“Si olvido lo divino, llamad a Sorrentino”, canta Rigoberta Bandini en ‘Julio Iglesias‘, su último tema. Hay un par de cosas que se pueden comentar de aquí: por un lado, el estilo tan personal de Paolo Sorrentino, del que más adelante hablaremos, y por otro, la fascinación que despierta entre distintas personalidades del mundo cultural de nuestro país. Sin ir más lejos, el propio C. Tangana estuvo presente en la proyección de la película que se hizo en el pasado Festival de San Sebastián: admirador declarado del italiano, Antón no quiso perderse la oportunidad de charlar con él tras ver su nueva película. Y podemos parafrasear aquel anuncio de Antena 3 sobre ‘Pulseras Rojas’ de “la serie que emocionó a Spielberg”, pero invirtiendo el significado, a la hora de hablar de una película que, como este titular, no se toma demasiado en serio. Salvo cuando sí lo hace.
‘Fue la mano de Dios’ supone el regreso triunfal de Paolo Sorrentino a los cines -aunque un poco a medias, porque a Netflix llega una semana después- desde 2015, si obviamos el discreto impacto mundial de ‘Loro (Silvio y los demás)’ por su naturaleza a medio camino entre miniserie y bilogía. Y en esta ocasión, la historia que cuenta no es la de un Papa, ni la de Berlusconi, ni la de exclusivas esferas, sino la suya propia: cómo decidió dedicarse al cine y de qué manera estuvo eso relacionado con una tragedia familiar que hasta ahora había preferido no explorar y que puede sorprender si tenemos en cuenta el nivel de humor, exceso y surrealismo presente en su cine.
O quizás no. Quizás precisamente lo explique. Porque, como queda claro en la secuencia con Antonio Capuano, el cine se convierte en una alternativa a esa vida aburrida o directamente cruel que el joven Fabietto (álter ego de Paolo) es incapaz de disfrutar –en contraste con la fiesta y alegría constante que era la vida antes. “Durante muchos años hablaba conmigo mismo sobre mis dolores y he mejorado muy poco en estos 17 años”, contaba el director italiano a Irene Crespo recientemente, “pensé que si lo intentaba de otra manera, si lo compartía… cuando se hace una película sobre uno mismo ocurre esto, tienes que hablar de ella durante muchos meses y, en un momento determinado, te acabas aburriendo. Espero que, al final, después de todas estas entrevistas, acabe aburriéndome de mis dolores, y así olvidarlos”.
La mención a los dolores puede recordaros a algo que la película en sí agita: el fantasma de ‘Dolor y Gloria‘. Aunque a ambas se les pueda sacar el precedente de ‘Ocho y medio’ de Fellini, está claro que la película de Almodóvar está más cercana en el tiempo, y probablemente en la mente de los espectadores. Por tanto, puede que haya quienes vean ‘Fue la mano de Dios’ como un “’Dolor y Gloria’ hetero”, y en cierto modo tienen razón; aunque son muy distintos, ambos cineastas comparten muchas inquietudes, y el deseo está muy presente en las dos películas, seguramente de forma menos sutil y más obvia en ésta – muy comentados los (¿gratuitos?) pezones para rayar cristales de la primera secuencia. Personalmente, ‘Dolor y Gloria’ me parece superior, pero hay campos en los que sale ganando una, en otros la otra, y en otros sencillamente no tiene sentido la comparación. Desde luego es más arriesgado el no tener a un Banderas de protagonista, sino situar el relato en la adolescencia del director… y, a pesar de ello, Sorrentino acierta porque el desconocido Filippo Scotti está fenomenal, haciéndonos sentir su personaje risas, lástima, rabia, alegría e incluso morbo (no funcionaría cierta escena si no) a lo largo de su viaje.
El mencionado estilo tan particular de Sorrentino se puede encontrar también en ‘Fue la mano de Dios’, pero es probablemente su cinta más contenida al respecto, especialmente a partir del punto de inflexión de la historia. Porque aquí ya no sirve como estilo marca de la casa, sino además como recurso estilístico; es a esa primera mitad de su vida, a esos recuerdos tan felices (y probablemente salpicados de idealización melancólica), a los que Fabietto, AKA Paolo, querrá volver una y otra vez a través del exceso, la fiesta y los personajes caricaturescos pero entrañables de su cine. Sorrentino parece reconocer esa idealización incluyendo detalles que su memoria podría anular en pos de esa fiesta perfecta, pero que están ahí, como las infidelidades o incluso el maltrato hacia su tía.
“Los hechos no son todos reales. Las emociones, sí”, aclaraba el director de ‘La Gran Belleza‘ sobre esta película, y es interesante ese comentario. Porque, aunque no conectes nada con los símiles futboleros (y a pesar de lo awkward de Maradona como salvador), la historia te llega, el personaje te llega, ese “¡fue la mano de Dios!” te llega, y desde luego también te llega ese plano final que inevitablemente recuerda a ‘Call Me by Your Name‘ (la combinación twink melancólico reflexionando + Italia pasada e idealizada + música evocadora, que hace mucho). Y quizás te llega porque, como dice él, las emociones son reales. Una de las claves del cine, realmente.
Marilyn Manson ha perdido la nominación a la Mejor Canción de Rap por ‘Jail’, tema en el que colabora con Kanye West y Jay – Z en la próxima edición de los GRAMMY .
El cantante fue borrado de lista actualizada de nominados en la página web de la Academia. Aunque no se cita el motivo, fuentes cercanas han declarado para el diario The Hollywood Reporter que esta eliminación tiene que ver con Manson no es el compositor de la canción por la que está nominado.
Además de esta nominación que ha perdido, Manson también había recibido la nominación a Mejor Álbum del Año con ‘Donda’, en el que aparece como colaborador y compositor y que por ahora sigue vigente.
Recientemente el CEO de la Academia, Harvey Manson Jr. se defendía de la polémica por haber nominado a Marilyn Manson y a Louis CK, acusado de acoso sexual con las siguientes declaraciones: “No restringiremos a las personas que pueden enviar su material para su consideración. No miraremos hacia atrás en la historia de las personas, no veremos sus antecedentes penales.”
Marilyn Manson está siendo investigado por las autoridades de Los Ángeles por numerosas acusaciones de agresión sexual y violencia machista. La primera en denunciarlo fue una mujer anónima, a esta le siguió en febrero Evan Rochel Wood, quien fuera novia de Manson entre 2007 y 2010. La actriz de ‘Juego de Tronos’, Esmé Bianco, presentó una denuncia contra él y aseguró haber sido encerrada en una habitación durante cuatro días donde fue golpeada con un látigo y recibió descargas eléctricas.
Esta semana el Departamento del Sheriff del Condado de Los Ángeles buscó pruebas de estos delitos en casa del artista, que no se encontraba en esos momentos en el domicilio. De esta revisión acabaron incautando varios discos duros que serán investigados, según ha informado la agencia Associated Press.
Arca acaba de publicar cuatro discos de golpe, las partes 2, 3, 4 y 5 de su serie de álbumes ‘KICK’ que inició el año pasado con el lanzamiento de ‘KiCk i‘. Cada uno de ellos ofrece una visión distinta de su música y ‘KICK iii’ es el más agresivo y rítmico de todos y, por lo tanto, el que más posibilidades alberga de ser machacado por sus fans.
De hecho, de entre todos los discos publicados hoy por Arca, el «focus track» que se ha elegido para presentarlos pertenece a ‘KICK iii’. ‘Señorita’ es uno de varios cortes del álbum en los que a Alejandra Ghersi se le va completamente la olla en el mejor de los sentidos, y hoy es la Canción Del Día.
‘Señorita’ es una colaboración de Arca con el productor estadounidense Machinedrum, que suele manejar bastante elegantes y atmosféricos, como los expuestos en ‘Only 1 Way 2 Know’. En ‘Señorita’ queda completamente subyugado a la cacerolada y al bombardeo sónico de Arca, mientras la productora rapea sobre escupir «flema» encima del «ano» de su amante «antes de correrme en él», y de hecho, en un momento, escupe.
Después de un verso en el que Arca insiste que «sacude sus puños» vete tú a saber para qué, ‘Señorita’ de repente es invadida por el sonido de lo que parece una sierra que pretende destruirla desde dentro. La producción, en sí, recuerda a las locuras de hip-hop de Mykki Blanco, pero solo Arca podría convertir la frase «qué susto, qué gusto, qué susto, qué gusto, qué susto» en un gancho infalible.
Ana Torroja ha solicitado heredar el título nobiliario que Francisco Franco otorgó a su abuelo de manera póstuma en 1961 y que heredó el padre de la cantante, fallecido este verano. Era el título de Marqués de Torroja y la cantante de Mecano podría, por tanto, convertirse en marquesa de serle concedida la solicitud, pues es la mayor de seis hermanos (Ana, Celia, Yago, Laura, Javier y Carlos).
Se hacen eco de la noticia hoy varios medios como 20 Minutos o Vanitatis, que cita la información publicada por el BOE del 19 de noviembre: «La sucesión como Marquesa de Torroja ha sido solicitada por doña Ana Torroja Fungairiño, por fallecimiento de su padre, don José Antonio Torroja Cavanillas, lo que se anuncia por el plazo de treinta días (…) para que puedan solicitar lo conveniente los que se consideren con derecho al referido título».
Francó otorgó el título de marqués a Eduardo Torroja Miret, abuelo de la cantante, en 1961 y de manera póstuma, en reconocimiento a los méritos de su trayectoria profesional, y después fue su hijo José Antonio Torroja quien lo heredó. En los 80, el padre de Ana Torroja dirigió la Escuela de Ingenieros de Caminos de Madrid, mientras Mecano vivían el punto álgido de su carrera musical.
Ana Torroja no obtendría ningún beneficio fiscal con la posesión de su título nobiliario. De hecho, tendrá que pagar impuestos por heredarlo, cerca de 3.000 euros. Solo se vería afectado su estatus social. Como informa Herald, «más allá de esta distinción en el tratamiento, actualmente la posesión de un título nobiliario no otorga ningún privilegio, al tratarse de una distinción meramente honorífica, según establece la Ley de 2006 sobre igualdad del hombre y la mujer en el orden de sucesión de los títulos nobiliarios».
Grimes publicó uno de los últimos discos previos a la llegada de la pandemia, un ‘Miss Anthropocene‘ que efectivamente parecía predecir el fin del mundo y que contenía ‘Delete Forever’, una de las mejores canciones de 2020, y otras destacadas como ‘4ÆD’ o ‘Violence’ que descansan merecidamente entre las 10 canciones más escuchadas de la artista en Spotify.
Lejos de la unanimidad suscitada por ‘Art Angels‘ o ‘Visions‘ en la crítica especializada, que aupó ambos trabajos por la creatividad y originalidad de sus producciones, ‘Miss Anthropocene’ generaba más dudas, apareciendo en varias listas de lo mejor del año… pero ausentándose de muchas otras. Un disco de remixes publicado meses después lo hacía parecer peor incluso, y Pitchfork tenía la ocurrencia de bajarle la nota en su absurdo artículo de revisiones.
Cuando no ha pasado ni un año desde que ‘Miss Anthropocene’ llegara al mercado, Grimes pasa página e inicia nueva era con el lanzamiento de ‘Player of Games’, el primer single de un proyecto llamado ‘BOOK 1’ que es la primera parte de un álbum más ambicioso incluso en concepto. Será una «ópera espacial» protagonizada por Claire de Lune, una «cortesana» que vive en «una simulación implantada en el cerebro de un ingeniero de inteligencia artificial» que «desea revivir su vida y descubrir si la chica perfecta le puede enseñar a amar» para así no volver a llevar el mundo a su destrucción.
Si el concepto del nuevo disco de Grimes te parece rebuscado, traemos buenas noticias: el primer single no lo es tanto. ‘Player of Games’ no es ningún derroche de creatividad como lo fue ‘Art Angels’, sino que más bien se contenta con rendir homenaje al tecno más basicote de los 90. Por un lado se podría esperar más de Grimes pero, por el otro, ¿quién mejor que ella para traer de vuelta este sonido que nos devuelve a los polígonos industriales de la época? Eso sí, quien espere que ‘Player of Games’ le haga flipar como lo hizo la producción de ‘Oblivion’, que pase de largo.
Y si te estás preguntando dónde está ‘100% Tragedy’, el single que Grimes había adelantado en TikTok, la respuesta la da la letra de ‘Player of Games’, que puede estar interpretada por «Claire de Lune» o por la propia Claire Boucher porque parece hablar sobre su reciente ruptura con el magnate Elon Musk, el padre de su hijo. En ‘Player of Games’, la narradora se dirige a su amante para ordenarle que se «vaya a navegar a través del frío espacio» y le recrimina que «ni siquiera el amor haya podido mantenerte en tu lugar». En el estribillo reflexiona: «aunque le amara menos haría que se quedara, pero él tiene que ser el mejor».
Hoy salen tres nuevos discos de Arca, más los dos que ya habían salido durante la semana. También se editan el nuevo álbum de Leiva compuesto únicamente de colaboraciones femeninas como las de Zahara o Natalia Lacunza y los nuevos trabajos largos de Khalid, Yung Beef, Estrella Morente y Ferran Palau.
Desde hoy pueden escucharse nuevos singles de Javiera Mena, Kim Petras, Bad Gyal o Grimes o el villancico de Ed Sheeran y Elton John. Esta semana hemos asistido a los regresos de Dorian y Cupido, así como al lanzamiento del primer single post-ruptura de Shawn Mendes, y hemos escuchado la versión reggaetonera de ‘BELLA CIAO’ que necesitábamos por parte de Becky G. Siguen avanzando sus próximos proyectos Tears for Fears o AURORA.
Salen también nuevos temas de SZA, 5 Seconds of Summer, Tierra Whack, Cruz Cafuné, Silvana Estrada o SIMONA y colaboraciones de Tokischa con Yomel El Meloso, Ariana Grande con Kid Cudi (para la película de Netflix ‘Don’t Look Up’), Álvaro de Luna con Lola Indigo, Aitana con Nicki Nicole o Angèle con Damso.
En la playlist de novedades escucharás también temas recién salidos del horno de MARINA (un inédito de su último disco), Hidrogenesse (remix de ‘La cita’), Casero, el nuevo single de la revelación nigeriana CKay, Ferla Megia o el remix para TikTok de ‘Frozen’ de Madonna.
Para la presentación de su nuevo disco ‘Cable a Tierra‘, suponemos que inminente número 1 en España, Vetusta Morla han convocado a la prensa en el Museo de Artes y Tradiciones Populares de Madrid. Un espacio muy adecuado para albergar una pequeña exposición con las 10 miniaturas que la artista Laura Millán ha creado en torno a las 10 canciones del álbum, apegado al folclore de diversas tierras.
El grupo, siempre tan serio y formal, un tanto impenetrable pero amable, se divide para atender a la prensa. A mí me toca Pucho, como todo el mundo sabe a las voces; Guille Galván, co-autor principal de las canciones junto a Juanma Latorre; y el percusionista Jorge González. La deriva del mundo en los últimos años, la sonoridad de un disco de nuevo masterizado por Dave Fridmann y su banda sonora para ‘La hija’ -pocos días después de esta charla excluida de la carrera de los Goya– son los temas de una conversación que también vira hacia los Beatles cuando faltan horas para que se estrene su documental, y Radiohead. Curiosamente, hoy jueves 2 de diciembre Pucho cantará en Madrid con una «big band» que hace versiones de la banda de Thom Yorke. Será en la Sala MON y aquí va un anticipo. Foto: Jerónimo Álvarez.
’23 de junio’ no fue uno de los singles principales de vuestro disco anterior, pero al final sí ha sido un gran éxito en plan «sleeper». Siendo de vuestras canciones más influidas por el folclore, ¿ha marcado el camino de este nuevo álbum?
Guille: A lo largo de los discos siempre ha habido canciones que se salían de la parte más rockera, como ‘Alto’ o ‘Maldita dulzura’. Cuando nos juntamos después de la pandemia a ver qué idea de instrumentación teníamos, al cambiar de lugar de composición porque no podíamos ir al local de la pandemia, y al trabajar en la banda sonora, compusimos de otra manera. David tenía un pandero cuadrado de los acústicos, nos habían regalado un guitarro, que es un instrumento de Castilla la Mancha y Valencia… Cosas que no llevas al local porque no los amplificas. Nos dimos cuenta de que ahí había un camino.
Jorge, ¿tú cómo has llevado esta intromisión, como músico?
Jorge: No lo veo como una intromisión. Ha formado parte de nosotros siempre, empiezas con una guitarra de nylon, empiezas con unos cajones… Lo que viene de la música popular es con lo que empiezas a tocar, lo que hace que la música se transmita de padres a hijos, entre generaciones. Ha sido un proceso de aprendizaje personal. Tenemos mucho que aprender de dónde venimos para saber dónde estamos.
El disco habla del folclore atlántico, pero habéis dicho una cosa muy interesante y es que también consideráis a los Beatles parte de vuestro folclore.
Pucho: Nuestro folclore bebe de todas esas fuentes. Estamos de uñas con las apropiaciones culturales, y nos expresamos a través de un fandango o una saeta porque son cosas que has vivido. A lo mejor no has tenido un contacto directo, pero lo has oído, forma parte de una tradición. No vamos a convertirnos en una banda de folk, ya hay bandas maravillosas que se dedican a eso y no tienen reconocimiento. No hemos dicho «vamos a hacer este palo». Hemos explorado ritmos como el 7×8, el 5×4, y luego, al tocar con otros músicos de distintas bandas en esta gira ‘Finisterre’, le han dado distintos toques según dónde se tocara. Incluso gente de Latinoamérica dice que les lleva al norte de Argentina. El folclore tiene hilos muy finos por todo el mundo. El flamenco viene desde la India al este de Europa, hasta llegar a Andalucía. Pensamos que la salsa es colombiana, de Venezuela o de Cuba… y es de Nueva York, de Spanish Harlem.
A veces me da la sensación de que nadie habla de los Beatles, casi ningún grupo novel los cita como influencia.
Pucho: Es verdad que en los 90 con el Brit Pop estaban en boga. Nosotros pensamos que son seminales, claro.
Guille: Con el docu de Peter Jackson volverán otra vez. Un amigo lleva años diciendo que cada día escucha algo que tenga que ver con los Beatles. Si no es el aniversario de algo, esta canción recuerda a la psicodelia, a su estancia en Hamburgo… Están tan dentro de la cultura popular… No puedo hablar de folclore localista porque no sé de dónde soy. El folclore es sentimental y seguro que no tengo nada que ver con el Liverpool de los años 50, pero pienso en mi infancia y me lleva a eso.
No puedo hablar de folclore localista porque no sé de dónde soy
Este es un disco combativo, muchas canciones suenan a novela distópica: a ‘1984’, a ‘Un mundo feliz’, a ‘Blade Runner’…
Guille: Lo empezamos a compartir entre nosotros en mitad de Filomena, después de una pandemia. Vivíamos como una realidad distópica: por primera vez en esta Europa feliz y cuidada, la naturaleza podía hacer que todo se fuera a la mierda. En México hay tornados, en Argentina una devaluación económica, en Colombia terremotos, pero aquí no estamos acostumbrados. Esto nos ha dado una colleja, esto te recuerda que eres frágil. Hay 3 canciones que están menos enraizadas en lo popular: «Palabras», ‘La Diana’ y ‘No seré yo’. Son muy actuales en el sentido de defender la inocencia de quien es señalado. Queríamos alejarnos del señalamiento constante del prójimo, del último contra el penúltimo. «Palabras» tiene que ver con la libertad de expresión, con la necesidad de decir lo que pensamos sin tener miedo a ser censurados o directamente encarcelados.
Incluso ‘Finisterre’ parece hablar de los problemas sociales, siendo una canción de amor.
Guille: Es un disco que tiene más que ver con la fragilidad y con los cuidados. Pero no sé, si lo has visto así… Ha sido un año bisagra: acaba una etapa y empieza otra. Hay una sensación de refugiarnos en la cultura. Las canciones son esa aguja que te va acompañando. Las canciones te sobreviven. Hacemos algo que tiene trascendencia, que es capaz de trascendernos a nosotros mismos, como dice ‘Puñalada trapera’. O como la última, ‘Al final de la escapada’, que dice que sobrevivirán las canciones. Como en ‘La vieja escuela’, nos sentimos parte de ese transmitir de generación en generación, que sirve para que tengamos una relación, para formar parte de una comunidad.
Queríamos alejarnos del señalamiento constante del prójimo, del último contra el penúltimo
‘La Diana’ retrata como decías a una persona señalada, hablas de un abogado, de un psicólogo… Y me ha llamado la atención lo del psicólogo. Ahora que tanto se habla de salud mental, un psicólogo debería ser visto como una ayuda, ¿no? No como un agobio.
Guille: Quería meterlo en la misma frase porque a veces pensamos que todo se arregla tomándonos las cosas mejor, pero si trabajas 16 horas igual tienes que ir a un abogado para arreglar las cosas. Si tuviéramos unas condiciones de vida y de convivencia mejores, tendríamos mucha mejor salud mental. No es que una cosa prime sobre la otra, es que ambas son necesarias: la salud mental y la dignidad de todos.
Si trabajas 16 horas igual tienes que ir a un abogado para arreglar las cosas. Ambas cosas son necesarias, la salud mental y la dignidad
Habladme de la producción del disco. Tengo la sensación de que no necesitabais que Dave Fridmann produjera esto.
Pucho: La grabación se hizo en Estudio 1, en Colmenar Viejo, al final estábamos hablando de cercanía, de cultura, y había cierta intención de hacer un disco de kilómetro 0. Pero luego no teníamos claro quién iba a mezclar. Campi (productor) propuso que lo mezclara (Dave) Fridmann porque es ajeno a este acerbo popular. Hay cuestiones que hemos tenido que explicarle de las letras, como ‘Virgen de la Humanidad’, ‘Puñalada Trapera’ que está tan apegada a los bandoleros, a Lorca… Pero Campi dijo que en ‘Échate un cantecito’ de Kiko Veneno habían tocado músicos extranjeros y se había mezclado fuera, así que dijimos: «Tiremos con el experimento». Fridmann, que es tan parco en palabras, cuando recibió las canciones dijo: «next level!». Respondió que no iba a intervenir tanto como en ‘Mismo Sitio, Distinto Lugar’. Estaba muy claro todo desde el origen, y simplemente potenció todos los temas.
¿De qué producción estáis más orgullosos?
Jorge: ‘No seré yo’ es la que más hostias me da en la cabeza. Está despegada del concepto por la forma de cantar, la melodía… es muy diferente. Ese desarrollo de guitarras eléctricas, el día que lo escuchamos, Pucho se tiró por los suelos. Al escucharlo mezclado, en Estudio 1, oyes el espacio, suena la sala, a nivel producción técnica está a un nivel brutal.
Me ha recordado un poco a la mezcla de rock y electrónica de Radiohead en ‘OK Computer’. Otra banda de la que casi nadie habla últimamente.
Jorge: Evidentemente es una banda que ha trascendido, forma parte de nuestro folclore, hay puntos en común.
Pucho: Radiohead han mezclado cosas de la música popular, de la India, de Brasil… a Jonny Greenwood le gusta el dub y el rock steady de Jamaica. Reino Unido es una isla con mucha inmigración, han bebido de eso y es también su folclore. Las canciones de Nick Drake han estado en discos de Radiohead.
Guille: En ‘No seré yo’ hay una guitarra española bajada de octava a lo Nick Drake, y cuando entra la eléctrica es un cañón, la parte C tiene un ritmo cortado con un toque, una melodía, que parece un tumbado.
Pucho: Podría ser una trompeta de salsa.
‘No seré yo’ y ‘La diana’ tienen una guitarra que suena diferente. Justo te iba a preguntar por ellas. Me recordaba a Depeche Mode haciendo country.
Guille: Es una afinación en Do abierto. También te puede recordar a Beck al principio.
Suena a que algo malo va a pasar.
(risas)
Pucho: Esto lo hace mucho Manu de Havalina, él afinaba en Re.
En ‘Al final de la escapada’ decís que «ojalá que a tu banda favorita le queden muchos años». ¿Quién sería esa banda para vosotros?
Pucho: Yo La Tengo, que no se separen nunca. Voy a recibir lo que hagan.
¿Los discos de versiones también?
Pucho: ¡Sí! (risas)
Yo ya no me hago fan de los grupos que contienen una pareja después de Stereolab, Sonic Youth…
Pucho: ¡Son los que pueden durar más!
Y luego está esta frase de «No me aplaudan más en los palcos, aquí está mi chistera», que me ha recordado a los sanitarios, que al final parece que a la gente le importan una mierda…
Guille: En el disco hay celebración, pero también muerte, entierros… hemos vivido la muerte de manera muy cercana. Un entierro lo puedes celebrar de manera triste, o como en Nueva Orleans con ‘When the Saints Go Marching In’. Es triste pero hay esperanza, como qué te gustaría poner en tu epitafio, por qué te gustaría ser recordado. Pues por las canciones, no los premios. Y lo de los médicos es lo mismo: no me llames héroe y ponme condiciones dignas de trabajo. La canción está contada como músico, pero también como fan de una banda. Como músico te gustaría durar mucho tiempo, pero como fan qué maravilla estar esperando la canción de tu grupo favorito.
Cada canción tiene un dibujo en el disco físico, que es una pequeña escultura que habéis exhibido. ¿Cuál os ha gustado más?
Pucho: El arte me flipa. Laura Millán hace estas miniaturas, su proyecto matriz son lo que llama «miniencuadros». Es amiga, es gaditana, tiene muchos códigos de la cultura popular integrados y juega con ellos con sarcasmo e ironía. Al salir los elementos populares, pensé en ella. Apela a muchas cuestiones de la cultura popular, pero a su manera. El fieltro está presente en los trajes, pero luego a la vez forman como tramas de terrazo, que es algo muy presente en nuestra cultura. Está mucho en segundas residencias, hay hasta mesas con terrazo por encima. Nos gustaba jugar con esos elementos. Ha hecho una interpretación sobre las notas de Juanma y Guille. Igual que a ti algunas canciones te estaban sugiriendo ‘Blade Runner’, ella se lo llevaba a cuestiones personales.
¿Cuál es vuestra ilustración o miniescultura favorita?
Pucho: Me encanta ‘Virgen de la Humanidad’, ese ente superior que te está mirando para bien, para mal. Llevamos un par de días que cada vez que pasamos por aquí, los ojos parecen estar observándote. La portada es curiosa porque en principio estaba del revés. Ella lo giró y adquirió otra dimensión, no sabes si implota o explota.
Jorge: Costó llegar al título del disco, y la portada reúne todo lo que está pasando en él.
Propulsada por algunas playlists, pero también exitosa de manera orgánica, ‘Oh My God’ apunta a ser el segundo single más popular de ‘30‘ pese al caos generalizado que apuntaba más bien a ‘I Drink Wine’. ‘Oh My God’ ha sido ya top 2 en Reino Unido y top 5 en Estados Unidos, además de top 40 en Alemania y España y top 75 en Francia e Italia.
Pasan los días y el tema no pierde fuelle, sumando 50 millones de streamings en menos de 2 semanas… ¿pero es una de las mejores canciones de Adele? Ofrecemos una opinión a favor del tema y otra en contra.
«Se dice que las canciones pop de Adele suenan forzadas… ¿más forzadas que ‘Someone Like You’? ¿Más forzadas que ‘Hello’, la balada más forzada de la historia? «Hello from the other siiiiiiiiiiiiiide!!!». ‘Oh My God’, una de las canciones más pop de ’30’, sienta a Adele como un guante, y no solo por ese título tan inglés que no le puede pegar más.
La base rítmica de la canción, compuesta por un «boom clap» clásico pero reverberizado a la manera de la música post-disco, proporciona un fondo elegante y semi bailable para la voz de Adele, que no puede sonar más cómoda y relajada en este contexto, sobre todo en el estribillo, y la letra captura el espíritu de ’30’ como pocas canciones en el disco lo logran: la artista se acaba de divorciar, ha conocido a un hombre nuevo al que desea y, aunque se siente culpable por perseguir sus necesidades e incluso reconoce estar «aterrorizada», es consciente de que está haciendo lo correcto: «no tengo que darte explicaciones, soy una mujer adulta y voy a hacer lo que me dé la gana». Así se habla». Jordi Bardají.
«Se suponía que Adele estaba en este mundo para recordarnos el valor de las melodías clásicas y atemporales, como la histórica ‘Hello’. Su cometido en ’30’ está logrado al 200% en esa preciosidad llamada ‘Easy On Me’ o en esa maravilla que cierra el disco y que recuerda a los grandes musicales de Broadway, ‘Love Is a Game’. ‘Oh My God’ no ofrece nada de eso, en cambio se entrega a los soniditos «cool» por aquí y por allá: creo que no estaba preparado para decir que lo mejor de una canción de Adele era la producción.
Hay una incómoda desconexión entre las estrofas de la grabación, que parecen buscar el nuevo ‘Rolling in the Deep’, y ese estribillo absolutamente imposible de recordar en el que Adele por alguna razón adopta un tono melodramático que misteriosamente da título a la composición. No termino de enterarme de qué va todo ese drama de OMG en un tema que iba sobre pasarlo bien, pero sí sé que el pre-estribillo «mmmm… yeah» es más holgazán y no sale. Seguimos aguardando ese temazo de disco clásico por parte de Adele que este tema tampoco es». Sebas E. Alonso.
Las listas de lo más escuchado del año cada mes de diciembre, lo que se conoce en la plataforma de streaming líder como #SpotifyWrapped, parece traer muchísimas alegrías a los músicos: todo el mundo comparte sus listas citando a los artistas, los artistas se sienten reconocidos porque sus fans los han escuchado compulsivamente y están orgullosos de ello, todo el mundo parece quererse muchísimo porque la Navidad se acerca, y hasta los podcasters compartimos con orgullo e ilusión los tops de lo más escuchado en que aparecemos. Foto: Iris Banegas.
En medio de todo este amor, las declaraciones de Víctor Cabezuelo de Rufus T. Firefly, uno de los grupos más exitosos surgidos del underground madrileño en los últimos años, han supuesto todo un baño de realidad que devuelve nuestros pies a la tierra. El artista ha acudido a Twitter para afirmar lo siguiente: «Muchas gracias por escucharnos, de la manera que sea y mantener viva nuestra música. Sí me gustaría que supierais, como dato, que con la venta del vinilo de nuestro último disco, ingresamos en un día el equivalente a 12 años de ingresos de streaming. Así están las cosas».
Rufus T Firefly han publicado esta semana su nuevo disco llamado ‘El largo mañana’ y es muy fácil que, efectivamente, la preventa o venta de vinilos del primer día haya equivalido en ingresos a lo que 12 años de streaming, pese a que las escuchas de su tema ‘Nebulosa Jade’ se cuentan por millones, y la banda cuenta con 150.000 oyentes mensuales en la plataforma sueca.
El tuit se ha viralizado en tanto que vuelve a sacar los colores a las plataformas de streaming por su poco reconocimiento a los artistas a través del escaso margen de beneficios que presenta para los mismos entre todos los intermediarios (discográficas, el propio Spotify, etcétera). Las declaraciones están en la línea de lo expuesto por Christina Rosenvinge en una columna de opinión para El País el año pasado: «En la presente era digital y ante el advenimiento del 5G, paradójicamente es la venta de vinilos y cd aún la que garantiza un próximo disco –con los ingresos de Spotify, un artista no puede pagarse ni la subscripción de Spotify-. Con el directo en suspenso (decía en 2020), estos nuevos agentes tendrán que tomar el relevo y comprometerse con la creación de la que se benefician aportando algo más que exposición pública».
Nada nuevo bajo el sol, por tanto, salvo el hecho de que en un año en que el consumo de streaming ha vuelto a aumentar, las cosas no hayan terminado de moverse en la dirección correcta. El año pasado, eran los mismos Rufus T. Firefly quienes revelaban que un disco como ‘Magnolia’, que supera los 8 millones de escuchas logrados durante 3 años, les habían supuesto a cada uno de los miembros únicamente unos ingresos de 80 euros al mes.
Muchas gracias por escucharnos, de la manera que sea y mantener viva nuestra música. Sí me gustaría que supierais, cómo dato, que con la venta del vinilo de nuestro último disco, ingresamos en un día el equivalente a 12 años de ingresos de streaming. Así están las cosas.
Pues Magnolia tiene unos 8000000 de reproducciones. Con la antigua tarifa eso da unos 20000€ en 3 años. De ahí se descuenta el porcentaje de la distribuidora que dependerá de cada artista. En nuestro caso, a cada miembro le llegan unos 80€ al mes,y somos un grupo muy afortunado
Little Mix han anunciado que se tomarán un descanso de la banda tras la conclusión de la gira de ‘Confetti‘ en los primeros meses del año que viene, «entre abril y mayo». La noticia llega solo un año después de que Jesy Nelson abandonara la formación por razones de salud mental.
En Twitter, las autoras de ‘Sweet Melody’ explican su decisión y aclaran que no se van a separar. «Han sido 10 años increíbles, una aventura, y creemos que ha llegado el momento adecuado de tomarnos un descanso para cargar pilas y trabajar en otros proyectos. No os podemos agradecer suficiente el apoyo que nos habéis brindado desde el principio».
El trío añade: «No nos vamos a separar. Little Mix está aquí para quedarse. Tenemos planes de lanzar más música y de hacer más giras y actuaciones en el futuro. Hemos creado un montón de recuerdos con vosotros y no podemos esperar a crear más».
En una reciente entrevista con JENESAISPOP, Little Mix compartían las claves de su éxito mantenido a lo largo de una década. «Nuestra amistad es lo más importante que tenemos. Es clave. Y es importante trabajar duro. Nosotras nos lo hemos currado para llegar adonde hemos llegado, lo cual puede ser muy difícil de conseguir en una industria tan dura como esta. Hemos aprendido que nadie se preocupará por nosotras más que nosotras mismas. Somos una piña y siempre nos apoyamos las unas a las otras».
Estos días, Little Mix han publicado su primer recopilatorio, ‘Between Us’, que ha llegado al número 7 de la lista de álbumes española.
Mañana se estrena la temporada final de ‘La Casa de Papel‘, y para celebrar su despedida, Becky G ha lanzado el remix de ‘Bella Ciao’, el himno italiano antifascista que sin quererlo se ha vuelto la canción más representativa de la serie.
Esta vez Becky G, vestida con el mono rojo de ‘La Casa de Papel’ en un vídeo ambientado totalmente el universo de la serie, junta la letra original en italiano con partes en inglés “Una mattina I woke up early / O partigiano, take me with you” e incluso en español “Eres the flower del partigiano” y le da una vuelta al tema añadiendo su toque propio de reggaetón.
“Siempre me ha gustado la serie y la forma en la que conecta con millones de personas alrededor del mundo. ‘Bella Ciao’ es una canción icónica que marca un importante momento en la serie, por lo que el hecho de que me pidan que la reinvente y sea parte del mundo de ‘La Casa de Papel’ es un verdadero honor. ¡Espero que todos disfruten esta versión tanto como yo!”, decía Becky G en el comunicado del vídeo.
‘La Casa de Papel’ llega a su fin pero ya se ha confirmado desde Netflix España, un spin-off que se estrenará en 2023 y que estará protagonizado por Berlín, interpretado por Pedro Alonso, del que todavía no se conoce su trama.
Para entender su final hay que empezar desde el principio. En 2023 llega el spin-off de Berlín. #LCDP5pic.twitter.com/r6ryqXdFV9
¿Es polémica Samantha Hudson o lo será el mundo, más bien? La performer nacida un 11-S (de 1999, eso sí) puede ser «trending topic» cada vez que abre la boca desde aquel ya icónico trabajo escolar que fue considerado «blasfemo». En un mundo, y más concretamente en un país en el que el líder de la oposición profiere todo tipo de insultos al presidente del gobierno electo, y la Sesión de Control al Gobierno es cada semana un circo de la escuela Sálvame, nos rasgamos las vestiduras por una propuesta activista LGTB+ como la de Samantha Hudson, que tan sólo trata de defender su espacio a su manera.
El vídeo de ‘Maricón’ fue realizado para una asignatura llamada Cultura Audiovisual, conteniendo rimas como «No sabía yo que el sexo anal fuera un pecado / seguro que la Virgen ya lo había practicado» o «Soy maricón, pero también soy cristiano / Ellos no me aceptan porque follo por el ano». Fue retirado de Youtube y después ha vuelto, creciéndose como viral a lo largo de estos 6 años. Como trabajo de instituto, la profesora le puso un 9, antes de ser perseguida por la derecha del país. Como provocación diría que estaba incluso pasada de rosca o superada, pero después de las polémicas de este año de Zahara y C. Tangana está claro que no, que obviamente hemos dado un paso atrás en el tiempo con la llegada de hasta 52 diputados de VOX al Congreso.
Al tiempo, hemos visto a Samantha Hudson crecerse como personaje en redes sociales, podcasts, debates y series como ‘Veneno’, donde protagonizó un cameo lleno de significado. También ha venido sacando canciones -en SGAE ha de firmar como Iván González- y el sello Subterfuge estuvo muy hábil anunciando su fichaje para publicar este disco llamado ‘Liquidación Total’, que recopila nuevas grabaciones junto a otras que ya aparecieron en ‘Los grandes éxitos de Samantha‘ (2019).
Habrá quien arguya que lo de Samantha Hudson está OK, pero debería dejar la música para los que saben hacerla. Lo cierto es que su propuesta no difiere tanto de esos nombres apegados a la comedia que tanto bien han hecho por nuestra sociedad en los últimos años. Sí, ya era muy necesario reírse antes de 2020, como demostró el éxito casi masivo de Las Bistecs, Ojete Calor o Ladilla Rusa, lo sigue siendo a día de hoy, y esa escena no termina de estar tan saturada como la del reggaetón o el trap porque se da la circunstancia -¡SORPRESA!- de que hacer reír no es tan fácil como parece. Samantha Hudson añade a toda esta corriente un tono de protesta político mucho más directo sin perder el sentido del humor, por lo que no es de extrañar que se haya terminado juntando con PUTOCHINOMARICÓN, otro de los performers/activistas más significativos del mundo pop durante los últimos años.
Con él y con La Prohibida ha firmado por ejemplo un ‘Disco Jet Lag’ que inclina su producción hacia las pistas de baile queer que en otras décadas llenaron Sylvester, Dead or Alive, Jimmy Sommerville o Sin With Sebastian. Un registro en falsete que contrasta con la voz grave tipo crooner que abre ‘Chicote’, una delirante canción de amor dedicada al presentador de ‘Pesadilla en la cocina‘ -aunque ambigua-, como el tema de cierre del disco lleva ritmo de vals… porque se llama ‘Arturo Valls’.
Como imaginabas, ‘Liquidación Total’ se mide, más que por lo que tiene de vanguardista en lo musical, por lo que tiene de divertido, y en ese sentido cumple bastante su función. Se abre con ‘Dulce y bautizada’, en la que Eminem parece encontrarse con Britney; hace justicia cuando recupera a L kan en ‘Aburrida de estar salida’ («tanto hedonismo va a volverme loca», recita en ‘Disco Jet Lag’ cual Donna Summer); y se suma al electro absurdo de los 2000 en ‘Guateque’, producida por Eurosanto.
Pero la joya de la corona llega tras el pequeño bache que suponen las menos imaginativas ‘Tourists Go Home’ y ‘Amorespresso’. La reggaetonera ‘Perra’ con sus perros sampleados y la incorporación de La Dani, seguida de la ocurrente ‘Demasiado coño’ con su irresistible base noventera y solo de saxo sintetizado; seguida del hit ‘Por España’, compuesto por Adrià Arbona de Papá Topo, da mucho cuerpo a este álbum en una segunda mitad que en el mundo del pop ha tendido a ser tradicionalmente más floja.
No es el caso. He tardado un poco en entender por qué Arbona, autor por ejemplo de melodías tan clásicas como ‘En un momento‘, ha construido una melodía tan fea para Samantha Hudson. Pero fea es, no España desde luego, sino la política española, como la crispación y cualquier tipo de reivindicación de un dictador que tantos muertos y represión dejó a su paso. ‘Por España’ apela directamente a los políticos del PP y VOX que se han posicionado en contra de la Ley de Memoria Histórica, retándoles: «Contra la pared, ven, fusílame por España, papi, déjame bien guapi / Déjame coqueta en una cuneta». Por si el momento era poco disparatado, la canción, que se había servido del pasodoble y de esa cosa casi igual de española llamada la ruta del bakalao, pasa a convertirse en un rap… tan sólo para dar paso a continuación a unas sevillanas que hablan de faldas rojigualdas y hacen juegos de palabras entre nuestro país y lo «king size». No sé si puede haber una cosa más española que todo esto.
El festival Mad Cool acaba de anunciar los últimos nombres del cartel para su próxima edición, que se celebrará entre los días 6 y 10 de julio de 2022 en el recinto de IFEMA, Madrid.
Jack White, Stormzy, London Grammar, Guitarricadelafuente, Two Door Cinema Club, Local Natives, Alec Benjamin, Mura Masa, Alfie Templeman, Modest Mouse y Folamour cierran el cartel a falta de las bandas ganadoras de Mad Cool Talent by Vibra Mahou 2021 y 2022, y se unen a la larga lista de nombres entre los que destacan Florence + The Machine, Queens Of The Stone Age, Haim, Glass Animals, Nathy Peluso, Flume, Natos y Waor o Chvrches. También pasarán por el escenario del Mad Cool Arlo Parks, La M.O.D.A. o St Woods.
Además, se han anunciado un par de cambios en el cartel: Folamour sustituye a Yaeji el viernes y Local Natives a Sylvan Esso el sábado, ambos por motivos de agenda no podrán estar en esta edición.
Esta será la quinta edición del festival y para celebrarlo, desde Mad Cool decidieron añadir un día más de conciertos y para todas aquellas personas que no solicitaron la devolución de las entradas de ediciones anteriores pospuestas por la crisis sanitaria, el quinto día tiene un precio especial para los tickets de acceso general del domingo (ver quien se puede beneficiar). Puedes conseguir tus entradas aquí.
Hace dos semanas medio Twitter dejó de creer en el amor cuando se hizo público que Shawn Mendes y Camila Cabello ponían fin a sus dos años de relación. A pesar de todo, ambos señalaban que “su amor como seres humanos es más fuerte que nunca”, por lo que seguirían siendo mejores amigos.
Hoy Shawn ha estrenado ‘It’ll Be Okay’, un tema post ruptura total dedicado a su ex Camila. Una balada sencilla que, a pesar del mensaje positivo del título, empieza fuerte: “¿Vamos a hacerlo? ¿Va a doler? Podemos intentar sedarlo, pero nunca funciona”… para después mostrar al canadiense roto por tener que resignarse a “vivir en un mundo en el que no coinciden”. En el estribillo de la canción renuncia a pelear por algo que les hace “no parar de sangrar” y que tampoco “tienen que arreglar”, ya que él le querrá “de todas las maneras y estará bien”.
Shawn no ha hablado sobre el motivo de la separación pero sí ha querido recordar el confinamiento junto a Camila en una entrevista para la revista Rollacoaster: ”Pasé casi toda esa parte de la pandemia en Miami con Camila y su familia. Fue muy hermoso y muy especial. Con frecuencia veo fotos de ese momento y adoro su simplicidad”.
Por su parte, Camila confesó en otra entrevista para un podcast estadounidense que sus problemas de salud mental le afectaban tanto en lo profesional como en lo personal”, lo que ha podido ser un factor clave para poner fin a su historia de amor.
Shawn Mendes tiene previsto actuar en España el 14 de mayo en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 20 de mayo en el WiZink Center de Madrid, dentro de su gira mundial ‘Wonder’.
Alvin Lucier ha fallecido a los 90 años en su casa de Middletown, Connecticut, a causa de complicaciones derivadas de una caída, ha confirmado su hija a NPR. El músico padecía la enfermedad de Párkinson desde hacía una década.
El compositor de vanguardia fue uno de los más reputados en el ámbito de la experimentación sonora de las últimas décadas. En su obra más conocida, ‘I Am Sitting in a Room’, publicada en 1969, el artista se graba enunciando un texto en el que describe la actividad que está realizando en ese momento y lo reproduce en bucle hasta que las frecuencias sonoras se «refuerzan entre ellas» y se transforman en un drone que engulle completamente el recitado original.
Nacido en Nashua, Nuevo Hampshire en 1931, Lucier compuso obras de cámara y orquestales hasta los años 50. Su interés en la música experimental surgió cuando asistió a conciertos de John Cage, Merce Cunningham y David Tudor que le inspiraron a perseguir alternativas a la composición tradicional que había practicado hasta ese momento. De los 70 hasta 2011, Lucier ejerció de profesor de composición en la Wesleyan University.
En 1965, Lucier estrenó su primera obra, ‘Music for Solo Performer’, en la que ya casaba música y ciencia. En la pieza, la música era generada mediante la estimulación con electrodos de las ondas cerebrales de Alvin y de otros instrumentos como timbales o platos de batería, gracias a un dispositivo de control de ondas cerebrales diseñado por el físico Edmond Dewan.
A Lucier le interesaba investigar las propiedades físicas del sonido, y otras de sus obras más importantes son ‘North American Time Capsule’ (1966), ‘Moving Lines of Silence in Families of Hyperbolas’ (1973–74), ‘Music on a Long Thin Wire’ (1977), ‘Clocker’ (1978) o ‘Crossings’ (1982), en los que experimentó con la física de las cuerdas de piano y con imanes o osciladores amplificados, así como con los tonos, las interferencias y las ondas sinusoides.
El trabajo de Alvin Lucier ha influido a artistas como Steve Albini, Yo La Tengo o Stephen O’ Malley de Sunnn O))). Hace unos años, la banda de rock alternativo Savages lanzó un vídeo inspirado en ‘I Am Sitting in a Room’.
El festival Mallorca Live ha anunciado los primeros nombres confirmados para su próxima edición, que se celebrará los días 24, 25 y 26 de junio de 2022 en el Antiguo Aquapark de Calvià, Mallorca.
Ha desvelado a más de treinta artistas, y entre sus confirmaciones destaca la presencia de bandas internacionales como Franz Ferdinand, Justice y Metronomy. Jeff Mills y The Blessed Madonna encabezan las confirmaciones de música electrónica junto a Ben Ufo, Monolink, Max Cooper o Cobblestone Jazz. El festival también ha anunciado a algunos de los artistas nacionales más significativos de hoy, como Sen Senra, Rigoberta Bandini, Rufus T. Firefly, Alizzz, Delaporte o Cupido.
También ha apostado por propuestas latinoamericanas de vanguardia como Trueno, Pahua o Klik & Frik. En este primer avance destacan además bandas y DJ de Mallorca como Peligro!, Cora Yako, Go Cactus, Trigga, The Southnormales o Enric Ricone.
Todos estos nombres se suman a los ya anunciados previamente: Muse, C. Tangana, Izal y Kase.O Jazz Magnetism.
Los abonos generales para el festival están disponibles desde 125€. Puedes conseguir tus entradas aquí.
El festival San San ha anunciado hoy una nueva batería de confirmaciones para su próxima edición, que se celebrará del 14 al 16 de abril de 2022 en Benicàssim.
A principios de noviembre anunciaron como cabezas de cartel a Steve Aoki y a Dani Martín, quien se estrena en los festivales con ‘No, no vuelve’, su disco homenaje a El Canto del Loco. A estos headliners se unen nuevos nombres: Crystal Fighters, Chef’Special, Hinds, Fuel Fandango, Ciudad Jara, La Bien Querida, Amatria, Kokoshca, Veintiuno, Niña Polaca, Molina Molina, Meridian, Rojuu y ZOO.
Aún quedan artistas por confirmar y ya están las entradas a la venta desde 50 euros el abono general y desde 150 el abono VIP. Puedes conseguirlas aquí.
Joan Manuel Serrat anuncia hoy que en 2022 realizará una gira de despedida. El escueto comunicado en catalán explica: “después de una inactividad forzosa, a consecuencia de la pandemia global de covid-19, Joan Manuel Serrat vuelve a los escenarios con una última gira: EL VICIO DE CANTAR 1965-2022, con la cual quiere despedirse personalmente del público con que ha compartido la vida y las canciones durante más de medio siglo”.
El primer concierto será en Nueva York el 27 de abril, de ahí irá a Sudamérica, el verano actuará en España y el último show tendrá lugar el 23 de diciembre en el Palau Sant Jordi de Barcelona.
Serrat explica hoy en entrevista con El País los motivos de su decisión, principalmente que, a sus 77 años y tras la pandemia, se ha ido distanciando de los directos a causa de varias circunstancias: «Siguiendo las normas del Eclesiastés: hay un tiempo para cada cosa. Ah, y yo no decidí dejarlo. Han sido los hechos que fueron ocurriendo después de aquella caída de Joaquín Sabina que nos obligó a abandonar una gira. Luego vino la covid… Las dificultades fueron distanciándome. Estaba cada vez más lejos de la actividad que hacía, y aunque no desde el sentimiento, lo cierto es que también estaba inevitablemente alejado de la gente. Lo que he decidido es despedirme en persona. No me gustó sentirme despedido por una plaga. Por eso me planteé ir al lugar más natural para hacerlo, con el público enfrente, lleno de gratitud y alegría».
En la charla Serrat recuerda su vida justo cuando se han cumplido 50 años de su obra maestra, un disco tan adelantado a su tiempo en temática como ‘Mediterráneo’: «Vivo, hasta la fecha, una época gloriosa, en la que lo peor pasó en mi infancia y en la adolescencia. Y la infancia hace buena cualquier cosa. Mis hijos no han ido a la guerra y yo pude ver morir a mis padres».
El cantautor también ha escrito en Twitter: «me voy y os digo adiós, rincones en donde he crecido. Os dejo en un cajón la gris canción de lo que he sido. Me voy hacia otra tierra en donde el sol caliente…»
“Me voy y os digo adiós, rincones en donde he crecido. Os dejo en un cajón la gris canción de lo que he sido. Me voy hacia otra tierra en donde el sol caliente…”
Los barceloneses Iglú han venido publicando música durante los últimos tiempos, inspirados por el pop británico y también por lo que podemos considerar leyendas locales como Mishima. Entre sus influencias hay gente tan variada como Foster the People (¡alegría!), Two Door Cinema Club, Tame Impala, Phoenix, Love of Lesbian y Carlos Sadness, entre otros.
‘IO’ era su primer álbum lanzado al mercado este año bajo el paraguas de la comunidad Acqustic, conteniendo temas como el irresistible ‘Supernova’, el muy Phoenix ‘Desperto’ o la canción de hoguera ‘Trossos de vida’ junto a Gerard Aledo (Animal). Tras viralizar su tema ‘Dunes’ durante la pandemia, ahora dan un nuevo paso gracias al temazo llamado ‘Un petó’ que han editado en compañía de GUINEU, otra artista revelación cuyo ‘Putu any‘ destacábamos hace unos meses y se ha venido haciendo cada vez más popular.
‘Un petó’, que es nuestra «Canción del Día» hoy, devanea entre un teclado celestial y la accesibilidad del pop-rock de guitarras, recordando a los momentos más eufóricos y bailables de Antònia Font. La letra habla de dos jovencitos que «no saben de qué va esto del amor», se conocen en algún lugar y se terminan dando «un beso en la oscuridad» en una «habitación vestida de ilusión». La música sabe transmitir exactamente esto último.
El propio Marc Gelabert nos explica la composición: «Empezamos en guitarra, salió estribillo directo y nos pusimos a hacerla con ordenador, a producirla. El estribillo tiene una fuerza súper guay que nos recordaba a los conciertos antes de la pandemia y a las fiestas brutales, cuando éramos más jóvenes. Tiene esa buena vibra. Pero nos faltaba algo para que fuera diferente, nos faltaba algo porque era muy pop. Como escuchamos mucho a GUINEU, le propusimos hacerla juntos, nos entendimos muy bien y salió esa mezcla del punk con el pop cuqui de GUINEU. Y ella que es una jefa nos ha propuesto hacerle de teloneros en Razzmatazz el día 18 de diciembre».
El vídeo retrata exactamente todo esto a través de una actuación en Sidecar, protagonizado por una pareja que fuma, bebe, flirtea y -SPOILER- se besa.
2021 pasará a la historia en Hollywood por la trágica muerte de la directora de fotografía Halyna Hutchins durante el rodaje de ‘Rush’, cuando fue alcanzada por una bala que salió disparada de una pistola que sostenía Alec Baldwin. La ABC emitirá hoy la primera entrevista con el actor, realizada por George Stephanopoulos y ya promocionada como una exclusiva mundial con música dramatizada, a la americana.
En el avance de lo que podrá verse esta noche, Alec Baldwin aparece muy emocionado, reconociendo que este incidente ha sido lo peor que le ha pasado en la vida, recordando a Halyna como «una persona que era querida y admirada por todos», y revelando que en realidad él no apretó el gatillo. «Yo no apreté el gatillo. Nunca apuntaría a nadie con un arma y apretaría el gatillo. Nunca», afirma, sugiriendo que el gatillo se disparó por accidente, mientras él lo sostenía en la mano, a falta de que concluya la investigación.
Preguntado sobre por qué había una bala real en el set, Baldwin responde que «no tiene ni idea», pero afirma que dicha bala jamás debió estar siquiera en la propiedad de Santa Fe donde se estaba realizando el rodaje.
Mientras, la Policía continúa tratando de averiguar el origen exacto de la munición que entregó la empresa PDQ Arm & Prop LLC. El dueño de esta ha declarado que le llamó la atención una entrega que estaba «etiquetada de manera inusual». 500 cartuchos se encontraron en el estudio, entre los que había una mezcla de «cartuchos de fogueo, balas falsas y balas verdaderas», según informa 20 Minutos. La supervisora del guion de la película, Mamie Mitchell, y el jefe de iluminación, Serge Svetnoy, han presentado demandas contra Baldwin y otros miembros de la producción por poner en riesgo la seguridad de los empleados.
Asked by @GStephanopoulos how a real bullet got on the "Rust" set, Alec Baldwin says: “I have no idea. Someone put a live bullet in a gun. A bullet that wasn’t even supposed to be on the property.”
Hoy renovamos nuestra playlist SESIÓN DE CONTROL, dedicada al pop nacional o en castellano, comenzando con Hidrogenesse, que revisitan su tema ‘La cita’ de ‘Joterías bobas‘, que ya fue «canción del día«, con arreglos completamente nuevos. Entre los artistas habituales de la sección o del site, hoy hay nuevo single de SIMONA, y han sacado tema estos días Soledad Vélez, Jonston, Mueveloreina, Bearoid, Rorro y Sexy Zebras. Entre los artistas completamente nuevos, el tema entre el folk y el electro que se ha marcado Iglú con GUINEU, el hyperpop basado en el gaming de PauByChance, o el EP de Niños Luchando (pop electrónico de corte romántico). La gaditana Judeline, de 18 años, es una de las promesas que podrás ver en directo en RELEVO, iniciativa de la que JENESAISPOP es medio colaborador. Próximamente sacará EP, del que adelanta el tema ‘otro lugar + despertar’.
Ya están en la calle los discos de Vetusta Morla, Dellafuente y Ghouljaboy. De este no tiene pierde un tema que nos habla de la industria musical llamado ‘persona: aries sun geminis moon cancer rising’.
En la sección de rock gamberro, podemos destacar ‘la kiero a morir’ de shego, el regreso de Los Nastys y Malamute, que no fallan y concluyen: «sé que eres un mierda, me lo ha dicho mucha gente», al margen de cuál sea ‘Tu signo del zodíaco’. Más próximo a lo conocido como urban, Pedro LaDroga y $kyhook continúan adelantando ‘Skydrvg 3’ con un single en el que Pedro LaDroga repasa su vida llamado ‘Lavapiés’. María Escarmiento sigue inmersa en el reggaetón (más o menos), aunque con una producción peculiar en ‘La tóxica’, con partes a capella y trompetas. Erik Urano sigue alternando hip hop y synth-pop industrial, e incluso sonidos orientales en ‘I+D’, primer adelanto de su próximo disco en Sonido Muchacho. Marlena, el dúo formado por Ana y Carol, triunfa ya con canciones con la pegada comercial de ‘Muñequita de cristal’.
Miqui Brightside saca single disfrutón junto a la artista internacional Eliza Legzdina. St Woods colabora en el homenaje a los 20 años de Mushroom Pillow con una versión de ‘Do It’ de Sunday Drivers, mientras La La Love You han versionado ‘Tenía tanto que darte’ junto a la mismísima Nena Daconte. Completamos la playlist con el tema de Papa Topo con La Prohibida para la BSO de ‘¡Corten!’, y vangoura, a quienes recordarás por su tema junto a Ganges, y continúan buceando en el R&B con un punto italo.
Unpopular opinion: ‘Pa Mis Muchachas‘ de Christina Aguilera es un temazo. Es cierto que las colaboraciones de Becky G, Nathy Peluso y Nicki Nicole, a pesar del estupendo momento de popularidad en el que se encuentran las tres, parecen metidas con calzador. En este casó tres sí son multitud. Pero también es verdad que la canción no merecía pasar tan desapercibida como lo ha hecho.
En su regreso a la música latina, que se ha hecho esperar 20 años, Christina Aguilera solo ha logrado posiciones tremendamente modestas en algunas listas latinoamericanas y europeas con ‘Pa Mis Muchachas’. Le ha ido especialmente bien en Panamá y Hungría, dos mercados importantísimos a día de hoy, mientras en España solo ha sido top 68, en Argentina top 90 a pesar de que Peluso y Nicole proceden de ese país, y ni que decir que ni en Estados Unidos ni en Reino Unido ha calado a pesar de que la música latina ya no tiene tantísimas dificultades para entrar en las listas anglosajonas como hace unos años, aunque las siga teniendo.
En ciertos foros se ha entendido que ‘Pa Mis Muchachas’ es un intento por repetir el éxito de ‘I Like It’ de Cardi B, Bad Bunny y J Balvin. En papel lo es: el single de Christina fusiona el ritmo de la guaracha con el del trap, de misma manera que ‘I Like It‘ fusionaba el ritmo del bugalú con el trap. La fórmula es la misma y, quizá, la de ‘Pa Mis Muchachas’ ya no suene tan fresca al lado de la de ‘I Like It’ cuando ya han pasado varios años desde que la segunda lo petara en todo el mundo. Sin embargo, las cualidades de Christina elevan la canción por encima de cualquier posible copia.
El potencial pop de ‘Pa Mis Muchachas’ está bien plasmado en una letra simple y efectiva que rima «tengo» con «mantengo» y luego «mantengo» con «vengo», todo esto en el primer verso, pero no vamos a ser nosotros quienes echemos pestes de una rima fácil en una página de música pop. Las de ‘Pa Mis Muchachas’ son ideales para lo que la canción ofrece, que es un momento escapista y memorable, aunque es cierto que la letra parece un poco escrita con el libro de texto de español en mano.
Pero la canción contiene dos momentos incontestables: por un lado, el estribillo «esa guaracha pa mis muchachas» no puede contener más felicidad «dentro de una botella» y, por el otro, el puente de ‘Pa Mis Muchachas’ es uno de los mejores del año. Cuando Christina canta que «cuando estoy llorando, mezclo mis lágrimas, tequila y limón y me levanto» y la canción rompe y se «levanta» hacia la euforia colectiva, dando paso a los espectaculares «adlibs» vocales de Aguilera, da ganas de que ‘Pa Mis Muchachas’ sea número 1 en 40 países, no solo en su página de Spotify.
PUTOCHINOMARICON ha anunciado a través de sus redes sociales el lanzamiento de su próximo disco ‘JÁJÁ ÉQÚÍSDÉ (Distopía Aburrida)’.
Este álbum es “un lugar ficticio proyectado por Chenta como resultado del fracaso de buscar un lugar de pertenencia, de no sentirse «ni de aquí ni de allá» y que nace del deseo de construir un espacio donde sentirse plenamente y desfragmentadamente ellx”. Aunque aún no se publicado la fecha del estreno, ha anunciado que el día 10 de diciembre verán la luz dos adelantos del disco: ‘DM’ y ‘Chique de internet’.
Ya es diciembre, y como cada año, Spotify ha revelado las listas de artistas, canciones y álbumes más escuchados durante los últimos doce meses. Bad Bunny se convierte en el artista más escuchado a nivel mundial por segundo año consecutivo con 9.100 millones de escuchas este 2021. A él le siguen Taylor Swift, BTS, Drake y Justin Bieber.
El puesto a la canción más escuchada este 2021 en Spotify va para Olivia Rodrigo y su ‘drivers license’, el primer single de su álbum debut ‘SOUR’, que es el más reproducido a nivel global. En segundo lugar aparece ‘MONTERO (Call Me By Your Name)’ de Lil Nas X, en tercer lugar ‘STAY‘ de The Kid LAROI con Justin Bieber, en cuarto lugar repite Olivia Rodrigo con ‘good 4 u‘ y finalmente en quinto lugar se coloca ‘Levitating‘ de Dua Lipa con DaBaby.
En España, Rauw Alejandro ha superado a Bad Bunny como artista más escuchado, que comparte el top 5 con Myke Towers, J Balvin y Anuel AA. En cuanto a canciones más reproducidas, la pegadiza ‘Todo De Ti‘ de Rauw Alejandro se lleva el puesto número 1, seguida de ‘Pareja Del Año‘ de Sebastián Yatra con Myke Towers, ‘Yonaguni‘ de Bad Bunny, ‘Fiel‘ de Los Legendarios con la colaboración de Wisin y Jhay Cortez y ‘La Historia’ de El Taiger con DJ Conds.
Por otro lado el artista español más escuchado en España es C. Tangana, que en febrero batió el récord de mejor debut de un álbum español, alcanzando más de 5 millones de reproducciones en un solo día. Y hoy, según los datos de Spotify, ‘El Madrileño’ es el álbum español más reproducido en España en 2021. Aitana es la segunda artista española más escuchada en España y tras ella se posicionan Omar Montes, Melendi y Natos y Waor.
Ya está disponible Spotify Wrapped para todos los usuarios de la plataforma en la que podrán descubrir cuál es su top 5 de artistas, canciones, álbumes… más reproducidos en 2021, además de conocer otros datos como los minutos totales de escucha de este año. Os dejamos las listas de artistas, canciones y pódcast más escuchados de 2021 en el mundo y en España:
Artistas más escuchados en el mundo en 2021:
Bad Bunny
Taylor Swift
BTS
Drake
Justin Bieber
Artistas femeninas más escuchadas en el mundo en 2021:
Taylor Swift
Ariana Grande
Olivia Rodrigo
Dua Lipa
Doja Cat
Artistas masculinos más escuchados en el mundo en 2021:
Bad Bunny
BTS
Drake
Justin Bieber
The Weeknd
Canciones más escuchadas en el mundo en 2021:
«drivers license» – Olivia Rodrigo
«MONTERO (Call Me By Your Name)» – Lil Nas X
«STAY» – The Kid LAROI con Justin Bieber
«good 4 u» – Olivia Rodrigo
«Levitating» – Dua Lipa con DaBaby
Álbumes más escuchados en el mundo en 2021:
«SOUR» – Olivia Rodrigo
«Future Nostalgia» – Dua Lipa
«Justice» – Justin Bieber
«=» – Ed Sheeran
«Planet Her» – Doja Cat
Artistas más escuchados en España en 2021:
Rauw Alejandro
Bad Bunny
Myke Towers
J Balvin
Anuel AA
Artistas femeninas más escuchadas en España en 2021:
Aitana
KAROL G
María Becerra
Dua Lipa
Nicki Nicole
Artistas españoles más escuchados en España en 2021:
C. Tangana
Aitana
Omar Montes
Melendi
Natos y Waor
Canciones más escuchadas en España en 2021:
«Todo De Ti» – Rauw Alejandro
«Pareja Del Año» – Sebastian Yatra con Myke Towers
«Yonaguni» – Bad Bunny
«Fiel» – Los Legendarios con Wisin y Jhay Cortez
«La Historia» – El Taiger con DJ Conds
Álbumes más escuchados en España en 2021:
«VICE VERSA» – Rauw Alejandro
«El Madrileño» – C. Tangana
«EL ÚLTIMO TOUR DEL MUNDO» – Bad Bunny
«Mis Manos» – Camilo
«KG0516» – KAROL G
Pódcast más escuchados en el mundo en 2021:
«The Joe Rogan Experience»
«Call Her Daddy»
«Crime Junkie»
«TED Talks Daily»
«The Daily»
Pódcast más escuchados en España en 2021:
«Nadie Sabe Nada»
«Entiende Tu Mente»
«Estirando el chicle»
«The Wild Project»
«Horóscopo de Hoy»
