Rosalía deja atrás la polémica por su «silencio» sobre el genocidio de Gaza -que surgió tras ser señalada directamente por el diseñador Miguel Adrover y a la que Vila Tobella respondió con un breve comunicado en Instagram- para protagonizar la portada del número de septiembre de ELLE Magazine, que celebra su 40º aniversario.
Aunque ELLE Magazine promete que, en la entrevista, Rosalía «se sincera» sobre su próximo disco, en realidad prácticamente no habla del disco en absoluto. La única declaración a subrayar es que el disco no está terminado y que Rosalía sigue acudiendo al estudio para ajustar detalles. Sobre su sonido, temática, concepto, fecha de lanzamiento… se reserva la información. Queda especular.
Rosalía se encuentra ocupada también rodando su aparición en la tercera temporada de ‘Euphoria’, que se espera para 2026. Sam Levinson, director de la serie, comparte sus impresiones sobre el trabajo de Rosalía en el set de rodaje: “Me encanta dejarla suelta en una escena”, dice. “La dejo jugar con las palabras, con las emociones, en inglés y en español. Nunca quiero decirle qué hacer primero, porque sus instintos naturales son tan fascinantes, carismáticos y divertidos».
La periodista Suzy Exposito no evita preguntar a Rosalía sobre su relación de cinco meses en 2019 con la actriz de ‘Euphoria’, Hunter Schafer. Cuando Exposito le pregunta si la revelación de la noticia la hizo sentir presionada para definir su sexualidad, Rosalía responde: “No sentí ninguna presión. Pienso en la libertad; eso es lo que me guía».
La entrevista repasa la trayectoria de Rosalía y recuerda los lanzamientos de ‘El mal querer‘ (2018) y ‘MOTOMAMI‘ (2022). Curiosamente, Rosalía afirma no haber visto a El Guincho «en años», pero puntualiza que no existe ningún problema entre ellos: «Me encanta trabajar con las mismas personas a largo plazo, pero a veces uno se distancia. Él ha seguido su propio camino, haciendo sus proyectos todos estos años. Y sí, a veces pasa: la gente sigue su propio rumbo. Ahora mismo, estoy trabajando sola».
Recuperamos nuestra vieja sección «Lo + Sabrosón» para repasar algunas de las mejores canciones alternativas del verano de 2025, un verano que acabará sin canción estival oficial y colectivamente aceptada, como en años pasados fueron ‘Si antes te hubiera conocido’ de Karol G -que subió al número 1 de España a principios de julio de 2024- o ‘Despacito‘ de Luis Fonsi y Daddy Yankee.
Abre la playlist por supuesto ‘Malibu’ de rusowsky, actual número 1 en el top 40 de JENESAISPOP y éxito mainstream en España (ahora mismo ronda el top 20) lanzado desde la independencia. Por eso tampoco nos resistimos a incluir el actual número 1 en nuestro país, ‘Tu vas sin (fav)‘ de Rels B, el primero de la carrera del mallorquín.
Desde el mundo anglo llegan algunas de las mejores canciones del verano del momento, como ‘Illegal’ de PinkPantheress, ‘Love Me Not’ de Ravyn Lenae, ‘Dealer‘ de Lola Young, ‘No Broke Boys (Remix)‘ de Disco Lines y Tinashe (actual top 5 en Reino Unido) o el pop-rock tropicalillo de Hayley Williams. Además, Sophie Ellis-Bextor vive la ‘Dolce Vita’ en su reciente caramelo pop disco.
Desde España destacamos los temas veraniegos de Locoplaya o Julieta, pero también deep cuts tan pintones como el house-pop de VIOLETA o las guitarras soleadas de San Tosielo.
No pueden faltar algunos de los temazos del verano que no han conquistado las listas pero lo merecen muy fuerte, como ‘Midnight Sun‘ de Zara Larsson, ‘Girlie Pop‘ de Amaarae, ‘Jellyfish’ de Sigrid, ‘Última noche‘, el kompa haitiano de Bad Gyal y Ozuna o ‘Hot Body’ de Ayra Starr, uno de los mejores temas de afrobeat del momento.
Tampoco se nos escapan algunas recientes recomendaciones de JENESAISPOP: ahí entran ‘Carousel’ de Ferdous, ‘Don’t Wait Up’ de Midnight Generation, ‘Defense‘ de Panda Bear y Cindy Lee, ‘midsummer pipe dream‘ de Guitarricadelafuente y Troye Sivan, ‘My Type’ de Sudan Archives o un tema del álbum de Nick León que acaba de ser Disco de la Semana y que es uno de los mejores discos del verano.
La electrónica está presente en la lista de manera especialmente notable de la mano de Sofia Kourtesis, que en ‘Canela Pura’ entrega uno de sus mayores himnos veraniegos. Ese parece haber sido el propósito de otras grandes producciones estivales de 2025 como ‘End of Summer‘ de Tame Impala, ‘When this is Over‘ de Cut Copy, ‘Dream Night’ de Jamie xx o ‘Kimpton’ de Barry Can’t Swim, todas ellas mezclando ritmo y elegancia sonora.
Aprovechamos también para compartir algunos hallazgos recientes: el dueto de Eden Gray con Cornershop descubierto en los foros, así como los nuevos sencillos de Mt. Joy, Ayra Starr y Jessica Baio.
Sinéad O’Connor será el sujeto de un nuevo biopic, confirma Variety. La película relatará los primeros años de la carrera de O’Connor y su lucha como activista por los derechos de la infancia víctima de abusos por parte de la Iglesia Católica.
O’Connor, uno de los mayores iconos del pop surgidos de Irlanda, falleció en 2023 a los 56 años por causas naturales.
Detrás del proyecto está la productora irlandesa ie: entertainment, responsable de la producción de ‘Nothing Compares’, el documental de 2022 sobre O’Connor que contó con la participación de la cantante. ie:entertaiment se encuentra desarrollando la cinta junto con las productoras Nine Daughters (‘Criaturas de Dios’) y See-Saw Films (‘Slow Horses’).
Según Variety, el biopic de O’Connor ya tiene directora, Josephine Decker, quien estaría trabajando en el film sobre un guion de la escritora irlandesa Stacey Gregg.
En palabras del citado medio, el biopic «explorará la vida temprana de O’Connor y sus comienzos en la industria musical. Buscará contar la historia de cómo una joven de Dublín se enfrentó al mundo, examinando cómo su fama mundial pudo haberse construido sobre su talento, pero su nombre se volvió sinónimo de sus esfuerzos por llamar la atención sobre los crímenes cometidos por la Iglesia Católica y el Estado irlandés».
Maruja es una banda de rock experimental británica formada en Manchester en 2014 conocida por su dinámica fusión de post-punk, jazz rock y noise. Su estilo de jazz-punk ruidoso es emblemático de temas como ‘The Invisible Man’ y el saxofón es protagonista de muchas de sus composiciones, por ejemplo de ‘The Tinker’, donde serpentea a la manera del free-jazz.
El nombre de Maruja -lo has adivinado- proviene de la famosa palabra española. Harry Wilkinson, vocalista de Maruja, cuenta que decidió el nombre del grupo cuando a los 16 años vio esta palabra escrita en el cartel de una «vieja y destartalada» tienda ubicada en un pueblo remoto de España. Ellos no lo pronuncian «maruha» ni lo pretenden.
Maruja, integrado también por Joe Carroll (saxofón, voz), Matt Buonaccorsi (bajo) y Jacob Hayes (batería), se dio a conocer en 2023 con el EP ‘Knocknarea’ y, en 2025, prepara el lanzamiento de su álbum debut, ‘Pain to Power’, que se publica el 12 de septiembre.
El primer avance de ‘Pain to Power’ ha sido el embiste noise-punk de ‘Look Down on Us’, que te gustará si te gusta Girl Band. El segundo, ‘Saoirse’, titulado también con un nombre femenino, esta vez de Irlanda, es la Canción Del Día de hoy.
‘Saoirse’ propone un claro lema: «Son nuestras diferencias las que nos hacen hermosos». Sobre este eslogan, Maruja entrega una rica composición de jazz-punk que alterna episodios de bella calma con otros de puro nervio, entrelazando pasajes de saxofón, cuerdas y guitarras. Si la palabra «Saoirse» significa «libre» en irlandés, esta canción transmite una libertad sin límites.
Quizá era inevitable que surgiera una artista como Ethel Cain. Mitad estrella del pop, mitad terrorista del drone, Ethel Cain es el icono soñado de una generación que ha podido crecer escuchando lo mismo a Lana Del Rey que a Stars of the Lid. Ella forma parte de esa generación -tiene 27 años- pero posee el talento suficiente para radicalmente re-configurar la imagen -y el sonido- de una pop star. En 2025, es más posible que nunca. Y, aún así, Ethel Cain parece totalmente increíble.
Ethel Cain es igualmente un personaje complicado. Sus comentarios políticos han sido provocadores, como cuando sugirió que se volvieran a poner «de moda los asesinatos a presidentes». Sus críticas a la admiración obsesiva de sus seguidores o a lo que llama la «epidemia de la ironía» han generado debate. ‘Perverts‘, el EP de horror drone que publicó en enero, era un claro intento de dibujar una marcada línea entre Ethel Cain la artista y las expectativas de sus fans.
El asunto ha tomado un giro oscuro este año ante la aparición de unos mensajes racistas que Hayden Anedhonia -así se hace llamar la artista detrás del alias Ethel Cain- publicó hace ocho años. Su respuesta, magistral, era la publicación de una carta de más de 2.000 palabras en Google Docs en la que Cain asumía responsabilidades y pedía perdón, pero en la que denunciaba también el ánimo persecutorio de esos supuestos fans que investigan cada uno de sus pasos con intención de calumniarla y hundirla.
En este escenario llega ‘Willoughby Tucker, I’ll Always Love You’, el segundo álbum de Ethel Cain. El álbum funciona como una precuela de ‘Preacher’s Daughter‘ (2022), ambientado alrededor de 1986, cinco años antes de los eventos del álbum anterior, centrándose en el primer amor (destinado al fracaso) de Ethel con el perturbado Willoughby Tucker. A partir de esta historia, Ethel construye un mundo marcado por la tragedia adolescente, el trauma generacional, la adicción o las dificultades mentales, contextualizándolo en eventos históricos como la «Tormenta de Polvo» de los años 30, la guerra de Vietnam o el asedio de Waco de 1993. Todo ello envuelto en la cinematográfica estética «Southern Gothic» que define su obra.
La exploración de las emociones en ‘Willoughby Tucker, I’ll Always Love You’ es profunda, honesta y, a menudo, inusual. ‘Nettles‘, la balada de folk pastoral que ha servido de carta de presentación, explora la «envidia de género», pero también es el dulce recuerdo de un amor idealizado aunque «espinoso». ‘Fuck Me Eyes‘, inspirada vagamente en ‘Bette Davis Eyes’ de Kim Carnes, analiza la «misoginia interiorizada» a través de la mirada atenta a una compañera de instituto que es sexualizada y deshumanizada por sus compañeros. Sus sintetizadores suenan resplandecientes.
Ambos son los marcados singles de un álbum que vuelve a ser épico en extensión y que alterna dos de las facetas conocidas de Ethel Cain, la de escritora de canciones emocionalmente demoledoras, y la de compositora de ambient que crea películas sonoras porque no puede rodarlas en la vida real (todavía).
Ethel logra dar unidad a ‘Willoughby Tucker, I’ll Always Love You’ gracias a su visión cinematográfica y a la extensión panorámica de sus composiciones. ‘Waco, Texas’, probablemente la canción de amor más bella que ha firmado (qué tremendamente bonitos esos «You know I’d do anything for you / You know it’s true, ‘cause I’ve said it to you») es una odisea de 15 minutos que podrían ser el doble. Incluso cuando la duración parece caprichosa, como en ‘Tempest’, que concluye con unos interminables «forevers», el universo del álbum termina absorbiendo.
El conjunto es sorprendentemente cohesivo a pesar de que el repertorio se compone de canciones escritas hace años. ‘Dust Bowl’, la pieza central, en la que Ethel reflexiona sobre la pérdida de su querido Willoughby, un chico traumatizado por la violencia de su padre, veterano de Vietnam, lleva años filtrada en internet en una de sus primeras versiones. En su grabación definitiva, Ethel entrega una escalofriante balada slowcore que ancla el disco como el corazón emocional de toda la obra, un punto de gravedad al que regresan las demás canciones.
Algunas transiciones son espectaculares. El lamento guitarrero ‘Janie’, que abre el álbum de la forma más desnuda, y que recibe su nombre de la mejor amiga de Cain en esta historia, da paso a la instrumental ‘Willoughby’s Theme’ (aquí hasta el título alude a la banda sonora), que, a través de pianos y de un océano de guitarras shoegaze, conduce hacia una especie de naufragio, a un viaje sin retorno a la oscuridad del disco. Y lo mismo se puede decir de la transición entre ‘Radio Towers’ y la devastadora ‘Tempest’, que se extiende hasta los 10 minutos, como una tormenta que nunca acaba… hasta que lo hace.
La acongojante ‘A Knock at the Door’, que flota sobre guitarras acústicas y reverb como una canción de Grouper, vaticina el destino de Ethel Cain cuando declara que «todo aquello que he amado, lo he amado hasta la muerte». Cada oyente dedicará el tiempo que desee a sumergirse en los personajes, los matices y las conexiones -ya sean evidentes o sugeridas- que habitan en las letras y en la propia música del álbum (por ejemplo, los latidos que se oyen en ‘Radio Towers’). Sin embargo, Hayden tiene razón cuando dice que no hace falta conocer todo el «lore» que rodea su obra para disfrutar de estas canciones. Cualquiera al que le funcione un mínimo el corazón -todavía- se sentirá conmovido.
En 2025, Lady Gaga ha hecho de todo. Ha lanzado un nuevo disco, ha celebrado uno de los conciertos más grandes de su carrera en la playa de Copacabana, ha sido aclamada en Coachella… De todo, menos lanzar la canción que interpretó a principios de año en el concierto benéfico FireAid, en Los Ángeles.
‘All I Need Is Time’ es una de las canciones de Lady Gaga que menos suenan a Lady Gaga. «Quería hacer algo esperanzador para vosotros y estaba pensando en mis canciones, y no había nada que me pareciese apropiado», aclaró Gaga, que escribió la canción junto a su prometido Michael Polansky. «Creo que todos necesitamos muchas cosas ahora mismo, pero algo que también necesitamos es tiempo. Tiempo para sanar», concluye Gaga.
Inmediatamente, ‘All I Need Is Time’ recuerda a las composiciones de Paul McCartney, con acordes y giros armónicos muy propios del pop de los 60 y 70. Con un punto menos de melancolía, la vibra es similar a canciones como ‘Let It Be’ o ‘Maybe I’m Amazed’. «Todo lo que necesito es tiempo para curar mis alas rotas, y luego volaré», canta Gaga en el estribillo.
Radiohead acaban de lanzar, por sorpresa, un disco en vivo de las canciones del disco ‘Hail to the Thief. El disco incluye grabaciones que han tenido lugar entre 2003, año de salida del disco, y 2009, al final de la gira de ‘In Rainbows’.
En un comunicado en redes, el grupo explica cómo surgió este inesperado lanzamiento: «En el proceso de pensar cómo construir los arreglos de la producción de teatro de ‘Hail to the Thief’, pedí escuchar algunas grabaciones en directo de las canciones», asegura Yorke en una publicación de Instagram.
«Me sorprendió la energía de la forma en la que tocábamos y me ayudó a encontrar un camino hacia delante. Para nosotros, por aquel entonces, terminar este disco fue particularmente complicado y tenso. Estábamos muy orgullosos de él pero nos dejó con un mal sabor en la boca. Eran tiempos oscuros por muchos motivos», cuenta Yorke, antes de asegurar que ha sido un proceso «muy catártico».
Esta es la primer actividad oficial de la banda británica desde la formación de una nueva sociedad de responsabilidad limitada con el nombre de RHEUK25, lo cual, en el pasado, ha significado la salida de un nuevo disco o una nueva gira.
Si hace unos días hablábamos de que Demi Lovato había seguido los pasos de Charli xcx y Troye Sivan para ‘Fast’, su último single, los vídeos más recientes de su TikTok evidencian que no era todo casualidad. De esta forma, tanto Lovato como Charli se han pegado unos bailes al son del mashup viral de ‘360’ y ‘This Is Me’. Además, la exestrella de Disney Channel se ha reencontrado con sus compañeros de ‘Camp Rock’, los Jonas Brothers.
El audio viral en cuestión junta la voz de Lovato en ‘This Is Me’ con el beat de ‘360’, dando lugsr a una mezcla extraña pero llena de nostalgia. Ambas divas han protagonizado bailes con esta banda sonora en sus cuentas de TikTok, con ambas comentando sobre la publicación de la otra. «Literalmenteeeee», ha escrito Charli. «¡Obsesionada!», ha comentado Demi Lovato.
El productor de ‘Rush’ y el remix de ‘talk talk’ es también la figura detrás del último single de Demi Lovato, por lo que muchos fans están teorizando sobre una posible, pero improbable, colaboración. En otro orden de cosas, Demi Lovato se ha reencontrado con los Jonas Brothers en un concierto en Nueva York y ha revivido junto a Joe Jonas algunas de las canciones más icónicas de ‘Camp Rock’, como son ‘This Is Me’ o ‘Wouldn’t Change a Thing’.
IM NEVER SHUTTING UP ABOUT THIS MY SOUL LEFT MY LITERAL BODY THE JONAS BROTHERS REALLY BROUGHT OUT DEMI LOVATO IN THE YEAR 2025 pic.twitter.com/EVZOENa8xL
Jhayco, cantante puertorriqueño detrás de colaboraciones tan exitosas como ‘DÁKITI’ o ‘Tarot’, ambas junto a Bad Bunny, ha sido arrestado en Miami por posesión de cocaína y marihuana después de un control de tráfico. La declaración jurada del arresto ha sido obtenida por Rolling Stone.
La detención ocurrió alrededor de las 3 de la mañana de este martes, con los agentes parando el vehículo del artista y notando un «fuerte olor» a cannabis que provenía del interior del coche. Entonces, notaron «polvo blanco en los pantalones y en la nariz» del artista. Para más inri, el cantante no pudo entregar un carnet de conducir válido. En sus bolsillos, la policía encontró 2 gramos de cocaína.
Jhayco fue arrestado y encerrado con una finaza de 3.000 dólares, pero los documentos disponibles del caso judicial aclaran que el puertorriqueño fue liberado poco después de lo ocurrido.
A lo largo de la historia, las filtraciones discográficas han supuesto verdaderos dolores de cabeza para los autores de esas obras, véase ‘Vulnicura‘ de Björk, ‘Rebel Heart‘ de Madonna, ‘Depression Cherry‘ de Beach House o ‘Extraordinary Machine’ de Fiona Apple. Algunos discos se han dado a conocer con meses de antelación, provocando su lanzamiento precipitado.
No todas las filtraciones tienen el mismo impacto: algunas pasan inadvertidas por su irrelevancia. Otras, sin embargo, son capaces de hundir carreras. O lo que sea que haya pasado con la de Jai Paul.
La revelación de (casi) toda la información de ‘The Life of a Showgirl’, el nuevo disco de Taylor Swift -aunque no de su contenido musical, por suerte-, está rodeada de misterio. La rumorología señala a varios culpables, principalmente a un grupo de fans mexicanos que supuestamente difundieron imágenes del vinilo el 28 de julio en un chat grupal. Pero también al propio equipo de Taylor: da veracidad a esta conjetura la influencer Brianna Chickenfry, quien dice conocer el mecanismo de este tipo de «leaks» porque ha salido con Zach Bryan. Pues OK.
El caso es extraño, pues las imágenes de la funda del vinilo muestran el tracklist completo (incluyendo una colaboración con Sabrina Carpenter) y fotos del interior y del disco, incluidas las letras, pero no la portada. Según esta información, Swift habría producido todo el álbum junto a Max Martin y Shellback, el mismo equipo con el que creó ‘1989‘ (2014) y ‘Reputation‘ (2017). Es decir, ‘The Life of a Showgirl’ supondría su regreso al pop comercial y de masas. Adiós al folk y a los discos de 80.000 canciones: según el leak, este nuevo álbum cuenta solo con 12 temas. La misma Taylor ha dado veracidad a este rumor compartiendo una playlist que reúne todas sus canciones junto al dúo de productores sueco.
Aún más raro es que las fotos hayan vuelto a circular justo la misma semana en que Taylor iba a aparecer en el podcast New Heights, de Travis y Jason Kelce, la entrevista elegida para anunciar su 12º disco. Tras el suceso, y si bien las imágenes llevarían filtradas más de un mes, Swift y su equipo se habrían visto forzados a precipitar el anuncio y el lanzamiento de los pre-orders cuando no había ni portada ni tracklist confirmados. ¿Cómo puede ser que el problema de las filtraciones afecte incluso a la persona que debería tenerlo todo más controlado?
El podcast se estrena hoy miércoles (en España se puede ver a partir de la 1.00 de la madrugada). Ahí, Taylor ha confirmado que toda la información fugada era verdadera. Hasta entonces, ciertas imágenes que mostraban la edición de vinilo -con Taylor vestida de artista de vodevil- estaban siendo retiradas de internet por violación de derechos de autor. Así queda el tracklist oficial:
1. The Fate of Ophelia
2. Elizabeth Taylor
3. Opalite
4. Father Figure
5. Eldest Daughter
6. Ruin the Friendship
7. Actually Romantic
8. Wi$h Li$t
9. Wood
10. CANCELLED!
11. Honey
12. The Life of a Showgirl (feat. Sabrina Carpenter)
Estas filtraciones pueden producirse por diferentes motivos. Si el disco ya está prensado -y todo indica que el de Taylor Swift saldrá muy pronto, probablemente en septiembre o principios de octubre, ya que el envío de los pre-orders está programado oficialmente para el 23 de octubre- es prácticamente inevitable que se conozca información, no solo sobre su aspecto físico, sino también sobre el contenido musical, ya que deja de estar en un entorno controlado -con candado, como el que figura en la imagen bloqueada de ‘The Life of a Showgirl’- y empieza a pasar por demasiadas manos. Internet, por supuesto, acelera el proceso: una sola copia ripeada puede replicarse en miles de sitios en cuestión de horas.
Estas copias que circulan por internet tienen diversos orígenes. El propio personal técnico que ha trabajado del álbum y que puede conservar copias de seguridad puede filtrarlo, pero el disco puede colarse de mala manera también a través de una copia vendida antes de tiempo en una tienda, o en internet mediante hackeos como, por ejemplo, los que afectaron gravemente a Madonna en 2015, o debido a que las copias originales han sido subidas a una nube sin la debida protección.
La hipótesis de la filtración «desde dentro» también es plausible. A veces, los propios sellos discográficos deciden difundir material, o incluso canciones, en internet para medir la reacción del público, ajustar el lanzamiento si la respuesta es negativa o reactivar el interés de la audiencia cuando el artista lleva tiempo sin novedades. Además, este tipo de leaks generan expectación y conversación en redes, lo que se traduce en engagement y viralidad.
En el caso de Swift -y ya que a los «swifties» son detectives aficionados-, es posible que Republic Records haya querido dirigir la atención mundial hacia el estreno de un podcast que, al fin y al cabo, es deportivo y está dirigido principalmente a un público masculino. La propia Taylor bromea, en el último adelanto de la entrevista, sobre esta circunstancia, afirmando: «Seguro que lo que más quiere ver vuestro público de hombres que practican deporte, es más de mí».
Existía la mínima posibilidad de que las imágenes fueran falsas y que todo este artículo quedase en agua de borrajas esta misma noche, pero era muy improbable, ya que la información era extremadamente detallada y, al menos, el título del disco coincidía con el anunciado por Taylor. Esta noche, Swift. ha confirmado que toda la información fugada era real. Así que, o bien la filtración de ‘The Life of a Showgirl’ es un desliz o ha sido orquestada como una maniobra encubierta de márketing, o alguien odia mucho a Taylor Swift. La única certeza es que la autora de ‘Cruel Summer‘ no necesitaba nada de esto.
Aitana sostiene el número 1 de álbumes en España una semana más con ‘Cuarto azul‘, certificado con un doble Disco de Platino. El top 5 de discos sigue con ‘Debí tirar más fotos‘ de Bad Bunny (5 veces Platino) en el 2, ‘Borondo’ de Beéle en el 3 y ‘Tropicoqueta‘ de Karol G en el 4. Todos ellos mantienen su posición de la semana pasada.
El top 5 se completa con la primera entrada de la semana, ‘Millo Gangster Club’ del portorriqueño Bryant Myers, que entra directo en el número 5. A las puertas del top 10 se queda Danny Ocean, que coloca ‘Babylon Club’ en el puesto 11.
La cantante argentina Emilia firma la siguiente entrada en la lista de álbumes española: su minidisco ‘perfectas‘ debuta en el 32. A pesar de que ‘blackout’ con TINI y Nicki Nicole es Doble Platino en España, el EP está generando menos impacto. Además, no cuenta con edición física.
En el 34 figura Reneé Rapp con ‘Bite Me‘, su segundo álbum. Rapp, como en Estados Unidos y Reino Unido, en España ha vendido sobre todo vinilos, y ‘Bite Me’ aparece nada menos que en el puesto 2 de su tabla específica, solo por detrás de Aitana.
El último par de entradas pertenecen a dos leyendas del rock. Por un lado, Roger Waters coloca su álbum en directo ‘This is Not a Drill – Live from Prague’ en el 46. Por otro, Elvis Presley aparece en el 89 gracias ‘Sunset Boulevard’, la caja que recopila sus grabaciones realizadas entre 1970 y 1975 en el estudio que da título al álbum. Incluye hasta 89 canciones.
Julieta ha conquistado este año a la redacción de JENESAISPOP con ‘L’amor de la teva vida‘, la sentida bachata que ha presentado su debut multinacional, ‘23‘. Meses después del lanzamiento de ese trabajo, Julieta ha estrenado single veraniego.
‘Bikini Rojo’ es la propuesta de Julieta para canción del verano. Aunque su sonido no es exactamente playero, ya que melodía ultrapop, percusiones bombásticas y sintetizadores de estilo EDM-pero-no de ‘Bikini Rojo’ -incluidos violines sintéticos- remiten al pop estadounidense de 2008 y 2009. Pienso en Leona Lewis, OneRepublic, etc. Hasta los «na na nas» del estribillo parecen un guiño a aquella época en que Rihanna iniciaba su camino hacia el reinado pop.
‘Bikini Rojo’ es otro acierto de Julieta, esta vez interpretado en castellano (ni en catalán, ni en una mezcla de ambos idiomas), en su habitual registro sensual y susurrado. Con la «melena al viento» y el bikini desatado, Julieta narra un romance de verano.
Julieta presentó ‘Bikini Rojo’ por primera vez a lo grande, en el concierto inaugural del Metarmofosis Season de Aitana celebrado en el Estadi Olímpic Lluís Companys Barcelona, donde ejerció de telonera, frente a 48.000 personas.
La propia Julieta acaba de anunciar el concierto más importante de su carrera, que tendrá lugar el 13 de febrero de 2026 en el Sant Jordi Club. Las entradas están a la venta.
Depeche Mode ha anunciado el estreno de la película ‘M’, que documenta los tres conciertos de la gira de presentación de ‘Memento Mori‘ celebrados en el Estadio Foro Sol de Ciudad de Mexico entre 2023 y 2024. ‘Depeche Mode: M’ se podrá ver en 2.500 cines de 60 países de todo el mundo a partir del martes 28 de octubre, incluyendo proyecciones especiales en formato IMAX. Las entradas se ponen a la venta el 17 de octubre en la web oficial de la película.
La elección geográfica de ‘Depeche Mode: M’ no es casual, ya que la película dirigida por el cineasta mexicano Fernando Frías explora los paralelismos entre los temas de ‘Memento Mori’, y la profunda conexión con la muerte y la mortalidad en la cultura mexicana». ‘Memento Mori’ era el primer álbum de Depeche Mode producido sin su integrante Andy Fletcher, fallecido en 2022 a los 60 años.
“En esencia, nuestra nueva película M trata sobre la profunda conexión entre la música, la cultura y las personas; y Fernando Frías, quien dirigió y concibió la película, hizo un hermoso trabajo contando esa historia a través de la lente de la cultura mexicana y de nuestros conciertos en Ciudad de México”, ha declarado Dave Gahan en un comunicado.
Cuando se habla de los límites del humor, los debates giran casi siempre en torno a las mismas cuestiones: morales, éticas, culturales… Pero existen también límites conceptuales. En los últimos años, nadie ha explorado esos márgenes con mayor audacia y brillantez que Nathan Fielder. Al igual que John Wilson, Joe Pera, Bo Burnham o Miguel Noguera, Fielder desborda la figura convencional del humorista. Es más bien un filósofo existencialista disfrazado de comediante. Un performer. Un pensador social. Un artista conceptual que se sirve de los códigos de la comedia para proponer nuevas formas de narrar e interpretar el mundo.
Tras la gozosamente inclasificable ‘The Curse’ (¡ese último capítulo!), Fielder regresa a la serie con la que se dio a conocer internacionalmente hace tres años. En esta nueva entrega de ‘Los ensayos’ (HBO), el comediante canadiense alcanza un grado de sofisticación narrativa y conceptual asombroso. Si la propuesta de la primera temporada ya era de una ambición extraordinaria -nada menos que ensayar la vida (para sufrir menos)-, lo de esta segunda ya no sé ni cómo calificarlo. Sin revelar nada, el límite al que ha llegado el propio Fielder en este nuevo experimento es simplemente increíble.
Fielder aborda la comedia desde una sensibilidad metamoderna. No se limita a guiñar el ojo al espectador o a incomodarlo desde una distancia irónica, escéptica y autorreflexiva, como han venido haciendo muchos de sus colegas desde que se popularizó lo que aquí se llamó posthumor (atención al demencial tercer capítulo). Fielder, además, te mira a los ojos mientras te pone las manos delicadamente en los hombros. La segunda temporada de ‘Los ensayos’ muestra una sorprendente voluntad de servicio: mejorar la comunicación entre los pilotos y copilotos para aumentar la seguridad aérea y reducir el número de accidentes. Sin cinismos ni nihilismos.
Para conseguirlo, el cineasta no solo lleva el concepto de empatía casi hasta su literalidad para comprender mejor a los pilotos, sino que además recrea una terminal de aeropuerto, utiliza un simulador de vuelo e incluso crea un talent show musical falso para medir la capacidad emocional de estos. Todo ello con la ambigüedad que le caracteriza: ¿qué es real y qué es ficción? ¿Cuánto está planificado, “ensayado” por el ultracontrolador Fielder, y cuánto es producto de esos ensayos? Teniendo en cuenta el asombroso e hiperrealista giro final de la serie, cualquiera sabe. La única certeza de ‘Los ensayos’ es su extraordinaria calidad: una obra maestra de la televisión reciente. ¿A dónde puede llegar en una hipotética tercera temporada?
Con algo de retraso debido a las vacaciones estivales, llega el nuevo top 40 de JNSP. rusowsky mantiene el top 1 tras arrasar con el 54% de los votos en la final de las Stories de Instagram: definitivamente ‘malibu’ parece la Canción del verano para nuestros lectores, como venimos comentando semanas. Ningún otro tema se le acerca en votos. En 2º lugar esta semana continúan Tame Impala con el 35% de los votos. A gran distancia, otras propuestas.
Entre las novedades de la semana, Jamie xx, Mariah Carey, Amaarae, Lola Young, Barry B y Animal Collective.
Florence + The Machine están preparados para lanzar nueva música. Así lo han adelantado durante los últimos días, con mensajes crípticos, un nuevo diseño de su página web y un teaser en el que la banda liderada por Florence Welch apunta a una inmersión en el folk horror.
El breve clip, subido ayer a la cuenta de Instagram de la artista, muestra a esta haciendo un agujero en el suelo de forma frenética solo para mostrarnos un primer plano de su rostro gritando desesperadamente a la cámara. ‘Dance Fever’, el último disco de la banda, ya tenía elementos que podían recordar al folk horror de ‘Midsommar’ o ‘La Bruja’, pero parece que el próximo LP se centrará más en este aspecto.
El nuevo diseño de la página web del grupo, así como del logo de la banda, también apunta en esta dirección. Con una fotografía del campo de fondo, el nuevo logo parece sacado de algún ritual milenario, con los ciclos de la luna referenciados en él.
Por último, en una sería de fotografías subidas a redes, la cantante también ha apuntado a una colaboración con el guitarrista de IDLES, Mark Bowen. En estas, se puede echar un vistazo a su cuaderno personal, en el que se enumeran algunos temas que parecen estar relacionados con el próximo disco de Florence + The Machine: «Brujería», «Folk horror», «Magia», «Locura»… Además, una foto incluye una posible pista del sonido del disco: «Swans vs. Adele».
‘Golden’, del grupo HUNTR/X, conocido por la película de Netflix ‘KPop Demon Hunters’, ha alcanzado el número 1 del Billboard Hot 100. Al conseguirlo, ha destronado la canción ‘Ordinary’ de Alex Warren, que había estado en el codiciado puesto durante 9 semanas no consecutivas. Además, como el fenómeno que es, ha roto tres grandísimos récords.
Se trata de la primera vez en la historia que un grupo femenino de K-Pop alcanza el primer puesto del Hot 100, aunque parezca mentira. El primer grupo en conseguirlo fue BTS en 2020, al llegar a la cima con ‘Dynamite’. La curiosidad es que HUNTR/X ni siquiera es un grupo real, sino uno creado exclusivamente para la película. Eso sí, con integrantes de carne y hueso.
Esto también hace que HUNTR/X sea el primer grupo de chicas con un número 1 desde Destiny’s Child con ‘Bootylicious’ en 2001. Por último, ‘Golden’ es la segunda canción de una película animada en llegar al número 1 durante esta década. Como no podía ser de otra forma, el tema también ocupa el número 1 del Top 50 Global de Spotify.
El grupo ficticio formado por Rumi (voz cantada de EJAE), Mira (voz cantada de Audrey Nuna) y Zoey (voz de Rei Ami) no ha tenido el mismo éxito en España, donde ocupa el número 45 de la lista de singles. Por otro lado, el disco ‘KPOP DEMON HUNTERS’ sí está asentado en el número 10 de la lista de disco de Promusicae.
Musicalmente, Ed Sheeran lleva ya bastante tiempo de capa caída. En ‘A Little More’, el artista británico entrega una canción divertida, burlona y sin pretensiones que además es todo un regreso a sus inicios: videoclip con Rupert Grint a lo ‘Lego House’, estribillo pegadizo a más no poder y verso de rap incluido. Por eso, es la Canción del Día.
«He lanzado tres discos sin rapear y los fans querían que mi yo del 2011 volviese», ha escrito Sheeran en un post de Instagram. Así nace ‘A Little More’, una de las canciones más ácidas de la carrera del artista. De hecho, es tan mordaz como buenrollera: «Te solía querer, pero ahora te odio un poquito más cada día», canta en el estribillo.
«Tengo que cerrar la puerta con llave, a la mierda lo de construir puentes / Coge tus disculpas y tíralas a la basura», rapea Sheeran. En la vena de canciones como ‘Fuck You’ de CeeLo Green o ‘Roses’ de Outkast, ‘A Little More’ tiene momentos de dejar caer el micro al suelo: «Un día, todos estaremos muertos / Pero desde ahora hasta entonces / No te quiero ver nunca más».
El videoclip es tanto el reencuentro con el actor Rupert Grint después del vídeo de ‘Lego House’ como la segunda parte de aquel, lanzado hace 14 años. De esta forma, el personaje de Grint está intentando desintoxicarse de la obsesión que tenía con Sheeran en ‘Lego House’, viéndolo en cada rincón al que se dirige. Por ejemplo, en el altar. ‘A Little More’ es el cuarto single de ‘Play’, disponible el próximo 12 de septiembre.
Katy Perry finalmente ha recibido una multa por la grabación del vídeo de ‘Lifetimes’ en la zona de S’Espalmador, en las Islas Baleares. La Conselleria de Medio Natural del Govern Balear comenzó una investigación en agosto de 2024 para esclarecer si el rodaje había sido perjudicial para el medio ambiente y esta ha llegado a su fin con una multa de 5.000 euros.
En el videoclip de ‘Lifetimes’, Perry se daba una vuelta por las calas y clubes de Ibiza y Formentera principalmente, pero también incluía algunas escenas en las dunas protegidas de S’Espalmador, una de las zonas de mayor valor ecológico de la isla. El enclave está protegido y desde la Consejería aseguraron que la productora del videoclip no había solicitado la autorización adecuada.
Ahora, ha salido a la luz que la multa final ha llegado a los 5.000 euros y que ya ha sido abonada por el equipo de la artista. No habrá sanciones adicionales. Las autoridades han comunicado que, aunque la ofensa ha sido «seria», no existen evidencias de daños importantes o duraderos.
En su momento, Capital Records respondió a la noticia de la investigación del vídeo aclarando que el permiso no se había aprobado en el momento de la grabación, pero sí que contaban con «autorización verbal para seguir adelante con el rodaje».
Es oficial. El próximo disco de Taylor Swift se titula ‘The Life of a Showgirl’ y, aunque todavía no tiene fecha de salida oficial, ya está disponible para reservar en su página web oficial. La portada tampoco ha sido revelada.
Este miércoles, con su aparición en el podcast de su pareja, Travis Kelce, es posible que ya se resuelvan muchas de estas incógnitas. En el clip promocional es donde se ha revelado el título del disco, con Taylor enseñando un maletín con las letras «TS» escritas en naranja y la portada borrosa: «Este es mi nuevo disco, ‘The Life of a Showgirl'».
A la vez, Taylor ha dado pistas sobre el posible sonido del disco a través de una playlist que apunta a que estará producido por Max Martin y Shellback, colaboradores en los mayores hits de la carrera de Swift. «And, baby, that’s show business for you» se titula la lista de reproducción e incluye 22 canciones de los álbumes anteriores de Taylor. Todas ellas, producidas por Martin y Shellback: ‘Shake It Off’, ‘We Are Never Ever Getting Back Together’…
Al mismo tiempo que ‘august‘ ha vuelto a la lista global de Spotify, como cada agosto desde hace un lustro, el equipo de redes sociales de Taylor Swift, TaylorNation, ha empezado a jugar a las adivinanzas con los seguidores de la cantante, quienes están convencidos de que Taylor está a punto de anunciar su regreso a la música.
La pista principal, la que ha desatado la locura, es una publicación de TaylorNation en Instagram compuesta por 12 fotos de Taylor Swift vistiendo naranja. La publicación aparece acompañada del mensaje «os veo en la siguiente era», la cual parece una pista evidente. Para colmo, Republic Records, sello de Swift, ha dado que «like» al post de TaylorNation y comentado un emoji fogoso.
Las sospechas han aumentado cuando, casualmente «12 minutos después», Travis y Jason Kelce han publicado un misterioso avance de su próximo podcast, que se estrena el miércoles 13 de agosto. Como sabéis, Travis Kelce es pareja de Taylor Swift. En el avance, ambos aparecen frente a un fondo naranja y Jason luce una camiseta de ‘Midnights‘ (2022). En medio de ambos figura una silueta opacada que parece ser la de Taylor. El usuario de X y fan de Taylor Swift @LuisSwiftie_ parece haber dado con la foto concreta.
Si todas estas pistas no parecen suficiente, conviene recordar que el portal HITS Daily Double ya dio pistas sobre un posible regreso de Swift hace días, nombrándola entre la lista de artistas que sacarán nueva música próximamente, junto a Sabrina Carpenter o Drake. El pasado 28 de julio, la misma web reprodujo una información del tabloide británico The Sun sobre el rodaje de un nuevo videoclip en Los Ángeles, tan secreto que el equipo técnico no había podido oír la canción, «solo el beat».
Estos indicios apuntaban al lanzamiento del próximo proyecto de Taylor Swift, el primero desde ‘The Tortured Poets Department‘ (2024). También será el primero desde que recuperara sus másters el pasado mes de junio.
‘Superestar‘ ha contado la historia de Yurena desde un enfoque surrealista, a menudo absurdo pero, también, profundo, pero dejando ciertas dudas en torno a la propia discografía de María del Mar Cuena. Una discografía que, en realidad, se compone irónicamente de más discos inéditos que editados. ¿Pero cuántos álbumes tiene realmente la artista antes conocida como Yurena?
La respuesta directa es uno, ‘Superestar‘. Publicado 2001, es el único disco de Tamara que llega físicamente a las tiendas, aunque es retirado una semana después por problemas legales. Como recuerda el usuario Tannhauser en los foros de JENESAISPOP, la imagen de Tamara en la época era tan nefasta, a raíz de su presencia mediática, que los centros comerciales se negaban a venderlo.
La respuesta amplia, sin embargo, es más compleja. Wikipedia lista hasta cinco elepés de Yurena publicados entre 1991 y 2016. El último, ‘Around the World‘, constatamos que existe, pues incluso es reseñado en JENESAISPOP, aunque realmente se trata de una complicación de singles y no de un álbum como tal. ‘Around the World’ se compone de 12 cortes y está disponible en plataformas de streaming. En realidad, la etapa de Yurena inicia en 2005 con el lanzamiento del maxi single ‘Vuelvo’, un luminoso pop disco que podría haber entonado La Casa Azul. Incluía la cara b ‘Papel Couché’.
Al margen de ‘Versiones’ (1991), una maqueta de covers que la de Santurce graba al inicio de su carrera, realmente hay que hablar de dos importantes discos inéditos, ‘A por ti’ (1993) y ‘Planeta Tamara’ (2001).
‘A por ti’ se puede considerar el álbum debut de la artista antes conocida como Tamara. De sonido tecnopop, el disco de 10 pistas incluye la versión original de ‘A por ti’, una de las canciones adaptadas en la serie de Nacho Vigalondo. ‘A por ti’, el album, es grabado en un estudio de Portugalete, pero nunca se llega a publicar y, aunque se desconoce la autoría de las letras, el usuario de Youtube Robomilio cree que pertenecen «a los desaparecidos grupos 16 Válvulas y Sueños Virtuales». ‘A por ti’ es un álbum financiado por Yurena y su familia y podría ser reeditado, ya que, al parecer, Yurena posee los másters de las canciones. Yurena llega a presentar ‘A por ti’ en la televisión vasca en el año 1995.
Conviene aclarar que la portada de ‘A por ti’ usada en Youtube no es real, ya que pertenece a una sesión de fotos posterior que Yurena realiza para la revista ‘Zero’, durante el apogeo del «tamarismo», como señala el mismo usuario Tannhauser en nuestros foros. En un comentario de Instagram, Yurena ha indicado que se está «informando» para estudiar una posible edición de este debut que, por ahora, es posible escuchar solo en Youtube de manera no oficial.
La historia de ‘Planeta Tamara’ es particularmente extraña, ya que es un disco que Yurena graba «en secreto» antes de ‘Superestar’, en el mismo año, cuando ya había apalabrado la grabación de ‘Superestar’ con un sello diferente, Superego. En una entrevista con El Mundo de 2001, Yurena habla de sus problemas de discográficas, explicando que había sido víctima de intereses de terceros y -posiblemente- de su inexperencia en la industria: «A veces hay personas que te embaucan, que te confunden en el momento… Empezaron a contarme pestes de mi compañía, que yo nunca he tenido problemas con ella». Yurena contaba que alguien le sugirió que debía trabajar con una multinacional y que aceptó cambiar de proyecto por desilusiones, pero que pronto «cayó del árbol» y decidió volver al inicio, teniéndose que aprender las canciones de ‘Superestar’ «a todo correr» para grabarlas en ocho días.
‘Mi novio y tú’, supuestamente el primer adelanto de ‘Planeta Tamara’, se llega a promocionar brevemente en ‘Crónicas marcianas’, como recuerda Tannhauser, pero después Tamara retoma la grabación de ‘Superestar’ y el lanzamiento de ‘Planeta Tamara’ queda cancelado. Sin embargo, no está claro que el disco se llegue a completar. Ciertas versiones de ‘Planeta Tamara’ están disponibles en internet, pero algunas incluyen dos canciones grabadas posteriormente, ‘Rumbo a Río’ y ‘No te puedo querer’. En la misma entrevista citada antes, cuando El Mundo pregunta a Yurena por su disco «apócrifo», esta contesta que «hay unos cuantos temas grabados, nada que ver con los de (‘Superestar’). Pero nunca van a salir, se quedarán para simiente de nabos». Se desconoce quién posee los derechos de las canciones y grabaciones de ‘Planeta Tamara’, pero parece que Yurena no. Su reedición es muy improbable. Y esta portada que veis, claro, también es «fake».
Desde el estreno de ‘Superestar’, la serie, el público no ha dejado de demandar a Yurena en Instagram que reedite ‘Superestar’, el disco, en CD y vinilo, y que tanto ‘Superestar’ como ‘A por ti’ estén disponibles en streaming (sí lo están los singles de 2001 ‘No cambié’ y la versión de ese año de ‘A por ti’). Yurena ha contestado a estas peticiones con emojis de corazones, así que, como mínimo, es consciente de la demanda y, probablemente, se encuentra trabajando en algún tipo de recuperación de estos trabajos. Como mínimo, un relanzamiento de ‘Superestar’ parece inevitable. «Una posible reedición se agotaría en horas. No sé a qué están esperando…», escribe el usuario SANGIL en JENESAISPOP. «Aunque me cuentan por el pinganillo que ya está en marcha el proyecto».
En el repaso de la discografía de Yurena habría que añadir también su catálogo de CD singles y maxi singles publicados, incluyendo ‘Yo soy así‘, de 2003, el último single que María del Mar publica con el nombre de Tamara. En 2005 -repetimos- nace Yurena (no se conoce material musical firmado con el nombre de Ámbar), y en 2012 Yurena empieza a dar a conocer las grabaciones de EDM que terminan formando parte de ‘Around the World’. En los últimos años, la bilbaína no ha dejado de lanzar material nuevo, como su versión de ‘Ese hombre’ con Papa Topo (2018), ‘Irresponsable’ con Terry Colls y Vicky Larraz o ‘Maybe’, su lanzamiento más reciente, estos dos últimos de 2021.
Madonna ha condenado la muerte continuada de niños en Gaza y ha pedido que se levante el bloqueo humanitario de Israel en la franja «antes de que sea demasiado tarde» en un post de Instagram publicado esta tarde: «Necesitamos que el corredor humanitario se abra del todo para salvar a esos niños inocentes», escribe la artista.
Madonna ha elegido el cumpleaños de su hijo Rocco para pedir el fin del bloqueo, que ha condenado a miles de niños y civiles a la hambruna y a la muerte. «Como madre, no puedo soportar el sufrimiento de todos esos niños. Los niños del mundo son de todos», lamenta. En la publicación, Madonna pide al Papa que «brinde su luz a los niños de Gaza» y consiga abrir el canal humanitario, ya que «él es el único al que no pueden negar la entrada».
En el mismo mensaje, Madonna expresa su negativa a «señalar con el dedo, culpar o elegir un bando», ya que «todo el mundo está sufriendo», y añade que «solo intento hacer lo que puedo para salvar a esos niños de morir de hambre».
Esta misma semana, U2 ha compartido un comunicado en su página web condenando el bloqueo de ayuda humanitaria de Israel en la Franja de Gaza y los planes anunciados por Benjamin Netanyahu de anexionarse el territorio. Tanto U2 como cada integrante de la banda irlandesa por separado -Bono, Clayton, The Edge y Mullen Jr- firma un texto aclarando su posición en el conflicto.
Todos ellos se solidarizan con Palestina y condenan la violencia perpetrada tanto por Israel como por el grupo palestino islamista Hamás, que gobierna la Franja de Gaza, aunque solo The Edge habla de «limpieza étnica» y «genocidio» para referirse a la invasión militar israelí.
Bono, que compara los ataques del 7 de octubre con el atentado terrorista de 2015 en el teatro Bataclan de París, condena al exlíder de Hamás, Yahya Sinwar, pero señala que «Hamás no es el pueblo palestino», un pueblo «durante décadas ha soportado y sigue soportando marginación, opresión, ocupación y el robo sistemático de las tierras que les pertenecen legítimamente”
Bono, por otro lado, acusa a Hamás e Israel de usar el hambre como arma de guerra, pero aclara que «el Gobierno de Israel liderado por Benjamin Netanyahu merece nuestra condena categórica e inequívoca». Además, defiende la solución de los dos estados y pide a la población israelí que exija la apertura del corredor humanitario.
Damon Albarn, Primal Scream y Sam Fender apoyan a Palestina
U2 no es el único artista que se ha pronunciado sobre Palestina en los últimos días. Damon Albarn, líder de Gorillaz y Blur, ha explicado su postura a raíz de su participación en el concierto solidario Together for Palestine, organizado por Brian Eno. Albarn reconoce que su enfoque es «pluralista», pero que «eso es problemático para los palestinos, y estoy con los palestinos». Albarn señala la importancia de «no negar la legitimidad de Palestina, de no negar la presencia histórica de los palestinos y de reconocer el genocidio que está ocurriendo allí. No podemos negarles a los palestinos su existencia, que es lo que está sucediendo en este momento».
Por otro lado, Primal Scream ha expresado su apoyo al cantante Peter Perrett, de la banda de punk The Only Ones, después de su arresto en Londres durante una manifestación a favor de Palestina. La manifestación ha sido organizada por el grupo de campaña Defend Our Juries y ha contado con el respaldo de Palestine Action organización de acción directa proscrita como grupo terrorista por el gobierno del Reino Unido. Por este motivo, la manifestación se saldó con 532 detenidos, entre ellos Perrett, según The Guardian.
«Muy orgullosos de nuestro querido amigo Peter Perrett por ser una de las 474 personas detenidas ayer en Parliament Square durante una manifestación contra el genocidio en Gaza y contra la decisión del débil y poco imaginativo gobierno laborista de Keir Starmer de proscribir al grupo de protesta no violenta Palestine Action como una “organización terrorista”», ha comentado Primal Scream. «Entre los arrestados bajo esta absurda y represiva ley también había un hombre ciego en silla de ruedas, una anciana de más de 90 años, médicos, enfermeras, arquitectos y una sacerdotisa».
Desde España nombres como Leire Martínez, Bad Gyal o recientemente Nil Moliner han expresado su apoyo a Palestina y su condena del genocidio a través de sus redes o conciertos.
En los últimos días, también, la activista sueca Greta Thunberg ha intervenido en un concierto del cantante británico Sam Fender en Copenhague, junto a otros activistas, para apoyar a Palestina y condenar el comercio de armas entre Dinamarca e Israel. Thunberg y el resto de activistas aparecieron en la canción final, ‘Hypersonic Missiles’. Thunberg ha aparecido recientemente en otros conciertos de Fontaines D.C. y Geordie Greep.
Por su parte, la cantante noruega AURORA, conocida por su defensa de la libertad de Palestina, ha difundido en sus stories el proyecto Flotilla Sumud, que busca romper el bloqueo de Gaza llevando ayuda humanitaria en barcos tripulados por personas de 44 países. El 31 de agosto, decenas de embarcaciones partirán desde España rumbo a Gaza, aunque aún se desconoce desde qué puertos. El 4 de septiembre, otra flotilla zarpará desde Túnez y otros puertos. La reciente Flotilla de la Libertad, embarcada por Greta Thunberg y otros activistas, fue interceptada por el ejército israelí a pesar de su legalidad. Los tripulantes, entre ellos el español Sergio Toribio, fueron detenidos brevemente antes de ser liberados.
Rels B es uno de los artista españoles más escuchados a nivel global, pero nunca ninguno de sus singles había sido número 1 en España. Hasta hoy: ‘Tu vas sin (Fav)‘, su actual éxito, sube del 2 al 1, gracias a su fuerza en streaming.
El mérito de Rels B es doble, ya que no solo se anota un single número 1 en España, sino que lo logra completamente en solitario. Hasta ahora, sus mayores éxitos en Promusicae han sido principalmente colaboraciones con Quevedo (‘Los día contados’, top 5), Lia Kali (‘La vida sin ti’, top 7), RVFV (‘Mi luz’, top 9) o Aitana (‘miamor’, top 9). En solitario, ‘cómo dormiste?’ había llegado alcanzado la 8ª posición.
‘Tu vas sin (fav)’ debutó en el puesto 65 de la lista de singles española, siendo solo el tercer tema más reproducido de su mixtape en su primera semana. Sin embargo, no ha parado de escalar posiciones durante el verano y, gracias a su viralidad en TikTok, incluso ha llegado a ascender al top 1 de Spotify España. Ahora, su éxito se traspasa a la lista oficial.
Por otro lado, el top 5 de Singles España luce tomado por el colombiano Beéle, quien figura en ‘Yo y tú’ de Ovy and the Drums con Quevedo, en el puesto 3; coloca su single en solitario ‘No tiene sentido’ en el 4, e irrumpe en el top 5 con ‘Si te pillara’.
Entre las entradas interesantes de la semana destaca la de ‘The Subway‘ de Chappell Roan, que en España abre en un discreto puesto 94. Nada que ver con el número 1 que acaba de anotarse en Reino Unido o con sus buenas posiciones en el resto de países anglosajones (2 en Irlanda, 3 en Nueva Zelanda, 4 en Australia). Sin embargo, el debut de ‘The Subway’ ha sido modesto en la mayoría de países, especialmente en territorios como Alemania (63) o Francia (120).
En realidad, la entrada más fuerte de la semana la ocupa ‘Duro Ma’ de Bryant Myers, Dei V y Saiko. ‘Hiekka’ de Nicky Jam y Beéle, reciente top 1 en Spotify España, claramente ha resurgido y esta semana sube del 25 al 11, tras haber llegado al 10 hace semanas.
Las dos entradas que quedan por comentar también son urbanas. Por un lado, Rauw Alejandro coloca ‘Buenos términos’ en el número 59. Por otro, en un tímido puesto 96 aparece por primera vez el remix de ‘Ba Ba Bad’ de Kybba, Sean Paul, Ryan Castro y Busy Signal.
Dice Amaarae que su alma no descansará hasta «crear un proyecto que resuene enormemente de manera global». Y añade que «la última frontera» en su carrera es «marcarse un éxito tanto comercial como de crítica». ‘Black Star’, su tercer disco, debería ser ese pelotazo en listas que tanto anhela, aunque, de momento, ninguno de sus sencillos ha irrumpido en listas o generado algún tipo de impacto.
Y no es porque no sean potentes. ‘S.M.O.‘, el lujurioso primer adelanto (sus siglas esconden la expresión «slut me out», algo así como «hazme zorrear»), es una innovadora fusión de highlife ghanés y Detroit tecno que debería sonar en las discotecas de todo el mundo. Y ‘Girlie Pop‘ hace «pop pop pop» como la más refrescante limonada, llevando su ritmo de funk brasileño al futuro.
El futurismo forma parte intrínseca de la propuesta musical de Amaarae, y en ‘Black Star’ particularmente. Aunque la autora de ‘Fountain Baby‘ (2023) no olvida de dónde viene -ahí está la portada, donde posa frente a la bandera de Ghana- ni a quienes le preceden. ‘Black Star’, cuyo título es polisémico (Amaarae es una estrella negra, pero estrella negra también es el símbolo nacional de Ghana), es un disco de club que, como ‘Renaissance‘ (2022) de Beyoncé, utiliza la música de baile para imaginar un pop más global, consciente y liberador, que ponga la música africana en el lugar que merece, en toda su amplitud y diversidad.
No solo las percusiones de funk brasileño de ‘Stuck Up’ o los puñetazos digitales de ‘Dove Cameron’ recuerdan el origen africano de este estilo musical. ‘100DRUM’, por ejemplo, anima la fiesta construyéndose sobre un cántico en akan, un idioma ghanés. Y los ritmos del «asorkpor» ghanés se cuelan en ‘MS60’, otra de esas canciones opulentas de Amaarae que presumen de dinero y marcas, ahora con la participación de Naomi Campbell proclamándose la «estrella negra» por antonomasia. Le pegadiza ‘Fineshyt’ es representativa del álbum por su brillante fusión de afrobeat, house y tecno afilado.
Ciertas producciones son especialmente creativas, como ‘Kiss Me Thru the Phone Pt 2’, una composición creada junto a PinkPantheress que no solo interpola ‘The Aisle’ de la propia pantera rosa, sino que tiene la imaginación de samplear la pionera ‘Já é Sensação’ (2000) de Furacão 2000. El sample de ‘Believe’ de Cher en ‘She is My Drug’, que altera su estribillo por «Do you believe in life after drugs», está genialmente incorporado al paisaje sonoro del disco y nunca suena oportunista o forzado. La ligona ‘B2B’ es una de las más ambiciosas: irguiéndose sobre un beat de deep house veraniego, de repente es interrumpida por una guitarra acústica sampleada de ‘Best You Had’ (2019) de Don Toliver. La canción, entonces, se reconstruye desde ahí, ayudada por lujosas cuerdas.
Algo que no haría Beyoncé es trufar su disco de continuas referencias a las drogas, pero Amaarae presume de ellas en ‘Black Star’, particularmente en el ghettotech de ‘Starkilla‘, una espectacular coproducción de El Guincho que cuenta con la colaboración de la rapera británica Bree Runway. Aunque Runway aclara -de manera bastante cómica- al final de la canción que ella no es nada de eso, gracias a ‘Starkilla’ para siempre estará vinculada a un estribillo que repite «ketamine, coke and molly» como un mantra. La droga es un elemento más dentro del mundo entregado a la noche de ‘Black Star’ y, en ‘100DRUM’, Amaarae directamente se retrata «haciendo rayas más dulces que todos mis amantes».
Las menciones a las drogas responden coherentemente a la imagen artística de Amaarae, construida en torno a la figura de una mujer rica -muy rica- y poderosa que, en ‘Black Star’, ofrece un reflejo de la fiesta en toda su dimensión. Sin embargo, ‘Black Star’ evidencia, en cortes como el final ‘Free the Youth’, que su propósito va más allá de ofrecer una experiencia hedonista. Con ‘Black Star’, Amaarae no solo se libera de géneros, sino que se globaliza y ayuda a reconfigurar la imagen del pop actual. Ella es una pionera y está en su mejor momento.
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