark horse» a lo ‘Nochentera’, salvo que TikTok u otra plataforma propicien otra cosa próximamente.
Ahora la cuestión es lograr que Europa entienda la canción, que contiene un mensaje sobre sororidad («Una diva no pisa a nadie para brillar»), sobre feminismo de alguna manera («Es la madre que madruga») y sobre lo que realmente significa «ser una diva». No está tan claro que la escenografía presentada en Benidorm Fest, pese a ser muy vistosa, lo comunique de forma óptima. España ha bajado al puesto 27 en las apuestas de pago.
De momento se ha comunicado que, por primera vez, la escenografía que presentará la canción ganadora de Benidorm Fest será diferente a la que hemos visto en Benidorm Fest. Y Melody se refiere tanto a la producción musical como a la puesta en escena. Ha dicho, como recoge Eurovisión-Spain: «los cambios se van a llevar a cabo en la producción para que en Europa se entienda mejor. Lo que hagamos musicalmente va a sorprender porque ‘Esa diva’ tiene mucha amplitud melódica para hacer cualquier tipo de arreglo y sorprender”.
En cuanto a la puesta en escena, añadía: «Como somos de inquietos en mi equipo y yo misma, sería imposible no dar una vuelta a la propuesta. La puesta en escena se cambiará. No sé si mantendremos algún elemento, porque el momento de la peineta me parece una fantasía, pero tendremos que darle una vuelta».
Por otro lado, estos días se conoce la noticia de que veremos más talento español sobre las tablas de Eurovisión 2025. La delegación de Chipre acaba de anunciar que ha contratado a Sergio Jaén para la dirección artística de la canción de Theo Evan. Sergio Jaén, ilicitano residente en Londres, es muy conocido en el mundo eurofán porque el año pasado se encargó de realizar la puesta en escena en Irlanda, la representación medio gótica medio exorcizada de Bambie Thug, que acabó 6ª. Además, Sergio también está trabajando en la preselección de Finlandia, que celebra su final este mismo sábado 8 de febrero.
En la web de Sergio Jaén podéis ver algunos de sus trabajos musicales y publicitarios, a destacar la producción de un vídeo acústico de Dua Lipa para su hit ‘Training Season’.
Rihanna, literalmente en cualquier cosa menos en la continuación de ‘ANTI’, que el año que viene cumplirá 10 años, presenta el tráiler de la nueva película de ‘Los pitufos’, que saldrá en verano. El proyecto se reveló en 2023.
Hoy Paramount estrena un tráiler en el que aparece la propia cantante presentando la película, e indicando que ha puesto voz al personaje de Pitufina (no confundir con nuestra playlist Putifina o nuestro foro putifino).
En el tráiler se escucha ‘Don’t Stop the Music’ y también se ha anunciado que «Smurfs Movie» contendrá nueva música de Rihanna, desconocemos si de corte infantil o para todos los públicos. Pero seguro que no contiene el nuevo ‘Bitch Better Have My Money’.
En el resto de voces encontraremos a artistas como Hannah Waddingham, Natasha Lyonne, Dan Levy, Kurt Russell, John Goodman, Nick Offerman, Sandra Oh, Amy Sedaris, Nick Kroll, Octavia Spencer, Billie Lourd y James Corden. Pero ojo, porque si veis la película doblada en España a partir del 18 de julio, de las voces dobladas en español se han encargado Florentino Fernández y Rigoberta Bandini.
En cuanto a esta última, precisamente es por todos conocido que fue antes actriz de doblaje que cantante de arenas. Por ejemplo, trabajó en ‘El viaje de Chihiro’, ‘Brave’ y ‘Frozen’.
Ha escrito canciones con Aitana, Juanes o Morat, ha cantado con Andrea Bocelli en Hyde Park, ha ganado el Grammy Latino a Artista Revelación con 19 años, está cerca del millón de seguidores en Instagram y de los 700.000 en TikTok… Joaquina representa el futuro, pero ya ha conquistado el presente.
La cantautora y productora venezolana ha escrito ‘al romper la burbuja’, su debut discográfico, entre los 18 y los 20 años. Aun así, ha conseguido plasmar una madurez inusual en una colección de canciones que cuentan perfectamente lo que significa hacerse mayor, con sus dolores y alegrías. ¿Su objetivo? Escucharlas dentro de 50 años y sentirse orgullosa.
Joaquina celebrará todos estos pedazos de vida en directo hoy, 6 de febrero, en la Sala But de Madrid. Todas las entradas están agotadas. Sin embargo, estáis a tiempo de verla el próximo 8 de febrero en Barcelona, en Paral·lel 62. Hablamos con ella sobre la presión, las casualidades, crecer en las canciones y las comparaciones con Olivia Rodrigo.
Mencionas Madrid en tu disco. Has estado mucho por aquí, ¿no?
Sí, he estado varios meses. Escribí ‘pesimista’ en mi primer viaje y recuerdo estar en un cuarto de hotel sola, sin mi familia, sin nadie, y yo pensaba: «Wow, qué loco estar tan lejos de casa trabajando, haciendo esto, en una ciudad que no conozco…». Entonces, Madrid se volvió como una metáfora de lo que es estar lejos de lo que tú conoces.
¿Cuánto hace de esto?
Casi dos años. Esa fue la primera canción que escribí para este disco.
¿Cómo te sientes ahora que está fuera?
Como estar pariendo un hijo. Es súper gratificante poder tener un proyecto que me enorgullezca y poder sacarlo al completo.
Es un proyecto lleno de canciones autobiográficas, escritas en unos años muy clave en la vida de una persona. ¿Tu crecimiento personal ha moldeado de alguna manera el proceso creativo del disco? ¿O al revés?
Yo creo que ambas. Inevitablemente, mi crecimiento personal está reflejado en el disco, pero creo que también descubrí muchas cosas de mí personalmente, no solamente profesionalmente, haciendo el disco.
¿Qué descubriste?
A nivel profesional descubrí muchas partes de mí como compositora y productora. Lo que me gusta, lo que no, el sonido que más me gusta como productora… Siento que me falta mucho por descubrir, pero por lo menos lo encontré por primera vez.
¿Crees que es algo que dura toda una carrera?
Sí, obvio, y para mí este disco es especial porque es el primero. Aunque me seguiré encontrando, creo que pude tocar temas universales y personales que yo no me había atrevido a tocar antes. Y para mí eso son las canciones, ¿no? Poder hablar de temas de los que no puedes hablar en voz alta.
¿Por qué no puedes decirlo en voz alta?
Para mí las canciones son un escape. Puedo hablar de inseguridades, de cosas que pienso pero no quiero decir, de mi crecimiento como persona… Siento que mi música es muy personal en ese sentido.
¿Qué es lo bueno y lo malo de poner tanto de ti en las canciones?
Yo intento centrarme siempre en lo bueno. Creo que cuando tú aceptas que sientes algo, eso te ayuda a drenarlo y no lo empujas para abajo, ¿me entiendes? Creo que es clave normalizar conversaciones, aunque sea contigo mismo. No tiene que ser de algo profundo, sino simplemente normalizar conversaciones, entender lo que estás sintiendo y poder señalarlo, ¿entiendes? A mí eso es lo que más me ayuda. De lo malo no hace falta hablar.
¿Qué ha sido lo más complicado para ti en estos años al hacerte mayor y compaginarlo con la vida de artista? Que no es la típica para una persona de tu edad.
Claro. Yo simplemente me siento muy privilegiada de estar sacando mi música. Siempre soñé con sacar mis canciones y que una persona las escuchara. Cuando empecé a tener a personas escuchando mis canciones, ya se cumplió mi sueño más grande, aunque siga empezando mi carrera. Siento que la palabra «sacrificio» no tiene que tener una connotación negativa. Esto es lo que yo quise hacer siempre. Creo que seguir tus sueños también tiene que venir con cierta formación. Me molesta cuando la gente le dice a alguien: «¿Cómo vas a estudiar música en la universidad? ¿Cómo vas a estudiar arte?». Me parece que le quita mérito a que el arte es una carrera de verdad. Es una vocación y debe ser estudiada. Hay gente que es autodidacta, sí, hay gente que tiene un don porque lo tiene y ya, pero es algo a lo que le debes respeto.
«El arte es una carrera de verdad. Es una vocación y debe ser estudiada»
Has hablado de que tu objetivo con estas canciones es escucharlas de mayor y emocionarte.
Quiero hacer arte que dure para siempre. Que yo en 50 años pueda estar en un show y las pueda cantar si quiero aunque no sea la misma persona y aunque me ría de mí y diga: «Qué estupida por escribir algo así». A veces, escucho canciones de hace tres años y pienso eso, pero también empatizo con esa versión de mí porque en ese momento lo hice con honestidad. Y me doy mucho autocringe. Siento que todos nos damos un poco de cringe.
‘el Alquimista’ por momentos parece una canción protesta, cuando hablas de las opiniones, de la adicción a las pantallas, las fake news… Y también es la más existencial del disco.
Sí, y por eso es la número 7 en el tracklist. Es la mitad del disco y 7 es un número bíblico, un número divino. El mundo fue hecho en 7 días, 7 pecados…
También sé que te has leído el libro.
El título viene inspirado por el libro, pero el concepto no. Me gusta que hayas dicho que parece una canción protesta porque yo considero que es una canción protesta. Entonces, es como el quiebre del disco.
¿Por qué empiezas a escribirlo?
Llevaba mucho tiempo queriendo escribir una canción con ese concepto. ‘El alquimista’ de Paulo Coelho es un libro que puede ser interpretado de muchas maneras. Yo siempre he sido muy creyente y lo interpreté como mi camino con Dios. Buscar a Dios en todos los aspectos de mi vida y siempre mantener el foco en él. Llegué un día al estudio de Julio Reyes, uno de los productores del disco, y le conté la idea que tenía. Yo siempre he tenido muchas dudas existenciales y había pensado: «¿Cómo sería sentarse en una mesa con el creador del universo y hacerle preguntas?». Es como una necesidad humana que nunca va a ser saciada. Es como un capricho humano. Lo escribí todo en poema, él se sentó al piano y en una hora ya teníamos la canción. Fue una experiencia muy sobrenatural y la posteé en redes porque me conmovió muchísimo. Nunca me había pasado que algo se haga tan viral. 20 millones de visitas o algo así, nunca me había pasado.
¿Eres supersticiosa? ¿Ves esos momentos como una señal o algo parecido?
Diría que no, pero sí soy muy creyente y pienso que Dios te pone cosas en el camino. Creo que las cosas no son casualidad. De hecho, ese día pasaron cosas muy raras. De repente, empecé a ver la palabra «alquimia» en diferentes lugares. A Julio, cuando me fui del estudio, le llegó un mensaje de una amiga con una foto que decía algo como: «Tú eres tu propio alquimista». Cosas raras. De verdad, creo que fue una señal de que esa canción se tenía que escribir.
Ganaste el Grammy Latino a la Mejor Nueva Artista, en 2023. ¿Cómo ha repercutido esto en tu carrera y en el nivel de presión que existe?
Yo creo que la presión es un privilegio. Alguien una vez me dijo eso y siempre lo mantengo conmigo. Siempre quise tener presión. Hoy en día, sería muy tonto por mi parte decir que tengo demasiada presión, porque es lo que yo escogí. Y lo hice porque siento que tengo un propósito a la hora de sacar música y de escribir mis canciones. No me puedo quejar. Me gané el premio demasiado temprano, pero, al final, conmemora el comienzo de tu carrera. Es bonito que la gente me vea crecer también. No le tengo miedo a eso.
«La presión es un privilegio. Sería muy tonto por mi parte decir que tengo demasiada presión, porque es lo que yo escogí»
Entonces, llevas bien la exigencia.
Es que siento que la peor exigencia viene de mí, no de nadie más. La gente me exige menos de lo que yo me exijo.
¿Tienes una relación sana con tu exigencia?
Sí y no. Siento que tengo un sistema de apoyo muy lindo, gracias a Dios, que me ayudan a ser como un parabrisas y que no se me nuble la mente. Yo sí soy exigente conmigo misma, pero intento mantenerlo en el margen de ser sano y no pasarme.
Compusiste ‘Dararí’ junto a Aitana. ¿Cómo os conocisteis?
Ella estaba buscando compositores para su disco en Miami. Yo vivo ahí de toda la vida. Y nada, me llamaron a mí. Nos conocimos ese día en el estudio y escribimos la canción con Kuinvi, que también es la productora. Fue increíble, una canción de puras mujeres. Después de eso, Aitana ha sido divina conmigo y hemos compuesto más canciones.
Empezaste así, ¿no? Escribiendo para otros artistas.
Empecé escribiendo para mí, en mi cuarto, a los 13 años y como que simultáneamente empecé a escribir con artistas emergentes, pero muy pocas cosas.
He leído que te han puesto la etiqueta de la Olivia Rodrigo latina. ¿Qué piensas al leer este tipo de comparaciones?
Qué te puedo decir. Por un lado, siento que nunca me va a molestar que me comparen con alguien tan buena. Hago la música que a mí me apasiona desde lo que es honesto para mí, pero siento que venimos de la misma línea de mujeres cantautoras y que tal vez hablamos de cosas que pueden ser parecidas. O sea, pienso que con las mujeres siempre va a haber más comparación que con los hombres. Estoy haciendo mi propio camino, no intentando ser nadie más.
«Nuestra generación tiene añoranza por lo de antes, porque hoy en día todo es efímero y rápido»
¿Qué más referentes tienes?
Diría que los más grandes, de toda la vida, para mí han sido Shakira, Alejandro Sanz, Joni Mitchell y Taylor Swift. También Maná. Toda una mezcolanza extraña de artistas, pero todos me han inspirado de alguna manera y otra a nivel de composición.
He leído muchas entrevistas en las que se quedan flipando con tus referentes, por lo joven que eres. Yo creo que tiene sentido que nuestra generación conozca más nombres, porque tenemos todo a nuestro alcance.
Total, qué cool que lo veas de esa manera. Además, siento que nuestra generación tiene como una añoranza por lo de antes, porque hoy en día todo es tan efímero y tan rápido que siento que nuestra generación está todo el día añorando esa naturalidad. Entonces, no me sorprende para nada que hoy haya personas que, como yo, escuchan a Bob Dylan, a Joni Mitchell, a Carole King y a los Beach Boys.
Bonnie “Prince” Billy no puede parar de crear y ‘The Purple Bird’ es la 22ª adición a su discografía (sin contar sus cinco discos previos publicados con otro alias, o con su nombre de pila). Después del notable ‘Keeping Secrets Will Destroy You‘ (2023), un trabajo de canciones folk escritas en torno al tema de la sobriedad, Oldham presenta su propia versión de un disco de country.
En ‘The Purple Bird’, Oldham se junta por segunda vez en su dilatada carrera con un productor. El autor de ‘I See a Darkness’ ha tirado de agenda y ha cedido la labor a su viejo amigo, David «Ferg» Ferguson, al que conoció hace 25 años. Ambos se han ido a Nashville y, junto a la «mejor banda que puedes tener en Nashville ahora mismo», han grabado estas 12 simpáticas canciones.
Lo mejor de ‘The Purple Bird’ es su simplicidad. Cada canción expone un mensaje claro y directo, pero inteligentemente escrito y contado. Oldham reflexiona sobre la naturaleza cíclica del estado de ánimo (‘London May’), la importancia de amar al prójimo (‘Sometimes It’s Hard to Breathe’) o el cambio climático (‘Downstream’) y siempre lo hace de manera sopesada y cristalina.
Esta sencillez es muy evidente en la pista inicial, la tierna ‘Turned to Dust (Rolling On)’, donde es claro el intento de Oldham de escribir la canción de country típica que podría sonar en la radio. Meditaciones como «right is right, and wrong is wrong, no matter what side you’re standing on / can’t we all just get along?» suenan a cliché, pero Oldham las expone de forma sincera y encantadora.
El espíritu de ‘The Purple Bird’ es optimista, no solo por las letras, sino también por una instrumentación colorida y vivaz que incluye violín tradicional, mandolina, guitarra y varios instrumentos de viento que animan alegremente las canciones, especialmente en ‘Tonight with the Dogs I’m Sleeping’ y ‘New Water’. El yodel aparece en la, no obstante, triste balada ‘Boise, Idaho’, que pide una colaboración con Lana Del Rey.
Ese optimismo se cuela incluso en las canciones más sombrías. Y es una elección deliberada, por ejemplo, en ‘Guns Are for Cowards’, una reflexión sobre la violencia con armas que, sin embargo, no puede sonar más alegre en su recuperación del típico vals de carrusel. La canción termina con un coro tabernero, contenta por un mundo lleno de paz. Es una lección que comparte ‘Our Home’, otra celebración comunal: «When the hard times are coming to push you down low / You’re only as good as the people you know».
Otro elemento que une las canciones de ‘The Purple Bird’ es el agua: el agua que cura en ‘New Water’, el que simboliza nuevas oportunidades en ‘The Water’s Fine’, o el que relata el cambio climático en ‘Downstream’. Sobre todo, el agua en ‘The Purple Bird’ significa que, incluso enfrentándonos a cuantiosos problemas, siempre hay un refugio al que acudir, un amigo que nos está esperando, o la posibilidad de empezar de nuevo. El espíritu de ‘The Purple Bird’ es el de ver el vaso medio lleno, en lugar de medio vacío.
Cruïlla, que se celebra entre los días 9 y 12 de julio en el Fòrum de Barcelona, ya había anunciado grandes nombres como Alanis Morissette, Thirty Seconds to Mars, Texas o Ben Harper. Hoy es un día de nuevas confirmaciones, con las que ya son 50 los nombres confirmados. Entre los destacados de hoy encontramos a St. Vincent, Gracie Abrams, The Sex Pistols feat. Frank Carter, Fermin Muguruza, Viva Suecia, Kaiser Chiefs, Hermanos Gutiérrez y Pau Vallvé, entre otros.
The Sex Pistols feat. Frank Carter es la formación que en 2024 formaron Steve Jones, Glen Matlock y Paul Cook con Frank Carter, de 40 años, como vocalista. Hasta ahora Frank Carter era conocido por formaciones como Gallows, Pure Love y Frank Carter and the Rattlesnakes.
Además, Love of Lesbian ofrecerán un doble concierto. El viernes, Love of Lesbian presentará su nuevo disco dentro de su gira actual, mientras que el sábado ofrecerá un concierto especial bajo el nombre «Love of Lesbian & Amics», una actuación única para celebrar los 15 años del festival. La organización quiere recalcar que festival y grupo han crecido mano a mano.
El miércoles 9, día de Gracie Abrams o girl in red, habrá una fuerte presencia deartistas catalanes de nueva hornada, como Gavina.mp3, Lia Kali o Maria Hein. El jueves 10 de julio será el turno de St Vincent, los Sex Pistols de Frank Carter y Fermin Muguruza, entre otros.
El viernes 11 de julio será el turno de grandes nombres internacionales como Thirty Seconds to Mars, Texas, Crystal Fighters o Ben Harper. Finalmente, el sábado 12 de julio será el día de Alanis Morissette, Kaiser Chiefs, Viva Suecia, León Benavente, etcétera. Tenéis entradas y detalles, en la página web.
Cat Burns, la cantante de South London que lograra viralizar su tema ‘go’ en TikTok, tiene nuevo sencillo. Si el año pasado publicaba en RCA un debut largo llamado ‘Early Twenties’ que alcanzaba el top 10 de las listas británicas, ahora pasa página con ‘GIRLS!’.
Mucho más divertida que el cruce entre acústica y épica de ‘go’, ‘GIRLS’ es una producción de Kurisu que Cat Burns ya ha venido presentando en directo. De hecho, hace unos meses en Instagram la introducía como «una canción atrevida para chicas a las que les gustan las chicas».
Como una respuesta al ‘BOYZ’ de Charli XCX, el estribillo de ‘GIRLS!’ dice que «solo quiere hablar de chicas, hablar de chicas y hablar de chicas». También de las «diferentes energías, masculinas y femeninas». A su vez, estamos ante un tema de devoción hacia una chica concreta que conoce en una estación, y a la que Cat Burns desea «vaya en traje o con vestido», «porque nada le queda normal». El vídeo -sorpresa, sorpresa- es una celebración de diferentes tipos de chica.
Universal en su melodía tan pegadiza, ultraligera en sus 2 minutos de electropop, ‘GIRLS!’ no es solo una canción apta para quienes les gusten las chicas, sino también para seguidores del sonido de Justin Bieber, Harry Styles o la Charli XCX más pop.
Recientemente, Chappell Roan ha coronado las listas de las Mejores Canciones de 2024 en medios como The Guardian, NME, Rolling Stone o JENESAISPOP. También lideraba el top para nuestra audiencia: los votos de nuestros lectores. Lo lograba con ‘Good Luck, Babe!’, un himno lésbico que no aparecía en su disco de debut, y que a día de hoy no sabemos si aparecerá en el segundo, que ahora prepara.
En la semana en que ha recibido el Grammy a Mejor Artista Revelación y además ha presentado ‘Pink Pony Club’ en la ceremonia, le dedicamos el nuevo episodio de REVELACIÓN O TIMO. Además, os recordamos que es uno de los grandes nombres femeninos que podréis ver en Primavera Sound, junto a Charli XCX, Sabrina Carpenter o FKA twigs. A todas ellas habíamos dedicado ya un capítulo de nuestro podcast.
El viaje de Chappell Roan no ha sido fácil. En principio publicó un EP que resultó un fracaso y terminó siendo despedida de Atlantic Records. Ahora en Universal, triunfa con un álbum en el que precisamente habla de sus vicisitudes, de su camino hacia la fama, de su personaje drag y también del descubrimiento de su sexualidad tras haber salido escaldada de su relación con los hombres. Ahondamos en letras, concepto de videoclips y también en sus producciones, de mano de Dan Nigro, aunque recordemos: trabajó con él antes que Olivia Rodrigo, pues algunas de sus grabaciones son tan viejas que proceden de 2020.
Hablar de Chappell Roan es hacer también una reflexión sobre la fama, sobre el escrutinio y trato recibido por parte de fotógrafos en photocalls, y también por parte de esos fans que se creen con derecho a todo por haberte apoyado en las redes sociales. Dedicamos los últimos minutos del podcast a reflexionar sobre las peticiones de la artista a la industria -tan acertadas- y sobre salud mental. La cantante sufre un trastorno bipolar II.
Sónar Barcelona cierra hoy su programación con nuevos confirmados entre los que se encuentran los directos del rapero británico-gambiano Pa Salieu, Mushka, Alizzz, Sega Bodega, Dengue Dengue Dengue y Herbert & Mokoko, que no son otros que Matthew Herbert junto a la multiinstrumentista Momoko Gill presentando un proyecto conjunto. También habrá un set a cuatro manos de la selectora Dee Diggs y Ultra Naté, tan referenciada en los últimos años de moda noventera por su hit ‘Free’.
También hay un par de confirmaciones especiales. Alva Noto y Fennesz presentan un homenaje a Ryuichi Sakamoto llamado ‘Continuum’. Por su parte, Nathy Peluso, que ya era gran cabeza de cartel de Sónar 2025, nos deleitará con un segundo set especial en un formato diferente que se desvelará próximamente. Girará en torno al EP de remixes ‘Club Grasa’, una vuelta sobre el que fue uno de los Mejores Discos de 2024.
En total, Sónar 2025 contará con 117 shows en directo, DJ sets y performances multidisciplinares en 10 escenarios repartidos entre Sónar de Día y Sónar de Noche, dos de ellos especialmente comisariados junto a Boiler Room y Printworks London. La Sónar Week se extenderá desde el martes 10 hasta el domingo 15 de junio para «convertir a Barcelona en la capital mundial de la música, la innovación y la creatividad».
Entre los artistas que ya estaban confirmados, hay que hablar de Plastikman, Arca y Polo & Pan, así como de los grandes shows audiovisuales de Eric Prydz, BICEP present CHROMA AV/DJ, Peggy Gou, Max Cooper, Cora Novoa y Daito Manabe. También habrá sesiones de Four Tet, Vintage Culture, Helena Hauff y Barry Can’t Swim; sets a cuatro manos de Skrillex b2b Blawan y Armin van Buuren b2b Indira Paganotto; y shows especiales. Entre estos, destacan ‘Room with a View’ de Rone con el colectivo (LA)HORDE y el Ballet National de Marseille, Yerai Cortés con su ‘Guitarra Coral’, Maria Arnal, Tarta Relena o Samantha Hudson.
PROGRAMACIÓN POR DÍAS Y NOCHES DE SONAR 2025
Jueves 12 de Junio
Sónar de Día | 15h a 00h
15 15 | Alizzz presents ‘Conducción Temeraria’ | Blawan live | Chano Domínguez & Bronquio present ‘Calle Barcelona’ | Chris Watson & Izabella Dłużyk present ‘Białowieża’ | DjSport | Emma dj | Fafi Abdel Nour b2b Jennifer Loveless | Grand River and Abul Mogard present ‘In uno spazio immenso’ | Le Motel | MCR-T live | MOCHAKK | Nahoomie | Nina Emocional presents ‘FDM’ | Ouineta | Paquita Gordon | Saint Abdullah, Eomac & Rebecca Salvadori present ‘A Forbidden Distance’ | Sarra Wild | TRISTÁN! & The Jazz Band Air | Ville Haimala presents ‘Hyporeal’ | YESSi PERSE & laSADCUM present ‘CYBERMEDIEVAL’
Viernes 13 de Junio
Sónar de Día | 15h a 23h
ABADIR | Alva Noto & Fennesz present ‘Continuum’ | Amantra | ANCIENT PLEASURE | ASIA presents ‘ASIA X’ | Baldman | Branko live | Dania + Mau Morgó present ‘replica — relic’ | Forensis (Forensic Architecture) & Bill Kouligas present ‘The Drum and The Bird’ | Heith, James K and Günseli Yalcinkaya present ‘The Talk’ live AV | Honey Dijon | Josh Caffé live | KEBRA | Maria Arnal presents ‘Ama’ | NEW YORK | Niilas | Raül Refree + Niño de Elche present ‘cru+es’ | Sama’ Abdulhadi | Shapednoise & Sevi Iko Dømochevsky present ‘Absurd Matter: Continuum’ | Tarta Relena present ‘És pregunta’ | TETO PRETO
Sónar de Noche | 20:30h a 07h
Andy Martin | ARCA | Barry Can’t Swim DJ set | BICEP present CHROMA AV/DJ set | Daito Manabe | Dengue Dengue Dengue | Elkka | Flore b2b Peder Mannerfelt | Four Tet | Hamdi | Helena Hauff | Interplanetary Criminal | Jayda G | L’Miranda b2b Candadismo | Lua de Santana | Max Cooper presents ‘Lattice 3D/AV’ | NAGUIYAMI | Pa Salieu | DJ Paca | Peggy Gou | People You May Know AV/live | Plastikman | SICARIA | DJ SOSA RD | Tim Reaper | Tiyumii
Sábado 14 de Junio
Sónar de Día | 15h a 23h
Actress & Suzanne Ciani present ‘Concrète Waves’ | Akyute & Alice Sparkly Kat | Alinka b2b Shaun J. Wright | Animistic Beliefs & Jeisson Drenth present ‘Thức Tỉnh’ AV | dj g2g | DJ HEARTSTRING | Hello Sasy | Herbert & Momoko | Juliana Huxtable | Lord Spikeheart | Maria Latina | Mushka | Nexus (B4mba & Mooki6) | Overmono | patten | R-010 & Venerandi present ‘Phenomena’ | Safety Trance | Samantha Hudson presents ‘Música para Muñecas’ | Sara Persico & Mika Oki present ‘Sphaîra’ | Shannen SP | Sofia | Vica Pacheco presents ‘ITA’ AV | Yerai Cortés presents ‘Guitarra Coral’
Sónar de Noche | 20:30h a 07h
Anderson Do Paraíso | Andres Campo | Armin van Buuren b2b Indira Paganotto | Cora Novoa presents ‘Mental Diary Act III’ live AV | Dee Diggs b2b Ultra Naté | dirtilarita | Dixon | Emerald | Eric Prydz | EYRA | Hiroko Yamamura | Nathy Peluso | Nathy Peluso presents ‘Club Grasa’ | nusar3000 live | oma totem | Paula Tape | Polo & Pan | Rone x (LA)HORDE with Ballet National de Marseille present ‘Room With A View’ | Saoirse b2b Ryan Elliott | Sega Bodega | Six Sex | Skee Mask b2b Actress | Skrillex b2b Blawan | T.Modet & Carlotto Rose present ‘Natura aeterna’ | Vintage Culture | WOST
Elton John y Brandi Carlile han anunciado los detalles de su nuevo álbum colaborativo, ‘Who Believes In Angels?’, que saldrá a la venta el 4 de abril. También han desvelado el nuevo sencillo del disco, de título homónimo.
El álbum mezclará canciones lideradas por Elton y canciones lideradas por Brandi, con el colaborador a largo plazo Bernie Taupin y Brandi contribuyendo con las letras, y el productor y co-escritor Andrew Watt actuando como productor, mediador y conducto creativo.
Según reza la nota de prensa, John y Carlile se «empujaron mutuamente fuera de sus zonas de confort» para escribir y grabar un álbum desde cero en solo 20 días. Ambas estrellas fueron respaldadas por una banda de músicos de clase mundial compuesta por Chad Smith (Red Hot Chili Peppers), Pino Palladino (Nine Inch Nails, Gary Numan y David Gilmour) y Josh Klinghoffer (Pearl Jam, Beck).
Es la primera vez que el artista británico permite que las cámaras graben sus sesiones de escritura y grabación. Las cámaras estáticas colocadas alrededor del estudio capturaron miles de horas de material en bruto, documentando todo el proceso creativo: «Este disco ha sido uno de los más duros que he hecho, pero también una de las mejores experiencias musicales de mi vida», ha declarado Elton John.
Tracklist:
«The Rose Of Laura Nyro»
«Little Richard’s Bible»
«Swing For The Fences»
«Never Too Late»
«You Without Me»
«Who Believes In Angels?»
«The River Man»
«A Little Light»
«Someone To Belong To»
«When This Old World Is Done With Me»
El título del nuevo disco de C Duncan, ‘It’s Only a Love Song’, se puede tararear sobre los primeros acordes de piano que escuchamos en el álbum, pertenecientes, claro, al tema titular. Scott Walker, The Carpenters, Serge Gainsbourg, Michel Legrand y películas como ‘Los paraguas de Cherburgo’ inspiran al músico desde que estudiara en el Real Conservatorio de Escocia.
De aquellas influencias y de su desarrollo como autor a lo largo de 4 álbumes previos llegamos a este quinto, en el que melodías atemporales se ornamentan con arreglos más sofisticados que nunca, sacados de otro tiempo. Definitivamente de otro siglo.
Los primeros compases de ‘Surface of a Fantasy’ te llevarán a ese mundo ilusorio, de película, lo mismo que sus coros y teclados. Su beat de batería es tan girl-group… como ‘Delirium‘ se aproxima a una idea de Harry Nilsson. Parece mentira que se publique música así en 2025. En este caso, es para bien.
‘It’s Only a Love Song’ es además una metacanción que habla sobre lo que significan las canciones de amor, del peso que tienen y de lo que proyectamos en ellas. Es un buen punto de arranque para un álbum en el que C Duncan celebra su relación de larga duración con su esposa (‘Lucky Today’, inspirada en ‘We Have All the Time in the World‘ de Louis Armstrong), y después trata de sacar luz de donde a veces no la hay.
‘Think About It’, otra de las canciones fundamentales de este álbum, con su arsenal de coros 60’s y su optimismo propio de un salón de baile, supone en verdad una receta para ese momento «en que no sabes por dónde soplará el viento». La francófila ‘Triste Clair de Lune’ tiene un carácter más atormentado, como ‘Worry’, que se pregunta por qué nos gusta tanto regocijarnos en el dolor. A veces hay razones para ello: ‘Sadness’, otra de las más Gainsbourg, relata la muerte de un amigo durante la pandemia.
No obstante, es cierto que las letras tienen un valor más anecdótico en este mar de melodías y arreglos. El álbum puede cerrarse con un cliché sobre el paso del tiempo (‘Time and Again’) porque lo importante es el silbido que ofrece contagiarse… y lo consigue. Justo antes un «reprise» de ‘It’s Only a Love Song’ se atreve a aparecer. No estamos en Navidad, aunque lo parezca. Chris Duncan sabe muy bien el momento en el que está: el de asentar su talento como creador de melodías ornamentadas, que sobreviven muy bien reducidas a su mínima expresión.
‘Hurry Up Tomorrow‘, el nuevo álbum de The Weeknd, ya está disponible y es otro notable trabajo de Abel Tesfaye, aunque abundan opiniones que defienden lo contrario. El disco, seguro, es largo y épico, pero a The Weeknd no le parece suficiente y ha preparado una película en acompañamiento al álbum, que se estrenará en cines el 16 de mayo.
La película de ‘Hurry Up Tomorrow’ ha sido dirigida por Trey Edward Shults, director de ‘It Comes at Night’ y ‘Wave’, y contará con un interesante reparto. Aparte de The Weeknd haciendo de sí mismo, aparecen la actriz de ‘Miércoles’ Jenna Ortega y el actor de ‘Saltburn‘ Barry Beoghan. Parece que The Weeknd ha visto los últimos videoclips de Sabrina Carpenter, como todo el mundo; o simplemente ya eran fan de estos dos actores.
Según la sinopsis de ‘Hurry Up Tomorrow’, la película narra la historia de «un músico atormentado por el insomnio que es arrastrado hacia una odisea junto a un extraño que empieza a desentrañar el núcleo mismo de su existencia». Es decir, la cinta dramatizará los años recientes de la vida de Abel Tesfaye, en tanto se prepara para pasar a la próxima fase de su carrera. El tráiler oficial ya está disponible.
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