M.I.A. anunció su nuevo álbum ‘MATA’, aun sin fecha concreta de salida, el pasado mayo junto con el lanzamiento del single ‘The One’. Desde entonces, la artista británica ha compartido el segundo single del álbum, titulado ‘Popular’, y no hemos tenido más noticias sobre el disco hasta ahora, cuando M.I.A. ha dado unas pistas bastante claras sobre dos grandes nombres que, al parecer, estarán en ‘MATA’.
En una historia de Instagram la cantante de ‘Paper Planes’ ha revelado que el disco tendrá colaboraciones por parte de Doja Cat y Nicki Minaj. Además, ha apuntado fuertemente hacia un lanzamiento del álbum en septiembre: «PRÓXIMAMENTE, LO PROMETO, HE TENIDO QUE ESPERAR DOS AÑOS PARA UN VERSO DE DOJA CAT… LUEGO PARA UNO DE NICKI… LUEGO PARA… NO IMPORTA, SI ‘MATA’ NO SALE EN SEPTIEMBRE LO FILTRARÉ YO MISMA».
‘The One’ significaba el primer tema de la británica tras el lanzamiento en NFT de ‘Babylon’ en 2021. En 2020, M.I.A. aparecía junto a Travis Scott y Future en la canción ‘FRANCHISE’. El último álbum de M.I.A. fue publicado en 2016 bajo el nombre de ‘AIM’.
Como decíamos hace casi 3 años -cuando ya se anunciaba como inminente el lanzamiento de un ‘Marchita’ que no ha llegado hasta inicios de este 2022-, lo más fácil a la hora de poner en la palestra la voz y las canciones de Silvana Estrada es recordar a grandes damas de la canción latinoamericana como Chavela Vargas y Violeta Parra. O, ahora que se ha instalado en el revivalismo, a su compatriota Natalia Lafourcade.
Ella “se deja”, claro, porque es evidente que bebe y ha bebido de ellas en espíritu, y porque no dejará de heñirse honrada por ello. Pero en realidad la música de la joven artista de Veracruz ofrece unos matices que la diferencian de aquellas y la hacen sintonizar con nombres menos obvios.
Y no lo digo porque ‘Marchita’ contenga rasgos de sofisticación como los que aportaban Daniel, Me Estás Matando (que no sólo colaboraban sino que producían) a su primer EP ‘Mis primeras canciones’. De hecho, las primigenias versiones de ‘Te guardo’ o ‘Sabré olvidar’ suenan ahora menores al lado de las actuales. O porque se deje imbuir por recursos jazz-rockeros como en su primer largo oficial -‘Lo sagrado’, firmado a medias con el jazmín Charlie Hunter-. Sino, más bien, porque recupera algunos de esos elementos y los usa para dar profundidad y personalidad propia a un folclore más norteño que sudamericano, en el que su poderosa y reconocible voz -con sus golpes de respiración y esos melismas propios de los nativos americanos- se alinea más con el universo de artistas menos evidentes como la llorada Lhasa De Sela o Dayna Kurtz (aunque solo sea por su voz prodigiosa y su uso de valses y otros recursos del Great American Songbook).
Para ello es fundamental una producción -a cargo de Gustavo Guerrero, ganador de un Grammy por el segundo volumen de ‘Musas’ de la Lafourcade– que presume de cierta austeridad, acertando de pleno al situar -o lograr el efecto de- la voz de Silvana tañendo en una habitación vacía y oscura, evocación sonora del blanco y negro de su cubierta.
Ese efecto, lejos de dar una idea de amateurismo, aporta naturalidad y verdad a sus atemporales letras tan repletas de dolor como de esperanza por días mejores (‘Carta’). Igualmente fundamentales son los arreglos de cuerdas, vientos y percusiones, casi siempre tenues pero potenciadores del drama inherente a ‘Marchita’, gracias a su carácter más cinematográfico que pop o folclórico. De hecho, en cortes como ‘Casa’ el empleo de aquellos es mucho más audaz de lo que podría ser, por ejemplo, la típica base electrónica.
Por si a estas alturas sigue habiendo alguien despistado… No, ‘Marchita’ no es exactamente un diminutivo que denote que estamos ante un disco festivo, sino lo contrario. Es un álbum que se regodea siempre en un regusto amargo, ya sea el del día después de la pérdida (‘Sabré olvidar’, ‘Marchita’, ‘Tristeza’), en el de saberse irremediablemente enganchado a alguien (’Más o menos antes’, ‘Ser de ti’) o, sencillamente, en el propio drama que conlleva amar (‘La corriente’, ‘Un día cualquiera’). Pero en estas canciones y su lirismo domina por encima de todo la belleza, una que cala como si te atravesara un fantasma que también parece venir de una época inubicable, antigua pero vigente, que parece impropia de una artista de apenas 24 años y con un futuro que se antoja enorme.
Silvana Estrada actúa en septiembre en Sitges (día 1), Zaragoza (2), Santander (3), Pontevedra (10), Burgos (16), Sigüenza (17) y Málaga (18).
Björk ha revelado la fecha y la elaborada portada de su primer álbum en cinco años, ‘Fossora’. El nuevo disco de Björk saldrá el próximo 30 de septiembre y la artista islandesa ha dado algunos detalles extra sobre él en un comunicado en redes: «Cada álbum comienza con un sentimiento que intento transformar en sonido, esta vez el sentimiento era aterrizar en la tierra y enterrar mis pies en el suelo».
La autora de ‘Utopia’, su anterior LP, también ha nombrado a la pandemia mundial como una de las inspiraciones del disco y ha hablado sobre el significado del nombre del álbum, del cual contó que «es una palabra que inventé, es el femenino de fossore (cavador)». De esta manera, ‘Fossora’ significa «aquella que cava». Sónicamente, Björk ha recalcado la importancia que tienen el bajo y el clarinete en el álbum, como ya adelantó en su entrevista a The Guardian.
Se desconoce todavía la fecha de salida del lead single de ‘Fossora’, titulado ‘Atopos’, pero Björk ha confirmado que saldrá «próximamente». La islandesa también está preparando la salida de su nuevo podcast ‘Björk: Sonic Symbolism’. Los tres primeros episodios cubrirán sus tres primeros discos y estarán disponibles a partir de mañana, 1 de septiembre.
Tracklist:
1. Atopos
2. Ovule
3. Mycelia
4. Sorrowful Soil
5. Ancestress
6. Fagurt Er í Fjörðum
7. Victimhood
8. Allow
9. Fungal City
10. Trölla-Gabba
11. Freefall
12. Fossora
13. Her Mother’s House
Lu Demie es una joven zaragozana que se identifica con la etiqueta bedroom pop. Su biografía habla abiertamente de la influencia de la generación Z, mencionando nombres como SZA, Rosalía y Natalia Lacunza.
Sobre todo a esta última recuerda el R&B escuchado en temas de su primer EP ‘Nada fue un sueño’. Es el caso de ‘Lujuria’ -su primer sencillo- y de ‘otra noche?’. Esta era su canción más escuchada hasta la llegada últimamente de 2 temas nuevos. ‘experimento.mp3’ presentaba un ritmo casi bailable, con un beat posiblemente influido por alguien tipo Jamie xx, Caribou o Rosalía. ‘tecnorecuerdos’, el más reciente, es hoy la “Canción del Día”.
‘tecnorecuerdos’ es la canción en que mejor confluyen la intensidad -para bien- que puede alcanzar su voz con la sensación de nostalgia de sus melodías y producción, a lo que contribuye la inclusión de sonido ambiente y conversaciones random del vecindario.
Lu Demie nos habla en ‘tecnorecuerdos’ de plomos que saltan, de bombillas a punto de estallar, en medio de un edificio apagado, en el que quizá «ya no vive gente». Pero en el que cabe la esperanza de que quede encendido el amor. O al menos su «recuerdo». Y es que en su momento más hermoso, las memorias de la cantante no llegan a acertar si aquello que bailó con su pareja fue «un pasodoble o un perreo hasta abajo». Su vídeo DIY parece preguntarse si pueden alquilarse los recuerdos.
Hits
Por si quedaba alguna duda, ‘RENAISSANCE’ de Beyoncé será uno de los discos más populares de 2022, sucediendo al éxito de los anteriores álbumes de estudio de la cantante. Aunque la banda sonora de ‘El Rey León’ y el álbum de The Carters probaron que no todo lo que toca Beyoncé lo convierte en oro, lo cierto es que todos sus discos de estudio en solitario han sido un gran éxito y el acto primero de ‘RENAISSANCE’ no va a ser una excepción.
Este primer Acto -de los 3 que serán en total- de este misterioso proyecto ha sido número 1 en Estados Unidos, Reino Unido, Irlanda, Canadá, Australia… en general en los países donde el inglés es la lengua principal. En la Europa continental, ha sido también número 1 en Francia, además de en Holanda o Dinamarca. Los puestos 2 en Alemania e Italia y 3 en España no están tampoco nada mal teniendo en cuenta la irregular distribución del físico.
Pero lo mejor está siendo la resistencia del álbum durante el mes siguiente y sin que Beyoncé esté moviendo un solo dedo. No hay videoclip disponible para ninguna de las canciones del álbum, no ha habido actuaciones en vivo ni televisivas, pese a que los VMA’s pedían una a gritos; y aun así encontramos todavía el álbum en el puesto 3 del Billboard 200, en el puesto 8 en Reino Unido y en el puesto 12 en un mercado tan duro para todo lo que no es latino como España. Donde recordemos que ‘Break My Soul’ no ha logrado ser un hit ni siquiera moderado: solo fue número 94 y resistió en listas 1 semana.
Mediatraffic estima que se ha vendido el equivalente a casi 700.000 unidades de ‘RENAISSANCE’ en las primeras 3 semanas. A este ritmo, el millón está asegurado y con la Navidad y a poco que se promocione un single como ‘Cuff It’ o ‘Alien Superstar’, el millón podrían ser 2. La pregunta es… ¿habrá promo o pasaremos realmente al Acto 2 a la altura de Acción de Gracias?
Flops A quien el público no ha esperado un lustro es a Calvin Harris. Ha pasado demasiado tiempo. El artista que editara una decena de singles de ’18 Months’, llevándolo hasta el triple platino en Reino Unido e incluso al platino en un mercado tan díficil para la EDM como Estados Unidos, pierde fuelle.
Si el primer volumen de ‘Funk Wav Bounces’ salvó los muebles gracias a la inclusion de ‘Feels’, ‘Funk Wav Bounces Vol. 2’ está obteniendo los peores datos de la carrera de Calvin Harris desde su debut ‘I Created Disco’. El nuevo álbum, pese a incluir colaboraciones con estrellas de primera línea como Dua Lipa o Justin Timberlake, tan sólo ha sido número 5 en Reino Unido y número 17 en Estados Unidos.
Los puestos 36 en España o 45 en Francia alertan sobre el escaso interés internacional en el proyecto, pero es que además el álbum se ha desplomado en su gran bastión, Reino Unido. En su 3ª semana el disco baja al puesto 94 y las midweeks advierten que no existirá una 4ª en el top 100. No parece que pequeñas maravillas como ‘Obsessed’ hayan cautivado demasiado al respetable. ¿Puede el disco remontar con alguno de sus muchos grandes nombres, como Swae Lee, Snoop Dogg, Tinashe… promocionando de alguna manera?
Arcade Fire habían realizado unos cuantos conciertos de presentación de su último disco ‘WE’ a lo largo de los últimos meses. Sin embargo, no ofrecían ningún concierto desde el pasado mes de julio. Anoche, 30 de agosto, era la fecha en que el tour propiamente dicho comenzaba en Dublín, y este lo hizo con normalidad.
Dos días antes, Win Butler había recibido acusaciones de abuso de poder y conductas sexuales inapropiadas por parte de 3 mujeres y una persona no binaria. Los hechos habrían sucedido entre 2016 y 2019, según el reportaje de Pitchfork, cuando estas personas tenían entre 18 y 23 años y Win Butler, entre 36 y 39. Win ha enviado un comunicado reconociendo que en esa época sufrió depresión y adicción al alcohol, pidiendo perdón por haber enviado mensajes por móvil inapropiados, pero afirmando que las demás acusaciones son falsas y que jamás ha tocado a una mujer sin su consentimiento. Su mujer y compañera de banda, Régine, le respalda por completo.
El Instagram de Arcade Fire se ha llenado de peticiones de que cancelaran la gira. Hay quien pide que den la opción de devolver el dinero. Otros usuarios no están de acuerdo. En nuestras páginas, el comentario más destacado por los usuarios es uno que afirma que «tenemos que hacernos mirar lo que llamamos abusos, o inventar una nueva palabra para lo que supuestamente habría hecho Win. Le damos la misma relevancia a una violacion múltiple que al hecho de que una mujer adulta se involucre en una relación esporádica con otro adulto y si se produce cualquier desalineación en las expectativas que uno y el otro tienen de la misma, entonces la mujer queda ultrajada y traumatizada y el hombre es un violador».
El periódico Irish Times ha entrevistado a varios fans de Arcade Fire en las inmediaciones del recinto para preguntarles qué opinan de las acusaciones. Algunos no se habían enterado siquiera. Uno responde que se lo contó su mujer pero que ha preferido no leerlo y habla de «ser inocente hasta que se demuestre lo contrario». Otro indica que sobre el escenario hay 14 personas y que nunca devolvería su ticket por solo 1 de ellos. Un usuario reconoce que algo oscuro parece haber pasado «pero que se lo esperaba peor por cómo sonaba el titular de Pitchfork». Ninguno ha cancelado a Arcade Fire, aunque hay que recordar que puede haber un sesgo al tratarse de entrevistas a fans que sí han acudido al concierto, y no a los que se han quedado en casa, si los hay.
Por su parte, Los Angeles Times recopila una serie de tuits y opiniones dejadas en Reddit sobre el concierto. Todos los usuarios hablan de normalidad en el show. Win Butler no hizo ninguna referencia a las acusaciones pero sí agradeció a la audiencia su asistencia «desde el fondo de su corazón». Se reportan tan sólo algunos asientos vacíos en el graderío arriba del todo, y también «una gran ovación para la banda».
Mientras Feist, como telonera de Dublín, ha decidido donar lo obtenido en la venta de merchandising a una ONG que trabaja por la mujer, el Women’s Aid local, parece que la gira de Arcade Fire se desarrollará con normalidad. El 21 de septiembre les aguarda Madrid y, aunque las entradas de pista están agotadas, todavía quedan algunas en grada.
Benjamin Clementine ha anunciado la fecha de salida de su nuevo álbum, ‘And I Have Been’, y ha compartido un single titulado ‘Genesis’. El sucesor de ‘I Tell A Fly’, lanzado en 2017, saldrá a la venta el 28 de octubre. Los sencillos previamente lanzados, como ‘Copening’ y ‘Weakend’, también estarán en el álbum.
‘And I Have Been’ fue concebido durante el COVID, según declaraciones del propio Clementine: «Como todos, también me vi cara a cara con muchas lecciones, complicaciones y epifanías que tenían que ver con compartir mi camino con alguien especial». Al mismo tiempo, Clementine ha hablado sobre el nuevo single y ha revelado que trata sobre «la constante negación de mis raíces».
Según un comunicado de prensa, al disco ‘And I Have Been’ le seguirá otro el año que viene: «Es la punta del iceberg que plantea la escena para la «Parte Dos», que se adentrará más profundamente».
Tracklist:
1. Residue
2. Delighted
3. Difference
4. Genesis
5. Gypsy, BC
6. Atonement
7. Last Movement Of Hope
8. Copening
9. Weakend
10. Auxiliary
11. Loveluster
12. Recommence
Desde un coche en movimiento, en la oscuridad de la noche, vemos a una pareja abrazarse apasionadamente en un parking. Es tan solo un instante, pero es una imagen de gran fuerza dramática y poder de sugerencia. Así es la excelente portada de ‘Heaven Come Crashing’, y en ella, se encuentra la esencia del propio álbum. El segundo largo de Rachika Nayar es una travesía por los recovecos de nuestros sentimientos más profundos, por los breves momentos de intensidad emocional en los que el corazón parece que nos va a explotar. La artista afincada en Brooklyn, quien ya sorprendió el año pasado con su estupendo debut ‘Our Hands Against the Dusk’ expande su sonido a territorios más ambiciosos, más cinematográficos y, en ocasiones, hasta casi bailables.
Hay un sentimiento de grandeza que recorre todo este segundo trabajo, en el que las canciones tienden a virar desde lo tímido a lo épico, sin perder un ápice de su intimidad. En los casi diez minutos de ‘Tetramorph’, el segundo corte del disco, caben todo tipo de sensaciones. Lo que comienza como una pieza ambient liderada por el característico tratamiento camaleónico de la guitarra de Nayar, a mitad de canción incorpora un dron, para terminar acercándose a un sonido post-rock.
Estos continuos cambios de ritmos y texturas son frecuentes a lo largo de toda la obra. El más significativo y el momento más álgido del álbum es en la canción que le da título, que además incorpora la voz de Maria BC, tratada aquí como un instrumento más, dotada de un aire místico y etéreo. Tras un par de minutos de calma, la canción se libera y explota hacia una pasión y una euforia exuberantes, acelerando la melodía con beats frenéticos, otorgando un luminoso sentimiento de inmediatez y desenfreno. El cierre de la edición simple ‘Our Wretched Fate’ también cuenta con la participación de la cantante y tiene una estructura similar, culminando con una urgencia bailable. El disco abre con la atmosférica ‘Our Wretched Fantasy’, que dialoga con esta última y supone un gran avance de lo que esperar en el disco, aunque aquí no haya grandes giros ni clímax épicos.
La enigmática ‘Nausea’ con sus drones y sus sintetizadores aéreos comienza en un estado de confusión, donde los sonidos crean un paisaje asfixiante, pero poco a poco se va desprendiendo de su oscuridad y termina en un esperanzador número electrónico. De forma similar, la tensión se palpa al principio de ‘The Price of Serenity’, hasta su bellísima mutación en éxtasis en torno al final.
En ‘Heaven Come Crashing’, Rachika Nayar no nos alecciona sobre cómo tenemos que sentirnos con sus canciones sino que dejan que estas hablen por sí mismas. Sus títulos son tan crípticos como las propias composiciones, y el mundo que crean tan vasto que da lugar a múltiples interpretaciones. Es música que te atrapa por su condición envolvente y te remueve por su admirable capacidad para elevarte a otra dimensión. En el mundo de Rachika Nayar, las emociones son intensas pero fugaces, intentamos aferrarnos a ellas pero se nos escapan. Nada es eterno, todo está en constante movimiento y pasa ante nuestros ojos con la velocidad de una estrella fugaz, pero vivir merece la pena por esos breves instantes de pura emoción y belleza; una luz al final de un túnel, el abrazo de dos amantes en la oscuridad.
La gira ‘Liquidación Total’ de Samantha Hudson llega a su fin tras 38 fechas alrededor del país. Así lo ha anunciado la artista a través de su Instagram, donde ha revelado las últimas fechas del tour. ‘Liquidación Total’ volverá el 18 de septiembre con un show en la Sala Razzmatazz de Barcelona y terminará definitivamente el 28 de enero de 2023 en la Sala Repvblicca de Valencia. La gira se llama «Liquidación Total Por Cierre» o también EXXXTERMINIO según sus propias palabras.
La artista también ha revelado en su Instagram que «muchas de estas fechas serán un show especial de fin de gira y llevaremos el espectáculo que presentamos en el último Sonar«, por lo que podemos esperar algo muy especial. Antes de terminar el tour Samantha Hudson visitará Barcelona, Rivas, Granada, Murcia, Zaragoza, Madrid y Valencia.
Además de las ya concretadas, las fechas completas son el 30 de septiembre en Rivas, el 1 de octubre en Granada, el 13 de octubre en el Hermosa Fest de Murcia, el 2 de diciembre en Zaragoza y el 17 de diciembre en Madrid. Las entradas están disponibles aquí.
Hace unos días se confirmaba la fecha y tracklist del nuevo disco de Romeo Santos, llamado ‘Fórmula Vol. 3’ y previsto para ser lanzado el próximo jueves 1 de septiembre. En el anuncio los nombres de las colaboraciones aparecían difuminados, de forma que no se sabía quien estaría en el álbum. De momento, se han confirmado dos artistas que sí aparecerán en ‘Formula Vol. 3’: Rosalía y Justin Timberlake.
La canción con Rosalía recibe el nombre de ‘El Pañuelo’. La confirmación llega tras una captura que circula por redes de la preventa del single en la que se revela la presencia de la catalana. De momento, no tenemos ningún adelanto de la canción. Por otro lado, de la colaboración con Justin Timberlake sí que hay una muestra.
La colaboración entre Romeo Santos y Justin Timberlake se llama ‘Sin Fin’ y ya se puede escuchar un trocito, protagonizado por la voz de Timberlake, en el perfil de Instagram de Romeo Santos. ‘Sin Fin’ y ‘El Pañuelo’ son dos de las 20 canciones que tendrá ‘Fórmula Vol.3’ y de las siete canciones colaborativas que se incluirán en él. También hay mucha curiosidad entorno al track ‘15,500 noches’, ya que la lista de artistas presentes parece bastante extensa.
Tracklist:
1. Intro FV3
2. Bebo
3. Ayúdame
4. Boomerang
5. Sexo con ropa
6. Ciudadana
7. Mar
8. El Pañuelo
9. 15,500 noches
10. Perro
11. Sin Fin
12. Solo Conmigo
13. Sus Huellas
14. Siri
15. Skit
16. Me extraño
17. Suegra
18. R.I.P
19. La Última Vez
20. Nirvana
El regreso de Britney Spears después del fin de su tutela está siendo muy bien acogido en las listas de éxitos. Se trata de una adaptación dance del clásico de Elton John ‘Tiny Dancer’, que sucede al entusiasmo con el que el público acogió la conversión del clásico ‘Sacrifice’ en el rompepistas ‘Cold Heart’ junto a Dua Lipa.
‘Hold Me Closer‘, el dúo de unos irreconocibles Britney Spears y Elton John, debutaba en el puesto 14 del Global de Spotify pese a no haber sido apoyado por la playlist Today’s Top Hits, y actualmente sobrevive en el top 30 cuatro días después, recuperando posiciones respecto al domingo. Esto es, su situación es estable ya en esa parte de la tabla.
Además, está en el puesto 3 de las midweeks británicas. Aunque durante el resto de la semana puede bajar en favor de canciones más consolidadas y longevas en el mercado, como es habitual, realmente solo la separan 1.200 copias del actual número 1, el macrohit ‘Afraid to Feel’ de LF SYSTEM, muestra de la ilusión que ha despertado en el público.
Otros territorios importantes que han acogido con entusiasmo ‘Hold Me Closer’ son Canadá, Australia y Estados Unidos, donde permanece en el top 20 de Spotify. Como es habitual con todo lo que NO es latino, España no será un mercado clave para esta canción, al menos por el momento.
Y es que aunque ‘Cold Heart’ de Elton John con Dua Lipa nunca pasó del top 15 en España, actualmente pasa su 50ª semana en el número 76, certificada como doble platino. Es decir, ha sido un sleeper aquí como en otros territorios. ¿Correrá esta suerte ‘Hold Me Closer’?
DCODE vuelve el 17 de septiembre con una nueva edición que se celebrará de nuevo en el Campus de la Universidad Complutense de Madrid, como cada año, y que contará con la presencia especial de Coca-Cola. Tras su implicación en festivales como Mad Cool y Bilbao BBK Live, DCODE es otro festival español que contará con su iniciativa musical Coke Studio. Dentro de su recinto, se instalará una escultura hinchable que servirá a los asistentes de punto de encuentro o de descanso.
Coca-Cola refuerza así su compromiso con la música con una campaña dedicada al Real Magic. Con su presencia en festivales, Coca-Cola anuncia precisamente la expansión global de Coke Studio, su plataforma musical creada en 2008, con la que busca crear un espacio común en el que enmarcar todas sus iniciativas relacionadas con la música y en la que dar a los artistas de todo el mundo la oportunidad de asociarse y crecer.
El cartel de DCODE incluye nombres como Years & Years, Crystal Fighters, The Kooks, Deluxe y su cantante Xoel López, también confirmado por separado; The Hives, Viva Suecia, Carlos Sadness, Fuel Fandango, Shinova, Delaporte, Maxïmo Park y Ginebras, entre otros. En sus redes, el festival madrileño ha comunicado que ha vendido ya el 80% del aforo.
Por otro lado, DCODE vuelve a apostar por el talento emergente y completa su programación una serie de interesantes artistas como son la banda de Vermont Sir Chloe, que suena a medio camino entre St. Vincent y Andy Shauf; el cantautor madrileño St. Woods, el adalid del emo rap nacional GOA, el cantante australiano criado en Londres Thomas Headon, la joya del underground británico The K’s, la estrella de TikTok Abby Roberts y el cantautor indie-pop Molina Molina.
Este año, por otro lado, DCODE vuelve a apostar por ser un festival sostenible y apto para todos los públicos, y potencia la eficiencia energética, el reciclaje, la alimentación saludable y sostenible.
Por otra parte, la gran acción de Coke Studio ha sido el lanzamiento de The Conductor, primer contenido nacido dentro de esta nueva estrategia global de la plataforma, y en el que varios artistas han presentado su versión particular de ‘A Kind of Magic’ de Queen. Han participado la estadounidense Ari Lennox, el británico Griff, la turca Ekin Beril, la también estadounidense Mariah Angeliq (hija de cubanos y portorriqueños), el canadiense-indio Tesher y la banda surcoreana TRI.BE. Los sonidos del R&B, el k-pop o la canción de autor han puesto banda sonora a esta campaña con la que Coke Studio se abre al mundo.
La plataforma Coke Studio, por otro lado, se enmarca en Real Magic, la filosofía de marca global de Coca-Cola. Esta filosofía a la que alude, es la creencia de que nuestras diferencias hacen del mundo un lugar más rico en el que vivir, y que también son nuestras propias experiencias como seres humanos las que nos unen aunque vivamos a miles de kilómetros de distancia.
Entrevistar a Ezra Furman es la experiencia contraria a un junket. Aquí no hay respuestas con monosílabos, Ezra valora el trabajo de la otra persona y se esfuerza en dar respuestas completas, tomándose su tiempo para contestar e, incluso, para encontrar la palabra adecuada (en el texto, para no cansar al lector, hay muchas menos “pausas” de las que ella usó). Supongo que también influye en esto su timidez y una inseguridad que se percibe aunque, afortunadamente, ahora se encuentre más segura de sí misma y de sus trabajos.
Ezra comienza la entrevista evitando en lo posible el contacto visual pero, a medida que avanza la charla, va sintiéndose más tranquila e incluso soltando alguna coña. Hablamos de su nuevo álbum ‘All Of Us Flames’, nuestro «Disco de la Semana», pero también de su proyecto para la BSO de ‘Sex Education‘, de la influencia que le supone Bob Dylan, o de su intención de contar historias que lleguen a quienes no suelen verse reflejados en las historias LGBT que salen por la tele.
¿En qué contexto escribiste ‘All Of Us Flames’?
Escribí la mayoría del disco en 2020, un poco en 2021 pero en general en el tiempo duro de la pandemia. Podemos querer evitar hablar de esto, pero la pandemia de coronavirus es uno de esos eventos que acaba influenciando todo lo que ocurre ahí… lo que pasa es que a veces no sabes de qué manera. O que ocurre de forma inconsciente. Pero desde luego creo que las huellas de la salud mundial están tras estas canciones. Ha habido un impacto tremendo en nuestra salud mental, quizás por eso he estado escribiendo tanto sobre curarse, o sobre la necesidad de una comunidad… aunque también eran temas que estaban en mi cabeza antes. (pausa) Ya sentía que el mundo estaba muy enfermo antes de la pandemia. Supongo que enfermó más. Empezamos a sentirnos… bueno, me estoy enredando mucho…
Para nada, tómate tu tiempo.
No, no… seguramente tengas tú una pregunta mejor que la chorrada que yo tengo ahora en la cabeza (sonríe)
No estoy yo tan seguro de eso, pero como estés más cómoda. Mira, al hilo de lo que estabas diciendo: tenía pensado preguntarte sobre una frase de la nota de prensa, “dentro de este disco, el fin del imperio patriarcal y capitalista parece inminente e inevitable”. ¿Tú lo sientes así? Yo no sé si soy tan optimista.
Sí, a ver… no lo escribí yo, pero entiendo por qué la persona de prensa lo ha puesto (ríe) Yo diría… quizás yo no diría que ese final es inminente, pero puede que a nivel individual… quizás puedes tirar los grilletes, al menos los que tienes en tu espíritu. Como que al menos puedes tomar un pequeño respiro espiritualmente. En cuanto a ese “fin de imperio” que ansío… quién sabe cuánto tardará en llegar, pero sí que parece inevitable. Sí que lo parece. Y ésa es una de las direcciones de este disco, el ansia por que llegue ese día. Como apoyarnos en que llegue una era mesiánica, o una utopía… en la que el Mal sea derrotado (sonríe brevemente). Creo que es como una buena terapia… bueno, o como una buena práctica espiritualmente, para entender que eso es posible. De algún modo.
¿Cómo afrontas la salida del disco?
Es una sensación muy bonita. Muy bonita pero también un poco extraña, el ser consciente de que el disco es bueno y está a la altura de lo que quería, porque ha sido mucho tiempo, ha llevado mucho trabajo hacerlo, para hacer algo de lo que estar orgullosa… y a la vez no sabes si a la gente le gustará, si tendrá éxito en el mercado que sea en el que intente entrar. Pero la verdad es que esto último es mucho menos importante para mí que el estar orgullosa. Así que es bonito tener esa batalla ya ganada.
(pausa) Si te soy sincera, también tengo miedo. Sé lo que es ponerte en el ojo público y, desde que estoy fuera del armario como mujer trans, me resultan más dolorosas mis apariciones públicas, o cualquier cosa que tenga que ver con mi imagen pública, entrevistas, valoraciones a mi trabajo… aunque, paradójicamente, también lo siento todo más real. No sé.
«Desde que estoy fuera del armario como mujer trans, me resultan más dolorosas mis apariciones públicas, aunque, paradójicamente, también lo siento todo más real»
El álbum se abre con ‘Train Comes Through’. ¿Por qué elegiste ese tema? Me gusta mucho la progresión que tiene.
Muchas gracias. (piensa) Sí, creo que establece los términos de este disco. El sentido de comunidad, de tribu que aspira al triunfo del Bien sobre el Mal, hay un espíritu de equipo ahí. Y creo que ayuda a que el resto del disco tenga más sentido. A que las apuestas sean cósmicas (sonríe) Para mí, es una de las mejores cosas que he escrito en mi vida. Es como dibujar una línea en la arena, y que todo el disco ocurra en el otro lado de esa línea.
Hay algo en el disco, quizás la mezcla de la vulnerabilidad con el sentimiento de fuerza, el rock, y por supuesto la temática, que me recuerda a las canciones de ‘Hedwig & The Angry Inch’. No sé si te gusta esa película.
Sí, ciertamente hay mucha solidaridad, y formas de expresión similares a ‘Hedwig’, y la historia de Hedwig tiene muchas cosas en las que me reflejo, pero a la vez intento hacer mi propia versión de eso. Siento que, por muy poderosas que hayan sido en el pasado las expresiones de Orgullo, muchas de ellas me han dejado un poco fría… por el hecho de que parecían muy felices, muy de desfile, ¿sabes? Y yo pensaba “así no es como me siento yo”. No solía ir a desfiles del Orgullo porque no me sentía incluida ahí. Y parte de eso será por ser trans, claro, pero sobre todo es porque me sentía fuera de lugar. ‘Hedwig’ es una película estupenda, esto lo estoy diciendo en general respecto a este tipo de creaciones, pero me he sentido así.
Espero que con mi música haya conseguido hacerlo de forma que más gente se sienta incluida, más gente que se sentía como yo, que es… más herida, quizás. Más dañada. Con más desesperación en ocasiones. Con más violencia. Y, a la vez, con solidaridad y ganas de mejorar las cosas. Espero que todo eso se sienta, y que especialmente mis fans queer lo sientan.
«Espero que con mi música más gente dañada se sienta incluida»
Bob Dylan es una gran influencia en ti, según he leído.
Sí, a ver, puede resultar idiota por mi parte decir que me influye Bob Dylan porque el mero hecho de pensar en escribir canciones como si fuese literatura… Dylan fue una de las personas que hizo eso posible en la cultura pop. Pero lo he dicho recientemente quizás porque es la primera vez en mi vida que me siento como… merecedora de esa influencia, ¿sabes? Como que tengo ahora otra confianza en lo que escribo. Siempre según mi propio estándar, claro. Como que ya no es tan vergonzoso, no me siento como una tonta que sale diciendo “oh, sí, quiero ser como Bob Dylan”. Sigo sin pensar que sea tan buena como Bob Dylan, y no sé si alguna vez estaré a su altura, pero… al menos me siento buena para mi propia altura, por así decirlo.
Tus anteriores trabajos fueron para la BSO de ‘Sex Education’, la serie de Netflix, ¿cómo fue eso? Además de ser una serie muy divertida, tiene una de las representaciones LGBT más cuidadas en la ficción actual, entiendo que eso también fue un plus a la hora de aceptar ese proyecto.
Desde luego. A ver, llegó en un momento en que yo tenía que buscarme un trabajo, básicamente. Un trabajo aparte de mi arte, de mi vida artística tal y como yo la había imaginado. Y ese trabajo podría haber sido currar en un Burger King, pero tuve la oportunidad de trabajar para esta serie, que tiene el corazón en el lugar adecuado, lo cual me hizo sentir mucho mejor que currar en un Burger King… he sido muy afortunada en eso.
Además es muy bueno porque mantiene mis “músculos compositivos”, por decirlo así, en forma. Yo escribo canciones me lo pidan o no me lo pidan, pero está bien tener como un encargo, un trabajo, un lugar al que esas canciones van a ir. Motiva. Por otro lado, no puedes sacar un álbum cada año, así que esto hace que cuando tenga que sacarlo sea más especial, y que aparte pueda ir sacando canciones que no tienen que ser “mi mensaje al mundo” ni cosas así, canciones que no meta en mis discos porque no me encajen por temática o lo que sea. En definitiva, es un trabajo ideal, me siento tremendamente afortunada de tenerlo. Y además no creo que yo lo haga bien currando como Atención al Cliente (sonríe)
Tonje Thilesen
Tu canción número 1 en las plataformas de streaming sigue siendo ‘Love You So Bad’. ¿Qué crees que tiene para haber llegado a tanta gente?
La respuesta corta es: porque les gustó a los de ‘Sex Education’ y eso la llevó a mucha gente. Pero, claro, ¿por qué les gustó a los de ‘Sex Education’? Pues… (pausa) Supongo que parte de ello es el gran talento de mi compañero de banda, Jorgen Jorgensen y Tim Sandusky, que consiguieron hacer que la canción tuviera una vida propia. Y también estoy muy orgullosa de esa canción como compositora, porque tiene solo tres acordes, con ellos cuenta una historia, con sus personajes y su arco narrativo, con algunos aforismos también… y, aunque no la escuches con detenimiento, la coherencia interna que tiene hace que te llegue.
Pero, a la hora de la verdad, no tengo ni idea, no tengo nada de control sobre estas cosas… es como si tiro una serie de cosas al aire, algunas caen al suelo y otras se las lleva el viento, pero yo no sé nada sobre aerodinámica. Desde luego confío en el público en muchas ocasiones para saber si algo es bueno.
«El fin del imperio que ansío parece inevitable»
Supongo que se sentirán conectados con ella.
Sí… creo que hay algo de fracaso ahí, ¿sabes? En esas emociones. Creo que tiene que ver con el fracaso. Es uno de los sentimientos más universales, y no hay muchas canciones que traten sobre eso. Tienes una relación amorosa muy especial que se va al traste… la gente quiere oír eso. Especialmente con unos violonchelos tan bonitos sonando.
El fin de semana pasado, Arctic Monkeys fueron “trending topic” por su actuación en el Festival de Leeds. Y esta semana -el jueves 1 de septiembre- podremos verlos en Cala Mijas junto a un elenco de lujo que incluye a Kraftwerk, Róisín Murphy, Nick Cave, Hot Chip, Liam Gallagher, James Blake y un larguísimo etcétera.
Antes de eso, el grupo de Alex Turner ha tenido la generosidad de compartir un single de adelanto del disco que habían anunciado para el próximo 21 de octubre. El álbum se llama ‘The Car’ y el primer single que estrenan en versión de estudio no es el mismo tema que habían estrenado en directo hace unos días. Aquel fue el complicado ‘I Ain’t Quite Where I Think I Am’ y el tema del que hoy comparten el videoclip se llama ‘There’d Better Be a Mirrorball’. Es la Canción del Día en JENESAISPOP.
‘There’d Better Be a Mirrorball’ es una balada de 4 minutos y medio de corte retro, que comienza con unas notas de piano y unos arreglos orquestales muy teatrales. Tras unos instantes de silencio, alternados con unas sacudidas al piano, Alex Turner comienza ordenando: “no te emociones, no es propio de ti”.
Sin embargo, después bromea que dejar salir al “viejo tonto romántico encaja mejor con el estado de ánimo”. De manera abstracta, poco concreta, Arctic Monkeys hablan aquí de los problemas de comunicación y los sentimientos, representando aparentemente la bola de espejos del título la sensación de fiesta o alivio, no sin cierta sorna («más vale que haya una bola de espejos»). Llama la atención también la figura del coche, pues ‘The Car’ es el título de todo el álbum, representando probablemente el fin de dicha fiesta. “¿Quieres llevarme al coche?”, comienza preguntando, atormentado, cada estribillo.
Musicalmente, la canción se va adentrando en el soul y el disco de los años 70 a través de unos gloriosos arreglos de cuerda, que nos indican que este álbum podría estar un poco más cerca del clasicismo de ‘AM’ que de la rareza de ‘Tranquility Base Hotel Casino’. ‘There’d Better Be a Mirrorball’ abrirá el álbum.
El grupo era el gran reclamo de este nuevo festival hermano de Mad Cool que iba a celebrarse en Madrid. La organización ofrece la devolución de las entradas o su cambio por un abono para Andalucia Big Festival, evento que hoy añadía a Suede, Franz Ferdinand y C. Tangana. Es decir, no se suspenderá, pues además de con Rage Against the Machine contaba con otros cabezas de cartel en otras jornadas como Muse o Jamiroquai. En cambio, Mad Cool Sunset era un festival de una sola jornada.
Entre los artistas que iban a actuar en Mad Cool Sunset y que no lo harán tras la cancelación del tour de RATM estaban Biffy Clyro, Glass Animals, Run the Jewels, Kurt Vile o Lucy Dacus.
Este es el comunicado: «Queridos amigxs, tras la reciente cancelación de la gira europea de Rage Against The Machine y, pese a los esfuerzos realizados para encontrar una banda a la altura como sustitución, sentimos comunicaros que Mad Cool Sunset 2022 finalmente no se celebrará 💔 Desde hoy, se abre el periodo de devolución de entradas y ofrecemos la posibilidad adicional de cambiar la entrada de Mad Cool Sunset, por un abono de Andalucia BIG Festival. Tenéis toda la información en nuestro link en bio. Sentimos las molestias y esperamos veros muy pronto».
¿Es ‘Heartmind’ un disco influido por la muerte o toda obra lo está a partir de cierta edad? Esa edad en la que empiezan a irse tus padres, tus tíos y hasta algunos amigos. Es el propio Cass McCombs quien cuenta que el proceso compositivo de este álbum se ha visto afectado por la pérdida de algunos seres queridos, en especial, tres de sus músicos, que han fallecido entre 2019 y 2020.
Una vez escuchado el nuevo álbum del autor de obras tan capitales como ‘Wit’s End‘ o ‘Big Wheel and Others‘, esa visión parece reduccionista. De manera casi simétrica, ‘Heartmind’ se divide entre canciones rugosas y reflexivas, contemplativas, cercanas al country y a la americana; y luego otro grupo de composiciones luminosas y accesibles, que están entre lo más pop que jamás haya editado el autor californiano.
Una de estas últimas es ‘Karaoke’, un divertidísimo cuestionamiento sobre el amor construido en base a guiños a grandes clásicos como ‘Unchained Melody’, ‘Your Love Is King’ de Sade y otros. «¿Vas a quedarte con tu hombre o esto es solo un karaoke?», se pregunta jocoso McCombs en referencia a ‘Stand By Your Man’ de Tammy Wynette, últimamente reivindicada por voces como Lana del Rey o ABBA en su último disco.
Especialmente sorprendente es ‘Krakatau’, de cierto poso latino y hasta cierto punto bailable. Una enumeración de cosas que queremos mantener con nosotros y también una lista de cosas de las que nos tenemos que deshacer, que resulta inusitadamente contagiosa. Dice el estribillo: «Llévate mi impaciencia, llévate mi intolerancia, mi odio y mi avaricia (…) Llévate mis tentaciones, llévate mis frustraciones». Y una de las estrofas implora que te lleves las cosas más importantes, pero no las formas de rearmarnos: «llévate mi camisa pero no el hilo, llévate mi mente pero no mi cabeza, llévate mi cuerpo pero no mis huesos, llévate las rocas pero no las piedras».
También machacón es el single ‘Belong to Heaven’ y ligerísima ‘New Earth’, composiciones que tratan de buscar la luz después del apocalipsis. Dice esta última: «hoy es el día después del último día en la Tierra / Es un día muy alegre después de un día muy malo / Después de hoy, ¿qué podemos decir? Hoy es el nacimiento de una nueva Tierra». En este par de grabaciones, es como si la muerte tan sólo le hubiera inspirado para abrazar más el mundo.
Cass McCombs ha perdido al guitarrista Neal Casal, que se suicidó, a Chet JR White de Girls que también tocó con él y a Sam Jayne, con quien tocó en sus inicios. Por lo importante que ha sido la música para recomponerse es que el álbum comienza con un blues llamado ‘Music Is Blue’, que encontramos tantas referencias musicales o que dedica a los músicos una de las piezas más hermosas y exquisitas del álbum. ‘A Blue, Blue Band’ es pura delicadeza en desarrollo y arreglos orquestales, como si estuviera tocada por la varita de Leonard Cohen. Gracias a maravillas como esta, podemos echarle en falta un poquito menos.
Cierra el álbum un corte reptante un tanto jazzie, el titular ‘Heartmind’, que se extiende hasta los 8 minutos y medio de duración. Podemos vincularla con el lado menos accesible del álbum junto al arranque de ‘Music Is Blue’ o la dylaniana ‘Unproud Warrior’, sin que realmente tenga tanto que ver, por lo que la sensación de que aquí hay dos álbumes distintos es inevitable, retratados en la ambigua portada. Por suerte, Cass McCombs luce inspirado tanto en su registro salvavidas, como en el más trágico.
‘Quédate’, el ultra hit de Bizarrap y Quevedo, lidera la lista de singles española esta semana al desplazar al ‘DESPECHÁ’ de Rosalía al número 2. Mientras tanto, la subida más grande de la semana la protagoniza Luar La L, el artista puertorriqueño de 22 años que ha llegado al puesto 6 con ‘Caile’, en su tercera semana en lista.
El éxito de Luar La L comenzó a finales de 2020 con el lanzamiento del EP ‘L3tra’, proyecto en el que aparecía ‘Caile’, que ya amasa cerca de 53 millones de reproducciones en Spotify. En mayo de 2021 Luar La L apareció en el lanzamiento sorpresa de Bad Bunny, ‘100 MILLONES’, lo cual también le dio una gran visibilidad al joven artista. Actualmente, ‘Caile’ sube al puesto 4 de Spotify España, por lo que es de suponer que su éxito crecerá y se asentará durante las próximas semanas.
La entrada más fuerte en Promusicae se posiciona en el número 38 y se trata de ‘Feliz Cumpleaños Ferxxo’, el último sencillo de Feid. En el puesto 56 de la lista entra el reggaetón de ‘Ande Con Quien Ande’, de Myke Towers y Jhay Cortez, y en el 75 el esperado nuevo single de BLACKPINK, ‘Pink Venom’. Cyril Kamer debuta en el puesto 86 de la lista con la pegadiza ‘Cinderella’ y Tom Odell se cuela en el número 96 con ‘Another Love’.
Esta semana hay dos canciones que repiten entrada en el Top, aunque no han llegado muy alto. La primera es ‘A Contracorriente’, de David Bisbal y Álvaro Soler, que ha reentrado en el número 92. Por otro lado, el volumen 40 de las sesiones de Bizarrap se posiciona justo en el puesto 100 de la lista. La colaboración entre Eladio Carrión y Bizarrap salió en junio de 2021 y alcanzó como puesto máximo el número 15 de la lista.
Tras la inesperada cancelación de Rage Against The Machine, que suspendieron toda su gira europea por un problema de salud, el Andalucia Big Festival ha cerrado su cartel con la implementación de tres nuevos headliners: C. Tangana, Franz Ferdinand y Suede. El resto del line up lo completan artistas como Wolf Alice, Jamiroquai, Vetusta Morla, Glass Animals, Muse, Los Planetas o Delaporte, entre muchos otros más.
C. Tangana, Franz Ferdinand y Suede actuarán en la primera jornada del festival, el jueves 8 de septiembre. El artista madrileño llevará su particular sobremesa al festival malagueño, mientras que Franz Ferdinand y Suede sacudirán el escenario con el mejor rock británico. Esa misma jornada también actuarán, entre otros, Wolf Alice y Stereophonics. El viernes 9 lo encabeza Jamiroquai con un show exclusivo en Europa y el sábado 10 el plato fuerte es Muse, quienes sacaron disco hace solo unos días.
La organización del festival recuerda que a partir de hoy se abría el proceso de devolución de entradas en todas las ticketeras oficiales para todos aquellos que así lo soliciten. La fecha máxima para la solicitud es el jueves 8 de septiembre.
‘Un verano sin ti’ de Bad Bunny continúa siendo número 1 en España una semana más, certificado como triple platino. Sin duda, estamos hablando del disco del verano por encima incluso de ‘MOTOMAMI’ de Rosalía, que baja al puesto 3 adivinamos que rozando el doble platino, pero aún con tan sólo 1 certificación.
‘Finally Enough Love’ de Madonna, que recopila 50 remixes favoritos de la artista de sus singles número 1 en las listas dance del Billboard, es la entrada más fuerte de estos días, directa al top 2. En vinilos más vendidos sí ocupa el número 1. El puesto 2 en la tabla general española es el mismo que este disco de remezclas ha alcanzado en mercados europeos como Italia, Alemania o Francia. Este nuevo lanzamiento de Madonna ha llegado al número 3 en Reino Unido y al número 8 en Estados Unidos. ‘Finally Enough Love’ sí ha logrado ser número 1 en Australia, Bélgica y Holanda.
‘Holy Fvck’ de Demi Lovato, que parecía sobre el papel la mayor competencia de Madonna en su semana de lanzamiento, logra una muy modesta entrada en nuestro país en el puesto 19. El disco de Demi Lovato ha sido recibido con cierta tibieza en Reino Unido y Estados Unidos, donde ha sido número 7 en ambos casos, y con total indiferencia en territorios como Alemania (26), Australia (47) o Francia (87).
Otra entrada importante en España es la de ‘Emociones’ de Jay Wheeler, que llega al puesto 13 aupada por el hit ‘Suelta’ junto a Mora. Por su parte, la reedición de ‘Be Here Now’ de Oasis es puesto 49 en nuestro país.
La lista de entradas en España se completa con ‘Manifiesto: Day 1’ de Enhypen, que es número 60; ‘Afterlife’ de Five Finger Death Punch en el número 78 y ‘Viva Las Vengeance’ de Panic! at the Disco en el puesto 85. Estos últimos acaban de protagonizar una de las mejores actuaciones de los VMA’s 2022 de MTV.
El pasado 22 de junio el cantante Lil Tjay, conocido por exitazos como ‘Mood Swings’ o ‘F.N’, fue disparado siete veces y hospitalizado de urgencia. Hace unos días, todavía con un collarín en el cuello, el artista de 21 años dio las primeras noticias sobre su recuperación mediante un vídeo de Instagram, agradeció todos los mensajes de apoyo y anunció el lanzamiento de nueva música: «Siete tiros… fue duro, la mayoría de la gente no sobrevive, pero estoy aquí, aquí por una razón». El resultado de este chocante suceso es ‘Beat the Odds’, la Canción del Día.
Lil Tjay emplea su estilo de rap más característico, con versos pegadizos y melódicos, en una canción en la que habla sobre el miedo a perder todo lo que ha conseguido con la música, ya sea mediante el arresto por su relación con bandas callejeras o directamente por la muerte («Me preguntan, «Tjay ¿por qué vas por ahí con todas esas putas armas?/Simplemente les digo que es porque no quiero morir»).
‘Beat the Odds’ tiene un estribillo pegadizo y una base que no molesta, pero donde brilla de verdad es en el videoclip que le acompaña. Al más puro estilo Kanye en ‘Through The Wire’, Lil Tjay produce limonada con los limones que le ha dado la vida y abre el vídeo con fragmentos de la llamada a emergencias del día del tiroteo. Cuando comienza la canción de verdad podemos observar a un Lil Tjay tumbado en una camilla y conectado a un respirador de oxígeno. En otras tomas, podemos ver al joven rapero escribiendo la letra del tema en su habitación del hospital o los primeros pasos tras su recuperación («Recibí siete tiros, no hay vergüenza»). Al final del clip, un mensaje: «I’m back».
Una nueva entrega de los Video Music Awards de MTV y parece obligatorio soltar la retahíla de chascarrillos «ya no es lo que era», «antes eran mejores» y demás, habituales desde hace demasiados años. La cadena se lo curra para que así sea. Pese a las malas críticas, los bajos índices de audiencia y el escaso impacto social, no mueve una sola ficha. Continúa apostando por la estructura viejuna, una pésima calidad de sonido, los eternos descansos, los aburridísimos teasers de lo que queda por venir (por no hablar de que anunciaron a Lizzo cuando ya había salido), la censura en los tiempos en que vemos de todo en internet y escuchamos de todo en el pop, y la falta absoluta de sorpresa.
Se echó mucho de menos sobre el escenario a los dos grandes protagonistas de la música internacional de este año, Harry Styles y Beyoncé. Además, si en otro momento, estos premios celebrados en agosto eran la antesala de lo que escucharíamos en el Q4 (el otoño, el cuatrimestre más suculento en cuanto a novedades musicales), hoy en día parece que la ceremonia no tiene el suficiente caché para que se estrene un single en vivo. Rihanna no ha utilizado los VMA’s para su esperado comeback. Y Taylor Swift, que sí anunció disco cuando recogió el galardón a Vídeo del Año por ‘All Two Well‘, no presentó el single aquí. Eso lo deja para mejor ocasión.
Hay que elogiar que la MTV estadounidense haya acogido actuaciones de artistas de diversos países y continentes, aunque algunos no hayan aprovechado demasiado bien la ocasión. Las surcoreanas Blackpink realizaron una presentación sosísima de ‘Pink Venom’ que no habría pasado de semifinales en Eurovisión. Era la primera vez que alguien de Brasil ganaba un VMA frente a la audiencia millonaria y además actuaba, pero Anitta apostó por un playback de ‘Envolver’ exento de toda garra. Menos pirámide de escaleras suicida, menos twerking en 2022 y más voz en vivo, aunque fuera desafinada, le habrían insuflado algo de vida. Por su parte, J Balvin y Ryan Castro recrearon una muñeca gigante haciendo más twerking, que lo único que lograba era que te preguntaras dónde estaba metida Nicki Minaj: se suponía que iba a presentar la gala, pero tardó 2 horas y 10 minutos en salir a introducir algo.
Un pelín antes llegó, eso sí, su medley, tibio, con altibajos, con casi una decena de canciones y mucho atrezo en rosa, pero sin el tiempo ni las ideas necesarios para conectarlas con un mínimo de sentido narrativo. ¿Cómo puede ser que ‘Anaconda’ fuera tal bajona? A este paso, nunca la invitarán a la Super Bowl.
Con todo, tanto la actuación de Nicki Minaj como la noche en general dejaron algunos momentos dignos de ser recordados o analizados. Precisamente Taylor Swift, gran protagonista de la velada, protagonizó uno de los más divertidos cuando fue vista rapeando ‘Super Bass’ o alentando a la gente a levantarse a aplaudir a Nicki. Y Taylor Swift animando a Nicki Minaj no es lo que habríamos esperado ver en los VMA’s de 2015, cuando ambas tuvieron un beef cuando la rapera estaba enfadadísima por el ninguneo de los premios a ‘Anaconda’. Mención especial para el aliento que Taylor tuvo para otros artistas: también la vimos cantando esa canción de Lizzo que parece de Metronomy, ‘2 Be Loved‘.
Entre las actuaciones destacadas, hay que admitir que la apertura de Jack Harlow con la excelente ‘First Class’ fue bastante apañada. No solo porque Fergie apareciera por allí por sorpresa para interpretar ‘Glamorous’, ni más ni menos que la grabación que sampleaba ‘First Class’, sino porque, valiéndose del nombre de la canción, Harlow empezó como tripulante de un avión. Y en ese avión, los pasajeros eran gente como Saucy Santana, Avril Lavigne y su colega Lil Nas X.
Muy comentado en redes ha sido el beso bisexual de Bad Bunny durante la presentación de ‘Tití me preguntó‘ desde el Estadio de los Yankees. Benito se hizo con el premio a Mejor Artista del Año, su discurso fue en castellano, porque en castellano lleva semanas liderando la lista del Billboard 200 y lo que se vio durante su show es lo que sabe hacer frente a decenas de miles de personas. Y una de ellas es provocar, desconozco si homenajeando el icónico beso en los premios de Madonna a Christina Aguilera y Britney Spears. En el momento en que la letra del tema dice “yo quisiera enamorarme pero no puedo”, Bad Bunny besó a una de sus bailarinas y luego, a otro de sus bailarines. Se confirma así su implicación con la causa LGTB+, como ya probó por ejemplo en el show de Jimmy Fallon, donde portó una camiseta «mataron a Alexa, no a un hombre con falda».
Entre un sinfín de actuaciones sin imaginación, rutinarias, casi improvisadas durante la semana o sin el casi, hay que agradecer que por lo menos Enimem y Snoop Dogg inventaran algo diferente ad hoc, haciendo uso de la tecnología. Se había anunciado una actuación tipo «metaverso» y lo cierto es que gran parte de la presentación de ‘From the D 2 the LBC’ fue animada, protagonizada en verdad por sus avatars. Para quien desconfíe de que ambos estuvieran realmente en Nueva Jersey, tanto el principio como el final de la actuación fue convencional.
Sin que el rock termine de experimentar un revival tan relevante como el que adivinábamos cuando lo de Måneskin, los grupos de guitarras fueron de lo mejor de la noche. Måneskin copan todos los titulares porque MTV decidió censurar su actuación. No voy a calificar tal fiasco como «momentazo», pero la realización prefirió enfocar a la nada durante unos interminables segundos, que un pezón que su bajista había decidido dejar al descubierto. Red Hot Chili Peppers hicieron un popurrí de 2 temas y recogieron un par de premios emocionadísimos, diría que con Chad Smith en un momento al borde de las lágrimas; y Panic At the Disco realizaron una actuación preciosa para cerrar. En medio de todo el artificio, el twerking casi una década tarde y el intento en vano por parecer modernos y actualizados con un par de menciones a Tik Tok, su interpretación cincuentera y cinematográfica de ‘Don’t Let the Light Go Out’ supo a gloria.
Como si supiera que la noche de los VMA’s de MTV iba a ser su noche, Taylor Swift tenía un as guardado debajo de la manga. La artista, que se ha hecho con el premio a Vídeo del Año por la versión de 10 minutos de ‘All Too Well’, ha aprovechado para anunciar nuevo álbum.
Se llamará ‘Midnights’ y llegará el 21 de octubre, apenas 2 años después de sus últimos álbumes de estudio totalmente nuevos, ‘folklore‘ y ‘evermore‘, aún presentes en muchas listas internacionales de lo más vendido en todo el mundo. De momento no se ha compartido ni el single ni los títulos de las canciones, pero eso debería suceder muy pronto teniendo en cuenta que quedan menos de 2 meses para el lanzamiento del largo.
El álbum se llama «Medianoches» porque recoge las historias de 13 noches de insomnio y se trata de una colección de música escrita a mitad de la noche, en concreto de un «viaje a través del terror y de los dulces sueños». Dice en Instagram que ese momento del día es el «suelo sobre el que caminamos y los demonios a que nos enfrentamos». Con este lanzamiento espera que todos nos encontremos a nosotros mismos y nos lo dedica: «Para todos los que dimos vueltas y vueltas y decidimos mantener las linternas encendidas e ir a buscar, con la esperanza de que tal vez, cuando el reloj dé las doce… nos encontremos».
Taylor Swift se ha proclamado la gran ganadora de los VMA’s de 2022 al hacerse con varios premios por su vídeo de 10 minutos para la nueva versión de ‘All Too Well’. Como parte de la regrabación de todo su catálogo al haber perdido los derechos del mismo, la nueva grabación de ‘All Too Well’ para la versión de Taylor de ‘Red’ se promocionaba con un corto de 10 minutos. Aparte del Mejor Vídeo del Año, también ha ganado el Mejor Vídeo de Formato Largo o la Mejor Dirección. Además, es la tercera vez que se hace con el premio a Vídeo del Año, tras haberlo conseguido con ‘Bad Blood’ y ‘You Need to Calm Down’, lo cual constituye un récord.
Otro gran protagonista ha sido Jack Harlow, que además de abrir la ceremonia junto a Fergie, y co-presentarla, se ha llevado hasta 4 premios. Entre ellos, Mejor Colaboración y Mejor Canción del Verano. 3 de ellos, eso sí, son compartidos con Lil Nas X por su colaboración con él, ‘Industry Baby’. Para esta última ha sido el reconocimiento a Mejor Dirección de Arte y Mejores Efectos Especiales.
En cambio, los mejores artistas en disco, canción, etcétera han sido otros. Los galardones han estado más repartidos. Bad Bunny -que ha interpretado ‘Titi me preguntó’ en la ceremonia, con beso gay incluido- ha sido el Mejor Artista del Año, Billie Eilish ha hecho la Canción del Año por ‘Happier Than Ever‘ y Harry Styles ha entregado el Disco del Año por ‘Harry’s House‘. Rosalía ha podido arañar uno de los premios técnicos, el de Mejor Edición por ‘Saoko’.
En cuanto a actuaciones, se ha podido ver a Lizzo, Red Hot Chili Peppers, Måneskin, Blackpink, J Balvin, Fergie con Jack Harlow, Anitta, una curiosa actuación de Eminem…
Muchas de ellas ya se están compartiendo en Youtube, aunque aún no es el caso del popurrí de hits de Nicki Minaj. Os dejamos con los vídeos disponibles de manera oficial y con el palmarés.
Vídeo del año
Doja Cat – “Woman”
Drake ft. Future & Young Thug – “Way 2 Sexy”
Ed Sheeran – “Shivers”
Harry Styles – “As It Was”
Lil Nas X, Jack Harlow – “Industry Baby”
Olivia Rodrigo – “brutal” Taylor Swift – “All Too Well (10 Minute Version) (Taylor’s Version)” – GANADORA
Artista del año Bad Bunny – GANADOR
Drake
Ed Sheeran
Harry Styles
Jack Harlow
Lil Nas X
Lizzo
Canción del año
Adele – “Easy on Me” Billie Eilish – “Happier Than Ever” – GANADORA
Doja Cat – “Woman”
Elton John & Dua Lipa – “Cold Heart (PNAU Remix)”
Lizzo – “About Damn Time”
The Kid LAROI & Justin Bieber – “Stay”
Mejor álbum Harry Styles – Harry’s House – GANADOR
Adele – 30
Bad Bunny – Un Verano Sin Ti
Billie Eilish – Happier Than Ever
Drake – Certified Lover Boy
Mejor video de formato largo Taylor Swift – “All Too Well (10 Minute Version) (Taylor’s Version)” – GANADORA
Billie Eilish – “Happier Than Ever: A Love Letter to Los Angeles”
Foo Fighters – “Studio 666″
Kacey Musgraves – “star-crossed”
Madonna – “Madame X”
Olivia Rodrigo – “driving home 2 u”
Mejor colaboración Lil Nas X, Jack Harlow – “INDUSTRY BABY” – GANADOR
Drake ft. Future & Young Thug – “Way 2 Sexy”
Elton John & Dua Lipa – “Cold Heart (PNAU Remix)”
Megan Thee Stallion & Dua Lipa – “Sweetest Pie”
Post Malone & The Weeknd – “One Right Now”
ROSALÍA ft. The Weeknd – “LA FAMA”
The Kid LAROI & Justin Bieber – “STAY”
Presentación push del año
Septiembre 2021: Griff – “One Night”
Octubre 2021: Remi Wolf – “Sexy Villain”
Noviembre 2021: Nessa Barrett – “i hope ur miserable until ur dead” Diciembre 2021: SEVENTEEN – “Rock With You” – GANADOR
Enero 2022: Mae Muller – “Better Days”
Febrero 2022: GAYLE – “abcdefu”
Marzo 2022: Sheneesa – “R U That”
Abril 2022: Omar Apollo – “Tamagotchi”
Mayo 2022: Wet Leg – “Chaise Longue”
Junio 2022: Muni Long – “Baby Boo”
Julio 2022: Doechii – “Persuasive”
Mejor presentación de metaverso BLACKPINK The Virtual | PUBG – GANADORA
BTS | Minecraft
Charli XCX | Roblox
Justin Bieber – An Interactive Virtual Experience | Wave
Rift Tour ft. Ariana Grande | Fortnite
Twenty One Pilots Concert Experience | Roblox
Mejor vídeo alternativo Måneskin – “I WANNA BE YOUR SLAVE” – GANADOR
Avril Lavigne ft. blackbear – “Love It When You Hate Me”
Imagine Dragons x JID – “Enemy”
Machine Gun Kelly ft. WILLOW – “emo girl”
Panic! At The Disco – “Viva Las Vengeance”
Twenty One Pilots – “Saturday”
WILLOW, Avril Lavigne ft. Travis Barker – “G R O W”
Canción del verano Jack Harlow – “First Class” – GANADOR
Bad Bunny and Chencho Corleone – “Me Porto Bonito”
Beyoncé – “Break My Soul”
Charlie Puth (featuring Jungkook) – “Left and Right”
Doja Cat – “Vegas”
Future (featuring Drake and Tems) – “Wait for U”
Harry Styles – “Late Night Talking”
Kane Brown – “Grand”
Latto and Mariah Carey (featuring DJ Khaled) – “Big Energy (Remix)”
Lizzo – “About Damn Time”
Marshmello and Khalid – “Numb”
Nicki Minaj – “Super Freaky Girl”
Nicky Youre and dazy – “Sunroof”
Post Malone (featuring Doja Cat) – “I Like You (A Happier Song)”
Rosalía – “Bizcochito”
Steve Lacy – “Bad Habit”
Mejor artista nuevo
Baby Keem Dove Cameron – GANADORA
GAYLE
Latto
Måneskin
Seventeen
Mejor vídeo pop
Billie Eilish – “Happier Than Ever”
Doja Cat – “Woman”
Ed Sheeran – “Shivers” Harry Styles – “As It Was” – GANADOR
Lizzo – “About Damn Time”
Olivia Rodrigo – “traitor”
Mejor vídeo hip-hop
Eminem & Snoop Dogg – “From The D 2 The LBC”
Future ft. Drake, Tems – “WAIT FOR U”
Kendrick Lamar – “N95″
Latto – “Big Energy” Nicki Minaj ft. Lil Baby – “Do We Have A Problem?” – GANADORA
Pusha T – “Diet Coke”
Mejor vídeo rock
Foo Fighters – “Love Dies Young”
Jack White – “Taking Me Back”
Muse – “Won’t Stand Down” Red Hot Chili Peppers – “Black Summer” – GANADOR
Shinedown – “Planet Zero”
Three Days Grace – “So Called Life”
Mejor vídeo latino Anitta – “Envolver” – GANADORA
Bad Bunny – “Tití Me Preguntó”
Becky G X KAROL G – “MAMIII”
Daddy Yankee – “REMIX”
Farruko – “Pepas”
J Balvin & Skrillex – “In Da Getto”
Mejor vídeo R&B
Alicia Keys – “City of Gods (Part II)”
Chlöe – “Have Mercy”
H.E.R. – “For Anyone”
Normani ft. Cardi B – “Wild Side”
Summer Walker, SZA & Cardi B – “No Love (Extended Version)” The Weeknd – “Out Of Time” – GANADOR
Mejor vídeo K-pop
BTS – “Yet To Come (The Most Beautiful Moment)”
ITZY – “LOCO” LISA – “LALISA” – GANADORA
SEVENTEEN – “HOT”
Stray Kids – “MANIAC”
TWICE – “The Feels”
Vídeo por el bien
Kendrick Lamar – “The Heart Part 5″
Latto – “P*ssy” Lizzo – “About Damn Time” – GANADORA
Rina Sawayama – “This Hell”
Stromae – “Fils de joie”
Mejor fotografía
Baby Keem & Kendrick Lamar – “family ties”
Camila Cabello ft. Ed Sheeran – “Bam Bam” Harry Styles – “As It Was” – GANADOR
Kendrick Lamar – “N95″
Normani ft. Cardi B – “Wild Side”
Taylor Swift – “All Too Well (10 Minute Version) (Taylor’s Version)”
Mejor dirección
Baby Keem & Kendrick Lamar – “family ties”
Billie Eilish – “Happier Than Ever”
Ed Sheeran – “Shivers”
Harry Styles – “As It Was”
Lil Nas X, Jack Harlow – “INDUSTRY BABY” Taylor Swift – “All Too Well (10 Minute Version) (Taylor’s Version)” – GANADORA
Mejor dirección de arte
Adele – “Oh My God”
Doja Cat – “Get Into It (Yuh)”
Drake ft. Future & Young Thug – “Way 2 Sexy”
Kacey Musgraves – “simple times” Lil Nas X, Jack Harlow – “INDUSTRY BABY” – GANADOR
Megan Thee Stallion ft. Dua Lipa – “Sweetest Pie”
Mejores efectos visuales
Billie Eilish – “Happier Than Ever”
Coldplay X BTS – “My Universe”
Kendrick Lamar – “The Heart Part 5″ Lil Nas X, Jack Harlow – “INDUSTRY BABY” – GANADOR
Megan Thee Stallion & Dua Lipa – “Sweetest Pie”
The Kid LAROI & Justin Bieber – “STAY”
Mejor coreografía
BTS – “Permission to Dance” Doja Cat – “Woman” – GANADORA
FKA twigs ft. The Weeknd – “Tears In The Club”
Harry Styles – “As It Was”
Lil Nas X, Jack Harlow – “INDUSTRY BABY”
Normani ft. Cardi B – “Wild Side”
Mejor edición
Baby Keem & Kendrick Lamar – “family ties”
Doja Cat – “Get Into It (Yuh)”
Olivia Rodrigo – “brutal” ROSALÍA – “SAOKO” – GANADORA
Taylor Swift – “All Too Well (10 Minute Version) (Taylor’s Version)”
The Weeknd – “Take My Breath”
Grupo del año
Blackpink BTS – GANADOR
City Girls
Foo Fighters
Imagine Dragons
Måneskin
Red Hot Chili Peppers
Silk Sonic
Steve Lacy ha conseguido este año un inesperado hit con ‘Bad Habit’, uno de los sencillos extraídos de su segundo álbum oficial, ‘Gemini Rights’. El tema ha sido top 1 en Spotify USA, hoy es top 6 en el Billboard, acumula 136 millones de reproducciones en Spotify frente a los 20 millones del siguiente corte más escuchado, ‘Mercury‘… y todo gracias a una estupenda composición de soul, R&B y funk que convierte el estribillo «ojalá hubiera sabido que me querías» en un mantra de calado generacional. Una composición que, además, no contiene ningún «featuring» y que se reserva una sorpresa para el final cuando introduce un beat que parece inspirado en Timbaland.
Para despistados, Steve Lacy es guitarrista y productor de The Internet, banda de R&B y soul nominada a los premios GRAMMY por su álbum de 2017 ‘Ego Death‘, de la que también ha emergido la cantante Syd. Steve ha producido a gente como Kendrick Lamar, Solange, Vampire Weekend o Kali Uchis y ‘Bad Habit’ es, hasta la fecha, el mayor éxito comercial vinculado a la banda de Los Ángeles, pero no es el único atractivo contenido en ‘Gemini Rights’.
Acostumbrado a grabar su música sin la ayuda de un estudio ni de colaboradores externos (su EP de debut lo grabó en un iPod y el siguiente en un ordenador portátil), Steve ha cambiado de método en ‘Gemini Rights’. El álbum ha sido profesionalmente grabado en un estudio, ha contado con colaboradores… y se nota porque suena excelentemente producido. A veces las canciones derivan demasiado en el soul y funk de toda la vida, pero las letras de Steve les dan vidilla, al hablar de su ruptura con un chico al que sigue tan enganchado como su ex a la ketamina, pese a haberle manipulado emocionalmente.
La evolución de Steve se nota en el modo en que proyecta sus melodías, con una confianza inaudita, como sucede en el tema de apertura, ‘Static’, una balada a piano y guitarra co-escrita por John Carroll Kirby (colaborador de Solange) que cautiva. Después, el arrebatado funk plástico de ‘Helmet’ apunta a otro posible hit sonando un poco al mejor Miguel. ‘Mercury’ aporta variedad con sus ritmos afro-latinos, próximos a la bossa, mientras Steve escribe «lo siento» presumiblemente en un mensaje de WhatsApp, a la vez que hace las paces con el hecho de haber dejado a su pareja.
A veces, Steve se pasa haciendo cosplay de Stevie Wonder, como sucede en ‘Buttons’, o de Prince, como ocurre en la slow jam final, ‘Give You the World’, animada con un falsete por el que Prince habría pedido derechos de autor. El disco, aún lleno de alma y calidez, flaquea en su segunda mitad a medida que sus canciones se van difuminando. El vals de ‘2GETHER’ no aporta demasiado como interludio y ‘Cody Freestyle’ divaga en nubes de sintetizador que no van hacia ninguna parte. Eso sí, la segunda mitad de ‘Gemini Rights’ se reserva otro single estupendo, ‘Sunshine’, también muy Stevie (Wonder), pero irresistible en el estribillo celestial de la cantante Foushée.
A quien el público no ha esperado un lustro es a Calvin Harris. Ha pasado demasiado tiempo. El artista que editara una decena de singles de ’18 Months’, llevándolo hasta el triple platino en Reino Unido e incluso al platino en un mercado tan díficil para la EDM como Estados Unidos, pierde fuelle. 
Entre las actuaciones destacadas, hay que admitir que la apertura de Jack Harlow con
