Durante años, el catálogo de My Bloody Valentine se encontraba ausente de las plataformas de streaming, por lo que era inaccesible para la mayoría del público suscrito a sus servicios. Esta circunstancia cambió en marzo del año pasado, cuando el sello Domino anunció la llegada de todos los discos de My Bloody Valentine a plataformas como Spotify. Kevin Shields explicaba que su decisión tenía que ver con que sus sobrinos querían mostrarle la música de la banda a sus amigos pero no podían hacerlo porque no estaba disponible en streaming, y le preguntaban por qué tenía que ser «tan oscuro a propósito».
Ahora, Spotify está dando a Shields una razón para arrepentirse de su decisión. El músico ha reparado en que la plataforma está mostrando letras incorrectas de sus canciones a través de su servicio de letras, asociado al catálogo de Musixmatch y estrenado el pasado mes de noviembre, y no está nada contento. «Me acabo de dar cuenta de que Spotify ha subido letras falsas de nuestras canciones sin nuestro conocimiento», ha escrito Shields. «Estas letras son totalmente incorrectas e insultantes. No estamos seguros de dónde las han sacado, probablemente de alguna de esas webs de letras de mierda que hay por internet».
El de Shields no es el único grupo afectado por este inconveniente. Un usuario de Twitter se ha dirigido a Simon Raymonde de Cocteau Twins para informarle que la letra de ‘Pandora (for Cindy)’ subida a Spotify tampoco es la correcta, algo que ha corroborado el propio músico, que incluso se ha puesto en contacto con su sello para arreglar el problema.
«Ya he informado a 4AD y a Spotify de que las letras, y todas las letras de Cocteau Twins que hay en internet, no tienen sentido, pero no tengo ni idea de cómo está el asunto», ha expresado. El músico indica que «si hubiéramos querido que las letras de Cocteau Twins estuvieran disponibles por todas partes ya lo habríamos hecho hace 30 años», apunta que le parece «triste» que exista una página de Twitter dedicada a «postear letras de Cocteau Twins» y, ante la sugerencia de que el grupo suba sus letras oficialmente en algún lado, señala que es Elizabeth Fraser quien debería tener la última palabra.
En Spotify aún las letras aparecen como «proporcionadas por y con licencia de Musixmatch», un catálogo de letras que ha firmado acuerdos con grandes multinacionales como Universal o Warner, por lo que sería de esperar que las letras subidas a la plataforma sueca fueran las correctas, y no las que cualquier persona puede editar en sitios como Genius, aunque estos permiten a su vez subir letras oficiales verificadas por los propios autores.
Charlie Puth lleva un tiempo fuera de los focos preparando su nuevo álbum. Ha sacado algún single suelto, como ‘Girlfriend‘ o ‘Cheating on You’, que no han funcionado mal pero tampoco han alcanzado la repercusión de ‘Attention‘, y además ha co-escrito y co-producido el último «sleeper hit» de Katy Perry.
2022 será el año en que vea la luz el álbum de Charlie Puth, como él mismo se encargaba de confirmar en Twitter hace unos meses. El disco llevará por título ‘Charlie’ y no habrá que confundirlo con ‘Charli‘ de Charli XCX, lo cual sería complicado pues el single no puede llevar más la marca del autor de hits como ‘How Long’ o ‘We Don’t Talk Anymore’.
Adelantada en TikTok durante meses aunque han parecido años, ‘Light Switch’ es una de las novedades musicales que ha dejado la semana, un tema ultrapop de los que suele marcarse Charlie Puth, por supuesto producido por él mismo y animado por el galope de un ritmo ochentero y por el derroche de melodías pegadizas que suele gastar el artista. Hoy es la Canción Del Día.
El «interruptor» que se le «enciende» a Charlie Puth cada vez que observa el cuerpo de la chica que le gusta ya nos podemos imaginar cuál es -la portada más sugerente no puede ser- y la producción incorpora el simpático sonido de este dispositivo en el estribillo, el cual, en un momento concreto, «apaga» la canción durante un segundo en el que esta queda completamente en silencio.
En la línea del videoclip de ‘Girlfriend’, el de ‘Light Switch’ apuesta por el humor, y nos presenta un «make over» de Charlie Puth que ni ‘Queer Eye‘: al artista le ha dejado su novia y se ha dado a las patatas fritas y a la vida sedentaria, pero un entrenador le ayuda a salir del pozo, aunque la misión a Charlie no le sale tan bien como esperaba.
Meat Loaf ha muerto a los 74 años tal y como ha confirmado su familia en un comunicado. «Nos rompe el corazón anunciar que el incomparable Meat Loaf ha fallecido esta noche acompañado de su mujer Deborah. Sus hijas Pearl y Amanda y sus amigos cercanos han permanecido junto a él en las últimas 24 horas».
Meat Loaf era el nombre con el que se conocía al cantante y actor Marvin Lee Aday, pero originalmente también era el proyecto colaborativo de Marvin y el compositor Jim Steinman, fallecido el año pasado. Juntos crearon el álbum de hard-rock ‘Bat Out of Hell’ basándose en el musical ‘Neverland’, una adaptación futurista de ‘Peter Pan’, sin imaginar que se convertiría en uno de los 5 discos más vendidos de la historia, en concreto el cuarto según la Wikipedia anglosajona. Solo superan sus ventas ‘Thriller’ de Michael Jackson, ‘Back in Black’ de AC/DC y la banda sonora de ‘El Guardaespaldas’.
Publicado en 1977, ‘Bat Out of Hell’ ha vendido más de 40 millones de copias en todo el mundo y cuenta con 14 certificaciones de Platino. Además, es el disco más vendido de la historia en Australia, si bien fue Reino Unido el mercado principal de Meat Loaf durante décadas, incluso más que Estados Unidos. El álbum forma parte de una trilogía compuesta también por ‘Bat Out of Hell II: Back into Hell’ (1993) y ‘Bat Out of Hell III: The Monster Is Loose’ (2006) cuyas ventas totales superan las 65 millones de copias.
Meat Loaf fue conocido por el estilo rimbombante y teatral de sus canciones y de sus directos, cultivado durante años en los varios musicales en los que participó antes incluso de dedicarse a la música, como ‘Hair’, ‘The Rocky Horror Picture Show’ o aquel ‘More Than You Deserve’ en el que conoció a Steinman, con quien colaboraría a lo largo de varias décadas.
Tras publicar una serie de álbumes que no alcanzaron demasiada relevancia durante la década de los 80, en los 90 Meat Loaf protagonizó un «comeback» histórico con el segundo volumen de ‘Bat Out of Hell’, que vendió 15 millones de copias gracias al éxito del single ‘I’d Do Anything for Love (But I Won’t Do That)’, que alcanzó el número 1 en 28 países.
A finales de los 90, Meat Loaf apareció en la película ‘El club de la lucha’ y a lo largo de las décadas siguientes siguió publicando álbumes, el último de ellos en 2016, y dando conciertos.
Hoy salen los nuevos discos de Los Planetas, del que conocíamos más de la mitad de las pistas; Years & Years (sobre el que hemos tenido oportunidad de hablar con el encantador Olly Alexander), Christina Aguilera (el EP ‘La fuerza’, primera parte de su futuro largo); la banda revelación Yard Act, León Benavente, AURORA, Utada Hikaru y la misteriosa banda de rock’ n roll Chicle integrada por «Chicle clorofila», «Chicle fresa ácida» y «Chicle menta».
Entre los singles que ven la luz hoy que acusan madera de hit hay que contar el tema ultrapopero de Charlie Puth, que ya ha sido añadido al Today’s Top Hits; y también vuelve la recién graduada Megan Thee Stallion con un single junto a Shenseea llamado ‘Lick’ que parece pensado para ser el nuevo ‘WAP’. También llega el tema de Lana Del Rey para ‘Euphoria’.
También vuelve la prometedora Holly Humberstone con el primer single que edita tras el lanzamiento de su recomendable EP. Tove Styrke lanza un nuevo tema cuya base es la guitarra eléctrica y cuya portada es su culo; y ojo al estupendo nuevo single de Nilüfer Yanya o al fiero regreso de Biznaga. Jenny Hval, en la foto, vuelve con otra de sus interesantes composiciones.
También ocupan la playlist los nuevos lanzamientos de Josef Salvat, Blanco Palamera, DARKSIDE, Soledad Vélez, Au/Ra, Kiesza, Angel Olsen (una versión de Karen Dalton), Safree, The Head & the Heart, Alice Wonder, Sevdaliza, Ciudad Jara, Pussy Riot, Tórtel o una canción de Maluma llamada ‘Cositas de la USA’, entre otras.
Ya habíamos anticipado la playlist con los últimos singles que adelantan los nuevos discos de artistas tan queridos por aquí como Big Thief, Hatchie o Animal Collective. Directamente Beach House han compartido 5 canciones más del que será su nuevo álbum, compuesto por 4 EP’s de los que ya llevamos 3.
Entre las curiosidades del día, el tema bailable de Romy de The xx junto a Fred again.., la colaboración de Sigrid con Griff, el sucesor del macrohit de GAYLE (muy Olivia Rodrigo) o el tema de Viva Belgrado. Compartimos también lo nuevo de La Bien Querida, Carrera o Rosin de Palo.
Years & Years arrasaron con su debut ‘Communion’, sumando hits a nivel mainstream como ‘Take Shelter’, ‘King’ o ‘Desire’ con un vocalista abiertamente gay, detalle que no haría falta mencionar si no fuese todavía tan extraordinario en el sentido literal de la palabra. Olly Alexander lo sabe, y por eso no ha dejado de reivindicar su lucha por los derechos LGBT y por la salud mental, especialmente en el siguiente disco, un reivindicable ‘Palo Santo’ que en 2018 no terminó de funcionar a nivel comercial tan bien como el anterior. En 2021 se anunció que Mikey y Emre dejaban la banda de manera amistosa (seguirán tocando en los directos), pero que el proyecto seguía y el nombre continuaba, aunque se quedase solo Olly Alexander. Ahora nos llega ‘Night Call’, el tercer disco del grupo y el primero solo con Olly, lo cual es para él una prueba de fuego casi mayor que la anterior.
‘Night Call’ es el primer disco que editas como Years and Years en solitario. ¿Qué tal eso de llevar la promo, las entrevistas, etc, tú solo esta vez? ¿Súper reventado o qué?
(ríe) Mucho. Además es muy raro porque antes de las navidades había como esta megaprisa por terminarlo todo antes de que la gente se fuese de vacaciones, luego vinieron las vacaciones… y ahora es como si mi cerebro siguiese de vacaciones y no hubiese reconectado aún, y de repente mi cabeza está en plan “¡mi álbum sale ya! ¡¿Cuándo ha pasado esto?!”. O sea, no me siento NADA preparado… ¿pero supongo que lo estoy? Puf, no sé (ríe) Desde luego es un torbellino de emociones, y estoy muy contento por el hecho de que el disco vea la luz por fin.
Supongo que además la pandemia retrasó tus planes al respecto.
Sí, pasó un poco con todo, y esto no fue una excepción: era mucho más difícil cuadrar horarios, producir, hacer los vídeos, contactar con la gente, etc. Me parece como surrealista que hayamos conseguido hacerlo en estas condiciones… ¡pero hey, lo hemos hecho!
¿Cómo has hecho esta vez para la producción del álbum, ya sin Mikey y Emre?
He tenido a mi lado a Mark Ralph, que produjo ‘Communion’, así que no ha sido tan complicado como pensaba. Cuando no eres productor, es muy difícil comunicar cómo quieres que suene una canción, de forma técnica, ¿sabes? Pero al final encontramos el punto, yo estuve escuchando mucha música y le decía “mira, quiero que suene a esto, un poco a esto, mezclado con esto otro, quiero que tenga un beat fuerte aquí tipo esto otro, etc”. Y Mark, que es un absoluto genio del dance y le encanta tanto como a mí, tenía también muchísimas ideas, y es además una persona en la que puedes confiar trabajando, que es bastante importante, poder tener la confianza para decir claramente lo que te gusta y lo que no.
¿Tienes pensado el siguiente single? A mí ‘Night Call’ (canción) me parece que lo grita…
¡Y a mí! De hecho hace tiempo que quiero sacar ‘Night Call’ como single, ojalá pueda. Yo voy a intentarlo, desde luego.
Soy muy de ‘Palo Santo’. Sé que fue menos aclamado (y bastante menos exitoso) que ‘Communion’, pero como disco me parece incluso más redondo, me gustó mucho el concepto alrededor y las temáticas que se trataban y cómo podíamos vernos reflejados en sus canciones. No sé qué recuerdos guardas tú.
Muchas gracias… me alegra mucho oír algo así de dulce sobre ‘Palo Santo’, porque me encanta y desde luego fue una lucha sacarlo adelante. Supongo que es un poco de libro: segundo disco tras un debut que resulta ser un hit mucho mayor del que cualquiera de los tres esperábamos, intentas recrear lo que has hecho antes pero a la vez quieres sacar algo distinto, debatís mucho sobre las direcciones… fue muy difícil hacerlo y enfrentarse luego a las expectativas, la verdad. Todo eso hace también que esté muy orgulloso de ese disco. La cosa es que se supone que con el tercero ya tienes esa lección aprendida, y no sé qué decirte (ríe), ¡porque a veces siento como si no hubiese aprendido nada! Al final lo que tienes que decirte a ti mismo es: pon un pie delante del otro y empieza a andar, ya lo irás resolviendo.
«Fue muy difícil enfrentarse a las expectativas con el segundo disco»
Precisamente en ‘Palo Santo’ había grandes baladas, como ‘Here’ o la propia ‘Palo Santo’, y una de las cosas que me ha llamado la atención de ‘Night Call’ es que no hay ni una, lo más cercano sería ‘Strange and Unusual’, pero sigue siendo bastante uptempo…
Sí, sí, es totalmente intencionado. Es que no me apetecía escribir canciones lentas, ¿sabes? Hice ‘Strange and Unsual’ y pensé “esto es lo más downtempo que vamos a tener, no vamos a tener ninguna balada, y está bien así”. Quería que fuese todo lo más uptempo posible, no dejar espacio para tomar ningún respiro, quería mantener la energía. Me encantan las baladas, ojo, pero me las guardo para el siguiente. Lo que quiero ahora es bailar.
Siempre has hablado de forma muy abierta sobre tu salud mental, incluyendo estos temas en tus canciones casi que desde que empezaste, y siendo una de las voces en la música a nivel internacional que más la tiene presente en sus entrevistas. En nuestro país, el considerado por la mayoría de prensa musical como mejor disco del año, ‘PUTA’, es precisamente un álbum en el que su cantante Zahara habla abiertamente sobre su depresión, bullying, TCAs, maltrato, abuso sexual e incluso intentos de suicidio, y ella misma cuenta que le ha servido para exorcizar muchos demonios. Quería hablar contigo sobre el poder que tiene la música a la hora de hablar de salud mental, de conectar con personas y poder hacerles sentir mejor, y de ayudar al propio artista con heridas que sigan abiertas. No sé si ha sido tu caso también.
Guau, me parece maravilloso eso. La verdad es que la música está ahí para nosotros en nuestros momentos más oscuros… a mí claro que me ha pasado eso, y en ambos sentidos. La música es como una compañera en muchos momentos de tu vida, y eso puede traducirse en algo reconfortante, pero también en algo doloroso. No sé cómo se siente ella cuando tiene que cantar esas letras en directo, pero también puede ser muy curativo, porque construyes algo a partir de tu dolor, que supongo que es su caso, y además lo compartes con personas que ven algo más ahí, porque ven un reflejo de ellos mismos. Y eso es precioso, creo que es lo más bonito y lo más poderoso que tiene la música. Por supuesto los artistas son libres de crear de la forma en que ellos prefieran, pero creo que cuando haces algo así y compartes cosas así… creo que ahí hay un poder innegable.
«Construir algo de tu dolor y compartirlo con quienes se ven reflejados es lo más poderoso que tiene la música»
Hiciste un documental para la BBC, ‘Growing Up Gay’, en el que contabas tu propia experiencia, y es curioso cómo hay detalles que pueden parecer tonterías pero muchos sentimos que no lo son. En las letras de Years & Years siempre están presentes los pronombres masculinos, y leí en una entrevista que, de pequeño, siempre escribías en tu diario “tú y yo”, escondiendo el pronombre para que nadie supiese que se trataba de un chico. Algo así pasa no ya en diarios, sino en canciones de artistas gays/bi que no se sienten preparados para salir del armario, o incluso que han salido pero tienen miedo a que “eso” llame la atención.
Sí, creo que todos pasamos por esa etapa de negación, de auto-odio… yo no quería ser gay, ¿sabes? En mi caso fue una mezcla de negación y de miedo. Y luego… con suerte, se supone que tienes que aceptarte, salir del armario, etc, y todo eso es un proceso bastante complicado. Es muy complicado. Dependerá para cada uno, claro, pero para mí lo fue… es como que tienes que, de repente, cambiar tu punto de vista de forma radical, para poder aceptarte. En cierto modo siento que todo eso también me ha dado, no sé cómo expresarlo, ¿como compasión? O empatía por otras personas. No sé, todo el mundo sufre, y por eso lo que deberíamos hacer es intentar ayudarnos.
«Yo no quería ser gay, ¿sabes? En mi caso fue una mezcla de negación y de miedo»
Incluso cuando se supone que ya nos aceptamos, que vivimos con naturalidad, etc, es como que la homofobia interiorizada sigue ahí, ¿no?
Es que es muy difícil. No puedes quitártelo y ya está, está muy arraigado dentro de ti desde el momento en que naces y abres los ojos (ríe) Aunque luego “abras los ojos” en este aspecto, hay muchas influencias del ambiente, de la cultura, de nuestro crecimiento, nuestra infancia y adolescencia, de cosas que nos han dicho o que hemos oído… hay muchísimas cosas que desaprender. No todo el mundo se siente así, por supuesto, pero hablo por mí, y para mí ha sido y es duro, cuesta mucho quitarte todas estas cosas. ¿Sabes una cosa que me sigue pasando? Cuando alguien me está hablando y tal, y no sabe que soy gay, asume que soy hetero, me pregunta si tengo novia o algo así… aparte de sorprenderme, porque es como “¡si soy súper visible!”, me quedo un poco congelado, sin saber qué responder. Es que puedes estar como súper seguro de ti mismo y de repente estar súper inseguro, creo que esto también es importante contarlo.
Hubo muchas coñas con la serie ‘Years and Years’ por tener el mismo nombre que vosotros. Así que fue muy curioso que en el siguiente proyecto de Russell T. Davies, su creador, tú fueses el protagonista (de ‘It’s a sin’, miniserie de Davies para HBO).
Yo se lo dije a Russell, “esto es el Destino” (ríe) Siempre me ha gustado su trabajo, es un genio, y en cuanto leí el primer episodio ya me tenía. Le cogí mucho cariño además a Ritchie (NdR: su personaje), y fue una experiencia fantástica vivir en ese mundo, trabajar con todas estas personas…
«Todo el mundo sufre, y por eso lo que deberíamos hacer es intentar ayudarnos»
No era tu primera vez interpretando ni mucho menos: has hecho teatros, series como ‘Skins’ y películas como ‘Enter the Void’. Esto último fue muy sorprendente para mí, la vi el año pasado por primera vez, y de repente pensé “joder, lo que se parece ese tío a Olly Alexander”… ya tuve que comprobarlo y, efectivamente, eras tú. ¿Cómo fue eso de trabajar con Gaspar Noé?
¡Dios! (ríe) Pablo, creo que eres la primera persona que me pregunta sobre esto, y me encanta, el echar la vista atrás sobre eso, buah… fue muy surrealista. Tenía 17 años, estaba en Tokyo, era la primera vez que estaba fuera de casa, y me vi haciendo esta película loquísima con Gaspar Noé… que, en el día, es como un niño pequeño, ¿sabes? Es muy dulce. Siempre estaba riendo, haciendo bromas y tal, y además como buen fan de Kubrick, él también hacía como 15 tomas de cada plano: si estaba discutiendo con mi madre, o rompiendo un plato en la cabeza de un amigo, o chupándosela a un policía, todo escenas muy intensas, y cada una de ellas teníamos que hacerlas la friolera de 15 veces. ¡Pues imagínate! La experiencia fue rara de cojones, muy salvaje, pero a la vez maravillosa: era un chavalito inglés haciendo locuras por Tokyo, no sé, lo recuerdo como una de las mejores etapas de mi vida, fue muy guay.
Parece mentira que en 2021 toque de hablar de Las Vegas como si fueran los años 70, pero de un tiempo a esta parte la capital de Nevada se ha convertido en el destino predilecto de una serie de artistas de gran éxito comercial que buscan otro tipo de propuesta de directo. Bruno Mars ha sido el último en anunciar residencia en Las Vegas junto a Anderson .Paak dentro de su proyecto conjunto Silk Sonic, con el que ha obtenido un macrohit del tamaño de ‘Leave the Door Open’; y de hecho Mars ya protagonizó solo su propia residencia entre los años 2016 y 2019.
Actualmente, Katy Perry está presentando su propia residencia en Las Vegas, tan espectacular, vistosa y camp como se esperaba, y el sitio está tan de moda que Katy presentará el concierto a través de Saturday Night Live este fin de semana. Y a finales de este mes será Adele quien se embarque en su propia residencia en Las Vegas, con una serie de conciertos que durará tres meses. Vale que la música de Adele es más para adultos que para la generación TikTok, pero no solo los adultos pueden estar escuchando ahora mismo ‘Easy on Me’, actualmente la canción más exitosa en TODO el mundo.
Cuando hace unos años un artista actuaba dentro de una serie de conciertos continuos en Las Vegas se consideraba que allanaba el terreno para el fin de su carrera. Actuar en Las Vegas era, a ojos del público, sinónimo de retirarse de la música, de estar acabado. Y aunque es cierto que las residencias de Céline Dion, Elton Jonn, Shania Twain o Cher, a la que JENESAISPOP tuvo oportunidad de ver en directo; fueron muy exitosas, también lo es que estos artistas actuaron en Las Vegas porque se encontraban en el ocaso de su etapa comercial. Se consideraba que eran «legacy artists» porque atraían a sus conciertos a un público veterano que había seguido desde siempre su trayectoria pero también eran incapaces de renovar su carrera con nuevos discos o singles de éxito que conquistaran a la gente joven.
En un momento la tendencia de Las Vegas empezó a cambiar hasta la situación en la que nos encontramos, y en este caso hay que hablar sin duda de Britney Spears, a quien se atribuye haber revolucionado la cultura de Las Vegas con su residencia ‘Piece of Me’, que tuvo lugar entre 2013 y 2019. Hace tiempo que Britney no lo peta comercialmente como antes, pero tampoco ha llegado a ser una «artista de legado» todavía, como demuestra por el ejemplo el éxito paulatino de ‘Work Bitch‘; y además su público sigue siendo eminentemente joven, pues ella también lo es (tenía 32 años cuando arrancó la residencia). ‘Piece of Me’ atrajo a millones de jóvenes a Las Vegas y, desde entonces, la ciudad no ha dejado de recibir a artistas veteranos o que lo son relativamente pero que de ninguna manera se puede considerar que estén acabados, como Jennifer Lopez, Calvin Harris, Mariah Carey o incluso una Lady Gaga que no puede estar más en boga sobre todo por sus últimos pasos cinematográficos.
Son varias las razones por las que los artistas se sienten atraídos por ofrecer conciertos continuos en Las Vegas. Son espectáculos enormemente lucrativos porque forman parte de una «experiencia» completa de turismo, consumo y diversión en la ciudad, pero también porque, al ser fijos, ofrecen el aliciente de ser shows mucho más elaborados de lo que permite una gira al uso. En este sentido, los artistas se ahorran el cansancio de las giras, los viajes de país en país y de hotel en hotel y algunos incluso pensarán que se «han ganado» que sea el público que acuda a verlos y no al revés, y en el caso de artistas como Jennifer Lopez o Christina Aguilera, que para empezar han hecho pocas giras internacionales, suman un atractivo nada desdeñable a su perfil como performers.
Hay alguien que sale perdiendo en la moda de las residencias en Las Vegas: el público mayoritario que no puede viajar a Estados Unidos y gastarse un riñón para asistir al concierto de su artista favorito. Pero en estos tiempos de gran incertidumbre causada por la pandemia, en los que The Weeknd y Justin Bieber confirman giras a 800 años vista y el título de la gira de ‘Future Nostalgia’ de Dua Lipa se ha cumplido cual premonición, pues ho hay manera que la gira arranque de tanto que se está postergando, hay una serie de artistas que buscan arriesgarse lo menos posible y, de paso, ofrecer espectáculos de calidad sin necesidad de viajar de un lado para otro. Un único país vacunado y seguro es mejor que 50 países que suman datos más inciertos… claro que eso tampoco te asegura nada.
Es curioso el camino que toma la percepción de algunos discos. Este ‘The Path of the Clouds’ salió a finales de octubre, cuando nos las prometíamos muy felices: los conciertos se celebraban, bailábamos y la vida parecía casi normal. ¿A quién le apetecía un álbum tan brumoso? Y ahora que todo se ha vuelto a fastidiar hasta nueva orden, es cuando el disco acude a nuestro rescate y se revela como un buen compañero para sobrellevar las penas invernales, más invernales y penas que nunca (otra vez más).
Sobrellevar, pero no acentuar. Marissa Nadler no ha cambiado demasiado de tercio. La languidez, la rerveberación, la ensoñación, su voz encantada, el sonido que se mueve entre la americana, el folk levemente psicodélico y el dream pop… Todos esos elementos siguen ahí. Este 2021 ya tuvo un precedente, un ensayo general: el LP de versiones ‘Instead of Dreaming’, muy estimable, aun conteniendo la enésima versión del ‘Nothing Else Matters’ (en serio, qué pesadez de canción). ‘Instead of Dreaming’ ya marcaba el camino: lo que ha perdido Nadler es carga tremendista. Sus canciones siguen siendo graves, solemnes. Pero ha abandonado en gran parte lo ominoso para ahondar en la melancolía.
‘The Path of the Clouds’ tampoco lleva la carga autobiográfica de ‘For My Crimes’. Marissa esta vez es la única productora y parece más interesada en explicar historias “basadas en hechos reales”. Al menos, en el inicio. La “murder ballad” ‘Bessie Did You Make It?’ relata la desaparición de Glen y Bessie Hyde en 1928, con “plot twist” final. Pero aun así, esta pieza de “americana” abandona lo tremendista, parece abrirse por un camino más de resignación que de oscuridad; Nadler nos otorga un estribillo maravilloso que se clava en el cerebro, conformado por unos “did you make it?”, que repite insistentemente.
El piano de la homónima ‘The Path of the Clouds’ arrastra a Marissa a territorios de Beach House. Narra la historia real de D.B. Cooper, un hombre que secuestró un avión en 1971, saltó en paracaídas con 200.000 dólares y del que nunca más se supo. Menos etérea y más blues se muestra en el puente de ‘Couldn’t Have Done the Killing’, con su desarrollo final a guitarrazos debidamente tamizados.
El disco se decanta hacia la claridad para la cuarta pista, salpicado de arpas (cortesía de Mary Lattimore), sintetizadores y melotrones que se deslizan delicadamente. Hay soul embrujado, mezclado con psicodelia y dream pop, en ‘If I Could Breathe Underwater’; hay tierna emoción que se va revelando paulatinamente en ‘Elegy’, que suena poco a elegía y sí a esperanza, a elevación, gracias al arpa, que le otorga un aura celestial y conmovedora. Y se llena de luz en la folkie y etérea ‘From Vapor to Stardust’, donde la voz de Marissa se eleva, en un camino a la redención que culmina en delicadeza folkie de ‘Lemon Queen’.
‘The Path of the Clouds’ es un disco que no rehuye la tristeza, pero la ternura que desprende arrulla y consuela en momentos difíciles.
Pedro Almodóvar producirá su primera serie para Apple TV+ y será la adaptación de ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’, la película que impulsó la carrera del manchego en 1988, según informa The Hollywood Reporter.
La serie, que alternará diálogos en español e inglés, aún está en la fase inicial de desarrollo por lo que no se ha iniciado el proceso de casting. Por el momento está confirmado el nombre de la actriz que interpretará el papel protagonista. Gina Rodríguez (‘Jane The Virgin’) será la encargada de dar vida a Pepa en esta adaptación y faltarían por confirmar las intérpretes para los personajes de Julieta Serrano, Rossy de Palma o Antonio Banderas, entre otros.
En ‘Women on the Verge’ (posible nombre de la serie) Almodóvar también contará en la producción con Eugenio Derbez y Noelle Valdivia (‘Masters of Sex’, ‘Mozart in the Jungle’, ‘Smash’) como guionista. Esta adaptación de ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’ no será la primera que se realice en Estados Unidos, ya que entre 2010 y 2011 la película se convirtió en un musical de Broadway.
Esta noticia llega en un momento en el que Almodóvar se encuentra preparando ‘Manual para mujeres de la limpieza’, su primera película en inglés y adaptación de la novela de Lucia Berlin que protagonizará Cate Blanchett y cuyo guion ya tiene escrito. Además, está trabajando junto a Penélope Cruz en ‘Not a Bride’, una docuserie sobre los matrimonios forzosos que sufren millones de niñas en el mundo.
Sia ha revelado para The New York Times que tras la controversia y reacción contra ‘Music’ (2021), su debut como directora, tuvo tendencias suicidas y entró a rehabilitación.
En febrero del año pasado las redes sociales se llenaron de mensajes “cancelando” a ‘Music’ y a Sia. Más de 50.000 personas firmaron una petición para que la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood retirase las dos nominaciones de la película a los Globos de Oro, alegando que la forma en la que muestra a su protagonista autista era “ofensiva” y contribuía a perpetuar los «estereotipos dañinos» sobre las personas con esa condición. Además de sus nominaciones a los Globos de Oro obtuvo tres galardones en los premios Razzie: a Peor Directora, Peor Actriz y Peor Actriz de Reparto.
Además, criticaban la decisión de Sia de elegir a la actriz y bailarina Maddie Ziegler para el papel principal de Music Gamble, una adolescente con autismo en vez de a una actriz que forme parte del espectro autista. Ziegler y Sia habían trabajado juntas anteriormente en los vídeos de ‘Chandelier’ y ‘Elastic Heart’. La comunidad autista condenó a ‘Music’ por esta elección y la errónea representación del autismo en la película.
Ahora Sia revela que aquellos momentos fueron muy difíciles para ella: “Tenía tendencias suicidas y recaí y fui a rehabilitación.” La cantante mencionó que su amiga y comediante Kathy Griffin fue la persona que la ayudó a superar todo lo malo, asegurando que le salvó la vida y le ayudó a mejorar su imagen ante la prensa durante los siguientes meses.
En el momento del estreno de la película y motivados por su nominación a los Globos de Oro, varios actores con autismo se posicionaron en contra de ‘Music’, alegando que era “algo que está haciendo daño activo a las personas”. La actriz Chloé Hayden denunció que el casting de Sia estaba “socavando las capacidades de las personas autistas y haciéndonos pasar por bebés. En segundo lugar, si su película trata sobre la inclusión, pero no está haciendo que el set de filmación real sea inclusivo, menosprecia por completo el punto”.
Britney Spears y su hermana Jamie Lynn cantaron «juntas» en 2013 una canción llamada ‘Chillin’ with You’ en la que «bebían vino» y «flotaban en el cielo» sin ningún tipo de preocupación. Hoy la pista 9 de ‘Britney Jean’ no puede sonar más marciana en el contexto de la riña que existe entre ambas, expuesta públicamente a lo largo de varios días y sin que se vislumbre un final en el horizonte; y que en los últimos días ha alcanzado nuevos niveles de surrealismo.
El contexto es el siguiente: Jamie Lynn ha publicado un libro llamado ‘Things I Should Have Said’ en el que habla de su traumática experiencia como miembro de la familia Spears. Britney es mencionada cuantiosas veces, y Jamie Lynn ha estado promocionando el libro en varios espacios en los que ha hablado de su experiencia personal con su hermana y sus «episodios emocionales». Jamie Lynn siente que ella «nunca ha importado» en la familia porque solo Britney ha recibido siempre la compasión de sus padres.
En un incidente que cuenta Jamie Lynn, Britney se presenta en su habitación una noche con un cuchillo en la mano porque se siente «asustada» por algo. La protagonista de ‘Zoey 101‘ ha explicado que esa noche se sintió «insegura» en compañía de Britney pero, en un podcast, ha matizado que la cantante solo quería dormir con ella porque se sentía asustada y que en ningún caso sintió que el comportamiento de Britney supusiera un peligro para ella. Britney ha negado que este incidente tuviera lugar y ha tildado a su hermana de «escoria» por «inventarse algo así».
Las historias de Jamie Lynn han forzado a Britney a mandar una advertencia legal a Jamie Lynn para que deje de hablar de ella, pero dicha advertencia no ha parado a la intérprete de ‘Toxic‘ de seguir lanzando públicamente reproches hacia su hermana. Entre otras cosas, Britney ha increpado a Jamie Lynn que no la apoyara como ella necesitaba durante los 13 años que duró la custodia ni durante su ruptura con Justin Timberlake, ha criticado que esté utilizando su nombre para vender un libro y le ha reprochado que, pese a vivir una vida cómoda y privilegiada gracias a ella, aún tratara mal a su madre y a su hermana.
De otra manera, a lo largo de los numerosos mensajes que se han dejado la una a la otra, tanto Britney como Jamie Lynn aseguran seguirse queriendo la una a la otra «incondicionalmente». Y en un mensaje privado que Britney supuestamente ha enviado a Jamie Lynn y que la segunda ha leído públicamente en un podcast, Britney se disculpa con su hermana por estar «tan enfadada» con ella y señala que «aunque soy tu hermana mayor, te necesito más a ti de lo que tú me necesitas a mí y siempre lo he hecho».
Rodrigo Cuevas actuó el pasado mes de noviembre en los Emiratos Árabes para presentar su espectáculo-cabaret ‘Trópico de Covadonga’ durante la celebración de la Expo de Dubái. El artista asturiano que ha renovado el folclore musical de su tierra actuó el día 18 en el pabellón español de Dubái y el 20 en la Sharja Art Foundation, en una serie de conciertos organizados por el Gobierno para promocionar la cultura española en el país árabe.
El paso de Cuevas por Dubái había pasado desapercibido hasta hoy, cuando dos medios se han hecho eco de su actuación y han aprovechado para expresar veladamente su opinión sobre el artista.
Por un lado, Libertad Digital informa que el Gobierno ha promocionado España con cabaret protagonizado por un «transformista supremacista asturiano» que es «defensor del asturiano como «lengua oficial» y simpatizante de los socios separatistas del Ejecutivo», y se interesa por la suma económica que ha cobrado Cuevas por actuar, aunque no logra obtener esta información.
El propio Rodrigo Cuevas se ha tomado el titular de Libertad Digital con humor y ha contestado a la noticia publicando un vídeo de él cantando en la ducha, tapado únicamente con una toalla blanca. El artista canta «soy transformista supremacista, y hago de mi vida un cabaret, si está amargado y contracturado, pues hágaselo mirar usted». ¿Hit?
Por otro lado, OKDiario ofrece un álbum de imágenes del «transformista podemita que vendió España en Dubái». El artículo se refiere a la música de Cuevas como transgresora en cursiva y explica que «se trata de un artista que siempre que puede hace campaña contra partidos que no le gustan», para a continuación apuntar que Cuevas una vez opinó sobre Vox cuando un medio le preguntó por el partido de ultraderecha.
Ninguno de los medios que informan sobre la actuación de Cuevas en Dubái hablan del valor artístico de su obra ni mencionan la existencia de su premiado álbum ‘Manual de cortejo’. De hecho, OKDiario indica erróneamente que su «último disco» es ‘Trópico de Covadonga’, el cabaret a través del cual Cuevas está presentando ‘Manual de cortejo’, su verdadero último disco.
FKA twigs ha dejado atrás definitivamente la abstracción de ‘LP1’ y la tristeza de ‘MAGDALENE’ para abrazar su lado más comercial y divertido en su nueva mixtape. El Disco Recomendado ‘CAPRISONGS‘ es además un trabajo harto interesante en el ámbito de la producción, y ‘meta angel’ es una de sus pistas destacadas, hasta el punto que, por temática, puede considerarse su pieza clave.
Ese «ángel meta’ que da título a la canción representa el ente al cual FKA twigs pide ayuda para superar los pensamientos negativos que invaden su mente. En el estribillo canta que «tengo voces en mi cabeza que me dicen que no llegaré lejos» y después que «tengo amor por el deseo» pero que «estoy confundida y no sé lo que quiero». Ella quiere «tener más confianza en sí misma», como relata en la intro, que no es otra cosa que la grabación de una conversación con unos amigos, llena de carcajadas, pero señala que «siempre me paso de tímida».
Tahliah quiere petarlo, en otras palabras, pero curiosamente ‘meta angel’, hoy la Canción Del Día tras el estreno de su videoclip, es una de las pistas más melancólicas de ‘CAPRISONGS’, como expresa la melodía de siete notas que tararea la artista al principio de la canción, preciosa, y que se repetirá en el estribillo. Pero también es una de las más pegadizas (la melodía es imposible sacársela de la cabeza) y estimulantes en cuanto a producción.
La base de ‘meta angel’ no termina de ser hip-hop, sino que se aproxima más al trip-hop, pero luego las bases abrasivas y el derroche de autotune aplicado a la voz de Tahliah hacen pensar en el hyper-pop de Charli XCX. La producción de El Guincho y Teo Halm es un auténtico espectáculo también en ese final lleno de voces sampleadas que no sabes por dónde van a salir.
FKA twigs está sacando una serie de vídeos de bajo presupuesto para promocionar ‘CAPRISONGS’ y, después de estrenar el de ‘ride the dragon’, ha llegado el de este ‘meta angel’ que nos sitúa en Londres, en concreto en una azotea y también en un parque. Tahliah recibe la flecha de cupido: ¿ha sido elegida para, por fin, volar y «ser libre»?
El SanSan Festival, que regresará en Semana Santa del 14 al 16 de abril al recinto de festivales del municipio de Benicàssim, ya nos había dado varios nombres para su cartel, como era el caso de La Bien Querida, Crystal Fighters, Hinds, Steve Aoki, Amatria, Kokoshca, Niña Polaca y Rojuu, entre otros, además de la sorpresa de Dani Martín.
Con motivo de FITUR 2022, que se celebra estos días en IFEMA de Madrid, hay una nueva tanda de confirmados que incluye nombres como La Casa Azul, Kase.O, 2 Many DJ’s y Rozalén. También están Califato 3/4, autores de uno de los mejores discos de 2021, así como nombres revelación como Fresquito y Mango o Karavana, cada uno en su estilo.
El cartel se completa de momento con Cheti, Shego, Emlam, Álvaro de Luna, Shinova, Capitán Elefante, Niños Luchando, Inmir, Plan B, Cori Matius, Q Sade y Brian Cross. Pero también hay que hablar de la confirmación de las mediáticas Tanxugueiras, que debido a su aspiración a representar a España en Eurovisión, suman ya casi un cuarto de millón de oyentes en Spotify. Se decidirá si van a Eurovisión o no tan pronto como la semana que viene.
Entre las actuaciones destacadas, Kase.O viene para celebrar el 10º aniversario de ‘Kase.O Jazz Magnetism’, en el que aunaba hip hop y jazz. Os dejamos con uno de los temas de aquel proyecto, y también con el «after movie» de SanSan, que el año pasado tenía que celebrarse en octubre excepcionalmente debido a la pandemia. Este año volverá a Semana Santa, como es lo habitual. Los abonos están disponibles en la web oficial.
Parece mentira que después de una carrera tan prolífica y ecléctica, que le ha llevado desde el género bélico hasta el cine familiar, del terror a la ciencia ficción, Steven Spielberg nunca hubiese rodado un musical. Su primer acercamiento al género es ‘West Side Story’, una ostentosa superproducción que reproduce prácticamente al milímetro –aunque actualizándolo respecto a ciertos temas y haciendo que los latinos sean realmente latinos y hablen español- el clásico de 1961 de Robert Wise, basado en el musical homónimo de Broadway de 1957. La obra es una reinterpretación de ‘Romeo y Julieta’ con bandas callejeras en el Nueva York de los años 50. Toni y Maria, pertenecientes a diferentes bandos (americanos y puertorriqueños, respectivamente), se enamoran, desembocando en la tragedia que todos conocemos.
El libreto original, continúa siendo una de las grandes cimas del teatro musical y la música de Leonard Bernstein y letras de Stephen Sondheim están entre las composiciones más emblemáticas y brillantes que ha ofrecido el género. Ahora bien, las adaptaciones a la pantalla grande -pese al gran éxito en taquilla, los 10 Oscar y el estatus de clásico de la película de Wise- no han logrado preservar su impacto teatral. Ni aquella película era perfecta, ni lo es la de Spielberg. Pero, puestos a compararlas, la balanza cae más hacia la primera, que al menos fue la original y una cinta que resonó con intensidad en la sociedad de los años 60.
Esta revisión, en cambio, llega en un momento complicado: la gente ya no va masivamente al cine a ver un musical de dos horas y media, y además ya existe la del 61. Por supuesto, Spielberg muestra su indudable talento tras las cámaras -con una puesta en escena llena de presuntuosas grúas y travelings- y su pasión por el proyecto, pero nunca resulta suficiente para justificar su existencia, más allá de su noble y respetable voluntad de hacerlo para él mismo.
Así pues, el problema de esta ‘West Side Story’ no es que ya se haya hecho, sino que donde la original flojeaba, esta también flojea. Los personajes de María y Toni son tan unidimensionales que no pueden sostener una película con un metraje tan largo, ni su pasión está bien retratada ni su dolor al final, por mucho que Rachel Zegler se esfuerce visiblemente en dotar a la protagonista de carisma. Y Ansel Elgort como Toni es una decisión de casting un tanto fallida. Los secundarios son, a priori, mucho más interesantes, aunque no hay oportunidad de profundizar más en ellos, ya que el foco y el conflicto principal no les pertenecen. Ariana DeBose es la actriz que más aprovecha el lucimiento gracias a su radiante y expresiva interpretación en el personaje que le dio el Oscar a Rita Moreno, a quien, a su vez, Spielberg da un bonito papel en su película.
‘West Side Story’ es un film correcto, pero no es, bajo ningún concepto, la obra maestra que muchos críticos se han aventurado a sentenciar, ni tampoco uno de los trabajos más destacados de Steven Spielberg. Aunque en tiempos donde prácticamente solo hacen dinero las películas de superhéroes, es entendible la necesidad de reivindicar el cine que triunfaba hace 60 años y tratar de impulsar a la gente a que vuelva a las salas por otros motivos que no sean ver a gente pegándose en mallas. Esta película, desgraciadamente, no lo ha logrado; habrá que intentarlo de otra manera.
Judeline es una de las nuevas promesas del pop español que se están cultivando en el underground. Oriunda de Cádiz, la artista se crió en los Caños de Meca pero se mudó a Madrid a los 17 años para perseguir su sueño de dedicarse a la música, de «tocar las estrellas», como canta en una de sus primeras canciones. Hoy ve ya publicado su EP de debut a través de Sonido Muchacho, el sello de Carolina Durante, Sen Senra o Natalia Lacunza.
La música de Judeline es hija de diversas influencias, y ‘de la luz’ es otro trabajo publicado en nuestro país que actualiza la tradición sin que este sea su propósito principal. Pese al deje andaluz de su voz, Judeline canta en realidad como una cantante de R&B, y luego las producciones de sus colaboradores habituales ODDLIQUOR, Tuiste o Mayo pueden sonar bedroom-house e ibicencas a la vez, como la elegante ‘señal • atardecer’, o estar tan llena de armonías como de efectos de vocoder, como la pista inicial.
Sin embargo, es en las pistas más aflamencadas de este EP dedicado a cinco momentos del día donde Judeline parece estar encontrando su camino. Así, la pista destacada ‘otro lugar • despertar’ es una especie de deconstrucción flamenca pasada por la vía del hip-hop jazzy que hace sonar a Lara Fernández Castrelo como una especie de Solange gaditana, y la final ‘tonada de la luz • madrugada’ presenta más guiños a la tradición desde su mismo título y en su bonita melodía.
Ahora que tanto se está hablando de la lírica supuestamente deficiente de Rosalía, la de Judeline puede recordar a la de ‘El mal querer’ por momentos, o a la de María José Llergo o Queralt Lahoz, resultando casi lorquiana en sus referencias al «agua de cristal» o a la «luz que parece miel» en la pista introductoria, o tan hermosas como en ese pasaje de «tonada de la luz» en el que Judeline canta que «me mata esta pena, bajo las nubes quiero convertirme en arena».
También es poética la descripción de ‘marisucia • noche’ de un «pueblo escondido» en el que su luz brilla como la de un faro, pero en lo musical opta por una electrónica épica pero contenida que lucha por derribar la voz de Judeline sin conseguirlo. Es uno de los momentos más definidos en un trabajo que se regocija en el placer de difuminar géneros. Es ahí donde Judeline halla de verdad su magia.
Mick Fleetwood, de Fleedwood Mac, será el productor ejecutivo de una nueva serie musical dramática de Fox, además de encargarse de la banda sonora. ’13 Songs’ tratará sobre los últimos años de vida de un músico veterano llamado Jasper Jones y su banda The Grift, desde que es diagnosticado con cáncer terminal. Antes de morir decide reunirse de nuevo con la banda y producir 13 canciones como legado.
La serie estará dirigida por Jonathan Levine (‘Nine Perfect Strangers’) y escrita por Will Reiser, quien escribió el drama ’50/50’, protagonizado por Joseph Gordon Levitt en 2011. Por el momento, no se tienen detalles respecto al elenco. Sin embargo, se confirmó que Mick Fleetwood también tendrá participación en la parte creativa de ’13 Songs’.
En 2013, Fleetwood Mac canceló una gira por Australia y Nueva Zelanda después de que al bajista John McVie le diagnosticaran cáncer. Fleetwood es actualmente el único miembro fundador original de Fleetwood Mac que sigue en la banda desde su creación en 1967.
El mes pasado, el ex miembro Lindsey Buckingham dijo que la agrupación no funcionaba “sobre el papel”. Señaló que a su llegada a la banda en 1974, “se dio cuenta de que éramos el tipo de grupo que, en el papel, no pertenecía al mismo grupo juntos”, pero agregó que “eso fue precisamente lo que hizo nosotros tan efectivos”. En julio de 2021, Fleetwood reveló para Rolling Stone que él y Buckingham habían vuelto a contactar tras de la salida de este último de la banda en 2018.
El rapero Vic Mensa ha sido liberado tras unos días en prisión por delitos graves de posesión de narcóticos. El pasado sábado fue arrestado en el aeropuerto internacional Dulles de Washington D.C. después de que se encontraran drogas ilegales en su equipaje, según informó un portavoz de Aduanas y Protección Fronteriza de EE. UU. en un comunicado. Presuntamente, el artista portaba LSD y psilocibina, una sustancia alucinogénica que se obtiene de ciertos tipos de hongos que crecen en zonas tropicales.
Vic Mensa, cuyo nombre real es Victor Kwesi Mensah, llegaba al aeropuerto a las 7:00 am en un vuelo procedente de Ghana, lugar al que viajó con Chance The Raper para promover el turismo en África. Incluso se reunieron con Nana Akufo-Addo, el presidente de Ghana. Cuando los oficiales inspeccionaron su equipaje, encontraron 41 gramos de dietilamida de ácido lisérgico (LSD) líquido, alrededor de 124 gramos de cápsulas de psilocibina, 178 gramos de gominolas de psilocibina y seis gramos de hongos de psilocibina.
Tras su liberación, Mensa compartió en Twitter los siguientes mensajes: “wow menudo viaje” y “soy libreeeeeee. Os amo a todos. Dios trabaja de maneras misteriosas”. Aún se desconocen qué obligaciones tiene todavía con la policía de Washington D.C. después del incidente.
i'm freeeeeee love you all god works in mysterious ways
Harry Styles ha anunciado hoy las fechas reprogramadas y nuevas actuaciones dentro de su gira mundial ‘Love On Tour’. Styles comenzará su gira de 32 ciudades con 3 nuevos conciertos en estadios de Reino Unido en junio y otros 4 estadios en Europa.
Pasará por el WiZink Center de Madrid el próximo 29 de julio y traerá a Wolf Alice (que recientemente aplazaron su gira europea) como invitados especiales. Mitski será la invitada en las fechas del Reino Unido, Arlo Parks en Dublín y Koffee en la etapa latinoamericana de la gira.
Los conciertos de la etapa norteamericana de ‘Love On Tour’ se pospusieron debido a la pandemia y finalmente comenzaron en septiembre de 2021 en Las Vegas. A finales del año pasado, Harry Styles había ofrecido más de 40 conciertos por Estados Unidos. Sus shows están repletos de éxitos como ‘Sign of the Times’, ‘Lights Up’, ‘Adore You’, ‘Kiwi’ y ‘Watermelon Sugar’, tema con el que consiguió el premio BRIT a Mejor Canción de 2021.
Todas las entradas adquiridas para la fecha original siguen siendo válidas para la nueva fecha.
⭐ El concierto de Harry Styles ‘Love On Tour’ ha sido reprogramado al 29 de julio en el WiZink Center de Madrid. ⭐
✔️ Las entradas adquiridas para la fecha original siguen siendo validas para la nueva fecha.
🚨 Harry Styles announces the 2022 UK, Europe and South America dates for ‘Love On Tour,’ featuring special guests Arlo Parks, Koffee, Mitski and Wolf Alice.
Gaspard Ulliel ha muerto a los 37 años de edad tras sufrir un accidente de esquí, según ha informado su familia a través de un comunicado de prensa enviado a la agencia AFP por su agente. El actor fue evacuado el martes en helicóptero y con graves lesiones de la estación de esquí La Rosière, en los Alpes franceses. Aunque aún no se han aclarado las causas del accidente, la cadena BFM TV y otros medios locales han confirmado que se produjo al chocar con otro esquiador.
Nacido en 1984, el intérprete recibió el César al mejor actor revelación con 21 años por su interpretación en ‘Largo domingo de noviazgo’, de Jean-Pierre Jeunet, donde trabajó junto a Audrey Tautou y Marion Cotillard. De nuevo en 2017 fue premiado, este vez con el César a mejor actor, por su papel en la película del canadiense Xavier Dolan, ‘Solo el fin del mundo‘.
También participó en películas como ‘Saint Laurent’, uno de los dos biopics sobre el legendario diseñador o ‘Hannibal, el origen del mal’, donde protagonizaba al asesino Hannibal Lecter en sus años de juventud.
El actor francés estaba a punto de estrenar ‘Caballero Luna’, la nueva serie de Marvel. Este martes publicaban el primer tráiler de la serie protagonizada por Oscar Isaac, que Disney+ va a lanzar el 30 de marzo.
Gaspard Ulliel a grandi avec le cinéma et le cinéma a grandi avec lui. Ils s'aimaient éperdument. C'est le cœur serré que nous reverrons désormais ses plus belles interprétations et croiserons ce certain regard. Nous perdons un acteur français. pic.twitter.com/pAi7Do3FIU
Renovamos nuestra playlist «Sesión de Control» con algunas de las novedades españolas o en español más relevantes de los últimos días, lo que incluye a La Bien Querida, que se encarga del tema principal de ‘Express’, la nueva serie con Maggie Civantos creada por Iván Escobar (‘Vis A Vis’) en torno a los secuestros exprés. Nuestro titular nos lo da el cuarteto Secundaria, que se define como «intensitx» y sube a plataformas su segunda canción, que se llama ‘Pop de mierda’ e incluye un mensaje de contestador automático impagable.
Han sacado disco los venezolanos asentados en nuestro país Los Nafta y Chaqueta de Chándal, del cual no podemos dejar de elegir el tema llamado ‘Queremos ir a misa’ en honor de aquella señora que retó a la Guardia Civil para irrumpir en el Valle de los Caídos cuando estuvo cerrado. Rosin de Palo avanzan su disco ‘Lo que dura un recreo’ con un tema de reggae dub. También avanzan disco nuevo Egon Soda, Carrera (los de ‘Lo importante es estar cómodo) y Fugaces, la banda de Javier Aneas (Trestrece, DRIVE) con músicos de Floridablanca y L.A.
Aiko El Grupo, cuarteto fichado por Elefant muy conocido por su hit ‘A mí ya me iba mal de antes’, han sacado un tema que parte de ese día en que les ha salido un grano. El rock nos lo trae una de las bandas revelación que se dieron a conocer en el ciclo RELEVO, Error 97, que estrenan ‘Mariposas’, mientras F.A.N.T.A. tienen nuevo EP fiel a su espíritu punk-pop.
La cantante de Donosti asentada en Barcelona Miren (no confundir con Maren, ni con Marem, ni con Iza), apuesta por el recitado más minimalista y elegante. Espineli (en la imagen) estrena EP con restos de rap, house y jazz, mientras la base de Judeline es más flamenca y la de Santa Salut más puramente hip hop. La Cebolla también tiene nuevo tema ‘Son ganas’, esta vez medio salsero.
Entre las apuestas por el folclore, la de Bravo Lahoz. Por su parte, Samuraï nos trae uno de los temas más pop y desenfadados de la semana, ‘Sin freno’. Completamos con la ‘Inteligencia emocional’ de Belén Aguilera, ‘Al campo’ de Marinita Precaria, lo nuevo de Lunáticos y el grupo más tradicionalmente a su bola, Chico y Chica. Estos revisitan su «spoken word» de hace 17 años, ‘La tarzana’, reconvertido en ‘La tarzana de noche’.
El gran hit de Camilo Sesto es de 1978, pero a Nathy Peluso, directora del videoclip, le ha evocado una década más atrás: los sesenta. Primero, por su vestimenta. La cantante lleva una peluca y un traje que remiten a la estética pop sesentera, y en concreto a los diseños que hizo Paco Rabanne para ‘Barbarella’ (1968). Y segundo, por el escenario: una pista circular, con el dibujo de una espiral, que parece sacado directamente del icónico poster de ‘Vértigo’ (1958) diseñado por Saul Bass.
La referencia a la película de Hitchcock no termina ahí. El clip también introduce el tema del doble. Nathy lucha contra su doppelgänger, su doble malvada, que se arrastra por el suelo en actitud acechante (caracterizada de oscuro, menos Barbarella y más Emma Peel de la serie ‘Los vengadores). La cantante recibe un disparo y pelea en el centro de la pista con movimientos de artes marciales. Una pelea que remite a ‘Matrix’ (hay un plano calcado al del combate entre Morfeo y Neo).
En cuanto a la puesta en escena, Nathy mueve la cámara como si estuviera “rodando como una noria”. Da vueltas y vueltas, rodeando a la protagonista como una metáfora visual sobre el hostigamiento que está recibiendo por parte de su doble, del que finalmente será víctima. Un final que de nuevo recuerda iconográficamente al cartel de ‘Vértigo’ y a la estética neogiallo que tan de moda se está poniendo últimamente con películas como ‘Maligno’ y ‘Última Noche en el Soho’.
Viva Belgrado sorprendieron hace unos años con el giro hip-pop y popero de su disco ‘Bellavista‘, pues ellos vienen del post-metal y el screamo. La fusión de todos estos elementos seguía presente en sus recientes singles de nu metal ‘Un relato’ y ‘Un reflejo’, agrupados en un EP llamado ‘PARALELOS/MERIDIANOS’ que va a contar con varios volúmenes.
El siguiente sale el 18 de febrero y su primer adelanto es un tema que resulta excitante en la discografía de Viva Belgrado por su sonido vagamente aflamencado. El tema se llama ‘Pena sobre pena’ nada menos e incorpora palmas además de los guitarrazos de stoner rock esperados, pero sobre todo su letra busca capturar la poesía de la copla, en pasajes como «a canelita y clavo huele mi jardín», «coronita de pena que alumbra mi estrella» o «como una piedra espero la caída a la orillita de este sin vivir», todos ellos cantados a grito pelado, eso sí.
En concreto, la letra de ‘Pena sobre pena’ está inspirada en un poema del poeta postromántico madrileño Augusto Ferrán publicado en 1861, como ha indicado el grupo cordobés en redes. Publicado en el poemario ‘La Soledad’, el texto dice: «En un calabozo oscuro sufro penas sobre penas, y a fuerza de estar a oscuras, se ha vuelto mi pena negra».
‘Pena sobre pena’ representa un nuevo e interesante giro -o más bien retoque- en el sonido de Viva Belgrado, ahora más parecido a su trabajo previo que al más reciente. Será la primera de dos pistas que incluirá el EP, la segunda de las cuales será una versión acústica de ‘Un collar’, incluida en ‘Bellavista’.
Os recordamos que Viva Belgrado actuará en Madrid el próximo 22 de enero, dentro del ciclo Inverfest, con otros artistas confirmados como Nation of Language, León Benavente o Sharon Corr.
Marc Seguí ha acudido a La Resistencia para promocionar su notable disco ‘Pinta y colorea’, pero sobre todo para hablar sobre la polémica de los viejos tuits machistas y homófobos que publicó en 2017. El programa desconocía la polémica y, tras anunciar a Seguí como invitado, se enfrentaba a multitud de críticas y mensajes que sugerían la «cancelación» de la entrevista.
Durante su charla con Broncano, Seguí pide disculpas reiteradas veces por haber publicado dichos tuits y «tiempo para que me vayáis conociendo un poco mejor». El autor de ‘Tiroteo’ señala que «yo nunca he pensado de esa manera» y que publicó aquellos tuits para llamar la atención, animado por unos amigos que habían publicado mensajes similares.
El cantante explica que «hace un par de años era un chaval que no quería estudiar y que no tenía aspiraciones en la vida, estaba todo el día en la calle fumando, no hacía nada bien, solo la liaba y hacía el tonto» y que «con esos tuits buscaba atención», la cual recibió, sin pensar que terminaría dedicándose a la música y estos mensajes saldrían a la luz.
En la entrevista surge el tema de la cultura de la cancelación, con la que Seguí comulga porque ve que representa «un movimiento necesario», si bien Broncano reconoce que no todas las polémicas son iguales y promete invitar a Seguí al programa en unos años si no ha seguido publicando tuits tan «feos y horribles» como los que han levantado la polémica.
Presentador e invitado navegan la entrevista como pueden: Broncano devanea entre la moderación y el juicio de valor, en sintonía con el tono cercano y desenfadado del programa e incluso recurriendo a unas pocas descalificaciones tipo «gilipollas» dirigidas al invitado en tono de broma; y Seguí sortea una ristra de comentarios a todas luces humillantes con una sonrisa incómoda en la cara. Al final canta una canción a capela.
A causa de la variante ómicron, la gala de los premios Grammy que se celebraba el 31 de enero en Los Ángeles fue pospuesta a una fecha por determinar. Finalmente, la Academia informa que la gala tendrá lugar el 3 de abril pero no en Los Ángeles sino en Las Vegas, en concreto, en el recinto MGM Grand Garden Arena. Trevor Noah seguirá siendo el presentador de la ceremonia.
2021 es el segundo año consecutivo que los GRAMMYs ven alterada su fecha de celebración. En 2021 los premios se entregaron el día 14 de marzo debido a las restricciones impuestas por el coronavirus, y además se redujo el público asistente.
En esta edición de los premios Grammy, Jon Batiste es el principal nominado con 11 nominaciones, seguido por Doja Cat, H.E.R. y Justin Bieber con 8 nominaciones cada uno. Este año es el primero que los premios Grammy han tenido 10 nominados en cada una de las llamadas categorías Big Four: álbum, disco y canción del año, además de mejor artista nuevo.
