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Tinashe y Jeremih se buscan el punto ‘X’ entre sonidos de Nintendo

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Tinashe publica hoy su nuevo disco ‘333’, el primero desde 2019 y el segundo desde que emprendiera su carrera independiente tras varios arduos años en una multinacional. El disco parte de lo explorado en ‘Songs for You’ pero es probablemente más experimental en tanto coquetea no solo con el R&B, el pop y el synth-pop sino también con el drum ‘n bass (‘Shy Girl’), el rock (‘The Chase’) o directamente con la estructura libre (‘333’).

Tras los adelantos de ‘Pasadena‘ y ‘Bouncin‘, los cuales han sido «Canción Del Día» en las últimas semanas; y ‘I Can See the Future’, en el día de salida del álbum destacamos en la playlist de novedades «Ready for the Weekend» no el tema que ha sido escogido como «focus track» de hoy viernes, un ‘Undo (Back to My Heart)’ que te gustará si te gustó ‘Save Room for Us’, sino ‘X’ con Jeremih. Da para un titular mejor, pero también tiene miga en otros sentidos.

‘X’ es una producción ligera de trap-pop de Hitmaka, Crishan y Mari Bitz que destaca por incorporar soniditos de tipo videojuego de Nintendo. En las estrofas, Tinashe alterna entre el mumble rap y la melodía cantada y surfea la base vocalmente como si le costara lo mismo que respirar (ese «can I feel? can I taste? can I chew?» seguido del «she looks fly, she does it»), mientras Jeremih deja un verso adictivo entre «yeah yeah yeahs» y «beep beeps» en el que nos cuenta que tiene a Tinashe con las «piernas tocando las estrellas».

Queda claro de qué va ‘X’, pero por si hace falta explicarlo, el título alude a ese «punto» de placer que ambos se buscan mutuamente durante un encuentro sexual. Jeremih incluso rapea que quiere «follarle el punto G mientras busca el X» y Tinashe, encantada, se entretiene «sintiendo, «saboreando» y «sorbiendo» de aquí y de allá.

Lo mejor del mes:

Iggy Azalea prepara su tercer álbum y estrena ‘Sex on the Beach’

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Ya está en camino el que será el tercer álbum de estudio de la rapera Iggy Azalea, cuyo nombre será ‘End of an Era’ y que será lanzado el próximo 13 de agosto, menos de dos semanas. Será su primer y puede que último álbum desde 2019 con ‘In My Defense’.

Azalea hizo un primer anuncio a través de su cuenta de Twitter hace casi dos meses con un escueto «mi álbum saldrá en agosto». Al mes siguiente, en julio, llegaría un tema del que se ha hablado tanto para bien como para mal, ‘Iam The Stripclub’, debido a una polémica relacionada con lo que se conoce como «blackfishing», que es una tendencia de algunos artistas «blancos» que muestran que pertenecen a la cultura negra.

Dejando a un lado las polémicas, lo más llamativo es que la rapera también ha confirmado a través de sus redes sociales que este será su último trabajo relacionado con la música hasta después de un tiempo: «Voy a tomar unos años para concentrarme en otros procesos creativos y cosas de las que me siento muy apasionada e inspirada, más allá de la música», escribía en su cuenta de Twitter. Tal vez por eso este nuevo álbum «tan especial» para ella ha recibido este nombre, ‘End of an Era’.

El contenido del disco va estar dividido en cuatro partes de manera cronológica para mostrar en cada una de ellas los diferentes tipos de sonidos y estilos que la artista ha abordado desde sus inicios en la música hasta este final, que podría ser temporal. Escucharemos sonidos electrónicos, convencionales, urbanos… Todo lo que ha mostrado Iggy Azalea desde sus inicios a los 24 años hasta los 31 que cumplió el pasado 7 de junio. De momento ya se puede escuchar otro adelanto, ‘Sex on the Beach’.



RFTW: Liars, Abstract Mindstate, joan, Deafheaven, Pink Siifu…

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Hoy salen nuevos discos de Tinashe, Liars, Abstract Mindstate (producido por Kanye West), Lingua Ignota, Nas o IDER, a los que ya se había sumado el nuevo trabajo de Ty Segall publicado estos días por sorpresa. Hablando de Kanye West, no, ‘DONDA’ no ha salido aún.

En cuanto a singles sueltos, aparte de lo nuevo de The Weeknd, Guns ‘N Roses presentan ‘ABSUЯD’, Natti Nattasha sueña con «Noches en Miami», Black Eyed Peas vuelven con otro posible hit acompañados de Saweetie y Lele Pons; Victoria Mónet sigue presumiendo de elegancia en ‘Coastin’ y Måneskin invitan a Iggy Pop en un remix de ‘I WANNA BE YOUR SLAVE’,

Esta semana ha traído nuevas canciones de Unknown Mortal Orchestra, que hemos destacado en portada como «Canción Del Día»; Purity Ring, Bad Bunny con Aventura, Lady Gaga con Tony Bennett, Duran Duran con CHAI, Holly Humberstone, Tierra Whack, joan, FINNEAS o black midi, todas incluidas en la playlist.

En la playlist de novedades puedes escuchar también nuevos temas de Deafheaven, Mark Ronson con Paul McCartney y Gary Numan, Big Red Machine con Ilsey, Weezer y su versión de Metallica, blackbear, Nation of Language, Ásgeir, The World is a Beautiful Place & I Am No Longer Afraid to Die, The Vaccines, Princesa Alba con Ms. Nina, Public Service Broadcasting, Noga Erez, Fred again.. con Baxter Dury o marmi, entre otros.

The Weeknd se pierde en la tentación… y en el space disco en ‘Take My Breath’

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Al contrario que Kanye West, The Weeknd sí cumple con lo que promete y ha estrenado ‘Take My Breath’, el primer single de su próximo disco (que podría tiularse ‘The Dawn’ a tenor de los posts que está subiendo Abel Tesfaye a redes estos días). Es, por supuesto, el gran lanzamiento internacional de hoy viernes 6 de agosto que puedes escuchar desde ya en nuestra playlist de novedades actualizada.

Sin que a nadie le pueda sorprender en absoluto, ‘Take My Breath’ es una producción a tres manos compartida con Max Martin, Oscar Holter y The Weeknd, es decir, exactamente los responsables de ‘Blinding Lights’, ‘In Your Eyes’ y ‘Save Your Tears’, los mayores éxitos de la era ‘After Hours‘. En la autoría de composición encontramos también a Ahmad Balshe, más conocido como Belly, presente también en los mencionados temas.

Tampoco choca especialmente el sonido de ‘Take My Breath’, que vuelve a apoyarse en el italo disco pero se inclina también en un estilo más cercano al «space disco» de mediados de los 70, con ecos a Donna Summer o a cosas como ‘Time Machine’ de Mathusalen. Eso sí, melódicamente la inspiración parecen haber sido los Bee Gees aunque la perspectiva sea mucho más oscura, pues el tema parece hacer referencia a unas fantasías BDSM, finalmente representadas en el videoclip, en el que Abel y su ligue no resisten la «tentación».

El anuncio de Snickers junto con Aless Gibaja que está lleno de homofobia y plumofobia

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Lo que se anuncia como un chiste o una metáfora inofensiva muestra en realidad un mensaje lleno de homofobia en el que ha participado el influencer Aless Gibaja, que siempre se ha mostrado como un abanderado de los derechos LGTB.

El spot muestra cómo un camarero repasa las consumiciones que han pedido sus clientes y cuando menciona el «sexy zumo de naranja» podemos ver al influencer confirmarlo con ese estilo infantil y extravagante que le caracteriza: «Con vitaminas A, B y C. Abracitos, besitos y caricias». Mientras habla, su compañero de mesa y el camarero intercambian alguna que otra mirada de desconcierto. Entonces, el camarero le mira con gesto serio y con un tono bastante condescendiente y le dice: «ANDA, toma uno de snickers».

Al darle un solo bocado a la barrita, Gibaja se transforma en todo un macho man, de voz grave y sin mariconadas. Y para asegurarse de que se le ha quitado del todo la pluma su acompañante le pregunta: «¿Mejor?», y él responde que sí. ¿Por qué? Porque, según el anuncio, «no eres tú cuando tienes hambre». En otras palabras, cualquier actitud por parte de un hombre que se salga de la masculinidad hegemónica hay que corregirlo para volver a la normalidad.

El perfil oficial de Snickers España en Instagram ha emitido un comunicado hace poco más de una hora en el que piden disculpas por el «malentendido» afirmando lo siguiente: «Nos tomamos los derechos de igualdad e inclusión muy en serio y creemos que cualquier persona tiene el derecho de mostrarse tal y como es». «En ningún momento se ha pretendido estigmatizar ni ofender a ninguna persona ni colectivo. En esta compaña en concreto se buscaba transmitir de una manera simpática y desenfadada que el hambre puede hacer cambiar tu carácter», añadían.

«Se acabó snickers… a comer huesitos», «no les creemos NADA», «arruga un papel y ahora intenta alisarlo. Pues eso», dicen algunos comentarios en la publicación. El anuncio será retirado y, aunque el vídeo ha sido eliminado de YouTube, lo cierto es que ya se ha dejado constancia de lo presente que sigue la homofobia en todos los aspectos de la sociedad y que falta mucha formación al respecto para evitar que cosas así vuelvan a suceder.

Dry Cleaning / New Long Leg

Dentro de la hornada de chicos listos británicos dedicados al post punk/post rock arty, Dry Cleaning se han abierto un hueco considerable, y eso que solo hace tres años que se formaron. También es cierto que ya tenían varios tiros pegados cuando Tom Dowse (guitarra), Lewis Maynard (bajo) y Nick Buxton (batería) pidieron a Florence Shaw (voz y letrista) que se incorporara a la banda. Les faltaba algo. Y ese algo Dowse, antiguo compañero de Florence en la escuela de arte, sabía que solo lo podía aportar ella. Tras dos EP’s en 2019, ‘Sweet Princess’ y ‘Boundary Road Snacks And Drinks’, los fichó el mítico sello 4AD para este primer LP. John Parish está al mando de la producción.

El universo sonoro de Dry Cleaning es fácil de resumir. Las canciones se construyen a través de jams sonoras repletas de riffs de guitarras, líneas de bajo y redobles de batería inscritos en la tradición post punk, la de Gang of Four, Wire o grupos actuales como Squid, aunque Dry Cleaning tienen una línea menos esquizo, más contenida y elegante que estos. Sobre esta base, Florence Walsh desparrama su spoken word.

Es Walsh la que realmente diferencia a Dry Cleaning de todos los demás, de ese panorama de señores vociferantes que domina el subgénero. Su voz es ligeramente grave, rasposa, recuerda a la de Kim Gordon. Su recitado es sincopado y radiofónico, desapegado y desafiante, sosegado y amenazante, monocorde pero expresivo. Sus letras son crípticas y dejan bastante a la interpretación. Parten de fragmentos, muchas veces aparentemente inconexos, que Florence obtiene de imágenes, obras de arte, obsesiones, feminismo, desaires, proclamas… Su formación como ilustradora se abre paso en su imaginario lírico.

Así explicado, todo en Dry Cleaning es sugestivo, todo pinta bien. El problema es que es más excitante sobre el papel que en el disco. ‘New Long Leg’ es demasiado lineal; una retahíla de temas conformados por la misma estructura reiterativa de guitarras poderosas y bases rítmicas post punk con spoken word por encima.

Hay bastante donde rascar, por eso. Cuando abre ‘Scratchcard Lanyard’ sientes un calorcito rico; unos riffs de guitarra y bajo turbulentos y pegadizos, el recitado de Shaw fluyendo, su voz jugando con las palabras, especialmente en los versos “Do everything and feel nothing / Wristband themepark” o dejando imágenes tan poderosas como «A woman in aviators firing a bazooka» (una mujer en cazadora disparando un bazuka). La fanfarria inicial de ‘Unsmart Lady’ recuerda a las de Black Country, New Road o Protomartyr. Aquí los remolinos guitarrísticos apoyan a Florence, que nos va amenazando sin apenas levantar la voz, lanzando eslóganes como “Fat, podgy, no makeup” (gorda, gordinflona, sin maquillar) y los retuerce hasta convertirlos en proclamas feministas, entre wah-wah psicodélicos y rocosos.

En ‘Her Hippo’ destacan los “oh-ah” que Walsh lanza, entre aburrida y sarcástica, en una canción en que canta al hastío de verse atrapada en una relación quemada, que ahoga. ‘New Long Leg’ muestra prácticamente la única vez que Walsh canturrea, esos «dodododo» a los que ella misma se contesta/corrige en una atmósfera que remite al subgénero gótico. En ‘More Big Birds’, el redoble de batería, las voces dobladas, el piano, los tururu que entona Walsh dan un aire extraño, pero fresco.

Pero hacia el final, la acumulación de riffs resultones con Shaw salmodiando hacen mella. La atención se diluye, asoma el aburrimiento. Planea la sensación de que a las canciones les falta algo… O más bien les sobre. Sus EP’s tenían un sonido más crudo, más nueva-olero, mucho más lo-fi y fresco; había algo intangible que dotaba a las canciones de una garra y un alma que aquí no se materializa del todo. Quizás es la producción de John Parish, que hace de esta sucesión de riffs, de líneas de bajo, de la voz de Walsh, algo demasiado impecable, pulco. Quizás sea porque apenas se varía la rutina sonora; esa que se mostraba tan poderosa en los EP’s, pero que, en la larga duración, se revela ardua de seguir.

Duran Duran estrena nuevo sencillo junto a CHAI para su próximo álbum

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La banda británica Duran Duran ha lanzado hace unas horas el segundo sencillo del que será su próximo álbum, esta vez acompañados por el grupo de rock japonés CHAI por decisión del vocalista principal de la banda, Simon Le Bon, que afirmó que con «su energía y puro sentido de la diversión podrían volarte tus oídos».

Después de ‘INIVISIBLE’ el pasado mayo, ahora ha llegado ‘MORE JOY’. Ambos temas formarán parte del decimoquinto álbum de la banda, ‘FUTURE PAST’. «Era una pieza tan inusual que no estábamos seguros de si encajaría al principio», dijo en un comunicado de prensa Nick Rhodes, teclista de Duran Duran, refiriéndose a este nuevo tema. «Me recordó a uno de esos videojuegos japoneses retro», añadía.

No le falta razón, tanto en lo de los videojuegos como en lo inusual de la pieza, pero lo cierto es que este nuevo registro es bastante novedoso y con la presencia de CHAI se hace más animado. Si ves el vídeo que acompaña al tema en YouTube podrás escuchar los 3:39 minutos de la canción viendo de fondo una ciudad muy al estilo de la serie ‘Futurama’, solo faltaba alguna que otra nave sobrevolando la ciudad.

‘FUTURE PAST’ llegará el próximo 22 de octubre. Por parte del grupo CHAI, este es su trabajo más reciente, puesto que su último álbum salió el pasado mayo, ‘WINK’.

‘Hotel California’: un repaso a la música de Laurel Canyon apto para haters

‘Hotel California’ (1976) de Eagles es una de las canciones más famosas de la historia. Y también de las más odiadas. Porque canción y banda son, para muchos aficionados a la música, el epítome del sonido California: de ese rock americano demasiado bien tocado, demasiado blanco. Demasiado impecable, como suelta en un momento determinado de este libro un antiguo colaborador de Linda Ronstadt. Pero reducir el sonido Laurel Canyon a ese topicazo es totalmente injusto. Porque los cañones de California y la utopía soleada que representaban ofrecieron, durante más de una década, un enorme ramillete de artistas imprescindibles, discos fundamentales y canciones monumentales.

Para recoger con la máxima fidelidad posible el génesis, cénit y decadencia de Laurel Canyon, Barney Hoskyns se pasó una década hablando con absolutamente todo el mundo que vivió la escena. Amén de realizar una ingente tarea de hemeroteca, recopilando cientos de entrevistas de la época. Con tan abundante material, Hoskyns crea una historia oral al estilo de ‘Por favor, mátame’ (Gillian McCain Y Legs McNeil). Publicado originalmente el 2005, la editorial Contra lo edita al fin en castellano con una estupenda traducción de Elvira Asensi.

Con un ritmo arrollador, Hoskyns recorre esa geografía mítica: Laurel Canyon, Topanga Canyon, el desierto de Joshua Tree… Lugares en que se forjó un sonido que dominó EE.UU. entre finales de los 60 y mediados de los 70; un sonido que bebía del folk, el country y el rock, espoleado por el masivo éxito de los Beatles. Hoskyns reseña cómo un puñado de idealistas tomaron Laurel Canyon, cerca de Los Ángeles, y nació el mito California, tierra de promisión musical. Desde el disparo de salida, que fueron los éxitos de The Mamas & The Papas y el primer disco de los Byrds y sus antros míticos (el Troubadour principalmente), los protagonistas relatan cómo se creó una comunidad artística, sus alianzas creativas, sus romances, cómo crecieron como artistas, obtuvieron un éxito monstruoso y se ahogaron entre sus propios egos y cocaína.

Hoskyns consigue plasmar el aura que desprendían todos esos chicos y chicas guapos, carismáticos, enormemente talentosos, pero también autodestructivos. Hay triunfos fenomenales (Joni Mitchell, Neil Young) y ángeles caídos (Gram Parsons a la cabeza). La nómina de nombres marea. Por aquí circulan Stephen Stills, David Crosby, Graham Nash, Neil Young, Linda Ronstadt, Joni Mitchell, Jackson Browne, James Taylor, los Eagles, Randy Newman, Tom Waits y un larguísimo etcétera. Pero no sólo da voz a los artistas, sino también a los productores, ejecutivos discográficos, mánagers y A&R que hicieron posible el sueño, antes de tener el dinero como único fino. De Jack Nietzsche (productor) a Elliot Roberts (mánager de Mitchell y Young). Pero si un nombre se erige en protagonista del libro es el de David Geffen, el mitiquísimo capo de Asylum, que ejerce de héroe y de villano. Un tipo encantador y sin escrúpulos que ganó mucho dinero, pero también generó una gran cantidad de sinergia artística.

Pero no solo se dedica a hacer desfilar entrevistados. Hoskyns trenza estupendamente bien la historia, explica el contexto, relata anécdotas, explicita la construcción de discos y lo encaja todo con precisión. El estilo es ágil y vertiginoso, no da tregua. Si estás inmerso en el descubrimiento de Jackson Browne pronto salta a lo que fuera que estuviera haciendo Stephen Stills. A veces va tan rápido que has de frenar y releer, tienes la sensación de que no eres capaz de aprehender todo lo explicado, de que te pierdes en un marasmo de nombres y anécdotas. Pero todo está perfectamente hilvanado.

No todo es vino y rosas. Hoskyns no se anda con paños calientes a la hora de explicar todas las grietas en el paraíso: las adicciones, los asesinatos de la familia Manson que marcaron el fin de la era hippie, las tragedias (muertes por sobredosis, principalmente), el ensimismamiento y engreimiento de unos cantautores imbuidos en hipismo en la superficie, pero indiferentes al mundo exterior, a cualquier aspecto político y social. Hoskyns y los invitados narran cómo pasaron de la camadería al aislamiento, del idealismo a la ostentación, de una música excitante al blando AOR. De cómo una industria discográfica que fomentaba el talento y tenía paciencia para que este floreciera, pasó a preocuparse solo de las cifras de ventas.

Hoskyns también hace especial hincapié en las estrellas femeninas, que no cree suficientemente bien ponderadas. Invierte buena parte de las páginas en dejar bien claro que Joni Mitchell, especialmente con su ‘Blue’ (al que denomina «piedra angular de la época»), Linda Ronstadt, Carole King y otras figuras más desconocidas, como Judee Sill, eran las artistas con más talento del panorama. Y reivindica a “Mama” Cass Elliott como la gran catalizadora del talento del cañón desde el principio.

Lo increíble es que todo lo que explica Hoskyns sucede en diez años. Los que transcurren de 1967 a 1976, que parecen cien. Especialmente el período comprendido entre 1967 y 1970, vertiginoso y ubérrimo musicalmente. Hoskyns conforma un fresco monumental, una epopeya tan fascinante como inabarcable, que entusiasmará incluso a los detractores del soleado sonido de California.

Rihanna ya es la cantante femenina más rica del mundo

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Rihanna se ha convertido en billonaria, lo que significa que es la cantante femenina más rica del mundo y la segunda mujer más rica de la industria del entretenimiento solo por detrás de Oprah Winfrey. La autora de ‘Bitch Better Have My Money’ se una así a un selecto club de músicos billonarios del que forman parte Jay-Z, Kanye West o Andrew Lloyd Webber, entre otros.

Así lo ha comunicado Forbes esta semana en un artículo en el que detalla que la fortuna de Rihanna se estima en cerca de 2 mil millones de dólares. Por supuesto, la música no le ha llevado hasta aquí. La mayor parte de esta cifra pertenece al valor de su empresa de cosmética Fenty Beauty (1,4 mil millones), mientras 270 millones de dólares pertenecen a su también exitosa empresa de ropa interior, Savage x Fenty, y el resto a su trabajo en la música y el cine.

En 2017, un año después de lanzar su último álbum hasta la fecha, ‘Anti‘, Rihanna estrenó su marca de cosmética ‘Fenty Beauty’, que se llegaba a presentar en España con Rihanna de cuerpo presente y que ha sido un enorme éxito en todo el mundo gracias a su filosofía inclusiva y a su variedad de tonos para la piel. Rihanna posee el 50% de Fenty Beauty junto con el conglomerado de productos de lujo LVMH, liderado por otra de las personas más ricas del planeta, Bernard Arnault.

Volviendo a lo que nos interesa, la música, ya hay quien ha advertido que Rihanna tiene un single con dos raperos de enorme fortuna mencionados arriba, Jay-Z y Kanye West. «Esta puede ser la primera vez que tres billonarios aparecen juntos en una canción». La canción en cuestión es ‘Run this Town’, que fue un gran éxito en el año 2009. En cuanto a música nueva de Rihanna, la artista fue vista recientemente rodando un videoclip con A$AP Rocky, mientras su disco de reggae sigue en el horno.

Olivia Dean: a la generación Z también le inspira el sonido Motown

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Olivia Dean es otra de esas cantantes que han estudiado en el famosísimo y selecto BRIT School de Londres, por donde han pasado artistas como Adele, Amy Winehouse o FKA twigs, y que pueden petarlo de la noche a la mañana con el single adecuado publicado en el momento más oportuno. Su último EP’, ‘Growth’, que ha venido presentado por el single ‘Be My Own Boyfriend’, salió el viernes pasado.

La joven cantante y compositora de Walthamstow se dio a conocer en 2018 con su single de debut, el neo-soul de ‘Reason to Stay’ y, desde entonces, se ha asociado a la multinacional Universal y sus singles han obtenido millones de reproducciones en las plataformas de streaming. Sus canciones están apegadas a un tipo de pop-soul que suele triunfar en Reino Unido, pues ‘Echo’ podría ser de Paloma Faith, pero otras como ‘OK Love You Bye’ acusan una evidente influencia del funk y ‘What Am I Gonna Do on Sundays?’ del pop de los años 60 con un toque de trip-hop, mientras ‘Slowly’ es una balada intimista al piano.

La música pop de los 60 inspira especialmente a Olivia, que crece escuchando no solo a Amy Winehouse sino también a la música de Al Green o Aretha Franklin. El sonido Motown es, de hecho, la principal influencia de ‘The Hardest Part’, hasta ahora su mayor éxito hasta la fecha, y esa influencia se plasma también en su videoclip, en el que Olivia y sus coristas interpretan la canción en un típico plató de la época. ‘The Hardest Part’, hoy la Canción Del Día, habla sobre superar una ruptura: «ahora soy una persona que no conocerías, tuviste oportunidad de amarla pero ya no».

Otras canciones de Olivia se nutren de los 60 pero desde una perspectiva más adelantada a esa época, pues ‘Be My Own Boyfriend’ busca el elemento «cheesy» y recubierto de purpurina de los 80. Inspirada por su madre, que forma parte del Partido por la Igualdad de las Mujeres de Reino Unido, Olivia Dean deja en ‘Be My Own Boyfriend’ un mensaje abiertamente feminista y empoderado que aboga por el amor propio: «ya no puedo más, no quiero participar en esto, soy mucho mejor que todos estos hombres, nadie me puede amar a mí como lo hago yo».

La música de Olivia puede hacerse un hueco en un panorama musical no tan poblado por artistas que presentan un sonido marcadamente retro y «british». Sin que Adele se dedica a sacar disco y con la mencionada Paloma en horas bajas, y lo mismo se puede decir de Sam Smith, solo Celeste parece haber cogido el testigo de este sonido. Y Olivia tiene promesa de sobra para dar que hablar en los próximos meses.







Revelación o Timo:

Lo mejor del mes:

Alison Darwin también postulan para futura banda de (pop) rock de masas

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Alison Darwin es un grupo de pop-rock de Barcelona compuesto por Laura (cantante y guitarrista), Aleix (bajista) y Josep (batería y corista). Este año, el trío ha lanzado su primer disco oficial ‘Ficción y realidad’ a través de Atomic Records, y tras darse a conocer en los últimos tiempos con un par de epés compuestos por temas interpretados en inglés, ‘Find Your Freedom’ (2019) y ‘Meaningless Sounds’ (2020).

Fundado por Laura y Aleix, que previamente tocaban en otras bandas, el grupo se convirtió en lo que es hoy cuando estos conocieron a Josep en un open mic acústico. Sus gustos musicales compartidos hicieron el resto y no hay que ser lince para darse cuenta de que la música anglosajona influye a la banda: desde su mismo nombre hasta el hecho de que su primer material estuviera cantado en inglés, queda claro que el pop-rock americano y británico forma la base de sus canciones.

El trío cita entre sus influencias a Muse, Radiohead o Twenty One Pilots y también a Vetusta Morla, Zahara, Paco de Lucía, Anni B Sweet, Daft Punk o Love of Lesbian, pero la música de Alison Darwin y, en especial, la de ‘Ficción y realidad’ no es en absoluto ese mejunje de estilos impenetrable que manda en el siglo XXI. Voz, guitarra, bajo y batería componen el esqueleto de unas canciones que no tienen miedo a sonar lo más melódicas posible y que, como las de sus compañeros Plan Marmota en la comunidad musical Acqustic, parecen hechas en realidad para sonar en las emisoras comerciales.

Es posible percibir algún toque garajero en pistas como ‘Conspiranoia’, mientras la trotona ‘Monos de feria’ sí nos lleva a alguna verbena de Estados Unidos y las guitarras de la balada ‘Miradas afiladas’ recuerdan a Muse o similares. Pero la melodía de ‘Todo se derrumba’ es heroica como las de Vetusta Morla y los guitarreros singles de ‘Ficción y realidad’ apuntan a un pop-rock bastante noventero en el sentido comercial del término, especialmente ‘Gravedad’ pero también ‘Danza macabra’.


FINNEAS, amor en tiempos de pandemia

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Cuando aún estamos digiriendo el nuevo álbum de Billie Eilish, el Disco de la Semana en estas páginas, su hermano y productor FINNEAS anuncia que su primer disco oficial verá la luz el 15 de octubre bajo el título de ‘Optimist’. El tracklist incluye el single ‘What They’ll Say About Us’ (parece que FINNEAS finalmente sí ha decidido incluirlo) y un nuevo single de título rabiosamente actual.

‘A Concert Six Months From Now’ es una canción de amor situada en el contexto de la pandemia. FINNEAS busca volver con su ex y se le ocurre llevarla a un concierto aunque esté a seis meses vista: «tu banda favorita vuelve a la carretera, y este otoño tocan en el Hollywood bowl, ya he comprado dos entradas para su concierto, supongo que soy un optimista».

El resto de la grabación da vueltas sobre la idea de ese reencuentro romántico que no deja a FINNEAS dormir por las noches. El artista reflexiona que «nunca se nos dio bien ser amigos» y anticipa el día en que él y su persona amada vuelvan «porque estoy harto de ser tu ex». Al final le propone: «¿te puedo llevar a un concierto a seis meses vista?»

Si la historia de ‘A Concert Six Months From Now’ es, en realidad, de las clásicas, hasta el punto de estar compuesta en un sentido circular, su sonido se debate entre el pop de cantautor de los años 70 y el pop-rock de toda la vida. No hay señales del ambicioso productor que trabaja con Billie Eilish, más bien el de un artista que prefiere permanecer a un lado, aunque el nuevo vídeo de James Blake lo retrate de manera contraria.

01 A Concert Six Months From Now
02 The Kids Are All Dying
03 Happy Now
04 Only a Lifetime
05 The 90s
06 Love Is Pain
07 Peaches Etude
08 Hurt Locker
09 Medieval
10 Someone Else’s Star
11 Around My Neck
12 What They’ll Say About Us
13 How It Ends

Billie Eilish / Happier than Ever

album del año

Si algo bueno ha sacado la gente de la pandemia es tiempo para explorar hobbies olvidados o crear. ‘Happier than Ever’, el segundo disco de Billie Eilish, no tendría que haber llegado a nuestras manos tan pronto: Billie se enfrentaba a una macrogira mundial a principios de 2020 cuando el mundo se paró. Confinados a la fuerza, como todo el mundo, ella y su hermano FINNEAS se pusieron a escribir sin parar y de ese brote de inspiración nacieron las canciones de este trabajo, que nos presenta a una nueva Billie ya en julio de 2020, cuando es lanzada ‘my future‘, exactamente un año antes.

El neo-soul de ‘my future’ contrasta con los sonidos macabros del debut de Billie, un trabajo oscuro y tétrico sobre las pesadillas y las parálisis del sueño -entre otras cosas- cuyo sonido quizá no daba para más en una segunda entrega. En ‘Happier than Ever’, Billie expone un mundo igual de turbio que el del anterior pero desde una estética más amable y soft, más engañosa y espeluznante, inspirada en el glamour del Hollywood clásico. En la portada anuncia que es más «feliz que nunca» pero aparece llorando y las imágenes promocionales la muestran como una especie de ídolo adolescente de los años 50 con la mirada muerta. En ‘Happier than Ever’ se dan este tipo de contrastes varias veces a lo largo de la secuencia, empezando por el tema titular.

‘Happier than Ever’ empieza como una balada cuqui al ukulele, pero en realidad nos habla de una relación tóxica desde el punto de vista de una chica dolida que sentencia: «no me identifico contigo, yo nunca me trataría a mí misma de una manera tan asquerosa». El tema, como ya sabe todo el mundo, evoluciona hacia una segunda mitad rockera, pero si esta sorprende no es por su mera existencia -aunque también- sino por el nivel de distorsión que Billie y FINNEAS se muestran dispuestos a alcanzar en ella. Les da absolutamente igual asustar al personal porque de lo cuqui pasamos a un noise-rock que ríete tú Low o similares. No tantas veces se escuchan canciones de este tipo en el segundo disco de una persona tan joven como Billie, que tiene 19 años, pero la artista ya ha demostrado que la madurez le viene de serie.

Esta misma madurez sostiene unas canciones que cautivan por lo introspectivo de sus letras tanto como por lo arriesgado de sus producciones. En ‘Happier than Ever’, Billie canta sobre «hacerse mayor» bajo los focos desde varios puntos de vista, por ejemplo, desde la gratitud en la hipnótica pista de apertura, ‘Getting Older’, que juega con el contraste entre la densidad de su base tipo «wobble» con el hilillo de voz de Billie, tan cercano como un secreto, y en la que nos deja una de las frases del año («las cosas que antes disfrutaba ahora solo me mantienen empleada»); pero también desde el hastío en ‘OverHeated’, una producción de R&B alternativo que suena en realidad como un intento por replicar la magia del ‘Futuresexx/LoveSounds’ de Justin Timberlake sin demasiado éxito.

Un detalle que impide a ‘Happier than Ever’ ser esa gran obra que podría haber sido es su secuencia. El álbum arranca con un verdadero trío de ases como son la mencionada ‘Getting Older’, la macarra ‘I Didn’t Change My Number’, cuya contundente producción hip-hop suena como la Amy Winehouse de ‘Frank’ producida por Björk, y la anhelante ‘Billie Bossa Nova‘, todo un ejercicio de melancolía y sensualidad inédito en la discografía de Billie. Sin embargo, la inclusión en ‘Happier than Ever’ de singles previos como ‘my future’ o, sobre todo, ‘Therefore I Am‘, que suena demasiado a la «antigua Billie», lastran un trabajo cuya secuencia podría haber sido más estilizada y cohesiva. ‘Oxytocin’ es un trallazo pero su espíritu tecno suena un poco forzado (el tema ha sido escrito específicamente para el directo); la balada ‘Everybody Dies’ no es la más conseguida pese a hablar sobre lo reconfortante de la muerte y el interludio de ‘Not My Responsibility’ funciona mejor en el contexto de una gira que en la de este disco: es puro relleno.

En el resto del álbum, Billie intenta unificar unas canciones bastante distintas entre sí. A veces lo consigue y otras no. Nadie diría que el funk minimalista de ‘Lost Cause‘, todo un «grower» que se crece escuchado bajo el calor del sol, con esa voz mezclada lo más cerca posible de tus oídos; y la estampida dark-pop de ‘NDA‘ pertenecen al mismo disco, pero lo hacen, y aunque son dos canciones excelentes, parecen de su madre y de su padre. Más integrada suenan las baladas o medios tiempos: ‘GOLDWING’ empieza recitando con voces angelicales un texto religioso hindú para después irse por donde le da la gana; la preciosa ‘Halley’s Comet’ presenta un sonido de soul romántico pero perturbado que Billie haría bien en explorar en el futuro; y la folki ‘Your Power‘ es la balada más madura que ha escrito.

Acompañada por poco más que una guitarra acústica, ‘Your Power’ nos vuelve a hablar de una relación tóxica. Billie cuenta su experiencia con un chico que «ha abusado de su poder», pero el texto no es autobiográfico y busca que su mensaje sea universal. Gracias a su serena y conmovedora melodía, ‘Your Power’ cala hondo, y Billie cierra el álbum con un corte similar llamado ‘Male Fantasy’ en el que cuestiona el rol de la pornografía en la sexualidad masculina desde el humor, apelando a la terapia. Entre los temas tratados en ‘Happier than Ever’ y sus aventuradas producciones queda claro que el segundo disco de Billie Eilish está hecho para callar bocas, pero sigue sin ser del todo redondo debido a que su secuencia es larga de más. En ese sentido, el debut estaba mejor realizado. Eso sí, como Billie, pocas artistas existen a día de hoy. Es indecible lo que puede ser capaz de hacer en el «futuro» y este disco lo demuestra.

Primer LP de Ty Segall desde hace dos años, ‘Harmonizer’

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El cantante californiano Ty Segall ha lanzado un nuevo álbum sorpresa, ‘Harmonizer’, grabado en los Harmonizer Studios del propio Segall en Topanga, California, y con la mezcla y coproducción de Cooper Crain.

Salió hace tan solo un día y es el primer LP del artista desde que publicara en 2019 ‘First Date’, curiosamente también en el mes de agosto. «Lo que pasa con las puertas cerradas es que necesitan abrirse de nuevo, pase lo que pase (…). Esa es la esencia de ‘Harmonizer'». Así se describe este nuevo proyecto según un comunicado de prensa del álbum.

‘Harmonizer’ se ha lanzado a través de plataformas en streaming como Spotify, el formato físico estará disponible a partir del próximo mes de octubre mediante la compañía discográfica independiente Drag City. El LP cuenta con la voz de la esposa de Segall, Denée Segall, en una de sus pistas, ‘Feel Good, quien también contribuyó con la letra y con la carátula del álbum. También cuenta con la colaboración de los miembros de The Freedom Band (el bajista Mikal Cronin, el baterista y percusionista Charles Moothart, el guitarrista Emmet Kelly y el pianista Ben Boye).

Este es el tracklist completo de ‘Harmonizer’:

  1. Learning
  2. Whisper
  3. Erased
  4. Harmonizer
  5. Pictures
  6. Ride
  7. Waxman
  8. Play
  9. Feel Good
  10. Changing Contours

The Weeknd saca nuevo single este viernes, ‘Take My Breath’

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The Weeknd no se ha ido de vacaciones después de arrasar con ‘Blinding Lights’, la canción más exitosa de 2020; o últimamente con ‘Save Your Tears’ y ha confirmado que tiene listo un nuevo álbum que debería ver la luz en los próximos meses. «¿Qué creéis que he estado haciendo todo este tiempo?», tuiteó recientemente, para después aclarar: «es una obra completa». En Twitter, Abel Tesfaye no se ha cansado de repetir o retuitear en las últimas semanas la frase «THE DAWN IS COMING», de lo que se deduce que el nuevo disco de Abel Tesfaye llevará por título ‘The Dawn’ y que que será una continuación directa de ‘After Hours‘. De la madrugada pasamos al alba.

Finalmente, The Weeknd ha confirmado que su nuevo single ‘Take My Breath’ sale este viernes 6 de agosto, parece que con las Olimpiadas de Tokio como telón de fondo. Antes compartía un generoso adelanto de 1 minuto y 40 minutos de duración que daba una idea más que amplia de por dónde irán los tiros esta vez, que, en este caso, apuntan a los arpeggios clásicos de Giorgio Moroder pero también a los ritmos electrónicos de Justice o sus colaboradores Daft Punk. El avance suena igual de uptempo que ‘Blinding Lights’ pero más contundente y discotequero. Incluso deja cierto regusto a los Chemical Brothers.

En una entrevista con GQ se dan detalles sobre la nueva música que prepara The Weeknd. Según la revista suena discotequera, bailable, presenta un «rollo disco pero no anacrónico» y lo describe como una mezcla entre «Quincy Jones, Giorgio Moroder y la mejor puta fiesta a la que has ido en tu vida». Tesfaye ha dicho que el disco que está a punto de sacar es el que «siempre ha querido hacer».

Sin que se conozcan más detalles sobre este nuevo trabajo de The Weeknd, parece que Oneohtrix Point Never vuelve a estar involucrado en el proyecto, como dejó entrever el canadiense cuando publicó una foto de Daniel Lopatin en sus stories. No es descabellado pensar que Max Martin también ha vuelto a trabajar con The Weeknd después de producir los mayores éxitos de ‘After Hours’.

Dado que la gira de The Weeknd no empieza hasta 2022, y no llega a España hasta octubre de ese año, el artista no ha dejado pasar la oportunidad de crear un nuevo disco con el que seguir engrandeciendo la leyenda de este ‘After Hours’ que tantas alegrías le ha dado y que es, salvo sorpresa de última hora, el mejor disco de su carrera, hasta el punto que podría haber siguiéndolo exprimiéndolo más si hubiera querido. Pero ya pasa página.

 

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Dizzee Rascal ha sido acusado de agresión en Londres

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El rapero Dylan Kwabena Mills, más conocido como Dizzee Rascal, ha sido acusado de agresión tras un incidente ocurrido el pasado 8 de junio que dejó a una mujer con heridas leves.

Según informan otros medios como ‘The Guardian’, en el incidente intervino la Policía Metropolitana de Londres y declaró lo siguiente en un breve comunicado: «Dylan Mills, de 36 años, de Sevenoaks, Kent, ha sido acusado de agresión después de un incidente en una dirección residencial en Streatham el 8 de junio». El comunicado también informaba de que tuvieron que asistir varios agentes al incidente y de que, aunque la mujer no tuvo que ser hospitalizada, acabó con heridas leves.

En este momento, Mills se encuentra en libertad bajo fianza y se espera que comparezca en el Tribunal de Magistrados de Croydon, en el sur de Londres, el próximo 3 de septiembre, según informa ‘Pitchfork’.

A pesar del incidente, de las acusaciones y de la futura comparecencia ante el tribunal de primera instancia, la agenda del rapero continuará este verano con las actuaciones que tiene programadas para el mes de agosto, ya que está en la lista de algunos festivales de música en Londres, como el South Facing Festival el próximo 14 de agosto. Foto: Instagram.

Shawn Mendes está en España, ¿nuevo videoclip en camino?

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El cantante y compositor canadiense está de paso por nuestro país, así lo ha mostrado a través de unas fotografías publicadas en su perfil de Instagram. Podría tratarse de unas vacaciones, pero también de asuntos de trabajo relacionados con un nuevo rodaje.

Apoyado y también sentado en el capó de un coche de modelo antiguo con matrícula española y con una banderita de España en la descripción del post, no hacían falta más pistas para adivinar la ubicación del artista. «COMO QUE ESPAÑA», «SHAWN EN ESPAÑA QUEEEE», dicen algunos comentarios de dicha publicación.

Las teorías de sus fans no se han hecho esperar. Algunos piensan que se trata del rodaje  de un nuevo videoclip, pero otros muchos piensan que no es casualidad ya que su compañero de remix, Camilo, también ha estado en el país las últimas semanas en su gira ‘Mis Manos Tour’.

Shawn Mendes y Camilo sorprendieron hace dos semanas con el remix en inglés y en castellano de ‘KESI’, tema original de Camilo, y esa es la otra cara de las teorías de sus fans, ya que han teorizado que la visita de Shawn a España podría ser por el rodaje de dicho tema. Pero todavía no hay nada confirmado, lo único que es 100% es que Shawn Mendes está en nuestro país y que puede estar preparando algo.

Sesión de Control: Rojuu, Silvana Estrada, Kora, Eterna Joventut, Okamiluke…

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Renovamos nuestra playlist de música nacional y escrita en castellano quincenal «Sesión de Control». Comenzamos con ‘De ti’, la colaboración sorpresa de Sen Senra y Julieta Venegas que hemos comentado en portada. Le sigue la sorprendente reinvención de Medianoche (antes Salfumán) en ‘Pobrecito corazón’, que comentaremos próximamente en profundidad; la colaboración PC Music de La Zowi de la mano de Namasenda en ‘Demonic’ y el segundo adelanto del nuevo disco de La Plata, que promete.

Entre los artistas que han pasado recientemente por portada por alguna razón u otra, The Zephyr Bones vuelven tras varios años con un single bailable, ‘Verneda Lights’; ghouljaboy publica probablemente su canción más pop hasta la fecha con ‘amor liminal’, Ganges suman otro acierto con los ritmos caribeños y atmosféricos de ‘Bailando lento’, bonitx continúa en una nube en ‘la señal’ con julia amor y Leïti Sene, que acaba de llegar a la lista de álbumes con ‘JÖM’, se postula como nueva promesa del pop urbano nacional con cortes como ‘Tantra’ con iseekarlo.

La música hecha en castellano que ha aterrizado en las últimas semanas ha vuelto a estar salpicada de tradición con ‘Nada es verdad’ de Natalia Lafourcade y Los Cojolitos, ‘Marchita’ de Silvana Estrada, que no es una versión aunque lo parezca; la cumbia industrial de ‘Cumbia de las floreces quemadas’ de Penélope (esto era posible) o la cumbia casi igual de macarra de ‘En mi ataúd’ de Los Chvnco.

En cuanto a las guitarras, estas por supuesto no se han ido a ninguna parte. Morreo han presentado un sofocante tema «quemado por el sol», Rojuu uno casi igual de emo que su título, ‘¿Cuánto tiempo nos queda?’; Chloral han sorprendido con una versión shoegaze-pop de ‘Las de la intuición’ de Shakira. Por estos parámetros se mueve también el sonido de Martes Niebla y su ‘Helsinki I’, mientras ‘Frente al mar’ de Eterna Joventut es más surfera y el disco de los vascos Silitia, del que destacamos ‘Eszeptikoa’, más post-punk.

Y en un plano más atmosférico y sintetizado que no pase inadvertido tampoco el pepinazo electro-house de Rakky Ripper con LVL1 en ‘LVCKY’, el dream-pop de ‘Como si nada’ de Kora, el downtempo autotuneado de ZORRA y Soledad Vélez en ‘Míralo x el lado bueno’, el dancehall atmosférico con toques arábigos de ‘Angelito negro’ de Okamiluke, la mimada producción de ‘What If I Told You’ de Juan Rios o el indie-pop ensoñador de ‘Green’ de Matte/Glossy.

Completamos la playlist con dos novedades urbanas, ‘Singstar’ de María Escarmiento y ‘Kasei’ de Sticky M.A., así como el pop cumbiero de ‘Nos vemos luego’ de Colectivo da Silva y dani, el bedroom-pop de ‘Como yo te quiero’ de Dromedario Mágico y Casero y el soft-pop de ‘Cap a tu’ de El Petit de Cal Eril.

Unknown Mortal Orchestra lo goza en su propio «Jardín de las delicias»

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Unknown Mortal Orchestra, el grupo de indie-pop neozelandés liderado por Ruban Nielson, ha vuelto este año con un single llamado ‘Weekend Run’, al que esta semana ha dado continuación con ‘That Life’. Son los dos primeros temas nuevos de Unknown Mortal Orchestra desde que lanzara su disco ‘Sex & Food‘ en 2018, un trabajo que pudo no ser el mejor de su carrera pero que será recordado para siempre gracias al éxito, creciente y continuado en el tiempo, de ‘Hunnybee’, que suma a día de hoy 82 millones de reproducciones en Spotify.

A espera de que se conozcan detalles sobre un nuevo trabajo largo de Unknown Mortal Orchestra, ‘That Life’ es otro acierto que sumar a su repertorio de singles. Otro corte de indie-pop adictivo, enturbiado con la distorsión y suciedad justas, es decir, 100% Unknown Mortal Orchestra, en el que destaca un estribillo simple pero resultón de los que se quedan pegados a la primera.

‘That Life’ es un tema dedicado al hedonismo, inspirado nada menos que en el ‘Jardín de las delicias’ de El Bosco pero llevado a las viñetas contemporáneas de ‘¿Dónde está Wally’? (palabras del autor), en el que Nielson ha querido retratar «esa mezcla perversa de lujuria, ensueño y condenación» que se aprecia en dicha obra pero dentro del contexto «del paisaje de Estados Unidos». En ‘That Life’, Nielsen imagina unas «vacaciones iluminadas por el sol de la venganza»

El tema es ligero como la pluma, como sus pasajes en los que se menciona a gente bañándose en la piscina, bajo el atardecer o las palmeras, pero lo suficientemente macarra como para dibujar escenas explícitas de gente dándole a la coca o al alcohol, provocando escenas tan escandalosas que los «vecinos van a llamar a la policía». El mundo de ‘That Life’ presenta una «belleza mórbida» en la que el «asfalto hierve» pero en el que solo parece importar la magia de la noche. Quizá porque el «fin del mundo» se acerca.

El simpático vídeo de ‘That Life’ ha sido creado por Double Solitaire y dirigido por Lydia Fine y Tony Blahd y está protagonizado por una marioneta que baila toda el día y toda la noche, controlado por unos titiriteros muy mal disimulados a propósito.

Lo mejor del mes:

Lady Gaga y Tony Bennett detallan ‘Love for Sale’, comparten single y vuelven al escenario

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Lady Gaga y Tony Bennett publicarán su nuevo disco conjunto el 1 de octubre bajo el título de ‘Love for Sale’. El álbum se compondrá de temas seleccionados de la obra de Cole Porter y estará conformado tanto por duetos entre Gaga y Bennett como por temas interpretados por ellos solos. También será la última grabación que haga en vida Tony Bennett, afectado de Alzheimer, y según informa Vulture. El cantante acaba de cumplir 95 años.

Los detalles de ‘Love for Sale’ descubren que el disco se compondrá de 10 pistas, 12 en la edición de lujo, mientras su portada es el recorte de fotos retro que veis en el post. El primer avance es ‘I Get a Kick Out of You’, una canción estrenada en el musical de Broadway ‘Anything Goes’ en 1934 y después en su adaptación cinematográfica en 1936, y que ha sido versionada cientos de veces, ahora por Gaga y Bennett, antes por Frank Sinatra o Ella Fitzgerald.

Al tiempo que se han revelado los detalles de ‘Love for Sale’, Gaga y Bennett han vuelto al escenario para actuar juntos. Esta noche ha tenido lugar en el Radio City Music Hall de Nueva York el primero de dos conciertos en los que Gaga y Bennett presentan su repertorio conjunto. Serán también las últimas actuaciones en directo de Bennett. El segundo concierto se celebra el jueves 5 de agosto.

01 It’s De-Lovely
02 Night and Day
03 Love For Sale
04 Do I Love You
05 I Concentrate On You
06 I Get a Kick Out of You
07 So In Love
08 Let’s Do It
09 Just One of Those Things
10 Dream Dancing
11 I’ve Got You Under My Skin (DELUXE VERSION)
12 You’re The Top (DELUXE VERSION)

‘Pepas’ de Farruko ya es número 1 de singles en España

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El cantante Farruko se ha situado en el puesto número 1 de canción más escuchada en España con ‘Pepas’, desplazando a Rauw Alejandro al número 2 después de varias semanas en el primer puesto con su tema ‘Todo de ti’. Aunque no todo son malas noticias para Rauw, ya que el mayor incremento de la lista esta semana ha sido para él y su tema ‘Cúrame’, que ha llegado al puesto 7.

Por su parte, mientras que Bad Bunny cae en solitario al puesto número 8 con ‘Yonaguni’, sube al puesto número 3 junto con Morat y Sech y su remix de ‘Volando’. Lola Indigo también consigue subir esta semana al puesto número 9 con ‘La Niña De La Escuela’, junto con TINI y Belinda.

La entrada más fuerte esta semana ha sido para Israel B, C. Tangana y LOWLIGHT en el puesto 21 con su tema ‘Tranquilísimo’. También hay nuevas entradas como la de Myke Towers con ‘Almas Gemelas’ (45); Ingratax con ‘París’ (50); Aitana y Evaluna en el puesto 55 con su última colaboración ‘Aunque No Sea Conmigo‘; Camila Cabello en el 64 con ‘Don’t Go Yet‘; Lil Nas X y Jack Harlow con ‘Industry Baby‘ en el 66; Tiago PZK y Lit Killah con ‘Entre Nosotros’ (68) y Nil Moliner y Ana Mena casi al final, en el 98, con ‘Me Quedo‘.

Bleachers / Take the Sadness Out of Saturday Night

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Poco puedo decir sobre la sobreexposición de Jack Antonoff que no esté ya en el estupendo artículo de Pitchfork donde Quinn Moreland aborda esta cuestión (muy fan de la comparación con Dan de ‘Gossip Girl’). Pero sí, yo también he pasado de alegrarme cada vez que una de mis cantantes favoritas anunciaba que iba a contar con él para la producción a, en la actualidad, echarme a temblar cuando pienso que el tercer disco de Lorde va a estar producido enteramente por él. Ninguno de los adelantos me ha entusiasmado tanto como pensaba, y están muy cercano el fiasco de ‘Daddy’s Home‘ de St. Vincent y el paso atrás de ‘Chemtrails Over the Country Club‘ de Lana del Rey. Antonoff parece haberse cansado de esa épica de los sintes y esa nostalgia ochentera presentes desde su primera producción para una megaestrella (‘Out of the Woods’ de Taylor Swift), y desde hace un tiempo ha virado hacia sonidos más “orgánicos” y minimalistas que cuesta distinguir cada vez más y donde, más que dejar espacio a la artista en cuestión, corre el riesgo de simplificar su propuesta. Aún así, esto no ocurre del todo en este tercer álbum de Bleachers, su proyecto en solitario.

Publicado un par de semanas antes de ‘Solar Power’ (como ‘Gone Now‘ semanas antes de ‘Melodrama‘), este ‘Take the Sadness out of Saturday Night’ empezó centrándose en su ruptura con Lena Dunham y en el vacío y la depresión que vinieron después, pero poco a poco el nuevo estatus de Jack parece haberse ido introduciendo aquí, y vemos numerosas referencias a la fama y a la vida pública ganada en detrimento de la vida privada. Y es que en solo unos años Antonoff ha pasado de ser el patito feo de fun. (recordemos que por entonces Nate Ruess parecía la promesa de ese grupo) a ser prácticamente una superestrella, la mano derecha de Taylor Swift, Lorde y Lana del Rey en sus últimos discos… y cada día la de más gente, porque tenemos también los regresos de The Chicks (FKA Dixie Chicks), Clairo y ¡Diana Ross!

El binomio enfrentado de vida privada / vida pública tiene mucho espacio en un disco compuesto por canciones gemelas: ’91’ lo es de ‘Chinatown’, ‘How Dare You Want More’ de ‘Stop Making this Hurt’, ‘Strange Behaviour’ de ‘What’d I Do with All this Faith’, ‘Don’t Go Dark’ de ’45’ y, el caso más obvio, ‘Big Life’ de ‘Secret Life’. En estas últimas se ve especialmente bien cómo Jack navega entre la ambición y el expandirse por un lado y, por otro, la intimidad y el minimalismo, siendo los dos temas finales el mayor exponente de esto, con un acercamiento dylanesco que se aleja del que es su mayor referente el resto del álbum: Bruce Springsteen.

Antonoff no oculta este parecido, sino que lo grita a los cuatro vientos, invitando al Boss incluso a cantar con él la estupenda ‘Chinatown’, que arranca como si una Inteligencia Artificial tuviese que hacer una canción del autor de ‘The River’: “get in my backseat, honey pie / and I’ll wear your sadness like it’s mine”. No pueden ser más Springsteen tampoco ‘How Dare You Want More’, ‘Big Life’ (donde también hay ecos de Elvis) y, sobre todo, ‘Don’t Go Dark’, quizás la mayor joya del disco, coescrita con Lana del Rey y en donde también figuran The Chicks en los coros y Aaron Dessner (ya compañero de batallas en ‘folklore‘) al piano. Aprovechamos además para hacer un llamamiento, porque sabemos que Antonoff nos lee: Lana adora a Bruce, Bruce ha hablado muy bien de Lana, y tú has colaborado con ambos… POR FAVOR, ¡necesitamos que Lana del Rey y Bruce Springsteen trabajen juntos!

Deseos aparte, en ‘Don’t Go Dark» es quizás donde más claramente se trata su ruptura, además del posible significado alternativo de ’45’: “now you’re just the stranger that I know best / now you’re just the stranger that I love best” canta Antonoff, inevitablemente recordándonos al “please don’t ever become a stranger / whose laugh I could recognize anywhere” de ‘New Year’s Day’ (de reciente actualidad por los créditos de Olivia Rodrigo). En ‘Don’t go dark’, Antonoff es más explícito, llegando a decir “you’ve just been waiting your whole life / to find someone who will stand in your storm / well I stood there and something was missing”, unos versos que encantarán a quienes devoraron aquel pdf que rompió Internet uniendo a Antonoff y Lorde (¿os acordáis del “says he made the big mistake of dancing on my storm” de ‘Liability’?).

Los altos y bajos del amor se exploran también en ‘Big Life’ (“quiero conocer la parte de ti a la que no le da la luz / quiero saber lo que ocurre cuando nos aburramos del amor”) y en su contraparte ‘Secret Life’, que recuerda a ‘Isn’t it a pity?’ y a otras canciones del ‘All Things Must Pass’ de George Harrison (fun fact: precisamente Lorde ha nombrado este disco como uno de sus favoritos en una entrevista reciente). ‘Secret Life’ es también el “featuring” con Lana del Rey, muy entrecomillado porque recuerda más a lo que hizo en ‘Stargirl’ de The Weeknd (con mucho mejor resultado allí, dicho sea de paso). Comenta Antonoff que iba a ser una conversación entre ambos, pero que al final decidió dejar a Lana como una corista con reverb. No ha sido tu movimiento más inteligente, Jack.

A pesar de lo que podríamos pensar, no lleva él todo el peso de la producción: St. Vincent se pasa para devolver el favor en ’91’ (y para los coros de ‘Stop making this hurt’), y en general es con Patrik Berger con quien ha decidido colaborar (sí, el mismo Berger detrás de ‘Dancing on My Own’, ‘I Love It’, ‘Off to the Races’ o el menos conocido temazo de Noonie Bao ‘Pyramids’). La unión con Berger, pensar más que nunca en Springsteen y tener una temática bastante más cohesiva hacen de ‘Take the Sadness out of Saturday Night’ el mejor disco de Bleachers hasta el momento, pero no el mejor disco de Jack Antonoff (paradójicamente, “sus” tres mejores discos no son suyos sino de Lorde, Lana y Taylor), ni un trabajo tan redondo como el que, eso no lo dudamos, pueda darnos en el futuro con este proyecto en solitario.

Paul McCartney, The Kid LAROI, Anne-Marie… entre las entradas en la lista de álbumes

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Después de varias semanas manteniéndose en el número 1 de canción más escuchada con ‘Todo de ti’, Rauw Alejandro vuelve esta semana al puesto número 1 de álbumes más vendidos en España con su disco ‘VICE VERSA’. También destacan otros artistas que han subido posiciones en la lista como Camilo con su disco ‘Mis Manos’ (2); C. Tangana con ‘El Madrileño’ (3); Olivia Rodrigo con ‘Sour’ (4) y Dua Lipa en el puesto número 5 con ‘Future Nostalgia’.

Pero sin duda, el mayor incremento esta semana ha sido para Miley Cyrus, que ahora está en el puesto número 12 con ‘Plastic Hearts’, algo muy curioso teniendo en cuenta que se trata de un disco de diciembre del año pasado. Por su parte, Morat, que la semana pasada fue número 1, ha caído al puesto número 6 con su disco ‘¿A dónde vamos?’. Lo mismo sucede con Lola Indigo, que baja al 11 con la ‘La Niña’.

En cuanto a la entrada más fuerte, esta semana ha sido para Paul Mccartney con su disco ‘Mccartney III Imagined’, que ha llegado al puesto número 46. También hay nuevas entradas como The Kid Laroi con ‘F*CK LOVE’ (62); Zion & Lennox en el 64 con ‘El Sistema’; Jackson Browne con ‘Downhill From Everywhere’ (73), Anne-Marie en el puesto 76 con ‘Therapy‘ y ‘Jöm’ de Leïti Sene en el 91.

También vuelven a entrar en la lista artistas como AC/DC con ‘Power Up’ (78); Taylor Swift en el 81 con ‘Fearless (Taylor’s Version)’ y Pablo López con ‘UNIKORNIO Once millones de versos después de ti’ (90).

6 cómics recomendados para las vacaciones 2021

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‘Oleg’, por Frederik Peeters
20 años después de su momento cumbre con ‘Píldoras azules’, ‘Oleg’ es el nuevo trabajo del suizo Frederik Peeter. Y es fiel a los tintes autobiográficos, ahora como dibujante acomodado con una mujer hiperactiva y leal, una hija que rebasa la adolescencia y un padre que da nombre a este cómic. La relación entre ambos nos hace reflexionar sobre la inevitable diferencia generacional, la desconexión que se puede sentir con la realidad actual y la desestabilización que provoca si andas en horas bajas.

Este triángulo familiar no se presenta, por fortuna, como un manifiesto de amor inalterable, sino que saca a relucir las contradicciones de esa sociedad pre-pandemia que empezaba a instalarse bajo el mantra tecnológico, pasando por temas como lo vacío del pensamiento inmediato, lo anticuado, y el discurso de la autenticidad. El doble sentido del mensaje, prolongado con determinados planos siempre en blanco y negro, y con una narrativa ágil, hacen idealizar futuros trabajos de Peeters: es fructífera esta etapa de transición. 8. Disponible en tu librería favorita y en Amazon.

‘El Pacto’, por Paco Sordo
Muy alto quedó el listón con el homenaje a los tebeos de Bruguera de ‘El invierno del dibujante’ de Paco Roca. Paco Sordo, con su primera novela gráfica, no se queda atrás recreando a uno de los dibujantes de aquellos años de posguerra. Y lo hace con la maña de introducirse como una enredadera por la grieta, componiendo el relato de uno de los protagonistas más enigmáticos de la editorial: el gran Vázquez.

‘El Pacto’ es una fantasía, literalmente también, porque sin ser fiel o reflejar la vida del autor en la Barcelona de los años 50, da a conocer aspectos como su humor y sus desapariciones públicas sin un motivo aparente. Sordo rinde honores, utilizando este recurso de las ausencias del protagonista como argumento narrativo, el de las entrevistas a personas que lo conocen en profundidad, o esos entintado y rotulación próximos a los tebeos de la época. Un resultado tan potente y tan «sin estilo propio», que desconcierta no ver más autores recreando otras obras y autores de nuestra historia reciente. 7,8. Disponible en tu librería favorita y en Amazon.

‘Tamara Drewe’, por Posy Simmonds
Reedición más que afortunada, después de la excelente entrega de ‘Cassandra Darke’, de una obra en la que Posy Simmonds hizo alarde de los denominadores en común de toda su obra: humor e intrigas complejas, dramas irresistibles que acaban en tragedia y personajes tan familiares como fáciles de reconocer en nuestro entorno.

Tamara Drewe es una escritora con la nariz operada que vuelve al ámbito donde vivió su madre, un pueblo ajeno a los ajetreos de Londres que sirve para el retiro inspirador de otros novelistas. Simmonds lo plasma con la impronta de las revistas del corazón en cuanto al desarrollo de los personajes, con la admirable conjunción de textos extensos –en ocasiones demasiado- y la expresividad de viñetas a diferentes tamaños tanto cerradas como abiertas. Un lenguaje tan fotográfico como instantánea es su degustación. 8,5. Disponible en tu librería favorita y en Amazon.

‘Giganta’, por Jean-Christophe Deveney y Núria Tamarit
No es frecuente ya que se nos presenten obras a modo de fábulas, cuentos basados en tradiciones ancestrales o personajes emblemáticos. La mitología parece andar en horas bajas a tenor de la avalancha editorial de esta temporada. Las hadas, las brujas, los animales mágicos y el protagonista mitológico tenaz que recoge los temores del lector y enseña a encontrar soluciones o a reflejar una identidad, no parecen estar tampoco entre las preferencias de lectores a primera vista en las librerías, salvo si andas perdido en la sección infantil.

El guionista francés Deveney y la valenciana Tamarit nos trasladan a nuestra niñez con la historia de una giganta llamada Celeste. Configuran así un universo en el que convergen la libertad, la enseñanza del conocimiento, el deseo de instruirse, de afrontar la desilusión sin perder la ingenuidad… sumergiéndonos así en la aventura de evolucionar en igualdad. Todo ello con una factura apabullante en formato, dibujos y capacidad narrativa. 8,8. Disponible en tu librería favorita y en Amazon.

‘Anaïs Nin, en un mar de mentiras’, por Léonie Bischoff
Anaïs Nin fue una escritora francesa de principios del siglo XX célebre por sus diarios, y cuya lectura no es ni mucho menos para quedarse en las apariencias. Al contrario, fue un poco más allá a la hora de mostrar temas como el erotismo, el incesto, las nuevas relaciones afectivas y la consiguiente libertad sexual de su autora desde un universo femenino. Porque todo ese torrente de sensualidad, de poder explorar el sexo, está marcada por su género en un mundo patriarcal, adquiriendo connotaciones de gran belleza gracias a las manos de Bischoff.

El trazo fino del dibujo y el color sutil y suave realzan la belleza de las confesiones íntimas de Nin. Por si eso no bastara, en paralelo y con acierto, el relato no deja opción a los juicios de valores. Estamos ante una trama tan accesible y para todo tipo de lectores, que se justifica con creces el premio del público en Angoulême (y que arrasara en ventas entre nuestros vecinos galos). 8,5. Disponible en tu librería favorita y en Amazon.

‘Medea a la deriva’, por Fermín Solís
Si en las tres obras anteriores la curiosidad nos conduce a profundizar en personajes femeninos, tratados por autoras, en ‘Medea a la deriva’ nos aguarda la mujer como encarnación del mal -según la mitología griega- a través de la ideología masculina del extremeño Fermín Solís, al que recordamos por ‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’, y que también acaba de publicar ‘La Belleza de las Jirafas’, una antología altamente recomendable.

Esta adaptación de Medea a modo de monólogo nos abstrae debido a la cantidad de posibles reflexiones y respuestas que plantea. Un paisaje austero, entintado en tres colores tan gélidos como el blanco, el azul y el negro aportando templanza; salpicado de rojo en mínimas ocasiones para el sol y la sangre.

Consecuencia de una gran labor investigadora, ‘Medea a la deriva’ hace también buen manejo de viñetas en silencio, presentando escenas narrativas aplastantes sin extravagancias. Inmensa la evolución de Solís respecto a su trayectoria anterior. 8,2. Disponible en tu librería favorita y en Amazon.