Seymour Stein, el co-fundador de Sire Records que fichó para este sello a Madonna, a los Ramones y a Talking Heads, ha muerto a los 80 años como consecuencia de un cáncer. Así se lo ha confirmado su hija Mandy Stein a The New York Times y Variety.
Como recuerda The Guardian, el magnate nacido en Brooklyn entró en la industria musical a los 13 años, escribiendo críticas para Billboard. A los 15 años, ya era becario en un sello de soul de Cincinnati llamado King Records que acogía a James Brown. En 1966 fundó junto a Richard Gotteherer Sire Records, fichando a los Ramones y Talking Heads en 1975. Más tarde, Richard se retiraría del proyecto para concentrarse en la producción musical.
Fue a recomendación de su mujer Linda que Seymour fue a ver a los Ramones ensayar en 1975. Pronto Sire Records sacó su primer disco y los 10 siguientes. Talking Heads fueron unos de los teloneros de los Ramones, y también serían fichados para Sire.
Sire fue comprado por Warner en 1978, y de hecho Stein terminaría siendo co-presidente de Warner hasta su retirada en julio de 2018. Fue muy importante su fichaje de artistas europeos para trabajarlos en Estados Unidos, como fue el caso de los Smiths, The Cure, Pretenders, Echo & The Bunnymen, Depeche Mode, Soft Cell y Aphex Twin.
En un momento dado a la edición de ‘Tigermilk’ (1996), se reunió con Belle & Sebastian para trabajar con ellos, pero el asunto no prosperó y estos le hicieron una canción que precisamente se llama ‘Seymour Stein’. La letra comienza diciendo “Seymour Stein, me he estado sintiendo solo (…) Hombre de la compañía discográfica, no iré a la cena (…) Te gustó la chaqueta de Chris, te recordaba a la de Johnny (Marr), antes de que se pasara a la electrónica. Seymour Stein, siento haberte dicho que no, ten un buen vuelo de vuelta. Es un buen día para volar”. Stuart David, bajista de Belle & Sebastian, contó en su libro que al ver la cuenta de aquella cena se dieron cuenta que doblaba su sueldo mensual y que no era el tipo de vida que querían llevar.
La lista de artistas con que sí trabajó Seymour Stein incluye a Wilco, Everything But the Girl, Brian Wilson, kd lang, My Bloody Valentine o en los últimos tiempos Tegan and Sara y Regina Spektor. Ice-T escribió en su autobiografía sobre él, que «está hecho con el mismo corte antiguo de la industria como Clive Davis, pero que él es más excéntrico. Es más extraño, un poco más avant-garde y tiene un punto más afilado”. También dijo que nunca se metía en cuestiones artísticas, pero sí en cuestiones sociales, por ejemplo opinando en contra de la homofobia en el rap. De hecho, Stein estuvo a punto de fichar a Jimi Hendrix en 1966, pero declinó al verle romper su guitarra en una ocasión y discutir con su novia.
En la autobiografía publicada hace unos años, Stein cuenta que supo que era gay desde adolescente, pero que la presión cultural judía le llevó a quedar con mujeres, y a casarse con Linda. Se divorció de esta a finales de los 70. Linda fue asesinada por su asistente personal en 2007 y la hija de ambos llamada Samantha murió de cáncer cerebral en 2013.
El episodio en que Madonna fue fichada para Sire forma parte de la historia del pop y a buen seguro aparece en ese guión que la cantante ha escrito sobre su vida pero que finalmente no se está rodando. Madonna le visitó en el hospital cuando estaba recuperándose de una operación de corazón, a principios de los 80 con el objetivo de conseguir un contrato discográfico. ‘Everybody’ estaba en aquella maqueta que Seymour escuchó estando convaleciente. En su biografía, Stein recuerda que Madonna le pidió dinero enseguida: “tenía más huevos que los cuatro tíos que estábamos en la habitación, juntos”. Cuando ella le dio las gracias al entrar en el Rock and Roll Hall of Fame -una institución que Stein contribuyó a crear-, Madonna tuvo unas palabras de agradecimiento para él.
Lana Del Rey se ha convertido a méritos propios en una de las artistas más importantes e influyentes del panorama musical contemporáneo. Su arte sigue expandiéndose, evolucionando y renovándose sin cesar, pero todas sus canciones llevan indudablemente su característico sello desde el primer día.
Ya no queda ni rastro de las dudas sobre su autenticidad que despertó su álbum debut, Born to Die, en 2012.
En realidad, aquella imagen de joven convertida en una suerte de femme-fatale atrapada en un mundo de gánsteres, daddies y moteles de carretera nunca fue tan artificial como parecía. Lana, aunque camuflada tras un personaje, ya hablaba de ella misma y los suyos a través de alter-egos y estereotipos hollywoodienses. Aunque es a partir de ‘Lust for Life’ cuando su música se vuelve mucho más autobiográfica, prescindiendo de esa imagen en la que se protegía, y hablando directamente de su vida, los problemas del mundo en el que vive, sus amigos y, cómo no, su familia. Esta última es un pilar fundamental evidente en su espléndido nuevo álbum ‘Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd’, nuestro Disco de la Semana, pero previamente en su discografía ya encontrábamos referencias a su vida familiar.
Criada en Lake Placid, un pequeño pueblo en el estado de Nueva York, Elizabeth Grant (su nombre de nacimiento), pasó una complicada adolescencia marcada por el abuso de alcohol, y con 15 años fue mandada por sus padres a un internado para que se recuperase. Este hecho traumático y sus consecuencias aparecen en varias de sus canciones. Según una entrevista, estuvo 6 años sin saber nada de su padre hasta que este fue a verla al estudio cuando hacía ‘Born to Die’ y entendió la pasión de su hija por la música. A continuación, enumeramos momentos clave para entender mejor el impacto de los Grant en el “Lanaverso”:
Gramma (Kill Kill, 2008)
En la era pre-Lana, cuando la artista intentaba abrirse camino en el mundo de la música bajo el nombre de Lizzy Grant, publicó un EP llamado ‘Kill Kill’ en 2008 cuya portada es una fotografía realizada por su hermana Caroline (más conocida como Chuck), ahora fotógrafa profesional. Ambas siempre han estado muy unidas, y desde entonces, Chuck se ha encargado de las portadas de varios de sus discos como ‘Lust for Life’ o ‘Norman Fucking Rockwell’. También de sus vídeos de ‘Venice Bitch’, ‘Mariners Apartment Complex’ o ‘Norman Fucking Rockwell’. Además, este EP terminaba con una canción llamada ‘Gramma’ -posteriormente incluida en su primer disco, el desaparecido ‘Lana Del Rey a.k.a. Lizzy Grant’-, en la que la una ahora irreconocible Lana canta sobre el cariño con el que su abuela le dejaba la luz encendida para cuando volviera de fiesta, o cuando le decía que en algún lugar había un hombre bueno esperándola.
Radio (Born to Die, 2012)
En sus comienzos -aunque no directamente en su obra-, la sombra de su padre -un empresario dedicado a la informática- siempre ha sido alargada: objeto de crítica un filón para la prensa más sensacionalista, al ser supuestamente millonario. Hecho que, en teoría, facilitó el despegue comercial de la cantante, aunque esta siempre ha negado haberlo tenido tan fácil. Según declaraciones suyas en entrevistas, ella ha empezado desde abajo, como así defiende por primera vez en ‘Radio’, una de las pistas favoritas de los fans de su disco debut como Lana Del Rey. “No one even knows how hard life was, I don’t even think about it know because I finally found you” hace referencia a su esfuerzo antes de haber conseguido la fama. En el segundo verso, menciona el apoyo -no económico, entendemos- que recibió de su padre cuando este le sugirió que fuese a Los Ángeles a perseguir su sueño americano (“I heard the streets where paved with gold. That’s what my father said”). En las letras de Lana, Rob Grant siempre queda retratado como una buena figura paterna.
L.A. Who Am I To Love You (poema- Violent Bent Backwards Over the Grass, 2020)
Ya bastante olvidado, el libro de poemas de Lana Del Rey, es más que nada una curiosidad para fans, pero en él se pueden encontrar algunas de las reflexiones más sinceras de la cantante. En el que fue elegido adelanto antes de la publicación del libro, ‘L.A. Who Am I To Love You’, vuelve a negar que su familia tuviese dinero y también incluso que sintiese que -asumimos- sus padres la querían (“They say I came from money and I didn’t / And I didn’t even have love and it’s unfair”). Su complicada adolescencia y, especialmente, su mala relación con su madre se refleja aquí en varias ocasiones (“I’ve never had a mother”, “I have no mother”, “I’m an orphan”). La primera vez que Lana habló de esto fue en 2006, cuando firmaba como May Jailer, en la canción “My Momma”.
Chemtrails Over the Country Club (2021)
A partir de su disco ‘Chemtrails Over the Country Club’, la música de Lana se convierte, más que nunca, en una especie de diario. En la canción homónima, la artista canta sobre estar relajada con su hermana en la piscina, una imagen que refleja cercanía y afecto. Tras haber trabajado con ella en el aspecto visual de varios de sus proyectos, en el sugerente videoclip de la canción, Chuck aparece junto a más amigas de Lana. También lo hace brevemente su hermano Charlie, que, además, fotografió la portada.
Blue Banisters (2021)
De manera similar a ‘Chemtrails’, ‘Blue Banisters’ muestra a la Lana Del Rey más familiar. Llegados a este punto en su carrera, parece que está cansada de los engranajes de la industria y lo que realmente le apetece es hacer arte con gente a la que quiere. En la canción titular, Lana está con sus amigas Jenny y Nikki Lane en la piscina, y la letra describe las conversaciones que tienen entre ellas (“Most men don’t want a woman with a legacy”). Su hermana también aparece mencionada y se revela que está embarazada (“Chucky is making birthday cake”, “there’s a baby on the way”)
Sweet Carolina (2021)
El cierre del álbum es una preciosa carta de amor a su hermana, cuya hija estaba a punto de nacer en ese momento. La co-escribe Lana con su padre y también con la propia Chuck (“if things ever go wrong, just know this is your song and we love you”). Es una estampa familiar relajada, bucólica y cariñosa, donde incluso se bromea con el novio de esta en un extraño pero entrañable verso (“”Crypto forever” screams your stupid boyfriend, fuck you Kevin”).
The Grants (Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd, 2023)
Quizá algo inconsciente o quizá algo deliberado, es curioso que ‘Blue Banisters’ termine con ‘Sweet Carolina’ y su siguiente disco ‘… Ocean Blvd’ comience con ‘The Grants’, que como su título indica, habla directamente sobre su familia y su linaje. En ella se habla de que cuando te vas todo lo que llevas contigo son tus recuerdos y Lana se va a llevar los suyos consigo: la última sonrisa de su abuela, el momento en el que su hermana tuvo una hija. También aprovecha para homenajear a su tío David (“Like Rocky Mountain High, the way John Denver sings”), que se suicidó en la Rocky Mountain en Colorado. La cantante se muestra preocupada de su legado. Más allá de su arte, quiere pasar tiempo con la gente que realmente le importa, dejando a un lado el ruido de la fama (“I’m doing it for us, for our family line”). La canción concluye con una frase sencilla pero poderosa: “It’s a beautiful life, remember that too for me”.
Fingertips (Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd, 2023)
Llegamos a ‘Fingertips’, el corte más denso, triste y confesional de ‘…Ocean Blvd’, una canción, desde ya, clave en el universo Lana Del Rey por su extensa y ambiciosa letra. En ella, la cantante reflexiona sobre su vida con una honestidad que desarma. Primero habla sobre si se llegará a morir o si la ciencia logrará que el ser humano alcance la inmortalidad, y si es así, se pregunta si le acompañarán su padre, su hermano y su hermana. Justo después muestra preocupación por sus hermanos (“Charlie, stop smoking”, “Caroline, will you be with me? Will the baby be alright?”) y reincide en la idea de ser madre ella misma, algo que menciona directamente en otras canciones de este disco como ‘Sweet’ (“Will I have one of mine?”, “It’s said that my mind is not fit, or so they say to carry a child. I guess I’ll be fine”). También divaga sobre su propia muerte y pide ser enterrada junto a sus abuelos y su tío Dave, por el que daría todo por poder traerlo de vuelta y darle dos segundos para llorar y ver la tele juntos para evitar que se quitarse la vida. El suicidio vuelve a aparecer en esta canción, y esta vez revelando que la propia Lana intentó hacerlo de adolescente ahogándose en el mar y fue rescatada por unos vecinos.
Si la relación con su madre siempre ha sido tumultuosa y se ha reflejado en sus canciones, aquí da un poco más de contexto de dónde puede venir: “What kind of mother was she to say I’d end up in institutions?”. En la versión del álbum la palabra “mother” está censurada, pero en la versión que se filtró previa a su pubicación se oía con claridad. Y, una vez, más vuelve a aparecer el momento en el que fue mandada a un internado con 15 años, y posteriormente, a una familia de acogida durante unos meses en Santander. Lana le pregunta a su madre qué cojones le pasaba en la cabeza para echarla de casa.
Feist ha contado más detalles acerca de abandonar la gira con Arcade Fire el año pasado tras las acusaciones de acoso hacia el frontman Win Butler. En una nueva entrevista con The Irish Times, la artista canadiense ha contado que durante su primer show de la gira, en Dublín, estaba teniendo una «experiencia extracorporal».
La artista de ‘Pleasure’ ha revelado que su primer instinto al conocer las acusaciones fue «esconder la cabeza y salir adelante», pero en cuanto comenzó su actuación se empezó a sentir incómoda: «Mi cuerpo era el que estaba haciendo las canciones», cuenta la artista. Feist también ha revelado que fue en el segundo concierto de la gira en el que se dio cuenta de que «no podía continuar»: «Todo el malestar práctico de tener que desmantelar toda la maquinaria y perder lo que había invertido en estar en esa gira… Todo me pareció clarísimo».
Beck iba a acompañar a la banda canadiense durante su gira norteamericana, pero también decidió abandonar. Por otro lado, Feist ha anunciado la salida de su sexto álbum, titulado ‘Multitudes’. Este estará disponible el próximo 14 de abril y llegará seis años después de ‘Pleasure’, el cual a su vez llegó seis años después de ‘Metals’.
En una época en la que las versiones deluxe o extendidas de los discos son lanzadas como churros y normalmente de forma innecesaria, Tyler, The Creator lanza el primer deluxe de su carrera y demuestra que es posible hacer una versión extendida significativa. Tanto, que algunas son hasta mejores que las del proyecto original.
Los siete nuevos temas de ‘CALL ME IF YOU GET LOST: THE ESTATE SALE’, más que como un puñado de simples descartes, se sienten como un añadido canónico a la discografía de Tyler. Las canciones fueron creadas al mismo tiempo que las del tracklist original, pero se sienten como algo creado posteriormente ya que, al menos en tres de ellas, el artista estadounidense está más reflexivo que nunca.
En ‘WHAT A DAY’, producida por Madlib, Okonma enumera todo lo que ha hecho y lo que no, aborda el hecho de que su quinto disco (‘Flower Boy’) es el momento en el que su carrera nunca volvió a ser la misma y empieza a pensar sobre su futuro («Con miedo a tener hijos, porque me gusta mi espacio»). Y es que ‘THE ESTATE SALE’ es un tira y afloja continuo en el que Tyler se dirige a menudo a su pasado para encaminar su futuro.
‘HEAVEN TO ME’, con una base de Kanye, sigue esta misma estela. En el primer verso el artista de 32 años rapea sobre su presente, mientras que en el segundo lo hace sobre su futuro con cuarenta años («El lago se calienta por el radiante sol/La madre de mis hijos y mi hija son perseguidos por mi hijo»). Por último, Tyler cierra el círculo con un nostálgico tercer verso en el que relata sus vivencias con diecisiete años junto a sus amigos de Odd Future, antes de lanzar ‘Bastard’, su primera mixtape.
Tras la melódica ‘WHARF TALK’ con ASAP Rocky, la canción favorita de Tyler «de toda la era ‘CALL ME IF YOU GET LOST’«, y la bailonga ‘BOYFRIEND, GIRLFRIEND’, el colofón final llega con la que se ha convertido instantáneamente en una de las mejores canciones de Tyler, The Creator. Comenzando por el carismático ‘excusez-moi’ de DJ Drama, ‘SORRY NOT SORRY’ se trata de un momento definitivo en la carrera de Tyler y muestra a este pidiendo perdón, a veces de forma sentida y otras irónicamente, a su familia, amigos, fans, exparejas… Y no deja títere con cabeza.
Hay demasiadas líneas destacables, como cuando recrimina a sus fans que quieran conocer detalles de su vida personal («Doy suficiente con mi arte, conoce tu lugar») o los momentos en los que Tyler es la versión más real de sí mismo («Perdón por no conocer tus pronombres/No pretendo ofender/Pero joder, nos acabamos de conocer, cálmate»). Sin embargo, ‘SORRY NOT SORRY’ no puede ser entendida del todo sin el videoclip que la acompaña.
El vídeo abre con un grupo de personas entrando a una mini sala de cine, las cuales representan a los destinatarios de las disculpas del rapero. El clip muestra un plano general con todos los Tyler que conocemos: el de ‘IGOR’ con su peluca, el de ‘Cherry Bomb’ con su icónica máscara, o el de ‘Wolf’ con su camisa de rayas… Cuando el Tyler actual pronuncia las dos palabras que dedica a sus haters y que terminan el tema («Fuck ‘em»), el vídeo corta a un plano de uno de ellos matando a puñetazos al Tyler actual y, de esta manera, poniendo fin a la era de ‘CALL ME IF YOU GET LOST’.
Ya no es que U2 no hagan discos tan buenos como antes: es que no hacen discos en absoluto. En la década pasado solo sacaron 2 álbumes de estudio y en esta de momento no llevamos ninguno. Su número de oyentes en Spotify es tan deprimente para lo grandes que han sido que somos muchos los que anhelamos algún tipo de reconexión o relanzamiento con ellos, como el que han experimentado Elton John o Queen.
El grupo continúa con su serie “Songs Of” como si alguien recordarara las canciones de “Innocence” (2014) y las de “Experience” (2017), añadiendo confusión al asunto, pues el nuevo ‘Songs of Surrender’ no es un disco de estudio como aquellos, sino una regrabación de temas viejos. De manera abrumadora, se compone de 40 canciones, 10 escogidas por cada miembro del grupo.
El primer disco es el correspondiente a The Edge, el 2º a Larry, el 3º a Adam, y el último a Bono. Lo cual sería una idea romántica, bonita y apetecible si la banda se hubiera implicado más en su grabación, pero en su mayoría ha correspondido a The Edge. Bono sí se ha implicado grabando obviamente nuevas tomas vocales y nuevas letras -como ‘Walk On’, dedicada a Zelenski-, hasta el punto de que este disco se considera un acompañamiento a su autobiografía ’40 Canciones, una historia’. Con matices, pues no todas las canciones coinciden con el libro (por algo hay un CD por componente de U2).
En este tipo de lanzamientos suele hablarse mucho de lo demostrada que queda la calidad de una canción en su versión acústica, a guitarra o a piano. Sin embargo, las composiciones de U2 son tan icónicas y están tan asumidas en nuestra memoria que no necesitaban someterse a ninguna prueba a estas alturas, pues además por el camino tenían todas las de perder. ‘The Fly’ se ha desprendido de toda su sensación de peligro y ahora parece una prueba de sonido, ‘Beautiful Day’ de su potencial para salvarnos el «día» pese al nuevo coro, ‘Where the Streets Have No Name’ se pasa de minimalista, ‘Desire’ se ha convertido en un esperpento de falsetes. ‘Vertigo’ cambia el «1, 2, 3, 14» por un aburrido arreglo de cuerdas.
Solo ‘I Will Follow’ mantiene el brío. Las canciones que mejor resisten la embestida de esta pésima idea son las que ya eran acústicas o casi. Y no hace falta irse a ‘One’ o ‘With or Without You’. Ni U2 lograrán destruir la impotencia disfrazada de esperanza contenida en ‘I Still Haven’t Found What I’m Looking For’. ‘Stuck in a Moment You Can’t Get Out Of’ continúa siendo un escalofriante tema de autoayuda. Ahí es donde ves qué jodidamente buenos podían ser U2 con poquito.
También encontramos cosas rescatables entre aquellas que desconocíamos o habíamos olvidado: no entiendo por qué no escucho todos los días ‘Who’s Gonna Ride Your Wild Horses’ Nadie entiende por qué no aparecen hits como ‘Angel of Harlem’ o aquella cara B que luego convirtieron en hit llamada ‘Sweetest Thing’. Pero a cambio nos encontramos o reencontramos con ‘Stories for Boys’ (1980) a través de una bonita línea de piano, lo mismo que la de ‘Invisible’ (2014). La relativamente reciente ‘Cedarwood Road’ era una composición muy digna. ¡Resulta que ‘Ordinary Love’ de la banda sonora de ‘Mandela’ (2013) tampoco estaba tan mal!
Puede que en otro formato el álbum hubiera funcionado. No en este de 2 horas y 45 minutos, donde hay que excavar demasiado tiempo para dar con algo que no sea tedio puro. ‘Songs of Surrender’ suena más como un triste disco que olvidaste escuchar la pasada Navidad, que como algo que te insufle vida esta primavera-verano.
Ryuichi Sakamoto, integrante de Yellow Magic Orchestra y pionero de la música electrónica, ha fallecido a los 71 años. La noticia ha sido confirmada a través de un post en las redes de Sakamoto, en el que se indica que este falleció el pasado martes 28 de marzo.
La causa de la muerte no ha sido revelada, pero conocíamos que Sakamoto ya había sido diagnosticado con cáncer de faringe en 2014, el cual logró superar un año después. Sin embargo, en 2021 un nuevo tumor volvió a sacudir el rumbo de su vida. Esta vez se trataba de un cáncer de recto, el cual el propio músico ya anunció que tendría que acompañarlo el resto de sus días, al encontrarse en la fase más avanzada de la enfermedad. Su último disco, ’12’, fue lanzado en enero de este año.
BERNARDA es el proyecto personal de Bernat Cuyàs, artista multidisciplinar catalán y exintegrante de Holy Bouncer, y se trata de la banda sonora que mereces en esta época primaveral. Influenciado por la música de artistas como Mac DeMarco, Unknown Mortal Orchestra, Steve Lacy o por la propia tradición catalana, Bernat comenzó el proyecto de BERNARDA en 2021 con ‘Plastic’ y desde entonces no ha hecho más que depurar su sonido hasta llegar a piezas tan bonitas como ‘Antoniet’, la Canción del Día y su último lanzamiento.
La música de BERNARDA se caracteriza por sus temas románticos, acorde a las dulces melodías que suelen acompañar las letras. Un perfecto ejemplo de esto es ‘Mi Amor por Ti’, su segundo lanzamiento. Sin embargo, a Cuyàs tampoco le preocupa salir de su zona de confort en temas como ‘Ya No Me Importa Nada’, su colaboración con Yung Prado, porque la zona de confort del catalán es todo. Además de cantar, tocar la guitarra, los teclados, la batería y el bajo eléctrico, Bernat también se encarga de la identidad visual de BERNARDA, tanto sus videoclips como su imaginario.
Además, como el propio Bernat indica en su Instagram, es importante recalcar la figura de John Squalo como productor, ya que «sin él BERNARDA no sonaría como suena». ¿Y a qué suena BERNARDA? A sol, a cielo azul, a juventud, pero también a nostalgia. ‘Corazón Roto’, junto a Carlotta Cosials de Hinds, es un gran ejemplo de la música de BERNARDA. Sin embargo, sus dos últimos temas, ‘Un Amor de Verano’ y ‘Antoniet’, son los que se vuelcan completamente con el tema de la gloria del pasado.
‘Un Amor de Verano’ trata el tema en un contexto romántico, mientras que ‘Antoniet’ se enfoca desde el contexto de toda una vida, reforzado por la portada del single, en la que vemos a Bernat envejecido digitalmente. BERNARDA comienza el tema con una dura, pero real observación, cantando sobre como «antes éramos felices con pocas cosas» y como con «la alegría ya nos valía», mientras que «ahora estamos tristes con tantas cosas». Acto seguido, ‘Antoniet’ se convierte en toda una oda a la vida en forma de rumba catalana.
Bebe Rexha ha anunciado el tracklist oficial de ‘Bebe’, su tercer álbum de estudio. Este estará disponible el próximo 28 de abril e incluirá colaboraciones por parte de Snoop Dogg, Dolly Parton y David Guetta.
El nuevo disco es el sucesor de ‘Better Mistakes’, lanzado en 2021, y contiene los singles ‘I’m Good (Blue)’, ‘Heart Wants What It Wants’ y el reciente ‘Call On Me’. Bebe Rexha ya consiguió un hitazo global junto a David Guetta gracias a ‘I’m Good (Blue)’, que llegó al número 4 en el Hot 100 y que en estos momentos ocupa el puesto 19 del Top 50 Global en Spotify. Además del DJ y productor francés, Snoop Dogg aparecerá en la canción ‘Satellite’ y Dolly Parton estará en el cierre del disco, ‘Seasons’.
Por otro lado, Dolly Parton también ha anunciado un nuevo disco, titulado ‘Rock Star’. Estará compuesto por versiones de temas clásicos de artistas como Prince, Led Zeppelin o The Rolling Stones e incluirá las contribuciones de Paul McCartney, Stevie Nicks y Steven Tyler.
Tracklist:
1. ‘Heart Wants What It Wants’
2. ‘Miracle Man’
3. ‘Satellite’ (featuring Snoop Dogg)
4. ‘When It Rains’
5. ‘Call On Me’
6. ‘I’m Good (Blue)’ (with David Guetta)
7. ‘Visions (Don’t Go)’
8. ‘I’m Not High, I’m In Love’
9. ‘Blue Moon’
10. ‘Born Again’
11. ‘I Am’
12. ‘Seasons’ (featuring Dolly Parton)
Luz Casal toma las riendas de la composición de música y letra en casi la mitad de los temas de su nuevo álbum, ‘Las ventanas de mi alma’: ha escrito 5 completamente en solitario, y ha participado en todos los demás. Entre los que ha hecho sola, el pop-rock de ‘Duele’, en el que logra sacar fuerza y optimismo de la muerte de su madre y también de un rechazo, en una segunda estrofa de tintes soul. También la canción titular, de acordes españoles en la guitarra de Paco Salazar y coros celestiales. O la rockera ‘La inocencia’, en la que busca «un golpe de timón» que la conecte con su pasado más naíf.
La artista –si no lo es ella, ¿quién?– deja atrás su etapa con Ricky Falkner, en aquel disco de sonido directo como fue ‘Que corra el aire‘ (2018). Se decanta ahora por Salazar en un álbum que agradece la variedad de estilos, que esta vez no decae en su segunda mitad sino todo lo contrario.
Podemos interpretar de hecho que esa segunda mitad se abre con una de sus mejores composiciones. ‘Estaba escrito’ es una canción de plena felicidad junto a un ser querido, que resiste comparaciones con ABBA (ese inicio tan navideño) y los mejores Alejandro Sanz (‘¿Lo ves?’) y Sergio Dalma (‘Bailar pegados’, en su desarrollo tan ceremonial). Poco después aparece ‘Antes que tú’, a todas luces una de las grabaciones más relevantes y mejor redondeadas de este disco, en tanto que trata el tema del edadismo. Que Luz aborda con sabiduría y humor, sobre un riff en este caso creado por Los Zigarros. «Pronto seré la nada y el olvido, me preparé antes que tú / Ya no soy carne fresca, perdí esa condición», canta Casal con un ritmo disco que ella misma define como muy Chic.
Lo que no quiere decir que se haya dado de lado el poso latino. Entre ‘Estaba escrito’ y ‘Antes que tú’, suena una ‘Suave es la noche’ que está inspirada en Cuba. Y después de todas ellas una ‘A ciegas’ que añade electrónica, misterio e intriga, en su huida del sentimiento de culpabilidad. Porque en general ‘Las ventanas de mi alma’ es un disco que saca «luz» y optimismo de situaciones adversas derivadas de la muerte, la enfermedad, el dolor y la pandemia. Que es de lo que va ese single llamado ‘Hola, qué tal’, con la voz invitada de Guille Galván, que ojalá hubiera desarrollado más su poso de bulerías, y su breve momento dembow. Pero eso no significa que todo el álbum sea un rayo de luz. Hay claroscuros que de hecho hacen el largo más rico en matices.
‘Las ventanas de mi alma’ se cierra con una canción de folk tan bonita como ‘Un lugar perfecto’, con música de Etienne Daho y Jean-Louis Piérot; y después una recuperación de Carmen Santonja de Vainica Doble. ‘Un poco más de amor’ es un tema en posesión de Luz desde los años 90, que en estos tiempos de guerra tenía sentido recuperar. «Que ocurra pronto un milagro para evitar el naufragio de la humanidad», dice esta letra, en sintonía con otros momentos del disco, como ‘Dame tu mano’, donde habíamos oído a Luz decir que “somos dos seres buscando salida de este universo cargado de ira”, que «no hay que esperar para actuar».
Es una pena que sea tan difícil que con sentimientos edificantes se construyan himnos imperecederos. No todos los días se puede crear un ‘Entre mis recuerdos’. En cualquier caso, atendamos a las palabras de sabiduría entonadas con la voz rugosa de la experiencia y esa calma afilada que siempre contuvo el timbre de Luz, uno de los más característicos de la historia del pop español.
Caroline Polachek es el nuevo número 1, tras los votos recopilados en la web y el desempate final de Twitter. ‘Welcome to My Island’ es su 2º top 1 en nuestra web después de ‘Sunset’ y el 3º si contamos Chairlift, pues ‘Bruises’ lo logró en 2008, hace 15 años. Esta semana hemos realizado un podcast dedicado a la artista.
La entrada más fuerte nos la dejan Torrent Foot y Azealia Banks, al fin disponibles en Spotify. El Columpio Asesino llegan con Pucho de Vetusta Morla al top 20, aunque la noticia es la buena acogida en la segunda mitad de la tabla de casi todas las novedades planteadas hace unos días.
Valeria Castro, Unknown Mortal Orchestra, 100 gecs, Shygirl con Tinashe, Verde Prato y Repion logran asomarse por el top 40.
Hace unos meses hablábamos con mori y TRISTÁN! sobre los problemas que pudiese haber con el uso de la inteligencia artificial en el campo de los derechos de autor, y ya hemos obtenido una respuesta clara. La Oficina de Derechos de Autor de Estados Unidos ha compartido nuevas directrices respecto a los trabajos creados con herramientas de inteligencia artificial, según han recogido desde Pitchfork.
Las nuevas normas establecen que cualquier trabajo humano hecho con la ayuda de una IA puede ser apto para la protección de derechos de autor, pero las partes que estén realizadas solamente por la máquina no lo son. Es decir, la protección por copyright solo es válida a aquellos proyectos atribuidos a la autoría humana. Por ejemplo, «si una IA recibe únicamente una orden de un humano y produce un producto escrito, visual o musical complejo como respuesta, los elementos tradicionales de autoría son determinados y ejecutados por la tecnología, no el usuario», explican desde el organismo.
Por otro lado, si un proyecto combina de forma creativa elementos generados por inteligencia artificial para crear algo nuevo o si el artista modifica considerablemente un trabajo generado por IA, sí que entraría dentro de las nuevas directrices de copyright.
Estas nuevas pautas pueden arrojar claridad sobre herramientas como SongStarter, que te permite generar música sin derechos de forma instantánea para crear a partir de ella música original, o NSynth, un proyecto de Google que permite al usuario crear instrumentos inexistentes a partir de miles y miles de sonidos. Este es el tipo de trabajo con IA que podría ser protegido con derechos de autor. Sin embargo, estas guías siguen en su etapa más temprana y cada día surgen más cuestiones por resolver respecto a la música y la inteligencia artificial.
El artista español asentado en UK Alien Tango publica su esperado gran disco el próximo 12 de mayo, del cual ha presentado varios adelantos, como ‘1000 Years‘, que ya destacamos el año pasado, o ‘Lemme Go’. El largo se llama ‘Kinda Happy, Kinda Sad’, pero en sus mejores momentos es más bien «happy». Es el caso de ‘BFF’, que es nuestra «Canción del Día» para este sábado.
Oficialmente, ‘BFF’ es «un homenaje al amor, a la amistad y al indie pop de finales de los 2000s». of Montreal de nuevo puede ser una referencia, pero es MGTM la banda que aparece citada como referencia en la nota de prensa, y es bastante comprensible. Estamos hablando de la versión vitalista del grupo anglosajón, pues esta canción es una de las producciones más bailables de Alien Tango. También es atemporal gracias a unas cuerdas sintetizadas que emparentan con los clásicos de la música disco, mientras el espíritu de superación conecta también con el soul.
Respecto a la letra, es un canto a la perdurabilidad de la amistad, ciertamente, aunque con derecho al roce: «no hay razón para que no podamos estar juntos, seremos los mejores amigos pare siempre, haremos el amor o lo que sea».
El álbum será también, en sus propias palabras, «la culminación de un largo, largo proceso de autoaprendizaje y descubrimiento. He viajado lejos. Muy lejos de mi casa, un pueblo del sur de España, debido a la falta de oportunidades allí, y me he enseñado a mí mismo a tocar todos los instrumentos, grabar, mezclar, diseñar portadas, editar vídeos y un sinfín de cosas más». Cuenta que, desde que aprendió a hacer música con el ordenador, no ha podido parar, y que han sido hasta 30 las canciones compuestas para este álbum. Ha descartado 18.
El ritmo de estrenos de Netflix es apabullante. Aunque en 2023 está bajando un poco la frecuencia, la mayoría de los meses ronda los cien títulos entre series, películas y documentales. Si a ese volumen le añadimos los de las demás plataformas, la facilidad con la que películas que en otra época hubieran llamado la atención del público y los medios –por el director, el reparto, los premios en festivales, el boca-oreja o simplemente por la publicidad de las distribuidoras- ahora languidecen en las catacumbas de los catálogos. Proponemos cinco títulos a recuperar:
El extraño (Thomas M. Wright)
Presentada en los festivales de Cannes y Sitges y estrenada de tapadillo el pasado mes de octubre, la segunda película como director del australiano Thomas M. Wright es uno de los mejores thrillers de 2022. Una historia oscurísima, basada en un caso real de secuestro y asesinato ocurrido en 2003 en Queensland (Australia), con un duelo actoral superlativo entre Joel Edgerton (‘El regalo’, ‘Loving’) y el siempre inquietante Sean Harris (‘Macbeth’, ‘The King’). A través de una puesta en escena opresiva y una narración muy sobria, que combina eficazmente dos líneas temporales, ‘El extraño’ va desvelando poco a poco la trama y la identidad de los personajes, creando una atmósfera sórdida y depresiva cargada de misterio e intriga. Un título a reivindicar desde ya. 8,5.
Atenea (Romain Gavras)
Al hijo de Costa Gavras (y nuevo novio de Dua Lipa) le ha costado mucho arrancar como cineasta. Hasta ahora, sus largometrajes (‘Nuestro día llegará’, ‘El mundo es tuyo’) no habían estado a la altura de sus aplaudidos vídeos musicales para Justice (‘Stress’) o M.I.A (‘Born Free’, ‘Bad Girls’). Con ‘Atenea’ parece haber encontrado su sitio. Como virtuoso de la puesta en escena (atención al plano secuencia inicial), este incendiario thriller de acción le va como anillo al dedo. Gavras no es un narrador muy sutil, y aquí no necesita serlo. La historia (escrita junto al autor de ‘Los Miserables’ Ladj Ly) es bastante simple: el estallido de una revuelta en una banlieue provocará el enfrentamiento entre tres hermanos, un traficante, un policía y el líder de la insurrección. Pero su traslación a la pantalla es fabulosa. Gavras transmite toda la furia y rabia desatada en la revuelta gracias a un uso espectacular de las coreografías de acción multitudinarias y una potencia visual arrolladora. 8.
Noche de fuego (Tatiana Huezo)
El cine mexicano está viviendo uno de los mejores momentos de su historia. Aparte de los nombres consagrados –de los oscarizados Iñárritu, Del Toro y Cuarón a autores como Amat Escalante, Carlos Reygadas o Michel Franco- todos los años aparecen nuevos títulos muy interesantes: ‘Ya no estoy aquí’, ‘Sin señas particulares’, ‘Huesera’ (pendiente de estreno tras triunfar en Sitges)… ‘Noche de fuego’ es uno de ellos. La película de la documentalista Tatiana Huezo es una historia de crecimiento de tres amigas en el peor de los escenarios posible: un pueblo de la sierra mexicana controlado por los narcos donde la violencia contra las mujeres es una amenaza constante. Por medio de un uso muy expresivo del sonido y el fuera de campo, la directora recrea con gran sutileza y enorme tensión dramática el ambiente de miedo e indefensión en el que viven las niñas, obligadas a disfrazarse de varones para evitar ser secuestradas. Tremenda. 8.
El ángel de la muerte (Tobias Lindholm)
Es la que más se ha visto de las cinco propuestas. En su primer largometraje en Estados Unidos, el danés Tobias Lindholm ha vuelto a demostrar que es un narrador fabuloso. Lindholm es más conocido por ser el guionista de las películas de Thomas Vinterberg (‘Otra ronda’, ‘La caza’), pero también es el director de dos filmes estupendos: ‘Secuestro’ y ‘A War’ (disponibles en Filmin). En ‘El ángel de la muerte’, Lindholm narra la historia del enfermero asesino Charlie Cullen a través del punto de vista de la enfermera que permitió a la policía su detención. Apoyándose en la interpretación de sus dos protagonistas (excelente Jessica Chastain, inquietante Eddie Redmayne a pesar de algún ramalazo de histrionismo), el director realiza un thriller tenso y sombrío, tan silencioso como los crímenes que perpetraba Cullen. Un excelente drama criminal que pone el acento en las fallas del sistema sanitario estadounidense, donde prima el negocio por encima de cualquier ética o moral. 7,9.
Los diarios de Andy Warhol (Andrew Rossi)
En 1968, la activista feminista Valerie Solanas (diagnosticada posteriormente con esquizofrenia) disparó a Andy Warhol en su estudio. El artista salvó la vida de milagro. A partir de ese suceso, Warhol, convertido ya en esa fecha en una celebridad del mundo del arte, comenzó a llevar un diario, unas memorias que dictaba por teléfono a su secretaria Pat Hackett. Tras su muerte en 1987, Hackett publicó una edición de esos diarios (en castellano en Anagrama). La miniserie documental ‘Los diarios de Andy Warhol’ se basa en los escritos del artista para hacer un revelador recorrido, visualmente muy atractivo, por los últimos diez años de vida de Warhol, aquellos en los que se trasformó en un exitoso hombre de negocios asiduo al Studio 54. La serie contrapone las memorias (no siempre fiables) del artista con testimonios de amigos, colaboradores e historiadores del arte. Todo para responder a una pregunta: ¿quién era la persona que se escondía tras el personaje de expresión hierática y peluca platino llamado Andy Warhol? 7,5.
Pet Shop Boys nos sorprendieron hace unas semanas anunciando su primer día en el estudio con un nuevo productor, James Ford. Responsable de algunos de los más grandes trabajos de Arctic Monkeys y miembro de Simian Mobile Disco, parece una buena opción tras haberse agotado la fórmula Stuart Price.
Sin embargo, antes habrá otro lanzamiento. Un par de semanas después de que los veamos en Primavera Sound, el 16 de junio, saldrá al mercado ‘SMASH – The Singles 1985-2020’, una recopilación de singles en orden cronológico, que actualiza su catálogo tras recopilatorios gloriosos como ‘Pop Art’, que salió hace tanto que Lady Gaga aún no había lanzado su primer disco.
Será un triple CD, triple cassete, un séxtuple vinilo y habrá doble Blu-ray.
CD1
West End Girls (4.01)
Love Comes Quickly (4.18)
Opportunities (Let’s Make Lots Of Money) (3.38)
Suburbia (4.04)
It’s A Sin (5.01)
What Have I Done To Deserve This? (4.20)
Rent (3.33)
Always On My Mind (3.54)
Heart (4.17)
Domino Dancing (4.18)
Left To My Own Devices (4.47)
It’s Alright (4.20)
So Hard (4.00)
Being Boring (4.51)
Where The Streets Have No Name/I Can’t Take My Eyes Off You (4.32)
Jealousy (4.15)
DJ Culture (4.14)
Was It Worth It? (7” Version) (4.23)
CD2
Can you forgive her? (3.56)
Go West (5.04)
I wouldn’t normally do this kind of thing (7” Version) (4.45)
Liberation (4.06)
Yesterday, when I was mad (Single Version) (4.00)
Paninaro 95 (4.10)
Before (4.05)
Se a Vida è (4.01)
Single-Bilingual (3.30)
A red letter day (4.33)
Somewhere (4.43)
I don’t know what you want but I can’t give it any more (4.29)
New York City boy (US radio edit) (3.20)
You only tell me you love me when you’re drunk (3.16)
Home and dry (3.58)
I get along (radio edit) (4.11)
Miracles (Radio Edit) (3.57)
Flamboyant (7” Mix) (3.40)
CD3
I’m with stupid (3.27)
Minimal (radio edit) (3.38)
Numb (Single Edit) (3.30)
Love etc (3.32)
Did you see me coming? (3.44)
It doesn’t often snow at Christmas (new version) (3.52)
Together (Ultimate mix) (3.30)
Winner (3.49)
Leaving (3.51)
Memory of the future (new single mix) (3.36)
Vocal (radio edit) (3.25)
Love is a bourgeois construct (Nighttime radio edit) (4.12)
Thursday (feat. Example) (radio edit) (3.56)
The pop kids (radio edit) (3.43)
Twenty-something (radio edit) (3.41)
Say it to me (new radio mix) (3.11)
Dreamland (feat. Years & Years) (3.28)
Monkey business (radio edit) (3.11)
I don’t wanna (radio edit) (3.21)
Blu-ray 1 – The complete videos: 1985-2020
West End girls
Love comes quickly
Opportunities (Let’s make lots of money) (Version 2)
Suburbia
It’s a sin
What have I done to deserve this?
Rent
Always on my mind
Heart
Domino dancing
Left to my own devices
It’s alright
So hard
Being boring
Where the streets have no name/I can’t take my eyes off you
Jealousy
DJ Culture
Was it worth it? (7” Version)
Can you forgive her?
Go West
I wouldn’t normally do this kind of thing
Liberation
Yesterday, when I was mad
Paninaro ’95
Before
Se a vida è (that’s the way life is)
Single bilingual
A red letter day
Somewhere
I don’t know what you want but I can’t give it any more
New York City boy
You only tell me you love me when you’re drunk
Home and dry
I get along/E-mail
Miracles (Radio Edit)
Flamboyant (7” Mix)
I’m with Stupid
Minimal (Radio Edit)
Numb
Love etc.
Did you see me coming?
It doesn’t often snow at Christmas (Live at the O2 Arena, 2009)
Together
Winner
Leaving
Memory of the future (Official Lyric Video)
Vocal (Radio Edit)
Thursday (feat. Example) (Radio Edit)
The Pop Kids (Official Lyric Video)
Twenty-something
Dreamland (feat. Years & Years) (Official Lyric Video)
Monkey business
I don’t wanna (Animated Lyric Video)
Blu-ray 2 – The extras
Opportunities (Let’s make lots of money) (Original Version)
Paninaro (1986 Video)
Domino dancing (Extended Version)
So hard (Extended Version)
How can you expect to be taken seriously?
Go West (Extended Version)
London
Integral
All over the world (Live at the O2 Arena, 2009)
Invisible
Axis
On social media (Official Lyric Video)
Burning the heather (Official Lyric Video)
No solo Flos Mariae se fijan en el sonido de Death Grips para crear su propia «música». Antes Kanye West les copió de manera descarada. Debby Friday, una joven cantante y productora de Canadá, también apuesta por los beats industriales metálicos, estridentes y duros, pero ella lo llama «bitchpunk». Este es el título de su primer EP, al que después siguió ‘DEATH DRIVE’. Si te parece que la propuesta de Debby Friday es agresiva, espera a escuchar ‘GOOD LUCK’, su debut oficial.
El sello Sub Pop ha estado muy avispado fichando a Debby Friday, pues ella corre riesgos en lo musical (no por nada viene del mundo experimental) pero no deja de lado las formas del pop. ‘So Hard to Tell‘, el primer single, es uno de los mejores de 2023 porque detrás de su maraña de beats de hip-hop industrial y voces cortapegadas a lo Grimes hay un hit de pop en toda regla. Es inevitable no pensar que Doja Cat pueda volverse loca al descubrirla, ahora que (supuestamente) prepara un disco inspirado en este tipo de sonidos.
‘GOOD LUCK’ probablemente no se convertirá en un disco mainstream, pero sí nos descubre a una artista con un carisma arrollador. En su propuesta conviven la contundencia de unos beats abrasivos y (ultra)modernos con la sensualidad carnal que se desprenden en voz y letras. Una sensualidad desbocada, como demuestra cuando Debby se llama «devorahombres» a sí misma (‘Heartbreakerrr’), o cuando los jadeos «I love to love» de ‘Pluto Baby’ remiten irremediablemente a Donna Summer.
En este escenario, Debby Friday se convierte en una pirómana musical que puede reventar las pistas como lo hacían sus (posibles) referentes. ‘GOOD LUCK’, la pista titular, puede estar reivindicando el dubstep en el mejor momento posible («no lo fastidies, da lo mejor de ti», se susurra a sí misma); y los rompepistas electroclash de ‘I GOT IT’ con Uñas (una de las canciones más desquiciadas del año) y ‘HOT LOVE’ están hechos para atropellar los sentidos.
El atractivo de ‘GOOD LUCK’ se halla también en las posibilidades de expansión que encierra el sonido de Debby Friday. Quizá porque es ella el centro de gravedad en todas las canciones, quien desde el núcleo fagocita diversos sonidos, las canciones salen fortalecidas. En la guitarrera ‘WHAT A MAN’, de influencias shoegaze, Debby evoca la furia de Karen O, resultando casi igual de magnética; pero ‘Heartbreakerrr’ agrega texturas húmedas, cazuelas a lo PC Music y amagos de drum ‘n bass, en una producción realmente sofisticada por la que mataría la nueva Aaliyah, sea quien sea.
El cine de la francesa Mia Hansen-Løve ocupa un espacio luminoso, tratando siempre los conflictos personales bajo una sosegada y cristalina mirada. Sus películas funcionan como mirillas a universos femeninos cotidianos que se ven alterados por los inevitables apuros del día a día. ‘Una bonita mañana’, presentada en la Quincena de Realizadores del pasado Festival de Cannes, sigue a Sandra, una madre viuda, en un momento difícil de su vida: su padre padece una enfermedad neurodegenerativa llamada síndrome de Benson y necesita atención permanente. En mitad de su vorágine personal y con una hija pequeña de la que hacerse cargo, se reencuentra con Clément, un amigo casado con el que comienza una aventura amorosa.
Hansen-Løve se basa en su propia vivencia cuando su padre fue diagnosticado con el mencionado síndrome en 2020. Su cine tiende a ser autobiográfico o a retratar experiencias de sus familiares cercanos; y de esta manera, ‘Una bonita mañana’ forma un estimulante díptico con ‘El porvenir’, donde Isabelle Huppert interpretaba a una profesora de filosofía, inspirada en su madre. Ambas son lo mejor que ha filmado su autora, que aquí vuelve a proclamarse como una cronista superlativa de las relaciones interfamiliares. Abandonando la complejidad meta-narrativa de su anterior película, ‘La isla de Bergman’, la cineasta vuelve a la aparente sencillez de sus primeros trabajos.
En ‘Una bonita mañana’ se exponen temas de peso (la muerte acechante, la pérdida, las relaciones de pareja, etc.) bajo una visión delicada. Hansen-Løve nunca se excede en las desgracias a las que se enfrentan sus personajes, sino que consigue algo realmente complicado: tratarlas con ligereza y que esta no sea trivial, sino una reivindicación como la única forma posible de salir adelante. Es una obra vitalista pero no particularmente efusiva, triste pero no afectada.
Este complejo balance entre su profundidad temática y su contención emocional en el que se mueve continuamente la cineasta no sería posible sin Léa Seydoux. La actriz realiza uno de sus más bellos trabajos encarnando a Sandra, en el que muestra una habilidad expresiva asombrosa para cambiar de un registro dramático a otro en cuestión de segundos. Particularmente maravillosos son esos pequeños gestos que esconden un mundo entero y que definen una interpretación formidable: una sonrisa y el brillo en los ojos al llegar un mensaje del hombre al que ama, la infinita tristeza tras sus lágrimas recogiendo las cosas de su padre.
La deslumbrante belleza de ‘Una bonita mañana’ reside, sobre todo, en esos detalles -además de en la espléndida fotografía en 35mm de Denis Lenoir- componiendo una película cuya honestidad conmueve. El cine de Mia Hansen-Løve, al contrario que muchos cineastas europeos contemporáneos, continúa buscando la belleza del mundo en el que vivimos, incluso en las circunstancias más adversas. Sin artificios, con verdad y corazón, la cineasta transforma ágilmente lágrimas en sonrisas, y viceversa, ofreciendo nuevamente una ventana a otras vidas y poniéndonos un espejo delante para reflejarnos en ellas.
El Ayuntamiento de Madrid ha anunciado que este año distinguirá con la Medalla de Honor a Alaska y a Ana Rosa Quintana, y de manera póstuma al alcalde de Madrid durante la Guerra Civil, el anarquista Melchor Rodríguez García. El premio se entrega durante las fiestas de San Isidro, que este año se celebran el 15 de mayo.
Los nombres propuestos por José Luis Martínez-Almeida serán aprobados en el próximo Pleno. El propio Almeida ha anunciado la noticia en sus redes: «El pueblo de Madrid concederá su Medalla de Honor a dos mujeres que defienden diariamente la libertad de expresión y de prensa frente a las corrientes censuradoras que nada tienen que ver con la sociedad madrileña».
El comunicado de Almeida, que busca las cosquillas en su alusión a un «pueblo» madrileño y a la «censura», ha provocado ataques frontales a su propuesta. Especialmente Ana Rosa es notoria simpatizante del Partido Popular, y queda muy poco para que se celebren nuevas elecciones municipales en Madrid, en las que Almeida podría volver a salir ganador.
Individualmente, se considera que Alaska y Ana Rosa son dos elecciones controvertidas por diversos motivos. Las críticas a la cantante de Fangoria han girado en torno a su relación con la COPE, a su amistad con Jiménez Losantos y a su simpatía con figuras públicamente negacionistas como Miguel Bosé o Victoria Abril (de los que ha defendido su libertad de expresión). Por su parte, Ana Rosa -que es presentadora- exhibe abiertamente su ideología de derechas desde un programa de máxima audiencia.
Además de las Medallas de Honor, Madrid entregará la «Medalla de Madrid» (menor en escala) al escultor Augusto Ferrer Dalmau, al torero Julián López El Juli, a la diseñadora Ágatha Ruiz de la Prada y a la Casa del Libro por su centenario, entre otros.
En el último día de marzo son varios los lanzamientos destacables que se ponen en circulación. Entre ellos se encuentra el debut largo de boygenius, el supergrupo formado por Phoebe Bridgers, Julien Baker y Lucy Dacus. También se editan discos de Melanie Martínez, Yung Beef, The New Pornographers, James Holden, The Hold Steady, Deerhoof, Chlöe…
Abre la playlist el single de Vicco, y en una vena bailable continúa ‘Los Ángeles‘ de Aitana, que ya hemos comentado. Además, vuelven artistas favoritos del site como Triángulo de Amor Bizarro -que entregan un balazo punk que no llega a los 2 minutos- o Georgia.
Entre los lanzamientos que puedan dar para hablar en los próximos días está ‘Chanel’ de Becky G con Peso Pluma, que confirma que la música regional mexicana está de moda. Jisoo lanza ‘Me’ y no cabe duda de que logrará un gran éxito. Anaju presenta uno de sus producciones más electrónicas.
Además de la nueva música de GAZZI y Tyler, the Creator que ya hemos repasado, hay singles de Jessy Lanza, Bebe Rexha, DELLAFUENTE, Khalid, Cariño, Purple Disco Machine, CARLANGAS, Ellie Goulding, Samuraï, Tones and I, Pimp Flaco, Ptazeta, Crawlers…
«Ready for the Weekend» encontrarás ya lo nuevo de Surfin’ Bichos, ABRA, Paula Koops, The Beths, Miki Núñez, Overmono, Safree, NOIA… y una curiosidad: Kygo vuelve con un remix de ‘Say Say Say’, el single de Paul McCartney y Michael Jackson.
«Ups, acabo de ser añadida a la lista federal rusa de personas más buscadas», escribía ayer Nadya Tolokonnikova de Pussy Riot en su Instagram, junto con una foto suya haciendo una peineta a la cámara. La lista en cuestión fue descubierta por Mediazona, un servicio de noticias independiente fundado por las propias Pussy Riot. Tolokonnikova se enfrenta a cargos criminales, pero la lista no especifica en qué consisten estos.
A principios de este mes, el abogado ruso por los derechos humanos Pavel Chikov declaró que Tolokonnikova había sido acusada de «ofender al sentimiento religioso». La noticia llega semanas después de que Nadya y el resto de las Pussy Riot lanzasen su última pieza de protesta, titulada «Las cenizas de Putin». Esta consistió en quemar un retrato enorme del presidente ruso para después apuñalar la tierra en la que habían caído sus cenizas.
Además, según informa Pitchfork y gracias a unos documentos legales compartidos por el equipo de Pussy Riot, Nadya está siendo investigada por algunas imágenes en su cuenta de Instagram que el gobierno ruso considera ofensivas hacia el cristianismo. En estos documentos también se menciona un NFT llamado «Virgen María, Por Favor Conviértete en Feminista», descrito como «una expresión de una obvia falta de respeto en relación a la icónica imagen de la Virgen María».
La ley que Tolokonnikova estaría rompiendo se trata de la primera parte del artículo 148 del código criminal ruso, a su vez implementado en respuesta a «Oración Punk», una performance de las Pussy Riot contra Putin llevada a cabo en 2012. Nadya pasó dos años en un campo de trabajos forzados debido a su implicación en el acto, y desde que salió ha seguido siendo crítica con Putin y el régimen ruso, organizado numerosas protestas a lo largo de la década.
Yung Beef publica nuevo disco este viernes, ‘Ganster Paradise’, y la estrategia que ha utilizado para promocionarlo ha sido suficientemente llamativa para como ocupar hoy titulares de medios generalistas como El Mundo o 20 Minutos.
Este mediodía, el rapero se ha plantado en la plaza Callao de Madrid, donde le esperaba una multitud de seguidores, a los que ha empezado a lanzar billetes y billetes de 10 y 20 euros. Su oficina de prensa ha confirmado que los billetes tirados por Yung Beef a lo loco sumaban un valor de 5.000 euros: «Fernando llevaba 5.000 euros en el bolsillo y ha vuelto sin nada».
En El Mundo han publicado una simpática crónica de lo acontecido hoy en Callao, donde los fans no sabían si grabar lo que pasaba o tirarse al suelo a recoger el poco dinero que pudiera. A un chico el bote de 60 euros que se ha llevado a casa casi le cuesta un tobillo. Otras personas no ha recogido más de 10 euros y otros se han vuelto a casa con las manos vacías. Acabada la acción, Yung Beef ha ido a «refugiarse» en un hotel, acompañado de cuatro escoltas.
A falta de escuchar ‘Gangster Paradise’ al completo, está disponible el único adelanto, la ‘Intro Gangster Paradise’. En 2023, Yung Beef ha publicado otros dos singles, ‘Religion’, que formará parte de otro proyecto llamado ‘Bajo bajo mundo’, y ‘Zkittlez’, que se espera aparezca en un tercer álbum aún inédito, ‘El Plugg 3’.
Yung Beef, además, está de gira. Este viernes actúa en la sala Razzmatazz con todo agotados. El artista está confirmado también el 7 de abril en el Negrita Music Festival de Alicante, el 22 de abril en el Infierno Festival de Granada y el 24 de agosto en el Riverland Fest de Oviedo.
VIDEO | El icono de la música "trap" en España Yung Beef ha lanzado 5.000 euros en billetes al aire en Madrid durante un acto promocional. La iniciativa ha revolucionado por unos minutos la plaza de Callao de la capital. pic.twitter.com/5wZqD2fwJZ
Hace poco leí en Twitter una opinión de alguien criticando a Ginebras. «Alguien» cuyo criterio aprecio, quiero decir. Decía que lo que hacían ellas lo hacen muchos grupos igual de bien o mejor. No puedo estar más en desacuerdo. De hecho, a veces cuesta ubicar en algún lado a la banda de Magüi (guitarra y voz), Sandra (guitarra y coros), Raquel (bajo) y Juls (batería).
Hay un poso de punk pop o garage rock. Algún beat muy 60’s. Ritmos ska. Latineo. Pero su signo distintivo ha sido otro. Y no ha sido ser mujeres, ni nada que se le parezca. Sino la desvergüenza, la falta de prejuicios con que han reivindicado cosas que parecían intocables para el mundo underground. Los ejemplos más ilustrativos han sido ‘La típica canción‘, por su letra, y ‘Paco y Carmela‘, por su sonido verbenero. Con un desparpajo y un humor que ya hubiera querido para sí la Fiesta Mayor de Miki, los conciertos de Ginebras son así de divertidos porque las fiestas de los pueblos, en general, solo nos han traído cosas buenas. Y nadie se había dado cuenta.
Esto ya lo vimos en ‘Ya dormiré cuando me muera‘, tan peculiar que fue capaz de sobrevivir a una pandemia siendo un disco de debut. Y el segundo que ahora publican va más allá en su desafío. Ya no cantan sobre Crystal Fighters en un tema más pegadizo que media discografía de Crystal Fighters. Ahora su invitado estelar se llama Dani Martín. A él es a quien han llamado para uno de los singles, el que habla sobre ser un ‘Desastre de persona’, y ya solo por escucharle cantar en femenino merece la pena. Y yo pensando que el ex líder de El Canto del Loco representaba todo lo que amo-odio de la masculinidad… Así de perdidos vamos en el «mundo underground».
Las nuevas canciones de Ginebras mencionan a Elvis o a Rosalía, pero es de La Oreja de Van Gogh de quienes nos acordamos en los giros melódicos de ‘Billie Max’, ‘Ansiedad’ y en ‘Muchas gracias por venir’. Las influencias incluyen cosas tan inabarcables como el indie surfero (‘En bolas’), los ritmos latinos y jamaicanos (‘Rapapá’) o el electro (‘Lunes negro’). El asunto es tan loco que ‘En bolas’ incluye un ¿rap? sobre «espaguetis a la carbonara» (con huevo, no con nata) y «no tener el coño depilado», y al final hay una subida de medio tono. O como para terminar ‘Omeprazol’ con un festín de vientos ska cuando el tema había empezado no sé si en plan «girl group» o en plan «Nikis».
Ginebras nos hablan en el disco de cosas cotidianas y sociales: ‘Billie Max’ termina exponiendo las interminables obras de Madrid, y ‘Alex Turner’ es una crítica al mansplaining muy evidenciada en su videoclip. También cabe el retrato de qué ha significado su reconocimiento popular: ‘Ansiedad’ habla de la esclavitud de la industria, y de manera «meta», la justísima balada ‘Muchas gracias por venir’, retrata cómo sienta grabar en Abbey Road.
Para sorpresa de nadie, el disco es mejor cuando canta sobre cosas que hemos vivido todos. No hay suficientes canciones hechas en el mundo para ese calvario llamado lunes y ‘Lunes negro’ con Karavana es una grabación muy divertida al respecto, como ‘Desastre de persona’ recuerda que la obligatoriedad de trabajar no ayuda nada cuando estás muy perdidx, y ‘Alex Turner’ nos hace canturrear contra ese GILIPOLLAS con que todos hemos tenido que lidiar.
«Billie Max» es un personaje imaginario que representa a las 4 Ginebras y a su música. Si el público ve en Billie a alguien con sus mismas costumbres e inquietudes, puede terminar siendo para ellas tan relevante como «John Boy» lo fue para Love of Lesbian.
GAZZI es uno de esos productores españoles que poco a poco estamos empezando a ver confirmado en los festivales más importantes de nuestro país. El año pasado ofreció un asombroso set en Cala Mijas, también actuó en el Sónar y en Primavera Porto, y este año está en la cartelera de Bilbao BBK Live y Mallorca Live. Le veremos en más sitios: esta misma noche actúa en El Sol de Madrid y el próximo viernes 7 de abril lo hará en la sala Razzmatazz de Barcelona. De cara a los sets que le esperan, GAZZI ha publicado hoy 30 de marzo nuevo EP por sorpresa, ‘no pasa nada’, que se compone de cuatro tracks antes inéditos.
Detrás del alias de GAZZI se esconde Pablo Jiménez, DJ y productor de Linares, Jaén, pero afincado en Madrid (antes en Granada) que lleva publicando música desde hace unos pocos años. GAZZI empezó a despuntar durante la pandemia y en 2020 editó el EP ‘In the Club’, compuesto por producciones de bass tribal como ‘4 the 1st Time’ o ‘Stay with Me’.
Después llegó el EP ‘Ella’, el que contiene sus tres mayores hits. En este trabajo, GAZZI casa la electrónica con el reggaetón. ‘No sale ya casi la pobre’ le hace sonar como Jamie xx sampleando el ‘Baila baila baila’ de Daddy Yankee, ‘Quiere vacilar na más’ repite fórmula con el ‘No quiere novio’ de Tego Calderón, y ‘Ella’ sube la apuesta con una base que podría haber firmado Burial… solo que él no se habría atrevido a samplear a Rauw Alejandro para dar con el «hook» vocal adecuado.
Pero GAZZI es tan capaz de divertir como de emocionar. También en 2021, en el plazo de unos pocos meses, editó su álbum debut ‘I know you’ll be here’. En él, Jiménez refinaba su sonido de atmósferas ambientales, ritmos rotos y samples vocales en 10 cortes inspirados en el post-dubstep, el breakbeat y en el house más sofisticado. Sus producciones admitían ya un elevado grado de emotividad, como ‘Murta’ o ‘Boy’, y no tenían nada que envidiar a las creaciones internacionales.
Últimamente, GAZZI ha seguido engrosando su repertorio con más buenas producciones. La última es ‘je suis’, otra joya de electrónica emotiva con influencias UK Garage y voces (esta vez masculinas) que sobresale en su repertorio. Otro de los lanzamientos recientes de GAZZI son ‘i found love’ o ‘Chico Serio’, su colaboración con Hnos Mnoz.
BRAVA, el festival de Madrid que apuesta por el pop, y que se celebra los días 22 y 23 de septiembre, suma un nuevo nombre a su cartel, el de Lolahol. Ella es Lourdes León, hija de Madonna, que últimamente ha dado sus primeros pasos en la música con la publicación del EP ‘Go’. El concierto de Lolahol en España será el primero de su carrera. Ha dado la exclusiva Shangay.
Editado por el sello Mad Decent, en el minidisco de Lolahol encontramos producciones de su amiga Eartheater e influencias del jungle o el trip-hop. El single de presentación, ‘Lock & Key’, se acerca al millón de escuchas en Spotify.
BRAVA Madrid da así otra sorpresa, aunque todo su cartel lo es: Sugababes se encuentran entre los artistas confirmados, en lo que podemos describir como un milagro. Mika, Melanie C y Natasha Bedingfield conforman la letra grande del cartel junto a Ojete Calor.
Además, el festival contará con algunos de los nombres favoritos del pop actual, como Belén Aguilera, Samantha Hudson, Ladilla Rusa, Luna Ki o Vicco, así como con Jimena Amarillo, María Escarmiento, Marta Sango, Fusa Nocta, Luc Loren, La Prohibida & Algora, Inés Hernand, DJ Suri, Ana Julieta, Laceral, Blondex y una fiesta especial de BRESH.
Brava ha puesto los últimos abonos a la venta, disponibles en su web, a un precio de 32,50 euros + gastos de gestión.
El festival gallego O Son do Camiño, que se celebra los días 15, 16 y 17 de junio en el Monte do Gozo de Santiago de Compostela, ha desvelado su cartel de 2023, en el que figuran varios de los artistas más exitosos del momento, en el que describe como su cartel «más ambicioso hasta la fecha».
La apuesta de O Son do Camiño admite estrellas de la música latina, del pop, de la electrónica y del indie-rock. Bizarrap, Aitana (que estrena single hoy), Eladio Carrión, Steve Angello (integrante de Swedish House Mafia), Maluma, Duki, Leiva y Trueno se encuentran entre los confirmados. También Tokischa, Alesso, Alt-J, Royal Blood, Morten, Vetusta Morla, Wolfmother, Kaiser Chiefs o The Kooks aparecen en la línea grande.
En la línea media o pequeña encontramos nombres favoritos del indie nacional, como Ginebras, Viva Suecia, Sila Lua, Delaporte o Niña Polaca. Buena parte de los artistas confirmados son gallegos, según el festival, entre los cuales figuran Xoel López y dani, autora del recomendable ‘Posdata‘.
El programa de O Son Do Camiño se completa con Nervo, Marlon, Mavica, Chica Sobresalto, Anaju, Nano, The Rapants, Babykatze, Flaca, Groove Amigos, Michenlo, Toccororo, Fillas de Cassandra, Alexandre Sam, Galician Army, Chico Blanco, Karras Martínez, Yung Prado, Bárbara Lago, Bastian Bux, Fer BR, Mëstiza y Thom Archi. Por otro lado, la «fiesta más linda del mundo», Bresh, harán un evento especial dentro del festival.
O Son Do Camiño pondrá los últimos abonos a la venta el 31 de marzo a las 12.30 horas, tras agotar los 33.000 primeros en horas. Las entradas y la programación por días están disponibles en su web.
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