La carrera de Joana Serrat siempre ha transcurrido por los senderos de la música de raíces americana, una querencia que nos ha dado obras tan notables como ‘Cross The Verge‘ y ‘Dripping Springs‘. Ahora la vigatana ha ido aún más lejos en su imaginario sónico. Joana ha grabado ‘Hardcore from the Heart’ en Denton, Texas, en los estudios Reedwood de McKenzie Smith y Joey McClellan, miembros de Midlake. Ambos también producen, junto a Ted Young, y colaboran en calidad de instrumentistas. En nómina también hallamos, entre otros, a Aaron McClellan o Jesse Chandler, nombres destacados que se han fogueado con luminarias como St Vincent, Mercury Rev o Sharon Van Etten.
El resultado es su obra probablemente más ambiciosa. ‘Hardcore from the Heart’ es un puro derroche sonoro en que Joana va un paso más allá en su pasión por las sonoridades americanas. El disco está musicado con mimo exquisito, como es habitual, repleto de guitarras y de nubes de sintetizadores vintage, cortesía de Chandler. Así, Serrat ha logrado un sonido que ahonda en su faceta más dream-pop. Las canciones son hermosas y evocadoras, los instrumentos son tratados con algo de distorsión y una pátina de ensoñación, la producción es atmosférica y llena de aire las canciones. La voz de Joana mantiene su cualidad emotiva, se expresa sin alardes, de manera morosa, pero con toda su fuerza expresiva y melancólica. Pero esta vez los pasajes instrumentales tienen casi mayor peso que su voz. Todo esto otorga al conjunto una naturaleza sonora que remite a Beach House, Angel Olsen o Mazzy Star; esa clase de pop-folk alternativo pasado por el tamiz de Badalamenti o Cocteau Twins.
Todas estas cartas se muestran a la primera. ‘Easy’, el arranque del disco, no puede resumir mejor su personalidad. La voz de Joana emerge en un ligero segundo plano, entre capas de guitarras y sintetizadores exuberantes, hasta que deja que brille su coda instrumental final. El gusto por los desarrollos largos se hace especialmente patente en ‘Pictures’, una emocionante canción que podría ser la banda sonora de una “road movie” onírica, y que evoca el tipo de sonido que ha hecho la fortuna de The War on Drugs; de hecho es una canción tan sugestiva y convincente como cualquiera de los temas de Adam Granduciel (¡o más!). Pero también hay momentos más íntimos, como la delicadeza ensimismada de ‘Summer never Ends’. O pequeños arrebatos, como ‘How To Make You Love Me’, donde sube ligeramente la velocidad, mientras una guitarra omnipresente puntea el conjunto, con el manto de instrumentos ahogando la voz en el estribillo, que va aumentando intensidad hasta lograr el crescendo final. O se sacude una parte de la melancolía en ‘Demons’, la pieza más vehemente y animada. También hay melodrama narcotizado en ‘Take Me Back Where I Belong’, el tema que más recuerda a Angel Olsen, y el que supone el mayor “tour de force” emocional del álbum, gracias a sus orquestaciones à la Badalamenti; o en la breve ‘Hotel Room’, el único momento en que Joana impone su poderío vocal y sube la intensidad, aúlla, suplica.
A Joana Serrat se le nota enamorada de la sonoridad que ha logrado en ‘Hardcore from the Heart’, se siente que suena exactamente como –supongo- ella deseaba sonar. Y quizás la única pega que se le pueda poner al disco sea fruto de ese mismo triunfo, que la acertada producción paradójicamente dota de una cierta uniformidad a las canciones. Todas tienen la misma cadencia, la misma sonoridad, la misma velocidad… Pero ‘Hardcore from the Heart’ es honesto como su título. Sale del corazón de su autora, es algo así como la realización de una fantasía, el disco de dream-pop americano y alternativo que Serrat quería (y esperábamos).
El éxito de los ganadores de Eurovisión, Måneskin, continúa manifestándose en las listas, absolutamente imparable. No se recuerda nada similar en años recientes, y la alarma eurofán ha saltado esta semana cuando la Official Charts Company de Reino Unido, un país de lo más arisco para los artistas internacionales, y más aún para los no anglosajones, ha tuiteado lo siguiente: “Måneskin tienen DOS singles en el top 10 de Reino Unido esta semana. Ni siquiera los campeones de Eurovisión ABBA han logrado eso antes”.
Los italianos van a tener que mantener su éxito durante muchas décadas para transformarse en uno de los grupos más vendedores de todos los tiempos como lograron ABBA tras ganar Eurovisión. Honestamente, es imposible que lo consigan. Pero no por eso se puede hacer de menos el éxito de los italianos. La clave es la siguiente: la canción ganadora de Eurovisión, ‘ZITTI E BUONI’, ha sido muy bien acogida de manera internacional, pero lejos de quedarse ahí, el público ha corrido a abrazar otros temas de su repertorio. En concreto ‘I WANNA BE YOUR SLAVE’, un single extraído del mismo disco de este año, ‘Teatro d’ira – Vol. I’, está a punto de hacer el “sorpasso” en streamings totales a la mismísima ‘ZITTI E BUONI’, y además otra canción de su debut de 2017, una versión de ‘Beggin’’ de The Four Seasons de 1967, ha triunfado primero de manera espontánea, gracias al boca oreja; y además ahora ha sido añadida a la todopoderosa lista de Spotify “Today’s Top Hits’, la playlist más influyente de todo el mundo con casi 29 millones de suscritos.
La situación es realmente excepcional pues plantea un escenario nunca visto en tiempos recientes. Muy fácilmente ‘I WANNA BE YOUR SLAVE’ y ‘Beggin’’ van a consolidarse como clásicos del rock por encima de la propia ganadora de Eurovisión, y esto no había sucedido a otros ganadores del concurso, ni a aquellos que resultaron ganadores de honor en las listas de éxito. Dejando de lado la victoria de Céline Dion, por Suiza, cuando ya era alguien en los países francófonos, por su surrealismo puro y porque no fue un punto de inflexión tan marcado en la carrera de la canadiense; Lordi lograron realizar sus giras de éxito internacionales pero nunca igualaron ni de lejos el éxito de ‘Hard Rock Hallelujah’. Loreen sonó mucho, pero ‘Euphoria’ sigue siendo por mucho su mayor hit. Lo mismo para ganadores de honor como Eleni Foureira o Mahmood, que quedaron segundos: nada que haga sombra ni remotamente a ‘Fuego’ o ‘Soldi’ en las plataformas de streaming. Por el contrario, hasta 3 temas de Måneskin ya rondan los 100 millones de reproducciones en Spotify, y esto solo acaba de empezar.
La fidelidad del público del rock, y lo necesitado que estaba el mercado de una banda de estas características parece fundamental para comprender el fenómeno que se está viviendo. Milán y Roma continúan siendo las ciudades que más escuchan la música de Måneskin, pero las siguientes ciudades interesadas son tan improbables como Ámsterdam, Oslo y Londres. ¡Londres! ¿No había otros sucedáneos de Arctic Monkeys en la capital británica? 425.000 oyentes de esta ciudad han escuchado este último mes a Måneskin en esta ciudad y sí, ya hace más de 30 días que terminó el Festival de Eurovisión. Con 2 singles del grupo italiano en el top 10 de lo más reproducido del país, y sin que Radio One esté apoyando ninguno de ellos (cuando se pone, la cadena de la BBC es tan cercana a la calle como Los 40 Principales), la popularidad de Måneskin es creciente. También en España, país en el que se mantienen en el top 20 de álbumes, y en el que ya actuaron en 2018 (O Son do Camiño) y 2019 (Razzmatazz 2, Sala Cool Stage en Madrid), con el paraguas de la promotora Doctor Music.
Y es que además de conquistar al público casual de Eurovisión que prefiere la formación clásica de guitarra eléctrica, bajo y batería, Måneskin conectan con la generación Z que desconoce todo tipo de prejuicios. De un lado está el carisma de Damiano David, que nació el mismo día que Elvis Presley y David Bowie (8 de enero). Por supuesto citan entre sus influencias a Arctic Monkeys, Red Hot Chili Peppers y Led Zepellin. Pero no se andan con tonterías y también se saben seguidores de Bruno Mars y de Harry Styles, a quien han versionado. Un grupo que surgió en el instituto donde la bajista -medio danesa, de ahí el nombre de la banda- y el guitarrista se conocieron, y que se dedicó a tocar en las calles para popularizarse (el ideal rock romántico) pero que no dudó en utilizar el Factor X italiano para darse a conocer (los nuevos tiempos).
Javier Giner ha dado una de las sorpresas de la temporada con la publicación del libro ‘Yo, adicto’ en la editorial Paidós. Conocido hasta ahora por algunos cortos, la dirección de algunosvideoclips, alguna obra de teatro, trabajar en el entorno Almodóvar/Coixet y últimamente también como tuitero deslenguado, se consolida como escritor tras un primer intento en 2006, con un libro autobiográfico de esos que pueden cambiar tu vida o la de tus amigos.
En ‘Yo, adicto’ Giner relata sin tabúes cómo durante el año 2008 cayó en un pozo de consumo de alcohol, drogas y sexo, cómo se tomó como unas vacaciones un primer paso por rehabilitación durante aquel verano, y cómo después requirió ser ingresado durante varios meses en una clínica tras haber tocado fondo en un episodio traumático que ha tenido que dejar pasar 12 años para atreverse a relatar. Sin morbos innecesarios -todo esto es sólo el primer capítulo-, ‘Yo, adicto’ se va transformando en un precioso ejemplar de autodescubrimiento en el que el autor comparte generosamente todo lo aprendido en años de terapia, resultando un libro de autoayuda -por mucha dentera que le produzca esta palabra- que nos recuerda que nadie se convierte en alcohólico o drogadicto porque quiere, y que siempre hay un problema con el que lidiar detrás de cada adicción.
Merece la pena detenerse en la grima que da al autor la palabra «autoayuda», porque no se cansa de repetir que él no quería convertirse en un «hippie» que solo sabe «hacer yoga» en la clínica de desintoxicación. Giner representa a un sector muy concreto de la sociedad cuando recuerda lo esnob que era en principio al referirse a sus compañeros en dicha clínica. Radiohead, Beck, Aimee Mann, Justice, Fiona Apple y «el mayor fan de Madonna que ha existido» aparecen mencionados ya en el prólogo, desvelando que el autor sitúa la trama en un Madrid de «conciertos, fiestas, presentaciones de películas, de libros, fanzines, EP’s, colecciones de moda, inauguraciones de instalaciones artísticas, discotecas, aperturas de pisos y shows underground» que quizá te resulte insoportablemente familiar si eres habitual de esta web. Un entorno supuestamente envidiable en el que el consumo de drogas y alcohol -si es que no son lo mismo- está incluso más normalizado que en las series y las películas de moda, de las que también se cuestionan algunos ejemplos.
Javier Giner deja su arrogancia atrás, pero no alecciona en ningún momento de estas casi 500 páginas que se devoran en un par de días, dedicándose sin más a compartir lo que ha sido su experiencia, su proceso de aprendizaje, su cura de humildad y sobre todo su proceso de sanación, abriéndose en canal y yendo al origen verdadero del problema.
Pese al exceso de algún que otro tic -un apunte, fin del apunte, etcétera-, y a unos personajes secundarios que no terminan de dibujarse y se hacen un poco de bola, suponemos que porque ha querido preservar la intimidad de los que se quedaron por el camino y también la de los que sí han sobrevivido; la narrativa del autor es ágil, directa, muy tierna -nunca cursi- e incluso divertida cuando la trama lo permite, conformando un libro de lectura obligatoria en estos tiempos en que tanto se habla de fiestas chemsex, cuando no de «chills» en el mundo post-pandemia. Quizá este libro nos ayude un poquito a no mirar hacia otro lado cuando nos enteramos de que todo esto se ha llevado por delante a un amigo, a un conocido o a alguno de nuestros ídolos.
Giner, que lleva 12 años sobrio, anhela aún convertirse en un gran director de cine a la altura de sus grandes referentes, pero ya ha contribuido a la comunidad -a toda la sociedad, quiero decir- con una obra que lleva a la primera plana varias problemáticas relacionadas con la salud mental, sobre las que continúa sin hablarse lo suficiente. Disponible en tu librería favorita y en Amazon.
2021 se empieza a poner interesante después de seis meses bastante parcos en macrolanzamientos. Lorde ha confirmado su regreso y otros artistas van allanando el camino para el suyo. Es el caso de Ed Sheeran, que había anunciado que su «primer single oficial en cuatro años» saldría en «unas pocas semanas». Finalmente ‘Bad Habits’ ha llegado hoy 25 de junio como estaba previsto. Es un tema de pop-dance agradable e inofensivo que ya puedes escuchar en la playlist de novedades actualizada. En el vídeo, un Ed Sheeran transformado en vampiro siembra el caos en la ciudad. ¿Alguien ha dicho The Weeknd?
Se sabe muy poco del cuarto álbum oficial de Ed Sheeran, quinto si contamos aquel proyecto de colaboraciones que también fue un gran éxito. Se especula que su título será ‘-‘ o «minus» debido a que todos sus trabajos hasta la fecha han seguido esta tendencia matemática, pero no solo por eso. Recientemente se ha anunciado que Sheeran patrocinará las nuevas camisetas de Ipswich Town Football Club, cuyo logotipo muestra los símbolos matemáticos que han titulado sus discos, así como dos nuevos, el de resta (-) y el de igual (=). De esto se deduce que el álbum podría ser doble. El logotipo incluye la palabra «TOUR» por lo que parece anunciarse una gira en la que Ed repasará toda su carrera.
Al margen de conjeturas, el propio Ed Sheeran ha concedido estos días su primera entrevista en varios años a raíz de la celebración del festival Radio 1’s Big Weekend 2021. Y además de confirmar que efectivamente se encuentra preparando una gira, ha hablado sobre su disco, aunque ha escatimado en detalles. ‘Afterglow‘, el tema que publicó la pasada Navidad y que sonaba 100% a Bon Iver, fue desde el principio un single suelto.
Ha dicho que el álbum sonará «como una amalgama de todos sus trabajos anteriores», de lo que se deduce que no supondrá un cambio radical en su discografía y que tampoco será ese álbum lo-fi que prometió. Ya había indicado que al menos el primer single, este que se acaba de anunciar, sí sería «muy, muy diferente» a todo lo que ha hecho antes. «Cada vez que lanzo el primer single de un disco me pongo nervioso porque no sé si va a gustar, pero me gusta ese sentimiento», ha explicado. «Podría sacar otro ‘Thinking Out Loud‘ pero me motiva la sensación de no saber si a la gente le va a gustar».
En cuanto a las canciones nuevas que irán en este disco, ‘Afterglow’ efectivamente queda fuera en principio y Sheeran sí ha presentado una segunda canción estos días aunque casi nadie se haya enterado. Se trata de una balada llamada ‘Visiting Hours’ que estrenó en directo en el funeral televisado del empresario Michael Gudisnki en Australia. Se desconoce si formará parte del proyecto o no, pero el rumor apunta a que será el tema en el que colaborará con Kylie Minogue, que también participó en dicho evento. Podéis escucharlo bajo estas líneas en vivo.
Doja Cat ha publicado su nuevo álbum, ‘Planet Her’, hace un par de días cuando todavía ‘Say So’, su enorme hit del disco anterior, ‘Hot Pink’ (2019), continúa sonando. ‘Planet Her’ es un disco fresquito y muy bien orquestado, entretenido aunque su single principal, ‘Kiss Me More’ (top 3 en UK, top 4 en USA, top 65 en España), ocupe la última plaza: es la pista 14, antes de los bonus tracks de una edición deluxe que se acaba de improvisar.
Y logra ser claramente uno de los discos del verano gracias a lo bien que ha jugado sus cartas: están muy bien dispuestas las colaboraciones con Ariana Grande (‘I Don’t Do Drugs’) y con The Weeknd (‘You Right’); las canciones más pop (‘Payday’ con Young Thug o ‘Get Into It’) y las baladas R&B (‘Alone’). Por todo ello, ‘Planet Her’ será nuestro “Disco de la Semana”.
El arranque del disco es inmejorable con ‘Woman’, la mitad dancehall mitad reggaetón ‘Naked’ y las mencionadas ‘Payday’ y ‘Get Into It’, seguidas del single actual ‘Need to Know’ y el tema con Ariana Grande. Un “hit after hit” del que hoy celebramos ‘Woman’ como “canción del día”, por ser una intro perfecta para todo este mundo.
‘Woman’ es una reivindicación de la feminidad al mismo tiempo que una canción de amor en la que Doja Cat se postula como “tu mujer” perfecta, y en la que cabe destacar el brillante fraseo de la segunda estrofa. Es ahí donde la cantante celebra las comparaciones y el parecido inevitable con Rihanna, con una frase que referencia a esta: “I could be the CEO, just a like a Robyn Fenty”.
Una manera sólida de abrir el álbum con una Doja Cat que parece confortable en todo tipo de ritmos, incluido este afrobeat, ya lejos de los aires disco de ‘Say So’ y ‘Kiss Me More’ con SZA. Una estrella que parece haber llegado para quedarse.
Fangoria replican la estructura de sus últimos discos en un nuevo EP con el que han querido entretenerse un poco tras lo frustrante que fue para ellos -como para todos los músicos– el curso 2020, cuando no pudieron promocionar adecuadamente su recopilatorio de aniversario compuesto de versiones. Aquí encontramos, como en ‘Cuatricromía‘ y ‘Canciones para robots románticos‘, diferentes partes producidas por diferentes personas. En este caso esto es un EP, así que cada productor toca a una composición, nada más: Guille Milkyway se queda el single, como ya fue el caso de ‘Dramas y comedias‘, ‘Geometría polisentimental‘, etcétera; Jon Klein está detrás de ‘Satanismo, arte abstracto y rock’n’roll’ y Juan Sueiro del tema ‘Fantasmagoria’.
El mayor pero de ‘Momentismo absoluto’ fue el que ya apuntamos en su día de salida: es extraño que una reinvidicación del momento actual sea tan sumamente esclava del pasado en todos sus referentes estéticos, especialmente de ‘Blade Runner’, que ya habían trabajado mejor en ‘Lo siento’. Por lo demás, vuelve a ser una producción pegadiza y apañada, cuya cumbre es esa caída melódica de los coros en el estribillo, 100% La Casa Azul y 100% Pegamoides también.
El «focus track» ‘Fantasmagoria’ reincide en las contradicciones que tanto parece disfrutar el grupo, entre unos sintes que molan, que son pura fantasía de sintonía televisiva ochentera, y un teclado que les acerca de nuevo a sus amigos de Camela. Lo cual es respetable pero incompatible con la idea de que sea «el arte abstracto» lo que mande en todo esto, como presume la letra de ‘Satanismo, arte abstracto y rock’n’roll’. De texto holgazán y muy poco inspirada pese a tirar de guitarras y pianos con el sabor de los años 50, lo mejor de esta composición de Alaska, Nacho y Mauro Canut es que va mutando en la segunda parte del EP en una versión «tecno pop» que incluye alguna adaptación en la letra y un guiño a ‘Enola Gay’ de OMD. Al final se convierte en una versión «acid» que recuerda a la ola acid house que inundó el último disco de Dinarama, ‘Fan Fatal’ (1989). Ahora que tanto se habla de «voguing» por el camino de RuPaul’s, FKA twigs o Jessie Ware, está bien recordar que ellos también trabajaron esos ritmos sin esperar siquiera a que llegaran los años 90.
Eran los tiempos en que Fangoria eran realmente pioneros. Ahora, realmente todo parece darles igual: una toma vocal inadecuada, un arreglo que suena más desfasado que vintage, una letra que te deja igual que estabas. «Hemos podido romper con todas nuestras reglas y juramentos, se acabó la tontería. Haremos lo que queramos, con quien queramos, en el momento que sea, y punto», han explicado a Shangay, donde avanzan que otros dos o tres EP’s próximamente recibirán títulos que jueguen con la letra E y la letra P, al igual que este. ¿Qué nos aguardará tras este «Existencialismo Pop» tan poco existencialista? ¿Más «extravagancia»? Siempre. ¿»Escepticismo»? Todo, después de varios pasos en falso. ¿»Escasez» (de ideas)? Ojalá que no, pero…
Dua Lipa informa a través de sus redes sociales de un nuevo retraso en la gira de ‘Future Nostalgia‘, el disco del año… del año pasado. A pesar del buen avance de la vacunación en Europa, es evidente que no todos los países estarán preparados para realizar una gira en las viejas circunstancias en septiembre y octubre, sin distancia de seguridad y con el público de pie en el foso, y para curarse en salud, todo el tour se ha pospuesto a 2022.
Como veis, las nuevas fechas de Madrid y Barcelona coinciden más o menos con el paso de la cantante por Primavera Sound, donde se la espera el 9 de junio. Una semana antes estará en sendas ciudades españolas. El 1 de junio aguarda el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 3 de junio el Wizink Center de Madrid. A continuación la cantante viajará a Braga y Lisboa en Portugal y una vez terminado el tour europeo oficial, Dua Lipa volverá a Barcelona para actuar en el Primavera Sound.
En un mensaje dejado a través de redes sociales, la cantante lamenta esta situación, indicando que tiene el «corazón roto por completo» y recuerda que las entradas seguirán siendo válidas para las nuevas fechas. Como consuelo, se han añadido algunas nuevas citas en algunos lugares europeos: Italia, Alemania, Suiza, Austria y Francia.
Los BET Awards, dedicados a los artistas afroamericanos desde hace 20 años, se han celebrado esta noche con el lema “Año de la Mujer Negra”, presentados por la actriz Taraji P. Henson, quien ha indicado que “celebrar a las mujeres negras no es una tendencia sino un sentimiento que durará para siempre”. Queen Latifah ha recibido el premio a toda una vida, además de un homenaje en forma de medley por parte de Lil Kim, Rapsody, MC Lyte y Monie Love.
La gran ganadora de la noche también ha sido mujer: Megan Thee Stallion, pues se ha hecho con el premio a Vídeo del Año, Voto del Público, Mejor Colaboración por ‘WAP’ junto a Cardi B y Mejor Artista Hip-Hop Femenina. Ha interpretado en la ceremonia ‘Thot Shit’, el single actual que ha conseguido situar en el puesto 16 en Estados Unidos, pero tan sólo en el número 83 de las listas británicas. No contenta con todo este protagonismo, también estuvo en la actuación de DJ Khaled junto a Da Baby, Lil Baby, Lil Durk y H.E.R. Los temas de tal medley fueron ‘Hats Off’, ‘Every Chance I Get’ y ‘I Did It’.
El disco del año ha sido para Jazmine Sullivan por el interesante pero acomodado ‘Heaux Tales’, derrotando a la misma Megan Thee Stallion y al mismísimo The Weeknd. Además, Jazmine realizó una presentación de ‘Tragic’ y ‘On It’. Otros galardonados han sido Chris Brown y H.E.R., mientras Silk Sonic ha sorprendido al hacerse con el premio a mejor grupo con tan sólo una canción en el mercado: se trata del proyecto de Bruno Mars con Anderson .Paak. Interpretaron la susodicha ‘Leave the Door Open’.
Otro gran homenaje ha sido el realizado para DMX, que ha muerto a causa de un ataque al corazón este año. Le han rendido un homenaje Swizz Beatz, The Lox, Busta Rhymes y Method Man, entre otros.
Otros artistas que han actuado han sido Tyler the Creator (pues ha sacado disco esta semana), Lil Nas X con ‘Montero’, DaBaby, H.E.R. y Migos. Precisamente durante la actuación de estos de ‘Type Shit’ (también interpretaron ‘Straightenin’’), Cardi B se subía al escenario revelando que estaba de nuevo embarazada de Offset.
Garbage han sido recientemente Disco de la Semana en estas páginas con su estupendo nuevo trabajo, ‘No Gods No Masters‘, momento que hemos aprovechado para repasar sus dos primeros álbumes, ‘Garbage‘ y ‘Version 2.0‘, los mejores de su carrera. No se terminó de concretar entonces una entrevista con el grupo pero finalmente hemos podido charlar, vía Zoom, con una encantadora Shirley Manson de risa brutota cuando se ríe de algo que le ha hecho gracia (como cuando le digo que ‘Flipping the Bird’ me suena navideña). Hablamos sobre algunos temas que trata en el disco, como el machismo o el cambio climático, pero también sobre algún momento duro de su carrera.
No sé hasta qué punto te interesan las críticas, pero el disco está gustando bastante. ¿Crees que tiene algo que ver que las letras hablan de temas muy importantes hoy? ¿Percibes a la gente más consciente que antes?
Tengo que ser sincera contigo, me esperaba más reacciones negativas hacia este disco, me ha sorprendido que en general las críticas han sido bondadosas. Ha habido otras muchas que no lo han sido (ríe). Pero una cosa es cierta, y es que en ambos lados de la moneda hay gente que, como decimos en Escocia, está «fed up to the back teeth», es decir está harta de la ineptitud de los gobiernos que se ve en todo el mundo. Todo el mundo está harto, aterrorizado y frustrado, todo el mundo es consciente de que algo que no va bien. Existe un deseo colectivo de cambio y creo que esta puede ser una de las razones por las que el disco ha sido bien recibido.
Has dicho que este es el disco que tenias que hacer. ¿Has percibido que la gente esperaba este disco de vosotros, obviamente después de todo lo que ha pasado con #MeToo, Black Lives Matter, el despertar ante la misoginia, etc?
Muchas de los temas que tocamos en este disco vienen de siglos atrás, en realidad no estamos hablando de nada nuevo. Yo llevo toda la carrera cantando en contra del racismo y la misoginia, pero hoy en día vivimos tiempos muy intensos, llevamos 10 años conviviendo con las redes sociales y subiendo, nunca en toda la historia de la humanidad hemos sido tan conscientes de todo lo que está pensando o haciendo la gente. Es cósmico. Antes una sociedad podía estar hablando de una cosa y otra estar hablando de lo mismo y no se sabía, ahora sí. De todas formas, la banda y yo no afrontamos el disco con la intención de que fuera político, simplemente nos reunimos en el estudio y salió así porque son temas sobre los que estábamos hablando.
Dices que no esperabas que el disco fuera tan bien recibido. ¿Crees que la crítica ha sido especialmente dura con Garbage en el pasado?
Cuando eres una mujer que expresa su opinión de manera contundente vas a recibir críticas. Muchos críticos prefieren que la música les sea presentada por personajes serviles y la sociedad aún espera que las mujeres lo seamos, pero creo las nuevas generaciones de artistas femeninas esperan un cambio y están luchando por ello. Sin embargo creo que esta creencia patriarcal de que las mujeres deberían permanecer en sus sitios, callarse la boca y sonreír todavía no ha desaparecido, pero yo nunca lo he hecho. ¿Han sido los críticos duros con nosotros a lo largo de los años? Sí. ¿Ha habido también críticos que nos han tratado genial? También. No habríamos gozado del éxito que hemos tenido sin el apoyo de la crítica. Es una moneda de dos caras para cualquier artista. Atraes a la misma cantidad de gente que te rechaza y esto forma parte de la experiencia de ser artista en la industria de la música. Caminas por fuego y aquellos que son capaces de aguantar el calor sobreviven.
Te lo preguntaba también porque parece que a veces no se entendía vuestra música a nivel de sonido. Llegasteis en la etapa post-grunge pero lo mezclabais con electrónica, y vuestras canciones eran muy pop. No sé si recuerdas esa época.
Claro que me acuerdo, me acuerdo de todos los rechazos que hemos sufrido, pero soy consciente de cómo funciona la historia de la música. Nosotros tuvimos un éxito enorme en los 90 pero el mercado cambia y llegamos a un tope. Un día estábamos en el epicentro de la cultura popular y de repente fuimos apartados a un lado como tantos otros artistas. Estábamos confundidos, no entendíamos qué estaba pasando porque seguíamos hablando de temas que eran relevantes, pero nos dimos cuenta de que necesitábamos volver a casa y forjarnos una nueva identidad sin traicionarnos a nosotros mismos, lo cual es difícil. Aún así pienso que Garbage fuimos pioneros en hacer un tipo de música rock moderna que se contaminaba de otros géneros y esto es así te guste el grupo o no.
‘The Men Who Rule the World‘ es un himno. Cuando arranca la última parte parece que se abre una puerta a golpe de portazo, y que se está armando un grupo de gente para acechar al «violador». ¿La visualizáis así también?
Lo que veo yo cuando empieza esa parte es a las mujeres de Sudamérica plantadas delante del parlamento con los puños al aire y manifestándose en contra de la manera en que las mujeres son tratadas en esta sociedad. Me inspiraron la manifestaciones que tuvieron lugar en Chile y Argentina hace unos meses. Mucha gente ha entendido que la canción es anti-hombres pero en realidad habla sobre el abuso de poder y sobre la destrucción del planeta, y sobre el hecho de que ambos problemas están directamente relacionados con el hecho de que la mayoría de líderes en el mundo son hombres.
Es necesario que se dé espacio a otras voces que han sido históricamente marginadas
Me sorprendió la mención al «squid» (calamar), la gente no suele pensar en las criaturas marinas cuando habla de bienestar animal pese a que también son seres sintientes. ¿Te interesa este tema?
Me encantan los animales pero uso esta palabra principalmente para llamar la atención sobre el problema del cambio climático y la destrucción de los océanos. Quería usar una figura marítima y «squid» resultó ser la palabra perfecta que encajar en la canción (ríe). La canción es una revisión de ‘El arca del Noé’ en la que George Clinton y yo venimos desde el espacio hacia la Tierra con una nave nodriza para salvar a todos los seres hermosos y divinos que requieran nuestra protección.
¿De dónde viene la idea de incorporar el sonido de una máquina tragaperras?
Me parece el sonido del capitalismo y de la avaricia. Estas dos actitudes son el origen de la reticencia de muchos políticos a resolver el cambio climático, la cual es muy patriarcal. No se quieren gastar el dinero, no quieren invertir en la Tierra porque en su cabeza la Tierra no produce el dinero que se necesita para luchar contra el cambio climático.
A la gente le está flipando ‘Godhead’, no sé si te has percatado. ¿Buscasteis el banger o el banger os encontró a vosotros?
¡El banger nos encontró a nosotros! (ríe) Escribimos esta canción en Palm Springs, la toma vocal que se oye es la primera de esa sesión, nunca la he vuelto a grabar. Es una canción con mucho humor pero que en realidad habla de un tema muy frustrante para las mujeres y para cualquier persona que no sea un hombre cisgénero: los hombres se han colocado en la cima de todo y se han declarado dioses de todo. Estoy muy orgullosa de esta canción porque habla de un tema que es muy necesario poner sobre la mesa, pero lo hace desde el humor.
Siempre hay un momento en tu vida en que descubres que los hombres cisheterosexuales viven en un mundo distinto al tuyo.
No me malinterpretes, yo amo a los hombres, pero necesitamos otras perspectivas en el gobierno, es muy importante y necesario. Los hombres constituyen el 50% de la población. Es necesario que se dé espacio a otras voces que han sido históricamente marginadas. Los gobiernos se tienen que poner las pilas y ponerse al día con el mundo nuevo en que vivimos.
Dices que la toma vocal de ‘Godhead’ es la primera que grabaste. ¿Cuánta espontaneidad os habéis permitido en este disco?
La diferencia de este disco con los anteriores es la rapidez con la que lo hemos grabado. Antes, en los primeros dos discos, nos pasábamos una cantidad de horas ridículas en el estudio, para mí era agotador porque a mí me gusta trabajar rápido. Tengo la confianza para hacerlo. En este disco los integrantes de la banda básicamente se han visto en la obligación de ir a mi ritmo, y creo que les ha venido bien porque somos una banda que llevamos 25 años en activo y subiendo, y cuando llevas tanto tiempo en la música es fácil caer en los mismos hábitos de siempre. Cuanto más mayor te haces más importante es, como artista, creer en tu propio instinto y en tu propia creatividad.
Me parece interesante la autocrítica de ‘Wolves’: «te he tratado mal», pero no hay disculpa a la vista. No pides perdón por estar cabreada. Es un «soy así».
En la versión deluxe del disco hay una canción llamada ‘On Fire’ que de hecho va sobre no pedir perdón (ríe). ‘Wolves’ habla sobre la lucha que cada uno vive por ser la mejor versión de sí mismo que puede ser. A veces sentimos que no llegamos a ese nivel. Esta canción se basa en un cuento de hadas de Europa del este que leí hace tiempo y me recuerda a la película ‘La noche del cazador’, que también habla sobre esa lucha interna que tenemos todos entre ser las mejores versiones de nosotros mismos, pero que también pasa a veces por ser las peores.
Es importante para nosotros saber qué podemos aportar como músicos veteranos que los más jóvenes no pueden
¿’The Creeps’ de qué va? Cuando cantas «I was so upset, I saw them selling me out, right there on Los Feliz Boulevard», ¿qué quieres decir?
Es una licencia poética (ríe) Pero se basa en una historia real. Precisamente estaba conduciendo por ese barrio de Los Ángeles hace unos años cuando mi mánager me llamó para comunicarme que había sido despedida de Interscope Records. Estaba a punto de cumplir 40 años y me quedé completamente devastada, pensé que nunca me iba a recuperar de aquello porque las mujeres de mi edad no son capaces de vivir una segunda oportunidad en la industria de la música. Y precisamente en Los Feliz había una venta en la calle, un mercadillo. Había un poster de Garbage, lo vendían por 2 pavos, y me quedé petrificada, me sentí una absoluta perdedora. Me dio muchísima vergüenza. Volví a casa, me pegué una buena llorera y en ese momento me liberé de todos esos pensamientos impuestos por la sociedad en la que me crié según los cuales una mujer de 40 años ya no tiene oportunidades en el sistema capitalista ni en la industria de la música. Entonces decidí darme un descanso y en esa época me metí en el mundo de la tele. Unos años después Garbage volvimos más tranquilos que nunca, liberados de todas esas expectativas y aspiraciones.
Da la sensación de que la gente espera que seas joven por siempre.
A la gente le encanta la juventud en el pop, no les culpo, la cultura popular actual está llena de juventud, pero nosotros no esperamos ser jóvenes por siempre. Somos veteranos en la música y en la vida en general y ya no tenemos intención de competir con los chavales. Jugamos una partida distinta. Lo importante para nosotros es saber qué podemos aportar como músicos veteranos que los más jóvenes no pueden aportar, y en nuestro caso lo que aportamos nosotros son las ganas de hablar de temas que nos son relevantes y sobre los que los artistas jóvenes no hablan debido a su juventud.
‘A Woman Destroyed’ es interesante. Muchas veces se marca la identidad de una mujer violada en los términos de víctima. En España hay debates sobre ello, con la filósofa Clara Serra a la cabeza.
Estoy totalmente de acuerdo con ella. La letra de ‘A Woman Destroyed’ salió de mi frustración con la manera en que se habla de las mujeres en la prensa. Me molesta mucho que se hable de las mujeres como si solo fueran víctimas o incluso cómplices de los crímenes que se han perpetrado contra ellas, como esas mujeres a las que, por haber compartido una habitación con Harvey Weinstein, ya se les echa la culpa de lo que les ha pasado. Aún se culpa a las mujeres por la incapacidad de los hombres de controlarse a sí mismos. En la canción me transformo en una superheroína que se venga de esta situación con todos los poderes que las mujeres tienen a su disposición. ‘A Woman Destroyed’ da una vuelta a este pensamiento tan prevalente en la cultura que dice que las mujeres son débiles, tontas y despreocupadas.
De ‘Flipping the Bird’ me llama la atención el contraste entre la letra más o menos agresiva y la dulzura de la melodía, que es como navideña.
(suelta una carcajada) Esta canción la escribimos cuando grabé un podcast con Liz Phair. Me dio por cantarla en el estilo que ella usa en su primer disco, donde usa una voz grave y asertiva. Salió del podcast con ganas de emular su estilo, de evocar su espíritu. En ese momento estaba leyendo el libro ‘Los hombres me explican cosas‘ de Rebecca Solnit y la canción habla de «mansplaining». Me gusta porque es una canción rebelde, me hace sentir que vuelvo a tener 14 años otra vez y que le hago la peineta a alguien por detrás sin que me vea.
Cuando murió Dolores O’Riordan dijiste que se estaban muriendo los artistas de tu generación. ¿Qué piensas de esto ahora? ¿Garbage y Cranberries tenían cosas en común?
Teníamos mucho en común, tocábamos en los mismos festivales pero nunca nos conocimos. Dolores y yo éramos contemporáneas en los 90 y me dio mucha pena cuando murió, era muy joven.
¿Cómo será la gira? ¿Cuánto peso tendrá el nuevo álbum? ¿Qué hits irán sí o sí?
De momento tocamos de teloneros de Alanis Morissette y Liz Phair en Norteamérica y de Blondie en Reino Unido. El problema de tocar de teloneros es que el público no viene a vernos a nosotros, así que intentamos no tocar demasiadas canciones del cualquier nuevo disco que estemos presentando. Pero después de estos conciertos esperamos volver a Europa y tocar para nuestros fans.
El trompetista y compositor estadounidense asociado a la vanguardia Jon Hassell ha fallecido a los 84 años de edad por causas naturales. Hassell será recordado por ser el artífice de una estética musical llamada «cuarto mundo» con la que dio lugar a «un sonido primitivo a la par que futurista en la que se mezclan estilos de varias etnias del mundo con técnicas electrónicas avanzadas». Dicha estética se materializó en su álbum de 1980 conjunto con Brian Eno llamado ‘Fourth World, Vol. 1: Possible Musics’, en el que Eno después se inspiró para grabar el más comercial ‘My Life in the Bush of Ghosts’.
Inspirado tanto en el trabajo de Miles Davis como en la técnica vocal india Kirana gharana, que aprendió de Pandit Pran Nath y aplicó a la trompeta; o en la música minimalista, pues de hecho trabajó con Terry Riley o La Monte Young y de hecho fue alumno de Karlheinz Stockhausen, Hassell desarrolló una carrera enormemente valorada en la historia de la música ambient. Su debut de 1977 ‘Vernal Equinox’ se considera uno de los mejores del género y su sonido de «cuarto mundo» se estima que se adelantó por 40 años a las prácticas musicales actuales facilitadas por la globalización. Como contó Hassell en su descripción de este estilo, su objetivo con él era «proporcionar un primer paso hacia la inevitable fusión de culturas (que se avecina) a la vez que proporcionar un antídoto para la «monocultura» global creada por la colonización de los medios de comunicación».
Autor de otros álbumes tan queridos como ‘Dream Theory in Malaya: Fourth World Volume Two’, inspirado en la música de la población aborígen de Malaya, o ‘Aka/Darbari/Java: Magic Realism’, que fusionaba electrónica con sonidos del Sudeste asiático, Hassell siguió publicando álbumes hasta el año pasado, cuando lanzó la segunda parte de su serie «pentimento» ‘Seeing Through Sound’. No obstante, la trayectoria de Hassell es conocida también por la ristra de artistas con los que colaboró, de Talking Heads (Hassell participó en su influyente álbum de 1980 ‘Remain in Light’) a Peter Gabriel pasando por Tears for Fears, Ani DiFranco, Carl Craig, k.d. lang, Mandalay, Guy Sigsworth o Stina Nordenstam.
Lorde no ha entusiasmado en las listas de éxitos con su nuevo single ‘Solar Power’, quedando fuera de todo el top 100 español y durando sólo 1 semana en el top 40 británico, pero sí ha gustado mucho entre nuestros lectores. El tema que tanto recuerda a George Michael y Primal Scream asciende al número 1 de JENESAISPOP. Es el 4º número 1 de Lorde en nuestra lista tras ‘Green Light’, que ocupó la cima durante 2 semanas, ‘Perfect Places’, que fue top 1 durante 9 semanas, y ‘Magnets’ junto a Disclosure, que lo fue durante 1 semana.
La entrada más fuerte es la housera de Mabel con ‘Let Them Know’, la única dentro del top 10. A las puertas del mismo quedan Diana Ross, Doja Cat y Christina Rosenvinge. En la zona media de la tabla hallamos a Izal y Laura Mvula.
La última vez que ‘No Scrubs‘ fue noticia (si es que no lo es todos los días visto su éxito actual en las plataformas de streaming), Ed Sheeran arrasaba con ‘Shape of You’ y la gente le sacó tanto parecido con el éxito de TLC de 1999 que el cantante británico se vio en la obligación de añadir a los autores de ‘No Scrubs’ a los créditos de su canción para evitar problemas. La propia Chilli, una de las dos integrantes de TLC, nos contó que no percibía el parecido.
Varios años después, ‘No Scrubs’ vuelve a la actualidad musical gracias a que acaba de ser versionada por la portorriqueña Mariah Angeliq, la catalana Bad Gyal y la argentina María Becerra. A lo largo de los años, ‘No Scrubs’ ha sido versionada decenas de veces por artistas como Weezer, Kacey Musgraves o incluso Scoutt Niblett, hasta el punto de que ya es imposible escribir una canción original llamada ‘No Scrubs’ porque a nadie se le ocurriría que no es un cover, pero el trío de artistas asociadas al pop urbano han tenido la idea de traducirla al español y aplicarla a un ritmo de reggaetón que, sorprendentemente o no tanto, le sienta como un guante. Era difícil fallar con una canción que ya era tan sumamente buena.
La traducción, aún con variaciones, respeta la original: De «A scrub is a guy that thinks he’s fly» pasamos a «un bobo se piensa que es genial», de «always talkin’ ‘bout what he wants / and just sits on his broke ass» pasamos a «siempre habla de lo que va a comprar y en el banco no tiene na’ y el estribillo es casi el mismo porque pasa de «I don’t want no scrub / A scrub is a guy that can’t get no love from me / Hangin’ out the passenger side of his best friend’s ride / Trying to holla at me» a «No quiero un bobo / Un bobo e’ alguien que jamá’ me hará feli’ / Porque no para de llamar ni de textear / Siempre atrás de mí».
Sobre la versión, Angeliq ha destacado que esté hecha por tres mujeres, algo no tan habitual en la industria: «Piensa en la última vez que has oído hablar de tres mujeres colaborando en una canción… no es tan común. La industria está llena de colaboraciones masculinas y normalmente nos vemos en la necesidad de colaborar con ellos. Esta canción es especial para mí porque, aparte de ser una nueva versión de No Scrubs, es uno de mis grupos favoritos – TLC, y siento que la canción es una declaración utilizada para empoderarse unas a otras”.
Corría el año 2017 cuando os hablamos por primera vez de The Marías, que no es un grupo de «mujeres» como da a entender el nombre de Mujeres, que tampoco son mujeres, sino un dúo compuesto por una chica que de hecho se llama María y se apellida Zardoya, y es de Puerto Rico, y por un músico de Los Ángeles que se llama Josh y se apellida Conway.
En todo este tiempo, The Marías han triunfado en las plataformas con singles como ‘I Don’t Know You’, ‘Cariño’ o ‘Only in My Dreams’ gracias a un sonido que, como contaba mi compañero Raúl Guillén su momento, «mezcla elementos como el jazz, el soul y el soft pop que evoca a The Cardigans, los primeros Phoenix o Lana del Rey, con algunos toques de psicodelia contemporánea a lo Tame Impala». Una pócima que este viernes se ha terminado de cristalizar por fin con ‘CINEMA’, su álbum debut, que por cierto incluye una aparente referencia a Almodóvar con el título del interludio orquestal ‘Hable con ella’.
Aunque el tema que promociona ‘CINEMA’ desde este viernes es ‘Calling U Back’, el cual puedes escuchar en la playlist de novedades actualizada, nosotros nos quedamos con el que es su mayor éxito hasta la fecha. ‘Hush’, hoy la Canción Del Día, es una de esas producciones post-todo que lo mismo te recuerdan a los días de gloria del electroclash como a la estética tétrica de Billie Eilish, pues de hecho el tratamiento de voces guarda similitudes con su éxito ‘Therefore I Am’.
Desde su título, ‘Hush’ desprende una vibra despreocupada, y como ha contado María, la canción va sobre no dar peso a las opiniones de los demás. «Siempre hay alguien que tiene algo que decir sobre lo que estás haciendo y esta canción habla sobre no darle importancia a sus palabras y sobre decirles que se callen la puta boca y se metan en sus asuntos».
Madonna se ha tomado un descanso de editar hasta lo imposible el documental de ‘Madame X‘ para celebrar el fin de semana del Orgullo en Nueva York. Esa semana, la artista ha preparado un vídeo-mensaje de apoyo a la comunidad LGBTQ+ llamado ‘No Fear, Courage, Resist’ que se ha proyectado en Times Square y después se ha ido al bar de un conocido hotel de Nueva York a ofrecer su primera actuación en directo post-pandemia. ¿No andaba por ahí Emilio Doménech?
En concreto, Madonna ha actuado en el Boom Boom, situado en la planta 18 del Standard Hotel, y donde ha interpretado sus éxitos ‘Hang Up’ y ‘Vogue’ y también ‘I Don’t Search I Find’, uno de los temas incluidos en ‘Madame X’. Después de dicha actuación, y como cuenta Interview, la artista ha seguido la fiesta en el bar Le Bain, también situado en dicho hotel, con sesiones de Kaytranada, que «ha pinchado Britney y funk y ha sampleado ‘If Madonna Calls’ de Junior Vasquez»; Honey Dijon y Eli Escobar. Entre el público se ha visto a celebrities como Indya Moore o Simone, ganadora de RuPaul’s Drag Race.
Que Madonna haya bailado un sample de ‘If Madonna Calls‘ de Junior Vasquez es especialmente llamativo. Como es sabido, Vasquez compuso esta producción de house que samplea una llamada telefónica de Madonna dejada en su buzón de voz después de que la cantante le dejara plantado en el hotel Tunnel de Nueva York donde supuestamente iba a actuar. Se sabe que Madonna nunca aprobó ‘If Madonna Calls’ y que el lanzamiento de esta canción en el año 1996 supuso el fin de su relación con el productor… hasta que este volvió a trabajar para ella en un remix de ‘Hollywood’ en 2003.
Además de todo esto, Madonna ha subastado una serie de polaroids de ella, tomadas por Ricardo Gomes, para recaudar fondos para las organizaciones The Ali Forney Center, Haus of Us y The Door, las cuales apoyan a la juventud LGQBT+ de la ciudad. Por lo que se puede leer por ahí ha sido una fiesta decadente llena de «club kids, drag queens y fashionistas» además de mucho voguing, es decir, puro Nueva York.
‘Days’, presentada en 2020 en la Berlinale, suponía el regreso a los grandes festivales de Tsai Ming-liang desde ‘Stray Dogs’ (2013). Aquella película significaría un punto de inflexión en su filmografía, reforzando, aún más si cabe, el carácter contemplativo de su cine (en ella había un plano de 18 minutos de un hombre mirando una pared), donde también sus tramas se volvían menos enrevesadas y más sencillas. Esto se ve igualmente reflejado en sus posteriores cortometrajes y mediometrajes, así como en la película que nos ocupa.
‘Days’ narra la vida de un hombre de unos cincuenta años que vive solo en una casa grande y de un joven que vive en un pequeño apartamento en Taipei. La soledad, la incomprensión y la incapacidad de conectar con el mundo -temas recurrentes en su autor- están representadas aquí también a través de los larguísimos planos que componen la película. Tsai deja que los actores se pierdan en sus propios cuerpos, que sus acciones mundanas no parezcan parte de una ficción, sino de una realidad a la que se nos da acceso.
El tiempo es un elemento fundamental en este trabajo, no solo por el dilatado fluir de este en sus imágenes, sino también por su paso por el personaje de Lee Kang-sheng, muso indiscutible del cineasta, que ha aparecido en todas sus películas y con el cual mantiene una relación prácticamente familiar en la vida real. Es difícil indicar si todos los personajes que ha interpretado el actor en su cine son la misma persona, pero sí hay en varias en las que queda confirmado, como en ‘¿Qué hora es?’ (2001), ‘The Skywalk Is Gone’ (2002) y ‘El sabor de la sandía’ (2005). Aquí es muy probable que el protagonista sea el mismo que el de la magnífica ‘The River’ (1997), pues además de que se puedan percibir similitudes en sus comportamientos, vuelve a padecer aquellos severos dolores de cuello (que Lee también los sufre en la realidad).
El director de ‘Rebeldes del Dios Neón’ (1992), quien confesó en el documental ‘Afternoon’ (2015) su preocupación por la muerte, muestra por primera vez el cuerpo de su actor fetiche como un símbolo del inevitable castigo de los años, en oposición a la juventud de su compañero de reparto Anong Houngheuangsy. Pero no es tanto el contraste de estos dos cuerpos lo que le interesa a Tsai, sino el desgaste físico y emocional que deja el paso de los días cuando no se tiene ningún motivo para seguir adelante. A esta horrible sensación se ven expuestos ambos hombres, perdidos en su propio dolor o en su propia incertidumbre, y que aliviarán encontrándose el uno con el otro en una de las escenas de sexo más bellas y conmovedoras que se pueden recordar.
A nivel formal, Tsai siempre ha sido extremadamente coherente, tanto individualmente en sus obras como en la totalidad de su carrera artística. Y en ‘Days’ encontramos la evolución natural de un cineasta que ha ido depurando su estilo hasta despojarse, prácticamente al completo, de la palabra, recurriendo únicamente a su minuciosa observación de los gestos para expresar sentimientos que no pueden ser expulsados de otra manera. Uno de los aspectos más desconcertantes –y brillantes- del film reside en la única vez en toda la película (y puede que en todo su cine) que la cámara sigue a Lee Kang-sheng, dolorido, por las bulliciosas calles de Taipei en un encuadre ligeramente torcido gran parte del tiempo. Es una propuesta arriesgada que choca directamente con el estatismo del resto, pero no derrumba en absoluto esa cohesión mencionada, sino que incluso la refuerza.
‘Days’ es, probablemente, la obra más emocionante de Tsai Ming-liang, y lo es desde la más aparente sencillez, sin necesidad de que ninguno de sus personajes diga una palabra. Es un trabajo de madurez, que también puede verse como la culminación de un estilo y como otra cumbre en la extraordinaria carrera de uno de los cineastas más apasionantes del cine contemporáneo.
Entre las decenas de novedades que es posible escuchar desde ya en la playlist de novedades actualizada «Ready for the Weekend» hay que destacar el nuevo single de Liz Forte, ‘Vestirte de Prada’. Liz Forte es el alias de Álex Forte, joven cantante madrileño cuyo estilo musical se engloba en el llamado pop urbano por su asociación a los ritmos del trap y el dancehall o a su gusto por los raps autotuneados. En su mayor éxito ‘Joven chulo triste’ canta que le gusta la fiesta y que «se está quedando Britney»… quizá no en el momento más oportuno, pero Forte tiene otras cosas que ofrecer.
‘Vestirte de Prada’ es uno de los temas nuevos que se han incluido en la reedición del primer disco de Forte, precisamente titulado ‘Joven chulo triste’ y editado hace unos meses por la comunidad de música independiente Acqustic, también tras Besmaya. Así lo presenta la nota de prensa, incluyendo declaraciones de su autor: “Vestirte de Prada” cuenta la historia de uno de esos amores de verano inolvidables. Es un hit cálido y bailable inspirado en la sensualidad del Dancehall y el Afrobeat. En palabras del autor: “Escribí este tema el verano pasado, que pasé encerrado en Madrid imaginando qué querría escuchar en una fiesta en una playa perdida por la noche”.
La nota añade que ‘Vestirte de prada’ «encaja perfectamente en el mood del pop de artistas como Rels B, Drake o Bad Gyal» y la música de la última viene a la mente desde el segundo cero, pues ‘Vestirte de Prada’ también es una estupenda producción de dancehall -la base es de mauvetrip- hecha en España… si es que este dato tiene alguna importancia. La canción empieza como grabada desde lejos, como a las puertas del antro donde Rihanna retozaba con Drake en el vídeo de ‘Work’, pero cuando arranca de verdad con la entrada de las percusiones suena igual de lustrosa y cara que la marca que menciona su título. Entre el sonido de xilófonos y percusiones agitadas tipo ‘Pon de Replay’, Liz Forte presenta en ‘Vestirte de Prada’ probablemente su canción más seductora.
La nueva escena del jazz londinense bulle: Nubya García, Ezra Collective, Kokoroko, Moses Boyd… Pero quizás una de las figuras más relevantes sea Shabaka Hutchings, saxo, clarinete y compositor principal de Sons of Kemet, además de The Comet Is Coming y Shabaka Hutchings and the Ancestors.
Sons of Kemet son un combo desenfrenado, con un pie en el jazz y otro en ritmos africanos y afrocaribeños. Su música es vitalista y de fuerte raigambre en lo popular, basada principalmente en los metales, piedra angular de su sonido. Aparte de Hutchings también destaca la figura de la tuba, Theon Cross, otro culo inquieto metido en miles de proyectos.
‘Your Queen Is a Reptile’ (2018), su anterior disco, dejó al colectivo arriba, muy arriba. Esta obra ya tenía una fuerte carga ideológica; por un lado, denunciar la racista monarquía británica (esa “reina reptil” del título), por otro ser una vindicación feminista en la que se glorificaba a las auténticas reinas: mujeres africanas o afrodescendientes significadas por la lucha en pro de los derechos de los suyos. Pero si en ‘Your Queen Is a Reptile’ parecían más preocupados en ser una imparable máquina del ritmo, en ‘Black to the Future’ amplían el campo de batalla, quieren que el mensaje llegue alto y claro. ‘Black To The Future’ contra ‘Back to the future’, en el doble sentido: futuro negro, negros para el futuro. Porque el álbum funciona como denuncia de las condiciones de los afrodescendientes y afrocaribeños en el mundo occidental en general y en su Inglaterra natal particularmente, donde son tratados como ciudadanos de segunda. Y, a la vez, es una reivindicación orgullosa de la propia negritud, del pasado, del presente, de toda su riqueza social y cultural; una proclama por un futuro que ha de ser suyo. Para que el mensaje cale, este disco cuenta con mucha más presencia vocal que el anterior, en que la palabra era anecdótica. Aquí la voz gana importante peso, especialmente en formato “spoken word”, un género que Hutchings ya había cultivado en The Comet Is Coming junto a Kae Tempest en ‘Blood of the Past’. Varios colaboradores e invitados ayudan a dar forma a esta empresa.
Toda esta protesta, por eso, no serviría de nada si fallara el entramado musical. Y aunque ahora Sons of Kemet suenan algo menos efusivos, más reflexivos, no dejan de ser una imparable máquina del ritmo. La calidad de sonido es estupenda, la atmósfera es viva, táctil, directa. Los metales se ocupan de casi todo: marcan el ritmo, ejercen de instrumentos solistas, prácticamente entierran a la percusión por momentos. La algarabía, la excitación y la rabia riegan sus 51 minutos, sin espacio al aburrimiento, al desarrollo hueco de virtuosismo.
El inicio del disco ya deja muy claro sus postulados. En ‘Field Negus’ el poeta Joshua Idehen recita histriónico, sincopado y amenazador entre las baterías y los vientos, clásicos y desafiantes, escupiendo rabia contra el supremacismo blanco, que convirtió a los africanos y a sus descendientes en esclavos, negando su cultura: “Me hiciste decir las oraciones en tu lengua, me hiciste olvidar mis dioses”, para pasar a ser maltratados en la metrópolis. Idehen llama a mostrar al enemigo su misma piedad. ‘Field Negus’ se concatena con la demencia de ‘Pick Up Your Burning Cross’, un poco klezmer, pero también repleta de africanismo, con los trombones marcando el ritmo, mientras el clarinete hace de voz solista, las flautas le replican y los timbales atacan. El título no deja lugar a dudas: «recoge tu cruz ardiente», en alusión al ku klux klan. En ‘Hustle’ el dolor colectivo se funde con el individual, pero también se muestran dispuestos a demostrar su coraje: “You can test my spirit, but don’t test my patience” (“puedes poner a prueba mi espíritu, pero no pongas a prueba mi paciencia”). Los versos son de Kojey Radical, otra de los artistas invitados, que recita duro en el tema más jamaicano, de dub oscuro y asfixiante pero pegadizo.
El centro del disco, por eso, son cinco temas instrumentales, pero que ejercen el mismo poder persuasivo y reivindicativo que las palabras. ‘To Never Forget The Source’, saltarina, a la que le sigue con lógica implacable ‘In Remembrance of those Fallen’, una maravillosa pieza instrumental que destila raíces y rabia. El clarinete de Shabaka Hutchings aquí tiene un papel más de jazz canónico, de instrumento solista; dibuja la melodía, la “canta”. También hay que destacar el momento más caótico y free jazz, que es ‘Let The Circle Be Unbroken’, en que los vientos acaban siendo gritos, sino ladridos, hasta que revienta al final en una amalgama de voces y vientos desquiciados.
Todo este frenesí instrumental acaba abruptamente en el cierre con la breve ‘Black’, en que Joshua Idehen recupera su discurso inicial, aunque esta vez su voz está en segundo plano, con los vientos casi tapándole, enfadados, hasta que termina la canción y el disco con un categórico “Leave us alone!” (“¡dejadnos en paz!”). Un broche perfecto para un disco político que resitúa y da la importancia que se merece a su propia cultura.
Pedro Almodóvar ha anunciado que su nueva película, ‘Madres paralelas’, se estrenará el 10 de septiembre. La cinta, con guion escrito durante el confinamiento, se terminó de rodar a finales de mayo, por lo que se considera uno de los estrenos más rápidos en la carrera del director manchego. La première de ‘Madres paralelas’ coincidirá con la celebración del Festival de Venecia. La cinta estará protagonizada Penélope Cruz, Milena Smit, Israel Elejalde y Aitana Sánchez-Gijón y contará con la participación de Rossy de Palma y Julieta Serrano.
Así ha anunciado el productor Agustín Almodovar la llegada de ‘Madres paralelas’: “Estoy feliz de poder anunciar la llegada a los cines españoles de la nueva película de Pedro Almodóvar, Madres paralelas. Dados los tiempos complejos e imprevisibles que nos toca vivir nos da mucha seguridad trabajar con una compañía como Sony Pictures, en cuyo equipo confiamos tras compartir una maravillosa experiencia con el lanzamiento de nuestra anterior película ‘Dolor y gloria‘”.
Según el sinospsis oficial de El Deseo, ‘Madres paralelas’ cuenta la historia de “dos mujeres, Janis y Ana, (que) coinciden en la habitación de un hospital donde van a dar a luz. Las dos son solteras y quedaron embarazadas accidentalmente. Janis, de mediana edad, no se arrepiente y en las horas previas al parto está pletórica; la otra, Ana, es una adolescente y está asustada, arrepentida y traumatizada. Janis intenta animarla mientras pasean como sonámbulas por el pasillo del hospital. Las pocas palabras que cruzan en esas horas crearán un vínculo muy estrecho entre las dos, que el azar se encargará de desarrollar y complicar de un modo tan rotundo que cambiará las vidas de ambas”.
El estreno de ‘Madres paralelas’ se producirá menos de un año después del de ‘La voz humana’, el interesante corto de Almodóvar protagonizado por Tilda Swinton, y su primer proyecto en inglés. De hecho, Almodóvar preparaba además de su primer largometraje en este idioma durante la pandemia, pero optó por escribir una nueva en español. La anterior, ‘Dolor y gloria’, fue una de las mejores películas de 2019.
Polo & Pan, el dúo de productores francés compuesto por Paul Armand-Delille (Polocorp) y Alexandre Grynszpan (Peter Pan), publica hoy su nuevo disco ‘Cyclorama’, el cual ha sido concebido como «una odisea musical a través de las fases de la existencia humana, del nacimiento a la vida adulta hasta la muerte… y la trascendencia». El grupo es muy querido por su sonido de electrónica bailable veraniega y tropical, expuesto en su primer álbum ‘Caravelle‘ y en sus dos mayores éxitos, ‘Nanã’ o ‘Canopée’, y ‘Cyclorama’ continúa la tendencia con más buenos temas como este ‘Magic’ que hoy es la Canción Del Día.
Festivalera a más no poder, perfecta para bailar cuando se pone el sol, ‘Magic’ es también la pista más larga de ‘Cyclorama’ pero puede que sea la mejor, aunque no es demasiado representativa del largo pues su composición es la que más se basa en samples. En una entrevista con Polo & Pan que publicaremos próximamente, Alexandre recuerda que de hecho ‘Magic’ no iba a formar parte del disco pero que, cuando en 2019 la tocaron en el Chambord x Cercle Festival, cuando aún era un simple «DJ edit» con el que rellenar su setlist y no una grabación de estudio como tal, la gente se volvió loca y su sello le empezó a preguntar por ese temazo desconocido que habían presentado en directo.
‘Magic’ nace de dos canciones de las que Alexandre es fan. Por un lado, la intrigante ‘Telescope’ de Pino Donaggio, una de las canciones que forman parte de la banda sonora de la película neo-noir de 1984 ‘Body Double‘ de Brian De Palma, pero la versión que fascina a Alexandre en realidad es el remix del DJ holandés Young Marco publicado en 2013. Por el otro, ‘Magic’, uno de los mayores éxitos de la banda de rock escocesa de los años 70 Pilot, del que Alexandre se enamora cuando lo escucha en la banda sonora de la película de 1996 ‘Happy Gilmore’, protagonizada por Adam Sandler.
Si parecía absolutamente imposible que un grupo de soft-rock como Pilot sonara bien integrado dentro de una producción synth-noir de Pino Dimaggio, Polo & Pan consiguen que estos mundos casen a la perfección en una canción ensoñadora que se postula desde ya como una de las mejores de su breve carrera.
Ana Torroja y Alaska han estrenado su single conjunto ‘Hora y cuarto’ para terminar de una vez por todas con la supuesta rivalidad (que ya nadie recuerda) que enfrentaba a las dos artistas en la época de Mecano y Alaska y Los Pegamoides. Una rivalidad que, en realidad, había sido «impuesta», según ha contado Ana Torroja esta noche en El Hormiguero, porque se decía que los integrantes de Mecano eran «gente de bien» y los de Alaska «venían del underground». Puedes comentar la noticia en nuestros foros.
Completamente ajeno a las necesidades de las playlists actuales, ‘Hora y cuarto’ llama la atención porque tarda 1 minuto y medio en llegar al estribillo, cuando algunos temas de hoy en día duran exactamente eso mismo. El single que une a Ana Torroja y Alaska ha sido compuesto por Oscar Ferrer de Varry Brava y producido por Henry Saiz, Luis M. Deltell y Miguel Barros y presenta un sonido más o menos elegante que puede recordar a La Prohibida o a Fangoria y que se sitúa a medio camino entre el electropop y el italo disco tan de moda estos días. Un tema apañado que confirma que los registros de Ana y Olvido funcionan bien juntos, pero en el que hay poco que rascar en lo musical. Por otro lado, el videoclip es un desfile de «looks» entre la ciencia ficción y los años 60 por el que Mario Vaquerizo hace un inevitable cameo.
Sin que se termine de detallar ese disco que Torroja se encuentra preparando desde hace un tiempo, tal y como nos contó en una entrevista en la que aseguró que tenía 8 temas hechos, ‘Hora y cuarto’ es el último de una serie de sencillos que ha publicado últimamente, entre los que también se cuentan ‘Paraíso’, ‘Punto muerto’ con Miss Caffeina, ‘Mapa’ con Siddhartha, ‘Cuando tú me bailas’, ‘Ya me cansé de mentir’, ‘Ya fue’, ‘Antes’ y ese interesante ‘Llama’ producido por El Guincho y Alizzz.
Hoy 25 de junio salen los nuevos discos de Doja Cat, Tyler the Creator, Polo & Pan, el disco de Beny Jr. producido por El Guincho, Rauw Alejandro, John Grant, Lucy Dacus, Modest Mouse, Faye Webster, The Mountain Goats, Pabllo Vitar, Spellling, The Marías o el nuevo trabajo de SAULT que estará 99 días online, además de los EPs beadaboobee o la revelación trashi. También ve la luz la reedición de ‘Born this Way’ con versiones de sus pistas por parte de Kylie Minogue, Years & Years u Orville Peck, y la reedición de ‘Blue’ de Joni Mitchell por su 50 aniversario.
Entre los temas que salen hoy, no está de más recordar que el disco de Doja Cat incluye sendos duetos con The Weeknd (en la playlist) y Ariana Grande, si bien el single internacional del día es por supuesto el de Ed Sheeran. En el plano nacional, Ana Torroja y Alaska estrenan single conjunto, Alizzz presenta ‘Salir’, co-escrita por C. Tangana, y Bad Gyal es una de las tres artistas que aparecen en ‘BOBO’ junto a Mariah Angeliq y María Becerra. Es una versión reggaetón y cantada en español de ‘No Scrubs’ de TLC. Otro single destacado es el regreso post-Eurovisión de Barbara Pravi con ‘Le jour se lève’.
A lo largo de la semana han salido varios singles a la luz, como el que presenta el esperado segundo álbum de estudio de Damon Albarn o la versión de Miley Cyrus, Elton John y compañía de ‘Nothing Else Matters’ de Metallica que aparecerá en la mastodóntica edición de ‘The Black Album’ por su 30 aniversario. También han anunciado nuevos trabajos discográficos Tirzah o Nite Jewel. En portada hemos destacado los nuevos singles de Low, Helado Negro y Novedades Carminha.
En la playlist también es posible escuchar nuevas propuestas de Unknown Mortal Orchestra, Planningtorock (llamada ‘Gay Dreams Do Come True’), un remix de Sugababes por Blood Orange, WILLOW, Logic, Nao, Alfred García, Jazmine Sullivan, Nueve Desconocidos, LANY, Still Woozy, Viva Suecia o Semana Santa, entre otros.
A principios de julio, los días 1, 2, 3 y 4 se celebra en Mozota, Zaragoza el festival Bosque Sonoro con la presencia confirmada de artistas como Iván Ferreiro, Viva Suecia, La Habitación Roja, Iseo & Dodosound, Niños Mutantes, La Pegatina o Novedades Carminha. Los autores de ‘Ultraligero‘, uno de los mejores discos de 2019, publican precisamente hoy un pegadizo nuevo single llamado ‘Típica cara’ que es la Canción Del Día en estas páginas.
‘Típica cara’ es otro acierto de los Novedades Carminha más funky, pero en este caso para agregarle a la mezcla ciertos matices reggae que ya estaban presentes en ‘Jovan con la edad’, dentro de una instrumentación rica en percusiones y guitarras distorsionadas que remite directamente a la etapa ‘Ultraligero’, no tanto al sonido sintético tipo Awesome Tapes from Africa de ‘Mucho nivel’.
Igual de adictivo que tantos otros de sus singles, Carlangas cuenta a JENESAISPOP que, en ‘Típica cara’, han buscado indagar en la mezcla de reggae y funk de manera más profunda que nunca. «Buscábamos hacer una de esas canciones de verano que escuchar en la última hora de playa, cuando cae un poco el sol y te quedas de tranqui tomando cerveza con tus colegas». Aunque es una «continuación» del sonido de ‘Ultraligero’, también es un paso más allá.
La canción habla de esos encuentros con desconocidos a los que les suenas de algo, incluso con la mascarilla puesta. Cuenta Carlangas que esta situación ha afectado a la banda debido a su popularidad, pero que en realidad es «transversal». «Cuando el grupo empezó a salir en la prensa y a convocar a más gente, de repente muchas veces por la calle se nos quedaba la gente mirando, seguramente por habernos visto en alguna entrevista o en algún programa, y te decían que les sonabas de algo, como si fueras un primo lejano. La situación es absurda y queríamos reflejarlo en la canción». ‘Típica cara’ alude a estos encuentros desde el sentido del humor macarra que siempre ha caracterizado a la banda gallega. Carlangas canta, citando un posible encuentro: «La misma nariz, la mismas gafas, la misma actitud, la misma pinta de facha, eres igual y no te pareces nada, distingo a la gente con la cara tapada».
¿Estará ‘Típica cara’ en el próximo álbum de Novedades Carminha? No se sabe. Lo que sí es seguro es que la continuación de ‘Ultraligero’ está en el horno. «Estamos preparando un disco, estamos en proceso de grabación», señala Carlangas. «‘Típica cara’ parte de unas canciones que grabamos en marzo y todavía no sabemos si va a estar en el próximo disco o si va a ser un enlace entre el anterior, ‘Mucho nivel’ y el siguiente álbum. Tenemos que verlo en conjunto pero sí que hay una perspectiva de nuevo disco a la vista porque estamos en ello. Está muy avanzado».
A raíz de su nuevo single, Novedades Carminha han anunciado tres conciertos para 2022 en Santiago, Madrid y Barcelona, que se suman a los que realizará a lo largo de 2021.
2022
05/03/2022 – Multiusos Sar, Santiago de Compostela
12/03/2022 – WiZink Center, Madrid
19/03/2022 – Razzmatazz, Barcelona
2021
02/07/2021 – Las noches del Malecón, Murcia [SOLD OUT]
03/07/2021 – VESU, Oviedo
09/07/2021 – Crüilla Fest, Barcelona
10/07/2021 – Los veranos del Hípico, León
17/07/2021 Cultura es Vida, Palma de Mallorca
21/07/2021 – Turmalina, Cuidadela de Pamplona
29/07/2021 – Nits de Vivers, Valencia
05/08/2021 – Muelle 12, Alicante
06/08/2021 – Pop CAAC, Sevilla
04/09/2021 – Cranc Festival, Menorca
Estos días, La Fundación ha presentado la primera retrospectiva que se realiza en España sobre Bill Brandt, que se puede ver desde el 3 de junio hasta el 29 de agosto en la sala de exposiciones de la entidad, situada en la calle Recoletos 23, en Madrid, y Delaporte han sido los encargados de crear un tema en torno a su figura. Los autores de ‘Las Montañas’ presentan una composición casi instrumental, en la que Sandra tararea una melodía sobre una agitada base de electrónica que es posible emparentar a la obra de Atoms for Peace o Björk, pero que después se transforma en una producción bailable.
En el vídeo oficial de la canción, rodado en La Fundación, Sandra ejecuta una coreografía de danza interpretativa al tiempo que contempla las obras expuestas en la sala, para después encontrarse con un Sergio que se encuentra a los mandos de la música. A continuación, Sandra y Sergio intercambian roles: ella controla las máquinas y él se deja llevar por el éxtasis de la música mientras baila a través de la habitación. Finalmente ambos se reúnen frente a una de las obras más conocidas de Brandt, la cual muestra una figura que camina en un campo y se refleja en el agua de un lago, probablemente una metáfora de lo que son Delaporte: dos artistas que juntos forman una única fuerza.
Como explica La Fundación, la muestra de Bill Brandt «reúne 186 fotografías positivadas por el propio (fotógrafo), que a lo largo de casi cinco décadas abordó los principales géneros de la disciplina fotográfica: reportaje social, retrato, desnudo y paisaje. El recorrido, dividido en seis secciones, trata de mostrar cómo todos estos aspectos –en los que la identidad y el concepto de «lo siniestro» se convierten en protagonistas– confluyen en la obra de este ecléctico artista que fue considerado, ante todo, un flâneur. Un «paseante» en términos similares a los que lo fue su admirado Eugène Atget, a quien siempre consideró uno de sus maestros».
En la exposición, las fotografías exhibidas «se complementan con escritos, algunas de sus cámaras de fotos y distinta documentación, entre la que destaca una entrevista que ofreció al final de su vida al canal de televisión británico BBC en 1983, así como publicaciones ilustradas de la época».
Britney Spears ha comparecido este 23 de junio en un tribunal de Los Ángeles por vía telemática para hablar sobre su tutela. En su testimonio, de 24 minutos de duración, la cantante ha pedido el fin de dicha tutela con la garantía de que «no deba ser evaluada» como lo ha sido constantemente durante los últimos 13 años y ha asegurado que se siente «deprimida» y «traumatizada» por su situación y que quiere «recuperar su vida». Ha declarado que le gustaría casarse y tener un bebé pero que su equipo la ha obligado a implantarse un DIU en contra de su voluntad para evitar que se quede embarazada y ha manifestado que «desearía denunciar a toda su familia» y que «su padre y todas las personas que llevan su custodia deberían estar en la cárcel».
En la declaración, Britney relata que su equipo le obligó a emprender la residencia de conciertos ‘Domination’ en contra de su voluntad y que, cuando se negó a hacerla, se le sustituyó su medicación habitual por litio «de la nada». También asegura que realizó una gira de 2018 ante la amenaza de que si no la hacía iba a recibir una demanda. En otro punto, la cantante compara su situación de dependencia actual con la trata porque la custodia le obliga a «trabajar en contra de mi voluntad, quitándome mis pertenencias, mi tarjeta de crédito, mi dinero, el teléfono, mi pasaporte y poniéndome en una casa donde trabajo para las personas que viven conmigo». La transcripción completa del testimonio de Britney, aquí.
En redes, artistas como Justin Timberlake, Karol G, Halsey, Mariah Carey, Cher o Garbage, que han apelado a su single ‘The Men Who Rule the World’, han mandado su apoyo a la autora de ‘Blackout’.
Durante 13 años, el padre de la artista, Jamie Spears, ha sido el encargado de controlar sus finanzas y todos los aspectos de su vida, pero se desconocía si Britney había solicitado explícitamente el fin de dicha tutela. Una nueva exclusiva de The New York Times firmada, entre otras personas, por la directora de ‘Framing Britney Spears‘, ha confirmado que la cantante lleva años intentando salir de ella.
Los documentos obtenidos por el periódico estadounidense indican que Britney considera que la tutela se «ha convertido en una herramienta opresiva y controladora contra ella» y que está «harta de que se aprovechen de ella» porque «es quien trabaja y se gana el dinero pero todo el mundo está en su nómina», refiriéndose a que Britney paga con el dinero que gana no solo a sus propios abogados, sino también a los de su padre.
En dichos documentos, Britney defiende que Jamie nunca ha sido la persona adecuada para llevar su tutela debido a sus problemas de ira y con el alcohol y asegura que, con la excusa de la custodia, le ha forzado a trabajar en contra de su voluntad, incluso a actuar cuando tenía una fiebre de 40º, uno de los «momentos de vida donde más miedo he pasado»; e incluso que la obligó a entrar en un centro de rehabilitación «por motivos exagerados» para «castigarla por haberse defendido y haber protestado durante unos ensayos». La cantante asegura que cualquier error cometido dentro de la tutela «produce graves consecuencias» y que esto le hace tener «miedo».
Por otro lado, Britney manifiesta que su padre limitó su paga a 2.000 dólares semanales pese a ganar millones gracias a su residencia en Las Vegas y denuncia que está «obsesionado» con ella hasta el punto de que no le permite «hacer amigos» sin su aprobación ni tampoco hacer cambios en su casa como «cambiar el color de la despensa de su cocina» porque los considera un gasto innecesario. Tampoco tiene acceso a su tarjeta de crédito. En un punto de los documentos obtenidos por The New York Times, Britney presenta una lista de sus «logros recientes», lo que incluye «giras y lanzamientos de discos», para defender que a ella «no le pasa nada».
En los últimos días, Britney ha manifestado en Instagram que «no tiene ni idea» de si volverá a actuar porque se encuentra en «un momento de transición en su vida». Su residencia en Las Vegas concluyó en 2017 y su última actuación en directo fue en 2018.
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