Durante los últimos días, unas tijeras con tacones, es decir, el logo de Scissor Sisters, había aparecido en algunos puntos de Reino Unido. El grupo reconocía en redes que algo se anunciaría hoy y así ha sido.
El grupo americano, que sobre todo triunfó en Reino Unido dado su carácter disco y popero, se reúne tras una década para una decena de conciertos que tendrán lugar en Reino Unido, más uno en Irlanda. Se especifica que tocarán su debut entero, y los «greatest hits». La decepción es que tal reunión no incluirá a su co-líder femenina, Ana Matronic. Claramente en su teaser se puede leer que el concierto será de Jake Shears, Babydaddy y Del Marquis. Eso sí, la telonera será Alison Goldfrapp.
Pocas horas después del anuncio, Ana Matronic ha mandado un comunicado para explicar que no puede participar de esta reunión porque ha estado inmersa en la producción de un podcast bastante complejo sobre historia, Good Time Sallies.
“Debido a los contratos firmados y horarios acordados respecto a este compromiso, el momento de reunión de Scissor Sisters no me permite unirme a mis compañeros para esta gira”. Sin embargo, les desea suerte: “le deseo a la banda y a nuestros fans todo lo mejor. Estaré allí en espíritu para echar un kiki con vosotros”.
Scissor Sisters arrasaron con su debut en 2004, en nuestro país visitando festivales como Primavera Sound y el FIB. Allí estaban su icónica versión de Pink Floyd y hits como ‘Filthy/Gorgeous’, ‘Take Your Mama’ o ‘Laura’. Lograron hacer de su segundo álbum un disco exitoso gracias al pelotazo de ‘I Don’t Feel Like Dancing’, pero las cosas empezaron a complicárseles a partir del tercero, cada vez más adentrados en la EDM de los 2010, lo que no les sentó muy bien. Cuando viralizaron tímidamente la divertida ‘Let’s Have a Kiki’ -de su último álbum hasta ahora, ‘Magic Hour‘- ya estaban centrados en su audiencia LGTB+, cuando en principio fueron un grupo generalista.
For the first time in over a decade, we will come together again, live next May across the UK & IRE. Sign up for the exclusive pre-sale https://t.co/vC1Ie40u7N – which then commences at 10am 6th Nov. General sale starts at 10am 8th Nov. See you very soon. Jake, Babydaddy, Del pic.twitter.com/Z450R2E7aq
‘El brillo de la televisión’ es una de esas películas, muy de A24, destinadas a título de culto instantáneo millennial. Ya veremos cómo resiste el paso del tiempo, pero la primera impresión es la de estar ante la confirmación del talento de una cineasta muy particular, Jane Schoenbrun, quien ya había llamado mucho la atención con su debut ‘We’re All Going to the World’s Fair’ (2021), que incluimos en nuestra selección de Halloween de 2023, y en el videoclip para Lucy Dacus, ‘Night Shift’.
‘El brillo de la televisión’ es una melancólica y muy creepy mezcla de referentes visuales y musicales noventeros –‘Buffy Cazavampiros’, ‘Twin Peaks’, The Smashing Pumpkins, Limp Bizkit, las cintas de vídeo- insertados en un inquietante relato de iniciación adolescente, terror social y angustia queer, filmado como una versión alucinada del Gus Van Sant de ‘Elephant’, el Cronenberg de ‘Videodrome’ o el Lynch de ‘Terciopelo azul’. El resultado es tan irregular como magnético: una angustiosa pesadilla, visual y musicalmente cautivadora (la banda sonora es de Alex G e incluye una actuación de ‘Sloppy Jane‘ con Phoebe Bridgers), sobre los monstruos que genera la represión, la marginación y el autoengaño en un mundo heteronormativo. 8. Disponible: Movistar, Prime Video, Rakuten, Apple TV
Caveat (Damian McCarthy)
Gracias a la llegada, el pasado verano, de la plataforma especializada en cine de terror Shadowz, hemos podido ver algunos títulos recientes que habían quedado inéditos en España. De entre todos destaco el fabuloso debut de Damian McCarthy, de quien está a punto de estrenarse ‘Oddity’. ‘Caveat’ es una joya de terror atmosférico con más ideas perturbadoras que un comic de Junji Ito.
La película se enmarca dentro del (sub)subgénero de casas con recovecos chungos, tipo ‘Barbarian’ (2022) o ‘El pacto’ (2012). McCarthy consigue con muy pocos elementos –una isla en medio de un lago, un conejo de peluche que da miedo solo mirarlo, un chaleco con argollas para sonámbulos, una casa llena de rincones oscuros- armar un relato de horror gótico enormemente efectivo. Aunque como misterio psicológico no funciona tan bien (la resolución es algo insatisfactoria), como ejercicio de suspense claustrofóbico, de atmosfera sórdida y mohosa, es de una creatividad e inventiva extraordinarias. 7,9. Disponible: Shadowz
Descansa en paz (Thea Hvistendahl)
En ‘De naturaleza violenta’, uno de los inesperados hits de terror de este año (otro sería la estupenda ‘Longlegs’), Chris Nash aplicaba al género slasher los códigos aparentemente incompatibles del slow cinema más autoral. El resultado final, más allá del encomiable atrevimiento, era bastante fallido. En ‘Descansa en paz’, la debutante en el largometraje Thea Hvistendahl hace lo mismo con el género de zombis y el dramón intimista nórdico. Sin embargo, en su caso, funciona de maravilla.
Es cierto que Hvistendahl partía con ventaja: ‘Descansa en paz’ es una adaptación de la novela homónima de John Ajvide Lindqvist (Espasa, 2010), un especialista en este tipo de híbridos genéricos como se puede ver en otras adaptaciones de sus obras como ‘Déjame entrar’ (2008) y ‘Border’ (2018). Protagonizada por dos de las estrellas actuales del cine noruego, Renate Reinsve y Anders Danielsen Lie (conocidos por ‘La peor persona del mundo’), la película es un melancólico relato sobre la pérdida y el duelo, que se vuelve terrorífico por las implicaciones emocionales que tiene la idea que subyace en la premisa argumental: mejor tener un ser querido zombi que uno muerto. Y es que, como reza la acertada frase promocional, “el dolor no se puede enterrar”. 8. Disponible: Filmin
Huesera (Michelle Garza)
Premiadísima opera prima de la mexicana Michelle Garza. La variedad de festivales y premios en los que ha estado nominada –de Sitges a Tribeca pasando por los premios Gotham- dan buena cuenta de lo heterogéneo y poroso, desde un punto de vista genérico -¿es terror, es drama, psicodrama?- de la propuesta de la prometedora directora norteamericana.
Siguiendo la tendencia actual en el género, sobre todo el realizado por mujeres, Garza se sirve de los recursos estilísticos y dramáticos del terror corporal y el folk horror, para articular un drama psicológico sobre el miedo a las renuncias asociadas al hecho de ser madre y verse abocada a llevar una vida familiar de clase media convencional y heterosexual. ‘Huesera’ funciona como la representación de una somatización: la angustia y el estrés que generan avanzar hacia una vida que no quieres, a perder tu libertad e identidad, transformado en pesadilla ósea y polanskiana, en crujir de huesos como síntoma de una perturbación emocional. 7,5. Disponible: Planet Horror
La primera profecía (Arkasha Stevenson) / Immaculate (Michael Mohan)
Vale, esta no es una recomendación demasiado original. Todo el mundo interesado en el género ya las ha visto. Pero por si queda alguien que no lo ha hecho, qué mejor programa doble de Halloween que este Jekyll y Hyde de la nunsploitation. Y es que este duelo de monjas ha sido uno de los fenómenos del cine de terror más curiosos de los últimos años. Dos películas de argumento casi idéntico (no hay que buscar conspiraciones de espionaje industrial, los guiones en Hollywood pasan de mano en mano durante años) con enfoques también casi opuestos.
Siguiendo con la analogía, ‘Immaculate’ se podría ver como la doble malvada de ‘La primera profecía’. La precuela de la seminal película de Richard Donner es un cuento de terror religioso de una elegancia en la puesta en escena y el diseño artístico que es como para hacerle una genuflexión a la directora Arkasha Stevenson. Pero, sin embargo, peca de tener un guion algo convencional y de tomarse la premisa argumental, sin pies ni cabeza, demasiado en serio.
La película de Michael Mohan es todo lo contrario: un filme rodado con poca inventiva visual y personajes regularmente dibujados, pero capaz de quitarse el hábito monjil y pegarse un fiestón proabortista de sangre, blasfemia y locura pseudocientífica que es gloria bendita. Hay algo en lo que sí coinciden las dos: son dos películas muy, muy disfrutables. 7. Disponible: Disney, Prime Video
La denunciante se llama Vanessa LeMaistre, ha presentado una demanda en el tribunal de Los Ángeles, y asegura que en septiembre de 2016, Metro Boomin la violó y la dejó embarazada. Recuerda que se desmayó tras tomar xanax y un chupito de alcohol, y que cuando se despertó estaba siendo violada por él. Además, asegura que los hechos aparecen relatados en una canción que Metro Boomin produjo para 21 Savage y Offset, aunque no es Leland Tyler Wayne -su verdadero nombre- quien rapea o ha escrito el texto.
El tema recibe el nombre de ‘Rap Saved Me’ e incluye los versos: “se tomó un xanny, luego se desmayó, vengo del guetto, el rap me salvó, ella me vuelve loco, tendrá mi bebé”. La denuncia argumenta que esta celebración de la violación ha tenido que ser escuchada por la víctima hasta la saciedad. Sus abogados argumentan que Metro Boomin “ha construido una carrera exitosa con letras que no solo son ofensivas sino que subrayan su deseo de hacer daño a las mujeres”.
El abogado de Metro Boomin, Lawrence Hinkle II, ha negado las acusaciones. “Es una denuncia falsa. El señor Wayne rechazó pagar a esta mujer hace meses, y rechaza darle dinero ahora. El señor Wayne se defenderá en los tribunales y realizará una demanda por lo que la denuncia tiene de malicioso cuando proceda”.
Metro Boomin ha llegado al número 1 del Billboard 200 con sus dos álbumes, ‘Not All Heroes Wear Capes’ (2018) y ‘Heroes & Villains’ (2022). También lo ha conseguido en otras tres ocasiones con sus discos colaborativos con 21 Savage y los dos que ha sacado con Future. Entre sus mayores éxitos figuran colaboraciones con Offset o ‘Like That’ con Future y Kendrick Lamar.
Otros vídeos con motivos Halloween se estrenan estos días. Tras el visible ‘Disease’ de Lady Gaga, The Weeknd publica al fin su colaboración audiovisual con Anitta. El videoclip es inusualmente lo-fi, en homenaje al cine de serie B.
‘São Paulo’, estrenada en el celebrado concierto multitudinario de The Weeknd en la ciudad, es una canción sorprendentemente oscura y machacona, bastante diferente a lo que se podría esperar de ellos. Es como si ambos hubieran decidido llevar más lejos una ambición común. Ella, los ritmos de funk brasileño, pues el tema también incluye una interpolación de Tati Quebra Barraco. Él, ese personaje siniestro, cuando no ensangrentado o avejentado, que ha mostrado en los videoclips de sus últimos dos discos. No en vano, el álbum que va a sacar ahora cerrará lo que se considera una trilogía.
El vídeo dirigido por Freeka Tet lleva las cosas todavía más y más allá. Anitta aparece embarazada de algo muy malo, y el featuring de The Weeknd en el mismo es para verlo.
La colaboración entre ambos ha sido bastante improvisada y parece que ninguno de los dos pensó que pudiera llegar a nada. Comenzó a idea del productor Mike Dean (Kanye West, Madonna), a quien le pareció buena idea pedirle unos versos a Anitta. «Lo que mandó era tan bueno que creamos la canción con eso», indica, mientras ella añade, como recoge Billboard: «Escribí unos versos de broma, pero nunca imaginé que se volverían tan serios. De repente, recibí la canción y me encantó. Me siento muy honrada».
Como todo el mundo sabe, el nuevo disco de The Weeknd, ‘Hurry Up Tomorrow’, se ha presentado previamente con dos singles, el luminoso ‘Dancing in the Flames’ y la colaboración con Playboi Carti, ‘Timeless’. Este último está siendo el doble de exitoso, pues ya suma casi 160 millones de streams frente a los 90 del anterior, pese a haberse publicado más tarde. En cuanto al largo, seguimos sin tracklist ni fecha de edición.
El periodista Tomás Crespo visita REVELACIÓN O TIMO, podcast de JENESAISPOP, para comentar la que ha sido la reunión más sorprendente del año, y desde luego la noticia más importante de la música internacional este verano: la reunión de Oasis. Cientos de miles de entradas vendidas a precios estratosféricos certifican el interés que han generado los malavenidos hermanos Gallagher, todo ello pese a lo poco recordados que son la totalidad de álbumes que llegaron a publicar durante la primera década de este siglo.
La mayoría del podcast la dedicamos a comentar sus dos primeros trabajos, más bien. Tanto ‘Definitely Maybe’, que acaba de cumplir 30 años, como ‘What’s the Story Morning Glory’ (1995) fueron discos generacionales y bien cargados de clásicos, capaces de trascender el Brit Pop para calar en América. Toda una excepción en la época si los comparamos con Blur, Pulp, Suede o Manic Street Preachers.
Situamos temas como ‘Live Forever’ y ‘Supersonic’, del primero, en el contexto noventero en el que triunfaron; y también cortes del segundo como ‘Wonderwall’ y ‘Don’t Look Back In Anger’, en su apego hacia las melodías beatlianas de los 60. No pasamos por alto las críticas que han recibido Oasis en columnas muy concretas pero muy acertadas de The Guardian o El País, cuestionando la masculinidad tóxica y la homofobia que destilan algunos insultos e improperios pronunciados por los hermanos Gallagher. ¿Cuán en serio hay que tomárselos?
Dedicamos la última parte de este capítulo a tratar de rescatar algo de los últimos 5 discos de Oasis, ya sin la unanimidad que trajo mediados de los años 90. Sí destacamos algunas de las caras B de sus inicios, recopiladas en el disco ‘The Masterplan’, y de las que estamos seguros que rescatarán cositas de cara a esa gira que esperemos pase por Europa, ya en 2026. ¿Porque llegarán a entonces reunidos, cierto?
En Billboard Billy Corgan explicaba que en ‘Aghori Mhori Mei’ había partido de la obra de Smashing Pumpkins del pasado, en cómo pensaban la música durante la primera parte de los 90’s, para encarar el futuro. Pues el futuro pinta negro. La ópera-rock ‘ATUM’ (2023) era bastante inasumible en longitud (¡33 temas y más de dos horas y cuarto!), pero contenía canciones interesantes. ‘Aghori Mhori Mei’ son solo diez temas, dura 44 minutos… y nada destaca.
Da la sensación de que Billy Corgan haya fabricado el disco con IA. Como “prompt” o instrucciones debió escribir algo así como: “disco de metal-grunge con guitarras tipo las de ‘Cherub Rock’ pero más atronadoras”. Y es que el disco es una cascada de guitarrazos metaleros genéricos que parecen recreados por algún programa informático. La producción remite a lo peor del rock electrónico de los 90. Todas las canciones cabalgan sobre una épica fofa y un permanente subidón que no te eleva a ninguna parte. No hay ninguna melodía memorable.
La introducción tan grunge, tan 90’s de ‘Edin’, la primera canción, puede llamar la atención. Pero en cuanto suena el primer redoble pesadísimo, y luego entran las guitarras más pesadísimas aún, el asunto se tuerce. Si a eso se le añade la voz de Corgan, muy en segundo plano, ahogada pero tratando de sonar fuerte y desafiante (spoiler: no lo consigue) y excesivamente abrillantada (¿autotune?), te das cuenta de que la cosa no promete mucho. Y ojo, que quizás es de las mejores canciones.
Todo en ‘Aghori Mhori Mei’ suena sobadísmo. Incluso si algo puede llamar la atención en alguna canción, como los coros femeninos en ‘Sighommi’ o la línea melódica vocal de ‘Pentecost’, que remite a Suede, Corgan se empeña en ahogarlo a continuación en lugares comunes. Incluso cuando se aparta un poco de la corriente general del disco en ‘Who Goes There’, lo hace con un pop tan mesiánico, tan tópico, tan repleto de sintetizadores engolados, que enoja más que refresca.
Solo se salva el aroma a tiempos mejores, a ‘1979’ concretamente, que exhala ‘Goeth the Fall’, la única canción que tiene un estribillo bonito y una melodía estimable. Y, quizás, el orquestado final de ‘Murnau’ (y no porque se acabe el disco, ojo). El resto, en fin, es muy aburrido.
Leire Martínez es la nueva invitada de ‘Me quedo conmigo’, el formato de salud mental con la psicóloga Andrea Vicente, que puede verse online en Mitele de Mtmad (Mediaset), y va por su tercera temporada. La primera parte de su entrevista dura 30 minutos y está online desde hoy miércoles 30 de octubre.
Se centra por completo en su compleja relación con sus padres, aunque los teasers exhibidos al principio del programa y al final, muestran ya que Leire Martínez dejará declaraciones jugosas sobre su traumática salida de La Oreja de Van Gogh. Curiosamente, no carga contra Amaia, dejando como titular, entre otros: “Yo no soy rival de nadie. No voy a formar parte de la guerra de otros” o «Amaia no tiene nada que ver con lo que ha ocurrido en este grupo. Que la dejen tranquila».
Añade: «Cuando vi que los periodistas empezaban a preguntarme sobre determinados temas, dije: «¡upa!» (…) Nunca hemos sido amigas, somos compañeras. La admiro profundamente. Este interés de poner el foco en nosotras… Yo no soy rival de nadie. Lo siento, pero no voy a formar parte de la guerra de otros».
En su lugar, y siempre según lo que se desprende de estos teasers, Leire Martínez será dura con sus ex compañeros de grupo: «Si alguien se cree que en 17 años de convivencia todo ha sido maravilloso… El sentido común te indica que si no he firmado ese comunicado es que no estoy de acuerdo con él», dice en referencia al escueto y gélido comunicado con el que los chicos La Oreja de Van Gogh explicaron la salida de la última cantante de la banda.
Estos primeros 30 minutos que están online versan en cambio sobre la difícil relación de Leire con sus padres, que se separaron cuando ella tan solo tenía 5 años. No le explicaron nada, y optaron por una custodia compartida a días alternos que la artista califica como «esquizofrénica». Tras 4 años viviendo más bien con su madre, y 4 con su padre, a los 13 la reunieron y le pidieron que eligiera con quién se quería quedar. La mala relación entre sus progenitores se mantiene a día de hoy, y Leire siente que ha cuidado de los dos, sin que nadie cuide de ella.
Gran parte de la entrevista, emocionante y enriquecedora pese a esa música lacrimógena que el formato se permite, versa sobre la dificultad de Leire de poner límites a sus padres, y a posteriori a sus parejas: «He permitido que no se me tratara bien». De adolescente, entró en depresión, perdió peso, y tras pedir ayuda en servicios sociales, encontró refugio ayudando a una familia con trillizos que necesitaba también ayuda y que siempre le expresó su amor, como su propia familia no había hecho. «No han sabido quererme», expresa en una entrevista que permitirá al público al fin saber quién es Leire Martínez. El segundo capítulo de la entrevista a Leire se espera para los próximos días.
A muchos de los “little monsters” les había extrañado que el vídeo de ‘Disease’ no se publicara al mismo tiempo que la canción el pasado viernes. El vídeo se estrena en cambio cuando quedan ya solo horas para que llegue Halloween y tiene su sentido, pues es de corte terrorífico.
Bajo la dirección de la ucraniana Tanu Muino, muy conocida por aquí por su trabajo con Rosalía (‘Juro que’, ‘Chicken teriyaki’) y otras celebridades como Dua Lipa, Cardi B, Harry Styles, Lizzo, Lil Nas X o Elton John, Lady Gaga aparece aquí en distintos escenarios con el terror psicológico como nexo en común. Detrás de este ‘Disease’ se encuentra una lucha consigo misma.
Si “disease” es una palabra que todos asociamos a ‘Bad Romance’, y el sonido del tema recuerda a ‘Born this Way’, el verdadero precedente del vídeo de esta canción -por encima incluso de ‘Marry the Night’ o ‘Judas’- parece ‘911’ de ‘Chromatica’. En aquella letra el estribillo decía “mi mayor enemiga soy yo”, en el vídeo veíamos a varios personajes dándose cabezazos contra una pared o superficies similares, y esa es otra imagen que Lady Gaga nos ofrece aquí, en este caso contra un coche.
La artista explica así este tema: “pienso mucho en mi relación con mis demonios interiores. Nunca ha sido fácil para mí afrontar cómo me seduce el caos y la confusión. Es algo que me produce claustrofobia. ‘Disease’ es sobre afrontar ese miedo, enfrentarme a mí misma y mi propia oscuridad interior y darme cuenta de que a veces no puedo escapar de las partes de mí misma que me asustan. Así que lo intento y huyo de ellas pero aún son una parte de mí. Corro y corro pero al final siempre daré con esa parte de mí aunque solo sea durante un instante”.
Lady Gaga ha llegado a ocupar el top 12 del Global de Spotify con ‘Disease’, aunque actualmente ha caído fuera del top 50. A falta de comprobar si se revitaliza por Halloween, uno de los mercados donde mejor se está entendiendo es Reino Unido, donde figura en el top 3 en las midweeks. Su mayor éxito actual continúa siendo el espléndido dúo con Bruno Mars, ‘Die With a Smile’, que además acaba de presentar vídeo en directo.
caracazador ha publicado estos días uno de los discos revelación de la temporada. En verdad, se trata de su segundo álbum tras la edición de ‘Marea y plata’ en 2020, pero sin duda el artista ha vivido un impulso tras ser fichado por GOZZ Records, el sello desde el que Zahara autogestiona su carrera y que hasta ahora no contaba con cantantes ajenos a su entorno. Zahara le rescató de un taller de composición hace un par de años y ahora publica este segundo álbum.
El nuevo largo se llama ‘República’, y está escrito y producido enteramente por el propio caracazador. Se define como una radiografía de un amor en 10 capítulos, es decir, las 10 canciones «radiografían una relación con idas y venidas, huidas y encuentros». Se han conocido varios adelantos, como ‘Casamurada’ o la estupenda balada a piano con que se abre el disco, ‘Dios bendiga esta casa’. La que seleccionamos como Canción del Día es ‘MI ROSTRO’.
Aunque entre las influencias de caracazador cabe gente como James Blake, a quien podríamos atribuir esos jadeos sampleados, ‘MI ROSTRO’ comienza más bien como una canción muy española marcada por la guitarra, que puede recordar a rescatadores del folclore como Vicente Navarro. Pronto la producción se pondrá nerviosa, incorporando una percusión oscura que ronda lo bailable (sería una danza siniestra), en muestra de la propia inquietud del artista.
Estamos ante una canción de desamor que no es sino una súplica de que el ser querido no olvide nuestro «rostro», pero incluye un punto muy inquietante tanto en la producción, como en una de las estrofas, la de «puestos a fingir, fingiré que soy tú». ¿Acaso una referencia a ‘Call Me By Your Name‘?
Otros versos son más claros: el amor ya está ausente («cuando pronuncio tu nombre en la noche más oscura, tu nombre siempre me suena más lejano que todas las estrellas»), aunque él lo recuerda aún («te querré como si fuera la última vez»). Tanto que suplica en el puente final «no me olvides», antes de que la canción se entregue a un «fade out». Un «no single» que desafía a los 5 adelantos que había tenido el disco y prueba de su solidez compositiva.
Viva Suecia han agotado 9.000 entradas en cinco minutos. Es el equivalente a toda la gira por el 10º Aniversario de la banda, en la que llevarán a cabo cinco conciertos en tres ciudades: Murcia, Madrid y Barcelona.
La gira fue anunciada el domingo pasado, pero ha sido hoy a las 12h cuando se han puesto a la venta los abonos. Cinco minutos han durado las entradas, demostrando el gran apoyo que los murcianos reciben de sus seguidores. «Os vais a llevar un trocito de cada uno de nosotros en los conciertos de este décimo aniversario», ha escrito la banda en Instagram.
Los conciertos tendrán lugar los días 27, 28 y 29 de diciembre en el Auditorio Víctor Villegas de Murcia, el 2 de enero en el Teatro Real de Madrid y el 19 de enero en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona. Los murcianos celebran 10 años de recorrido y lo hacen además en su mejor momento, después del grandísimo éxito de ‘El amor de la clase que sea’.
Los planes para lanzar la primera canción póstuma de Liam Payne, anunciados tan solo dos semanas después de su trágico fallecimiento, han cambiado. La salida de ‘Do No Wrong’ ha sido cancelada de forma indefinida dos días después de ser anunciada.
La semana pasada, Sam Pounds, reputado productor que había trabajado con Payne antes de su muerte, anunció que iba a lanzar ‘Do No Wrong’ el próximo 1 de noviembre. Además, en tres formas: la original, en directo y a cappella.
Sin embargo, ha considerado que «todavía no es el momento». Así también lo consideraron algunos fans del ex de One Direction que habían reaccionado negativamente a la noticia del lanzamiento de ‘Do No Wrong’.
«Hoy he decidido esperar para sacar ‘Do No Wrong’ y dejar esas libertades a todos los miembros de la familia. Quiero que todos los ingresos se destinen a una ONG de su elección (o lo que deseen)», comienza Pounds su comunicado. Este cuenta que «aunque todos amamos la canción, todavía no es el momento»: «Todavía estamos lamentando la pérdida de Liam y quiero que la familia llore en paz y en oración. Todos esperaremos», concluye.
Lana del Rey cada vez está menos entusiasmada con el sabor country de ‘Lasso’. Tanto, que en una nueva entrevista con Vogue Italia ha revelado que ha necesitado una pausa en su proceso creativo.
Aunque hace poco reveló que habría dos singles más del disco antes de terminar 2024, esto ya no está tan claro. De momento, podemos disfrutar de su colaboración con Quavo en ‘Tough’, siendo esta una mezcla de country y trap. En la entrevista, Lana cuenta que el disco podría acabar hasta con otro nombre.
Esta revela que no se sentía demasiado unida al álbum: «Tenía un estilo narrativo demasiado americano. Lo dejé en espera porque no me reconocía en él. Al principio, el sello y yo estábamos entusiasmados porque la energía de la música debía reflejar mi nueva vida. Ahora, no estoy tan segura», comenta.
Sobre el nuevo camino que podría seguir ‘Lasso’, Lana ya tiene algo pensado: «Podría convertirlo en algo más gótico sureño, como debía ser desde el principio, y menos country», asegura.
La autora de ‘Did you know…’ también cuenta que se siente desconectada al escuchar canciones como ‘Ride’ o ‘Video Games’: «Estoy entrando en una nueva era. También pasó con ‘Chemtrails’ y ‘Blue Banisters’. Tiene mucho que ver con vivir en Oklahoma y sentirse diferente. Mis ojos han visto espacios abiertos, he sentido el viento y ese es el tipo de energía de la que quiero hablar ahora», concluye.
Rigoberta Bandini ha revelado el título de su próximo disco, que se lanzará en algún momento de 2025. Si en su primer largo Paula Ribó era ‘La Emperatriz’, en su segundo álbum la catalana se convierte en ‘JESUCRISTA SUPERSTAR’.
El mensaje que dejaba Bandini hace unas semanas en redes hoy se entiende completamente. «Querida amiga: estoy trabajando en mi resurrección», escribía la cantante unos días antes de lanzar ‘Si muriera mañana’, el primer single de ‘JESUCRISTA SUPERSTAR’.
Hoy, la autora de ‘Ay, Mamá’ ha subido una foto a sus redes en la que aparece con la espalda bronceada y con el título del disco escrito sobre ella. No queda claro si esta también es la portada del proyecto o si solo ha servido para anunciar el título.
En una entrevista con El País publicada a principios de año, Rigoberta habló de tener sobre la mesa alrededor de 45 canciones «con sabores muy diferentes». En las últimas semanas, esta ha colaborado con Love of Lesbian, Bon Entendeur, Colapesce y Dimartino, Julieta Venegas o con Pipiolas.
En 1967, el ensayo ‘La muerte del autor’ revolucionó la manera en que el público dialoga con el arte, reconociéndolo como abierto a interpretaciones, no cerrado a la intención de su autor. Esta innovación en el pensamiento crítico explica en parte que Halsey se haya tomado fenomenal el suspenso de su nuevo disco, ‘The Great Impersonator’, en Pitchfork… al contrario que hace unos años.
Pitchfork ha puntuado ‘The Great Impersonator’ con un 4,8 sobre 10. En su crítica, el periodista Shaad D’Souza argumenta que Halsey ofrece un disco de canciones aburridas y concepto confuso. Halsey, que había recopilado las primeras críticas al álbum, la mayoría positivas, en un póster anterior, ha contestado más picada que nunca lanzando un segundo póster de reseñas manipulado en el que saca de contexto frases del texto de Pitchfork, dándole una tramposa -y divertida- vuelta a la crítica original.
“Gracias a Pitchfork por sus amables palabras. Es bonito que cada uno interprete las cosas de manera diferente”, señala con ironía la artista. En el póster solo se resaltan frases positivas de la reseña de Pitchfork, ninguna negativa. A propósito o sin darse cuenta, Halsey pone en valor el trabajo de Pitchfork demostrando que su reseña, aunque en su mayor parte negativa, está sopesada y que no se puede reducir a puro «hate». Vale lo mismo un suspenso que un 10 de Clash Magazine.
Aun así, algunos fans de Halsey se han tomado la crítica de Pitchfork como puro odio y han empezado a acosar a Shaad D’Souza en redes sociales, llamándole «misógino» y «maricón». El periodista se ha visto obligado a bloquear sus redes. Halsey ha dado pie al acoso incorporando el nombre del periodista en el póster, enfatizando que la de D’Souza es una opinión solitaria, excepcional, diferente a la de mayoría de medios que han recibido el álbum con entusiasmo.
Como en muchas canciones de ‘The Great Impersonator’, Halsey lleva al extremo su papel de víctima en su respuesta a Pitchfork y la convierte en un momento pop… como lo fue su ataque a Pitchfork de hace unos años por su crítica de ‘Manic‘ (2020). Entonces, Halsey pidió el «derribe» de las oficinas de Pitchfork desconociendo la conexión de estas oficinas con el 11-S. Entonces fue ella la humillada; suponemos que ahora reclama venganza. Esperamos que no vea el 1 sobre 10 que le ha plantado Anthony Fantano…
Lauren Mayberry de Chvrches ha sacado singles en solitario, nos ha visitado de gira, pero lo que es su disco de debut al margen de sus compañeros de banda, todavía no lo teníamos.
Saldrá el próximo 6 de diciembre a través de EMI Records. Se llamará ‘Vicious Creature’ y, según su sello, «ha escrito por primera vez sobre sexualidad y empoderamiento desde una perspectiva profundamente personal, volviendo a conectar con los iconos de su juventud: Tori Amos, Fiona Apple, PJ Harvey y Kathleen Hanna, así como con grupos de chicas británicos de los 90 como All Saints y Sugababes».
En esta era ha trabajado con productores como Greg Kurstin, Matthew Korma, Tobias Jesso Jr, Ethan Gruska y Dan McDougall. “Gran parte de este proceso ha sido un ejercicio de empoderamiento para escuchar mi propia intuición, algo en lo que realmente me había entrenado. En última instancia, esa es la razón por la que empiezas a hacer cosas: porque sientes algo y quieres articularlo de alguna manera. Creo que era importante para mí volver a aprender ese tipo de independencia, y reconocer lo que aporto a cualquier mesa en la que decida sentarme».
De los 12 temas que encontramos en la secuencia, ya podemos escuchar 5, incluyendo el nuevo single ‘Crocodile Tears’, que con sus cuerdas sintetizadas nos hace pensar más bien en los años 80 de Madonna o Tears for Fears. En ella, Mayberry quería adoptar “una especie de personaje en el que pudiera desprenderme de la idea de que tengo que ser “buena”, porque creo que eso frena a muchas mujeres en sus vidas. Si no tuviera que ser vista como «amable», me sentiría cómoda mandando a la mierda a ciertas personas cuando me tratan como una mierda. En este disco, y en estas canciones, consigo hacerlo”.
En meses (y años) previos se fueron dando a conocer otras canciones como ‘Something in the Air’, ‘Shame‘ o ‘Are You Awake?‘. Así queda la secuencia:
1. Something in the Air
2. Crocodile Tears
3. Shame
4. Anywhere But Dancing
5. Punch Drunk
6. Oh, Mother
7. Sorry, Etc
8. Change Shapes
9. Mantra
10. A Work of Fiction
11. Sunday Best
12. Are You Awake
Mogwai anunciaron recientemente una amplia gira que no pasa por España. La acompañaron de un tema nuevo llamado ‘God Gets You Back’, con un gran protagonismo de los teclados.
Ahora sabemos que ese tema forma parte de un nuevo disco llamado ‘The Bad Fire’ que saldrá a la venta el 24 de enero. Además, se da a conocer lo que ahora podemos interpretar como el segundo single. El tema ‘Lion Rumpus’, que formará parte de la última parte de la secuencia, es una canción de rock, enérgica y tan distorsionada como mimada en los arreglos, que presenta un vídeo inesperado.
El vídeo de ‘Lion Rumpus’ es más bien una oda a los perros, no un «alboroto leonino». En él vemos a Lawrence “Larry” Wilson paseando perros por Nueva York, bajo la dirección de Antony Crook, que ya se encargara del documental de Mogwai, ‘If The Stars Had A Sound’.
Según informa PIAS, «el nuevo disco de Mogwai se grabó en Lanarkshire y el productor John Congleton se unió a la banda en el estudio. «The Bad Fire» es un coloquialismo escocés para referirse al infierno, que se inspira en una serie de duros momentos personales en los que se encontró la banda tras su décimo álbum, ‘As The Love Continues‘, de 2021. La banda siguió trabajando para superar ese periodo, lo que los llevó a la creación de ‘The Bad Fire’: una colección de canciones que renuncian a la nostalgia y a las victorias fáciles, encontrando de nuevo a Mogwai empujando hacia adelante con algunas de las canciones más bellas y explosivas de su carrera».
Os dejamos con el tracklist de ‘The Bad Fire’:
01 God Gets You Back
02 Hi Chaos
03 What Kind of Mix is This?
04 Fanzine Made of Flesh
05 Pale Vegan Hip Pain
06 If You Find This World Bad, You Should See Some of the Others
07 18 Volcanoes
08 Hammer Room
09 Lion Rumpus
10 Fact Boy
Y también con las fechas de la gira que excluye España:
02-04 Amsterdam, Netherlands – Paradiso
02-06 Hamburg, Germany – Große Freiheit 36
02-07 Copenhagen, Denmark – Vega
02-08 Stockholm, Sweden – Fållan
02-09 Oslo, Norway – Rockefeller
02-11 Berlin, Germany – Admiralspalast
02-12 Leipzig, Germany – Täubchenthal
02-14 Maastricht, Netherlands – Muziekgieterij
02-15 Groningen, Netherlands – De Oosterpoort
02-17 Brussels, Belgium – Ancienne Belgique
02-18 Antwerp, Belgium – De Roma
02-19 Paris, France – Casino de Paris
02-20 London, England – O2 Academy Brixton
02-22 Leeds, England – O2 Academy Leeds
02-23 Edinburgh, Scotland – Usher Hall
03-08 Bangkok, Thailand – Voice Space
03-11 Osaka, Japan – Gorilla Hall
03-12 Tokyo, Japan – Zepp Shinjuku
03-14 Taipei, Taiwan – Zepp New Taipei
04-07 Washington, D.C. – 9:30 Club
04-08 Philadelphia, PA – Theatre of Living Arts
04-10 Brooklyn, NY – Brooklyn Steel
04-11 Boston, MA – Paradise Rock Club
04-13 Montreal, Quebec – Beanfield Theatre
04-14 Toronto, Ontario – Danforth Music Hall
04-16 Detroit, MI – Saint Andrew’s Hall
04-17 Chicago, IL – The Metro
04-18 Minneapolis, MN – Varsity Theatre
04-20 Denver, CO – Ogden Theatre
04-22 South Salt Lake, UT – Commonwealth Room
04-24 Vancouver, British Columbia – The Commodore Ballroom
04-25 Seattle, WA – The Showbox
04-26 Portland, OR – Roseland Theatre
04-28 San Francisco, CA – The Regency Ballroom
04-29 Los Angeles, CA – The Bellwether
04-30 Phoenix, AZ – Van Buren
05-03 Austin, TX – Emo’s
05-04 Dallas, TX – The Echo Lounge
Paul Morrissey ha fallecido este lunes 28 de octubre a causa de una neumonía en un hospital de Nueva York. Tenía 86 años. El director de cine de culto pasó a la historia del pop por haber colaborado con Andy Warhol en cintas como ‘Chelsea Girls’ o ‘Lonesome Cowboys’ (fue parte de su conocida “Factory”), así como con la Velvet Underground a finales de los años 60 y principios de los años 70.
En el caso de la Velvet, fue su representante en años tan cruciales como 1966 y 1967, organizando eventos multimedia tan vanguardistas como ‘Exploding Plastic Inevitable’. Allí se combinaban las actuaciones de la Velvet con Nico, con proyecciones de los films de Warhol y performances de baile y mimo. También hubo un fanzine.
Especialmente conocidas son sus películas ‘Flesh’ (1968), ‘Trash’ (1970) y ‘Heat’ (1972) que, protagonizadas por el icono y mito erótico Joe Dallesandro, tanto circularon en VHS y DVD antes de internet, y últimamente se pudieron disfrutar en la era digital. Warhol ejerció en ellas de productor, y Morrissey, de director y guionista, hasta que ambos partieron peras a mediados de los 70, de muy mala forma.
Su desfile de personajes desarraigados, extravagantes pero también deliciosos, modelos y pequeños celebrities de la época, así como drag queens, marcaron estéticamente a muchos de los aficionados a la cultura pop, por ejemplo en España a genios como Iván Zulueta, Almodóvar o Alaska y Dinarama.
Diego Ibáñez, Martín Vallhonrat, Mario del Valle y Juan Pedrayes siguen siendo cuatro chavales. El tercer trabajo de Carolina Durante, ‘Elige tu propia aventura’, es el más redondo hasta la fecha, introduciendo cuerdas, vientos, armonías y una colección de canciones que van directas al corazón. Asimismo, también representa el principio de un nuevo camino artístico para la banda.
El LP también ha dado la sorpresa gracias a la canción ‘Normal’, en la que interviene Rosalía y que se mantuvo en secreto durante toda la promoción del álbum, por lo que no hay ninguna mención al tema en esta entrevista. ‘Elige tu propia aventura’ será presentado en una gira de salas alrededor de todo el país que culminará con su segundo Wizink Center, el 28 de febrero de 2025.
Diego, Martín y Mario (Juan se encontraba preparando el ensayo de esa tarde) se interrumpen constantemente, se hacen coñas, se interrogan unos a otros y se apuestan sobres de Magic. A veces, se tienen que forzar a seguir con las preguntas porque podrían estar conversando entre ellos todo el día. Hemos hablado con Carolina Durante sobre las comparaciones, su disco más emocionante, lo que echan de menos en los carteles festivaleros y las jóvenes promesas de la industria.
¿Cómo os tomáis normalmente la salida de un nuevo disco?
Diego: Nos ponemos muy ansiosos. Yo también soy el más ansioso del grupo.
Martín: Creo que la época de sacar el disco es la peor. O sea, a nivel de nervios. Es un trabajo de más de un año al que hemos dedicado mogollón de tiempo, esfuerzo, pasión, expectativas, va a estar fuera, lo va a escuchar la gente y está expuesto a que la gente lo valore.
D: Hay mucho curro detrás. Muchas emociones.
¿También estáis nerviosos por el comienzo de una nueva etapa artística?
Martín: Yo creo que cada disco debería ser el comienzo de algo. Si no…
D: O el final de algo.
Martín: Que un disco sea el final de algo es un poco bajón. Luego tienes que girar y todo.
D: Ah bueno, ya, joder. Yo, por ejemplo, el anterior disco sí que lo veía como el final de todos estos años y sabía que teníamos muy claro que en el siguiente tenía que haber un cambio. Lo queríamos. Yo creo que era necesario para nosotros.
¿Os habéis quedado satisfechos con el cambio? ¿No queríais hacer ni más ni menos?
D: Yo quería hacer un poco más, pero ya lo haremos.
Martín: Yo creo que cuando estábamos haciendo el disco no teníamos del todo claro qué es lo que queríamos, pero viéndolo a posteriori lo hemos alcanzado. Sabíamos que queríamos probar cosas nuevas, grabar las canciones de otra manera y componer de otra manera sin tener un objetivo fijo. Entonces, creo que no nos hemos metido de chapuzón en la piscina del cambio, pero sí que hemos probado el agua y a la siguiente nos tiramos de cabeza.
D: Está buena el agua, eh.
¿Os importa lo que digan los fans más puretas?
D: No. Eso me suda el nacle, pero sería una bobada decir que no nos importa lo que piensen los fans, en general.
Martín: Claro que nos importa, pero no demasiado. Ojalá les guste, ¿no? Si les gusta todo lo que hemos hecho hasta ahora…
Mario: No es lo mismo los fans que los fans puretas.
D: Ah, sí. Eso me da igual.
Hay grupos con los que os han comparado mucho, como Los Nikis, que no han cambiado tanto a lo largo de su carrera. O que se quedan en lo mismo.
D: Los Nikis son muy así, igual que Los Ramones.
Martín: Claro, por eso nunca nos hemos sentido superidentificados. Creo que lo hemos dicho desde el primer EP. Vemos lo de los Nikis, pero creo que tenemos un poco más de amplitud de miras con respecto a cómo hacer las canciones. De hecho, Joaquín, bajista de Los Nikis, ha dicho esto en entrevistas. Hay mucha gente empeñada en que somos Los Nikis. Quiero decir, si te gusta ‘Cayetano’ y te gusta ‘Famoso en tres calles’, pues está bien. Me gusta hacerlo y me gusta ofrecerlo, pero creo que Carolina Durante tiene una amplitud de miras más grande.
¿Estáis más hartos de que os comparen con Los Nikis o con Los Planetas?
D: Cuando alguien dice Los Nikis, sé que no ha escuchado demasiado al grupo.
Martín: A mí me gusta cuando me dicen que les ha sonado a X y me dicen una referencia que nunca he escuchado. Y me alegro tío, porque es justo lo que queremos. Que no deje de sonar a Carolina Durante, pero que pueda recordar a otra cosa.
D: Es chulo cuando te sueltan un grupo del cual eres fan. Todo lo que escuchas va a dejar un poso en ti de alguna manera, aunque sea inconsciente.
¿Habéis estado escuchando algún disco o artista concretos en las sesiones de este álbum?
D: Hace tiempo que no me obsesiono con un disco nuevo. Sigo escuchando discos de siempre y entran en el roster nuevos, pero no me ha dado una obsesión por uno en concreto.
Martín: A mí me pasa que hay vibras de canciones que me gustan y luego pienso en hacer canciones que despierten eso. Cuando estaba buscando referencias para este disco, había un poco de todo: Yung Lean, Fugazi…
D: Lo guay es que es una banda. Rara vez Mario le va a decir a Martín lo que tiene que tocar con el bajo. Cada uno tiene sus referencias.
Mario: Tenemos gustos bastante heterogéneos, dentro de que también compartimos muchas cosas, evidentemente.
Martín: A veces está bien traer una idea o algo de referencia y no contárselo al resto. Muchas veces te das cuenta de cómo tú eres capaz de comunicar esa idea y cómo los demás son capaces de interpretarla según sus propias referencias. Eso es lo que hace que un grupo sea un grupo.
Creo que, leas donde leas, va a poner que este es vuestro disco «más ambicioso y maduro».
D: Prefiero ambicioso que maduro (risas).
Martín: Sí, maduro es un adjetivo muy feo.
¿Habéis madurado mucho desde vuestro primer lanzamiento?
Martín: Si no maduras en ocho años, también es que tienes un problema. Creo que seguimos queriendo pasárnoslo bien y haciendo música y tocando música y no queremos dar la chapa a nadie. No queremos ni educar ni nada de esto.
¿Qué es lo más valioso que habéis aprendido durante todos estos años como artistas?
D: Yo lo que he aprendido con este disco es que me tengo que fiar de mi intuición. 100%.
Martín: Brindemos por ello. Por la intuición. No comerse el tarro.
Mario: Sí, bueno, es una cosa que hemos hecho desde el principio, pero como que yo creo que ser honesto y hablar desde dentro y siendo sincero es una cosa que siempre nos ha funcionado, y creo que en este disco hay más de ello aún.
O sea, que este es vuestro disco más honesto también.
Diego: (risas) También, y más personal.
Mario: Porque es verdad, es un disco más de mirar hacia adentro.
Martín: Todos los discos que hemos hecho son personales, qué coño.
Mario: Sí, pero me refiero, que no hay tanto jiji-jaja.
Martín: Simplemente creo que hay como menos vergüenza líricamente. O sea, después de tres discos y tropecientos EPs es como: 1. Hay cosas que ya has dicho. 2. Hay cosas en las que se te quita la vergüenza. ¿Por qué coño no voy a decir esto de esta manera? Y ya está. Eso hace callo. Te aburres de ti mismo y pruebas cosas nuevas.
¿Eso te ha llevado a escribir letras más personales? (A Diego)
Diego: Yo creo que siempre lo he hecho, pero en el disco podía haber más o menos. En el primero había canciones más personales, más intensas. En el segundo hay menos y en el tercero vuelve a haber más.
Claramente, en este hay más. ¿Está totalmente basado en tus experiencias?
D: Ha habido un par de letras que ha escrito Martín también. ‘Joderse La Vida’ es suya, que para mí es top 3 hits del disco.
Yo mientras me escuchaba este disco no podía parar de pensar en cómo llevaría lo de cantarlas en el escenario todos los días. ¿No se te hace difícil revivir esos sentimientos?
D: Sí, cien por cien. Fíjate que es la primera vez que me pasa. Siempre he escrito de esta manera, pero el primero, por ejemplo, que también tenía canciones más de este estilo, no me generaba eso. A lo mejor iba más revolucionado porque todo era más nuevo y no era tan consciente, pero es verdad que con este sí que me afecta cantar las canciones. Eso no me había pasado nunca.
¿Cómo lo estás gestionando?
D: Bien. También me emociona. Es muy guay que me rompa escuchando la canción que he escuchado 257.000 veces. Que siga la emoción ahí y el sentimiento.
‘Misil’, por ejemplo, es una canción con una letra muy específica, claramente personal, pero tiene un elemento nostálgico que consigue que me llegue sin sentirme identificado con nada de lo demás.
D: Es curioso, porque Luis, nuestro mánager, cuando escuchó ‘Misil’ también me dijo eso. Esa canción la escribí con nostalgia, pero yo la escucho y digo: «Joder, es la canción alegre del disco». Yo no la veo tan nostálgica, pero claro…
Martín: Es que es igual. Con ‘Joderse La Vida’ yo quería hacer una canción divertida y no he hecho una canción divertida.
D: Según el momento que estés atravesando en tu vida, conectas con una cosa o no. Ayer, leyendo los comentarios de la peña en ‘Hamburguesas’, vi un comentario que decía: «Si esta canción me hubiese pillado hace un año y pico, me hubiese roto». Me parece supercurioso. A Mario le pasó que Martín y yo estábamos en un mood durante el disco de… pues del disco.
Mario: Sí, de lo que viene a expresar el disco, y yo estaba en un momento bastante feliz de mi vida. Luego, pasaron una serie de movidas personales que me dejaron bastante roto. Entonces, cuando estábamos grabando el disco, de repente, sí que estaba bastante en el mood. También hay que decir que, cuando estábamos componiendo todas estas canciones, aunque yo no me sintiese identificado, también me resonaban cosas. Es lo bonito de hacer música con tus amigos. Diego me puede explicar lo que siente y podemos hablar del tema, pero cuando lo pone en una canción adquiere un poder mucho más fuerte. Y sentir eso colectivamente es muy bonito.
Tampoco me parece un disco de tortura, eh.
Todos a la vez: No, no…
Martín: Nunca hemos querido hacer música para meternos más en el agujero. Siempre queremos que haya un punto de luz y diversión y de… joder, qué bonito.
D: Es como cuando lloras y luego estás bien.
Mario: Se puede decir que el disco trata un poco sobre estar comfy en el malestar. En la mierda.
Martín: Hubo un momento en el que estaban saliendo canciones muy tristes y entonces yo le dije a Diego: «Tío, hay que intentar meter algo ahí de luz, algo de esperanza, porque se nos van a querer matar los fans».
Diego: Y ahí escribí ‘TOMÉ CAFÉ’ y ‘Misil’.
Para mí la más luminosa es ‘San Juan’, que tiene una melodía que me suena super familiar y no sé por qué.
Martín: No te diré por qué, tendrás que descubrirlo (risas de todos). No tengo ningún reparo, en realidad. Dijo Mario un día: «Tío, es que me entra mazo esta melodía de Canned Heat» (‘Going Up the Country’).
Mario: Que es un temazo que flipas.
D: Yo llegué al estudio y dije: «¿Esto se puede hacer?». Y lo preguntamos, eh.
¿Por temas legales?
D: Claro, y dimos créditos, porque si no, no lo diríamos. Simplemente diríamos que hay muchas canciones iguales, no sé qué, pero no… Esto no es un guiño, es un fusile.
¿Sois más eminencias del underground o ratas del mainstream?
D: ¡Ratas del mainstream!
Martín: Las dos. Es verdad que somos bastante eminencia, pero rata del mainstream es lo que queremos ser. Queremos arrastrarnos por las cloacas del mainstream.
«Queremos arrastrarnos por las cloacas del mainstream»
Lo digo porque os iba a preguntar en qué grupos jóvenes tenéis puesta la mirada, cuál creéis que lo va a petar…
Martín: Tengo muchas ganas de escuchar el siguiente disco de La Paloma, tengo ganas de escuchar el siguiente disco de Shego, tengo ganas de ver qué pasa con la gira de Alcalá Norte. Muchas ganas de ver cómo les va esta puta gira. Es muy ambiciosa y esto creo que es algo que han hecho diferente de Shego y la Paloma. Ahora estoy muy con Las Petunias, la verdad.
D: Yo estoy deseando que surja un grupo de chavales de 19 años, que toquen de puta madre y que lo revienten. Lo llevo deseando tiempo.
¿Qué echáis en falta en los carteles de los festivales?
Martín: Conciertos divertidos, tío. Veo mucho postureo escénico en los festivales últimamente. Igual soy yo que estoy un poco empeñado.
D: Es que claro, yo me voy a pensar en qué es lo que echo en falta arriba en los carteles. Y yo echo en falta otra música. Estoy harto de hijos feos de Vetusta Morla. Te he dado el titular ahora mismo. Genial Vetusta Morla, pero sus hijos feos… Ya estoy cansado de ellos.
Martín: A mí lo que no me gusta es verlo todo tan medido.
D: Yo lo que echo en falta es que ocurra eso y mole de verdad. Rosalía lleva un show que es ultramedido y dices: «Me cago en Dios». Yo lo he visto seis veces y me he cagado en Dios en todas.
Martín: Si tú quieres diseñar o guionizar una parte de tu bolo, piensa en algo que quieres que ocurra escénicamente que mole, pero que no sea bajar y cantar con una chica de primera fila. Mierdas de estas. Creo que en festivales pasa esto. Falta espontaneidad.
Mario: Yo echo en falta que haya un cambio de piel en el cartel. Nosotros sí, un poco, y algún otro también, pero creo que los de nuestra generación no hemos llegado a romper ese techo de cristal. Es que los cabezas de cartel siguen siendo prácticamente los mismos que cuando empezamos hace ocho años.
Vamos a hablar del Wizink. Al primero, en 2023, llevasteis a Los Nikis. Ahora tenéis otro en 2025. ¿A quién vas a llevar?
Martín: Vamos a llevar a uno de esos grupos que nos gustaría que fuesen más grandes en según qué festivales. Va a ser un grupazo.
¿Y vais a cambiar también el directo?
D: Va a estar más medido (risas). Va a haber show. El directo va a seguir siendo un ladrillo en tu cara, pero dentro de ese ladrillo va a haber más vestido. Va a ser un ladrillo más bonito. Eso sí, te duele igual.
Si echáis la vista atrás en vuestra carrera, ¿Cómo se os ha quedado la aventura? ¿Habríais cambiado algo?
D: Siempre pasa eso. Siempre quieres cambiar cosas. Bueno, yo creo que el sonido del primer disco, pero es algo que se quedó ahí.
Martín: El primer disco debería sonar más parecido a este. El segundo está bien.
D: El segundo está guay.
Martín: Y el tercero habría sido otra cosa. Yo pienso que al primer disco le habría sentado muy bien sonar como este.
‘CHROMAKOPIA’, el séptimo disco de Tyler, The Creator está siendo un éxito. En su primer día en Spotify, el disco ha conseguido alrededor de 85 millones de reproducciones. Se trata del mayor debut de hip hop en 2024 y el top 20 de todos los tiempos. Tiene más mérito cuando recordamos que el disco salió un lunes por la mañana.
Todo el disco, y prácticamente en orden, ocupa los 14 primeros puestos del Top 50 de Estados Unidos en Spotify. En el Top Global, los temas están desperdigados por los 25 primeros puestos. ‘St. Chroma’, ‘Noid’, ‘Rah Tah Tah’ y ‘Darling, I’, las primeras cuatro canciones del disco, ocupan los puestos que van del 3 al 6 en el ranking, respectivamente. ‘I Hope You Find Your Way Home’, el tema que cierra el álbum, ocupa el puesto 25.
Por otro lado, en el Top 50 España no hay ni una sola canción de Tyler, The Creator. A pesar de esto, Tyler es ahora mismo el número 1 en la lista global de Top Artistas de Spotify, por primera vez desde la creación de la lista y destronando a la mismísima Taylor Swift.
Tyler, The Creator's 'CHROMAKOPIA' earned over 85 million first day streams on the global Spotify chart.
Tunde Adebimpe, cantante de TV On The Radio, acaba de firmar con el sello Sub Pop para lanzar su debut en solitario el próximo año. De momento, se desconoce el nombre y la fecha de salida del proyecto. Sin embargo, sí que podemos disfrutar del primer y frenético single, ‘Magnetic’.
Las noticias de la carrera en solitario de Adebimpe llegan a la vez que TV On The Radio vuelve a lanzarse a la carretera tras una larga pausa. Además de conciertos en Estados Unidos y Reino Unido, son parte del cartel de Primavera Sound, que tendrá lugar en Barcelona del 5 al 7 de junio de 2025.
«Estaba pensando sobre mi tiempo en el espacio / Estaba pensando sobre la raza humana», canta Adebimpe en las primeras líneas de ‘Magnetic’. Se trata del primer lanzamiento formal en solitario del cantante estadounidense, ya que en 2010 lanzó ‘People’ por causas benéficas.
Desde Sub Pop, aseguran que la inclusión de Adebimpe en el equipo «hace todo mejor y mucho más elegante»: «Hemos esperado más de 20 años para tener la oportunidad de ser el sello de Tunde Adebimpe», ha declarado el cofundador de Sub Pop, Jonathan Poneman.
WARM UP 2025 ya ha revelado los primeros nombres que conformarán su cartel este año, entre los que se cuentan artistas como Fangoria o Franz Ferdinand. El festival murciano se volverá a celebrar en La Fica durante los días 2 y 3 de mayo de 2025. Abonos generales y las últimas entradas VIP, disponibles en la web del evento. JENESAISPOP vuelve a ser medio oficial.
Franz Ferdinand, Fangoria y Polo & Pan encabezan el primer avance de artistas de la próxima edición de WARM UP. Zahara y Carolina Durante presentarán sus nuevos trabajos en directo. Por otro lado, Siloé, Ralphie Choo, Rufus T. Firefly, Julieta, Shego, nusar3000 y TRISTÁN! completan la lista de nombres.
Los abonos generales de WARM UP 2025 están ya disponibles desde 69,99 euros. Sin embargo, los abonos VIP están más cerca de agotarse. Estos tienen un precio de 149,99 euros.
Los grupos que han seguido en activo tras la ruptura de al menos dos de sus integrantes se pueden contar con los dedos de una mano: Fleetwood Mac, ABBA o, en España, Amaral son algunos de ellos. En Dorian la separación entre Marc Gili y Belly Hernández podría haber acabado con la banda, pero ha fortalecido la relación entre sus cuatro componentes. Y ha resultado en un nuevo disco escrito en torno al concepto de “superación positiva del duelo” que no es el típico disco de ruptura.
El mensaje que propone Dorian en ‘Futuros imposibles’, aparte de que hacer buenas portadas parece darles un poco igual, es que de las rupturas siempre se puede extraer un aprendizaje que agradecer, y que cuando una puerta se cierra, otra se abre. O como señala Marc en una entrevista con JENESAISPOP: “Por cada futuro imposible que se te cierra, la vida te abre otros muchos”.
Pero que ‘Futuros imposibles’ no sea el típico disco de ruptura atormentado no significa que tome grandes riesgos. En realidad, ‘Futuros imposibles’ es un trabajo de Dorian clásico, tanto que el propio Marc reconoce que las canciones “han brotado de lo que sabemos hacer”. Es el camino opuesto al de ‘Ritual’ (2022): después de la exploración de diferentes sonidos y ritmos, Dorian vuelve al punto de partida. Y la inspiración sigue con ellos, porque, casi sin quererlo o sin esforzarse, al grupo también compuesto por Lisandro y Bart le ha vuelto a salir un disco muy sólido, compuesto por canciones que emanan mucha personalidad y ni un ápice de desesperación.
Ahí está el tema de presentación ‘Algo especial’, un nuevo himno de Dorian que resume el concepto del nuevo álbum. Sobre una eficiente base de pop-rock con sintetizadores, Marc cuenta que su amor se quemó, pero no así el cariño. En un estilo parecido, ‘El Sur’ con Santiago Motorizado entrega otro buen estribillo de Dorian que va como un tiro (“acelera, niña, dale a fondo, sé feliz”) y ‘Lo que recuerdo de ti’ suma en inicio ya 3/3 buenos singles, esta vez junto a Viva Suecia, en recuerdo a aquellos amigos a los que la adicción se llevó.
Después de estos tres singles, ‘Futuros imposibles’ no se desinfla sino que mantiene el tipo añadiendo nuevos singles oficiales y potenciales. ‘Materia oscura’, de hecho, el mejor sencillo de todos, está colocado casi al final de la secuencia. En su estilo sintetizado, ‘Materia oscura’ es un excitante número de synth-pop inspirado en la Human League que explora la idea del oscuro deseo. El grupo se apunta un tanto citando a Parálisis Permanente en una letra que, además, no es misteriosa en su reivindicación de la pareja abierta: “No eres solo mía, ni tú cortas mis alas”, canta Marc.
El álbum sale claramente beneficiado de su brevedad y de su variedad. Por cada canción… lenta como ‘A cámara lenta’ con Daniella Spalla, la balada de mechero de ‘Futuros imposibles’, que entrega Dorian, el grupo sale de repente con los teclados fluorescentes de ‘Una noche más’, cuando menos lo esperas. Después de 9 canciones, que la décima sea la más colorida tiene mérito.
En proporción, las baladas de ‘Futuros imposibles’ quedan unos peldaños por debajo de los temas animados y bailables. Al menos ‘Elegía’ y ‘Por ti’, esta última cantada por Belly, en respuesta a ‘Algo especial’, no apuntan tan alto, pero siguen siendo importantes para comprender el concepto de ‘Futuros imposibles’ en su totalidad. En conjunto, todas sus pistas, sumando también la animada ‘A contraluz’ y la balada final ‘Solo el cielo’, dan empaque un álbum muy ameno y bien cerrado que puede contarse entre los mejores de la carrera de Dorian.
Damiano David, cantante de Måneskin, prepara el lanzamiento de su álbum debut en solitario, del que ya se conocen dos singles que representan dos facetas distintas del proyecto, el baladón ‘Silverlines‘ y el himno ‘Born with a Broken Heart’.
Algunos críticos opinarán que, en ‘Born with a Broken Heart’, Damiano ha terminado de «venderse» al pop, que ya no es el chico malo que el mundo conoció en Eurovisión. Y qué bien, porque la canción es irresistible. Es la Canción Del Día.
‘Born with a Broken Heart’ es la canción más abiertamente pop que ha firmado Damiano David. Su sonido de himno piano rock es claramente deudor del de los Killers o Billy Joel, pero ni Damiano ni sus co-autores, Sarah Hudson, Jason Evigan y Mark Schick, se olvidan de escribir una melodía como un sol de buena, llena de ganchos memorables y que sabe acabar bien arriba.
En ‘Born with a Broken Heart’ Damiano presenta el retrato de un hombre que se siente incapaz de amar. Quiere amar como todo ser humano, pero no puede. A Damiano se le escapa una de esas frases que son puro humor involuntario («Si fuera un cactus, tú serías un globo») pero, sobre todo, ‘Born with a Broken Heart’ es la imagen de un hombre atormentado. Eso sí, vestido de traje. En el vídeo, Damiano y su compañera femenina bailan con un set de película de fondo.
Damiano acaba de presentar ‘Born with a Broken Heart’ en la televisión estadounidense, en el programa de Jimmy Fallon:
Lucky Love es el alias del cantante y compositor francés Luc Bruyère. Curtido en el cabaret de Madame Arthur, donde trabajó como bailarín y drag queen durante años usando el pseudónimo de La Venus des Mille Homme (por su parecido a la Venus de Milo; curiosamente él se parece mucho, también, a Freddy Mercury), Bruyère publica su propia música desde 2022.
Fue ese año cuando el público pudo escuchar por primera vez su reivindicación de una «Masculinidad» no adherida a la hegemónica. Bruyère, que nació sin brazo izquierdo, se niega a usar prótesis y, como cantante queer y que convive con el VIH, utiliza su plataforma para defender su liberación de las expectativas impuestas por el patriarcado a hombres y mujeres por igual.
«¿Qué hay de mi masculinidad? ¿Qué cojones tiene de malo mi cuerpo? ¿No soy suficiente? ¿Quién te da derecho de imponer las reglas?» cantaba Lucky Love en una ‘Masculinity’ que, este año, ha presentado en los Juegos Paralímpicos de París. Su reivindicación del amor LGBT+ es explícita en ‘Love’, otra de sus canciones estrella.
En 2023 se editó el primer EP de Lucky Love, ‘Tendresse’. Decorado con una preciosa portada, incluye otros cortes conocidos de Lucky Love como ‘J’Veux D’La Tendresse’ o ‘Toutes mes vérités’ junto a la estrella francesa Juliette Armanet.
En un lado más personal, el single de Lucky Love lanzado en septiembre, ‘I Don’t Care if It Burns’, ha sido otra canción de amor de Lucky Love. Es la primera muestra del primer álbum de Bruyère, llamado también ‘I Don’t Care if It Burns’, que saldrá en noviembre. Lucky Love lo presentará en España el 16 de noviembre en la sala Changó de Madrid el 16 de noviembre y el 17 de noviembre en La Nau de Barcelona.
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