El estreno en cines de ‘Michael‘, el biopic de Michael Jackson que versa sobre su ascenso a la fama, está siendo un éxito. En Estados Unidos ha recaudado 97 millones de dólares en sus primeros días, lo que constituye un récord como biopic musical. ‘Straight Outta Compton’ debutó con 60 millones de dólares y ‘Bohemian Rhapsody’, con 51 millones.
Eso sí, ahora el film deberá alcanzar los 910 millones de dólares que recaudó de manera global el biopic sobre Freddie Mercury.
El éxito del biopic, pese a las malas críticas, ha implicado que el catálogo de Michael Jackson suba en las plataformas de streaming. Por ejemplo en el Global de Spotify se ha destacado ‘Billie Jean’, que llega por primera vez al top 10 mundial (número 9). Como curiosidad, están triunfando temas que no aparecen en la película (que no llega a los años 90). Y sin embargo, no llegan al top 200 los temas de Jackson 5 que sí salen en el film.
Los temas en el Global de Spotify a fecha de sábado 25 de abril son los siguientes:
9.-Billie Jean
28.-Beat It
109.-Smooth Criminal
112.-They Don’t Care About Us
114.-Don’t Stop Til You Get Enough
154.-Rock With You
161.-The Way You Make Me Feel
Con estos datos, parece seguro que se llevará a cabo la segunda parte de la película, muy necesaria, pues el relato de la cinta deja demasiadas cuestiones del artista sin tratar.
‘algo para regresar’ de julia amor es un disco lleno de canciones tan emocionales como ‘buscando unos brazos’. De manera que, invitada a participar en nuestra sección Meister of the Week, comisariada por Jägermusic, ha decidido hablar de eso, de emociones.
La artista demuestra haber realizado un verdadero «master» en las mismas, reflexionando sobre la importancia de que nos comuniquemos con ellos, o de la naturalidad con que este tema se ha ido instalando en la conversación popular, a diferencia de lo que sucedía hace unos años. Es curioso que en ocasiones su música sea precisamente luminosa, pero también hablamos de ese contraste.
En esta sección los artistas suelen hablar de algo de lo que sean «fans». ¿Podemos concluir que eres fan de las emociones, pues es el tema que has elegido? ¿Por qué lo has elegido?
Es un tema con el que he estado obsesionada mucho tiempo. Empecé a hacer terapia bastante pequeña, con unos 10 años. Me gustaba ir al psicólogo porque me ayudaba a entender por qué se creaban ciertos conflictos, me daba claridad y me tranquilizaba. Un poco más mayor empecé a leer sobre psicología, me interesaba cada vez más, y dicho interés acabó derivando en las emociones cuando empecé con una terapeuta increíble que me explicó su función. Es muy común reprimir emociones, intentarlas controlar. Y a mí, entender la forma en que actúan, me ayudó mucho a soltarlas y a sanar mi relación con algunas emociones en específico. Y este interés puramente de auto-ayuda derivó finalmente en fascinación.
Por un lado, me parece información imprescindible, absolutamente siempre son útiles, por dolorosas que sean. Igual que conocemos cómo alimentarse bien, cuántas horas dormir… Hay que saber que hacer frente a las emociones y cómo. Mucha gente dice que cuerpo y mente son una sola cosa, y yo veo las emociones como un puente entre cuerpo y mente, un gran canal de información. Cuando una emoción no ha podido comunicarse e irse, se queda en tu cuerpo, se transforma y busca otras formas de ser escuchada. Para entender esto me ayudó mucho el libro de ‘Lo bueno de tener un mal día’ de Anabel González.
Las emociones tienen un papel crucial en la supervivencia. Es decir, los animales también tienen emociones, cada especie con sus matices, pero el instinto de supervivencia se sirve, entre otras cosas, de las emociones para que los animales sobrevivan. Tanto ellos como nosotros reproducimos patrones sin parar. Al final las emociones también son matemáticas, pero tienen una forma de manifestarse y existir, son canales tan poderosos de creación, comunicación, de conexión entre nosotros… Me parece que no solo te hacen una persona más fuerte, sino también más conectada a tu intuición y a tu subconsciente. Y eso tiene mucho valor a la hora de crear algo. Cuando haces una canción, estás abriendo un canal entre tu subconsciente y lo terrenal, tengas buena relación con tus emociones o no, eso es así. Pero creo que es muy útil tener una intuición bien afilada, y tener el subconsciente bien abierto. Es como si estás en una habitación con una ventana gigante pero estás en el suelo. Si te levantas de repente tienes muchísima más perspectiva. Me parece que hay algo sagrado en la capacidad que tenemos los humanos para la creación y la expresión, que tiene que ver con activar nuestra conciencia.
«Hay algo sagrado en la capacidad que tenemos los humanos para la creación y la expresión, que tiene que ver con activar nuestra conciencia»
Hablas de «la importancia de las emociones como forma de supervivencia», ¿qué quieres decir en el plano más estrictamente pasional o mental?
Hablo del plano mental. Una emoción tiene la función de darte información, de la misma forma que cuando tocas algo muy caliente recibes una señal en el cerebro para que apartes la mano. Por ejemplo, la vergüenza cumple una función de integración social. Somos un animal sociable y sentimos vergüenza para evitar hacer algo que pueda alejarnos del grupo. El asco tiene la función primitiva de evitar que te intoxiques. Y así todas las emociones.
Los ejemplos que he puesto son muy básicos pero en realidad toman partido de formas muy complejas y no es tan fácil tener una buena relación con ellas. Por ejemplo, si yo no tolero bien la culpa, porque me pone en un lugar de malestar físico extremo o la siento de forma desproporcionada (la culpa siempre es una emoción desagradable, por eso hablo de malestar extremo), puedo entrar en dinámicas de ser complaciente con los demás, no poner ningún límite porque en el fondo estoy evitando hacer algo que me haga sentir culpable. Entonces omito mi voluntad, me dejo en un segundo plano. Puedo incluso llegar al punto de no saber lo que quiero, por haber priorizado demasiado tiempo lo que querían los demás.
Si no tengo miedo a enfrentarme a mis emociones, a escucharlas y dejar que mi cuerpo las sienta, debería poder preguntarme «¿Por qué no tolero la culpa?» E intentar no huir de ella. Así esta puede comunicar e irse. Y por otro lado, todas las preguntas que puedas hacerte respecto a esa emoción te ayudarán a conocer tus patrones, heridas por cerrar, y en general conocerte mejor. Cuanto más contacto tienes con ellas y mejor relación, más puedes saber qué necesitas, establecer límites, iniciar diálogo contigo misma…
¿Qué relación haces entre esto y el mundo de los sueños?
Los sueños cumplen una función importantísima y muy interesante en todo esto, ayudan a regular la vida emocional. Durante la fase REM el cerebro asimila todo lo que ha pasado durante el día, y todo lo que la persona ha sentido. Cuando hay emociones evitadas o no gestionadas, estas se manifiestan de forma simbólica en los sueños. Como decía antes, la emoción solo quiere ser escuchada, y el cerebro la reproduce sin parar hasta que se integre. Me gusta mucho porque se parece un poco a cuando escribes una canción y accedes a un rincón de tu imaginario que no sabías que tenías. Yo antes era muy racional a la hora de escribir las letras y si me salía algo de forma instintiva que se salía de lo que yo explícitamente quería comunicar en la canción, me parecía aleatorio y no me gustaba. Ahora confío mucho más en lo que “sale solo”, porque aunque parezca que sale de la nada, no es así.
¿Crees que entrar en contacto con las emociones es algo generacional, de la generación que habla de salud mental, que va a terapia? ¿Ves ese contacto con las emociones en tus padres o abuelos?
Sí, nuestra generación está mucho más familiarizada con la salud mental que las generaciones pasadas. E ir al psicólogo implica entrar en contacto con tus emociones, al menos intentarlo. Pero aun así, la terapia debe terminar y el diálogo con las emociones tiene que existir siempre. Es decir, obvio tiene que ver pero me parecen dos cosas que aunque son complementarias, son distintas.
Aun así, como decía al principio, yo fui al psicólogo muy pequeña (y gracias a mis padres), y recuerdo que lo llevaba en secreto, y que en ese momento nadie decía que iba a terapia. En todos estos años ha cambiado muchísimo. Y me alegro, aunque haya traído también cosas malas, como todo.
En el plano creativo, ¿la música es una manera de canalizar emociones tanto para artistas como para fans?
La música y el arte en general es una forma buenísima de canalizar emociones, es una forma de manifestación del inconsciente. Para el artista obviamente, pero para fans también porque cuando conectas con algo lo haces porque tu inconsciente se activa.
«La música y el arte en general es una forma buenísima de canalizar emociones, es una forma de manifestación del inconsciente»
Como fan, ¿qué música te ha servido para valorar o vivir «la importancia de las emociones»?
Creo que toda, por lo que comentaba antes. Sea de forma más o menos consciente estás conectando con algo que te emociona. No tiene que ser algo muy profundo, cuando simplemente te divierte una canción también estás conectando con un sentimiento.
Cuando se habla de emociones me da la sensación de que siempre se percibe como la parte más excéntrica o dramática de la sensibilidad, pero no tiene por qué, es solo una parte de un espectro gigante.
Aun así diría ‘Val Miñor’ de Iván Ferreiro, ‘It’s okay’ de Maro, ‘Glow’ de Alice Phoebe Lou, ‘Lo que aletea en nuestras cabezas’ de Robe y ‘Beware of the dogs’ de Stella Donnelly, ¡por ejemplo!
«Cuando se habla de emociones me da la sensación de que siempre se percibe como la parte más excéntrica o dramática de la sensibilidad, pero no tiene por qué»
No sé si has visto esa escena de Bridget Jones en la que ella canta y hace como que toca la batería como ‘All By Myself’. Es muy cómica pero ella está «living». ¿Alguna escena cinematográfica en la que se hayan desahogado grandes emociones a través de la música?
¡No he visto Bridget Jones! Quizás debería. Diría la escena de ‘Los Tenenbaums’ en la que Richie está en el baño, se corta el pelo y se afeita. Me parece una canción perfecta y para nada obvia para ese momento, y toda esa escena (y la película) me encanta.
Es además, un tema importante en tu discografía, por ejemplo en ‘buscando unos brazos’, ¿cuál dirías que es tu tema más desesperadamente emocional?
Todos… jajajaja. Pero si tengo que escoger diría ‘ciudad gris’, ‘las cosas que morirán’ o ‘algo para pasar los días’.
¿Y cuál crees que sería el más frío, el más cerebral, el menos emocional de algún modo?
Creo que ‘como una foto’.
Solemos buscar grandes emociones en las letras, pero también está la música, el tipo de riffs de teclados, los clímax de la canción, las estructuras. ¿Crees que tu música en cuanto a composición y producción, sin letras, es tan emocional como tus letras?
Sí, pero es curioso porque de forma inconsciente en casi todas las canciones hemos mezclado letras tristes y melancólicas con una música energética y animada. Después con perspectiva nos hemos dado cuenta de que seguramente nos funciona tanto porque este contraste hace una compensación. Me gusta esa idea porque da una sensación de aceptación y rendición ante eso que se está contando.
Monte Ventura son de Málaga y debutan en LP de la mano de El genio equivocado. No son noveles, por eso: David Verge y Ernesto García llevan publicados varios EP’s desde 2019. Además, incorporan en sus filas a Saray Botella (Hazte Lapón, Pequeño mal) y Pedro Miñana y Juan Ortega de Arista Fiera: gente versada en el pop detallista y hecho con mimo, lo que los sitúa entre La Bien Querida, los Planetas más dulces, La Buena Vida y el Baix Llobregat. La voz de David Verge también remite a Joaquín Pascual (Surfin’ Bichos, Mercromina).
Y con mimo está grabado ‘A tiempo de nada’, producido por los barceloneses Caballo Grande. Un título fatalista para un disco que no suena a tal… A pesar de algunas letras que reflejan malestar emocional. Pero lo bonito de las melodías y los arreglos quitan cualquier atisbo de amargura.
‘A tiempo de nada’ arranca de manera pletórica con ‘Cae el rayo’, un fastuoso spaghetti western al sol del atardecer, con toques de mariachis y pasodoble. Pero el disco también rebosa de valses, barroquismo sesentas y canon de Pachelbel. Todo muy bien tocado. No hay más que escuchar la fanfarria de fiesta mayor mediterránea con la que cierra ‘Trasteros.
Hay también mucho de The Magnetic Fields: los más acústicos en un vals como ‘Cantaleta’, o los techno-pop en ‘La voz cantante’, divertida canción sobre voces principales y segundas: “La voz cantante tiende a desafinar/si no tiene a quién mandar”. Producida por Manuel López (Buenatarde), está bien coronada por un in crescendo emocionante.
El toque folklórico, de rumba distorsionada, impregna ‘La imagen absoluta’, entre sintetizadores fragmentados y romance, entre la alegría y un tenebroso impasse techno. El álbum cierra con ‘En cuanto al futuro’. Abre con una línea de órgano eclesiástico muy carismática, que se te mete en la cabeza, para luego romper y volver a la plaza del pueblo, otra vez de fiesta mediterránea. Una mirada al verano, que trae memorias y anhelos.
‘A tiempo de nada’ es un disco pequeño y hermoso ,que remite a cosas conocidas y confortables, sin renunciar a su propia personalidad. Un disco de gente que lleva tiempo invirtiendo tiempo y cariño en esto, por eso tiene esa sabiduría, frescura e inocencia a la vez.
‘EL BAIFO’ de Quevedo volverá a ser un disco multiplatino en España, esta vez aupado por el significado social del álbum para Canarias. La pregunta es si superará los datos de ‘DONDE QUIERO ESTAR’ (6 discos de platino) o al menos ‘BUENAS NOCHES’ (3 discos de platino, aún top 10 en España).
Las cosas van bien encarriladas. Las 14 canciones de ‘EL BAIFO’ se posicionan en el top 15 de Spotify España y también de Apple Music España. Su repercusión internacional en cambio es más limitada y apenas encontramos estas canciones en el top de Uruguay y Venezuela, en posiciones modestas.
En nuestro país, sí sabemos que el disco está gustando mucho porque en las listas los singles ‘NI BORRACHO’ y ‘SCANDIC’ aparecen aparcados en favor de las canciones colaborativas. De hecho, ‘NI BORRACHO’ es la canción menos escuchada del álbum en Apple.
Están gustando especialmente ‘LA GRACIOSA’, que puede dar a Elvis Crespo un número 1 en España, y ‘ALGO VA A PASAR’ con La Pantera, Lucho RK y Juseph. Pero también los primeros temas que aparecen en el álbum, como ‘CAPRICHOSO’ y ‘EL BAIFO’. Por el contrario, el tema menos favorito del público es la balada ‘MI BALCÓN’. En una semana sabremos definitivamente cuál es la canción que desbanca del número 1 ‘KOKO’ de Omar Courtz.
Spotify España:
1.-La graciosa
2.-Algo va a pasar
3.-Caprichoso
4.-El Baifo
5.-Gáldar
6.-Al golpito
7.-Está en casa
8.-Scandic
9.-Ni borracho
10.-2010ypico
11.-Hookah y calor
12.-Hijo de volcán
13.-Flakito
15.-Mi balcón
Apple Music España:
1.-La graciosa
2.-Caprichoso
3.-El Baifo
4.-Gáldar
5.-Al golpito
6.-Algo va a pasar
7.-Está en casa
8.-2010ypico
9.-Hookah y calor
10.-Hijo de volcán
11.-Scandic
13.-Flakito
14.-Mi balcón
16.-Ni borracho
Madonna continúa con la promoción de ‘Confessions II‘ antes de su lanzamiento el día 3 de julio. La boda de Taylor Swift no será el único gran acontecimiento de ese día.
Tras “invadir” Grindr con el anuncio de un vinilo exclusivo y, antes, presentar un tema inédito con Sabrina Carpenter en Coachella, la artista ha organizado una fiesta en el histórico bar LGBTQ+ The Abbey, en West Hollywood.
Acompañada por Stuart Price a los platos, Madonna ha bailado temas del original ‘Confessions on a Dancefloor’, además de algunas canciones inéditas de su próximo trabajo, entre ellas una posiblemente titulada ‘Freedom’. También ha presentado ‘I Feel So Free’, su actual nuevo single, y ‘Thief of Hearts’, un tema de ‘Erotica’ (1992) que ha sido viral en TikTok.
El evento, introducido por un DJ set de Romy previo a la aparición de Madonna, ha contado con la aparición sorpresa de Addison Rae, una de las estrellas del pop actual. Desde hace tiempo se rumorea que Rae y Madonna han grabado una colaboración.
La acción, enmarcada en un evento llamado Club Confessions, muestra a Madonna luciendo un velo similar al de la portada de su disco. La iniciativa recuerda a la estrategia promocional del primer ‘Confessions on a Dancefloor’, cuando la artista presentó en el Roxy de Nueva York varios temas del álbum antes de su lanzamiento, en una sesión de DJ junto a su productor.
— Madonna Madgesty 👑 | CII 03.07.26 (@MadonnaMadgesty) April 26, 2026
Madonna debuted a new "Confessions II" track, probably called "Freedom," at the Abbey early Sunday! Via @ philliytswehonights on Insta: pic.twitter.com/TDejVvizX5
Madonna dancing to her own Thief of Hearts at Club Confessions — the Erotica deep cut that’s been taking over TikTok lately 🪩👑 pic.twitter.com/kvEIz1WmEX
El Disco de la Semana está siendo ‘Oniria popular‘, que puede ser el mejor disco de toda la carrera de Xoel López en solitario. Como mínimo, el que “mejor equilibra sus influencias anglosajonas con las nacionales, y en menor medida las latinas”, citando la crítica de este mismo medio.
Una de las canciones clave de ‘Oniria popular’ es ‘Campos de Castilla para siempre’, hasta el punto de que la propia canción sirve para abrir y cerrar el álbum en dos versiones distintas: la primera más rockera, la segunda más folk.
‘Campos de Castilla para siempre’ narra un viaje en coche desde A Coruña a Madrid, entendiendo el automóvil como un espacio que propicia “la reflexión y el balance”, en contraste con la rapidez de la vida urbana. López se vale de dos referencias para desarrollar la composición: por un lado, la lírica de Antonio Machado; por el otro, la psicodelia de los Beatles.
La emocionante canción se apoya en un imaginario profundamente evocador de Machado, en su uso de símbolos relacionados con el camino (“el camino no miente”), el paisaje castellano (“sangran los viñedos”, “las uvas de los surcos de Dios”) o la mención explícita a Soria. Los Beatles están invocados en el título, pero también en la composición musical, de carácter psicodélico y pop.
La conexión con los Beatles va más allá, ya que ‘Campos de Castilla para siempre’ ha sido mezclada y masterizada por David Greenbaum, que ha trabajado con Paul McCartney. Con una lujosa paleta instrumental que incluye sintes, guitarras, cuerdas, órgano Hammond y coros, López construye un poema psicodélico sobre un yo en tránsito, que “encuentra en el coche el último remanso de paz e introspección, un lugar para hacer balance y dialogar consigo mismo”.
La 70ª edición de Eurovisión se celebrará el 12 de mayo en el Wiener Stadthalle de Viena, pero lo hará sin España. Como se anunció el pasado mes de diciembre, RTVE ha decidido abandonar el festival y no retransmitir esta edición por la continuidad de Israel en el certamen mientras continúa el genocidio sobre suelo palestino.
Entre las voces que han opinado sobre el boicot de España a Eurovisión está Alaska. La que fuera presentadora del Benidorm Fest se ha pronunciado durante una entrevista en La Hora Extra de la Cadena SER, coincidiendo con la presentación de su nuevo disco con Fangoria, ‘La verdad o la imaginación’.
Alaska ha lamentado la retirada española desde su perspectiva de seguidora del certamen. Para ella, Eurovisión sigue siendo, ante todo, “un festival de música”, y se ha mostrado contraria a cualquier boicot o exclusión cultural, incluso aunque pueda compartir los motivos políticos o humanitarios que los impulsen. “Yo no entiendo el boicot, me parece una forma de exclusión”, ha afirmado.
Cuando el periodista Dani de la Fuente le plantea si el “blanqueamiento” de un genocidio o la exclusión de Rusia del certamen, pero no de Israel, no serían motivo suficiente para aceptar ese boicot, Alaska responde categórica: “Si ustedes quieren hacer un festival de las Naciones Unidas musicales, háganlo, pero para mí es un festival de música”.
Aun así, Alaska sí ve con buenos ojos que el Benidorm Fest pueda sobrevivir de forma independiente como formato televisivo propio.
El segundo largometraje de la directora alemana Mascha Schillinski, ganadora del Premio del Jurado en Cannes (ex aequo con ‘Sirât’), es una de esas obras cuya singularidad y virtuosismo dejan al espectador removido y en estado de shock. ‘El sonido de la caída’ cuenta la historia de varias mujeres en una misma casa rural durante aproximadamente un siglo, desde principios del XX hasta prácticamente la actualidad. Su narrativa impresionista, que en un principio confunde, va poco a poco adquiriendo nitidez conforme empiezan a encajar las piezas del complejísimo engranaje narrativo que despliega la cineasta.
El tema principal sobre el que orbita la película es el trauma de las mujeres a lo largo de la historia. Una herida que es intergeneracional, y que pese a los avances sociales que han mitigado parte del sufrimiento de la experiencia femenina, nunca ha dejado de sangrar del todo. Así, los personajes de ‘El sonido de la caída’ (interpretados por un elenco extraordinario) son criaturas atrapadas en un sistema opresor del que anhelan liberarse, siendo plenamente conscientes de la imposibilidad de hacerlo. Schillinski no da pie al optimismo, convirtiendo su obra en una dolorosa exploración de todas las vidas de mujeres atravesadas por la violencia, y plasmando con una poesía emocionante su voluntad de desaparecer para siempre.
Sin embargo, no hay ni una pizca de didactismo, ni ninguna intención de dar sermones a nadie. Es más, la cineasta propone una narración muy exigente y no lineal, que no facilita la información al espectador, sino que lo adentra en un juego fascinante, aprovechando al máximo el medio cinematográfico con imponentes movimientos de cámara.
Cada plano está compuesto con una meticulosidad y un preciosismo apabullantes, pero no son postales vacías. La belleza pictórica de la propuesta está respaldada por un guion muy inteligente y lleno de símbolos, que eleva el sentido visual sensorial tan único que le imprime Schillinski.
Por momentos, el estilo de la directora puede recordar a la frialdad de otros cineastas europeos como Haneke, aunque aquí hay un acercamiento mucho más empático hacia el calvario de sus protagonistas. Realmente no existe ninguna película parecida a ‘El sonido de la caída’, y eso es lo que hace que su valor sea aún más grande si cabe.
Su originalidad brilla tanto en su suntuoso dispositivo formal, como en su manera tan lírica y fantasmagórica de contar una historia de gran crudeza, en la que se habla, entre otras muchas cosas, de sobrevivir a las guerras (y a sus secuelas) y a la violencia sexual. Schillinski sumerge al espectador en un universo lúgubre que sobrecoge, sacude y hace levitar como solo lo hacen las grandes obras de arte.
Tokischa no llega precisamente virgen a su disco de debut. La hemos visto arrasar en colaboraciones con Sevdaliza y Villano Antillano, con Bad Gyal y Young Miko, ha publicado un par de temas con Rosalía -a destacar ese bombazo llamado ‘Linda’-, ha trabajado con J Balvin y Anuel… y bueno, también ha introducido a Madonna por teléfono en el programa de Broncano.
Por todo eso no podemos sentir que Tokischa Altagracia Peralta Juárez esté debutando ahora. Y sin embargo, ‘AMOR Y DROGA’ evidencia su falta de experiencia secuenciando canciones y reuniendo conceptos, para lograr que un trabajo de hasta 17 composiciones funcione de principio a fin. Incluyendo algunas canciones recientes, y otras muy antiguas -demasiado-, recurriendo indistintamente al dembow, al reggaeton, o incluso al electroclash y al rock. En los tiempos de ‘Debí tirar más fotos‘, ‘LUX‘ y ‘EL BAIFO‘, ‘AMOR Y DROGA’ suena más bien a mixtape.
Sí hay cierto acuerdo conceptual en la temática de ‘AMOR Y DROGA’. La artista repite varias veces que «el amor es una droga» y nos va contando por un lado cómo era su relación con diferentes sustancias hasta que fue capaz de dejarlas; y por otro, cómo abandonó una relación totalmente tóxica con un hombre con el que incluso se pegaba, para ahora disfrutar de una relación muchísimo más sana. Esto último se materializa en la pista final, la esperanzadora ‘NANI’.
Algo pueril incluso en los momentos más meditativos (‘DIVA Y DEPRESIVA’, sobre un viaje de MDMA), ‘AMOR Y DROGA’ puede ser el disco más explícito del año. Kase.O huele bragas en ‘MONO’. La misma ‘DIVA Y DEPRESIVA’ -la canción espiritual, con permiso de ‘VACÍA’- te cuenta lo que tiene Tokischa en la vagina. Bulin 47 viene a a hablar de su «pene», de sus «granos», de sus «pelos» y literalmente de echar «su leche en un vaso» en ‘CELOS’. En un álbum de Tokischa estaba preparado para que pasara lo que Dios quisiera que pasase con el «squirt», pero no para esto.
Este descaro y esas rimas tamaño «súbete a mi moto, que te rompo el toto» (‘TOTO’) son idóneos para la inclusión de beats a lo Miss Kittin en ‘DROGA DE DISEÑADOR’, pero este tema y muchos otros carecen del ingenio de Las Bistecs. Son puro «caca, culo, pedo, pis». En verdad, el formato en que encontramos a Tokischa más cómoda suele ser el dembow, aunque ‘MIAMI’ resulte algo repetitiva respecto a lo que se presenta antes en la secuencia con ‘CELOS’, que ya era muy repetitiva respecto a lo que encontrábamos en ‘Linda’.
Si se trataba de novedades, la aportación de Diplo en ‘Mi novio’, y la de Skrillex en la estupenda ‘SURFBOARD’, es una pena que no tengan ninguna continuidad en este trabajo. Entre detalles de trance, un mood muy chulo y guiños a ‘Safaera’, esta es la Tokischa que hoy por hoy más puede molar. Pero ella prefiere recuperar reggaetones que su mánager no le dejó sacar hace tiempo porque en principio quería concentrarse en el dembow (‘PERREO LLORANDO’), meter rock (‘LOLA’, para una amiga, se inspira en ‘Tear You Apart’ de She Wants Revenge) o hacer spoken word (‘QUÉ ES EL AMOR’ tiene cierto «flow», eso sí).
Tokischa le pega indistintamente al rap de vieja hornada, con tintes jazzy no solo en la pista con Kase.O sino en ‘SU FRIDA’… en un ejemplo palmario de que quien mucho abarca, poco aprieta. Tiene que haber mejores formas de gastar mejor ese millón de dólares que Warner le ha dado para montar este álbum.
Cuando escuché por primera vez el nuevo single de Karol G, ‘Después de ti’, pensé: ¡qué influyentes están siendo The Marías! Luego descubrí que está directamente implicado en el tema Greg Gonzalez, líder de la banda de dream pop Cigarettes After Sex. Lo cual tiene todo el sentido del mundo, pues la parte instrumental de la canción no puede sonar más a los autores de ‘Apocalypse’.
La colaboración -estrenada en Coachella, y ahora publicada- no sorprende en términos comerciales, ya que, aunque Karol G está más arriba que nunca, los de Greg Gonzalez no pueden decir menos: ‘Apocalypse’ es uno de los mayores éxitos en streaming de los últimos tiempos, y la banda de Texas acumula cuatro singles que superan los mil millones de reproducciones solo en Spotify. Palabras mayores.
En lo estilístico, la unión sí es más inesperada, ya que Karol G no solo es una artista conocida por sus éxitos de reguetón, sino que está directamente inmersa en la promoción de un disco, ‘Tropicoqueta’, que homenajea la historia de la música latina. En cambio, el nocturno y austero dream pop de Greg Gonzalez no encaja, en principio, en su universo.
Pero ‘Después de ti’ no es la primera colaboración sorprendente de la historia, y lo mejor es que la canción funciona a varios niveles: en primer lugar, se agradece escuchar una canción del estilo de Cigarettes After Sex interpretada en español. Karol G, cuyo bonito timbre y sentida manera de cantar resultan idóneos para la canción, lamenta una ruptura y, en frases como “Es que después de ti se me acabó la vida / No aprendo a vivir sin tu compañía / Por este dolor, fabrico fantasías”, recuerda a Rocío Dúrcal, a la vez una de las influencias de su último disco.
En segundo lugar, ‘Después de ti’ recuerda que la música siempre logrará anteponerse a lo identitario y, mientras nos obliga a recalibrar qué tipo de canción esperamos de ciertos artistas, logra ponernos melancólicos y, a la vez, reconfortarnos.
El que fuera uno de los grupos clave del electro-house de principios de siglo, Digitalism, quienes con su disco de 2007 ‘Idealism‘ irradiaron de sintetizadores y ritmos electrónicos los escenarios de medio mundo, después colaborando con artistas de la talla de Daft Punk o Depeche Mode, continúan su carrera y este año lanzarán su quinto disco, un trabajo nada casualmente titulado ‘Optimism’ que podrá escucharse a partir del 29 de mayo.
‘Optimism’ se ha presentado, hasta ahora, con dos sencillos. El más reciente, estrenado esta semana, es ‘Golden’, un tema de corte French House pero renovado. Igual de eufórico sonaba el primer avance, ‘Space Invaders’, de corte más dance-rock y nostálgico.
El dúo alemán formado en 2004 por Jens Moelle e İsmail Tüfekçi sigue en muy buena forma, comprometido con construir su propia utopía electrónica. Una utopía que llegará a España, por cierto, a finales de año.
Será el día 30 de octubre en la sala Wago de Madrid y el 31 de octubre en la sala Apolo de Barcelona cuando, desde España, podamos escuchar en vivo el material de ‘Optimism’. Ambas fechas se encuadran en una gira europea que incluye otras fechas en Londres, Roma, Ámsterdam o París.
Madonna consigue su 10º número 1 en JENESAISPOP con ‘I Feel So Free‘, ese tema que no parecía un single sino una presentación de ‘Confessions II’, pero finalmente sí ha sido enviado a las playlists «Novedades Viernes». M se ha impuesto con un 52% de los votos en nuestro Instagram, frente al 30% obtenido por Martin.
Los anteriores números 1 de Madonna en la web fueron ‘Get Together’, ‘4 Minutes’, ‘Give Me All Your Luvin’, ‘Living for Love’, ‘Ghosttown’, ‘Bitch I’m Madonna’, ‘Medellín’, ‘Crave’ y ‘God Control’. Entre las canciones que no recibieron el apoyo popular, ‘Popular’, ‘Turn Up the Radio’ o ‘Vulgar’.
La segunda entrada más fuerte es la de Jessie Ware en el número 3, mientras Olivia Rodrigo llega al top 5 y M.I.A., al top 10. Tyla y Zara Larsson llegan al número 11. En el último tramo encontramos a Holly Humberstone, My New Band Believe y Sean Nicholas Savage.
Recordad que podéis escuchar en Apple Music y en Spotify la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.
Parecen estar de moda las series que hablan del propio proceso creativo en cine y televisión, con ‘The Studio’ a la cabeza, y dentro de esa tendencia Prime Video se ha anotado el tanto de estrenar una de las apuestas más originales de la temporada. ‘Bait’ se basa en una curiosa premisa, explorando qué podría ocurrir cuando un actor británico de origen asiático audiciona para ser el próximo James Bond.
Lo que ocurre es que su vida se desmorona: el rumor de su posible confirmación como James Bond corre como la pólvora, levantando reacciones públicas salpicadas de sospecha, racismo e islamofobia, mientras que dentro de su propia familia el rumor -tratado como una confirmación- desata un caos de proporciones épicas.
La identidad de Shah Latif, londinense pakistaní, interpretado por Riz Ahmed, creador del show y actor protagonista, está por supuesto en el centro de la polémica explorada en ‘Bait’, pues de hecho la miniserie de seis episodios sucede en pleno Ramadán, y el “backlash” a su candidatura perturba profundamente su sentido de identidad y su seguridad personal, como candidato a representar la masculinidad británica.
‘Bait’ explora qué tipo de hombre puede ser James Bond en pleno siglo XXI y qué tipo de actor es “creíble” en el papel, curiosamente dentro de la misma plataforma -Prime Video- que ha comprado los derechos de la franquicia; y que, de momento, no coloca a ningún hombre moreno o negro en el rol protagonista, pero sí lanza esta serie metacómica y especulativa, de la que lo mejor y lo peor que se puede decir es que imagina escenarios no tan surrealistas, teniendo en cuenta cómo están las cosas.
La serie convence sobre todo en su faceta cómica, pero también difuminando géneros, pasando de la comedia al thriller según el episodio, marcándose bromas y chascarrillos francamente divertidos, sobre todo los asociados a la cultura pakistaní y a las dinámicas familiares, y también como exploración de la sacudida psicología del personaje principal, que, escrito en todo su patetismo -como ese momento en que acepta hacerse un selfie con un fan que lo confunde con Dev Patel-, resulta muy humano.
Hay un componente meta, kitsch y profundamente moderno en la sucesión de diferentes tonos narrativos: de la simbología de la cabeza de cerdo a la parodia del dramatismo de Bollywood, pasando por la paranoia del extremismo islamófobo, que ‘Bait’ subvierte de manera muy inteligente.
Donde Riz Ahmed no acaba de dar en el clavo es en el desarrollo del resto de personajes de la serie, ya que el suyo se explora en toda su dimensión, pero no tanto los personajes de su familia -su hermano, padre o madre-, que están escritos de forma algo estereotipada y superficial, simplemente como complementos de la vida de un actor con ambiciones que su familia quizá no comprende.
Algo debe perderse en el camino cuando has de contar una historia tan compleja y profunda en capítulos de menos de media hora de duración, pero precisamente la condensación de temas en tan poco tiempo invita a visualizar la serie compulsivamente, para descubrir nuevas líneas narrativas que quizás habías pasado por alto.
‘Bait’ es divertida, caótica, paranoica, enternecedora, y aunque el final no acaba de rematar la épica buscada, resultando algo forzada su estructura circular, solo por su originalidad merece un visionado. Ah, y por su banda sonora, que incluye joyas de SOPHIE, Jai Paul, la recientemente fallecida Asha Bhosle o una maravilla de Jorja Smith creada para la ocasión.
El éxito progresivo de sus primeros singles, luego de «Quédate» y ‘Playa del inglés’ y finalmente de su debut largo, ‘DONDE QUIERO ESTAR‘, dejó a Quevedo exhausto, a las puertas de una depresión. Decidió retirarse 9 meses cuando estaba en la cima. Tuvo ocasión de contarlo después, pero no le dio tanto tiempo a hacer un buen segundo álbum. Pese a que ‘BUENAS NOCHES‘ sigue en el top 10 en España, casi un año y medio después de su edición, era un disco deslavazado y apresurado que no decía nada en particular sobre la artisticidad de Pedro Luis Domínguez Quevedo.
El tercero, ‘EL BAIFO’, nos permite conocerle mucho mejor. El cantante ha abandonado Madrid, ha vuelto a vivir exclusivamente en Gran Canaria, y se ha empapado de la cultura de las islas para recordarnos que Canarias no solo es un destino turístico, sino una tierra con una historia muy rica, además de profundamente vinculada a Latinoamérica desde hace siglos. Que «Quevedo se ha hecho un Bad Bunny» es el titular fácil, pues hasta la intervención coral final de Los Gofiones remite a ‘Debí tirar más fotos’ (la canción). Pero hay tres puntos importantes que tener en cuenta.
El primero es que este disco va sobre Canarias, no sobre Puerto Rico, así que no puede ser lo mismo. El segundo es que Quevedo siempre ha reconocido la influencia de Bad Bunny, como también la de Cruz Cafuné. Incluso en la intro del álbum parece haber una cita a ‘Safaera’ («hoy se bebe…»). Y el tercero y quizá más relevante si hablamos de comparaciones, es que la fijación del artista sobre Canarias no es nueva. Cuando subió a Youtube su primer álbum, lo hizo con una película de una hora en la que recorría distintos puntos de las islas. Hace 3 años dejaron este comentario en dicho film: «Dudo mucho que alguien disfrute más de esta película que los canarios, es la mejor forma que tienen los artistas canarios de mostrar sus islas». Algo muy parecido va a ocurrir con este proyecto.
Quevedo tampoco se ha metido a hacer un disco de folía. Pero sí ha incorporado instrumentos tradicionales como el timple o las chácaras, en principio ajenos al reggaeton. Se oyen mucho, por ejemplo, en ‘HIJO DE VOLCÁN’. Las referencias a las islas se cuentan por decenas: ‘GÁLDAR’ recibe su nombre del primer lugar habitado por los aborígenes. ‘SCANDIC’ es una discoteca muy conocida a la que Quevedo nunca pudo ir porque cuando cerró aún era menor. Aparecen artistas locales invitados como la orquesta Nueva Línea. ‘LA GRACIOSA’ es la pequeña isla a la que ha llevado al mismísimo Elvis Crespo a grabar. Y mi favorita: ‘EL BAIFO’ toma su estribillo de una canción tradicional que los niños suelen cantar en el colegio (‘Vivo en un archipiélago‘).
El proyecto se sabe muy bien cerrado y además es humilde. El «baifo» es como se conoce en las islas al «cabrito joven». Lo que Quevedo nos quiere decir es que tiene mucho que aprender, algo que reconoce expresamente en ‘FLAKITO’, donde recuerda que tiene solo «veintipico». 24, para ser exactos. Muchos menos años que discos de platino. Pero aquí da un gran paso adelante en lo que es el «flow» del largo: nunca le había salido tan bien.
‘ESTÁ EN CASA’ y ‘CAPRICHOSO’ son indisociables; los primeros minutos del álbum, en plan reggaeton old school de los tiempos de Daddy Yankee, son un pepino (‘EL BAIFO’, ‘SCANDIC’); ‘LA GRACIOSA’ se envalentona después de la balada ‘MI BALCÓN’. Quevedo tiene una voz más apropiada para el bellaqueo que para estos menesteres, pero en esta ocasión ha decidido ponerse profundo. Son muy significativos ese momento en que parece que va a hablar de «fo-llar» y en verdad habla de «fo-rmar una familia» (‘2010YPICO’), y el cierre con ‘HIJO DE VOLCÁN’, donde habla de sus padres, de su fe, de las cosas que le importan.
Igualmente, ‘EL BAIFO’ presenta una atractiva fusión de géneros, que va mucho más allá del reggaeton: el single principal es un merengue de loquísimos bpm’s, ‘NI BORRACHO‘. El público devorará la colaboración ‘ALGO VA A PASAR’ con La Pantera, Lucho RK y Juseph, pero atención a los sintes de ‘HOOKAH Y CALOR’, aportados por el productor de electrónica GARABATTO, inspirados en Skrillex. Atención también al cierre acústico, hecho con timples, de ‘EL BAIFO’. Al modo en que ‘GÁLDAR’ deriva hacia la salsa con Tonny Tun Tun, uno de esos artistas latinos que han actuado mucho más en Canarias que en la península. O a cómo se aceleran los beats cuando entran Nueva Línea en ‘AL GOLPITO’.
«Al golpito» es una expresión que usan los canarios para hacer las cosas con calma. Otras letras referencian «chicharreros» (tinerfeños) y «conejeros» (lanzaroteños) porque Quevedo los quiere a todos por igual, entre otras referencias a carnavales, la playa de Las Canteras o el Teide. Si España está acostumbrada a devorar discos del género venidos del Puerto Rico, Colombia y Argentina, qué menos que tener un álbum de estas características, pasado por el filtro de una comunidad tan importante para nuestro país.
Gara Durán continúa desvelando las canciones que formarán parte de su álbum debut, el cual ella misma nos adelantó que salía este año. ‘Mi loco cowboy’ mostraba la cara más divertida y relajada de la artista. ‘Placer de Vivir’, su nueva colaboración con Natalia Lacunza, sigue la misma línea. Es un himno a la juventud y también la Canción del Día.
La instrumentación de ‘Placer de Vivir’ es minimalista y onírica, recordando a algunas canciones del EP ‘ALKIMIA’, como ‘Kryptonita’. Sin embargo, mientras que aquellos temas se abordaban desde un fondo de oscuridad, ‘Placer de Vivir’ no podría ser más luminosa, desde la letra hasta la irresistible melodía. El tema es un placer sencillo, como las mejores partes de la vida.
Gara canta sobre caminar por la calle «a paso firme» en un día en el que te sientes una diosa: «Me miro en el reflejo del escaparate / Se nota, dormí bien, hoy estoy radiante», entona la artista, terminando la frases con un delicioso riff vocal. Por su parte, Natalia Lacunza reivindica el placer de «sentirse joven» mientras rompe tarimas «luciendo con sudor tatuaje y minifalda».
La canción termina en una nota alta, con un crescendo final que se siente como esa «fuerza incontrolable» que mencionan en el estribillo. «Hoy todo empieza de nuevo, es el placer de vivir / Tengo un verano aquí dentro que solo quiere salir», cantan ambas artistas, entrelazando sus voces de forma preciosa.
El Niño Lord.Cah, más allá de su curioso nombre, está a un suspiro de encontrar a su público. Después de unos años de poca actividad en plataformas, ha vuelto con un potente single. ‘CABALLITO BLANCO’ mezcla los mundos de lo urbano y lo folclórico con una perfecta cantidad de chulería.
La cara de la artista te sonará si conoces a Travis Birds, su hermana. Si además eres fan de su música, encontrarás un mundo diferente en el proyecto de El Niño Lord.Cah, uno lleno de irreverentes letras y humor. Su último single, ‘CABALLITO BLANCO’, mezcla el flamenco con el rock en un tema lleno de contrastes. En el estribillo, la voz de la artista es dulce y melódica. En los versos, es puro descaro.
«No me des más caña que no me queda gasolina pa’ aguantarla» o «Tengo los pies chiquititos, si me canso que me lleve a borriquito» son algunas de las perlas que suelta la artista durante la canción. Sin embargo, en el estribillo, esta pinta una imagen onírica, casi mitológica: «Tengo un caballito blanco que no tiene herradura / Tiene un cuerno dorado y en su lomo me lleva por el cielo volando».
Su directo tampoco va corto de emoción. El Niño Lord.Cah se encuentra en mitad de un tour, de la mano de Girando Por Salas, que ya la ha llevado por Toledo, Pamplona y Valencia. Hoy, viernes 24 de abril, la artista estará en el Botánico Café Teatro de Soria. Solo le quedan dos fechas más después de esta: el 9 de mayo en San Sebastián y el 23 de mayo en Sant Feliu de Llobregat.
Hoy, 24 de abril, se ponen a la venta nuevos discos de Kehlani, Quevedo, Foo Fighters, Meghan Trainor, Ringo Starr o Noah Kahan. Ampliando el foco a la novedad internacional, recibimos interesantes lanzamientos de Gia Margaret, Angelo De Augustine o Miss Grit, así como la reedición de Demi Lovato.
En el ámbito nacional también llegan lanzamientos destacados de Fangoria, Parquesvr o Sofía Comas. El indie deja estrenos de Comic Sans o Caries.
Abrimos la playlist con el single que marca el regreso de Suki Waterhouse, y también destacamos los nuevos lanzamientos en forma de single de Gara Durán con Natalia Lacunza, Guitarricadelafuente, Algora, Karol G en plan dreamy, María José Llergo, Sofía Comas o el single sorpresa de Beck.
En cuanto a estrenos internacionales, Icona Pop garantizan baile; Duran Duran ofrecen un homenaje disco junto a Nile Rodgers, mientras que los regresos de Beth Orton y Luvcat apuestan por tonos íntimos. Tricky o Smerz se encuentran entre quienes anuncian también nuevos proyectos, y Becky G se junta para un potencial hit llamado ‘Sorry Papi’.
Pero es, sobre todo, la música nacional la que concentra el grueso de las novedades hoy, con estrenos destacados de Nerve Agent, SARRIÀ, Aina Ferrer, Sandré, Alba Morena, Bely Basarte, Chico Blanco con Girl Ultra, Carlangas, García Picasso, Comandante Twin, Dan Peralbo i El Comboi o La Trinidad.
Las últimas noticias que tuvimos sobre Kim Petras era que había pedido salir de su discográfica, Republic Records, tras estar «cansada de no tener control» sobre su vida y su carrera. En ‘Need For Speed’, su última canción, no hay rastro del sello en los créditos, por lo que podemos pensar que lo ha conseguido. Tanto el vídeo como el tema, además, son deliciosamente ‘cunty’.
‘Need For Speed’, el cuarto single del próximo disco de Petras, no solo es tremendamente pegadiza desde la primera escucha. Es la razón por la que amamos el pop. La producción de Nightfeelings, Margo XS, Frost Children y la propia Petras redondea una canción dirigida (casi) totalmente a su antiguo sello, siendo una divertidísima crítica a la industria y un temazo a la vez.
«Me echo Pink Sugar, me doy prisa, me tengo que ir / Mi sello gritándome en la oreja», se escucha al principio del segundo verso, con la líneas consecutivas siendo todavía más punzantes. «Porque aman el dinero y lo quieren ya / Y les encanta cuando no tengo ningún novio en mi vida», canta.
El vídeo alcanza otro nivel. Este empieza con flashes de un gráfico descendente titulado «La carrera musical de Kim Petras». Desde este comienzo, se marca el tono de todo el clip. La mejor parte de este es la primera mitad, en la que su sello le dice a Petras que necesita hacer una promoción con alguna marca porque está «arruinada».
Entonces, el vídeo se convierte en justamente esto, sin medias tintas, con la artista promocionando marcas reales de forma descarada. Mistr, Yerba Madre, Haribo… son algunas de ellas. Aun así, la discográfica no está satisfecha: «Nos sigues debiendo dinero de tu último videoclip».
Billie Eilish cumplió el sueño de todas las beliebers durante el segundo fin de semana de Coachella, cuando Justin Bieber la invitó a subir al escenario durante ‘One Less Lonely Girl’. Aunque llevan siendo amigos durante años, está claro que ni ella se lo podía creer, apenas manteniéndose en pie. El momento ‘full circle’ es tremendamente emocionante, pero el post que ha subido a Instagram es el toque final perfecto.
«No me habléis», ha escrito Eilish en la descripción de la publicación. Si algo bueno ha traído la huella digital, tiene que ser este post. En la primera imagen, Billie aparece vestida con lo que ella describe como un «disfraz de recital de baile» delante de una pared empapelada completamente con pósters de Justin.
El resto muestra su colección de camisetas de Bieber, el fondo de pantalla que solía tener del cantante sin camiseta o algunos vídeos de hace, por lo menos, 10 años. Vemos a la Billie Eilish preadolescente sin ningún tipo de filtro. El mejor de estos clips es en el que cuenta lo que pasa «cuando alguien dice algo malo sobre Justin Bieber»: «Te voy a arrancar los pulmones por la garganta», expresa a través de un clip de ‘Sobrenatural’.
Billie Eilish at Justin Bieber's Coachella set as her “One Less Lonely Girl” 🥺 pic.twitter.com/JIEqBCrj6s
— Billie Eilish Spotify (@BillieSpotify_) April 19, 2026
Billie estaba en el punto álgido de su devoción por Bieber cuando le felicitó el 20 cumpleaños en sus notas del iPhone, sin duda lo mejor de toda la publicación. Es realmente fascinante que Eilish haya publicado este documento, que es a la par hilarante y extrañamente conmovedor: «Justin Drew Bieber… Por dónde empiezo…».
«Hace 20 años, nació el mejor cantante y mejor persona del mundo. No sé cómo alguien tan perfecto como tú puede estar vivo», escribió Eilish acompañándose de los mejores emojis posibles. «Eres un cantante increíble, bailarín increíble, batería increíble, eres taaaaaaaaaaaaaaan SEXY!!, tan dulce con tus fans, tan gracioso, y si me olvido de algo ERES UNA PERSONA INCREÍBLE!! Las palabras no pueden explicar cuánto te quiero», continúa, antes de la parte más clave del texto.
«Si tan solo supieses que existo… Siempre he sido una belieber y siempre lo seré!! Estaré aquí para ti en lo bueno y en lo malo. Te amo hasta el infinito y más allá», termina Eilish antes de felicitarle el cumple. 12 años después, estaba en el escenario principal de Coachella con él. Está claro que Billie no tiene nada que perder con este post, porque ya se ha pasado el juego en lo que a ser belieber se refiere. Sin embargo, esto va más allá.
Billie Eilish está haciendo que sus fans también formen parte de esto. Muchos de ellxs, seguramente, también tuvieron una etapa de obsesión absoluta con Bieber. Es una victoria para todxs lxs beliebers, pero también es uno de esos raros instantes en los que una celebridad se muestra… humana. En 2014, Billie no era la autora de hits masivos como ‘bad guy’ o ‘BIRDS OF A FEATHER’. Solo era otra «lonely girl».
Ahora imagínate ser la madre de la cantante y presenciar esto en vivo. Maggie Baird así lo ha contado en un reciente post de Instagram: «Uno de los momentos más conmovedores de todos los tiempos». Ella ha visto crecer en primera persona la conexión de su hija con Bieber: «Normalmente, no hay nada que podamos hacer. Les compramos discos y quizás alguna entrada para un concierto (o para la película del concierto en nuestro caso, porque no nos podíamos permitir un concierto de verdad». Un «sueño inimaginable» es la mejor forma de describir toda esta historia. Es magia absoluta.
Timber Timbre, uno de los grupos de culto de la escena indie canadiense de los 2010, en su faceta más gótica y cinematográfica, gracias a buenos discos como ‘Hot Dreams‘ (2014), pierde a su creador e integrante principal. Taylor Kirk ha fallecido a los 44 años de forma súbita, según informa Exclaim. Su deceso se produjo en realidad el pasado 14 de abril, según el comunicado oficial.
Timber Timbre empezó con grabaciones caseras en una cabaña en Ontario y fue creciendo hasta ganar reconocimiento internacional. Tras dos discos independientes, su álbum homónimo de 2009 llamó la atención de la prensa especializada y fue relanzado por Arts & Crafts, llegando a ser nominado al Polaris Music Prize.
Su música ha sonado en series y películas populares como ‘Breaking Bad’, ‘The Good Wife’, ‘Orange is the New Black’, ‘Russian Doll’ o el documental de Netflix ‘Wild Wild Country’, y otros discos como ‘Creep on Creepin’ On’ (2011) lograron también nominaciones destacadas en premios canadienses.
La banda ha seguido activa durante la última década con lanzamientos como ‘Sincerely, Future Pollution’ (2017), el EP ‘Dissociation Tapes’ (2021) y su trabajo más reciente, ‘Lovage’ (2023). Os dejamos con algunas de sus canciones más populares y con su Tiny Desk de 2014.
«No hay nadie como Michael Jackson y nunca lo habrá». No es un «beef» en redes sociales a Bruno Mars, ni a The Weeknd, ni mucho menos a Justin Timberlake. Es el argumento que lleva al abogado y mánager John Branca a representar al Rey del Pop en los 80. Branca es también uno de los productores del biopic ‘Michael’, junto a Graham King, responsable del éxito de ‘Bohemian Rhapsody’.
Parte del éxito de las películas biográficas sobre Queen y Elton John se basó, como todo, en la exposición de un conflicto, en concreto la caída de un mito. En la primera Freddie Mercury muere, y en la segunda, casi. ‘Michael’ evita todas las cuestiones espinosas en la vida del artista, con la excusa de que la productora no ha podido meterse en ellas por razones legales.
Cuenta la leyenda de Hollywood que la versión primigenia de esta película sí incluía, y de hecho, basaba su estructura, en los casos de abusos infantiles que llevaron a Michael Jackson a juicio. Teniendo en cuenta que nunca se le condenó, sonaba como la única manera posible de presentar una versión de lo que pasó que ejerciera de contrapunto al polémico documental ‘Leaving Neverland‘. Sin embargo, alguien por el camino se dio cuenta de que los abusos no podían aparecer en ninguna película, por el tipo de acuerdo a que se llegó con uno de los niños demandantes, Jordan Chandler. Por eso el tema no se habría podido ni tocar aquí, se habría tenido que reformar todo el guión, y gastar entre 10 y 15 millones de dólares extra en rodajes imprevistos. 5 millones de dólares arriba, 5 millones de dólares abajo, según Variety.
Menos excusas puede haber para que el guión no ahonde en quién fue Michael Jackson más allá de su necesidad de ayudar a niños con cáncer, de su excéntrico gusto por coleccionar mascotas, por comer helado con su madre y entregarse al escenario. El guión de John Logan es muy reiterativo en jirafas y chimpancés (una escena más del mono y esto sería la película de Robbie Williams), y demasiado parco en lo personal.
Y ya no hablo de cuántas novias tuvo Michael Jackson, o de si escogió no tener ninguna, sino de qué sentía por sus hermanos, los Jackson 5. Sorprende que muchos figuren como productores ejecutivos, porque apenas abren la boca. La Toya sale por aquí y por allá, porque también tiene un rol en la aprobación de la película, solo para llamar una y otra vez la atención de que Janet no aparece en absoluto, porque no ha querido saber nada de todo esto. La co-autora de ‘Scream’ ha sido borrada de la historia, a petición propia.
‘Michael’ ofrece, por tanto, un retrato incompleto del artista en muchos sentidos. También uno muy maniqueísta, en el que su padre Joseph Jackson es el peor villano, y Berry Gordy de Motown, una hermanita de la caridad. Una vez destruída la que iba a ser la tesis del film partiendo de la detención en Neverland en 1993, el director Antoine Fuqua ha construido el relato en torno a la creación del icono de Michael Jackson como artista en solitario, liberado de su padre.
Durante gran parte de estas 2 horas, le funciona. Es verdad que ‘Michael’ parece casi todo el tiempo un videoclip larguísimo, con 4 pinceladas sobre la explotación infantil o el racismo que destilaba MTV en sus inicios, apenas complementado con 4 frases. Pero es que ese videoclip a veces es el mejor de la historia, sobre las mejores canciones posibles. El modo en que el pequeño Michael Jackson (interpretado por Juliano Krue Valdi) da con el tono para interpretar hits de los Jackson 5 como ‘ABC’ o ‘I Want You Back’ lleva al cielo. El poder curador de la música soul en todo su esplendor. Es imposible salir del cine sin tararearlas.
También hay que elogiar al sobrino de Michael, Jaafar Jackson, por cómo se ha dejado los pies hasta sangrar para emular el «moonwalk» y parecer su tío de espaldas y de frente. Y no estoy hablando tanto del parecido físico, que a veces Hollywood es experto en llevar esto hasta lo grotesco. Si Jaafar embelesa es porque, como Michael, no es machirulo ni del todo afeminado, no es ni un crío ni un adulto (odia a su padre pero vive con él), ni blanco ni negro (por razones de salud conocidas y esbozadas en el guión). Es… simplemente Michael Jackson.
Lo peor de esta película es que acaba demasiado pronto, cuando de verdad ha de empezar el conflicto, cuando adivinamos dónde llevará el trauma que arrastra el artista al que robaron toda su infancia. La creación del filme ha sido accidentada, pero puede quedar como un verdadero esperpento si jamás llega esa 2ª parte que se rumorea. El sabor que deja exactamente ‘Michael’ es el de capítulo 1 de una miniserie.
Después de una sesión inicial en un tribunal de Los Ángeles, se ha revelado que el teléfono móvil de D4vd, cantante acusado del asesinato de Celeste Rivas, contenía una «gran cantidad de pornografía infantil», según informa Billboard. El artista fue detenido hace unos días y se enfrenta a cadena perpetua o pena de muerte.
El cuerpo desmembrado de Celeste Rivas fue hallado en un Tesla propiedad del artista a finales de septiembre de 2025, pero no ha sido hasta hace unos días cuando este ha sido acusado formalmente de asesinato, entre otros cargos. Este jueves también se ha revelado que, entre los 40 terabytes de archivos que se han investigado, se han descubierto múltiples evidencias de pornografía infantil.
No se han otorgado demasiados detalles sobre las fotografías encontradas, además de que el dispositivo en el que estaba almacenado era su propio iPhone. El próximo paso en el proceso judicial será la audiencia preliminar que comenzará el próximo 1 de mayo y que durará entre cuatro y cinco días.
El medio estadounidense también ha confirmado que todos los artistas que habían colaborado con D4vd han eliminado las canciones o las han reemplazado por versiones en solitario. Entre estas, ‘Superbloodmoon’ de Holly Humberstone, ‘This Is How It Feels’ de Laufey, ‘Crashing’ de Kali Uchis y ‘Tangerine’ de Damiano David.
Unos días después de la llamada al boicot de Eurovisión por parte de más de 1100 artistas y trabajadores del sector musical, Eslovenia ha anunciado que no emitirá el concurso. No solo eso, sino que cubrirá los huecos de su programación con varios programas dedicados a Palestina. Eslovenia, al igual que España, Irlanda, Países Bajos e Islandia, no participará en la edición de este año.
La televisión pública de Eslovenia ha confirmado que no emitirá Eurovisión este año, pero también ha revelado la alternativa que ofrecerá a sus espectadores. Se tratará de una programación especial titulada ‘Voces por Palestina’ que se emitirá entre el domingo 10 y el miércoles 20 de mayo, coincidiendo con las diferentes galas de Eurovisión. Esta incluirá películas, entrevistas, documentales y programas de análisis.
RTV SLO asegura en un comunicado oficial que seguirá «cumpliendo su misión de servicio público»: «Ofrecer a los espectadores contenido profundo, creíble y con múltiples capas que promueva la comprensión, el diálogo y el pensamiento crítico sobre los problemas globales actuales».
También se han conocido las posturas de Países Bajos, Irlanda e Islandia. El primero de estos sí emitirá el festival en su cadena generalista, pero no en AVROTROS. Islandia lo emitirá en su cadena principal, mientras que Irlanda se negó a su emisión el pasado diciembre, al igual que España.
Duran Duran y Nile Rodgers, que lleva colaborando con el grupo desde el remix de ‘The Reflex’ en 1984, han regresado hoy con un verdadero himno al amor libre. ‘Free To Love’ es descrita por Simon Le Bon como «disco para los 2020s». De alguna forma, la canción está condenada a ser olvidada desde su lanzamiento, pero el material es lo suficientemente bueno como para que su vida pueda alargarse con un inspirado remix.
La canción empieza con un inconfundible rasgueo de Rodgers, antes de que la voz de Le Bon empiece a entonar sobre estar «en la intersección»: «Listos para una conexión / Quizás de piel a piel», canta. A nadie le va a sorprender el apartado musical de la canción, pero seguro que muchos sí aprecian el regreso a la música disco sin rodeos: mucho bajo, un coro de voces y un estribillo que, puede que a la fuerza, acaba quedándose en la cabeza.
Le Bon cuenta que la canción «trata sobre la libertad y sobre amar el mundo moderno en vez de odiarlo, que es algo que necesitamos ahora mismo». Estas declaraciones pueden referirse a la segunda estrofa, en la que se menciona que estamos «persiguiendo un sueño entre la confusión»: «No hay sustitución posible a ser lo mejor que podríamos ser», concluye.
Sobre la ya icónica guitarra de Rodgers, Nick Rhodes cuenta que «la electricidad que genera cada vez que tocamos con él podría iluminar toda una ciudad». El guitarrista, por otro lado, también ha dedicado unas palabras de cariño al grupo británico: «Mi amor por Duran Duran, y sobre lo que ha tratado siempre nuestra música, es el amor que compartimos por los significados más profundos de nuestras canciones».
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