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Lorde / Solar Power

Lorde nunca cumplió los estereotipos que el mundo suele asociar a los jóvenes artistas. Su primer éxito ‘Royals‘ mostraba a muchachos reales y con granos, conectando con toda una generación en lo que terminaría siendo un hit millonario, y a su vez con un público más adulto que enseguida se dio cuenta de que la artista tenía un discurso interesante del que podía aprender algo. La cantante neozelandesa subió la apuesta con ‘Melodrama‘, que además de una superproducción pop de corte minimalista, nada pomposa, huía de ser el típico álbum post-ruptura para ofrecerse al mundo como disco conceptual dividido en 3 partes sobre un desengaño, sí, pero también sobre la autoafirmación, sobre conocerse a uno/a mismo/a, sobre lo bien que se está solo/a igualmente.

Los textos con aristas que encontrábamos en aquel segundo largo confirmaban que Lorde no era una más, algo que queda patente de nuevo en este tercer álbum, que es hasta cierto punto coherente con su discurso de siempre. Lorde continúa a la caza de su verdad en ‘Solar Power’, ahora a través de la conexión con la naturaleza, tratando colateralmente cuestiones como el cambio climático. La cultura hippie durante los años 60 le ha servido de inspiración, y la intención de la cantante es apartarse de la tontería de la fama, de los focos y de las redes sociales, utilizando en ocasiones California como metáfora de tales males.

Las cosas pintaban bien: nadie ha precipitado este lanzamiento, que llega tranquilamente 4 años después de ‘Melodrama’, la cantante aparece en la portada como si estuviera dando un salto medio desnuda sobre una playa en lo que puede reconocerse como un guiño feminista y una crítica al puritanismo hipócrita de Instagram, las inspiraciones en el álbum son completamente ajenas a las modas y a la esclavitud del mercado, y repite como músico y productor Jack Antonoff, con quien tuvo una conexión especial en ‘Melodrama’. El suyo es casi, casi, el único nombre que aparece en todos los créditos aparte del de Lorde, que además ha escrito completamente sola 4 canciones del álbum. Ni rastro de los casi obligatorios campos de composición; sí de Clairo y Phoebe Bridgers para algún coro puntual.

Dada la agudeza habitual de Lorde con los textos y la de Antonoff a los mandos de producción en obras seminales de Lana del Rey y St Vincent, lo primero que llama la atención de ‘Solar Power’ es lo poco que merece la pena comentar sobre él desde el punto de vista musical. El álbum tiene influencias reconocidas de The Mamas and the Papas, que lamentablemente solo se manifiestan de manera muy aislada en pequeños instantes de ‘California’ y ‘Fallen Fruit’, renunciando a ser un homenaje más significativo al folk de finales de los 60, que es a lo que apuntaba la flauta de la canción inicial, ‘The Path’. En esta, Lorde reafirma su huida de la fama indicando «que no va a coger el teléfono si llama su sello o la radio», y se pregunta «dónde fueron los sueños que tuvimos». Cuando crees que estás disfrutando de cierta cumbre formal hacia los 3 minutos del tema, la canción se apaga en un holgazán «fade out» que representa el primer coitus interruptus del álbum. No será el último.

‘Secrets from a Girl (Who’s Seen It All)’ comienza con más confesiones interesantes de una Lorde que madura (ahora puede «tomarse dos e irse a casa»), sobre una melodía melancólica un tanto Lana del Rey, para después transformarse de manera extraña en una canción de Natalie Imbruglia. Solo que ‘Left of the Middle’ -de 1997- tenía una producción bastante más ambiciosa y avanzada que la de este tema, y a ‘Big Mistake’ me remito. Robyn cierra este corte y ahí hay que subrayar una cosa: sí ha habido un gran acierto en la promoción de este disco, y es haber mantenido en secreto que la cantante sueca iba a participar en él. Todos sabemos la magnitud de «meltdown» que se habría alcanzado el pasado viernes por la mañana cuando hubiéramos amanecido con que su colaboración en este tema era un spoken word de azafata triste, sobre un punteo de guitarra que podría estar ahí o no.

A continuación, ‘The Man with the Axe’ es aún más inexplicable, pues su texto confesional (el de «creía que era un genio, pero tengo sólo 22») no logra desarrollarse como canción sentida e intimista, ni mucho menos una accesible. ‘Dominoes’ suma en desubicación: la melodía parece escrita para un anuncio de cerveza, solo que las canciones de los anuncios de cerveza se levantan para animarte un verano, pero aquí el texto solo consigue desconcertar entre referencias al «yoga y a la madre de Uma Thurman». «Es extraño verte fumar marihuana / solías ser quien más cocaína se metía / de toda la gente que he conocido», canta Lorde sobre una melodía de lo más alegre, sin que nadie a esa altura del disco sea capaz de adivinar cuándo está hablando en serio y cuándo no. Cuándo nos está diciendo algo tierno y bonito sobre la muerte de su perro (parece el caso de ‘Big Star’), y cuándo algo sarcástico y ácido (parece el caso de ‘Mood Ring’).

Entre el minuto y medio inane de ‘Leader of a New Regime’, más bien un micropoema sobre la necesidad, muy vagamente expresada, de que llegue un nuevo orden mundial; y lo interminable de ‘Stoned at the Nail Salon‘ y ‘Oceanic Feeling’, nos encontramos descubriendo, con verdadero horror, que la mejor canción del álbum sí era el single principal. Un ‘Solar Power’ sobre el que Primal Scream y los herederos de George Michael han actuado con una generosidad inusitada a día de hoy, cuando TLC un buen día resucitan en un crédito de Ed Sheeran, y Dido en otro de Rihanna. Es básicamente ‘Loaded’ meets ‘Freedom’. Apenas ‘Fallen Fruit’, con un minuto final que sí se decide por fin a ir hacia algún lado, en este caso mediante los teclados, ejerce de tímida competencia. Es como si perdida en defender la naturaleza, pero a la vez querer hilar tan fino para reírse de sí misma como «ama de casa hippie» (sic) en el vídeo de ‘Mood Ring’, Lorde hubiera descuidado esa cosa, la música.

La historia del pop está llena de «difíciles terceros discos», una maldición que ha caído sobre artistas de toda índole, desde Oasis a Dido pasando por Nirvana, Alanis, The Cranberries, The Strokes… Algunas de esas obras hundieron carreras, y otras se revalorizaron con el tiempo. Puede ser el caso de ‘Solar Power’, un álbum cohesivo, muy personal, que nadie más que Lorde podría firmar, y que de alguna manera flota atemporal: lo mismo podría haber salido en 1970 que en 1997 que en 2048. Quizá esté más que nada perjudicado por el contexto en que nos llega. No tiene Lorde la culpa ni de la pandemia ni del auge de la ultraderecha ni del de la homofobia. El problema es que el disco bordee temas esenciales para la vida, relacionados con la política, y lo haga de manera tan intrascendente y despreocupada. Como «de bromi». Mirando al sol a ver si su energía resuelve las cosas milagrosamente. Colocándose con un porro en el salón donde se gasta una pasta en que le hagan las uñas. Con temas que hablan, literalmente, sobre no saber si «ir a pescar o a la playa». Quizá algún día miremos atrás y podamos gozar el disco hippie-cuqui post-irónico que Lorde hizo sobre los males del mundo, y los pequeños placeres del mismo. Quizá cuando conozcamos a ese «líder de un nuevo régimen», descubramos que ‘Solar Power’ se adelantó a su tiempo. Hoy, las inquietudes de quien esboza un par de ideas mientras vive en unas eternas vacaciones en un lugar en el que siempre parece verano suenan bastante marcianas.

‘star-crossed’ es la impresionante intro al disco post-divorcio de Kacey Musgraves

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Kacey Musgraves vuelve en menos de 3 semanas con un nuevo álbum llamado ‘star-crossed’. Saldrá tan pronto como el 10 de septiembre y viene acompañado de una película de 50 minutos que podrá verse en Paramount+ en Estados Unidos, su mercado principal dada la trayectoria country de su música y el Grammy a Álbum del Año con que se hizo su última entrega hasta la fecha, el excelente ‘Golden Hour’. Foto: Sophia Matinazad.

En esa película habrá cameos de Eugene Levy y Princess Nokia, entre otros, pero puede que el proyecto no sea tan divertido como suena, pues ‘star-crossed’ va a ser un álbum en el que Kacey Musgraves va a desgranar su divorcio de Ruston Kelly, que se comunicaba el año pasado de manera oficial. La cantante ha declarado en Apple Music: «Al principio de este año me dije: «me gustaría tener la oportunidad de transformar mi trauma en algo más, y quiero darme a mí misma la oportunidad aunque sea doloroso». Estoy emocionada de compartir ‘star-crossed’ solo porque la gente me conoce como una autora que escribe sobre lo que le está pasando. Y creo que sería extremadamente incómodo que fingiera que este último capítulo no ha pasado para mí. Me visteis en lo más alto en ‘Golden Hour’ y esto es la otra cara. También con sus partes bonitas».

Es muy evidente que ‘star-crossed’ no es un single de este disco, sino la introducción al mismo -no en vano ya sabemos que es la pista 1- y sin embargo no deja de ser impresionante. La mejor manera de presentarnos este proyecto. Ojalá más intros de este tipo. Tras unos segundos en que Kacey Musgraves parece estar reuniendo fuerza para hablar, su relato es explícito, hablándonos de «dos amantes desgarrados» que se «despiertan del sueño perfecto». «Firmé los papeles hoy, viniste y te llevaste tus cosas».

El tema, tan visual en su letra como ‘Go Your Own Way’ de Fleetwood Mac, renuncia definitivamente a la estructura pop, formándose de un solo verso, un estribillo y una outro, dejando al público con la miel en los labios sobre lo que acontecerá cuando el disco comience de verdad con la canción ‘Good Wife’ (la última pista es ‘Gracias a la vida’, se desconoce si en relación al clásico de Violeta Parra).

De momento, la producción ideada por Ian Fitchuk, Daniel Tashian y Kacey Musgraves es otra delicatessen marca de la casa, en la que además de arpas, varios tipos de guitarras acreditadas en Tidal y pianos, destacan las programaciones aportadas por Ian. De nuevo, desde el country, hacia el cielo… ¿o era al infierno?

01 Star-Crossed
02 Good Wife
03 Cherry Blossom
04 Simple Times
05 If This Was a Movie…
06 Justified
07 Angel
08 Breadwinner
09 Camera Roll
10 Easier Said
11 Hookup Scene
12 Keep Lookin’ Up
13 What Doesn’t Kill Me
14 There Is a Light
15 Gracias a la Vida

Lo mejor del mes:

‘brutal’ de Olivia Rodrigo: contra la inseguridad adolescente, filtros

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Mientras ‘good 4 u’ continúa siendo un éxito mundial, aún top 5 en el global de Spotify tras haber ocupado el número 1 durante varias semanas, Olivia Rodrigo tiene nueva apuesta para defender ‘Sour‘, el que es uno de los discos del año desde el punto de vista comercial. Y se trata de ‘brutal’.

La letra de ‘brutal’ versaba abiertamente sobre las inseguridades que siente una adolescente: «Estoy harta de tener 17 / ¿dónde está mi jodido sueño adolescente? / si alguien me dice una vez más / «disfruta de tu juventud», voy a llorar». En el vídeo dirigido por Petra Collins, Olivia Rodrigo lidia contra todo esto como en una pantalla de videojuego, rodeada de bailarinas en tutú y entre guiños a la comedia noventera ‘Clueless’ -pues la inspiración de las guitarras también parece el grunge noventero-. Pero lo que predomina son los tan traídos y llevados filtros de primero SnapChat, y luego Instagram, que parece haber patrocinado el vídeo. Una fantasía también para los usuarios de TikTok llamada a viralizarse por todos lados.

En nuestro último podcast, dos miembros de JENESAISPOP discutimos sobre si esa vertiente más rock del disco de Olivia Rodrigo está entre lo peor, o de hecho lo mejor, de ‘Sour’, un álbum que en cualquier caso forma parte ya de la historia del pop de esta década.

Muere el fotoperiodista musical Xavier Mercadé

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Xavier Mercadé, uno de los fotógrafos históricos del periodismo musical de nuestro país, ha muerto a los 54 años, según ha informado este lunes Ruta 66 en Instagram y recogen medios como El Periódico. Foto: Xavier Mercadé, Rockviu.cat.

Mercadé había fotografiado a artistas del calibre de David Bowie, Bruce Springsteen, Björk, Celia Cruz, Madonna, Iggy Pop y Nick Cave y había sido fundador de la revista Enderrock, de la que era jefe de fotografía. Su lema, como era visible en su perfil de Instagram, era «fotografiando todo lo que se mueve sobre el escenario desde 1984». También había colaborado en Rockdelux, Rolling Stone y Metal Hammer, entre muchas otras publicaciones, sumando un archivo de más de 1 millón de fotos procedentes de más de 14.000 conciertos.

Su última actualización en Instagram era tan sólo de hace un día, recordando que la exposición Rockviu sobre sus 4 décadas de trabajo, puede visitarse hasta este domingo 29 de agosto en Barcelona, y subrayando que «nunca se había reído tanto» como trabajando para Albert Pla en ‘Projecte PP’.

Entre sus libros están ‘Pasión por el rock: Las mejores fotos de concierto’ (La Máscara, 1999), ‘Jump Rock’ (autoeditat digital, 2009), ‘Freaks: La cara oculta del rock’ (Quarentena Ediciones, 2010), ‘Odio obedecer: La escena alternativa en los 80’ (Quarentena Ediciones, 2011), ‘Balas perdidas: Qué fue del siglo XX’ (66 rpm Edicions, 2012) y ‘One Direction en España’ (Quarentena, 2014).

‘Madres paralelas’, la nueva película de Pedro Almodóvar, retrasa su estreno hasta octubre

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‘Madres paralelas’, la nueva película escrita y dirigida por el cineasta Pedro Almodóvar, tenía previsto estrenarse a principios de septiembre, concretamente el día 10, pero ahora se ha confirmado su retraso hasta el próximo 8 de octubre.

El productor de la película, Agustín Almodóvar, lo ha dado a conocer en un comunicado: «Hemos tomado esta decisión consensuada con nuestra distribuidora Sony Pictures buscando el momento más propicio para que los espectadores puedan disfrutar de ‘Madres paralelas'». No se han dado más detalles de este retraso.

A pesar de este cambio de fecha, la película podrá verse con antelación el 1 de septiembre en el Festival Internacional de Cine de Venecia, ya que sigue siendo la película inaugural de la 78 edición de la competición de cine. También clausurará la 59 edición del Festival de Cine de Nueva York en el Lincoln Center el 10 de octubre, pero para entonces ya se habrá estrenado en nuestros cines.

La cinta está protagonizada por la «chica Almodóvar» Penélope Cruz y por Milena Smit y Aitana Sánchez-Gijón, que se incorporan a esa lista en esta película y que interpretarán a las tres madres del relato con el que Almodóvar vuelve a profundizar en la maternidad y la familia. El reparto también contará con Israel Elejalde, como principal personaje masculino, Julieta Serrano y Rossy de Palma.

Este es un fragmento de la sinopsis oficial: «Dos mujeres, Janis y Ana, coinciden en la habitación de un hospital donde van a dar a luz. Las dos son solteras y quedaron embarazadas accidentalmente. Janis, de mediana edad, no se arrepiente y en las horas previas al parto está pletórica; la otra, Ana, es una adolescente y está asustada, arrepentida y traumatizada». Foto: Sony Pictures Spain.

Brian Travers, uno de los miembros fundadores de UB40, ha fallecido a los 62 años

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Brian Travers, miembro fundador de la banda UB40, falleció ayer en su casa en Moseley (Birmingham, Inglaterra) a los 62 años de edad, según una declaración de sus compañeros de banda a través de sus redes sociales.

«Con gran tristeza anunciamos el fallecimiento de nuestro camarada, hermano, miembro fundador de UB40 y leyenda musical», así empieza el comunicado. «Brian falleció ayer por la tarde con su familia a su lado, después de una larga y heroica batalla contra el cáncer», confirman después. Sus compañeros también afirman sentirse «devastados» y piden respeto a la privacidad de la familia de Travers.

Brian Travers fundó UB40 a finales de los años 70, originalmente con James (Jimmy) Brown y Earl Falconer. Más tarde se incorporarían Alistair (Ali) Campbell, Robin Campbell, Norman Hassan, Michael Virtue y Astro, aunque estos dos últimos la abandonarían más tarde.

Travers era saxofonista y compositor del grupo. Junto con sus compañeros, tuvo grandes éxitos con canciones como ‘Red Red Wine’, ‘(‘I Can’t Help) Falling In Love With You’ o ‘I Got You Babe’, esta última en colaboración con Chrissie Hynde. La última actuación de Travers con su grupo fue en el año 2019, en el Arena Birmingham.


Disco de la Semana: Spellling / The Turning Wheel

Chrystia Cabral, conocida profesionalmente como Spellling, es una cantante y compositora californiana de música experimental que debutó en 2017 con ‘Pantheon Of Me’, que le sirvió para firmar con la siempre interesante discográfica Sacred Bones, con la que en 2019 sacó ‘Mazy Fly’, un disco absolutamente mágico y oscuro que la situaba como una voz a tener en cuenta. Su esperado tercer álbum, ‘The Turning Wheel’, se aleja ligeramente del sonido de sus anteriores trabajos, sin renunciar al intrínseco componente místico que inunda sus composiciones, para acercarse, quizá, a un público más amplio. No parece que ese fuese el objetivo inicial de Spellling, pero sí le ha quedado un disco más accesible, más “pop” y que puede generar nuevos adeptos.

‘Little Deer’, la primera canción del proyecto y el lead single, es una declaración de intenciones: se abandona la angustiosa y espesa atmósfera de ‘Mazy Fly’ en pos de un sonido más limpio, a veces teatral, incluso. Lo cual bajo ningún concepto quiere decir que las canciones que lo componen no se sustenten de su particular halo de misterio y de sensación de peligro. Lo hacen, pero de otra manera. ‘The Turning Wheel’ es un trabajo mucho más ambicioso y variado, donde la omnipresencia de los sintetizadores de sus anteriores largos da paso a una instrumentación mayoritariamente acústica. En la mencionada apertura del álbum, no es hasta pasado un minuto donde se escucha la voz de Chrystia Cabral por primera vez –que suena mejor y más Kate Bush que nunca-, precedida de una introducción orquestal.

A nivel lírico, las letras son a menudo abstractas y hablan sobre la muerte, la reencarnación o el amor como si fuesen cuentos góticos. Ejemplos de esto se pueden encontrar en la estupenda ‘Always’, inspirada en el ‘Drácula’ de Francis Ford Coppola, donde Cabral entona “¿Cómo voy a saber qué puede ser realmente el amor? / Quiero vivir solo dentro de mis fantasías / ¿Por qué no puedo alejarme? Estoy bajo tu persuasión”. O en la preciosa ‘Turning Wheel’, cuya instrumentación deja uno de los momentos más bellos del álbum: “Quieres partir hacia las ciudades / Girar la rueda, pero yo quiero quedarme en la colina”. Todo evoca a literatura decimonónica, tan impregnada de esa aura tenebrosa de pasión y romanticismo como su música.

‘Awaken’ es otro de los puntos álgidos, una inquietante canción sobre la aceptación de uno mismo, con un fuerte componente religioso, inspirado seguramente por el ambiente cristiano en el que la cantante fue educada. Le sigue la interesante y breve ‘Emperor with an Egg’, protagonizada por violines. Sin embargo, el corazón del álbum viene inmediatamente después con ‘Boys at School’, un espectacular tema de más de 7 minutos, donde la voz de Cabral resulta hipnótica, apoyándose además en una melodía que resulta tan enigmática como cálida y que acaba desembocando en un brillante clímax con unas inesperadas guitarras eléctricas.

A partir de ahí, la segunda parte del disco se vuelve en general más oscura con canciones como ‘Legacy’ o ‘Magic Act’. La única excepción es ‘Revolution’, donde Spellling se encuentra dispuesta a afrontar sus deseos, aceptar sus defectos y crecer: “Lo que quiero es un fuego que nunca se apaga / Tengo todo este deseo en un mundo lleno de dudas / Estoy en una revolución permanente”. Las canciones de ‘The Turning Wheel’ se sienten inmensas, son densas y catárticas. Es un proyecto en el que se puede percibir la confianza y talento de su autora, una cantante y productora única, que aquí, una vez más, nos ofrece una llave para entrar en su fascinante e inagotable mundo interior.

Imagine Dragons imitan a artistas como Coldplay lanzando una canción con seudónimo

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‘Imagine Dragons’, así se llama el nuevo tema de la banda, pero no podrás encontrarlo ni en sus redes sociales ni en sus perfiles en plataformas de streaming, ya que la autoría no se les atribuye a ellos.

Ragged Insomnia es el perfil de Spotify en el que puedes encontrar esta canción. No es casualidad, ha estado totalmente intencionado. La banda original lanzó este tema a través de ese seudónimo el pasado 18 de agosto, pero no fue hasta hace un par de días cuando dieron la primera pista sobre la verdadera autoría mediante un mensaje en su cuenta de Twitter: «Anagrama», fue lo que escribieron junto al hastag «#MercuryAscending». La letra de la canción también daba algunas pistas: «Could you imagine?» («¿lo puedes imaginar?») o «Become a dragon» («conviértete en un dragón»).

«No sé qué sea, pero ya me emocioné», «No entiendo eso de #MercuryAscending», decían algunos comentarios en Twitter después de la publicación del mensaje. La clave para entenderlo todo está en Ragged Insomnia, que fue el nombre que recibió la banda en sus inicios en el año 2008 y que ahora es un anagrama del actual, ya que contienen las mismas letras dispuestas en distinto orden.

Esta es una técnica que han utilizado antes otros artistas como como Coldplay, Taylor Swift, Ariana Grande o el mismísimo Paul McCartney. En el caso de Coldplay, con seudónimo Los Unidades, llegó a publicar un EP benéfico con cuatro canciones, ‘Global Citizen EP 1’, cuyas ganancias fueron destinadas a a la organización Global Citizen, dedicada a acabar con la pobreza extrema.

En cuanto a la verdadera autoría de Imagine Dragons, ‘Wrecked’ es su último single publicado el pasado 2 de julio. Y su próximo disco, ‘Mercury – Act 1’, llega el próximo 3 de septiembre. Y aunque su tracklist completo todavía se desconoce, sí está confirmado que sus otros temas ‘Follow You’ y ‘Cutthroat’ formarán parte del disco.


Disclosure pasan de featurings y vuelven a lo que mejor saben hacer en ‘Never Enough’

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Disclosure nos sorprendían la semana pasada publicando una canción por día, llevando hasta el lanzamiento el pasado viernes de un disco de 10 pistas que en realidad son 5 junto a sus respectivos «radio edits», con la esperanza de que Radio 1 pinche habitualmente alguno.

Los autores de ‘Latch’ no recurren en este caso a voces amigas como la de Sam Smith -ni siquiera la de ellos mismos, al menos de manera prominente-, pero a cambio nos dan una lección de fidelidad a sí mismos. Con toda la calma del mundo se dedican a hacer lo que mejor saben junto a alguna mano amiga como la de James Ford en ‘Another Level’, o Andrew Smith y Annabel Hockey-Smith en la muy Daft Punk ‘Happening’.

Aunque para cuando llega ‘Seduction’ puede que eches de menos algo de variedad, son varias las producciones que admiten la definición de «rompepistas». ‘In My Arms’, no en vano la primera canción que nos presentaron de este proyecto, llamado ‘Never Enough’, es nuestra «Canción del Día».

Disclosure, que en 2020 nos convencían con su tercer disco ‘ENERGY’, han explicado en un comunicado que la «chispa» que ha llevado a la creación de esta nueva música ha sido «revitalizar la escena de la música dance» y la «cultura de club» tan «fracturada durante los últimos 18 meses por motivos evidentes».

Lo mejor que puede decirse de un tiro como ‘In My Arms’, inspirado en los beats noventeros como gran parte de su carrera, y con un irresistible sample del título de la canción, es que gracias a ella es fácil imaginar que las cosas volverán exactamente al punto en que las dejamos en pocas semanas. La percusión que engancha desde los primeros instantes y los pequeños samples vocales parecen prometernos que el próximo otoño tendrá que continuar siendo verano.

Lo mejor del mes:

‘Happier than Ever’: el Katrina sentimental de Billie Eilish tiene final feliz

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En ‘Happier Than Ever’, Billie Eilish habla por teléfono como una adolescente de los noventa: con un fijo y teniendo cuidado de que no se le enrolle el cable por la mesa y rompa alguna figurita de su madre. ¿Con quién habla Billie?

Se supone que con su novio, con el que, según la letra de la canción, estaría “cortando” (una expresión también muy de los noventa). Se ha especulado con que ‘Happier Than Ever’ podría estar dedicada a su ex, el rapero Brandon Adams. La razón es que en el documental ‘Billie Eilish: The World’s A Little Blurry’ aparece una conversación telefónica donde éste le confiesa haber conducido borracho. Justo como dice ella en la canción.

Tras esa dilatada conversación, filmada con largos y suaves movimientos de cámara, y fotografiada con una luz muy cálida, estalla la tormenta. Una tempestad que se va anunciando poco a poco, gota a gota, como si fuera un relato de suspense. La cantante abre la puerta como quien abre su corazón. El resultado es un Katrina sentimental, una ciclogénesis emocional en la que Eilish parece que se va a ahogar dentro de ese aguacero de emociones, para finalmente salir a flote y acabar, como Gene Kelly, “cantando bajo la lluvia”.

Doja Cat triunfa; Demi Lovato no saca partido a su disco más importante

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Hits

Corría el mes de junio cuando nombrábamos ‘Planet Her’ de Doja Cat uno de los discos del verano, pero en aquel momento desconocíamos hasta qué punto. Dos meses después de su edición, la cantante volverá esta semana al top 2 del Billboard 200, la máxima posición que ha alcanzado en principio contenida por Tyler the Creator, ahora mismo por Billie Eilish, y en otras ocasiones por Olivia Rodrigo. En cualquier caso, ‘Planet Her’ ya es uno de los mayores éxitos del año en Estados Unidos, y también sus datos son buenos o muy buenos en otros territorios dependiendo de a qué país preguntes. El álbum de Doja Cat continúa en el top 10 británico y en el top 15 español, donde esta semana sube y alcanza un nuevo máximo: el número 14.

Mediatraffic estima que se han vendido el equivalente a unas 700.000 copias en todo el mundo de ‘Planet Her’, pero lo mejor es la solidez de sus cifras, la fidelidad que encierran semana tras semana. Tiene 60 millones de oyentes mensuales en Spotify, de hecho Doja Cat es la primera rapera en rebasar esa cifra, y los éxitos en el disco se le están multiplicando.

La cantante que tanto tiene que agradecer a TikTok triunfaba primero con ‘Kiss Me More’, un tema que supera los 625 millones de streaming en Spotify, y después ha visto cómo sumaba ‘Need to Know’, se viralizaba de manera espontánea ‘Ain’t Shit’, y ahora mismo ‘Woman’, que siempre fue una de nuestras canciones favoritas del disco. Efectivamente, mientras ‘Need to Know’ y ‘Ain’t Shit’ continúan en el top 40 británico, esta semana se incorpora al mismo ‘Woman’ directo al puesto 26. Hay ‘Planet Her’ para rato, quién sabe si hasta los 2 millones de unidades y más allá. Alguien está ocupando claramente el espacio que ha dejado en el mercado Rihanna.

Flops

En el otro lado de la moneda, una campaña en la que todo ha salido mal es la de Demi Lovato. Su disco confesional tras una crisis personal que casi se la lleva por delante no ha sabido conectar con el público. ‘Dancing with the Devil… The Art of Starting Over‘ era promocionado erróneamente con sendas baladas tan demodé como ‘Anyone’ y ‘Dancing with the Devil‘, dejando de lado los muchos aciertos pop que contenía después.

En un momento de abril parecía claro que ‘Met Him Last Night’, el dúo con Ariana Grande, iba a ser el gran bop y el gran salvador del disco, se llegó a decir que el vídeo estaba realmente a puntito. 5 meses después, el vídeo parece un espejismo, la canción ha perdido todo su momentum y el álbum hace rato que ya no está en las listas: resistió 8 semanas en el Billboard 200 y únicamente 4 en el top 100 británico.

La propia Demi parece haber pasado página del disco, centrada en otros proyectos, y el anecdótico vídeo que se acaba de sacar para ‘Melon Cake’, grabado con muy poco dinero, apunta en esa dirección. Por supuesto, su tratamiento de la bulimia de Demi Lovato es relevante, pero perdido en filtros y efectos de Instagram, no logra presentar el tema de manera atractiva para el público casual que aún no conociera la canción. ¿No habría sido mejor opción apostar por la divertida ‘My Girlfriends Are My Boyfriend’, que habla de la nueva identidad de género de Demi Lovato?

La columna «Hits & Flops» no pretende enfrentar a unos artistas con otros, sino analizar desde el punto de vista del márketing las campañas mejor y peor encarriladas por los sellos discográficos. Para números anteriores, pincha aquí. La calidad de los discos al margen de su alcance comercial, es analizada en la sección «Discos».

Muere Don Everly de Everly Brothers; Brian Wilson, Nancy Sinatra… le recuerdan

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Don Everly ha fallecido en su casa de Nashville este sábado 21 de agosto, como ha informado un/a representante de su familia. El que fuera el mayor de los Everly Brothers, cuyo verdadero nombre era Isaac Donald Everly, tenía 84 años. Su hermano Phil Everly, con quien conformó el ilustre dúo con el que vendió millones de singles a finales de los años 50 y también a principios de los años 60, ya había muerto a principios del año 2014.

El comunicado sobre la muerte de Don indica que «vivió tal y como lo sintió en su corazón a cada momento. Don expresó su aprecio por la habilidad de vivir sus sueños, con su compañera y esposa Adele, y compartiendo la música que hizo de él un Everly Brother».

Entre los artistas que han querido compartir su admiración por Don Everly está Brian Wilson, que ha dicho que los Beach Boys «aprendieron un montón de sus hermosas armonías». También Nancy Sinatra y Dave Davies de The Kinks han tenido algunas palabras. Sinatra ha dicho que «girar con Phillip y Donald fue literalmente apasionante. Tener el privilegio de cantar con sus voces impresionantes e icónicas ha sido uno de los grandes regalos de mi vida».

Hijos de un minero aficionado a la música, Everly Brothers conquistaron las listas de éxito por primera vez en 1957 con un ‘Bye Bye Love’ que lograron situar en el puesto 2 del Billboard Hot 100. A continuación, alcanzarían el top 1 con ‘Wake Up Little Susie’ y después con el gran clásico ‘All I Have to Do Is Dream’ ya en 1958. ‘Cathy’s Clown’ les devolvería al número 1 en 1960, perdiendo el dúo algo de impacto a medida que avanzaba la nueva década, lo que provocaría desavenencias en el grupo y a la postre su separación en 1973. En 1983 hubo una reunión, ya anecdótica, que les llevó no obstante a aparecer en ‘Graceland’ de Paul Simon (1986), ayudándoles a permanecer en la imaginería popular hasta hoy.

The Killers / Sam’s Town

En 2006 no hay espacio para The Killers en nuestros corazones. La banda había alcanzado un estatus multiplatino con ‘Hot Fuss’, aquel debut en el que se incluían sus clásicos ‘Somebody Told Me’ y ‘Mr Brightside’, a la postre considerado el gran clásico del rock del siglo XXI. Su segundo álbum, este ‘Sam’s Town’ que está a punto de cumplir 15 años, es mucho más pretencioso. En un año de eclosión underground en que Pitchfork empezaba a marcar su espacio descubriendo al mundo artistas con un aura tan «cool» como The Knife, Brandon Flowers se paseaba por las entrevistas hablando de cómo Bruce Springsteen le había cambiado la vida. Creyéndose David Bowie. Literalmente. «La gente cree que el disco es pretencioso pero yo miraba ‘Born to Run’ y miraba ‘Hunky Dory’, y Springsteen y Bowie tenían 24 años cuando los hicieron, y yo me decía «tengo que subir la apuesta», explicaba en una entrevista con Blender de aquellos tiempos.

«Subiendo la apuesta», también se atrevía a comparar ‘Sam’s Town’ con ‘Achtung Baby’ y con ‘OK Computer’, aunque luego lo negase. Un álbum que nada más comenzar con el tema titular recordaba más bien a Eurythmics. La obra maestra de Radiohead puede ser una referencia en los primeros instantes de ‘Why Do I Keep Counting?’, pero ahí se acaban las posibles comparaciones. Siempre hubo algo «cheesy» en The Killers, en letras, vestuario y bronceados. El público más crítico nunca pudo con tal cantidad de pompa. Pero la deriva de los últimos álbumes del grupo está beneficiando a ‘Sam’s Town’, consolidándolo como el primer gran clásico de la banda, pues ‘Hot Fuss’ era desigual y peor equilibrado y ‘Day & Age’, su intento synth-pop junto a Stuart Price, nunca se decidió a ser el álbum bailable que prometían ‘Human’ y ‘Spaceman’. Aquí de hecho, hay un tema que ya nos habla de Nephi, la comunidad de 5.000 habitantes a que se dedica ahora el recomendado ‘Pressure Machine‘, en concreto ‘The River Is Wild’.

‘Sam’s Town’ es realmente también un disco sintético, no tan diferente a ‘Hot Fuss’ y ‘Day & Age’. Contrate usted a Anton Corbijn, el fotógrafo de Depeche Mode y el ‘Joshua Tree’ de U2, y dará una pátina de seriedad y elegancia a su producto, incluso a una Miss con una cabra como salidas de una portada de Aerosmith o algo peor. En blanco y negro y referenciando un casino de Las Vegas con la colaboración de la cantante Felice LaZae, que es quien posa, la portada del álbum refleja perfectamente nuestra relación con el disco con el paso del tiempo. De la ridiculización inicial, no sé si a la fascinación, pero como mínimo al respeto. Como las deslenguadas entrevistas de Brandon Flowers, forma parte de la historia del pop.

The Killers supieron muy bien de quién rodearse en este segundo álbum, también en lo musical. Brandon estaba asustado por el nivel de popularidad alcanzado con ‘Hot Fuss’ y no fue hasta que le vino a la cabeza la melodía de ‘When You Were Young’ cuando se sintió aliviado porque sabía que había dado con algo especial. Con un símil religioso de los que tanto le gustan dada su fe, la composición se dirige a una mujer que se dedica a compadecerse de sí misma, a esperar a que un chico la salve, “cual Jesús”. «Te sientas ahí sola con tu dolor, esperando que un chico guapo venga a salvarte de tu pasado», dice en lo que podemos considerar un pequeño tema de empoderamiento, al nivel en potencial de los singles del primer disco. Pero es que ‘Read My Mind’ es aún mejor. Y lo es gracias a la producción de Alan Moulder.

La banda acudió a Alan Moulder y a Flood porque les encantaba el tipo de álbumes en que habían trabajado (de nuevo Depeche, de nuevo U2), y Moulder es directamente responsable de que ‘Read My Mind’ no sea floja, pues «tuvo los huevos» de criticar la maqueta inicial. «Se llamaba ‘Little Angela’, pero la cambiamos porque algo no estaba bien. Mi melodía era un poco demasiado como ‘Mrs Robinson’ y la letra no estaba muy bien. Alan Moulder tuvo los huevos y el coraje de decirme: «vamos a quedarnos este patrón, y vamos a escribir una canción diferente con él». Así que la canción nació de nosotros tarareando una vieja canción y creció a partir de ahí. Cuando la tocamos en directo, notamos que significa muchas cosas para un montón de gente, y definitivamente es una de esas canciones que atrae a la gente a la banda», declaraba el cantante al NME. La razón principal de esa sinergia es el majestuoso cambio de acordes en «I don’t mind if you don’t mind / cause I don’t shine if you don’t shine», además una letra que es pura comunión popular.

La colección de singles se completa con ‘For Reasons Unknown’, un tema que se nota escrito en la carretera, y en el que el momento en que Brandon Flowers llora, teatrero, es irresistible; y ‘Bones’, una rareza llena de metales que representa una vertiente del álbum más influida por el glam-rock de los 70, muy evidente en el final de ‘Why Do I Keep Counting?’. Diría que más Queen que David Bowie.

Y hay más miga repartida por la secuencia del disco. Está el gancho «Higher and higher / We’re gonna take it down to the wire» de ‘Bling (Confession of a King)’, un tema inspirado en Talking Heads y Johnny Cash, dedicado al padre de Brandon. Está ‘Uncle Jonny’, que igual no tiene uno de los mejores riffs de todos los tiempos como sugiere Flowers, pero sí una historia de drogadicción y paranoia inspirada en un tío suyo que considera todo un superviviente. Y está ese gran precedente de ‘Human’ melódicamente que es ‘My List’, solo que aquí en modo «aproximación a la balada», de la que hicieron muy pocas tomas. «Es lo más cercano a cómo sueno cantando en la ducha», bromeaba.

Si sumamos que ‘For Reasons Unknown’ habla sobre la lucha de la abuela de Brandon contra el alzhéimer (es por cierto el único tema de los Killers en que el cantante toca el bajo), o el estribillo confesional de ‘The River Is Wild’ («¿debería llevarme bien conmigo mismo? Nunca me he llevado bien con nadie / Siempre he intentado hacer lo correcto»), justo antes del chanante «Exitlude» final (también hay un «Enterlude»), nos vamos dando cuenta de que el grupo está empecinado en hacer algo profundo. En distanciarse de otros proyectos que estaban sonando en las discotecas indies de aquellos tiempos. Ellos no querían ser The Bravery, The Sounds ni The Ting Tings.

Alguien dijo a Brandon Flowers que Brian Eno rechazó producir este disco, si bien este sí llegó a sumarse a un tema de ‘Wonderful Wonderful‘ posteriormente. Entonces le comentó a Brandon que la oferta para trabajar en ‘Sam’s Town’ jamás se le había puesto encima de la mesa. Probablemente alguien consideró que ni siquiera merecía la pena mencionar el nombre del grupo a un productor tan guay. Rolling Stone de hecho suspendería este disco propiciando que Brandon tuviera que defenderlo con un triste y lacónico «igual estamos sordos, pero a nosotros nos gusta». Como gran parte de los entonces llamados hipsters, hasta el exigente Brian Eno terminó sucumbiendo a los encantos de The Killers.

Leos Carax y Sparks crean una excéntrica y fascinante ópera-rock con ‘Annette’

Leos Carax inauguraba el Festival de Cannes este año con ‘Annette’ -su primera película en 9 años tras ‘Holy Motors’-, un musical con el que el siempre divisivo cineasta francés terminó llevándose el premio a la mejor dirección. El guion corre a cargo de Sparks, así como todas las canciones que lo componen. La película comienza con una presentación que ya nos alerta de la peculiaridad de la obra que vamos a presenciar, donde aparecen el propio Carax y los miembros de Sparks cantando “So May We Start”, a los que posteriormente se irán uniendo coristas y el elenco principal formado por Adam Driver, Marion Cotillard y Simon Helberg rompiendo la cuarta pared, como si de una obra de teatro se tratara.

Driver interpreta a Henry McHenry, un conocido cómico con un sentido del humor incómodo y ácido, y Cotillard a Ann, una exitosa cantante de ópera. Ambos tienen un apasionado romance de gran repercusión mediática, que cambiará por completo con la llegada de su primogénita Annette.

Carax lleva su particular estilo posmoderno a nuevos y excitantes territorios, con ideas visuales tan originales como brillantes. Especialmente deslumbrante resulta la primera media hora en la que se presenta de manera singularísima a ambos protagonistas y sus universos. Las estupendas canciones de Sparks, la llamativa fotografía de Caroline Champetier y un excelente montaje de Nelly Quetier consiguen un resultado realmente hipnótico. Por supuesto, Carax, director kamikaze donde los haya, se lanza al vacío en numerosas ocasiones, abrazando por completo el ridículo. Pero esos momentos lejos de arruinar la experiencia, le otorgan personalidad, creando situaciones absolutamente delirantes, únicas y a menudo muy divertidas. Como esa grandiosa secuencia de cama donde Adam Driver le hace un cunnilingus a Marion Cotillard mientras cantan.

Como en toda la filmografía de Carax, no hay espacio para la mesura en ‘Annette’; todo es excesivo y excéntrico pero también genuinamente fascinante. La búsqueda de la perfección es algo que jamás ha interesado al cineasta, que siempre ha realizado películas que ponen al espectador en el filo de la butaca, viajes cinematográficos extremos que provocan reacciones dispares y exaltadas. Lo que consigue siempre es que cada una de ellas sean experiencias inolvidables, ya sea amor u odio lo que despierten. Y eso no deja de ser una hazaña admirable.

‘Annette’ es su primera aventura en inglés, ambientada en Los Ángeles y sin Denis Lavant, su actor fetiche. Esta vez es Adam Driver quien realiza una de esas interpretaciones todoterreno tan típicas del cine de su director, en un papel que pasa por todos los registros, de la comedia al drama al musical con una facilidad asombrosa. Es un rol complicadísimo pues implica estar todo el rato en el límite de la sobreactuación -ya que toda la película está pensada como si fuese una obra de teatro- pero nunca caer en ella. Driver ya ha demostrado en multitud de ocasiones sus dotes interpretativas pero parece superarse con cada película que escoge. Aquí, se enfrenta sin miedo al personaje más complejo y a la propuesta más radical de su filmografía, consiguiendo el que es probablemente su mayor logro actoral. Cotillard, cuyo personaje es mucho más etéreo que el de su compañero de reparto y por ello más discreto, está igualmente espléndida. Al igual que Simon Helberg, que cuenta con menos presencia en pantalla que la actriz. Y cabe mencionar también que en su numeroso elenco de actores invitados con apariciones especiales, se pueden ver y escuchar brevemente a Angèle y Natalia Lafourcade.

Temáticamente ‘Annette’ da pinceladas de varios asuntos muy actuales como el #MeToo, la masculinidad tóxica o la fama y sus consecuencias partiendo de una sencilla premisa de drama romántico. Carax adorna la estructura teatral del guion con recursos a menudo brillantes, como en los intermedios, que son noticias de prensa rosa que van informando sobre la situación de la relación de la pareja protagonista.

El cine de Carax es siempre romántico, radical, innovador y controvertido y ‘Annette’ no es ninguna excepción. La reacción del público a ella dependerá de si se entra en la propuesta desde el principio o no, de si uno es capaz de tolerar su extravagancia o si le resulta insoportable, pero sus hallazgos visuales y sus audaces ideas narrativas resultan incontestables.

Tras estrenarse en el folk, Karla Imbert viaja a las nubes

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Karla Imbert es una joven cantautora de Sopela (País Vasco) que publicó su primer EP en 2016, hace ya un lustro. ‘Lost and Found’ contenía temas originales (‘Prague’) y alguna que otra versión (‘The A Team’ de Ed Sheeran) y se centraba en un sonido prominentemente acústico, muy idóneo para la voz de una Karla cuyo timbre, por momentos, podía recordar a los de Russian Red o Anni B Sweet.

Cinco años más tarde, Karla Imbert no es exactamente la misma artista. Sus dos nuevos singles, ‘Black and Blue’ y ‘estoy bien’, editados con el apoyo de la comunidad musical Acqustic, viajan hacia los mundos de un dream-pop electrónico, envolvente y detallista con producciones muy mimadas pero que no ahogan la voz de Karla en un segundo plano. Al contrario, Karla siempre suena en el centro.

Muy diferentes a lo que hacía hace años, ‘Black and Blue’ y ‘estoy bien’ muestran a una artista que parece estar encontrando su propio camino. Los códigos de aquel folk practicado antaño son perceptibles en la composición de ‘Black and Blue’, pero a la vez esta canción opta por perderse por los senderos de un pop electrónico que guarda ecos al downtempo de Boards of Canada o al post-dubstep de Mount Kimbie, y ‘estoy bien’, la primera canción en español de Karla Imbert, recuerda a las producciones detallistas de Nubla, subiéndose en un in crescendo que la hace despegar de Madrid hacia el cielo.

En concreto, ‘estoy bien’, hoy nuestra «Canción del Día», se inspira en la música de artistas como Alice Wonder, Natalia Lacunza o Zetazen y la canción «trata sobre tener el corazón roto, tener la convicción de que la única manera de recuperarse es evadirse y alejarse de todo lo que nos recuerda a esa persona». La nota añade: «Es la tristeza de no ser capaz de recordar quienes hemos sido, y el peso que eso acarrea. El estribillo se presenta casi como un mantra a una misma, haciendo énfasis en la necesidad de huir, de dejar de revivir la culpa y el dolor y todo lo que nos hace recordar la historia».

Lo mejor del mes:

‘El chico más bello del mundo’: la trágica vida de Tadzio fuera de ‘Muerte en Venecia’

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Luchino Visconti tenía buen ojo para los actores guapos. En los sesenta ayudó a convertirse en sex symbol a Alain Delon (‘Rocco y sus hermanos’, ‘El gatopardo’) y en los setenta a Helmut Berger (‘La caída de los dioses’, ‘Luis II de Baviera’), a quien descubrió. En 1971, hizo lo propio con Björn Andrésen. Su papel de Tadzio en ‘Muerte en Venecia’ lo convirtió de la noche a la mañana en “el chico más bello del mundo”.

A Visconti le sobraba talento para realizar la adaptación de la obra de Thomas Mann, pero le faltó sensibilidad para cuidar de su descubrimiento, para protegerlo. A diferencia de los veinteañeros Delon y Berger, Andrésen tenía solo quince años. Era huérfano (vivía con su abuela) y de carácter tímido. El director lo exhibió por el festival de Cannes y los bares gays como quien pasea a un hermoso cachorro. Como era de esperar, la fama le destrozó.

El documental ‘El chico más bello del mundo’, que forma parte de la programación del Atlántida Film Fest, el festival online y semipresencial de Filmin, comienza con la imagen de un hombre canoso y desgarbado recorriendo los pasillos de un edificio en ruinas. Luego lo veremos en su piso de Estocolmo rodeado de trastos, suciedad y notas de desahucio. Es casi un indigente. Es Andrésen.

Han pasado cincuenta años desde que Visconti lo eligiera para encarnar al bello “ángel de la muerte” de la novela de Mann. Medio siglo que recorren los cineastas Kristina Lindström y Kristian Petri en un tono triste y melancólico (a veces abusan de la cámara lenta y la pose contemplativa), como si en la desdichada vida del actor hubieran sonado permanentemente los compases de la quinta de Mahler que se escuchan en ‘Muerte en Venecia’.

La película no hace un recorrido exhaustivo por la vida de Andrésen (a quien pudimos ver recientemente en una de las secuencias más impactantes de ‘Midsommar’). Es más una aproximación al hombre, a la persona que hay detrás de Tadzio. El documental está planteado como un viaje por su memoria. El actor vuelve a los lugares que le marcaron cuando era “el chico más bello del mundo” y evoca sus recuerdos.

Esos recuerdos están acompañados por jugosas imágenes de archivo: el incómodo casting con Visconti, donde le hizo desnudarse; su estancia en Japón, donde se convirtió en un ídolo de masas e inspiró a una generación de dibujantes manga, entre ellos la pionera del shôjo Riyoko Ikeda (‘La rosa de Versalles’); o sus fotos y vídeos familiares, instantes de felicidad entre enormes tragedias.

La película huye del amarillismo, del sensacionalismo mediático que le golpeó durante su juventud. Hace lo que no hicieron con él en aquel momento: escucharle, arroparle y denunciar la forma en el que los medios y la industria del espectáculo convirtieron a un menor en un objeto sexual.

The Crab Apples / CRAP

Sólo por el nombre escogido para su tercer álbum, las barcelonesas The Crab Apples merecen un aplauso. Hartas de que la gente confundiera su nombre con «The Crap Apples», esto es, «manzanas de mierda», Carla Gimeno (voz), Laia Alsina (guitarra eléctrica) y Laia Martí (bajo) han cogido la sartén por el mango llamando su disco finalmente ‘CRAP’. Las autoras de ‘Right Here’ (2014), ‘A Drastic Mistake’ (2016) y un par de EP’s, bajo el paraguas de la comunidad musical Acqustic, diversifican su discurso en el que consideran un álbum más «complejo y oscuro».

Explican que la producción de Víctor Valiente (MUCHO, Sidonie, Standstill, Delafé) ha aportado un mayor protagonismo de la música electrónica frente al tradicional sonido de banda de rock, como ya habían ido dejando caer en algún remix durante los últimos años. Eso va produciendo que el disco vaya evolucionando de los territorios de los Goldfrapp más taciturnos (‘Ghost’) y John Parish o Black Keys (‘Spell’) hacia la pista de baile, a veces con esas referencias refulgiendo por encima de las composiciones.

A algunos ‘System Overload’ sonará como un encuentro entre Haim -esas fraseos- y Katy Perry -esa guitarra tan ‘Roar’-, y a otros sencillamente a Blondie. En general, cuando The Crab Apples cantan en inglés recuerdan a Belako en su versatilidad, y cuando cantan en español, cosa que acaban de hacer en este disco por primera vez, a Delaporte (‘Me da igual’).

Las cosas van mejorando a media que avanza ‘CRAP’, un disco que habla sobre la atracción hacia el mal, hacia «lo oscuro» (‘Spell’), sobre la marginación social («Yo no valgo nada en vuestras vidas de primera / soy solo una pieza de esta cadena», dice ‘Vidas paralelas’) y sobre la lucha y la supervivencia (‘Cucarachas’).

Cada vez que asumes que The Crab Apples deberían centrarse en el castellano dadas las tendencias del mercado, o en un estilo, ellas se apuntan un tanto volando, libres. La progresión de ‘Cucarachas’ es una cumbre en este disco, con ese desenlace tan tarareable como ideado para el directo; y lo mejor llega justo después, al final, con ‘Fire‘. Un tema que evoluciona desde la melodía a lo Lana del Rey hacia el rock con el filtro Daft Punk, cerrando al final con un saxo de corte ochentero que no esperabas de este álbum unos minutos antes.

‘Industry Baby’, la parodia a las «wip movies» de Lil Nas X

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En los años 70 se pusieron de moda las wip movies (acrónimo de Women in Prison), un subgénero que explotaba las posibilidades eróticas –sexo lésbico, peleas entre reclusas, desnudos en las duchas, abuso de poder por parte de los guardianes…- de las cárceles o los campos de concentración de mujeres. Entre la ingente producción de títulos, algunos han adquirido categoría de culto camp: la blaxploitation ‘The Big Bird Cage’ (1972), con Pam Grier de protagonista; la ochentosa ‘Rejas ardientes’ (1983), con Linda Blair con poca ropa y mucha laca; o el hit de la Transición ‘Carne apaleada’ (1978), con rollo bollo de altura entre Esperanza Roy y Bárbara Rey.

El videoclip ‘Industry Baby’ de Lil Nas X se puede leer en clave revisionista. Un Male in Prison que da la vuelta a los arquetipos del subgénero wip y los parodia con afán lúbrico, festivo y reivindicativo: el uso del color rosa en los uniformes y la decoración de las duchas, los bailes “obscenos”… En el clip aparecen la mayoría de los clichés de estas películas: desnudos en las duchas, sexo entre reclusos, erotismo en el patio, guardianes calentorros… Y el clásico final con motín, venganza contra los carceleros y fuga. Solo desentona la secuencia de afirmación hetero de Jack Harlow (no vaya a ser que nos confundamos entre tanto mariconeo).

‘Industry Baby’ también tiene otra lectura, algo más obvia. Lil Nas X utiliza la introducción del videoclip para cargar contra Nike. Se venga con humor de la multinacional a causa de la demanda que le puso esta cuando el rapero quiso comercializar unas zapas “satánicas” de MSCHF inspiradas en las Air Max ’97s.

The Weeknd, Billie Eilish, Tinashe, C. Tangana… en el top 40 de JNSP

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’Take My Breath’ de The Weeknd se mantiene en el número 1 de lo más votado de JENESAISPOP, seguido por el single más Olivia Rodrigo de Billie Eilish, ‘Happier than Ever’, que es entrada directa al puesto 2. La segunda entrada más fuerte es la de Tinashe, mientras C. Tangana llega al número 13 con ‘Yate’. También entran Lizzo con Cardi B, Big Thief, Yves Tumor y Faye Webster.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 2 Take My Breath The Weeknd Vota
2 2 1 Happier than Ever Billie Eilish Vota
3 2 2 4 INDUSTRY BABY Lil Nas X, Jack Harlow Vota
4 8 1 4 Don’t Go Yet Camila Cabello Vota
5 4 4 4 Say What You Will James Blake Vota
6 5 2 5 Don’t Wait Up Shakira Vota
7 7 1 Bouncin Tinashe Vota
8 9 8 3 Pond House Saint Etienne Vota
9 16 3 7 Bad Habits Ed Sheeran Vota
10 17 5 6 MAFIOSA Nathy Peluso Vota
11 6 4 5 Cure for Me AURORA Vota
12 15 1 6 NDA Billie Eilish Vota
13 13 1 Yate C. Tangana Vota
14 25 14 4 Living Proof The War on Drugs Vota
15 20 15 2 Sex on the Beach Iggy Azalea, Sophia Scott Vota
16 16 1 Rumors Lizzo, Cardi B Vota
17 10 9 4 Fuck Him All Night Azealia Banks Vota
18 11 5 5 Finisterre Vetusta Morla Vota
19 3 3 3 ¿Qué tal? El Buen Hijo Vota
20 20 1 Little Things Big Thief Vota
21 21 1 Jackie Yves Tumor Vota
22 19 19 5 Tratado de paz Doble pletina Vota
23 23 12 7 La voz del presidente Viva Suecia Vota
24 29 24 2 Wild Side Normani, Cardi B Vota
25 31 6 9 Let Them Know Mabel Vota
26 24 2 11 Love Again Dua Lipa Vota
27 21 21 3 Skate Silk Sonic Vota
28 7 7 5 Bunny Is a Rider Caroline Polachek Vota
29 14 9 5 Goodbye LP Vota
30 30 1 Better Distractions Faye Webster Vota
31 26 2 14 Please Jessie Ware Vota
32 34 1 46 Levitating Dua Lipa Vota
33 40 1 10 ZITTI E BUONI Måneskin Vota
34 28 28 2 Baghon Main Arooj Aftab Vota
35 18 13 5 Moreno de contrabando Carolina Durante Vota
36 30 1 16 berlin U5 Zahara Vota
37 37 10 9 Need to Know Doja Cat Vota
38 27 5 12 Like I Used to Angel Olsen, Sharon van Etten Vota
39 32 1 10 Solar Power Lorde Vota
40 35 2 11 How Not to Drown CHVRCHES, Robert Smith Vota
Candidatos Canción Artista
Care For Blossoms Vota
Chaeri Magdalena Bay Vota
More Low Vota
FVN! LVL1 Vota
Walking at a Downtown Parquet Courts Vota
Half a Song Monarchy Vota
Essence WizKid, Tems Vota
Chismiten Mdou Moctar Vota
Mood Ring Lorde Vota
Runaway Horses The Killers, Phoebe Bridgers Vota

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‘Hot N Heavy’ debería ser otro hit de Jessie Ware

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Este verano se ha publicado la edición deluxe del último disco de Jessie Ware y por supuesto por aquí no nos hemos olvidado de esa versión ampliada de ‘What’s Your Pleasure’. Además de ‘Please’, el single principal, son varios los aciertos del largo, y uno de ellos es ‘Hot N Heavy’, nuestra «Canción del Día» de hoy.

‘Hot N Heavy’ se ha convertido en la favorita del público, prácticamente igualando los 3 millones de streamings que suma en Spotify ‘Please’, en base a los sensuales «oh-ha-ha-ha-ha» que ejercen de gancho principal. Digamos que «You make me feel like oh-ha-ha-ha-ha» expresa perfectamente lo que muchos no pueden expresar con palabras en un momento dado.

Para sorpresa de algunos, Jessie Ware ha citado a Gloria Estefan como influencia en esta pista que quizá habrías situado más bien en otros lugares. «Esta canción la hice con SG Lewis. Habíamos querido trabajar juntos desde siempre. En mi cabeza, quería el rollo percusivo de los Miami Sound Machine de Gloria Estefan, y que fuera pícara, que la gente se la pudiera poner a sus amigos. Esa era mi intención: quería que la gente se la cantara mutuamente mientras bailaban». Un pequeño hito que merecería más atención, como ‘Spotlight’, ‘What’s Your Pleasure’, largo etcétera.

Lo mejor del mes:

BTS cancela oficialmente su gira mundial ‘Map of the Soul’ por la pandemia

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La gira que BTS iba a realizar este año por todo el mundo ha sido oficialmente cancelada por motivos de la pandemia de coronavirus. Los chicos del grupo lo han confirmado compartiendo un comunicado de BigHit Music, sello discográfico de la banda, a través de su perfil de Twitter.

«Nuestra empresa ha trabajado duro para retomar las preparaciones del Map of the Soul Tour de BTS», empieza el comunicado. «Sin embargo, debido a las circunstancias cambiantes fuera de nuestro control, se ha hecho complicado reanudar las actuaciones bajo las mismas fechas que se planearon inicialmente. Por tanto, debemos anunciar la cancelación Map of the Soul Tour de BTS».

El comunicado también avisa de que «los fans que hayan reservado entradas para los espectáculos de Norte América recibirán un correo electrónico de su punto de compra original explicando cómo solicitar el reembolso».

Es la segunda vez en año y media que los planes de gira de BTS son cancelados. El Map of the Soul fue anunciado originalmente en enero del año pasado y estaba previsto que iniciase en abril en el Estadio Olímpico de Seúl, pero el avance del coronavirus obligó a llevar a cabo un aplazamiento de las fechas a partir de febrero y marzo, fechas que incluían un concierto en nuestro país, en Barcelona.

El videojuego ‘Marvel’s Guardians of the Galaxy’ tendrá un álbum original

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‘Marvel’s Guardians of the Galaxy’ es un futuro videojuego de la compañía de superhéroes desarrollado por Eidos-Montréal y distribuido por Square Enix, cuyo estreno está previsto para el próximo 26 de octubre.

La música, sobre todo la setentera y ochentera, es un elemento esencial en ‘Guardianes de la Galaxia‘ y este videojuego no iba a ser una excepción. Se ha confirmado que contará con su propio álbum, ‘Space Rider’, que podrá escucharse dentro del propio videojuego a través de una jukebox de Milano.

«La banda sonora está impregnada en el ADN del juego, y su uso va mucho más allá de las expectativas habituales», explica Steve Szczepkowski, direcctor senior de sonido de Eidos-Montréal. Y es que el soundtrack del videojuego no contará solamente con la banda sonora original de Richard Jacques y con algunas de las canciones más famosas de los años 80, sino que también habrá nuevos temas de rock compuestos e interpretados por Szczepkowski.

La idea de estas nuevas canciones surge a través de la creación de una banda imaginaria llamada ‘Star Lord’, que es el apodo que recibe el personaje de Peter Quill (Chris Pratt en el universo cinematográfico). Según Eidos-Montréal, Szczepkowski confirma que escribió y grabó diez canciones, «todas fueron aprobadas por Marvel, y aprobadas por mi director creativo».

En resumen, ‘Space Rider’ contará con la ya mencionada banda sonora original de Richard Jacques, treinta canciones muy famosas de los años 80, que incluyen a Kiss, Iron Maiden o Joan Jett, y las piezas originales compuestas y grabadas por Szczepkowski. Y aunque el tracklist no está confirmado, estas son algunas de las canciones más icónicas de ‘Guardianes de la Galaxia’.





Danna Paola se ha vuelto una ‘Kaprichosa’ en su nuevo single

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‘Kaprichosa’ es el nombre que ha recibido el nuevo single de Danna Paola, que se ha estrenado con videoclip incluido hoy en España después de su primer lanzamiento ayer en México.

A principios de mes, la cantante publicó una foto en Instagram compartiendo un verso de la canción: «Si quiero, lo obtengo y más si es prohibido». A primera vista no parecía nada relevante, pero los más avispados se darían cuenta de que había más pistas, como un emoji de notas musicales o un hastag con la inicial del tema. El anuncio definitivo llegó hace cuatro días, también por sus redes sociales.

‘Kaprichosa’ es el segundo single de Danna después de que lanzara ‘Mía’ el pasado mes de junio. «Como artista busco que a través de mi música se inspiren, se identifiquen con la letra, pasando un buen momento al escuchar y sentir su ritmo, por eso espero que la disfruten tanto como yo y saquen su kaprichosa interior al bailarla», explica la artista sobre el tema.

En el videoclip podemos ver a una Danna con mucha seguridad y que lleva las riendas de sí misma. Su letra y su significado es casi una fusión entre ‘Mala Fama’ y ‘Calla Tú’. En el caso de la primera canción, versos como «me enamoro por la noche y se me pasa a la mañana» o «yo hago lo que quiero si me da la gana» son muy parecidos a «oye, nene, no te me adelantes. Si te quedas conmigo, no es pa que te cases» y a «hago lo que quiero porque puedo y ya» en ‘Kaprichosa’. Y en lo que respecta a ‘Calla Tú’, si en su letra Danna daba importancia a su poder como mujer, en este nuevo single el mensaje se multiplica.

«Yo cambio de presa cada día. Baby, ya volvía a la cacería».

Blossoms, entre el disco y el pop británico clásico en ‘Care For’

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Blossoms, muy populares en Reino Unido gracias a los tres discos que han editado hasta el momento, dos de ellos número 1 en este país, están de vuelta. El primer adelanto de su próximo largo llega con las novedades de hoy viernes y responde al nombre de ‘Care For’. Es su mayor incursión en la música disco hasta la fecha y nuestra «Canción del Día» hoy.

‘Care For’ es una canción de amor, de agradecimiento hacia una pareja que siempre está para nosotros y que «nunca abandona», lo que deviene en una «devoción honesta» y total. Musicalmente representa según los propios Blossoms un acercamiento a los territorios de ABBA y Bee Gees, aunque hay que decir que evita todo factor de pop kitsch, sonando más bien a las muchas canciones orquestadas que nos dejó el pop de las islas antes y durante el Brit Pop.

No en vano The Style Council están entre las influencias oficiales del tema, como recoge About Manchester. También aparecen mencionados Diana Ross y el trabajo de John Lennon y Yoko Ono en el excelente ‘Double Fantasy’.

Como han explicado al NME, ‘Care For’ fue escrita en realidad en 2019, es decir, en verdad es anterior a ‘Foolish Loving Spaces‘, pero el grupo no sabía qué hacer con ella. «Siempre nos encantó pero no sabíamos qué hacer con ella. Así que cuando vino la idea de hacer algo nuevo, sabíamos que necesitábamos sacarla», ha dicho Tom Ogden. También indica que le recuerda a la gloriosa ‘You To Me Are Everything’ de The Real Thing.

Les han ayudado en la grabación los habituales James Skelly de The Coral y Rich Turvey, aunque aquí la noticia es la sección de cuerda, para la que han llamado a Rosie Danvers, quien se encargara de clásicos tan dispares como ‘Murder on the Dancefloor’ y ‘Set Fire to the Rain’ de Adele. Dicen que para ellos era muy importante que las cuerdas no fueran sintéticas.