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¿Valía la pena que salieran las inéditas de ‘MOTOMAMI’?

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Rosalía ha decidido dar un impulso a la era ‘MOTOMAMI‘ -que no lo necesitaba, el disco sigue entre los tres más exitosos de España- y ha publicado una edición ampliada que incluye hasta 7 temas antes inéditos, incluido, por supuesto, ‘DESPECHÁ’, oficialmente su primer gran hit internacional. Merecía aparecer en su álbum madre aunque fuera a posteriori.

Hasta quienes dudamos, en un primer momento, sobre el merengue de ‘DESPECHÁ’ -que existimos- nos hemos tenido que comer nuestras palabras. Ahora el debate no se halla en si ‘DESPECHÁ’ mola o no, sino en si es la canción del verano o lo es la de Quevedo. Y qué bien porque, si Rosalía llevaBA años currando para que una canción suya lo petara de esta manera, finalmente puede decir que lo ha conseguido.

Sin embargo, la reacción al resto de canciones de ‘MOTOMAMI +’ está siendo muy diferente, tanto que, en el hilo de Rosalía activo en los foros de JENESAISPOP, en el mismo día de salida del disco, reinaba el silencio. «No estamos comentando porque no hay nada que comentar, verdad?», planteaba el usuario Dardo, como si, de repente, no viviéramos en la era de Rosalía.

Le doy la razón, solo en parte. El disco está funcionando en Spotify pero, como apunta Zarko unos comentarios atrás, la novedad que ofrece se reduce a una «colección de descartes». Nadie espera que de ‘CHIRI’ nazca otro hitazo de Rosalía aunque, visto el éxito de ‘DESPECHÁ’, todo puede pasar. Además, de los cortes inéditos, es el mejor de todos, puro ‘MOTOMAMI’ en su impulida mezcla de beats machacones, pianos, referencias flamencas, coros a lo ‘Medúlla‘ y otras referencias populares, de Canelita a la heroína. La pregunta es si estos descartes son presentables o no, si valía la pena que salieran para ampliar el mundo de ‘MOTOMAMI’ o en absoluto. Y ahí es donde surge el debate.

En el citado hilo, JonPGz expresa que las canciones nuevas le han gustado, pero «entiendo que se quedasen fuera», y elanonimotranquilo va más allá: «A mí me parece que se quedaron fuera y que nunca deberían haber salido». Confieso que he llegado a la misma conclusión cuando he escuchado, ya no el interludio de ‘Thank Yu :)’, innecesario aunque simpático, sino una canción con tan poco gancho como ‘LAX’, que además no puede sonar más inacabada; o ‘AISLAMIENTO’, de melodía algo «cheesy» para lo que ofrece ‘MOTOMAMI’. Sí me ha hecho gracia la machacona ‘LA KILIÉ’ porque me ha recordado a ‘Pose’ de Rihanna. Y, si el remix de ‘CANDY‘ con Chencho Corleone no aporta muchísimo a una canción que ya había sido número 1 en España, el directo de ‘LA FAMA’ sí me hace pensar que un disco en vivo de Rosalía sería una buena idea: en el contexto del directo, y sin la presencia forzada de The Weeknd, ‘LA FAMA’ suena completamente maravillosa, mucho más relajada y libre de lo que lo hace en la versión de estudio.

Pero las pistas nuevas de ‘MOTOMAMI +’ sí aportan detalles interesantes a la era. ‘AISLAMIENTO’ es probablemente la canción más explícitamente dedicada a «la fama» que ha escrito Rosalía, tanto que incluye referencias a TMZ y a los paparazzis. En ese sentido, una frase como «hay un muro entre yo y el mundo» suena especialmente emotiva, y Rosalía, siempre por delante, deja claro que sigue con los pies en la tierra. «No quiero que pienses que eso me da orgullo», canta después. En ‘LAX’ relata: «Tengo el yard que tú no tendrás / pero tú tienes todo lo que perdí». Como tantas nuevas estrellas, Rosalía se debate entre la fanfarronería y el luto por una vida anterior que ya no recuperará.

Menos ofrecen estas canciones en lo musical. Littlebird concuerda: «Para haber sacado eso, no hubiera sacado NA-DA. No compro ninguna tampoco». Sin embargo, Zarko aporta una visión diferente muy interesante: «A mí que salgan, me gusta. Hace unos años hubieran sido b-sides de los singles, que habríamos guardado/comprado según nos gustasen o no. En la época del streaming, quizás eso ya no tiene tanto sentido, pero que salgan en pack como «anexo» al disco nos deja ver qué otras ideas estaba barajando y algún tema resultón seguro que pillamos». Las inéditas de ‘MOTOMAMI’ no son esenciales pero tener acceso a ellas, poder rebuscar en ese cajón de ideas descartadas que forman parte de un disco histórico, también es un regalo al que a Rosalía le contestamos con un: thank you :). Y de las inéditas de ‘El mal querer‘ ya casi, casi ni nos acordamos…

ilsen, antes sumido en las guitarras, encuentra su propósito en la electrónica

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ilsen es un grupo de Barcelona que lleva más de una década en activo y varios lanzamientos publicados a sus espaldas, y que hoy forma parte de la comunidad musical Acqustic. En 2011 vio la luz su primer EP ‘Entresol’ y, desde entonces, ha alternado el lanzamiento de epés como ‘La constante huida’ (2013) o ‘Antes era antes’ (2018) con el de un álbum largo llamado ‘Valle inexplicable’ que llegó a las plataformas en 2015.

El grupo, formado por Edu Cruz (voces), Luis Voodoo (guitarras), Marcel Furment (bajo), Leo Fernández (batería) y Joan Recordà (teclados), se inició en la música con un sonido guitarrero próximo al indie-rock y al rock alternativo de los 90, pero poco a poco ha ido introduciendo elementos electrónicos en su propuesta. De cortes como ‘Puedes tú’ pasó a otros como ¿’Cuánto más?’, en el que las guitarras ya empezaban a convivir con beats electrónicos.

Es en los últimos tiempos donde ilsen ha abrazado definitivamente la electrónica y es en cortes como ‘Faro’, su tema más escuchado hasta la fecha, donde cabe hablar de una probable influencia de los Radiohead de ‘Kid A‘. Es evidente, por ejemplo, en la producción electrónica, que remite al catálogo de Warp Records pero sigue sin renunciar a las guitarras.

Pero el tema más electrónico de la carrera de ilsen ha llegado esta semana y lo has podido escuchar en la playlist «Ready for the Weekend». ‘Si lo encuentras’ ya no es tan ‘Kid A’, sino que directamente es una canción de electrónica con alma, al modo de unos Moderat. Esta vez, la producción electrónica es especialmente compleja, en su laberinto de beats y atmósferas que te abrazan como lo hacen las dos personas que aparecen en su portada.

Las letras de ilsen han hablado, en ocasiones, sobre la dificultad de encontrar un propósito en la vida. Pero ‘Si lo encuentras’ habla de «ese momento en el que, después de muchas búsquedas o intentos, das con la tecla (ya sea una persona o propósito vital)». El tema «se posiciona a favor de abrazar ese algo, pase lo que pase, digan lo que digan, y sin miedo a cómo acabe la historia».


Cuando Lana Del Rey y Lindsay Lohan posaron juntas en 1998

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Compartimos una nueva edición de nuestra sección «10 Fotos Que» con algunas de las fotos que más nos han divertido o sorprendido en redes…

Los tesoros de Lana Del Rey en 1998: Lana tiene una cuenta secreta en Instagram (@honeymoon, de nada) donde, de vez en cuando, comparte fotos interesantes. Recientemente ha compartido unos retratos que le sacaron ese año, cuando contaba 13 años. Recordamos que, en 2021, publicó unas imágenes de ella posando en un anuncio de mochilas de Instagram junto a Lindsay Lohan, cuando no sabíamos quién era ninguna de las dos. Ha llovido.

Natalie Imbruglia canta con Coldplay por Olivia Newton-John: La muerte de Olivia Newton-John ha conmocionado al mundo. Y, en uno de sus recientes conciertos en Londres, Coldplay le han rendido homenaje con la compañía de la también australiana Natalie Imbruglia. Juntos han cantado ‘Summer Nights’, de ‘Grease’, y Natalie no se ha ido sin cantar su hit ‘Torn’.

Zayn canta por One Direction: Esto sí no lo habíamos visto venir. Zayn, el único ex-integrante de One Direction, pues cabe recordar que el grupo no se ha separado, ha cantados dos canciones de la formación en Instagram. En un vídeo, Zayn ha interpretado las melodías de ‘Night Changes’ y ‘You & I’, donde todo el mundo recuerda que se quedó con LA nota. ¿Se hará un Robbie Williams algún día?

Maluma se opera de la rodilla: Maluma se operó de la rodilla en 2019 y, estos días, ha vuelto a pasar por quirófano para someterse a una operación menor que ha sido un éxito. El cantante de ‘Hawái‘ se ha dejado ver postrado en una cama de hospital pero, después, se ha recuperado lo suficiente como para subir un vídeo de él bailando con la piern escayolada, bastón en mano.

Charlie Puth enseña culo otra vez: Que a Charlie le gusta enseñar cacho está claro porque, cada vez que lo hace, lo sacamos en esta sección. En concreto, el autor de ‘Attention‘ no pasa oportunidad de presumir de nalgas, y ahora lo ha vuelto a hacer con la excusa de que le han hecho una sesión de fotos subido a un columpio, de espaldas y desnudo.

Amatria baila su propia canción en el Mercadona: Ser cantante significa que pasees por los pasillos laberínticos del Mercadona y en el hilo musical del supermercado empiece a sonar tu propia canción. No le pasará a Rihanna, seguro, pero sí le ha pasado a Amatria, que ha subido un vídeo de él bailando ‘Un amor‘ junto a su hija. Adorable.

Olivia Rodrigo canta con Billy Joel: Como su idolatrada Taylor Swift, Olivia Rodrigo no para de invitar a artistas a sus conciertos. El último en sumarse ha sido Billy Joel, al que Olivia citaba de manera célebre en su éxito ‘deja vu‘: «seguro que ella sabe quién es Billy Joel, porque le has puesto ‘Uptown Girl’, ahora la cantáis juntos, ¿cuándo le dirás que nosotros también hacíamos lo mismo? Es todo reciclado». Pero Olivia ríe última: canta ‘Uptown Girl’ junto al propio Billy Joel.

Una espontánea sube al escenario de Thundercat: Thundercat ha ofrecido recientemente un concierto que no olvidará. A la mitad de su set en New Haven, Connecticut, una espontánea se coló en el escenario de Stephen Lee Bruner con intención de darse a conocer como cantante. «Hola, soy cantante» son las únicas palabras que le dio tiempo a emitir antes de ser expulsada por los agentes de seguridad. ¿Quizá podría haber dejado su perfil de Bandcamp?

La «future nostalgia» de Billie Eilish: Mientras está de gira por Asia, Billie Eilish ha compartido imágenes de una reciente sesión que ha hecho con Gucci. Las fotos comparten vibras con las de ‘Future Nostalgia‘ de Dua Lipa por su mezcla de pasado y futuro, y por la presencia de elementos en común como el automóvil, las gafas, las tonalidades rosa…

The Killers cantan con Lindsay Buckingham: Los recientes conciertos de The Killers están dejando alguna que otra sorpresa. En Madrid estrenaron su single ‘boy‘ antes de lanzarlo oficialmente y, en los últimos días, Lindsay Buckingham de Fleetwood Mac ha aparecido en el escenario para cantar con ellos ‘Go Your Own Way’, el éxito de ‘Rumours‘.

Fallece a los 70 años el escritor Javier Marías

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El escritor Javier Marías ha fallecido este domingo en un hospital de Madrid, donde estaba ingresado a consecuencia de una afección pulmonar. Tenía 70 años.

Marías fue uno de los escritores españoles más prestigiosos de nuestra época. Ciertamente desde la segunda parte del siglo XX hasta bien entrado el siglo XXI, Marías publicó una ristra de novelas que le valieron numerosos premios y la admiración de crítica y público.

‘Los dominios del lobo’, la primera novela de Marías, se editó en 1971, pero no fue hasta 1986 cuando llegó la que muchas personas considerarían su primera obra maestra, ‘El hombre sentimental’. A continuación llegaron otras obras cumbre de Marías como son ‘Todas las almas’ (1989), ‘Corazón tan blanco’ (1992) y ‘Mañana en la batalla piensa en mí’ (1994).

El prestigio de Marías supuso que sus novelas fueran traducidas a decenas de idiomas y recibieran numerosos premios. Entre sus obras más traducidas se encuentran la mencionada ‘Corazón tan blanco’ y también ‘Los enamoramientos’ (2011). Entre 2002 y 2007 publicó la que es considerada su obra más ambiciosa, ‘Tu rostro mañana’, dividida en tres tomos.

Licenciado en Filología y letras, Marías también impartió clases de literatura y teoría tanto en la Universidad de Oxford como en la de Madrid, y los personajes que habitan sus historias suelen ser intérpretes o traductores, personas, en palabras de Marías, que «han renunciado a sus propias voces». El protagonista de ‘Todas las almas’ es un reflejo de su autor.

Marías también escribió relatos cortos y artículos periodísticos para medios como El País y, su última novela, ‘Tomás Nevinson’, se editó en 2021. En los últimos años también fue elegido miembro internacional de la Royal Society of Literature de Reino Unido.

Rachel Bobbitt reflexiona sobre migrañas y maternidad en ‘More’

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Rachel Bobbitt es una joven cantautora nacida en Nueva Escocia y radicada en Toronto que cuenta ya con varios lanzamientos publicados a sus espaldas, estos son, el álbum largo ‘When This Plane Goes Down’ con Justice Der (2019) y cuatro epés llamados ‘The Ceiling Could Collapse’ (2022), el electrónico ‘Call More’ (2021), ‘And It’s the Same’ (2020) y ‘Months to Fall’ (2018).

Bobbitt inició su carrera musical subiendo versiones a Vine, donde ganó cierta notoriedad, pero pronto el éxito la abrumó y se retiró de la red social para concentrarse en escribir su propia música. Encontró un refugio en la ciudad de Saskatoon, donde la nota de prensa explica que el frío terminó inevitablemente filtrándose en sus composiciones.

Guitarras con ecos a los años 90, melodías melosas y melancólicas, cierta querencia post-grunge, atmósferas silenciosas, como si cobraran vida durante una fría madrugada de invierno; bellas armonías y una voz suave como la seda son los ingredientes que propone Bobbitt. Ingredientes que se hacen evidentes en canciones tan accesibles como ‘Again’, que parece un cruce entre Nilüfer Yanya y Snail Mail; o la «radio-friendly» ‘Watch and See’, o en joyas escondidas como ‘Baby’s Gone’ o ‘Mom and Dad’. Te gustará definitivamente si te gustan Phoebe Bridgers, Alex G, Jay Som… y Bon Iver, en algún punto.

‘More’, otra de las pistas incluidas en ‘The Ceiling Could Collapse’, merece mención aparte porque transmite una madurez inédita hasta ahora en el repertorio de Bobbitt, tanto que, al escucharla, puede venir a la mente el sonido de The War on Drugs. ‘More’ no es una canción tan rematadamente épica, pero sus casi 5 minutos son probablemente los más ambiciosos que ha escrito Bobbitt. En esta emocionante canción se condensa básicamente todo lo mejor que tiene que ofrecer como compositora.

Tampoco es la temática de ‘More’ la que esperas. Habla sobre habitar un cuerpo atormentado por las migrañas, en concreto, sobre «navegar el sistema médico como una mujer cuyo dolor a menudo se ignora como inevitable». En la letra canta: «Dicen que el cuerpo es solo una cosa para albergar la mente / Pero el mío me sigue traicionando noche tras noche». El dolor de Bobbitt le hace reflexionar sobre las expectativas de maternidad que la sociedad vuelca sobre las mujeres, y ‘More’, algo que «no quiero necesariamente en este punto».




Pantha du Prince / Garden Gaia

Pantha du Prince ha dedicado toda su carrera a representar la naturaleza en su música, asociada siempre a aquello comúnmente llamado por la prensa especializada con el nombre de electrónica con alma. ‘Black Noise’ (2010) se basaba en el concepto de «ruido negro«, ‘Elements of Light‘ (2013) producía luz con campanillas, y ‘Conference of Trees’ (2016) investigaba la vida de los árboles. ‘Garden Gaia’, su nuevo álbum, nos lleva directamente un jardín ideal.

‘Garden Gaia’ es un trabajo de concepto ecológico. El alemán Hendrik Weber lo ha ideado como una representación de la Tierra en forma de «jardín perfectamente funcional». Cuenta que, con él, busca transmitir la idea de que los seres humanos necesitan una mayor conexión con la naturaleza. Insiste en que no es activista «en el sentido que no me ataría a mí mismo a un árbol», y aclara que la reflexión que hace con el disco es que «nosotros creamos este mundo y él nos crea de manera simultánea, por lo que debemos entender que todo lo que está a nuestro alrededor tiene sentimientos».

Weber explica que «el hecho de que seamos capaces de crear más comida de la que necesitamos cuando hay tanta gente muriendo de hambre, significa que no le ponemos el valor que merece a la belleza humana, y que nos enfocamos demasiado en conceptos como el control y la dominación». El productor espera que la música de ‘Garden Gaia’ sea un hilo del que tirar para que el público llegue a este tipo de reflexiones, pero también se conforma con que le haga bailar o le conmueva sin más.

‘Garden Gaia’ a veces hace bailar y a veces conmueve, y el viaje que propone nunca se acerca a ser una revelación, pero sí es agradable. ‘Open Day’ abre con sonidos de selva, cantos de pájaros y gentiles percusiones, creando todo un remanso de paz, y el disco prosigue por lugares más o menos familiares en el repertorio de Pantha du Prince que van de lo esotérico (‘Mother Drum’) a lo ambiental (‘Golden Galactics’) pasando por la cavernosidad de unos Moderat (‘Blume’).

El álbum contiene momentos de gran belleza, como ‘Crystal Volcano’, que incorpora ricas texturas de xilófono a un paisaje intrigante y misterioso, y ‘Liquid Lights’, que arroja destellos de luz a un beat de house, sonando exactamente a lo que promete su título. En otros momentos se hace tan bola como en ‘Alles Fühlt’, y aunque las grabaciones de campo (agua, pájaros) del álbum están bien incorporados, es en el beat garage de ‘Heaven is Where You Are’, con la aportación vocal de Bendik HK, donde el disco despierta después de un periodo adormecido.

Marsha Hunt, actriz del Hollywood dorado, fallece a los 104 años

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En la misma semana en que se ha producido el fallecimiento de la Reina Isabel II de Inglaterra, otra persona célebre que merece ser recordada nos ha dejado. Marsha Hunt, actriz que trabajó en la era dorada de Hollywood, y que fue incluida en la lista negra, fallecía este 7 de septiembre a los 104 años por causas naturales. Con ella se ha ido la actriz de mayor edad que quedaba del Hollywood dorado.

Nacida en 1917, Marsha Hunt empezó su carrera como modelo. A los 17 años firmó con Paramount y, durante los años 30, apareció en numerosas películas, entre ellas, ‘Nacido para el oeste’, donde compartió reparto con un entonces semi desconocido John Wayne. En los 40, fichada por MGM, apareció con Laurence Olivier en ‘Orgullo y prejuicio’ (1940) y con Mickey Rooney en ‘La comedia humana’ (1943), nominada al Oscar.

La carrera de Marsha Hunt sufrió un grave palo en 1950 cuando la actriz fue incluida en la lista negra de Hollywood por su supuesta alianza al Partido Comunista. Su veto se produjo después que el nombre de Hunt apareciera entre los 151 nombrados en el panfleto anticomunista Canales rojos, y la carrera de Hunt no volvió a remontar. A partir de 1957 y hasta los 70 sí apareció en películas menores y seres de televisión, incluida ‘Star Trek’, pero llegados los 60, Hunt estaba semiretirada.

Conocida fue, por otro lado, la labor humanitaria de Hunt. Desde mediados de los 50, la intérprete dio charlas a lo largo de todo Estados Unidos para concienciar al público sobre el problema del hambre en el llamado Tercer Mundo. Además ayudó a recaudar fondos para combatir la crisis de la falta de vivienda. La contaminación y la paz eran otros temas que le preocupaban.

Hunt también apoyó el amor homosexual. En los 70, durante un viaje en coche, concibió una canción que decía «brindo por todos los amantes, brindo por todos quienes aman, no importa sus géneros, el amor se pondrá por delante». La actriz nunca mostró la canción hasta que, en 2015, tras la legalización del matrimonio igualitario en Estados Unidos, y cuando ella contaba 95 años, la dejó escuchar cantada por el actor de ‘Glee’ Bill A. Jones.

Nevver: «La gente se fija más en tus redes sociales que en tu música»

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La música de Nevver ha ido evolucionando desde el clásico post-punk que todo parecía embadurnarlo en el underground hace unos años hacia otros derroteros. Algunas de las canciones que han publicado este año Javier Aparicio (voz), Borja Aranda (teclados y guitarras) y Raúl Serrano (bajo) agrupadas en el disco ‘999’ son bastante inclasificables. Se nota que han escuchado lo mismo drum&bass que industrial que trap, como también otros proyectos como [VVV] Trippin’.

Dada su particularidad, Nevver son los nuevos invitados de nuestra sección «Meister of the Week» comisariada por Jägermeister. Y en ella han escogido curiosamente un tema por ellos mismos bautizado como «el indie es para ricos» que rápidamente deriva hacia otros caminos. Una reflexión sobre la esclavitud de las redes sociales para los músicos que da que pensar.

¿Por qué habéis escogido el tema «¿el indie es para ricos?» para esta sección?
Bueno, en realidad no sabíamos qué escoger (risas). Así que pensamos que hablar un poco de «actualidad» podría estar bien.

¿Estáis pensando, al escoger este tema, en ropa imposible de cara, en smartphones que superan el salario mínimo, o a qué os referís?
Creemos que es un poco de todo. Hoy en día no vale solo con hacer música y subirla a Internet, tienes que ir a la moda, seguir corrientes, estar 24/7 en redes sociales… se podría decir que tu imagen personal casi tiene más influencia que tu música. Al mismo tiempo, hoy en día es «barato» hacer música, grabar en casa y tal, pero todo lo anteriormente nombrado tiene muchísima influencia en cómo te va a ver la gente.

Una de las cuestiones que planteáis es si el indie sigue siendo indie, ¿qué queréis decir?
Es que el indie ha acaparado tantos géneros de música… el indie no deja de ser música independiente, distribuida de forma independiente, bajo nuestros puntos de vista, con pocos recursos, cercana a la escena DI… pero si te vas a un festival y preguntas sobre grupos indies, te van a salir los grupos de siempre…

Precisamente con la música tan variada que hacéis, ¿os sentís u os habéis identificado alguna vez como «indies» vosotros mismos?
A nosotros nos han etiquetado dentro de muchos géneros, lo cual nos parece gracioso -en el buen sentido- porque muchos de esos géneros ni los hemos nombrado a la hora de componer. Pero sí es cierto que tenemos influencia de muchos géneros: tener la mente abierta ayuda a ser creativo. Respecto a si alguna vez nos hemos considerado indies… parece que no, pero es una «escena» muy hermética, así que siempre nos hemos considerado de nosotros mismos, como quien dice.

Vuestro propio sello Elefant, tradicionalmente «indie», está virando hacia nuevos estilos como rebe, interrogación amor… ¿se sigue utilizando la palabra «indie» en este entorno? Y si se hace, ¿es un poco de manera peyorativa, irónica o como de post-humor?
Elefant es un sello que apuesta por grupos y artistas independientemente del éxito que puedan tener, lo hacen porque le gusta lo que ese grupo hace, porque se sienten identificados, tengan recursos o no, y si no los tienes, te los proporcionan y te ayudan en lo que haga falta. Si son la referencia de la música independiente tras tanto tiempo, es por algo. La palabra «indie» se ha utilizado tanto que ya casi carece de significado, pero no creo que tenga que ir ligada al sonido que hagas. No creo que tenga un significado peyorativo pero sí muy generalista y vago para definir a un grupo de música.

«La palabra «indie» se ha utilizado tanto que ya casi carece de significado, pero no creo que tenga que ir ligada al sonido que hagas»

¿Qué función creéis que cumplen las redes sociales en este tema? Que era una de las cosas que comentabais. ¿En qué creéis que ha derivado la escena al respecto?
Las redes sociales tienen tanta importancia hoy en día que casi la gente se fija más en ellas que en tu música. La música debería ser lo que proyecta quien eres y las redes sociales una extensión de eso. Pero hoy en día casi que se hace música especialmente para redes sociales (TikTok, Reels, etc).

Son una gran herramienta de comunicación pero también un arma de doble filo. Las redes para nosotros nunca han sido nuestro fuerte pero sí que nos han servido para acercarnos a otros grupos, pero como en todo hay mucha toxicidad… dentro y fuera de la escena.

¿Creéis que se puede hacer un uso más interesante, enriquecedor, sociopolítico, filosófico… de las redes sociales, como plantean algunos activistas?
Claro que sí, son herramientas de difusión y puedes difundir y seguir temas culturales, políticos, sociales, etc, pero también son herramientas de consumo y muchas veces te ves obligado a consumir cosas que no quieres. Lo que lo hace difícil es que estás a merced de un algoritmo.

¿Qué es lo que más os molesta del postureo?
Jajaja bueno, ni nos molesta ni nos deja deja molestar, habrá quien piense que nosotros «hacemos» postureo, al final es algo muy subjetivo.

Una de las palabras que habéis usado al presentarnos el tema es «oportunidades». ¿Os referís a salidas en el mundo laboral, al paro juvenil, oportunidades al terminar una carrera o a qué?
A todo en general de lo que nombras. Faltan oportunidades para los jóvenes y no tan jóvenes, para la música en general, para gente con y sin estudios. Al final hay que tirar para delante con lo que haya. ‘999’ ha sido compuesto y grabado entre España y Francia porque uno de nosotros tuvo que buscar oportunidades fuera de Madrid para salir adelante.

Vuestra música es en gran medida muy oscura, ¿hay algún tema concreto que creáis que se acerca a este tema que habéis escogido o lo trate abiertamente?
Mmmm… no de manera particular. Nos gusta hablar sobre todo de cómo nos sentimos o de sensaciones y sentimientos que cualquiera experimenta en su día a día. Puede ser un amor no correspondido, de la nostalgia, o de una noche desenfrenada.

Alizzz reivindica la periferia entre citas a Rosalía, Estopa, Chanel…

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A pocos meses de que se cumpla el primer aniversario de ‘Tiene que haber algo más‘, el inagotable debut de Alizzz, que el cantante y productor no se ha cansado de presentar en prácticamente todos los festivales de verano que puedan venir a la mente, el autor de ‘El encuentro’ publica nuevo single que mantiene la línea del debut, pero que presenta novedades.

La primera, por supuesto, es que ‘Que pasa nen’ es un tema interpretado en catalán. Alizzz ha querido hacer un homenaje al Baix Llobregat, la comarca de la que procede (él proviene de Castelldefels), y qué mejor homenaje que esta letra cantada con todo el acento de «barsalona» que, además, viene con la gracia de mencionar a varios artistas que proceden de la misma comarca.

En la primera estrofa de ‘Que pasa nen’ ya asoman la cabeza Rosalía (Sant Esteve Sesrovires) y Estopa (de Cornellà), y después saludan Chanel (de Olesa de Montserrat), El Petit de Cal Eril (de Guissona) y los Catarres (de Centellas). Como se comenta en nuestros foros, a Cristian Quirante solo le ha faltado acordarse de Aitana (con la que ha colaborado de San Clemente de Llobregat) y de Joe Crepúsculo (Sant Joan Despí). No se puede todo cuando quieres meter una línea sobre los 3 Grammys que has llevado a tu casa de Castefa, y además saludar a Ada Colau. En Instagram, la Alcaldesa de Barcelona ha propuesto una «cimera de las élites culturales del Baix Llobregat y el Besòs».

En lo musical, ‘Que pasa nen’ es otro tiro de Alizzz que mezcla punk y sintetizadores. Su sonido y energía ya no sorprenden tanto después de haber quemado el debut, pero la producción sí presenta un acabado más sucio que lo distingue de la de aquel y lo acerca más a la del dueto de Amaia y Aitana. Parece evidente que ‘Que pasa nen’ aportará una energía renovada al directo de Alizzz.

‘Que pasa nen’, cuyo título parece una referencia a la famosa frase del Neng de Castefa, el querido personaje de Edu Soto que conocimos en el programa de Andreu Buenafuente, sale de cara a la próxima actuación de Alizzz en las Festes de la Mercè de Barcelona, el próximo 23 de septiembre.

Hudson Mohawke / Cry Sugar

Cada 6 o 7 años, parece que toca álbum de Hudson Mohawke, uno de los grandes valores de WARP, quizá el sello de música electrónica más prestigioso del mundo. ‘Cry Sugar’ es tan sólo su tercera obra en solitario -conocido es también su trabajo junto a Lunice en el dúo TNGHT-, además de la consecuencia de unos años tumultuosos en la vida personal del artista.

El escocés decidió abandonar Europa para instalarse en Los Ángeles y, por mucho que le pareciera un cliché a él mismo, la ciudad le sirvió para desintoxicarse de la mala vida que acarreaba estar de directo en directo. Le llevó dos años la rehabilitación, hoy en día celebra sus éxitos con champagne sin alcohol, y ‘Cry Sugar’ de alguna manera representa la lucha entre esos dos extremos: el vértigo y la paz. Como él mismo explica en The Fader, en el largo «hay momentos edificantes, pero también otros melancólicos con la sensación de «todo está jodido» y «he destruido mi jodida vida y arruinado mi carrera»».

Y es que Hudson Mohawke, últimamente viral en TikTok con un tema antiguo llamado ‘Cbat’, es un hombre de extremos. Lo mismo te habla de cómo la música de Max Richter utilizada en ‘Shutter Island’ le hace llorar, como de la influencia de un programa cómico escocés llamado ‘Chewin’ the Fat’.

‘Cry Sugar’ puede volver a ser percibido como un disco de glitch con samples de soul, ritmos espídicos próximos al hyper pop (a destacar ‘Bicstan’) y voces pitcheadas, pero también presenta piezas próximas a la música clásica, como es el caso de las espectaculares cuerdas sintéticas de ‘Lonely Days’. Y, por otro lado, la portada parece una rara mezcla entre ‘Querelle de Brest’, ‘Little Britain’ y los Cazafantasmas. Y lo del Hombre Malvavisco es explícito.

‘Cry Sugar’ ya no puede sorprender mucho en esa producción tipo «todo vale». Hasta el mejor amante termina aburriéndote de sus trucos. Lo que sí sigue manteniendo el bueno de Hudson es cierto filtro de calidad y, al igual que hace poco se dio cuenta de que parte de su material no era lo suficientemente bueno como para llegar a sus álbumes de estudio y lo publicó sumando hasta 3 mixtapes en 2020, ‘Cry Sugar’ sí logra captar tu atención en casi todo lo que toca.

Lo más vistoso son los temas eufóricos, como el single ‘Intentions’, que hasta cuenta con cierto estribillo; ‘Stump’ y esa intensidad olímpica que tan bien habría casado en Londres 2012; o los 6 minutos de ‘Is It Supposed’, una debilidad personal. Los sampleos de soul que dice haber copiado de maestros como DJ Premier, Pete Rock y Just Blaze inspiran momentos tan presentables como ‘3 Sheets to the Wind’ o tan lustrosos como ‘Behold’, inspirada en el baladón ‘For Your Glory’ de Tasha Cobbs. Otros son más experimentales, como ‘KPIPE’; o electro, como ‘Dance Forever’.

El álbum presenta un desenlace muy concreto con la estupenda ‘Come a Little Closer’ y la versión «slumber» de la intro ‘Ingle Nook’, dando al álbum cierto sentido narrativo. ¿Será un disco de coartada conceptual y sesudo? Nah… «Slumber» significa «duermevela», lo cual tiene bastante guasa.

Por qué las versiones aceleradas de canciones pop están de moda

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Confesión: me gusta escuchar versiones aceleradas de algunas de mis canciones favoritas. Cuando digo aceleradas, me refiero a que suenen como si procedieran de la banda sonora de Los Pitufos Makineros. Una favorita personal es ‘Trip to Your Heart‘ de Britney Spears, que ya tiene un punto trance precisamente cuando este tipo de versiones ultra-vitaminadas las popularizó, allá por 2001, un grupo noruego llamado Nightcore que se dedicaba a producir versiones aceleradas de canciones asociadas a este estilo de música electrónica.

De hecho, la idea de Nightcore sido tan influyente que el «nightcore» es un subgénero musical en sí mismo. Consiste, sí, en subir el bpm y el pitch a las canciones para hacerlas sonar «ardillescas», por decirlo de alguna manera. Músicos asociados a la PC Music han reconocido su admiración por este sonido, sin que a nadie pueda sorprenderle lo más mínimo.


Las versiones «sped up» son una sensación en TikTok. Ha conseguido, por ejemplo, resucitar del más absoluto del olvido un antiguo hit de R&B de los 90. Y ahora las grandes multinacionales quieren su trozo del pastel: en los últimos días han ido llegando a Spotify versiones aceleradas oficiales de éxitos de Demi Lovato, Sam Smith, Ellie Goulding, t.A.T.u. o Nelly Furtado. Su valor artístico es nulo, pero es innegable que este tipo de sonidos gusta a mucha gente. La versión acelerada de ‘Cool for the Summer’ lleva 30 millones de reproducciones.

El «nightcore» se asocia visualmente al anime. Busca en Youtube la versión acelerada o «sped-up» de cualquier canción que se te ocurra y lo más probable es que el acompañamiento visual proceda de una serie de animación japonesa. Es música basura de Youtube pero, como es habitual en esta plataforma, ha sido capaz de crear una comunidad en torno a ella.

¿Qué tienen de atractivo las versiones aceleradas? Me aventuro a afirmar que la gratificación melódica y rítmica se produce más rápido. La música pop es, en sí, una droga capaz de crear adicción. Las canciones pop están diseñadas para enganchar, sobre todo, si siguen fórmulas matemáticas como las que escribe y produce Max Martin; y el efecto de las versiones «sped-up» llega más rápido al cerebro. Y, quizá de manera secundaria, consigue que escuches canciones que ya tienes quemadas como si fuera la primera vez. No extraña que algunos llamen a este sonido «happy hardcore». Más PC Music, imposible.

En el lado opuesto, las versiones ralentizadas o «slowed and reverb» de canciones de pop o de rock también están a la orden del día en la plataforma. «‘i love you’ de billie eilish pero es la 1 y media de la madrugada y está lloviendo» es uno de los títulos que pueden aparecer en tu feed de Youtube si el algoritmo así lo decide. El efecto es el contrario que el del «nightcore»: la versión ralentizada no adelanta la llegada de una sensación de felicidad al cerebro, sino que potencia el componente triste y melancólico de la canción elegida. Hace que nos regodeemos en la miseria.

Como el «vaporwave» en su momento, aunque sin las complejas lecturas políticas que asociamos a este sonido, las versiones aceleradas y/o ralentizadas de las canciones de pop son puramente un producto de internet. Sin embargo, como tantos subgéneros nacidos (y también fenecidos) en la red, los ritmos «sped up» o «slowed and reverbed» parecen hablarnos de necesidades humanas, y también del poder de la música para reconfortarnos.

La comedia existencialista ‘Los ensayos’ (HBO) es una de las mejores series de 2022

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En 2019, el cómico canadiense Nathan Fielder -conocido por el docu-reality paródico ‘Nathan For You’ (estrenado sin pena ni gloria en España como ‘Nathan al rescate’)- firmó un acuerdo con HBO para producir dos series. La primera fue la fabulosa ‘How To with John Wilson’, producida por él y dirigida por John Wilson. La segunda es ‘Los ensayos’ (HBO Max), creada, dirigida y protagonizada por el propio Fielder.

La serie parte de una idea enormemente sugestiva: ¿y si pudiéramos participar en un experimento donde una compañía realizara simulacros sobre situaciones que nos angustia afrontar, ensayos de momentos cruciales –una confesión delicada a una amiga, una charla sobre un tema conflictivo con un hermano, tomar la decisión de ser madre- para minimizar los riesgos y que todo salga como queremos? Algo así como ensayar una entrevista de trabajo en el Sepe pero a lo grande: con actores “del método” a lo Daniel Day-Lewis, decorados con réplicas exactas a lo ‘Synecdoche, New York’ y un creador-dios a lo ‘El show de Truman’.

Esta idea tan kaufmaniana (de Charlie Kaufman) -¡ensayar la vida!- está desarrollada por Fielder de manera brillante y enormemente ambiciosa. Lo fácil hubiera sido hacer los seis episodios como el primero, explotar la premisa inicial a través de seis ensayos diferentes con distintas variaciones. Pero no. Fielder decide tirar por el camino más complicado, retorcer y estrujar la idea de partida hasta extraer todo su potencial cómico, dramático, filosófico y metalingüístico. Ensayos, ensayos de ensayos, ensayos de los preparativos de los ensayos, reensayos, autoensayos…

El resultado es fascinante. Una mezcla de reality, comedia dramática y estudio autoficcional tan lograda que muchas veces no sabemos si lo que ocurre es real o ficticio, si son actores o no. A través de un constante y brillante juego narrativo, Fielder consigue sorprendernos en cada capítulo, divertirnos, emocionarnos e invitarnos a reflexionar sobre cuestiones como el temor a lo inesperado, la forma en que nos relacionamos, las mentiras que (nos) contamos para conectar con los demás y ahuyentar nuestra angustia social, la capacidad para afrontar las incertidumbres de la vida o la incesante búsqueda humana por controlar la realidad.

El siguiente proyecto de Fielder, en esta ocasión para el canal Showtime y la productora A24, no puede ser más prometedor: ‘The Curse’, una serie cómica realizada junto a Ben Safdie (director junto a su hermano Joshua de las magníficas ‘Diamantes en bruto’ o ‘Good Time’) y protagonizada por Emma Stone, que mezcla maldiciones ancestrales y telerrealidad. Cuento las horas…

CATT, criada en el bosque, casa piano y naturaleza en su single más pop

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No todos los anuncios de Instagram adivinan tus pensamientos. Algunos se adelantan a recomendar tu próxima canción favorita. Es el caso de ‘Wild Heart’, el nuevo single de CATT, artista alemana con dos álbumes publicados que acaba de lanzar un nuevo single pletórico. Es la Canción Del Día de hoy.

CATT es una cantante, compositora y pianista alemana que publicó su EP de debut en 2018, y que desde entonces ha lanzado otros dos discos, ‘Moon’ (2019) y ‘Why, Why’ (2020). Entre sus temas más escuchados se encuentra ‘Surface’, que combina bellamente pianos y vientos; o ‘Again’, que ya introduce un beat electrónico. ‘Curve a Line’ es una de sus baladas más afinadas y, entre sus singles primigenios, destaca el sonido soul de ‘Motion’.

Criada en un pequeño pueblo situado en un bosque del norte de Alemania, CATT creció rodeada de naturaleza en una casa donde no paraba de sonar música clásica. Pronto empezó a tocar el piano y el trombón y en 2014 se mudó a Berlín -donde hoy reside- para componer y estudiar producción musical. En los años siguientes publicó las mencionadas referencias, y estos días ha lanzado ‘Wild Heart’, canción en la que sus mayores inspiraciones -la naturaleza y el piano- vuelven a estar presentes.

Un insistente piano que podemos emparentar con la mejor Regina Spektor, palmas, vientos metales a lo Beirut y un ritmo trotón que nos lleva a un ambiente salvaje, son los ingredientes principales que conforman la canción más pop jamás publicada por CATT. Por su lado, de la cálida voz de CATT extraemos un mensaje de esperanza que nos invita a cuidar nuestro «salvaje corazón».

Cuenta CATT que ‘Wild Heart’ habla sobre «quererte a ti mismo a través del dolor» y sobre «ser valiente, ser quien eres, decir lo que sientes y hacer lo que quieres». La artista considera que «en este mundo tan extraño y complejo debemos ser todo lo alegres y abrir nuestro corazón todo lo que podamos». CATT busca transmitir esperanza con ‘Wild Heart’ y, sin duda, lo consigue.

Arctic Monkeys, Shygirl, Hope Tala… en el top 40 de JNSP

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‘Hold Me Closer’ de Elton John y Britney Spears se mantiene como lo más votado de JENESAISPOP por segunda semana consecutiva. La entrada más fuerte viene de mano de Arctic Monkeys, mientras Shygirl logra llegar igualmente al top 10 con una de sus canciones más potentes, ‘Firefly’.

Entran al top 40 Steve Lacy, Ezra Furman, Hope Tala y Silvana Estrada.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 2 Hold Me Closer Elton John, Britney Spears Vota
2 4 1 5 2 Die 4 Tove Lo Vota
3 8 8 3 Super Freaky Girl Nicki Minaj Vota
4 5 2 6 Despechá Rosalía Vota
5 7 2 5 Beach House Carly Rae Jepsen Vota
6 6 1 There’d Better Be a Mirrorball Arctic Monkeys Vota
7 6 6 2 Eleanor Hot Chip Vota
8 2 2 3 Oh, Lover Röyksopp, Susanne Sunfør Vota
9 9 1 Firefly Shygirl Vota
10 3 1 7 Free Yourself Jessie Ware Vota
11 27 11 2 Her Megan Thee Stallion Vota
12 10 9 4 Stay With Me Calvin Harris, Halsey, Pharrell, Justin Timberlake Vota
13 16 1 11 Break My Soul BEYONCÉ Vota
14 19 3 6 Hypnotized Sophie Ellis-Bextor Vota
15 9 4 4 boy The Killers Vota
16 18 5 8 2 Be Loved Lizzo Vota
17 40 17 2 Phantom Rina Sawayama Vota
18 26 3 23 As It Was Harry Styles Vota
19 15 7 6 TV Billie Eilish Vota
20 21 20 2 Placer Hollywood Mon Laferte Vota
21 33 3 31 Beg for You Charli XCX, Rina Sawayama Vota
22 29 1 27 Candy Rosalía Vota
23 30 2 11 BIZCOCHITO Rosalía Vota
24 31 1 18 No One Dies from Love Tove Lo Vota
25 39 2 20 Used to Know Me Charli XCX Vota
26 26 1 Bad Habit Steve Lacy Vota
27 14 1 9 Así bailaba Rigoberta Bandini, Amaia Vota
28 36 1 25 My Love Florence + the Machine Vota
29 37 1 28 King Florence + the Machine Vota
30 11 11 3 Weird Goodbyes The National, Bon Iver Vota
31 12 11 6 So Typically Now U.S. Girls Vota
32 35 1 31 SAOKO Rosalía Vota
33 33 1 Dressed In Black Ezra Furman Vota
34 34 1 Leave It On the Dancefloor Hope Tala Vota
35 35 1 Tristeza Silvana Estrada Vota
36 34 1 17 La canción que no quiero cantarte Amaia, Aitana Vota
37 17 17 3 Summertime FLO Vota
38 38 20 5 Yo no quería estar allí Miqui Puig Vota
39 20 7 7 killer FKA twigs Vota
40 23 6 9 Je te vois enfin Christine and the Queens Vota
Candidatos Canción Artista
Atopos Björk Vota
All You Do Magdalena Bay Vota
Calm Down Rema, Selena Gomez Vota
Twennies Dragonette Vota
We Cry Together Kendrick Lamar Vota
No hay ley Kali Uchis Vota
Almas gemelas Malamute Vota
Las manos Fuel Fandango, Leo Rizzi Vota
Stranger Ruth Radelet Vota
El Pañuelo Romeo Santos, Rosalía Vota

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Phoebe Bridgers se desmarca de los homenajes a Isabel II

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Las noticias sobre la muerte de Isabel II han ocupado todos los titulares de las últimas horas y han conmocionado al mundo. Todo Reino Unido está de luto en estos momentos y prueba de ello son los numerosos eventos que se han cancelado o aplazado como consecuencia. Entre estos está el Mercury Prize, que estaba previsto para celebrarse anoche y que todavía no ha recibido una fecha nueva.

Por supuesto, las redes han explotado con la muerte de la reina y numerosas celebridades y artistas han llevado a estas plataformas sus pensamientos sobre el suceso, siendo la mayoría mensajes recordando la grandeza de Isabel II. Paul McCartney y Ringo Starr, ambos poseedores del título de Caballero del Imperio Británico, han expresado sus condolencias con un «Dios bendiga a la reina» que no ha sorprendido a nadie. Elton John ha admitido que la echará de menos. Harry Styles ha hecho que todo el Madison Square Garden aplaudiese por sus 70 años de reinado, e incluso los Sex Pistols, que fueron en su época todo un símbolo anti-monárquico, han posteado mensajes deseando a Isabel II un descanso en paz.

Todas estas celebridades, y muchas más, han despedido a la reina de forma complaciente. Pero no es el caso de Phoebe Bridgers. La artista de ‘Punisher’ ha reposteado en sus historias de Instagram una publicación de @riseindigenous en la que se lee: «Hoy lloramos por todas las vidas robadas, violadas y traumatizadas que se han visto afectadas y destruidas durante el reinado de Isabel II. Hoy es un brutal recordatorio de que los criminales de guerra serán respetados mientras poblaciones y sociedades enteras cargan con las heridas de guerra de la violencia genocida colonial, las invasiones, las persecuciones religiosas y la supremacía blanca».

Bridgers ya tenía una reputación por pronunciarse sobre asuntos políticos, como ya hizo previamente este año al conocerse la anulación de la sentencia «Roe vs. Wade», que hacía el aborto legal a nivel federal en Estados Unidos. En esa ocasión, Bridgers reveló en sus stories que se había sometido a un aborto en octubre del año pasado.

Tahiti 80 / Here with You

Corría el año 1999 cuando un grupo de indie-pop francés que respondía al nombre de Tahiti 80 publicó un disco llamado ‘Puzzle‘ que llegó a vender 200.000 copias a nivel mundial. Fue gracias a la pegada del single ‘Heartbeat’, pero también a un sonido muy agradable que bebía tanto de los Cardigans como de Belle and Sebastian. Phoenix, un grupo que suena muy parecido a Tahiti 80, se hizo muy famoso poco después. A Tahiti 80 ahora hay que considerarlo un grupo infravalorado, pero no es casualidad que haya conseguido llegar a su noveno disco en los primeros meses de 2022.

El secreto de la longevidad de Tahiti 80 es que el grupo formado por Xavier Boyer, Médéric Gontier, Pedro Resende, Raphaël Léger y Hadrien Grange no ha dejado de crear, en todos estos años, canciones excelentes. ‘Hurts’, de 2018, ‘Crush!’, de 2014, o ‘Easy’, de 2011, se cuentan entre sus mejores singles junto con ‘Heartbeat’, ‘Big Day’ o ‘100 Times’, publicados entre 1999 y 2005, y ‘Here with You’, su nuevo álbum, suma unos cuantos aciertos a su repertorio.

El primero de ellos, ‘Hot‘ habla de una relación tóxica, y el estribillo «dices que lo tienes todo bajo control, pero a mí me parece que estás jugando con mi alma» es adictivo como el crack. También es elegante, y si hay algo que Tahiti 80 se niega a abandonar es la elegancia. De ahí que sea capaz de colar un estribillo monótono en ‘Lost in the Sound‘ y que quieras escucharlo una y otra vez, o que ‘Cameo’ sea ahora mismo su canción más escuchada en Spotify, gracias a su sonido de pop ligerito, en la onda de Metronomy.

En ‘Here with You’, Tahiti 80 entrega un álbum fácil de escuchar, agradable pero sofisticado, que tantea con el sunshine pop en ‘Vintage Creem’, con el yacht-rock en ‘Telling Myself‘ o, de nuevo, con el sonido de Belle and Sebastian en ‘Zoo’. A veces las canciones conmueven como lo hace ‘UFO’, donde Xavier pide a su amante que no se vaya «como un ovni», y otras simplemente buscan ser tan bobas como ‘Wicked Wicked’, llena de palabras como «tutti frutti» o «cheeky cheeky» que subrayan el deliberado componente infantil de la pieza. Todos los registros, Tahiti 80 los hacen bien.

Publicado, efectivamente, la pasada primavera, ‘Here with You’ se deja degustar muy bien en estos últimos días de verano y su calidad y consistencia significa que alberga el potencial de abrir a Tahiti 80 a nuevas generaciones. Xavier sigue siendo un letrista comprometido en relatar sus relaciones amorosas con honestidad y cierto sentido del humor, y el sonido clásico del grupo sigue presente pese a que, en ‘Here with You’, suena claramente evolucionado. Desde luego no merecía pasar tan desapercibido.

Así pasaste de odiar a Isabel II a respetarla a través del pop

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«Destrózame
y hierve mis huesos
No descansaré
hasta que ella pierda el trono
Mi objetivo es cierto
Mi mensaje, claro
Te llegó la hora,
mi querida Elizabeth».

Esa era la letra completa de ‘Elizabeth My Dear’, el tema más breve de ‘Stone Roses’ (1989). El debut del grupo británico, uno de los mejores discos de los años 80 con clásicos como ‘I Wanna Be Adored’ y ‘She Bangs the Drums’, traía esta canción que reflejaba el espíritu de una era. En concreto, la de Margaret Thatcher, que gobernó en Reino Unido entre 1979 y 1990, batiendo un récord de odio hacia las instituciones entre el pueblo y la música popular de la época.

Margaret Thatcher maltrató a la clase obrera, teniendo que enfrentarse en consecuencia a letras críticas de gente tan dispar como Morrissey y Sinéad O’Connor, como Hefner y Elvis Costello. Hasta el pop más mainstream, por ejemplo de un grupo tan superventas como Communards, podía ser profundamente crítico con la primera ministra. ‘Breadline Britain’ advertía de que «privatizan hasta a tu madre», de que «la libertad y la democracia eran una tierra demasiado lejana».

En plena desconfianza hacia el gobierno a mediados de los 80, la monarquía también recibía lo suyo, por mucho que las relaciones entre primera ministra y monarca fueran tensas. A finales de los 60 ‘Her Majesty’ de los Beatles no había pasado de ser una travesura de 25 segundos incluida en ‘Abbey Road‘. En el texto Paul McCartney aseguraba que su Majestad «no tenía mucho que decir». Después declararía que el tema era un poco irreverente, pero se fotografiaría con ella reconocido como Sir y hoy está en primera fila entre quienes lamentan su muerte.

Las cosas cambiaron con la revolución punk de Sex Pistols. ‘God Save the Queen’ (1977), que hablaba de «régimen fascista», de adoctrinamiento contra tus verdaderos deseos y de la inexistencia de futuro («¿cómo puede haber pecado cuando no existe el futuro?»), fue top 2 en Reino Unido pese a la censura de las radios. Luego siguió circulando como la pólvora durante décadas y el disco ‘Nevermind the Bollocks’ fue recurrente en las series medias convertido en un clásico del pop ya solo por su icónica portada. Hubo reediciones en los 90, en 2007, en 2012, en 2015 y las que quedan.

Aún muy popular en bares underground de los 80, los 90, los 2000, aun hoy, ‘God Save the Queen’ inspiró a toda una generación de músicos que en los 80 querían expresar su malestar contra monarquía y/o gobierno. Entre ellos estuvieron los mencionados Stone Roses y también su banda prima hermana Primal Scream: Bobby Gillespie declaró hace no mucho que «de pequeño puto odiaba a la familia real y todavía lo hago». Los politizados Housemartins, inspiración para artistas tan combativos como Nacho Vegas, apelaron a la Reina por «llenarse los bolsillos» en ‘Flag Day’. Y ni que decir tiene que el mejor disco de 1986, y uno de los mejores de los 80, recibía el título de ‘The Queen Is Dead’.

Las citas antimonarquía de Morrissey son numerosas. Una de las más populares llegó a la muerte de Prince, a quien consideraba «verdadera realeza» y no a Isabel II «porque nunca le han preguntado a la gente si la quiere o no la quiere». La más certera es: «La monarquía es ante todo un negocio, y es importante para ellos que el público británico continúe financiando los estilos de vida excesivamente lujosos de la ahora enorme, derrochadora e inútil familia «real»». Pero nada, por supuesto, como encabezar un disco histórico de los Smiths con una canción de 6 minutos también llamada ‘The Queen Is Dead’, de vigoroso ritmo que incita a quemar contenedores. La larga letra, llena de humor y anécdotas, apela al famoso día en que un hombre se coló en Buckingham Palace y, entre otras cosas, plantea hablar con la destinataria «de pobreza, de amor y de leyes», cuando a ella solo le preocupa «la lluvia que le aplasta el pelo».

Aun así, las vibraciones tras la muerte de Isabel II son muy distintas a las del día de la muerte de Margaret Thatcher. Las canciones anti-monárquicas se fueron diluyendo, pasaron a ser más dulces, costumbristas o anecdóticas, como ‘Dreaming of the Queen‘ de Pet Shop Boys (1993), que retrata una ceremonia del té entre Neil Tennat, la Reina y Lady Di, a duras penas violentada por un desnudo.

Billy Bragg pasó de hacer canciones cínicas y críticas hacia las instituciones a cantar en 1997 ‘Rule Nor Reason’, en la que retrata a la Reina como una persona solitaria «que mira a través de la ventana y llora». O pasaron a ser ultra esporádicas, a diferencia de lo que sucedía en 1986. Hay que viajar muchos años -décadas- para llegar a 2019 y escuchar un insulto hacia la Reina en una canción relevante. slowthai, que declaraba en The Guardian que para él la única Reina era su madre, terminaba ‘Nothing Great About Britain‘ así: «Te respetaré solo si me respetas un poquito, Elizabeth, zorra» («cunt»).

Pero en general, los contenedores habían dejado de arder, al modo en que lo habían hecho durante los años 80. Hasta Johnny Rotten de Sex Pistols se había amansado, dejando declaraciones este año como «no tengo nada en contra de ella, sino de la institución. Tiene mucho mérito lo que ha trabajado». ¿Cómo negar su valor a una persona que llega a los 96 años haciendo lo suyo? Como dando la razón a aquella letra en la que Rotten afirmaba que «te convertirán en un imbécil», como dando la razón a quienes explican que nos hacemos más conservadores con la edad, poco a poco el desprecio se fue transformando en cariño. Y seguro que la durabilidad de los retratos de Andy Warhol, el posado para Annie Leibovitz o incluso la representación de Banksy al modo David Bowie tuvieron mucho que ver para establecer a Isabel II como icono pop.

Películas como ‘The Queen‘ y por supuesto las diversas temporadas de ‘The Crown‘, de lo mejor visto en televisión en los últimos años, han contribuido. En principio tuve mis reservas con esta serie. ¿Habría que ser monárquico para disfrutarla? ¿Te curaría de tu republicanismo con toda su propaganda? ¿Sería un interminable soap opera? Algo de eso había, pero también el retrato de una superviviente, que ha reinado en una considerable equidistancia durante 70 años, sobreviviendo a 15 primeros ministros -muchos muy ineptos- y sorteando todo tipo de vicisitudes, recurriendo a estrategias tan peregrinas como el arte de la danza. Por no hablar de la comicidad de sus «eye rollings» ante los desvaríos más «hooligan» de su propia familia.

La serie le hace un gran favor, hasta el punto de que desde Casa Real han reconocido su existencia, pero también ha mostrado algunos de sus errores, su insensibilidad grotesca, su incapacidad para llorar… lo que aunque sea paradójico, la humaniza a su vez. Referencia al sexo oral incluida, en el capítulo en que su esposo el Duque de Edimburgo -interpretado por tremendo galán, Matt Smith- se resiste en principio a inclinarse ante ella como manda el protocolo. Los Windsor dando para paja, quién lo diría.

Hoy Elton John, Mick Jagger, Ozzy Osbourne, Duffy… son muchos los artistas que lloran a Isabel II. Ya nadie se acuerda de cuando Ian Brown presentó ‘Elizabeth My Dear’ en un concierto hablando de «60 años de tiranía». Sólo hace 10 años. La bilis que soltaron Sex Pistols presentando ‘God Save the Queen’ en el Thames coincidiendo con los 25 años de reinado de Queen Elizabeth en 1977 se ha convertido en ternura, haciendo de unos y de otra algo entrañable más que polarizante. ¿Y sabéis lo peor? Creo que la idea me reconforta en estos tiempos tan crispados.

Hay algo cómico en que los medios traten de cazar lo que opina Johnny Rotten sobre Isabel II en 2022, como también de alguna manera tiene sentido que Pegasus la retrate como pin up aseverando que «la reina mola». Esto último quedó muy claro cuando en la Ceremonia de Apertura de los Juegos Olímpicos de Londres, aquella en que intervinieron lo mismo Pet Shop Boys, que Spice Girls, que Fuck Buttons, ella se prestó a un gag histórico. La organización quiso reírse de la idea de que su osadía y viveza la llevaran también a tirarse en paracaídas acompañada de Daniel Craig en modo James Bond, a los 86 años. Allí estaba ella entre el público con ese mismísimo traje. La tontería lleva 57 millones de visitas.

‘Il Buco’ es exigente y austera, pero también de una belleza indiscutible

‘Il Buco’, la nueva película de Michelangelo Frammartino, con la que obtuvo el año pasado el Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia, es una obra de otro tiempo. Entrar en ella es como transportarse a un lugar totalmente alejado de lo que la mayoría acostumbramos, lejos del ruido, del tumulto, del constante ajetreo de las ciudades donde el tiempo se agota si no vamos corriendo de un lado a otro.

En ‘Il Buco’, basada en hechos reales y ambientada en los años 60 en algún lugar de Calabria, unos espeleólogos encuentran una cueva de gran profundidad. Este hallazgo es la excusa con la que Frammartino elabora una oda a la voluntad de exploración, al sentimiento primitivo de aventuras tan característico de las películas clásicas. La diferencia frente a aquellas es que la cinta no está tan preocupada por su estructura narrativa sino en ofrecer una experiencia sensorial y de inmersión completa, donde los sonidos del sobrecogedor paisaje cobran una importancia crucial.

Prácticamente despojada de todo diálogo, plantea un ejercicio de resistencia cinematográfico, apostándolo todo a la fuerza pictórica de sus imágenes. Sus planos bellamente compuestos capturan sus espectaculares escenarios naturales con un detallismo meticuloso, creando la sensación de estar suspendidos en el tiempo.

Su rigor y valentía a la hora de afrontar una propuesta de una naturaleza tan radical como esta es -como en todo riesgo- tanto su mayor virtud, como quizá lo más discutible. Si bien es cierto que ‘Il Buco’ logra embaucar con su impresionante envoltorio formal, su narración puede ser excesivamente fría e intelectual para conseguir un conjunto total. Queda, por supuesto, la indiscutible labor de dirección, un espléndido despliegue de imaginación con pocos medios que impulsa la carrera de su autor y lo sitúa como una voz refrescante y poderosa en el nuevo cine de festivales.

‘Il Buco’ es una película atrevida y singular, que reproduce el pasado con tal autenticidad que parece que estemos atendiendo a imágenes de archivo de 1961. Su impactante apartado visual no busca epatar al espectador pese a lo que pueda parecer, sino que más bien se siente como la manera orgánica con la que el director debe exponer sus ideas. Es un trabajo de enorme minuciosidad, de vocación documentalista, con el que no siempre es fácil conectar, pero simplemente presenciar algunos de sus pasajes resulta como un oasis en medio del desierto. ‘Il Buco’ está llena de contradicciones: es tan difícil como simple, tan grandiosa como austera, tan agotadora a veces como relajante otras.

Dragonette avanza con otro rompepistas su primer disco en 7 años

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Dragonette, el proyecto de electro-pop de Martina Sorbara que lo petó hace una década con ‘Hello’ junto a Martin Solveig, tras lo cual editó álbumes como ‘Bodyparts‘, está de regreso. Su primer disco desde 2015 se titula ‘Twennies’, cuenta con 10 nuevas pistas y verá la luz el 28 de octubre.

Entre esas nuevas canciones se encuentra ‘New Suit’, que se conocía hace un mes, y también la titular, que se suma al centenar de novedades que encontrarás en la playlist «Ready for the Weekend». Si ‘New Suit’ presentaba un sonido alegre tipo «animadoras de instituto», ‘Twennies’ apuesta por uno más disco-house y electrónico, y es la Canción Del Día de hoy.

‘Twennies’ habla sobre el rechazo a la atención mediática. «Me llevas a 2014», canta Martina, pero no lo dice para bien. Para ella, «toda esa atención es una distorsión» y concluye con que «cuanto más la recibo, menos la quiero». Martina acepta que nunca volverá a vivir la fama de antaño, pero es lo que desea: «nunca lo lograremos, soy demasiado cool para esforzarme».

Martina parece confirmar la interpretación de ‘Twennies’ en sus declaraciones. «La canción va sobre el tira y afloja entre la evolución y la nostalgia, la cual está muy presente en la instrumentación: es una pieza de house y contiene un solo de batería acústica».

Efectivamente, ‘Twennies’ mezcla una producción electrónica y contundente, a medio camino entre el electro, el disco y el house, a cargo de Dan Farber, con un arreglo de batería. El resultado es tan «cool» como canta Martina en la letra. Otro rompepistas de Dragonette, grupo que este año ha vuelto a enamorarnos gracias a su colaboración con The Knocks.

01. Seasick
02. Hysteria
03. New Suit
04. Twennies
05. T-Shirt
06. Winning
07. Stormy
08. This Is All You Get
09. Good Intentions
10. Outie

Roger Waters actuará en Barcelona y Madrid en 2023

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Roger Waters ha anunciado gira de despedida para 2023. En ella, el fundador de Pink Floyd presentará su espectáculo ‘This is Not a Drill’ a lo largo de 41 conciertos en Europa, dos de los cuales tendrán lugar en España. Las citas son el 21 de marzo en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 23 y 24 de marzo en el WiZink Center de Madrid. Las entradas salen a la venta el 16 de septiembre a las 10.00, y la preventa el día 14 a la misma hora.

‘This is Not a Drill’ es en gran medida un macroconcierto de Pink Floyd, pues su repertorio se compone de muchos de los grandes clásicos de la banda británica. Se trata de un espectáculo de rock and roll cinematográfico que funciona como «impresionante denuncia de la distopía corporativa en la que todos luchamos por sobrevivir», y también como «llamada a la acción para AMAR, PROTEGER y COMPARTIR nuestro precioso y precario planeta y hogar».

En el concierto, Waters se encarga de la voz principal, las guitarras, el bajo y el piano, y estará acompañado en el escenario por Jonathan Wilson, en las guitarras y la voz; Dave Kilminster, en las guitarras y la voz; Jon Carin, en los teclados, la guitarra y la voz; Gus Seyffert, en el bajo y la voz; Robert Walter, en los teclados; Joey Waronker, en la batería; Shanay Johnson, en la voz; Amanda Belair, en la voz, y Seamus Blake, en el saxofón.

RFTW: Alizzz, Jockstrap, Santigold, Quevedo…

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Como cada semana comentamos los lanzamientos del viernes. Hoy 9 de septiembre sale un número considerable de álbumes, entre ellos la versión deluxe de ‘MOTOMAMI’ de Rosalía y el Disco de la Semana en estas páginas, el debut de Oliver Sim de The xx.

Además, ven la luz nuevos trabajos largos de Santigold, Benjamin Biolay, la revelación Jockstrap, Sudan Archives, The Afghan Whigs, Camilo, Totally Enormous Extinct Dinosaurs, Greentea Peg, Preoccupations, Marlon Williams, John Legend, Built to Spill, Sampa the Great, Beacon, Ari Lennox…

‘CHIRI’ de Rosalía abre la playlist, pero hoy también lanza single su rival del verano, Quevedo, además en solitario. Alizzz, por su parte, publica su primer tema cantado en catalán, con menciones a la propia Rosalía, a Estopa y a la alcaldesa de Barcelona, y Lewis Capaldi publica su primer single en tres largos años.

Por otro lado, hay novedades de rusowsky, Juliette Armanet, Meghan Trainor (en plan doo wop), Röyksopp, SIMONA con Six Sex, Julieta Venegas, Dragonette, Clean Bandit, Zahara y su revisión de ‘MERICHANE’, Hyd (asociade a PC Music), WILLOW, Alex G, Ginebras, Biig Piig, Dry Cleaning, Bonobo, Labrinth, Asake… Entre los nuevos singles en castellano que comentamos en Sesión de control, los de Cabiria, mariagrep…

Entre las novedades que hemos comentado en portada a lo largo de los últimos días, por supuesto se encuentra la de Björk, pero también hay que destacar el regreso esperado de Blood Orange, la colaboración de Phoenix y Ezra Koenig de Vampire Weekend, y la odisea de 10 minutos de King Gizzard & the Lizard Wizard.

Vic Mirallas, en «modo hater» de la gente que va sólo «al business»

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Vic Mirallas practica un R&B sofisticado embadurnado de electrónica, flamenquito, soul… Entre sus mayores éxitos encontramos sus colaboraciones con Camilo, Juancho Marqués o la fresquísima ‘Todo cambia’ con Don Patricio. En solitario y tras haber sido músico de Alejandro Sanz, hace unos años nos conquistaba con su vibrante tema ‘Circular’ (2019), incluido en un EP.

Tras ‘Aquí y así’ (2017), ‘CRUCIDRAMAS’ fue su álbum de 2021 y su último trabajo es un ‘Directo en Apolo’ en el que es evidente que pone en valor a los músicos que tocan con él hasta el punto de que le acompañan en la portada del álbum. Ese valor que otorga a los músicos de directo explica muchas de las respuestas que nos da en esta entrevista Tipo Test en la que habla de su música favorita… y no tan favorita.

Sucediendo a singles recientes como ‘Negro o blanco’ o ‘RQR’, Vic Mirallas es una de las apuestas de Girando por Salas. Hoy 8 de septiembre actúa en Valencia, este viernes 9 de septiembre en Madrid, el 29 de septiembre en Vigo, el día 30 en A Coruña, el 1 de octubre en Boiro (A Coruña), el 28 de octubre en Pamplona y el 29 de octubre en Zaragoza. Detalles del tour, aquí. Como sabéis, Girando por Salas invita a los artistas a actuar en provincias ajenas a la propia y hay abierta una nueva convocatoria para otros nuevos artistas justo esta quincena.

¿Qué disco marcó tu adolescencia?
‘Room on the 3rd Floor’ de McFly, un grupo muy de adolescentes, cuatro chicos que cantaban muy bien, guapos además, con estética surfer, skater… eran mis referencias de adolescente. Aparte de estudiar música clásica, escuchaba esto que era totalmente diferente.

¿Tienes canción favorita de todos los tiempos o alguna que nunca jamás te haya dejado de acompañar?
‘You’ve Got A Friend’ de Carole King, es un temazo. Mi madre me la ha cantado desde pequeña, y me sale mucho cantarla y tocarla con la guitarra. Me da mucho placer interpretarla.

¿Qué disco es el que más has escuchado últimamente?
Hace una semana o dos Maro sacó un disco, ‘Can You See Me’. Es una amiga que conocí en Berkley y tengo su disco en repeat muy fuerte. También he ido escuchando mucho el disco de Smino, un disco de hace un par de años que he revisitado.

¿Hay algún disco o canción que crees que vayas a asociar a la pandemia o ya la has dejado atrás?
La he dejado bastante atrás. Mis amigos Stay Homas hicieron muchas canciones y cada día esperaba a ver qué habían hecho. Además, les iba tan bien que me daba mucha felicidad. Me ayudó mucho ver cada día lo que hacían. Me gustaba mucho levantarme con ellos. He tenido mucho tiempo para estudiar, para hacer mi disco, pero no asocio nada a la pandemia a nivel sónico.

¿Alguna canción que odies con toda tu alma?
¡Uf, muchas! No puedo decir nombres porque son contemporáneas a mí. Pero muchas canciones de las que salen ahora, desde hace tiempo: las que tienen acordes predecibles, melodías ya muy sobadas… Parece que está de moda hacer lo mismo exactamente que hace 30 años, la gente lo hace a nivel copia y el público se lo traga: eso es lo peor. Si te tuviera que decir alguna, ‘Chicken Teriyaki’ no me gusta nada. No digo que no me guste Rosalía, ¿eh? Pero ‘Chicken Teriyaki’ no me gusta nada.

«Parece que está de moda hacer lo mismo exactamente que hace 30 años, la gente lo hace a nivel copia y el público se lo traga: eso es lo peor»

¿Alguna actuación vocal en particular que no te guste?
Últimamente estoy viendo en festivales artistas que van con DJ, se ponen todo el Autotune del mundo y encima cantan encima de su pista grabada. Esto lo he visto mucho este verano, por ejemplo, y me da un poco de reparo. Dónde estamos llegando y cómo es que el público lo aclama. Yo me mato a ensayar con mi banda, y hay muchos grupos que conozco que ensayan… y de repente algo así… Y el público reacciona de tal forma…

O la canción de «Quédate» de Quevedo y Bizarrap: ni la melodía ni la armonía me parecen originales, ni la letra tampoco. Y con la gente tiene una química que para ellos es un himno, se siente muy identificada, hace un equipo con el público. Yo lo entiendo, me parece bonito el fenómeno pero ni la produ ni la voz del chico tienen nada de especial. Estoy un poco en modo hater musical, de la gente que no se lo curra, que va al business solo.

«Estoy viendo en festivales artistas que van con DJ, se ponen todo el Autotune del mundo y encima cantan encima de su pista grabada. Me da un poco de reparo dónde estamos llegando y cómo es que el público lo aclama»

¿Tienes algún guilty pleasure o no existe tal cosa?
Me gusta la música comercial pero bien hecha. Bad Bunny era una persona que su voz me daba rabia. Pero veo la producción y las letras -aunque algunas letras son bastante chungas- pero hay un equipo de producción muy bueno y se nota mucho en sus discos y en sus temas. Rosalía me gusta mucho según qué cosas. Diría que mi guilty pleasure es Bad Bunny.

¿Algún remix favorito de todos los tiempos?
No he seguido ningún remix como fan… No sé muy bien qué onda.

¿Y videoclip?
Me acuerdo de mirar uno de Papa Roach, ‘Last Resort’, un vídeo que era muy oscuro. Me lo ponía mucho de adolescente, me sabía todos los planos.

¿Algún concierto que recuerdes con especial cariño?
Jacob Collier. Fue justo después de que un amigo muriera por cáncer. Me pareció una experiencia súper reveladora. Estuve todo el concierto llorando. Tengo el recuerdo de este concierto como qué tracción de experiencias de repente…

¿Sigues comprando discos en formato físico? En caso afirmativo, ¿cuál fue tu última compra y en qué formato?
Lastimosamente no. Va a sonar muy mal, pero el último fue uno mío, ‘CRUCIDRAMAS’, por la ilusión de tenerlo y de comprarlo en una tienda.

¿Alguna plataforma favorita para escuchar música? ¿Eres de los que ya se ponen un disco entero en youtube?
Spotify y Tidal. Tidal se escucha mejor, pero Spotify está más accesible y hay más conexión con otros dispositivos y tal. Youtube lo uso para singles concretos, para ver cómo han hecho lyric videos…. Pero discos enteros no.

¿Qué canción de tu repertorio te gustaría ver interpretada por otro artista?
Escribí ‘Mi condena’ pensando en Shakira y Alejandro Sanz. Al final no se hizo pero era la idea. Me acuerdo de imitar la voz de Alejandro cuando estaba haciendo la maqueta. Y al final la canté con Maro.

‘All You Do’ es mucho más que un bonus en la reedición de Magdalena Bay

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Magdalena Bay han anunciado estos días la reedición de su excelente debut ‘Mercurial World‘, que saldrá el 23 de septiembre en plataformas digitales y el 20 de enero en físico. El disco intercalará pistas nuevas entre las 14 ya conocidas, llegando a las 25, y entre de las cuales se encuentra ‘All You Do’, un nuevo single que ya se puede contar entre lo mejor de su discografía.

La música de Magdalena Bay se caracteriza por equilibrar ritmos de synth-pop, paisajes sonoros ácidos y psicodélicos y melodías ultra pop y chicle. Éxitos como ‘Chaeri’, ‘Hysterical Us’ o ‘Secrets (Your Fire)’ son muestras alucinantes de su propuesta, y grupos como MGMT, Chairlift o incluso Saint Etienne vienen a la mente al escuchar el álbum. ‘All You Do’ prueba algo distinto.

En esta nueva canción, Mica Tenenbaum y Matthew Lewin se visten de cantautores y entregan probablemente su canción más pastoral. Un medio tiempo que remite a la época de la canción orquestal de los años 60 y 70, solo que pasado por el filtro de Magdalena Bay. En ‘All You Do’, el dúo se acompaña de guitarras acústicas y cuerdas y arma una composición a la par bucólica y espectacular, que poco a poco va dejándonos cada vez más arriba, hasta llegar al cielo.

Quizá, de manera pertinente, ‘All You Do’ no es otra cosa que una canción de amor de las clásicas. Mica necesita que su amante le abrace y no se vaya nunca, le «promete que podríamos completarnos el uno al otro» y canta que se siente sola entre la muchedumbre, pero no al lado de su persona querida. En el momento más tierno de la canción, Mica y su amante se intercambian sus canciones favoritas.

‘All You Do’ ha llegado acompañada de un videoclip de muy buena factura, que muestra a Magdalena Bay en un set surrealista, entre el árbol de la manzana de Adán y Eva y la belleza de la luz de la luna.

Aplazado el Mercury Prize 2022 por la muerte de Isabel II

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La ceremonia del Mercury Prize se celebraba esta noche de jueves en Reino Unido, pero ha sido aplazada debido a la muerte de la Reina Isabel II. Así lo ha comunicado la organización a través de las redes sociales, indicando que el país estaba de luto. De momento, no se ha dado una nueva fecha para el evento: «Haremos un anuncio sobre el futuro en cuanto podamos».

El que se ha convertido en el galardón más prestigioso de Reino Unido y toda Europa ha premiado en el pasado álbumes como ‘Dummy’ de Portishead, ‘Let England Shake’ de PJ Harvey, ’Screamadelica’ de Primal Scream o ‘I Am a Bird Now’ de Antony & The Johnsons (ANOHNI). Casi todos han terminado convertidos en clásicos.

El ganador de esta edición según las casas de apuestas está entre Little Simz, Self Esteem y Wet Leg, en ese orden, pero cualquier cosa podría pasar porque no siempre ha ganado el disco favorito. Depende del jurado de cada año, que además es rotativo entre diferentes personalidades de la industria.

Nos haría especialmente felices que Little Simz ganara con ‘Sometimes I Might Be Introvert’, pues nuestra crítica de aquel álbum terminaba precisamente diciendo que el disco era un serio candidato a ganar el Mercury 2022 pese a que lo reseñamos hace hoy justo 1 año. Pero quizá Self Esteem necesite más la exposición (como Gwenno, ex Pipettes), mientras Wet Leg serían la apuesta segura, pues han sido número 1 en Reino Unido con su debut homónimo, y disco de plata.

Pero también podría haber sorpresa con Yard Act o Nova Twins.

Más raro sería, dado el carácter underground de la ceremonia, que el elegido fuera el álbum de Harry Styles, pero no va último en las apuestas. Más o menos a su altura o incluso por debajo encontramos los trabajos de Kojey Radical, Sam Fender, Jessie Buckley con Bernard Butler, Joy Crookes y Fergus McCreadie.