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Leticia Sabater, entre Quevedo y la arritmia en su nuevo villancico

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Como es tradición desde hace unas cuantas temporadas, con la llegada de la Navidad llega también un nuevo single navideño de Leticia Sabater. Después del trance de ‘Papa noel, you’re the only one‘ y del bakalao de ‘Trínchame el pavo‘, Sabater sigue aspirando a animar cenas familiares y de empresa con la inaudita ‘Papá Noel, lléname el tanke’.

Si el villancico anterior de Sabater sonaba a ‘Chromatica‘ y estaba cantado en inglés, ‘Papá Noel, lléname el tanke’ vuelve al español y se inspira aparentemente en el «Quédate» de Quevedo, aunque Sabater propone su propia concepción del ritmo y de la métrica, inasumibles hasta por las ratas que escuchan Lady Gaga, y además le da una vuelta satánica al estribillo, marcado por una escalofriante voz de ultratumba.

‘Papá Noel, lléname el tanke’ es otra composición narrativa, folk, en sus casi cinco minutos de duración que relatan una cena familiar llena de personajes y aventuras. La prima que se ha bebido seis chupitos, el cuñado que se ha atragantado con un anillo, o la abuela que se ha comido todas las uvas, saludan entre referencias a ‘Mr. Policeman’ y ‘El polvorrón’, mientras Papá Noel yace en el suelo después de haberse pasado con las caladas al porro. Fumado, así me siento al escuchar esta canción.

La divertida mezcla imposible de Sudan Archives, en Barcelona

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Jordi Pérez

La 2 de Apolo presenta una entrada bastante maja para ser un viernes complicado: este ha sido un noviembre loco de oferta de conciertos en Barcelona, a lo que hay que sumar el inicio de las cenas navideñas de empresa. El público también es bastante majo, menos joven de lo que esperaba. Hay multitud de expats y guiris treintañeros y pudientes, trasegando copas de vino blanco.

Brittney Denise Parks, aka Sudan Archives, viene a presentar ‘Natural Brown Prom Queen’, un disco divertido, sin manías ni cortapisas, donde mezcla R&B noventero con todo lo que se le ocurre. Brittney aparece con un look ciber punk que recuerda enormemente a Tina Turner en ‘Mad Max 3’. Acompañada solo por solo un músico que tira las bases y ejerce de ocasional bajista, su violín y un micro inalámbrico, Brittney sale casi a pelo. No hay en el escenario efectos de ningún tipo (ni audiovisuales, ni luces). Sudan Archives se aleja del show de diva para ofrecer un espectáculo sencillo, cercano, muy dinámico, de volumen altísimo, apenas sin pausa entre canciones, conducido por su carisma y simpatía.

El violín de Brittney viene y va. Ella ahora canta sobre una locura de samples en ‘Copycat (Broken Notions)’, como se deja querer por las masas, o vuelve a agarrar el violín con ‘Ciara’, casi adquiere altura de gran musical en el momento de ‘Confessions’ o se baña entre las masas, bajando a la pista con ‘Freakalizer’. La complicidad con el público es altísima, y este responde a todas las peticiones de Brittney con entusiasmo. Los escasos momentos de pausa los usa para comunicarse alegre con nosotros: “¿Sabéis lo que significa “Hold”? Es de lo que va la siguiente canción”, nos dice antes de atacar ‘Loyal (EDD)’ y acabar tirada por el suelo. Después de un buen rato sin el violín, recupera la calma y el instrumento para ‘ChevyS10’, que la lleva al terreno de folk irlandés mientras pide palmas al público; público que le devuelve todos los “Hey, hey” en ‘Nont for Sale’ (sic), mientras ella pellizca delicadamente el violín.

Los momentos álgidos llegan hacia el final, cuando su acompañante pilla el bajo y Brittney se pone con la sensual ‘Milk Me’. Después nos confiesa que perdió su voz hace dos noches y que necesita nuestra ayuda para ‘NBPQ (Topless)’: “Cuando yo cante ‘I’m not average’, vosotros me respondéis “I’m not””. Y la gente le devuelve los coros con loco entusiasmo, se convierte en un momento de gran intensidad y se desata la locura. Hace un conato de marcha y vuelve para un único bis: el festival etnocelta de ‘Come Meh Way’. Parks se tira un buen rato despidiéndose del público. Se la ve contenta de verdad. Y a nosotros nos ha dado 75 minutos de mezclas imposibles y diversión.

Honey. no pueden (ni quieren) renunciar a las comparaciones con ABBA

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Renovamos -por cuarta vez este año- la playlist Flores En El Estiércol, en la que una vez más ponemos en el foco singles y álbumes que quizá no han corrido tanta suerte como merecían. Ojalá estemos a tiempo de ayudar a que la tengan. Así, recordamos que han visto la luz en los últimos meses álbumes de clásicos del indie rock como Death Cab For Cutie o Built to Spill junto a herederos de esa era como Alvvays o los australianos The Beths. También veteranos y eclécticos artistas como Benjamin Biolay, Julieta Venegas, Dominique A, Bananarama (!), Damien Jurado, Lissie, Alela Diane o The Mars Volta han publicado disco a la vez que nombres con menor recorrido pero igualmente interesantes como First Aid Kit, Ari Lennox, MorMor, Whitney, Daniele Luppi & Greg Gonzalez (Cigarettes After Sex), Gwenno (una Pipette que, curiosamente, coincide en nuestra selección con su ex-compañera Rose Ellinor Dougall, en su caso junto al Blur Grahan Coxon en The WAEVE), Joey Bada$$, Juliette Armanet, George FitzGerald, Ashe, The Big Moon, Cuco, Sports Team o FLO.

Por supuesto, el panorama hispanohablante tiene un peso importante en Flores en el Estiércol, con los nuevos trabajos de Betacam, Nacho Casado, Margarita Quebrada, Carlota Flâneur, Paco Moreno y Alavedra, aderezados con singles de Lagartija Nick, Josep Xortó & The Congosund (auspiciado y producido por Hidrogenesse), Morreo & Adiós Amores, Gepe, Orquesta, Jordana B., Ortopedia Técnica y navxja, entre otros.

Otros que están encabezados por ‘What Now’, el más reciente single de un dúo sueco llamado Honey. (sí, con el puntito) que deslumbra en su acercamiento descarado a sus compatriotas ABBA, justo en el año en que las leyendas han regresado tan dignamente con ‘Voyage’. Porque, más allá de que el mismo nombre del proyecto musical de Miranda Öhman y Magda Skyllbäck (amigas desde que se conocieran cursando estudios en Londres, años atrás) remita a uno de los mayores éxitos de Agnetha, Björn, Benny y Anni-Frid, es evidente que en este único single que han publicado se acerca al lado más soft-disco y bailable del cuarteto, con una musculosa línea de bajo y una batería poderosa, pero enfatizando sobre todo una melodía vocal deslumbrante, que atrapa de inmediato. Por no hablar de los coros tan ‘The Winner Takes It All‘ que salpican los finales de varias estrofas y susurran al oído «Eurovisión». ¡Si hasta su portada y la tipografía empleada en ella parecen un obvio homenaje!

Por eso cuando en su bio hablan de que su pop clásico se inspira en la esencia de los 70 casi parece un eufemismo, si bien una escucha a su EP debut ‘sweet like’ se aproxima, con canciones tan chulas como ‘Give Me Love’, ‘When Harry Met Sally’ o ‘Do It All Again’, bastante a esa definición, igualmente influidas por sus paisanos pero también por Carole King, Electric Light Orchestra o Billy Joel. Lo mejor es que todas ellas, aunque ahora mismo palidecen ante su más reciente lanzamiento, prueban que podemos estar ante un proyecto que podría llevar su nostalgia muy lejos de la mejor manera posible, un poco como lo hacen The Lemon Twigs, pero con un toque mucho más europeo.

Natalia Lafourcade / De todas las flores

Natalia Lafourcade ya lleva un tiempo explorando la memoria y riqueza de las músicas americanas populares del s. XX. Dedicó dos discos al folclor latinomericano, ‘Musas’. Y otros dos volúmenes a México (‘Un canto por México’). ‘Entre todas las flores’ recoge parte de todo ese magma y ese magisterio… Pero, esta vez, para presentarse de nuevo, tal como recogía la web La Higuera: «Un amigo me recordó que hace mucho no escuchaba algo puramente mío. Eso me hizo tomar conciencia de que tal vez me estaba escondiendo de lo inevitable: de encontrarme conmigo misma». Este es, pues, en sus propias palabras, un viaje interior, un diario íntimo. Y el primer disco de canciones propias (excepto ‘Maria la curandera’, adaptación de un poema de María Sabina) desde ‘Hasta la raíz’.

Pero que nadie espere que este viaje interior signifique desgarro. Porque ‘De todas las flores’ es un disco sobrio y elegantísimo. Son boleros clásicos salpicados de jazz sinuoso, cuya base es la interpretación, precisa y preciosa, de Natalia, con la dosis exacta de sentimiento. El desarrollo de las canciones es moroso, la instrumentación es exquisita, a cargo de un buen número de músicos portentosos: nada menos que Marc Ribot es el guitarrista de todos los temas. Es una superproducción… que no se nota en exceso. Porque este despliegue está al servicio de las canciones y de la voz de Natalia. La riqueza instrumental se hace patente en las introducciones y finales de cada canción, en los que se dibujan pasajes en los que Natalia se ensimisma. La producción, a cargo de ella y Adán Jodorowsky, busca la naturalidad del directo y lo consigue. Escuchando el disco prácticamente puedes ver a Natalia rodeada de sus músicos, cantando en el estudio sin artificios, tal es la veracidad que logra transmitir.

‘Vine solita’ emerge después de una introducción larga, y ya es una divinidad: “A este mundo vine solita, solita me he morir” arranca dulce Natalia. Y solo estos versos desarman a cualquiera, sostenidos apenas sobre contrabajo y piano. ‘De todas las flores’ es una bossa nova delicada que recuerda a un amor extinto paseando por Madrid. Y casi la canción más “barroca” del conjunto, ya que va añadiendo capas y tiene coros muy Burt Bacharach, muy esasy-listening. Con el mismo aire bossa destaca ‘Pasan los días’, otra canción de (des)amor nostálgica y elegante. Pero al igual que a la anterior, empieza sobria (el contrabajo y unos leves efectos de sintetizador) para ir añadiendo instrumentos en suave cascada. En ‘Llévame viento’ Natalia nos arrastra por una paisaje misterioso, onírico, coronado por la guitarra esotérica de Marc Ribot.

No todo es tan intenso, al menos en lo sonoro: ‘El lugar correcto’ es un bolero que navega entre lo melancólico y lo juguetón, que hace de vehículo de empoderamiento: “Perdona, que me tuve que ausentar por un momento / Tenía una cita que atender conmigo misma”, entona Lafourcade, para acabar con una reflexión que parece la propia génesis del disco: “Entonces regresé a ese silencio necesario / Para escuchar el corazón hablar de la verdad”. ‘Pajarito colibrí’ tarda en arrancar y luego lo hace en forma de elegante canción tradicional que recuerda a Violeta Parra, pero cambiando la instrumentación telúrica por distinguidos arreglos de cuerda y piano. Y es tan encantadora… Como encantadora es la declaración de amor que es ‘Caminar bonito’. O la elegancia del mambo ‘Mi manera de querer’, donde Natalia apenas susurra, hasta que rompe en el arrollador estribillo: “No me importa si eres hombre o si eres mujer”.

Pero la cumbre del álbum es la escalofriante ‘Que te vaya bonito Nicolás’, con la que cierra el álbum. Natalia se columpia apenas sobre la guitarra de Ribot, estira los versos, se clava en el corazón en este lamento por la partida (¿la muerte?) de un ser querido. La canción se eleva poco a poco en una espiral de arreglos. Pero, tal como sube, vuelve a bajar, hasta devolvernos solo a Natalia, que nos rompe con los susurros finales en que va entonando “que te vaya bonito”.

‘De todas las flores’ es un disco largo, pero de singular unidad y cohesión, que se siente como muy bien planificado, pero ejecutado del tirón, en directo, para preservar la sensación de inmediatez y sinceridad. Puede antojarse árido en un primer momento, pero se convierte en un cálido abrazo de mimbres tradicionales a través del que Natalia Fourcade nos transmite su verdad. Lafourcade no solo ha buscado ese “diario íntimo”, sino también hacer su gran disco de autora. Y vaya si lo ha conseguido.

Por qué Virginia Maestro y Rayden critican el machismo de Pablo Motos

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Las acusaciones por machismo vuelven a lloverle a Pablo Motos, después que el presentador de El Hormiguero haya utilizado su plataforma televisiva para criticar públicamente la nueva campaña del Ministerio de Igualdad para el 25N, que busca concienciar sobre la responsabilidad de los hombres en el combate contra la violencia machista.

En Twitter, Virginia Maestro ha criticado duramente el comportamiento de Motos durante la entrevista que le realizó en 2009, en la que le preguntó por su escote. La cantante ha expresado que Motos «fue machista, violento, incómodo, cutre, vergonzoso y muy lamentable», ha subrayado que es «fácil hacer eso desde el poder», y ha reivindicado: «Menos borrar y más disculpas. Todos nos equivocamos y reconocerlo seria más sabio».

Por otro lado, Rayden se ha sumado a la ola de críticas desde el escenario. Durante un concierto, el rapero ha interpretado su tema ‘Don Creíque’ y ha adaptado la letra in situ para responder a la polémica actual: «No me creo ninguna palabra cuando preceden al pero, ni mucho menos si van iniciadas con un yo soy primero: yo no soy machista, racista, homófobo, pero… pero luego se enfadan si les retratan como Pablo Motos en El Hormiguero».

La campaña del Ministerio de Igualdad incluye un anuncio que muestra una representación de una entrevista que Motos realizó a Elsa Pataky en 2016, en el que el anfitrión de El Hormiguero preguntaba a la actriz por su ropa interior (en ese momento, Pataky promocionaba su nueva línea de lencería). En el programa, Motos ha justificado la pregunta de la ropa interior explicando que le ha hecho preguntas parecidas a celebridades masculinas como Maluma o Sergio Dalma, y ha defendido que su actitud en la entrevista a Pataky fue profesional y no propia de «un baboso», como le representa el anuncio.

En sus palabras, Motos ha ido tan lejos de denunciar que el Ministerio de Igualdad «se haya gastado más de un millón de euros de dinero público en hacer una campaña de televisión para llamarme machista, estando el país como está», a pesar que el anuncio no va específicamente sobre él ni le nombra de manera explícita (aunque la alusión es obvia), sino que denuncia diferentes tipos de violencia machista que los hombres protegen en el día a día. Y a pesar que la suma citada abarca el presupuesto de todo un año, según datos públicos, y no únicamente el que se ha dirigido al anuncio, como el presentador da a entender.

Las declaraciones de Motos han provocado un «efecto Streisand» en redes sociales y han vuelto a sacar a relucir las cuestionables actitudes que el presentador ha mostrado a lo largo de los años en el programa con diferentes artistas femeninas. Entre estas artistas se encuentran Mónica Naranjo, a la que tocó y besó el culo; Anastacia, a la que besó el cuello, o Úrsula Corberó, a la que expresó directamente que su baile de ‘Single Ladies’ habría «puesto palote» al director del videoclip de Beyoncé. También se ha viralizado un fragmento de una entrevista de Charlize Theron en la que esta narra su confusión ante el hecho que la realización del programa usara «música sexy» cada vez que ella y Kristen Stewart decían algo, sin venir a cuento.

Durante la intervención de Pablo Motos el pasado jueves, el guionista Juan de Val defendió que, actualmente, el programa intenta activamente no ofender a nadie hasta el punto de eliminar «bromas muy buenas». Por otro lado, tanto el ilustrador de El Jueves Álvaro Terán como Javier Padilla, diputado de Más Madrid, han contado haber sido reprobados por El Hormiguero en privado por haber difundido, en su trabajo, la idea que Motos incurre en actitudes machistas. Según El Hormiguero, es cosa del pasado.

El puente convertido en meme de Carly Rae Jepsen y Rufus Wainwright

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El factor humorístico ha sido clave en el éxito de las canciones más populares de Carly Rae Jepsen. El estribillo de ‘Call Me Maybe‘ y su vídeo marcado por un «plot twist», el de ‘I Really Like You‘ con la presencia de Tom Hanks, el meme de ‘Run Away with Me’…

A estos éxitos se le acaba de sumar otro inesperado. ‘The Loneliest Time‘, el corte que titula el nuevo álbum de Carly, se ha viralizado en TikTok. En concreto, está circulando su gracioso puente hablado, en el que Carly se dirige a su amor para prometerle que volverá a por él. Los usuarios de TikTok han usado este fragmento de ‘The Loneliest Time’ para hacer vídeos cómicos, y el viral se ha traducido en el mayor éxito de Rae Jepsen en esta era.

Pero ‘The Loneliest Time’ es más que su puente: en realidad este funciona dentro de una estructura de canción de pop clásica, y sus influencias disco están tan bien asimiladas que, tras la cortina de violines, emerge un «dance break» a la manera de los hits de pop de antaño, o de las pasarelas de ‘Soul Train’, replicadas en el videoclip; y como ‘The Loneliest Time’ no deja de ser una canción de amor, se beneficia de contar con un artista invitado de lujo como Rufus Wainwright, al que Carly admira desde pequeña.

‘The Loneliest Time’ cuenta la historia de dos personas que se amaron y quemaron cartuchos demasiado rápido. Dispuestos a dejar atrás su «soledad», Carly y Rufus se reencuentran, reviven la llama del amor y finalmente alcanzan el «nirvana», representado en esa coda de voces armonizadas que subraya el componente clásico de la canción. Eufórica y, en una palabra, perfecta, ‘The Loneliest Time’ es una canción para llorar bailando, pero esta vez las lágrimas son de felicidad.

Tan adorable como ‘The Loneliest Time’ es su videoclip dirigido por Brantley Gutierrez. Inspirado en los musicales y en las películas mudas del Hollywood clásico, el vídeo es una mezcla de Shakespeare (mencionado en la canción), el ‘Viaje a la luna‘ de los hermanos Lumière, y la estética camp, reconocida por el propio director, que ha buscado cumplir sus «sueños de disco espacial».

Bob Dylan se disculpa con sus fans por firmar libros con máquina

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Bob Dylan se ha disculpado con sus seguidores después de revelarse que no firmó a mano las ediciones limitadas de su libro ‘The Philosophy Of Modern Song‘, al contrario de lo que la editorial Simon & Schuster había promocionado. Los libros, publicados en una tirada de 900 copias, habían salido al mercado a un precio de 600 dólares, pero los compradores sospecharon de las firmas desde el primer momento, debido a su aspecto demasiado uniforme.

En un comunicado, Dylan ha pedido perdón por decepcionar a sus seguidores y ha confirmado haber usado una máquina de firmar («autopen») para signar los libros. En el texto, Dylan achaca la decisión a un problema de salud y a las restricciones de la pandemia.

Dylan explica: «En 2019 tuve un caso grave de vértigo que me duró toda la pandemia. En ese momento, para firmar los libros me tengo que encerrar en un espacio cerrado con cinco personas que trabajan conmigo, y no encontramos una manera segura de hacerlo durante el momento de mayor riesgo del virus, por lo que, durante la pandemia, fue imposible firmar nada y el vértigo no ayudó».

A continuación, Dylan cuenta que «debido a que los plazos de entrega se acercaban se me sugirió la idea de utilizar un bolígrafo automático», y que aceptó la sugerencia porque se le aseguró que «este tipo de cosas se hacen todo el tiempo en el mundo del arte y la literatura». Finalmente, el músico reconoce que «utilizar una máquina fue un error de juicio y lo quiero rectificar inmediatamente» y confirma que se encuentra «trabajando con Simon & Schuster para hacer exactamente eso».

Sigrid / How to Let Go

En 2018, Sigrid ganó el BBC Sound Of, destacándola como promesa frente a Khalid, Rex Orange County, Sam Fender… y hasta Billie Eilish. Puede parecer extraño teniendo en cuenta el menor impacto comercial de la noruega respecto a esos nombres, pero este premio está lleno de casos así: solo en los últimos años, Celeste ganó frente a YUNGBLUD, Octavian frente a Rosalía, Pa Salieu frente a girl in red o, agárrense, Jack Garratt frente a Dua Lipa. El año de Sigrid es especialmente curioso por dos razones: porque incluso Pale Waves y IAMDDB (¿?) quedaron por delante de Billie, y porque, realmente, parecía que Sigrid lo iba a petar. Y, aunque a ‘Sucker Punch‘ no le fue nada mal, eso no ha terminado de ocurrir, al igual que este ‘How to Let Go’ no ha funcionado tan bien como se esperaba. Pero eso no significa en absoluto que estemos ante un disco intrascendente en cuanto a calidad.

En cuanto a producción, la autora de ‘Strangers’ ha repetido con Askjell, Odd Martin y Martin Sjolie, y ha reclutado a gente como John Hill (artífice del hit ‘Feel It Still’), Caroline Ailin (tras la composición de ‘New Rules’ y ‘Don’t Start Now‘, nada más y nada menos) o SLY, que tiene bastante presencia pese a que su carta de presentación (The Chainsmokers, Liam Payne o Shawn Mendes) no augure lo mejor. De hecho, el lead single viene con su firma: ‘Mirror‘ era un temazo que nos llegaba en la primera mitad de 2021, convirtiéndose en una de las mejores canciones en muchas listas de mitad de año. Pero es que el segundo single fue incluso mejor. ‘Burning Bridges‘ es de lo mejorcito que ha sacado Sigrid, ideal para darlo todo bailando y sintiendo con esa letra que apela al amor propio del oyente (y de la propia Sigrid) con las maneras con las que un buen amigo lo haría, con ese difícil equilibrio entre ser muy claro y ser dulce. “You cry, they don’t / that’s how you know” es uno de esos versos que son, como dicen por ahí, «pop perfection». Melodía y letra están en un nivel altísimo y, como ocurre con las grandes canciones pop, ‘Burning Bridges’ funciona de maravilla aunque se le despoje de su poderosa producción y se deje casi desnuda, como demostró la noruega a finales del año pasado al sacar esta otra versión.

Y tocamos con esto uno de los puntos que ha podido hacerle flaco favor al rendimiento del disco: el tiempo entre el primer single y el álbum: casi un año después. Ni la épica y el toque Alanis de ‘It Gets Dark’ ni la sorpresa que supuso la colaboración con Bring Me The Horizon en ‘Bad Life’ han evitado que ‘How to Let Go’ haya pasado bastante desapercibido. Y eso que tiene singles escondidos a la altura de los temazos que había en ‘Sucker Punch’, como es el caso de ‘A Driver Saved My Night’ o ‘Thank Me Later’. Esta última vuelve a incidir en la temática principal del disco, que es el aprendizaje y la madurez que se adquiere cuando tienes que dejar ir a personas de tu vida, ya sea para no hacer más el gilipollas (‘Burning Bridges’) o porque, aunque queráis lo mejor el uno para el otro, continuar es haceros daño (el caso de esta canción).

Sí que es cierto que no todo el disco es así de bueno, y la secuencia es un tanto extraña, pese a que sí está bien atado en el principio y final. Algo no termina de cuajar en ‘Dancer’ pese a su preciosa letra y a la conseguida transición entre puente y estribillo. Con otro acabado, podría haber sido «single material» y, sin embargo, tiene un aroma a penúltima canción un tanto extraño, teniendo en cuenta que está a mitad de secuencia. Algo parecido pasa con ‘Risk of Getting Hurt’ o con las baladas ‘Last to Know’ y ‘High Note’, lejos de emocionar de la manera en que emocionaba ‘Dynamite’. La edición especial, lanzada hace poco, incluye dos temas inéditos que son simpáticos pero poco más, ‘Everybody Says They’re Fine’ y ‘Blue’ (su aroma a los 00s recuerda a Nastasha Bedingfield y The Corrs, respectivamente), y la edición de Apple Music incluye una curiosa combinación de covers: ‘Lost‘ de Frank Ocean y ‘Bad Habits‘ de Ed Sheeran.

Estos últimos temas de los que hablamos no es que estén mal, pero se quedan lejos de alguien que nos recordaba en su debut a Lorde, Robyn o Carly Rae Jepsen, y a la vez nombraba como influencias a Joni Mitchell y Neil Young. A alguien, en resumen, mucho más interesante, que es quien aparece de nuevo en ‘Grow’, sin duda la mejor balada del disco. ‘How to Let Go’, en definitiva, se queda un peldaño por debajo del debut de Sigrid por ese carácter tan irregular… pero el “problema” es que, pese a una mitad más genérica, la otra mitad es buenísima. Si fuese un EP con esas canciones, fácilmente estaría entre los mejores del año.

Los mejores Phoenix vuelven en la inmediata ‘After Midnight’

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Phoenix acaban de sacar ‘Alpha Zulu‘, el séptimo disco de su carrera, que ha dejado muy buen sabor de boca en redacción gracias a la inmediatez de muchas de sus canciones.

Como si el grupo francés se hubiera propuesto recuperar el brío de sus primeros años, ‘Alpha Zulu’ ha contado con una serie de singles estupendos, entre ellos uno compartido con nada menos que Ezra Koenig de Vampire Weekend, y también el que nos ocupa hoy.

‘After Midnight’ es uno de los cortes más «classic Phoenix» contenidos en ‘Alpha Zulu’, y también uno de los mejores, como así parece haber asumido el público, que la ha colocado ya en el segundo puesto de las canciones más escuchadas del grupo en Spotify.

El sonido de ‘After Midnight’ captura una energía ochentera que podemos asociar a grupos como Pretenders, pero la sensibilidad de Phoenix permanece intacta en melodías e instrumentación, y en un ritmo que parece ir a mil por hora. Mientras, Thomas Mars canta sobre recuerdos y souvenirs en una letra que habla metafóricamente sobre el día y la noche.

Por otro lado, ‘After Midnight’ se ha promocionado con un videoclip, estrenado el día de lanzamiento del disco, en el que se ve un coche conducir por varios paisajes nocturnos a toda marcha, en reflejo del acelerado ritmo de la canción. Al final se revela que el coche estaba estacionado.

Muere Irene Cara, actriz y cantante de ‘Fama’ y ‘Flashdance’

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Irene Cara, actriz y cantante de ‘Fama’ y ‘Flashdance’, ha fallecido a los 63 años. La artista ha sido hallada muerta este viernes 25 de noviembre en su casa de Florida. Ha dado la noticia su publicista, que no ha confirmado causa de la muerte.

El comunicado informa: «Esta es absolutamente la peor parte de ser publicista. No puedo creer que esté escribiendo esto, mucho menos publicar la noticia. Por favor, comparte tus pensamientos y recuerdos de Irene. Estaré leyendo cada uno de ellos y ella estará sonriendo desde el cielo. Adoraba a sus fans».

Cara es uno de los iconos del pop indelebles de los ochenta gracias a la película que protagonizó, ‘Fama’, en la que dio vida a la bailarina Coco Hernandez y que se convirtió en uno de los mayores fenómenos culturales de la época; y también gracias a ‘Flashdance… What a Feeling’, la canción principal de la película ‘Flashdance’, que ella escribió e interpretó y en 1983 le valió un Oscar, un Globo de Oro y un Grammy.

Producida por Giorgio Moroder, «What a Feeling» fue un hito cultural, pues no solo alcanzó el número 1 de varios países, entre ellos España, sino que también convirtió a Cara en la primera artista femenina afroamericana en ganar un Oscar desde que Hattie McDaniel lo recibió en 1939 por su papel en ‘Lo que el viento se llevó’, y en la primera hispana desde Rita Moreno por ‘West Side Story’.

Nacida en el Bronx, Cara empezó cantando en la banda de mambo de su padre, que era portorriqueño (su madre era neoyorquina afroamericana), y después asumió el rol de corista en discos de diversos artistas. Fue en 1980 cuando alcanzó el estrellato gracias a ‘Fama’ y después en 1983 llegó la cima de su carrera con la canción de ‘Flashdance’. En 1984 obtuvo otro hit internacional, ‘Breakdance’, también producido por Moroder.

En los 90, Cara hizo coros en discos de artistas como Lou Reed, pero su carrera musical ya se encontraba lejos de sus días de gloria. En el siglo XXI, la artista participó en varios realities musicales y sacó un disco con su grupo Hot Caramel.


Kris Wu, de EXO, pasará 13 años en prisión por violación

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Kris Wu, una de las mayores estrellas del pop de China, ha sido sentenciado a 13 años de prisión por violar a varias mujeres, algunas de ellas menores de edad. Se le imputan cargos de violación y de «libertinaje grupal», que en China se castiga con una pena de cinco años. El cantante y actor cumplirá su pena y después será deportado del país. Él es residente canadiense.

La primera acusación hacia Wu tuvo lugar en julio de 2021, cuando la influencer china Du Meizhu acusó al artista de violarla a ella y a otras mujeres, algunas menores, mientras ellas yacían inconscientes después de haber sido drogadas o alcoholizadas. Wu, que ha negado continuamente las acusaciones, fue detenido por la policía y arrestado formalmente poco después, por «sospechas de violación».

Como informa Variety, en China la pena por violación se castiga con hasta 10 años de cárcel, pero puede escalar a cadena perpetua o incluso a pena de muerte si el caso es especialmente grave.

Por otro lado, Wu se enfrenta al pago de una multa de 80 millones de euros (600 millones de yenes chinos) por evasión fiscal.

Wu es uno de los raperos más conocidos de China, y también es ex-integrante de EXO, una de las bandas de k-pop más exitosas. Además, ha representado multitud de marcas, que cancelaron su acuerdo con él tras las acusaciones. El también actor ha aparecido en películas de Hollywood como ‘XXX: Return of Xander Cage o ‘Valerian and the City of a Thousand Planets’.

‘Selena Gomez: My Mind & Me’ se queda a medias hablando de salud mental

Si piensas que la cuenta de un artista más seguida en Instagram es la de Ariana Grande, Billie Eilish o Bad Bunny, piensa otra vez. Selena Gomez es la artista más seguida en Instagram, y la cuarta persona más seguida en general: solo Cristiano Ronaldo, Kylie Jenner y Messi superan sus 355 millones de seguidores. Teniendo en cuenta esto, impacta que de su boca hayan salido las palabras “las redes sociales han sido y son algo terrible para mi generación”. Pero, viendo ‘My Mind & Me’, disponible en Apple, no es de extrañar que haya dicho eso, y casi que parece quedarse corta. Porque las redes sociales habrán sido mejores o peores para nuestra generación -se admiten opiniones-, pero está claro que a Selena no le han hecho ningún bien. Y quizás la fama tampoco.

Alek Keshishian, el responsable de este documental, nos decía en una entrevista exclusiva para JENESAISPOP que ve tremendamente difícil tener una buena salud mental cuando has sido una estrella desde tan pequeña, señalando el aislamiento y la soledad de la fama (no va a quererte de verdá) como principal factor. Los millones en el banco o la tremenda popularidad -si realmente es lo que buscas- pueden compensar dependiendo de tu personalidad, pero raro sería que fuese el caso en alguien que Keshishian define como “una chica con una autenticidad, una vulnerabilidad y una humildad que he visto en pocas estrellas”.

Por eso, el proyecto de documental “de gira” que Keshishian empezó con cierta pereza tras rodar el videoclip de ‘Hands to Myself’ empezó a interesarle cuando acabó desviando a un documental sobre la salud mental de su protagonista, y su relación con la fama. El problema es que el resultado sigue siendo un poco híbrido, y no para bien.

Como documental musical no funciona, olvidaos de ver momentos interesantes como las sesiones de producción y composición de ‘Miss Americana’, o acercamientos a la interpretación de los temas que aquí podrían haberse aprovechado mucho más, por ejemplo cuando se pasea por el lanzamiento de ‘Lose You to Love Me‘. Como documental de gira obviamente tampoco, el fallido Revival Tour da para algunas escenas al principio y poco más; esto no tiene naaaada que ver con lo que hizo el propio Keshishian en ‘Madonna: Truth or Dare’, aunque siga tirando del cinema verité. Lo que realmente persigue ‘My Mind & Me’ es, al final, acercarse a la salud mental de Selena durante 6 años, y ahí es donde logra sus mayores aciertos… pero no termina de funcionar del todo.

No sé si por el cariño y la cercanía de su director con Selena, a quien dice considerar su hermana pequeña, pero hay cierto pudor a acercarse demasiado y abordar el tema en su totalidad. No se trata de que haya que darle un tratamiento morboso o efectista, ni mucho menos, pero tampoco tan aséptico como, en gran parte del documental, acaba quedando… y no ayudan a ello las frases tipo diario en off mientras vemos a Selena en sets que están a medio camino entre el videoclip de ‘Marry the Night‘ y un anuncio de perfume.

Hay momentos, ojo, muy buenos, que escapan a ese tratamiento y rebosan autenticidad, como la conversación entre ella y la niña keniana sobre pensamientos suicidas (podría haber sido un total fail pero no lo es), las visitas de Selena a sus antiguos vecinos, las declaraciones de su madre o, mi favorito, ese instante en que Keshishian deja el plano en segundo ídem y abraza a Selena. Pero, en general, queda la sensación de ser un documental recomendable por sus aciertos y lo que cuenta sobre esos efectos de la fama en alguien como Selena, pero que podría haber sido mucho mejor, tanto por el material como -a priori- porque la persona detrás de las cámaras fuese la responsable de ‘Truth Or Dare’.

Lo que es innegable es que, aunque puedan darnos coraje los discursos sobre salud mental de gente tan privilegiada en algunos aspectos, nos pasamos siendo cínicos. Nos pasamos bastante. Y más si hay alcohol o cualquier tipo de droga de por medio: he ido a mirar el artículo de temática similar que escribí en esta web en la época de la sobredosis de Demi Lovato, y algunos comentarios me dan vergüenza ajena, pero es que comentarios muy parecidos he leído en las noticias que mis compañeros han ido publicando sobre Selena recientemente o incluso, sin irnos a superestrellas, en las noticias de esta web sobre Zahara. En ese sentido, puede que ‘My Mind & Me’ al menos sirva para recordarles/recordarnos que no viene mal un poco más de empatía en un mundo que la confunde con otras cosas. Y eso siempre es de agradecer.

Jennifer Lopez detalla su nuevo álbum, ‘This is Me… Now’

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Jennifer Lopez ha dado la sorpresa al anunciar nuevo álbum, el primero en 9 años. ‘This is Me… Now’ es directamente una secuela de su disco de 2003, ‘This is Me… Then‘, el que contenía el éxito ‘Jenny from the Block’.

Entonces, Lopez salía con el actor Ben Affleck, pero poco después se separaron por la presión mediática que suscitaba su relación. 20 años después del lanzamiento de aquel disco, Lopez y Affleck vuelven a estar juntos, de hecho están casados, y si en ‘This is Me… Then’, la cantante dedicaba un tema a ‘Dear Ben’, este tema también verá una secuela en su nuevo disco.

‘This is Me… Now’ será también una «experiencia musical», pero se desconoce qué significa esto exactamente, y tampoco se ha dado a conocer su fecha de lanzamiento concreta. De momento, Lopez no se ha andado con rodeos y ha compartido el tracklist definitivo de 13 pistas y un vídeo-anuncio en el que su yo del pasado se transforma en el actual.

1. This Is Me … Now
2. To Be Yours
3. Mad in Love
4. Can’t Get Enough
5. Rebound
6. not. going. anywhere.
7. Dear Ben pt. ll
8. Hummingbird
9. Hearts and Flowers
10. Broken Like Me
11. This Time Around
12. Midnight Trip to Vegas
13. Greatest Love Story Never Told

Jennifer Lopez, que, en los últimos tiempos, ha protagonizado la película ‘Cásate conmigo’ con Maluma y ha actuado en el intermedio de la Super Bowl junto a Shakira, no saca disco desde 2014. Este es el año en que vio la luz ‘A.K.A.’. En los 9 años que han pasado desde la salida de este disco, Lopez se ha dedicado a publicar singles sueltos, y algunos (‘El anillo’, ‘Ain’t Your Mama’) han funcionado mejor que otros (‘Medicine’, ‘In the Morning’).

BLACKFRIDAY: sólo hoy domingo, envíos gratis a partir de 20 €

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Esta semana anunciamos la impresión del primer ANUARIO de JENESAISPOP con las listas de lo mejor de 2022 en formato fanzine (tapa blanda, 17x24cm), pero a todo color. Los 100 códigos de envío gratis BLACKFRIDAY22 se han agotado, de hecho se han repartido 102, pero ofrecemos solo durante este domingo envíos gratis para un gasto mínimo de 20 € usando el código YOAPOYOALAPRENSAMUSICAL. Mañana volverán a ser 30 € de gasto mínimo.

La promoción de envíos gratis desde 20 € es extensible a toda la tienda de JENESAISPOP, lo que puede ser una oportunidad de conseguir otros de nuestros items, como los 3 libros de nuestro colaborador Juan Sanguino, el de Beyoncé de Elena Herrera que os comentamos en este podcast o algunos otros de editoriales amigas.

También hay productos que se han agotado estos días (uno de los libros de Madonna) y otros a punto de hacerlo (queda exactamente 1 taza), por lo que no os lo penséis mucho.

Louis Tomlinson / Faith in the Future

Iniciar una fructífera carrera en solitario después de haber formado parte de uno de los grupos más exitosos de la historia del pop reciente no es una tarea sencilla. No solo supone hallar un estilo propio, sino hacer que los que fueron fans tengan motivos por los que quedarse, y también aportar algo novedoso para atraer a nuevos oyentes. Louis Tomlinson, tras la separación de One Direction, comenzó colaborando con artistas como Steve Aoki o Bebe Rexha, buscando éxitos radio-fórmula con un electropop comercial. ‘Walls’, su deficiente disco debut, dejaba eso atrás y se inclinaba por un Brit Pop en la línea de Oasis.

Ahora, en su segundo álbum, Tomlinson se fija en el pop-rock de los 2000 e intenta guiar su música hacia un sonido más cohesionado y maduro. Desgraciadamente, ‘Faith in the Future’ vuelve a mostrar a un artista demasiado encerrado en sus influencias y con poco que decir. ‘Bigger Than Me’, el primer single, quiere ser un himno pop-rock de estadio, pero carece de la fuerza que pide una composición de ese estilo. Ni su voz es la más adecuada para cantar en ese registro, ni la canción es lo suficientemente original para salvarla de la mediocridad. Busca sonar a los mejores Gallagher, pero acaba siendo como una de Imagine Dragons con el piloto automático.

Más conseguido está el que fue el segundo adelanto, ‘Out Of My System’, también nostálgico en sus referencias sonoras, en el que el cantante se sube al resurgimiento del pop-punk que estamos viviendo en los últimos años, y entrega un tema bien producido y con una progresión efectiva. También destaca por encima del resto ‘All This Time’, la única canción en este trabajo en la que Tomlinson se desata ligeramente de las convenciones más comerciales y suena personal. Sobre elegantes sintetizadores, el artista habla sobre cómo a veces pierde la esperanza (“Todavía dudo de que lo que hago pueda llevarme a casa”) para, finalmente, encontrarla (“Los amigos que hacemos / el amor que conlleva / vale todo este tiempo”).

Sin embargo, la gran mayoría del disco, ofrece letras excesivamente genéricas y literales que no dejan ver a la persona que hay detrás. Tampoco ayudan unas producciones tan planas y poco arriesgadas, que al reproducirlas, instantáneamente parece que llevemos dos décadas escuchándolas. Se echa en falta más alma y menos fórmulas.

‘Faith in the Future’ evidencia que Tomlinson artísticamente está perdido, incluso si supone un ligero avance respecto a su primer disco. Todavía hay mucho espacio para mejorar, tanto a nivel vocal como lírico y melódico. Que un disco con un sonido tan arraigado en técnicas crea-éxitos no tenga ni un solo tema pegadizo es un claro indicativo de que algo no está funcionando como debería. Habrá que tener “fe en el futuro”, no hay otra opción.

Molina Molina presenta su pepinaco electropop hoy en GPS

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Este fin de semana se celebran los últimos conciertos de la 12ª Edición de Girando por Salas. Os recordamos que la 13ª está en marcha. El día 1 de diciembre hay un show «fin de ciclo» en Madrid de Karmento y Colectivo da Silva al que se puede asistir solo con invitación, pero antes, este viernes 25 y sábado 26 hay shows de Travis Birds, Izaro, María Guadaña y los mismos Karmento y Colectivo da Silva repartidos por toda la geografía española. Detalles, aquí.

Destacamos el show de Molina Molina esta noche de Black Friday en el Cadavra Club de Madrid, ya que es uno de los protagonistas de las novedades de hoy. MolinaMolina es el proyecto de un músico de Granada con más de una década de experiencia en lanzamientos como ‘Oz’ o ‘La gran esperanza blanca’, en el que aparecía gente Miss Caffeina, Javier Álvarez o Iván Ferreiro, entre otros. La más guitarrera ‘Contradicción’ es su máximo éxito de momento, destacando también la balada acústica con Álvarez y sección de cuerda, ‘Removerás montañas’. Hoy presenta uno de sus temas más bailables.

Si su anterior single ‘Parece que‘ era muy noventero, ‘Delicadeza’ es una canción de electropop ochentero marcada por los sintetizadores de aquella década, en la que puntualmente se ha hecho acompañar de Miranda! La que es una de sus producciones más decididas y mejores nos habla de mentiras, enredos, voces que oímos en nuestra cabeza… al modo de Fangoria, Monterrosa y sobre todo Cassino. El próximo disco de MolinaMolina se espera para primavera de 2023.

Molly Burch saca una digna aspirante a villancico indie de 2022

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En exactamente un mes se celebra la Navidad, los éxitos anuales de Mariah Carey y WHAM! aparecen ya en el top 50 global de Spotify, y ya son varios los artistas que están empezando a publicar sus propios villancicos, entre ellos Sam Smith y Molly Burch. La cantante estadounidense ya publicó un disco navideño en 2019, y hoy vuelve con dos temas que no están nada mal.

Si ‘December Baby’ muestra a Burch en su faceta más intimista, en lo que no deja de ser una nana navideña, es ‘Cozy Christmas’ la canción que probablemente más alegrías le va a dar. Es una de esas canciones animadas que capturan la alegría y calidez de la Navidad y, además, dentro de su sonido de disco-pop ligerito e easy-listening a lo Tennis, no parece disimular en absoluto su inspiración en ‘Last Christmas’, con la que claramente comparte acordes.

Como toda canción navideña, ‘Cozy Christmas’ no deja de ser una declaración de amor. Entre referencias a la espera por un avión que aterriza esa misma noche y a una casa decorada con todos los ornamentos navideños pertinentes, Molly Burch espera con entusiasmo la llegada de su amor, con el que pasará la mejor Navidad de su vida, porque «por fin tengo a alguien que me abrace». Decorada con los cascabeles de rigor, la canción es tan retro que termina en «fade out».

RFTW: Los Punsetes, Stormzy, Mónica Naranjo…

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En la semana del Black Friday son pocas las grandes novedades musicales que llegan hoy viernes. Sí que hay hablar del lanzamiento de los esperados nuevos discos de Stormzy y Paulo Londra. También en el plano internacional entrega disco Rae Morris. Y, desde España, son Los Punsetes y Omar Montes quienes protagonizan los lanzamientos discográficos más notables del día.

Sin embargo, son varias las novedades nacionales interesantes que ven la luz hoy, a destacar los nuevos discos largos de Safree y Antía Muiño, y el nuevo EP de Irenegarry.

Hoy hay single nuevo de Mónica Naranjo, ‘Toda una mujer’, que conmemora el Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer. Además, Zayn saca un tema colaborativo «junto a» Jimmy Hendrix y Jungkook de BTS estrena su tema para el Mundial.

Entre las novedades imperdibles del día se encuentra el majo villancico de Molly Burch y el colorido nuevo tema de Marta Movidas, y tampoco hay que pasar por alto las propuestas de los artistas emergentes que lanzan single hoy, como el R&B de Carrie Baxter, el pop atmosférico de april june o los fandangos de Anna Colom, que fue corista de Rosalía.

La playlist incluye otras novedades de Olly Murs, Cora Yako, serpentwithfeet, Raissa, Nicki Nicole, Molina Molina, Miki Núñez con Alfred García, COUCOU CHLOE, entre otras que podéis complementar con las de Sesión de control, playlist dedicada al pop en castellano.

Rigoberta: «Pablo Motos no quiso que fuera a El Hormiguero»

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Rigoberta Bandini sigue de gira y acaba de actuar en el Palau Sant Jordi de Barcelona delante de 15.000 espectadores, según La Vanguardia. Además, la autora de ‘La Emperatriz‘ ha sido entrevistada en el podcast ¡Menudo cuadro! y ha realizado unas interesantes declaraciones sobre Pablo Motos: dice que el presentador no ha querido entrevistarla en El Hormiguero.

Rigoberta, que ha sido número 1 de singles en España con ‘¡Ay mamá!’, ya llena festivales y recintos grandes con un año de carrera y ha protagonizado uno de los fenómenos musicales del año, nunca ha visitado El Hormiguero, donde sí hemos visto, por ejemplo, a La Bien Querida hasta en dos ocasiones, entre muchísimos otros artistas mainstream. Rigoberta cree que, en el pasado, puede haber hablado de Motos de manera poco halagüeña, y que este le puede guardar rencor.

Así lo ha contado en el podcast. En la sección Menudo compromiso, los presentadores David Insua y David Andújar han preguntado a Paula Ribó qué persona de la industria del entretenimiento le cae mal, y ella ha respondido sin pensárselo Pablo Motos porque «no ha querido que fuera a su programa». La cantante cuenta que su equipo contactó a El Hormiguero para ir, pero que el programa se negó, y Rigoberta elucubra: «yo, como soy una bocas, habré dicho que no me cae simpático, y él se lo ha apuntado en su libreta».

Rigoberta explica que las personas le suelen caer bien cuando las conoce de tú a tú, y añade que Motos «es una persona que me genera mucha curiosidad si en persona me caería bien o mal, porque igual me caería bien», pero que no le guarda «mucho aprecio» debido a la negativa de El Hormiguero de que visitara el programa. Los presentadores del podcast no dan crédito: «es una tontería, porque habrías reventado la audiencia».

Las declaraciones de Paula Ribó dejan en mal lugar a Pablo Motos, que vetaría a personas de su programa en base a si le caen bien o mal, lo cual en este caso nos ha robado de una entrevista en El Hormiguero que podría haber estado bien. O no. Tampoco es que Rigoberta necesite más exposición mediática a estas alturas, pues de hecho planea un descanso largo después de la gira que se encuentra presentando.

Pack Libro + Anuario = Gastos de Envío Gratis

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Tras el éxito del libro ‘Un viaje por 200 discos clave por el siglo XXI‘, sois muchos los que nos habéis animado a continuar en el mundo editorial. En concreto recopilando lo mejor de cada año. Por primera vez, JENESAISPOP ha editado las listas con lo mejor del año en formato físico.

El anuario recibe el imaginativo nombre de «2022. Un año de Pop» y puede comprarse ya en nuestra tienda online por 11,95 €. Además, también puedes comprar un pack LIBRO de JENESAISPOP + ANUARIO por 30,95 €. Os recordamos que los gastos de envío son gratis para la Península aplicando el código YOAPOYOALAPRENSAMUSICAL.

¿Qué encontrarás en el Anuario de JENESAISPOP?
-La lista de 125 mejores canciones de 2022 para la redacción de JENESAISPOP, comentada.
-La lista de 75 mejores discos de 2022 para la redacción de JENESAISPOP, comentada.
-Un reportaje sobre las Mejores Series de 2022, firmado por Joric.
-Un reportaje sobre las Mejores Películas de 2022, firmando por Joric.
-Varios artículos opinativos o compilatorios realizados por firmas invitadas como Elena Cabrera, Jaime Cristóbal, Mireia Pería o Jordi Bardají.
-Un test sobre cuánto sabes de 2022.
-En total, 128 páginas, a todo color, en formato fanzine de 17cm x 24 cm (tapa blanda), más manejable que el libro de tapa dura que publicamos en 2020 (esta vez te lo podrás llevar de viaje o leerlo en el Metro).

Las listas con los Mejores Discos 2022 y Mejores Canciones 2022 aparecen online pero en una versión reducida (100 canciones, 50 discos, como es habitual).

Las canciones de Benidorm Fest se estrenarán en diciembre

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RTVE ya ha anunciado la fecha en la que por fin se podrán escuchar las canciones que sonarán en el Benidorm Fest 2023. Las 18 canciones que aspiran a representar a España en Eurovisión se conocerán el 19 de diciembre. Además, los 18 artistas darán una rueda de prensa en la que compartirán sus pensamientos tras conocerse las propuestas que llevarán a Benidorm.

Las entradas de la final del Benidorm Fest se agotaron en segundos, demostrando una acogida del público excepcional. Por esto mismo, RTVE regalará seis entradas dobles para disfrutar del festival por todo lo alto. Los tickets se entregarán durante la emisión en RTVE de la Lotería de Navidad (22 de diciembre), las Campanadas (31 de diciembre) y la Cabalgata de Reyes (5 de enero), otorgando dos entradas dobles cada día.

Recordamos que ya se descubrieron los nombres de las 18 canciones que sonarán en Benidorm del 31 de enero al 4 de febrero: ‘Quiero arder’, de Agoney; ‘Desde que tú estás’ de Alfred García; ‘Yo quisiera’, de Alice Wonder; ‘Flamenco’, de Aritz Arén; ‘EaEa’, de Blanca Paloma; ‘Uff!’ de la girlband E’ffemme; ‘La Lola’ de Famous; ‘Mi familia’ de Fusa Nocta; ‘Inviernos en Marte’ de José Otero; ‘Quiero y duelo’ de Karmento; ‘Arcadia’ de Megara; ‘No nos moverán’ de Meler; ‘Tracción’ de Rakky Ripper; ‘Aire’ de Sharonne; ‘Que esclati tot’ de Siderland; ‘Tuki’ de Sofía Martín; ‘Sayonara’ de Twin Melody; y ‘Nochentera’ de Vicco’.

Julieta Venegas / Tu historia

En los últimos tiempos hemos visto a Julieta Venegas arrasar con un single compartido con Bad Bunny y Tainy y, a la vez, hacerse independiente. Su nuevo disco, ‘Tu historia’, es el primero después de su marcha de Sony y el primero en siete años: este es el tiempo que ha pasado desde que llegó al mercado ‘Algo sucede‘ en 2015, un disco que poco tiene que ver con su sucesor, quizá porque ‘Tu historia’ busca explícitamente mirar al pasado, pero solo para equipar a Julieta de cara al futuro.

En un primer acercamiento, ‘Tu historia’ parece un disco de ruptura. ‘Mismo amor‘, el primer single, relata el preámbulo de esa separación y, además, en su sonido disco-funky es pegadizo hasta la obsesión, a lo que contribuye el mejor puente que se ha escrito en 2022. Después, son varias las pistas que tratan abiertamente este tema, pero sin regodearse en la miseria. Al contrario.

‘En tu orilla’, el corte inaugural, aboga por dejar atrás el rencor y aceptar el recuerdo bonito de una relación que ha pasado. «Quiero estar en tu orilla para siempre, en tu instante más feliz / voy a ser tu secreto / un rincón que guardas solo para ti» es una de las frases más bonitos del largo, y la canta la mexicana en esta alegre producción que mezcla el acordeón con ritmos similares a los de ‘Close to Me’ de The Cure. Otra referencia de los ochenta, ‘Cloudbusting’ de Kate Bush, viene a la mente al escuchar ‘Brillaremos’, que habla de lo mismo.

Pero el título de este álbum producido por el chileno Alex Anwandter no alude necesariamente a una segunda persona, sino que puede referirse también a la propia Venegas. En este octavo elepé, la autora de ‘Me voy’, que compone estas canciones durante la pandemia, hace el ejercicio de reconciliarse con su pasado y, en el corte titular, uno de los más folclóricos, nos aconseja: «deja tu pasado ser parte de ti, lleva con orgullo tus errores». Y si a veces habitar ‘La nostalgia’ duele, Venegas hace que suene maravillosa en esta canción acústica acariciada por cuerdas tipo años 40.

La perspectiva de Venegas en ‘Tu historia’, la más madura posible, admite, por otro lado, alusiones al machismo en ‘Caminar sola’, y también referencias musicales más inesperadas, como el soul setentero de ‘Pura fantasía’. Sin embargo, el optimismo y la esperanza prevalecen en ‘Te encontré’, que habla de un nuevo amor, y solo en la ‘Despechada mexicana’ final, la cantautora se permite habitar el resentimiento, pero solo para dignificarse más todavía cuando canta que «me toca mimarme y cuidarme y hacerme el amor, me toca quererme a mí». Un mensaje que grabarse a fuego.

Iggy Azalea vende su catálogo por una suma de 8 cifras

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Iggy Azalea se suma la larga lista de artistas internacionales que venden su catálogo. La rapera australiana ha vendido «una porción» de su repertorio a la editorial Domain Capital Group, que se ha quedado con sus masters y derechos editoriales por una suma de 8 cifras, según el portal The Female Rap Room. Esto es, de 10 millones de dólares para arriba.

La propia Iggy ha confirmado la noticia. Si bien no ha entrado en detalles económicos, la artista ha dicho que «he vendido parte de mi catálogo a quien he querido, por una suma que significa que no tengo trabajar un día más en mi vida», y ha dado un motivo: «tengo un negocio más grande y quiero invertir en él». La rapera dirige su propio sello discográfico, Bad Dreams, aunque se desconoce si ese es el negocio al que se refiere.

La parte de su catálogo que ha vendido Iggy incluye sus mayores éxitos, ‘Fancy’ con Charli XCX, ‘Black Widow’ con Rita Ora y ‘Problem’ con Ariana Grande, y se supone que abarca desde sus primeros epés hasta su último lanzamiento largo.

En Twitter, algunos fans de Iggy se han preocupado por que la decisión de la artista pueda terminar en la situación de Taylor Swift, y la australiana ha explicado que, al contrario que Taylor, ella sí se va a beneficiar de dicha venta. Y después se ha dirigido a sus fans así: «os quiero pero la conversación de los masters supera vuestra compresión sobre los negocios».

En cuanto a nuevos proyectos, Iggy dijo el año pasado que ‘The End of an Era’ sería su disco final, después se retractó, y ahora ha confirmado que prepara un «proyecto» que espera salga en 2023. Eso sí, ha confirmado que no saldrá de gira.

El mash-up de Oasis y Hall & Oates que estos aprueban

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Estamos acostumbrados a escuchar mash-up de hits de pop de Ariana Grande, Rihanna… Algunos de sus autores han conseguido salir de Youtube y producir a gente de la talla de Kylie Minogue. Por no hablar que, este año, Beyoncé ha sacado un mash-up oficial de ‘BREAK MY SOUL’ y ‘Vogue’ de Madonna que aún no sabemos si existe o es producto de una fantasía.

Otros tipos de mash-ups existen, como aquel que mezclaba el villancico de Mariah Carey con… Marilyn Manson, y del brit-pop de los 90, especialmente las cuerdas de ‘Bittersweet Symphony’ de The Verve se han mezclado con todo, lo mismo con ‘Slide Away‘ de Miley Cyrus (mejorando esta) que con ‘Blinding Lights‘ de The Weeknd en plan experimento (fallido).

Ahora, un productor ha creado un mash-up de Oasis y Hall & Oates que se ha viralizado. Max Kendall, vocalista de la banda de pop londinense DECO, ha cogido la base instrumental de ‘Out of Touch’ y ha cantado ‘Don’t Look Back in Anger’ por encima. No es un mash-up con las voces de Noel y Liam, por tanto, pero el resultado es majo, tanto como para haber llamado la atención de los propios artistas.

En Twitter, Noel ha comentado el mash-up y ha dicho que «en cualquier era, «‘Don’t Look Back in Anger'» es un temazo», mientras Hall & Oates le han enviado un emoji de «100». DECO, claro, está encantado con la recepción que ha obtenido su mash-up, aunque no es el primero que se viraliza, y tampoco es el primero que hace con una canción de Oasis.

A principios de 2021, DECO logró viralizar una mezcla de ‘Smalltown Boy’ de Bronski Beat y ‘Wonderwall’ de Oasis que obtuvo millones de visualizaciones. Después sacaron otra tan improbable que fusionaba ‘Wannabe’ de Spice Girls con ‘Sexual Healing’ de Marvin Gaye.