El pasado noviembre se celebraba en Benidorm la primera edición de Visor Fest, un evento musical que pretendía desmarcarse de la competencia apostando por nombres que quizá no sean esos de moda que todo el mundo espera ver (y que se encontrará en otros festivales) pero que siguen manteniendo su vigencia y, sobre todo, han influido drásticamente en el pop actual. Así, su edición 2018 estaba encabezada por nombres como Saint Etienne, The Flaming Lips, Ride, The Jesus & Mary Chain o Cat Power. Semanas atrás se confirmaba una 2ª edición del festival, de nuevo en la ciudad alicantina pero esta vez adelantándose a los días 13 y 14 de septiembre. Lo que sí se mantendría es “la filosofía de los 80 y 90 por bandera”.
Y reafirmando esa sentencia, se acaban de anunciar los dos primeros nombres confirmados para Visor Fest 2019: se trata de The Church, abanderados del post-punk australiano –aunque en un perfil más romántico y electroacústico– que lograron un considerable éxito internacional con álbumes cruciales en la época como ‘Of Skins and Heart’ (su debut), ‘The Blurred Crusade’ o ‘Starfish’ –conmemoran 30 años de su lanzamiento, de hecho– y canciones como ‘The Unguarded Moment’, ‘Almost With You’ y ‘Under The Milky Way’, su gran éxito. The Church, con Steve Kilbey y Peter Koppes siempre a la cabeza, se ha mantenido activo a lo largo de estas décadas y su último trabajo, ‘man woman life death infinity’, data de 2017.
El segundo grupo anunciado es New Model Army, con una carrera análoga a la de sus ahora compañeros de cartel: emergieron en la segunda mitad de los 80 con discos como ‘The Ghost of Cain’ o ‘Thunder and Consolation’, aunque en su caso su mayor eclosión llegó en los primeros 90. Los británicos, siempre con Justin Sullivan al frente, han seguido defendiendo incansablemente su propuesta de folk-rock-punk con algún giro metalero ocasional hasta la actualidad. De hecho, para cuando se celebre Visor Fest puede que ya hayan publicado el nuevo álbum en el que trabajan.
Tiene narices que el mayor pelotazo de Weezer en muchos años sea poco menos que una broma privada que se fue de las manos. Su versión de ‘Africa’ en un concierto se hizo tan viral que decidieron publicarla como single oficial y ¡BUM! Éxito de ventas y de popularidad (que a veces no van de la mano). Así que, caracterizados no sólo por ser prolíficos sino también por ser listos, el grupo liderado por Rivers Cuomo se ha sacado de la manga y por sorpresa todo un álbum de versiones de temas míticos, dignos de poner patas arribas un karaoke o una verbena. Las Chillers llegaron antes, pero los yanquis tienen detrás más maquinaria promocional…
El disco, titulado ‘The Teal Album‘, ya está disponible en plataformas digitales y contiene versiones bastante fieles a las originales –más guitarreras, casi siempre– de, aparte del tema de Toto antes citado, los hits que estás imaginando de Eurhythmics, A-Ha, Tears for Fears, Black Sabbath, TLC o Michael Jackson, entre otros.
Esto no quita que Weezer no estén a punto de publicar otro nuevo disco, el «black album» de su carrera –siguiendo con su costumbre de marcar cada etapa con un color–. El pasado mes de octubre lanzaron su primer single, ‘Can’t Knock the Hustle’, de pegajoso estribillo. Suponemos que para cuando visiten el Bilbao BBK Live 2019, donde fueron los primeros confirmados (compartirán cartel con The Strokes, Rosalía o Thom Yorke), ya estará en la calle. Si no, la fiesta está asegurada si tiran de ‘The Teal Album’.
Sin duda este 2019 pasará a la historia del pop español por la publicación (que no regreso, ojo) de nuevas canciones de Los Nikis, 20 años después de su último álbum oficial, ‘Más de lo mismo’ (1998). El mítico grupo del punk pop madrileño, reivindicado por el underground de todas las generaciones posteriores (lo cual incluye la actual: recientemente, Joaquín González se subía al escenario con Carolina Durante en Madrid), publica el próximo 1 de febrero en el sello independiente Sonido Muchacho ‘Menos de lo mismo Vol. 1’, un EP con cuatro canciones cuyo título engaña… porque no han cambiado en absoluto.
Y es que, como ya mostraba ‘Me confunden con un hipster‘, Los Nikis de 2019 sólo distan de los de sus temas más míticos en que sus letras incorporan temas vigentes. Así, tras ese ácido himno en el que un señor es tan antiguo, retro y descuidado que le confunden con moderno, ahora nos traen uno de esos dramas que sin duda será familiar a aquellos que pertenezcan a uno o varios grupos de Whatsapp padres de alumnos. En ‘La madre de Jimena’ no hablan de una MILF, como hicieron El Canto del Loco (otros herederos, a su manera, de su espíritu), sino de un conflicto entre dos niños en el cole que se extiende a sus progenitores.
Desternillantes y hábiles, los versos de Joaquín Rodríguez –compositor en solitario del tema en cuestión y productor de todo el EP– nos cuentan el «conflicto internacional» desatado cuando la madre de la niña se sale del grupo. El nivel de absurdez del drama va escalando, sin que «los del AMPA» puedan poner paz, hasta que utilizan como armas sus 4X4, los padres se pegan con sus palos de golf y todo acaba como «Vietnam». Como suele ocurrir en las pegadizas canciones de Los Nikis –y esta no es ni mucho menos la excepción–, tras ese tono jocoso subyacen el clasismo de los protagonistas y el tipo de educación superprotector de muchos padres que crean pequeños tiranos que siempre tienen la razón.
Los Nikis no quieren llamar a este regreso como, precisamente, «un regreso», puesto que no supone (ni se plantean) una vuelta a los escenarios para presentar estas canciones. Porque no quieren «convertirse en uno de esos grupos auto-tributos que están vagando 30 años después», dice la nota de prensa. «Vuelven solo para regalarnos unas canciones que solo ellos podrían haber escrito, que llevan su marca: frescas, directas, y con la misma mala baba que siempre». Pues son igualmente bienvenidas.
¿Añoras ya ‘La hora musa‘? Semanas después de que finalizara la primera temporada del programa que marcaba el regreso de la música en directo al prime-time televisivo, La 2 de RTVE ha anunciado un nuevo espacio musical, no exactamente dedicado a las actuaciones aunque sí incluirá algunas. Se trata de ‘Un país para escucharlo‘, una «road movie» musical –el tráiler verdaderamente muestra una calidad cinematográfica– conducida (nunca mejor dicho) por el músico argentino Ariel Rot (miembro de Tequila, que se despiden estos días de los escenarios para siempre jamás, y Los Rodríguez). El leitmotiv del programa es recorrer el país y, encontrándose con músicos de diversa índole –estandartes de la tradición o renovadores de la misma– procedentes de cada región, que a su vez le «harán de guía por las tradiciones y curiosidades musicales de su zona, y le presentarán a algunos de sus más reputados artistas».
Y RTVE ya ha avanzado sus primeros capítulos, desvelando los nombres de esos artistas: desde las marismas del Guadalquivir partirá el viaje con Kiko Veneno «conduciendo un Mercedes blanco» (LOL) hacia Sevilla, donde se encontrarán con Rocío Márquez y Pájaro, siguiendo hacia Cádiz para ver a Raimundo Amador, Brisa Fenoy y Tomasito. En Madrid, Christina Rosenvinge le introducirá en el mundo «indie»: se encontrarán con Vetusta Morla, Los Punsetes, Carolina Durante o «la canción de autor» de Zahara y La Bien Querida, antes de conocer el rap joven de Natos y Waor, entre otros.
Jorge Martínez (Ilegales) en Asturias –entre otros, visitarán a Nacho Vegas y Pablo Und Destruktion–, Santi Balmes (Love of Lesbian) en Barcelona –contactarán con Maria Arnal y Marcel Bagés, Albert Pla o Guille Milkyway–, Anni B Sweet en Granada, Mike Erentxun en Euskadi y Xoel López en Galicia serán otros de los cicerones de ‘Un país para escucharlo’. Las emisiones comienzan el próximo 5 de febrero, en el mismo horario que ‘La hora musa’: las 23:00h –prime-time cogido con pinzas–.
La pink party de Ariana Grande, el nuevo amanecer de Amaia, la fantasía bélica y fassbinderiana de Fat White Family, el anuncio de ONG de Spike Lee para The Killers, y el regreso al Nueva York perdido de Sharon Van Etten. Analizamos los referentes estéticos y narrativos de cinco de los videoclips más destacados de las últimas semanas.
7 Rings (Ariana Grande)
Desde que Madame de Pompadour lo pusiera de moda en la corte versallesca del siglo XVIII, Jackie Kennedy lo impulsara a la categoría de mito el 22 de noviembre de 1963, Paris Hilton lo elevara a la máxima potencia pop con el cambio de milenio y Sofia Coppola lo convirtiera en icono hipster con ‘María Antonieta’ (2006), la asociación simbólica del color rosa con una cierta feminidad pija (materializada en la creación de la muñeca Barbie en los años sesenta) se ha mantenido adherida al imaginario popular como las mechas rubias al pelo de una diputada del PP. Si en ‘thank u, next’, Hannah Lux Davis (realizadora habitual de los vídeos de Ariana Grande), reinterpretaba este estereotipo a través de la parodia de los filmes de instituto, en ‘7 Rings’ lo hace en clave kogal: introduciendo textos en japonés, bocados de sushi y detalles de vestuario que no llamarían la atención en una calle de Shibuya. Como también hizo en el clip ‘Sorry Not Sorry’ de Demi Lovato, la directora pone en escena una fiesta que se celebra en una casa con más recovecos metafóricos que la de ‘La cabaña en el bosque’ (2012): de Pink Traphouse a mansión sureña, de sala de karaoke japonesa a casa de muñecas.
Un nuevo lugar (Amaia Romero)
En el final de ‘Viva el amor’ (1994), la película con la que se dio a conocer Tsai Ming-liang, un plano secuencia estático de seis minutos mostraba a la protagonista llorando mientras el sol salía discretamente y le iba iluminando la cara. Esta secuencia, que desafió la paciencia y rompió los esquemas mentales de muchos de los espectadores del festival de Venecia (eran los noventa y todavía no se habían generalizado este tipo de planos), me ha venido a la mente al ver el videoclip de ‘Un nuevo lugar’. A su manera, tanto el vídeo como la canción de Amaia Romero suponen también un desafío para gran parte de su público potencial (como se está viendo en los flojos datos de audiencia). El clip rodado por la realizadora Joana Colomar es una delicada pieza de cámara que se ajusta perfectamente a la canción. Mientras el sol sale simbólicamente por la espalda de la cantante, la cámara flota alrededor suyo como la melodía en nuestros oídos. El hecho de que Amaia solo haga el playback en cuatro momentos –“un nuevo lugar”, “me da un poco de miedo”, “[no doy] para más” y “adiós”- consigue un efecto inesperado. Al poner el acento en esas frases, se multiplican los significados de la canción y aumenta su riqueza alegórica.
Feet (Fat White Family)
El nuevo videoclip de Fat White Family está estructurado por medio de tres líneas narrativas que dialogan entre sí a través de un montaje que pone en relación una serie de imágenes análogas: los planos de unas piernas caminando, el rostro de un hombre dando una calada a un cigarro… La primera de ellas muestra a un grupo de soldados que parecen pertenecer al ejército de un estado totalitario. La aparición en escena de un marinero prisionero activará los recuerdos de uno de los militares, primero a través de un cambio de luz y luego por medio de un flashback. Esta evocación de una relación pasada le sirve al director del vídeo, CC Wade, para evocar a su vez la inconfundible estética de una de las películas más célebres de Fassbinder: ‘Querelle’ (1982). En la segunda línea narrativa vemos al marinero transformado en un luminoso líder guerrillero que se enfrenta a las “fuerzas oscuras” (y a su antiguo amante) en un escenario bélico con reminiscencias visuales de la Primera Guerra Mundial: barro, trincheras, alambre de espino… Estas dos tramas están articuladas por una tercera, en la que vemos al jefe de la milicia caminando desnudo por el campo de batalla. Cuando llega hasta la ciudad, diseñada con un estilo arquitectónico que recuerda al de Albert Speer, vemos el resultado del enfrentamiento: el guerrillero dominando el edificio con la cabeza cortada de su amante/enemigo en la mano.
Land of the Free (The Killers)
La retórica visual del drama social comprometido está más gastada que la expresión “salir de tu zona de confort”. Primeros planos de madres y niños mirando (interpelando) directamente al espectador, elementos simbólicos subrayados por medio del uso de la cámara lenta (esa cometa multicolor “volando libre” a través de la frontera por el espacio aéreo estadounidense), enfrentamientos con la policía rodados con la cámara al hombro y mucho golpe de zoom para inyectar “realismo”… Un perezoso Spike Lee pone el piloto automático y utiliza todo ese trillado y estereotipado arsenal estilístico (y algún recurso más, como esos caprichosos cambios de formato, color y textura fotográfica) para articular un discurso político con menos enjundia y eficacia que la propia canción de The Killers. El director mezcla imágenes de archivo con otras rodadas durante la marcha de las caravanas de migrantes centroamericanos, para elaborar una bienintencionada pero epidérmica e inofensiva denuncia sobre la política migratoria de Donald Trump, a la que solo le falta “un número de teléfono que aparece aquí abajo”.
Seventeen (Sharon Van Etten)
Si vas camino de los cuarenta, como Sharon Van Etten, y te has mudado de casa alguna vez, seguro que te ha pasado. Vuelves al barrio donde viviste hace cinco, diez años, y todo ha cambiado. Generalmente para mal. O por lo menos esa es tu impresión. La confrontación del recuerdo con la realidad provoca una fastidiosa y melancólica desconexión, como si te hubieran robado parte de lo que viviste en esos años. ¿Dónde está la frutería de la esquina? ¿Y la cafetería? ¿Por qué hay tantas tiendas cuquis? El videoclip de ‘Seventeen’ ilustra muy bien esa sensación. Filmado con una fotografía de tonos apagados y en entornos lluviosos que acentúan el tono nostálgico del relato, la cantante de Nueva Jersey visita los lugares que frecuentaba cuando se marchó de joven a Nueva York. Mientras los recorre, comprobando su deterioro o transformación por culpa de la gentrificación, se encuentra con su yo adolescente. A partir de ese momento se produce un diálogo visual entre las dos, un juego de simetrías -intercambian sus posiciones en un mismo encuadre, alternan su reflejo en los vagones del metro- que finaliza con un elocuente plano desenfocado que muestra una calle por la que se va alejando el yo pasado.
Jenny Lewis, autora de uno de los mejores discos de la pasada década, el inolvidable ‘Rabbit Fur Coat’, está de vuelta por primera vez en 5 años. Después de ‘The Voyager‘, que se editaba en 2014, publicará el próximo 22 de marzo un nuevo largo llamado ‘On the Line’, del que se acaba de lanzar el primer single. Por cierto, si te gusta lo que será la portada del álbum, no dejes de consultar lo que será el desplegable del vinilo, con la foto de Jenny Lewis y las letras. Hay varias ediciones de pre-predido a través de su web.
El nuevo tema recibe el curioso nombre de ‘Red Bull & Hennessy’, y en él la cadencia no puede ser más Fleetwood Mac circa ‘Dreams’ ni tampoco el solo final más propio de su ex miembro Lindsey Buckingham. Jenny Lewis ya nos había recordado a la banda medio británica medio estadounidense en alguna ocasión, como sucedía en ‘She’s Not Me’, pero parece que ahora ha ido un paso más allá en la búsqueda de su clásico sonido.
Este será el tracklist de ‘On the Line’, en el que se ha vuelto a colar otro «conejo»:
01 Heads Gonna Roll
02 Wasted Youth
03 Red Bull & Hennessy
04 Hollywood Lawn
05 Do Si Do
06 Dogwood
07 Party Clown
08 Little White Dove
09 Taffy
10 On the Line
11 Rabbit Hole
Tras un mes de descanso por el bajón de actividad de las fiestas navideñas y el arranque de Año Nuevo, vuelve Sesión de Control, dedicada a las novedades más interesantes del panorama alternativo y/o independiente nacional y latinoamericano. Y regresa con un cerro de plancha, que se suele decir: Helado Negro, El Palacio de Linares, Ms Nina & Tomasa del Real, Retirada!, Akkan, Reserva Espiritual de Occidente, Cristina Quesada, Bejo, Maronda, Los Bonsáis, Joseph, Xebi SF, Mamita Papaya, El Verbo Odiado. Al final del artículo encontrarás la playlist de Spotify dedicada a esta sección que se renueva quincenalmente. [Foto exterior: Los Bonsáis, por Inés Toraño; foto interior: Mamita Papaya.]
Bejo & Nico Miseria
El rapero canario (ahora también cotizado artista) ha anunciado un nuevo disco/mixtape/loquesea tras ‘Parafernalio’, lanzad@ meses atrás. Se titula ‘Piedra Pómez’ y está firmado a medias con el productor Nico Miseria, con el que ha colaborado varias veces en el pasado. El vídeo para la emocional ‘Corazón tripartito’ es, como siempre, imperdible.
Mamita Papaya
Otro vídeo que “no tiene pierde” es el de ‘Frigopie’, el divertido y funky nuevo single del combo sevillano/madrileño/pamplonés Mamita Papaya, un grupo que ya en su debut ‘La fruta vida’ se situaba como un híbrido imposible entre Macaco (por los giros vocales de su cantante, sobre todo), Kiko Veneno y The Parrots, con el sentido del humor y la energía de sus directos como mejores aliados. Este viernes, 25 de enero, presentan sus canciones en Tempo Club de Madrid.
Ms Nina & Tomasa del Real
Después de su coqueteo con el mundo del pop mainstream en el nuevo single de Fangoria –a los que teloneará en sus próximos conciertos–, Ms Nina vuelve a lo suyo, el perreo romántico. Y lo hace con otra abanderada del género, la chilena Tomasa del Real, con la que ya había colaborado en el pasado. Ahora lo hacen de nuevo con este irresistible ‘Dime’. Necesitamos un vídeo para esto YA.
AKKAN
Como nos contaban cuando les entrevistamos sobre su fijación por el clásico del cómic y el anime ‘Akira’, AKKAN estaban a punto de lanzar un EP con gran influencia de su banda sonora. Se referían a ‘KAI’, y en concreto al tema titular, llamado como un personaje de la obra de Katsuhiro Otomo. Además de otro tema nuevo, Yuri, el disco se completa con remixes de Íñigo Vontier y el interesantísimo músico El Búho.
Reserva Espiritual de Occidente
Seguro que alguno de vosotros aún recuerda aquella polémica que rodeó a este grupo de Madrid, en sus inicios. 5 años después de su debut ‘La noche blanca’, vuelven con un nuevo álbum bajo el brazo, que además publicará el audaz sello Humo. Se titula ‘El Cristo de la Atlántida’, llega a finales de febrero y sus primeros adelantos son ‘Aquí manda Dios’ y ‘Cruz de un niño’, con sendos vídeos alucinantes, obra de Wences Lamas (que forma parte del combo también en lo musical). [Nde: quedan ausentes de la playlist, al no existir ninguna canción suya en Spotify.]
Los Bonsáis
Vuelve el dúo de twee-pop por antonomasia del actual panorama nacional. Tras sendos encantadoresminiálbumes, Helena y Nel tienen ya listos su nuevo disco, ‘Hinoki’, que publica Elefant Records el día 15 de febrero. Su primer avance ‘¡No quiero salir!’ es un bonito canto a quedarse en casa debajo de una manta, perfecto para estos días fríos.
Maronda
El bueno de Pablo Maronda es uno de esos artesanos de canciones de nuestro país que, pese a lo árido del panorama, persiste en su orfebrería pop. Después de ‘Patrones de fuerza‘, el grupo que comanda (y en el que milita Marc Greenwood de La Habitación Roja) tiene ya listo un nuevo trabajo: ‘El amor brujo’ se publica el próximo abril y, a juzgar por el adelanto ‘La faraona’, sigue felizmente en sus trece con ese pop de guitarras heredero de Big Star y Los Brincos.
Cristina Quesada
3 años después de su debut ‘You Are the One’, la superpoppy Cristina Quesada vuelve con un giro estilístico, de la mano de la producción de John Moore (Revolution 9, Black Box Recorder, The Yearning). El veterano artista británico dispone un fondo de discopop a lo Stock Aitken & Waterman, entre Saint Etienne y Sally Shapiro pasando por Rick Astley o Kim Wilde, para el nuevo EP de la joven canaria ‘Hero’. Un nuevo enfoque para su pop cándido que le sienta de maravilla.
Helado Negro
El norteamericano Roberto Carlos Lange, hijo de migrantes ecuatorianos, se ha consolidado con Helado Negro como uno de los mayores ejemplos de músicos latinos que más y mejor ha mezclado sus orígenes con el pop contemporáneo. Tras la repercusión de ‘Private Energy’, el próximo 8 de marzo lanza ‘This Is How You Smile’, un disco que equilibra electrónica (‘Please Don’t Please’) y folk. A este último estilo se acerca una ‘Un país nublado’ cantada en Spanglish y que mezcla, de forma harto interesante, reminiscencias de Devendra Banhart, Sufjan Stevens (al que remezcló) y Dirty Projectors.
Joseph
Este productor y cantante afincado en Barcelona ya dio muestras de su singular visión del pop –en la que caben R&B, hip hop, soul y electrónica sin distingos– en su primer disco ‘Antártica’ (2016). Tras lanzar singles tan llamativos como ‘Bolsas de Ikea’ (junto a Sandro Jeeawock, con el que ya colaboró en ‘Golden Boy‘), la próxima primavera lanzará su nuevo disco ‘A I R E’, avanzado por una serie de singles como el interesantísimo ‘The Man In the Mirror’, con la colaboración del MC Tremendo.
El Palacio de Linares
Tras el considerable ruido armado por la preciosa ‘Ciervo y erizo’, el ya consolidado trío formado por Gonzalo Marcos junto a Raúl y Álex de Nuevos Hobbies publicará en los próximos días su nuevo disco, ‘Largos agotadores’. Como el notable ‘Ataque de amor’, será editado por el sello Pretty Olivia Records y, desde esta semana, está siendo estrenado a razón de una canción por día. Y la cosa no podría pintar mejor. [Nde: la playlist incluye ‘Ciervo y erizo’, siendo el único tema disponible en Spotify.]
Xebi SF
Xebi Salvatella se curtió en el grupo Sàvats, pero parece que realmente ha encontrado su mejor vehículo expresivo en solitario. Días atrás publicaba en Clifford Records su tercer disco disco, ‘De los delfines solo nos cuentan maravillas’, que le muestra como un fiable compositor de pop rock en cuyas canciones se encuentran ecos de Mercromina, León Benavente o Tarik y la Fábrica de Colores, con una ‘Por más que lo intente’ que pinta a pequeño hit. Este sábado, 26 de enero, presenta este disco en El perro de la parte de atrás del coche, en Madrid.
Retirada!
¿Recordáis a este dúo barcelonés que dio bastante que hablar con su disco debut ‘Victoria i Derrota’? Nosotros sí y, felizmente, acaban de lanzar esta semana un nuevo trabajo, que además viene auspiciado por El Segell (sello de Primavera Sound) y licenciado, atención, a Universal Music. ‘Son’ contiene 11 nuevas canciones de Albert y Cuervo, entre las que destacan el potente crescendo, de lo acústico al mejor emo rock –el de Sunny Day Real Estate–, de ’92’.
El Verbo Odiado
En la vorágine de lanzamientos de la temporada otoño-invierno se nos quedó perdido el álbum debut de los interesantes El Verbo Odiado, ‘Tú ganas’. En él despliegan un rock enérgico, que alterna trazas de cantautor (lidera Jorge Pérez, pero no el de Tórtel) con math-rock, post-rock y shoegaze, que bien podría ser carne de culto para fans de grupos como Viva Suecia (de hecho, les telonean en su ya agotado concierto de marzo en Madrid), Dinero y hasta de Toundra. Acaban de estrenar un vídeo de gran factura para ‘Tarantino’, uno de los temas más destacados del álbum que estarán presentando intensamente las próximas semanas. Consulta fechas en la web de Subterfuge, su sello.
Aitana, que continúa triunfando con su EP ‘Tráiler’, sigue trabajando en su continuación. Tras haberse dejado ver con C. Tangana en el Stories grabando algo de destino desconocido, la nueva imagen subida también en la misma plataforma de Instagram deja noticias interesantes.
Aunque ninguno de ellos sea tan mediático como Puchito es todo un shock ver a Aitana trabajando en el estudio con los productores de electrónica avanzada Henry Saiz y Pional… y a la vez con Guille Galván, uno de los compositores principales de Vetusta Morla. Quizá no sería tan chocante haber visto a Aitana por un lado con los dos primeros y por otro con el guitarrista: en ‘Tráiler’ se alterna la balada con el tropical pop, es decir, Ocaña está mandando el mensaje de que está abierta a diferentes estilos. Pero la noticia es que aquello en lo que trabajen puede ser un tótum revolútum: la guitarra de Galván parece que se incorporará a las bases del madrileño Pional y de Henry Saiz, que el año pasado editaba el interesante ‘Human‘, un álbum audiovisual influido por las bandas sonoras de John Carpenter o la electrónica primigenia de Jean-Michel Jarre. Por cierto, tanto Pional como Henry Saiz trabajaban hace meses junto a Ana Torroja, también vinculada a OT como jurado, aunque aún estamos esperando por el resultado.
Por otro lado, en otra sesión de esta semana, sabemos que Zahara ha visitado a Aitana. La autora de ‘Astronauta’ le dedicaba estas palabras en Twitter: «Aitana tiene cientos de historias creciendo dentro de ella con ganas de salir. Tiene una belleza infinita. También por fuera. Es lista y buena y talentosa y escucharla cantar así de cerquita es un privilegio. Gracias por la mañana. Ojalá salgan muchas canciones y si no al menos nos habrá servido de terapia». Parece, por tanto, que entre Tangana, Zahara, Saiz, Pional y Galván, los próximos pasos artísticos de Aitana serán muy diferentes a ‘Teléfono’.
Tras conquistar las listas de todo el mundo con ‘Despacito’ con Daddy Yankee, en menor medida con ‘Échame la culpa’ con Demi Lovato y también tras otros intentos como ‘Baby’ con Clean Bandit y Marina and the Diamonds o ‘Calypso’ con Stefflon Don; Luis Fonsi se tira a la piscina completamente en solitario. Y no hay más que echar un vistazo a sus canciones más escuchadas, a sus recientes singles en las plataformas de streaming o a su discografía oficial, para comprobar que últimamente le iba más un «featuring» que a Nicki Minaj.
La gracia del que puede ser su primer single «solo» relevante desde 2014, esto es, en 5 años, es que la canción se llama ‘Sola’. Es un medio tiempo tan a las puertas de lo bailable como de la balada, con toda la pinta de petar en radio, y que se ha estrenado tanto en castellano como en inglés. En verdad es una invitación a su chica para que no se quede eso, «sola».
En cuanto a autoría, la compañía habitual: el hit inminente es una colaboración de Fonsi junto a sus fieles Andrés Torres y Mauricio Rengifo, que te sonarán también por haber co-escrito hits de Aitana como el mismísimo ‘Teléfono’, o por haber trabajado con los exitosos Morat.
La Zowi ha sido esta semana invitada en el programa de David Broncano, ‘La Resistencia’, aprovechando para promocionar el concierto que este jueves hace en Madrid junto a La Goony Chonga, de cuerpo presente con unos pendientes que «se robó de un Mercedes». La entrevista tiene sus puntos graciosos, pero también algunos incómodos -como por otro lado viene siendo habitual en el programa- que están provocando reacciones airadas de los seguidores de presentador y entrevistada. De un lado, quienes acusan a Broncano de ser condescendiente o de no ser capaz de hacer una pregunta medianamente interesante a la cantante; y de otro, los que recuerdan que Broncano es más humorista que periodista en este show y están descalificando a La Zowi o cuestionando sus cualidades artísticas o las del trap en general, por decirlo de manera fina.
La autora de ‘Mi chulo’ entra criticando la música que le han puesto en el programa porque le parece muy antigua, bromea sobre el disfraz de los colaboradores porque parecen «raperos de hace 15 años» (con toda la razón del mundo, la verdad) y también hace ascos a Post Malone aunque reconoce que es más cercano a lo que ella hace que lo que le han puesto. «Tenéis que contratar a alguien más joven», es su conclusión. Broncano contraataca anunciando que va a leer una serie de mensajes de Youtube dejados a su vídeo ‘Putas’ del calibre que ya os podéis imaginar, a lo que La Zowi replica: «¡Uf!».
Después, Broncano convierte la entrevista en una divagación de tarjetas y preguntas con temas tan peregrinos como geografía, abonos de transporte, Bicimad o wifi en ciudades. Hay un par de puntazos bastante divertidos, pero en general no es su mejor programa pese a que La Zowi en ningún momento deja de sonreír y parece dispuesta a encarrilar el show. «¿Por qué me llaman? ¡No lo entiendo!», pregunta en un momento sobre su invitación a La Resistencia, y aunque este programa no desentona con otros vistos a otros artistas, quizá sería el único titular que la autora de ‘Ama de casa‘ ha dejado en esta ¿conversación? con Broncano llena de lagunas y silencios.
Los linchamientos en las redes sociales a gente aleatoria son una forma de desahogo cada vez más normalizada y es algo aberrante. Hoy le toca a Broncano ¿qué culpa tiene él de que las pijas de La Zowi y Gyal tengan la misma conversación que un ficus? En fin, cómo está todo.
Gente metiéndose con Broncano por entrevistar a La Zowi en La Resistencia.
Broncano no es un entrevistador, es un cómico, y encima la entrevistada demuestra tener el encefalograma bastante plano, lo que hace que entrevistarla sea mas difícil todavía.
así me imagino a los fans de broncano cuando insultan a la zowi diciendo que no tiene media neurona para unir dos frases y responder coherentemente a qué ríos le gustan o cual es su wifi favorito pic.twitter.com/5WgvCH2xgC
Pues nada efectivamente la entrevista a la Zowi ha sido un truño porque Broncano tiene 0 gracia y no sabe ni entrevistar ni presentar pero bueno al menos ella le ha dicho que sus entrevistas son una mierda
El desdén y desinterés por lo que le decía Broncano y sus gracietas y lugares comunes, ORO. El equipo de guionistas ya podrían darle más recursos para cuando le da el pantallazo azul como hoy. #LaResistencia
‘Adán y Eva’ de Paulo Londra continúa en el número 1 de la lista de singles española, mientras ‘Baila baila baila’ de Ozuna es la subida más fuerte de la semana, pasando nada menos que del puesto 68 al puesto 6. Fue el primer videoclip viral de 2019 tras haber alcanzado el primer puesto de Youtube España durante los primeros días del año.
La cosa se va animando tras la Navidad y hay varias entradas en el top 100 oficial de nuestro país. Como era de prever tras sus cifras altísimas en Youtube, ‘Secreto’ de Anuel AA y Karol G, dos titanes de la música latina, protagonizan la entrada más fuerte, en el puesto 36. Además, su vieja colaboración ‘Culpables’ pasa del mismo puesto 36 al puesto 38. En total, Karol G tiene 3 temas en la tabla, por hasta 9 de Anuel AA.
También entran ‘Amuleto’ de Maikel Delacalle en el puesto 76, ‘La forma en que me miras’ de Super Yei y sus varios colaboradores en el 84, ‘Dile la verdad’ de Jowell, Randy y Manuel Turizo en el 88 y ‘Baby’ de Amenazzy, Nicky Jam y Farruko en el puesto 95.
En medio de esta invasión latina, sí encontramos un par de entradas anglosajonas en el top 100. Sam Smith, que vuelve a triunfar en Reino Unido con Normani y ‘Dancing with a Stranger’, se cuela en el puesto 87 en nuestro país. Y Post Malone, que ha sido número 1 en Estados Unidos con Swae Lee y ‘Sunflower’, aparece en el número 96 en España.
Hace unos días Bikini Kill anunciaban tres conciertos de reunión. Considerábamos que su regreso era necesario por el clima político mundial tras el ascenso de Trump y la ultraderecha, aunque curiosamente en aquel artículo llegábamos a mencionar que sus canciones no habían tenido el calado histórico de las de Hole. Y Courtney Love parece pensar lo mismo… como ya lo hacía en los 90.
En un post de Instagram en el que Bust Magazine celebraba que las entradas para los tres conciertos en Estados Unidos de Bikini Kill se habían agotado en segundos, pidiendo que realizaran más, Courtney Love ha decidido intervenir para proclamar que fueron «el mayor timo (hoax) de la historia del rock». Cuando alguien le decía que tuviera cuidado porque podía ofender a alguien, respondía: «Es peor cuando digo la verdad al complejo industrial masculino del rock. Pero al menos tengo el mejor punto de vista. Dos del grupo eran aficionadas totales. Hanna es un buen hype de hombre, pero su personaje es un diletante de «hazlo tú mismo» sin sentido. Una gran idea que no pueden transmitir a la gente porque apestan. Eso es todo. A volver a la alta costura de París porque los vestidos no me provocan».
Courtney ha tenido tiempo de seguir enfrascándose con otros usuarios mencionando a Kim Gordon, aunque hay que recordar que Kathleen Hanna y Courtney Love ya tuvieron su beef en los 90. Está documentado que en 1995 tuvieron una buena en el backstage de Lollapalooza, llegando ligeramente a las manos y generando un gran disgusto a Thurston Moore, que era amigo de las dos y había invitado a Bikini Kill como invitadas especiales de Sonic Youth. Moore bromeó sobre «la mierda de puñetazo» de Courtney Love, que había denominado a Hanna «el peor enemigo de su difunto marido Kurt Cobain», muerto el año anterior.
Future llega a su séptimo álbum tras haberse convertido en una influencia decisiva en esta década por su afición a rapear con Auto-tune, marcando por ejemplo la carrera de artistas millonarios como Post Malone, que le llamó «el Jesucristo del trap», y habiendo publicado un disco entero junto a Drake y más de cien temas colaborativos con Kendrick Lamar, Taylor Swift, Rihanna, DJ Khaled o Ciara, madre de uno de sus 5 hijos, cada uno de una mujer distinta. Lo prolífico que es se refleja también en este nuevo álbum, firmado con uno de sus múltiples álter egos: contiene 20 pistas, sucediendo a los dos discos que sacó en 2017, cuyos lanzamientos estuvieron separados tan solo por una semana, además de a una mixtape con Young Thug editada unos meses después.
El modo en el que Future ha marcado el camino es algo de lo que presume en este disco, como lo ha hecho antes en otras de sus canciones, en este caso en la gráfica ‘Krazy But True’, en la que espeta: «Soy Dios para vosotros, niggas (…) Tenéis que mostrarme vuestros respetos por vuestros calcetines, anillos (…) y el modo en que lanzáis mixtapes». Algo extensible a muchos artistas de urban de nuestro país. Sin embargo, a estas alturas del siglo, habría sido de agradecer que ese año de casi retiro que ha pasado trabajando en este disco le hubiera servido para contar algo que no nos hubiera dicho antes.
Aquí siguen abundando los ritmos calmados del trap (‘Rocket Ship’), las interpretaciones vocales sentidas pasadas por el filtro del Autotune (‘Never Stop’), el uso de armas (‘F&N’), el sexo a saco (llama literalmente «Oreo» a un trío con una chica blanca y otra negra en ‘Call the Coroner’) y sobre todo la ostentación a través de marcas y lujos de distinto tipo. Future ha concedido una entrevista a Genius y él mismo ha validado y explicado que ‘Crushed Up’ habla sobre comprarte tu primer Rolex de oro o sobre cobrar un millón de dólares por concierto. Nada demasiado noticioso a estas alturas de la carrera del autor de ‘Pluto’.
La novedad es que Future afirma haberse desintoxicado de las drogas, cuyo abuso trata en temas como ‘Rocket Ship’, mientras ‘Call the Coroner’ se abre con una intro en la que un agente de la DEA habla sobre el narcotraficante Joaquin Guzmán “El Chapo”. En ‘Overdose’ se refiere al hecho de «ser demasiado rico para estar sobrio» pero ahora su embriaguez es de «Guccis» y «Rovers». De esto nace cierta reflexión, como la de la inicial ‘Never Stop’, en la que dice: «me hice tan rico que nada me importaba / ahora vivo una segunda vida que es increíble»; pero no tantas ideas musicales brillan en una amalgama indistinguible de pistas cortadas por el mismo patrón salvo pocas excepciones.
Travis Scott aparece en el sencillo ‘First Off’, producido por el habitual ATL Jacob; y Nineteen85, enseguida reconocible como habitual de Drake, aporta melosidad en la final ‘Tricks on Me’. Es el mismo Future quien dice que ha sido el co-productor Wheezy (21 Savage, Young Thug) quien ha dado un soplo de aire fresco a su carrera, ¿pero por qué no se ha involucrado en más temas? De las suyas, si bien ‘Goin Dummi’ parece precisamente un descarte de Post Malone, ‘Krazy But True’ sí es de las que cuenta con un fondo más imaginativo, mientras sobre todo ‘Crushed Up’ se alza como lo más salvable de un disco que debería haber sido más osado. Al menos Future insiste en que con él está cerrando una etapa. Ojalá así sea.
Calificación: 5,8/10 Lo mejor: ‘Crushed Up’, ‘Krazy But True’ y ‘Promise U That’ con su referencia a ‘No Scrubs’ Te gustará si te: interesa muchísimo qué puesto ocupa Future en la referenciada lista Forbes Escúchalo:Spotify
Agar Agar es uno de los grupos franceses más prometedores de la actualidad gracias a singles como ‘Prettiest Virgin’, ‘I’m High’ o ‘I’m that Guy’, que suman varios millones de streamings solo en Spotify. El hipnótico ‘Sorry About the Carpet’ pasó recientemente por nuestra sección “la canción del día”, poco antes del lanzamiento del álbum ‘The Dog and the Future’ el pasado mes de septiembre. Ahora, el dúo parisino compuesto por Clara Cappagli y Armand Bultheel anuncia fechas en España. La cita será el 23 de febrero en la sala Independance de Madrid y el 2 de marzo en la Sala 1 de Razzmatazz Clubs, Barcelona.
Esto es lo que dice la nota de prensa sobre Agar Agar: “Armand y Clara se conocieron en la escuela de Bellas Artes de Cergy, ciudad situada a unos pocos kilómetros de París. Su amor hacia la música electrónica y el indie rock los llevó a juntarse una tarde e improvisar dando vida así a Agar Agar. La voz suave y salvaje de Clara casa perfectamente con las cajas de ritmo de Armand y con los sonidos rave 90’s de sus teclados. El resultado recuerda a una fusión entre Daniel Maloso, Black Devil Disco Club y Ariel Pink.
En abril de 2016 publican su primer single ‘Prettiest Virgin’ y unos meses más tarde Fangs Out se convertiría en su primer EP. Desde entonces, no pararon de reunir halagos por parte de los medios especializados y en noviembre de 2018 confirmaron su estatus de nuevo fenómeno internacional con su primer disco The Dog And The Future”.
Tras triunfar con ‘Parálisis’ y ‘Me manipulaste’, que suman 15.000 y 20.000 reproducciones en Spotify respectivamente, Monterrosa, el proyecto de Enrique F. Aparicio (Esnórquel DJ) y Rocío Saiz (líder de Las Chillers), han estrenado su tercer single, ‘Fauna’, en realidad el sencillo principal de su próximo mini LP, ‘Latencia’. Mediante un ritmo tecno-pop cercano a Camela, ‘Fauna’ habla “del rechazo al que se enfrenta una persona minorizada (racial, de género, culturalmente) por parte de las manadas que acechan en la gran ciudad de madrugada”.
Hoy, JENESAISPOP estrena el vídeo de ‘Fauna’, dirigido por Zaida Carmona, quien puso voz a la memorable ‘La Llamada’ de Papá Topo. El argumento «profundiza en la idea de la letra con una calidad estética que retrata el Madrid nocturno», alternando imágenes de la protagonista caminando por Madrid con enorme tensión con otras más coloridas del dúo.
Respecto a ‘Latencia’, que sale el 13 de febrero, Monterrosa aseguran que es “el relato de un viaje en el tiempo y de un proceso de aceptación interna, que va desde los síntomas de la diferencia (de identidad, dentro de los espacio sociales) hasta la asunción completa de la personalidad del individuo, y la reconciliación final con los orígenes y el seno materno”. Continúan: “Es un sonido que se dispara en 1999 y cuya latencia no deja que se escuche hasta 2019, recogiendo por el camino las influencias de 20 años de pop electrónico: Pont Aeri, el sonido Play Station, Carlos Berlanga, Pet Shop Boys, L Kan, Miranda!, La Casa Azul, Fangoria, Chvrches, Hannah Diamond…”
Tracklist:
1) Seleccione Jugador
2) 1992
3) Fauna
4) De vuelta
5) Parálisis
6) Me Manipulaste
7) El origen del mundo
El disco será presentado en numerosos conciertos a lo largo del año, con una formación que incluye a Susana de Bleset a los teclados y a Any de Las Chillers a la batería. Ya hay fechas, y más por anunciar:
23 febrero, Vitoria (Gora Project)
Marzo, Madrid (Sala TBC)
18-20 abril, Benicàssim (San San Festival)
18 Mayo, Valencia (Sala TBC)
26-28 julio, Benidorm (Low Festival)
El FIB, que se celebra los días del 18 al 21 de julio en Benicàssim, había sorprendido con las primeras confirmaciones de su cartel de 2019 anunciando a Lana Del Rey y The 1975, así como a los exitosos La M.O.D.A. y Blossoms y a dos grandes promesas del indie nacional como son Cariño y Cupido. Hoy, el FIB suma más confirmaciones interesantes a su programación.
Entre ellos se encuentran Kings of Leon justo acaban de cumplirse 10 años de su disco más importante, el superventas ‘Only By the Night‘. En 2016, los de Nashville publicaron su último trabajo hasta la fecha, ‘WALLS‘, que incluía el mini hit ‘Waste a Moment’. Otros viejos conocidos del indie-rock anglosajón, Franz Ferdinand, se suman también al cartel para presentar su último trabajo publicado en 2018, ‘Always Ascending‘.
Con ellos se añade también al FIB George Ezra, uno de los artistas más vendedores de Reino Unido en la actualidad gracias a discos como ‘Staying at Tamara’s‘ o singles como ‘Shotgun’ o por supuesto ‘Budapest’. Jess Glynne, quien también sabe lo que es vender a lo bestia en las islas, es otra de las confirmadas, así como You Me at Six, Gorgon City, Superorganism (una de las revelaciones de 2017) o los madrileños Carolina Durante, que el mes pasado presentaron su debut en un memorable concierto en Madrid.
El gran Ezra Furman y también Yellow Days, DJ Seinfeld, The Big Moon, Alien Tango, Sea Girls y Bifannah completan la última tanda de confirmaciones del FIB. Detalles sobre abonos y precios, en la web del festival.
Ariana Grande había confirmado que el viernes 25 de enero publicaría el pre-order de su nuevo disco, ‘thank u, next’, el primero en menos de seis meses (‘Sweetener‘ salió el pasado 17 de agosto). De momento, la cantante ha compartido el tracklist y la fecha de lanzamiento del disco, el 8 de febrero, esto es, sale en poco más de dos semanas.
La secuencia de ‘thank u, next’ se abre con el single ‘imagine’, aunque lo curioso es que los mayores éxitos del disco hasta el momento, el tema titular y el reciente ‘7 rings’, aparecen uno después de otro hacia el final, justo antes de una canción llamada, atención, ‘break up with your girlfriend, i’m bored’. Algunos de los títulos del álbum, como ‘needy’, ya fueron avanzados de manera subliminal en el videoclip de ‘breathin’ (parece que se queda fuera ‘remember’).
Mientras, ‘7 rings’ sigue arrasando pese a las acusaciones de plagio de Princess Nokia y el debate sobre el supuesto “brownface” de Ariana en sus recientes vídeos (polémica por la que la artista se ha disculpado en Instagram) y esta semana será número uno directo tanto en Estados Unidos como en Reino Unido. El tema está a punto de alcanzar los 60 millones de streamings a menos de una semana de su lanzamiento. Pronto se revelará la cubierta del álbum.
01 imagine
02 needy
03 NASA
04 bloodline
05 fake smile
06 bad idea
07 make up
08 ghostin
09 in my head
10 7 rings
11 thank u, next
12 break up with your girlfriend, i’m bored
Actualización 24/1/19: Horas después de anunciar el tracklist y la fecha de edición de ‘thank u, next’, nuevo álbum de Ariana Grande, la cantante también ha mostrado la portada del mismo. Como la de ‘Sweetener’, es una foto de sí misma boca abajo, si bien esta vez, enmarcada en un color rosa sucio, la presenta en consonancia con la estética e ‘7 Rings’: abrazándose a sí misma, con los labios pintados de negro y el título del disco pintado sobre su cuello con una tipo propia de graffitis. Y con la etiqueta de «Parental Advisory», en plan malota.
Nilüfer Yanya es una de las mayores promesas internacionales de 2019 tras aparecer en BBC Sound of 2018 (aunque finalmente no quedó entre las cinco finalistas) y sorprender con sus singles principalmente compuestos por su voz y guitarra eléctrica, como ‘Baby Luv’. Entre el sonido King Krule, el sonido The xx y dejando algún single que otro en una onda más R&B, Yanya está finalmente lista para publicar su álbum debut.
‘Miss Universe’, gran título muy Hole, sale el 22 de marzo y su primer avance, ‘Heavyweight Champion of the Year’, que en realidad cierra el disco, llegó el pasado mes de noviembre. Pero el verdadero single oficial era otro, ‘In Your Head’. Esta pegadiza composición alterna una letra paranoica con las típicas guitarras sucias y robustas de John Congleton, que ha producido parte del álbum y está en racha, pues acaba de encargarse del recomendable nuevo álbum de Sharon van Etten. Claramente ‘In Your Head’ es una de las canciones más inmediatas que ha compuesto Yanya hasta la fecha, si no la que más, y pronto se convertirá en uno de sus mayores éxitos.
Sobre ella, Yanya ha declarado: “A veces mi mente me hace trampas y yo me quedo atrapada en ellas. Están las cosas que necesito disfrazadas de cosas que creo que solo yo quiero, las cosas que quiero que estoy escogiendo porque quiero y no por necesidad… Creo que la canción va de eso, pero el tema que me interesa de verdad, y al que creo que quería llegar con esta canción, es la ilusión de libertad”.
Pitchfork ha sorprendido este martes con su valoración de ‘Assume Form‘, el nuevo disco de James Blake, otorgándole un 5,8 sobre 10 frente a sus “Best New Musics” para ‘James Blake‘ (9,0) y ‘The Colour in Anything‘ (8,2) y su 8,0 (sin etiqueta destacada) para ‘Overgrown‘. El autor de la reseña, Philip Sherburne, considera que Blake suena “estancado” en un disco “agresivamente pastel y serio hasta el sofoco” y critica en concreto el egocentrismo de las letras, indicando que en ellas aparece la palabra “yo” un total de “136 veces”.
Ahora, Blake ha decidido contestar a la valoración negativa de Pitchfork en Twitter con una breve declaración: “Creo que todavía están un poco enfadados porque les dejé en evidencia por su masculinidad tóxica”. El músico británico se refiere al pasado mes de mayo, cuando Blake publicó un comunicado sobre la aceptación de los sentimientos en la masculinidad de hoy, en el que denunciaba que algunos medios utilizaran el término “sad boy music” (“música de chico triste”) para describir su música de manera un tanto peyorativa. Pitchfork llegó a tuitear el nuevo single de Blake de entonces, ‘Don’t Miss It’, indicando que en él “James Blake seguía triste”, a lo que Blake contestó que aquel era “un buen ejemplo” de la situación que estaba denunciando.
Puede que el autor de ‘The Wilhelm Scream’ tenga motivo para resaltar cierta incongruencia de Pitchfork en la valoración de su trabajo: ¿antes no molaba porque seguía triste y ahora que es feliz, tampoco ha sido capaz de hacer un disco bueno de verdad? Sin embargo, no deja de ser cierto que ‘Assume Form’ se queda algo lejos de ser una obra definitiva en la carrera de Blake, y que la crítica de Pitchfork está lo suficientemente bien argumentada como para no considerarla una simple pataleta como hace el artista. Aunque con un 83/100 en Metacritic para el álbum, muy preocupado por este 5,8 no debe estar…
I *think* they might still be a bit upset that I called them out for their toxic masculinity. 😘 https://t.co/jlnvVF7z0h
La carrera de Sharon Van Etten dio definitivamente un vuelco tras ‘Are We There’, el álbum que publicó en 2014 y que la elevó como una de las cantautoras rock más personales, más en forma y con mayor potencial de su generación. En estos 5 últimos años no se la había tragado la tierra precisamente, como ya hemos comentado en varias ocasiones: trabajó en su faceta de actriz (‘The OA’), escribió bandas sonoras, volvió a la universidad, tuvo un hijo… y, entre tanto, también ha escrito y grabado un nuevo álbum. Todos esos avatares profesionales y vitales sin duda la habrán cambiado, en cierta medida, y ‘Remind Me Tomorrow’ es un reflejo directo de esos cambios, porque presentan a una autora renovada, aunque reconocible.
Si ya en su anterior obra el uso de un Omnichord fue fundamental, el origen de este nuevo trabajo está casi por completo en los sintetizadores (sólo una de las canciones, ‘Stay’, se compuso con guitarra) que empleó para registrar las demos de estas 10 nuevas canciones con las que Van Etten plantea todo un reto a sí misma y, también, a sus seguidores de etapas anteriores. Suicide, los Portishead de ‘Third’ y el Nick Cave de ‘Skeleton Tree’ fueron tres vías sonoras que Sharon planteó al productor del disco, John Congleton, como ejemplos del aire que pretendía conseguir en el álbum. Y lo cierto es que, por extraño que resulte y sin aproximarse siquiera al pastiche, ese conglomerado tiene todo el sentido.
‘Remind Me Tomorrow’ es un disco valiente, que suena grande y poderoso, en su mayoría. Y que, cuando no es así, resulta emocionante. En sus mejores momentos, suceden ambas cosas simultáneamente: ya hemos hablado de ‘Seventeen’, el gran clásico que nos deja este disco, una tensa escalada a lo Springsteen/The War On Drugs que desarma en sus mensajes de cariño/nostalgia/orgullo de la Van Etten madura a la Van Etten adolescente. En una línea similar se sitúa ‘No One’s Easy to Love’ que, con la Sharon de siempre envuelta en sonidos sintéticos, parece dar cuenta del final de aquella relación de la que nos hablaba en una entrevista, truncada por su decisión de no abandonar la música. ‘Comeback Kid’ y ‘Jupiter 4’, los dos primeros adelantos del 5º disco oficial de la artista de Nueva Jersey, son polos opuestos de ese mismo espíritu: la primera, iracunda y bailable (!), retrata la mezcla de cariño y rabia de volver al hogar familiar de la infancia y sentirse como un niño de nuevo; la segunda, que curiosamente es una recuperación de una canción que prestó a la joven promesa Donna Missal para su debut publicado hace pocos meses, suena como un salvavidas en una tormenta desoladora. Incluso se diría que se puede oír el ulular del viento de fondo, mientras Van Etten dedica una honesta oda de amor a su actual pareja, el padre de su hijo.
Este hombre, el batería de aquella gira como telonera de Nick Cave que supuso la ruptura total de su anterior relación, protagoniza uno de los momentos más emotivos aunque “pequeños” del álbum. Es ‘I Told You Everything’ que, envuelta en un acogedor minimalismo, hace perder la compostura con su narración precisa del momento en que, a solas con él en un bar tras un concierto, copa en mano, le reveló un episodio personal crucial y su amistad pasó a un nuevo estado. Sharon dice todo con ese giro de un “Holy shit, you almost die”, en su primera estrofa, al “Holy shit, we almost die” de la final. Tanto, con tan poco. Líricamente, como vemos, vuelve a ser un disco en el que la autora también es valiente desnudándose, contando más que sugiriendo, y sin perder el sentido del humor, que no está de más en un disco de apariencia oscura y dramática como este: “crucé la puerta / Sonaban los Black Crowes mientras fregabas el suelo / Creo que no podría quererte más”, es una experiencia real que narra literalmente en ‘Malibu’, expresando cómo la conciencia del amor verdadero puede surgir en las situaciones más insospechadas.
Gracias posiblemente a la sabia mano de Congleton (productor entre otros de St Vincent, cuya figura emerge a veces como referente aquí), Sharon Van Etten consigue que un disco de contrastes –como el que va de la sofocante y obsesiva ‘Memorial Day’ a la luminosidad deslumbrante de ‘You Shadow’– resulte plenamente cohesivo y genuino. Así, aunque el final del minutaje rebaje un poco la euforia –’Hands’ es más grower que inmediata–, no cabe duda de que ‘Remind Me Tomorrow’ es un gran trabajo con grandes canciones, arrojando luz a perfiles antes insospechados de una artista más poliédrica de lo que jamás imaginamos. Hemos perdido a una cantautora; no pasa nada, tenemos más. Pero hemos ganado a una artista más completa y audaz; y de esto no vamos tan sobrados. Así que felicitémonos.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Seventeen’, ‘Jupiter 4’, ‘No One’s Easy to Love’, ‘You Shadow’, ‘Comeback Kid’ Te gustará si te gusta: St. Vincent, The National, The War On Drugs, Portishead Escúchalo:Spotify
Alfred García está triunfando con su primer álbum oficial, ‘1016‘, que editado justo antes de Navidad ya ha podido alcanzar el disco de oro. A su paso por Madrid, el cantante nos concede una entrevista en una cafetería de Conde Duque en la que el artista escoge tomarse un minúsculo cortado con 3 cucharadas de azúcar. Mientras, le pregunto por la generosa longitud del álbum, lo pertinente y necesario de las múltiples colaboraciones del largo (de Love of Lesbian a PAVVLA más alguna que se quedó por el camino), su futuro como artista, sus influencias o la nueva canción seleccionada para representar a España en Eurovisión. Siempre sonriente o casi, a veces parco en palabras, Alfred habla de la importancia del underground o lo que le gusta hacerse fotos con fans, al tiempo que quita hierro a la fama o cuenta lo raro que se ve en la portada del álbum, precisamente por no aparecer sonriendo.
Cuando salió el tracklist de tu disco llamaba mucho la atención la cantidad de títulos con nombres de ciudades, pero es que después las letras referencian a más sitios concretos todavía, plazas, etcétera. ¿Son un fetiche para ti las ciudades? ¿Eres un romántico en ese sentido?
Me considero una persona romántica de las ciudades, de hacer esas metáforas entre situaciones, personas, ciudades. He bebido de la poesía urbana, de la contracultura barcelonesa, de ‘On the Road’, Kerouac, el movimiento Beat también a nivel musical con Bob Dylan… Todo eso me ha llevado a crear este universo urbano y metropolitano de una manera más pop.
¿En algún momento fue una opción hacer un disco conceptual sobre lugares?
Podría haber quedado bien un EP que se llamase ‘La ciudad’, con ‘Londres’, ‘Madrid’, ‘Barcelona’, ‘Sevilla’, ‘La ciudad’, ‘Himno del Prat’. Pero salió ‘1016’, que es lo que tenía que ser.
¿’La ciudad’ es de las canciones más nuevas? ¿O cuáles serían las más recientes?
‘La ciudad’ la compuse dentro de la academia. Es vieja, porque habla de cosas de antes de Operación Triunfo. La más nueva sería ‘Volver a empezar’. O ‘Sevilla’.
¿Y estas podrían ser representativas de tu futuro sonido?
El futuro va por un estilo como ‘Wonder’, ‘Let Me Go’ o ‘Volver a empezar’.
Hemos entrevistado a PAVVLA, aunque aún no lo hemos publicado, y nos ha contado la historia de esta canción, ‘Wonder’: tú ya la tenías escrita, y ella es realmente de esas personas que no te contestaban por Instagram antes de entrar en la Academia.
Yo estaba en los castings cuando le escribí, entré en la Academia y no vi nada. Cuando salí me encontré que me había respondido. Fue supermágico y superbonito.
Y es una canción tuya aunque identifiquemos en ella el sonido de PAVVLA. Ella misma nos ha dicho que ha añadido cosas pero que «esta canción es de Alfred»…
La producción era mía. Puede parecer su estilo, pero porque yo también soy superfán de Bon Iver, de The National y de toda esa imaginería.
«Hay mucho por lo que mejorar, por lo que continuar haciendo música, inspeccionando en ese gran mundo entre lo mainstream y lo alternativo en el que estoy»
El disco es muy variado. ¿Crees que en el futuro buscarás más unidad? Porque aquí se abren muchos frentes, hay setenteras, balada jazz, está lo de PAVVLA…
Ha salido así. Quería dejar frentes abiertos porque hay mucho por lo que mejorar, por lo que continuar haciendo música, inspeccionando en ese gran mundo entre lo mainstream y lo alternativo en el que estoy.
Esto es un tema en tu disco, sí: hay un piano que te lleva a Alejandro Sanz, unos arreglos de metal a Bowie o los últimos Beatles…. Hay pocos discos que mezclen Pereza o Pablo López con cosas como Bowie o Bon Iver. ¿Por qué crees que es? ¿Nos hemos puesto muchas barreras?
Yo no creo en las barreras, hago lo que me dé la gana. Mientras tenga un sentido… El sentido que yo le doy es que soy muy joven, es el primer disco que compongo y el primer disco que produzco. Todo es bastante raro como para que hubiese tenido un sentido. El sentido es que no tiene sentido, y el mensaje es que no tiene mensaje.
Bueno, es un disco que recoge una etapa de tu vida…
Es verdad, tiene todo el sentido del mundo (bromea).
Me dijiste en otra ocasión que querías trabajar con alguien de Reino Unido en la producción. ¿Qué pasó? ¿A quién tenías en mente?
Había muchos productores en mente, y todos me han ayudado en la búsqueda. Necesitaba un alter ego con el que resolver dudas: Leiva ha estado ahí… Nigel Walker es el hombre de Reino Unido al que me refería. Había producido a Pereza y ahora a Sidecars, y me ayudó con algunas preguntas, pero al final me vi con ganas de meterme en esa aventura de la autoproducción, y… ¡ay, ha salido!
Estás contento con el resultado.
Estoy muy contento.
Es raro que alguien de 20 años produzca su disco. Normalmente es a los 30 que a los cantantes les suele ir picando el gusanillo…
Es arriesgado porque yo no lo tenía tan claro. Pero Manuel Martos de Universal y el director de márketing de Live Nation tenían claro que yo tenía que producirlo, que iba a salir en vinilo y que iba a sonar muy oldie. Apostaron por mí, les agradezco que me hayan apoyado, porque puede parecer otra cosa cara a la galería, pero yo necesitaba ese apoyo. Si no, no lo hubiera hecho. ¡Bueno, o sí!
¿Qué ha aportado Isabel Villanueva, que aparece en los créditos de Spotify?
Debe de ser un error. Es solo productora ejecutiva, habrá que cambiarlo. Ha sido mi profesora de música aplicada a cine, de producción musical, de producción audiovisual y de videoclip.
Hay varias canciones sobre Operación Triunfo, ¿has seguido escribiendo sobre ello?
Ya no escribo sobre eso, ahora escribo sobre otras cosas. ‘Volver a empezar’, la última que hice, habla sobre dejar todo eso atrás. Dice: «Dejo atrás la ciudad de las estrellas / Mil noches que olvidar / Y luces de otro planeta / Canto hoy una nueva canción / Que no habla de ti / Ni del arte de dulce piel».
Has pasado página…
Sí (risas).
Luego está ‘Por si te hace falta’, que dedicas a tus compañeros y en la que hablas de que no te asusta el fracaso. ¿Hay algún compañero en particular de OT a quien le haya gustado?
Cuando la compuse dentro de la academia, acabamos todos en lágrimas, es dura pero a la vez esperanzadora. Ganarse la vida con la música es un gran logro. Yo lo he hecho desde los 15 años. Tuve que pagarme la universidad con bolos. Ser músico de profesión ya es lo suficientemente especial, a la par que duro, como para escribir una canción sobre eso. Es la canción para el oficio, para la profesión. Como todo. Como el actor que hace una obra para 100 personas, como el que gana el Goya, o el periodista que hace un libro y vende 1 millón de ejemplares y el que hace artículos de paridad en un periódico desconocido. Esa canción va sobre eso y de que me voy a sentir underground toda mi vida porque es de donde vengo.
Recuerdo que me comentaste que querías que Niño de Elche, que es amigo tuyo, colaborara en tu disco haciendo una intro diciendo una gracia suya sobre la música pop. O algo así…
Creo que no lo intenté, pero tengo muchas ganas de colaborar con él…
¿Y él de colaborar contigo?
Hombre, somos muy amigos. Hoy he estado hablando con él.
¿Y qué se cuenta?
No sé de qué estábamos hablando…
Se suele meter en cada fregao…
¡Estábamos hablando de un fregao en el que se ha metido, sí…! Pero no puedo decirlo…
De todas formas, las colaboraciones en tu disco son un poco como porque te ha dado la gana. Casi parecen un poco gratuitas… Me da la sensación de que el disco sobreviviría perfectamente sin Love of Lesbian y sin Carlos Sadness…
¿Tú crees?
La de Love of Lesbian es una jam larguísima… No sé…
Le dejaremos la voz al futuro.
Dijiste que harías versión corta, no sé si ha salido y no me he enterado.
No, no ha salido.
El disco podría ser algo más intimista, más tuyo…
Esta canción habla de lo libres que somos Love of Lesbian y yo en un disco que entre lo que tendría que ser y no es, acaba con una canción de 8 minutos, una distorsión casi de Muse y Love of Lesbian cantando en inglés después de tantos años…
Si el disco acabara así… pero es que tampoco. Luego está ‘Himno del Prat’…
Bueno, pero es un bonus track.
Hay varios idiomas en el álbum, como el catalán, pero me ha hecho gracia que ‘Barcelona’ esté en inglés. No sé si es como una metáfora sobre la gentrificación porque en el centro de Barcelona ya solo se oye inglés.
Ya te digo que yo vengo de la contracultura. Me da igual qué sentido pueda tener, simplemente salió así (risas).
Háblame de la influencia de Nick Cave, de Bowie… como te comentaba, percibo la influencia de Bowie en tu uso de los instrumentos de metal, sobre todo el Bowie de mediados de los 70, ‘Station to Station’ y por ahí. ¿Es tu etapa favorita o te gusta de manera más general?
Ahora que estoy volviendo a componer, me he dado cuenta de que la influencia de Nick Cave no se ha visto tanto en lo musical como en lo artístico, la camiseta, lo del ojo… Pero Bowie sí y también creo que es porque su influencia está en Pereza y Leiva, y tengo esas referencias. Cada canción tiene su inspiración y sus toques de otros artistas. Ya dice Rosalía que todo está inventado. Todo es un homenaje.
¿Cuál sería tu disco favorito de Bowie y Nick Cave?
‘Aladdin Sane’ de Bowie por las canciones, la portada que es mítica, la progresión de todo el disco. Y de Nick Cave (piensa…)
Su última etapa es más árida, pero antes ha hecho cosas realmente superaccesibles.
Es que el último, ‘Skeleton Tree’ va dedicado a su hijo que murió, con el documental en blanco y negro. ‘Skeleton Tree’ me encanta porque habla de la muerte sin hablar de ella, igual que el documental. Pero tampoco es mi favorito. Mis favoritos serían ‘The Lyre of Orpheus’ y ‘Let Love In’.
«En el Primavera descubrimos que Nick Cave era superfán de Eurovisión y del tío que salía antes que nosotros en el festival, el que iba de Drácula, que, claro, le pegaba mucho, y me da que yo le sonaba de algo»
¿Cómo llegaste a hacerte esa foto con él en Primavera Sound?
Yo estaba viéndole en primera fila, y cantando la canción a saco, ‘Push the Sky Away’, todo entregado. Estaba mirándole, me hizo que subiera y subieron también dos amigos míos. Se quedó mirándome y se quedó superextrañado. Sonrió, me tocó el corazón, le toqué, empezó a cantarme y yo empecé a cantar también. Resulta que él es fan de Eurovisión.
¿En serio? Bueno, es que Australia es superfán de Eurovisión.
Superfán, rollo friqui. Como era el Primavera Sound y yo estaba ahí con gente, descubrimos que él era superfán del tío que salía antes que nosotros en el festival, el que iba de Drácula (NdE: Mélovin de Ucrania), que, claro, le pegaba mucho, y me da que yo le sonaba de algo. Pero vamos, a mí me encanta él, pero soy la antítesis: ni mi música ni mi arte tiene nada que ver.
Y después, no supiste más.
No, no, no… algo nos volverá a unir. Estaré por la Rambla y me lo encontraré paseando al perro (risas)
¿Cómo fue volver a la final de Eurovisión el otro día? ¿No te dio como un poco de pena…?
¡No! ¡¿Pero por qué todos estáis con lo mismo?! A mí no me da pena, no sé. Me da ilusión…
Pues hombre, ponen el vídeo de la actuación con Amaia entero, ella no sale, sales tú solo… Es un shock.
Yo voy porque tengo ganas de ir, si no, no hubiese ido.
A Amaia ya la están poniendo fina por no haber ido…
Se lo tendrás que preguntar a ella. No sé por qué no fue, pero estábamos invitados. Y yo la mar de contento. Me da como ilusión. Y también que hubiera otro OT, fue mi manera de verlo desde fuera. Que vaya Miki y con un tema de La Pegatina a Eurovisión, no quepo en mí de la emoción, por la de fiestas mayores que me he pasado bailando La Pegatina. Me identifico con Miki, es catalán, por el rollo charangueo de las fiestas mayores en Cataluña… Es como surrealista, en realidad.
¿Tú te habrías visto cantando ‘La Venda’ en el festival?
No. Que a mí me guste el charango no significa que mi rollo sea ese. ‘Tu canción’ era perfecta porque no era una canción rock, no era la típica que podría haber hecho yo. Era una balada y tenía todo el sentido por la historia detrás. Raúl Gómez hizo un perfecto trabajo.
Pero tampoco la has metido en tu disco.
No, no es una canción mía, es de Raúl.
Hay un tema en el disco que no es tuyo, ¿no?
‘Que nos sigan las luces’, pero es co-escrita. Es un himno que me representa a mí, sobre que hay que seguir adelante. Además, nunca fue single y yo quería darle ese espacio.
Antes hablabas de la portada del disco, que dio lugar a muchos memes. Aunque en realidad, yo creo que se hubieran hecho memes de portadas de Bowie. ¿Cómo lo viviste?
Tampoco fue tanto, fueron un par de personas. Lo mejor es que fui a Menuda Noche, y un niño me preguntó que por qué llevaba un pedazo de chorizo en el ojo, y yo… «qué mono». Pero superbién (risas).
¿Te lo tomaste bien?
Claro, joder…
Lo de tus fans es muy fuerte… ¿Te sientes arropado, desbordado… o en parte responsable de esa forma tan agresiva en que te defienden a veces? ¿Cómo lo vives?
Somos punks, somos el nuevo punk. La rabia nos mueve. No… superbién. Son encantadores. Me hacen unos regalos… El mejor regalo son los sold outs, el disco de oro… Pero me han regalado Fenders, un ampli Marshall, me regalaron el traje de Ernesto Artillo, compraron un disco mío de 1800 euros de una donación en Cadena Ser. Me regalaron el manuscrito de ‘La flaca’ de Jarabe de Palo subastado por Pau Donés y eran 800 euros…
Seguro que el 95% son encantadores y altruístas, pero luego hay una parte un poco más jevi…
No estoy tan metido. Yo conozco a los buenos. ¿Pero qué hacéis?
No sé… Pues hablar de Carolina Durante, que ahora son tus compañeros de sello y es algo normal, y parece como que les sienta mal. Alguien se ha inventado que son amigos nuestros y escriben en JENESAISPOP o nos piden que hablemos de tus números 1 en noticias suyas.
Somos punk. El punk real.
Has mencionado los sold-outs. ¿Por qué has querido empezar en salas pequeñas?
Hemos de ir creciendo, éramos conscientes de que iba a pasar porque son salas de 1000 o 1500 personas. Ya demostramos que podíamos llenar el Arenal, pero ahora toca disfrutar y rocanrolear en salas como Joy Eslava, que la vamos a repetir, o Barts, que es de donde yo vengo.
Perfectamente podías tocar en un Sant Jordi Club o algo así. ¿No empiezas a pensar en grande?
Podemos hacerlo, pero queríamos ver si la gente tenía ganas de gira y hemos visto que sí. Sí que podemos hacer un Sant Jordi Club.
En ‘Madrid’ mencionas la Sala El Sol. ¿Qué recuerdos te trae?
Igual que nombro Sidecar. Cuando salí de Operación Triunfo, Nil Moliner hizo un concierto en la Sala El Sol en el que yo aparecía, y me recordó a las salas donde tocaba de antes de OT, y dije: «hemos de quedarnos aquí también». Esa imagen y esa magia de las salas tan míticas… Esa cercanía, esa locura, esa anarquía que tiene Madrid.
¿Cómo te gustaría desarrollarte más en el futuro? ¿Como vocalista, en cuanto a letras, producción…?
No tiene que ver con el disco en sí, sino con el directo. Vamos a hacer salas, pero cuando hagamos cosas más grandes, me quiero implicar en la escenografía, y también en la parte visual del disco. Y en lo musical en el desarrollo de los sonidos, en la creación de sonidos tanto electrónicos como acústicos. Entonces, sí, en la producción.
¿De qué letras estás más orgulloso a nivel estructuras, rimas…?
‘Wonder’ y ‘Londres’, porque son más complejas. Me abro mucho más. Pero a nivel hit, ‘De la Tierra hasta Marte’ salió guay. Es una canción que estaba descartadísima. Era a piano y no quería añadirle instrumentos, pero fue añadirle instrumentos y decir: «tenemos el hit, tenemos el single».
‘Londres’ es tu no-single más escuchado ahora mismo. ¿Te influyen estas cosas para decidir qué vídeos o singles haces?
Estamos trabajando en ello. Todas mis canciones me gustan, si no, no las publicaría, pero si hiciera música solo para mí no tendría sentido, por lo que obviamente trabajamos también atendiendo a lo que le gusta a la gente.
Has hablado mucho de feminismo en la academia, pero sobre todo hemos hablado de artistas masculinos. ¿Qué artistas femeninas tendrías como referente?
The Runaways, fue de los primeros grupos punk de mujeres. Hay una película con Dakota y Kristen Stewart. Me marcó cuando tenía 12 y 13 años y empecé a hacer música. Soy muy fan de Paula Jornet, de Maika Makovski. Me encanta el flamenco, y me encanta lo que hace Rosalía, me parece muy valiente, creo que a nivel de producción con El Guincho ha hecho cosas que nunca hubiéramos imaginado.
«No me paro con las tonterías. Sigo haciendo música y al final me mueven las canciones»
¿Cómo has pasado la Navidad? ¿Has podido parar para pensar cómo ha sido tu año: Eurovisión, que fue mucho más mastodóntico de lo que imaginabais tú y Amaia, la aparición en la prensa del corazón que Amaia reconoce que lo pasó fatal, la edición de tu disco corriendo antes de Navidad… Un poco deprisa todo. ¿Has parado a pensar «¿qué ha pasado, dónde estoy»?
No me paro con las tonterías. Sigo haciendo música y al final me mueven las canciones. Una vez por semana me voy a la Revólver a comprarme vinilos, me los pongo y me empapo y digo: «cómo podemos avanzar». Empiezo a componer y todo lo demás…
Pero tu vida ha cambiado una salvajada…
No…
¿No te para la gente por la calle todo el rato?
Sí, pero eso es bueno, tío. Me gusta. El 99,9% de la gente es para decir: «qué guay tu disco», para pedir una foto, un abrazo, para preguntar cuál es el siguiente single. A veces, si es alguien majo, le digo: «dónde vas, pues yo voy a la Revolver o a comprarme ropa» y así conozco gente. Soy un poco hippie en ese aspecto.
«No me quiero parar en lo que me está funcionando»
¿Qué te has comprado en Revólver recientemente?
(piensa) ‘Repave’ de Volcano Choir, ‘Miedo’ de Albert Pla y Raúl Refree. Un disco que siempre había escuchado pero lo quería tener: ‘In Rainbows’… Estoy cogiendo muchas cosas de este disco. Se me ha ido la olla con él. Yo, a ver, tengo 20 años, hay discos que los he descubierto ahora, y este disco es como de 2008. Pero también mola. Descubrir música nueva o antigua que se puede retomar. Rosalía bebe de lo que hacía La Mala Rodríguez o de cuando empezó el trap. A Lil Wayne le salían armonías que se parecían al flamenco. Yo lo pensaba y ahora… mira por dónde.
¿Sobre qué estás escribiendo, ahora mismo? ¿Estás influido por ‘In Rainbows’ muy concretamente o más en general?
Muy en general: no paro de componer y quiero avanzar. No me quiero parar en lo que me está funcionando. Si mis referentes son Nick Cave o Prince, ¿qué número 1 en los últimos 10 años ha habido de estos dos? Ninguno. Lo que quiero decir es que quiero avanzar, sentirme a gusto en el momento que vivo con lo que quiero hacer. No voy a hacer algo porque haya funcionado de antes, sino porque me apetezca.
Lola Indigo sigue triunfando con su reciente single junto a Mala Rodríguez, ‘Mujer bruja’, actual número 11 en la lista de singles española. Pero la cantante granadina y su grupo de bailarinas lanzan ahora un nuevo single, en este caso el que servirá de sintonía oficial para el regreso de ‘Fama, ¡A Bailar!’, programa en el que, por cierto, Mimi Doblas también concursó en 2010.
‘Fuerte’ es un tema eso, “fuerte” y con un componente urban muy marcado, entre el hip-hop, el trap y el funk brasileño, con una presencia notable del autotune en la voz de Doblas y en el que sobre todo manda un estribillo que clama “fuerte, duro, sobrenatural”. El single, por cierto, aún no ha llegado a Spotify.
Por supuesto y como de costumbre, el videoclip de ‘Fuerte’ llega cargadísimo de coreografía, esta vez ejecutada de noche en el interior de una oficina y exteriores. Doblas y compañía visten traje… pero también máscaras y cuero. La nueva temporada de ‘Fama ¡A Bailar!’ se estrena en #0 el próximo 1 de febrero y no está de más mencionar que, antes de ‘Fuerte’, fueron Delaporte quienes firmaron la canción principal de la anterior temporada de ‘Fama’ en su estreno en #0 (antes se emitía en Cuatro), ‘Un jardín’.
Vampire Weekend están a punto de anunciar su nuevo disco, que llevará por título una frase con las siglas “FOTB” y llegará este año un lustro después del anterior, el excelente ‘Modern Vampires of the City‘. Será el primer largo de la banda estadounidense en Sony Music tras su exitosísima etapa en XL Recordings.
Hasta ahora, Ezra Koenig había revelado que esta semana saldrían los dos primeros adelantos de un total de 18 pistas contenidas en el álbum, y hoy ya sabemos sus títulos: ‘Harmony Halls’ y ‘2021’ (se nota que al autor de ‘Neo Yokio’ le interesa el futuro). Ambas salen el jueves 24 de enero.
Sin embargo, lo que publica el grupo ahora no es ninguna de estas dos canciones en concreto sino el arreglo de guitarra de una de ellas, la primera… extendido hasta las 2 horas de duración. En la segunda hora también pueden oírse coros. Para que os vayáis familiarizando con la melodía de esta canción, aquí va esta tontería:
Rosalía ha estrenado esta tarde su nuevo videoclip, que corresponde a ‘De aquí no sales’. El vídeo, que alterna escenas de Rosalía sumergida en agua y entre naturaleza muy Björk, con otras más cercanas a la cultura motera referenciada en otros de sus anteriores vídeos, ha sido rodado en los Molinos de Campo de Criptana en Castilla-La Mancha y dirigido por Diana Kunst (‘Caballo ganador’ de C. Tangana, ‘Fukk Sleep’ de A$AP Rocky y FKA twigs) y Mau Morgó y producido por el estudio creativo “O”.
‘De aquí no sales’ es el “capítulo 4” de ‘El mal querer‘, también llamado “Disputa” y su videoclip llega tras los realizados para los exitosos singles ‘Malamente (Cap 1: Augurio)’, ‘Pienso en tu mirá (Cap 3: Celos)’, ‘Di mi nombre (Cap 8: Éxtasis)’ y ‘Bagdad (Cap 7: Liturgia)’, el último de los cuales se estrenaba el pasado mes de diciembre. Rosalía presentaba un fragmento del tema durante su actuación en los MTV Europe Music Awards del pasado mes de noviembre, como interludio de ‘Malamente’.
La cantante catalana acaba de aparecer como artista invitada en ‘Assume Form‘, el nuevo disco de James Blake. Su tema ‘Barefoot in the Park’ pasa hoy por nuestra sección “La canción del día”. Mientras, ‘El mal querer’ permanece en el top 2 de los discos más vendidos en España, tras ser uno de los más exitosos de la Navidad.
El pasado noviembre se celebraba en Benidorm la primera edición de Visor Fest, un evento musical que pretendía desmarcarse de la competencia apostando por nombres que quizá no sean esos de moda que todo el mundo espera ver (y que se encontrará en otros festivales) pero que siguen manteniendo su vigencia y, sobre todo, han influido drásticamente en el pop actual. Así, su edición 2018 estaba encabezada por nombres como Saint Etienne, The Flaming Lips, Ride, The Jesus & Mary Chain o Cat Power. Semanas atrás se confirmaba una 2ª edición del festival, de nuevo en la ciudad alicantina pero esta vez adelantándose a los días 13 y 14 de septiembre. Lo que sí se mantendría es “la filosofía de los 80 y 90 por bandera”.
Tiene narices que el mayor pelotazo de Weezer en muchos años sea poco menos que una broma privada que se fue de las manos. 
Sin duda este 2019 pasará a la historia del pop español por la publicación (que no regreso, ojo) de nuevas canciones de 
¿Añoras ya ‘
La pink party de Ariana Grande, el nuevo amanecer de Amaia, la fantasía bélica y fassbinderiana de Fat White Family, el anuncio de ONG de Spike Lee para The Killers, y el regreso al Nueva York perdido de Sharon Van Etten. Analizamos los referentes estéticos y narrativos de cinco de los videoclips más destacados de las últimas semanas.
Jenny Lewis, autora de uno de los mejores discos de la pasada década, 
Tras un mes de descanso por el bajón de actividad de las fiestas navideñas y el arranque de Año Nuevo, vuelve 
Aitana, que continúa triunfando con 
Tras conquistar las listas de todo el mundo con ‘Despacito’ con Daddy Yankee, en menor medida con ‘Échame la culpa’ con Demi Lovato y también tras 
La Zowi ha sido esta semana invitada en el programa de David Broncano, ‘La Resistencia’, aprovechando para promocionar el concierto que este jueves hace en Madrid junto a La Goony Chonga, de cuerpo presente con unos pendientes que «se robó de un Mercedes». La entrevista tiene sus puntos graciosos, pero también algunos incómodos -como por otro lado viene siendo habitual en el programa- que están provocando reacciones airadas de los seguidores de presentador y entrevistada. De un lado, quienes acusan a Broncano de ser condescendiente o de no ser capaz de hacer una pregunta medianamente interesante a la cantante; y de otro, los que recuerdan que Broncano es más humorista que periodista en este show y están descalificando a La Zowi o cuestionando sus cualidades artísticas o las del trap en general, por decirlo de manera fina.
Cargando ...
‘Adán y Eva’ de Paulo Londra continúa en el número 1 de la lista de singles española, mientras 
Hace unos días 
Future llega a su séptimo álbum tras haberse convertido en una influencia decisiva en esta década por su afición a rapear con Auto-tune, marcando por ejemplo la carrera de artistas millonarios como Post Malone, que le llamó «el Jesucristo del trap», y habiendo publicado un disco entero junto a Drake y más de cien temas colaborativos 
Agar Agar es uno de los grupos franceses más prometedores de la actualidad gracias a singles como ‘Prettiest Virgin’, ‘I’m High’ o ‘I’m that Guy’, que suman varios millones de streamings solo en Spotify. El 
Tras triunfar con ‘Parálisis’ y ‘Me manipulaste’, que suman 15.000 y 20.000 reproducciones en Spotify respectivamente, Monterrosa, el proyecto de Enrique F. Aparicio (Esnórquel DJ) y Rocío Saiz (líder de Las Chillers), han estrenado su tercer single, ‘Fauna’, en realidad el sencillo principal de su próximo mini LP, ‘Latencia’. Mediante un ritmo tecno-pop cercano a Camela, ‘Fauna’ habla “del rechazo al que se enfrenta una persona minorizada (racial, de género, culturalmente) por parte de las manadas que acechan en la gran ciudad de madrugada”. 
El FIB, que se celebra los días del 18 al 21 de julio en Benicàssim, 
Ariana Grande había confirmado que el viernes 25 de enero publicaría el pre-order de su nuevo disco, ‘thank u, next’, el primero en menos de seis meses (‘
Nilüfer Yanya es una de las
Pitchfork ha sorprendido este martes con 
La carrera de Sharon Van Etten dio definitivamente un vuelco tras ‘
Lola Indigo sigue triunfando con su 
Vampire Weekend están a punto de anunciar su nuevo disco, que llevará por título una frase con las siglas “FOTB” y llegará este año un lustro después del anterior, el excelente ‘
Rosalía ha estrenado esta tarde su nuevo videoclip, que corresponde a ‘De aquí no sales’. El vídeo, que alterna escenas de Rosalía sumergida en agua y entre naturaleza muy Björk, con otras más cercanas a la cultura motera referenciada en otros de sus anteriores vídeos, ha sido rodado en los Molinos de Campo de Criptana en Castilla-La Mancha y dirigido por Diana Kunst (‘Caballo ganador’ de C. Tangana, ‘Fukk Sleep’ de A$AP Rocky y FKA twigs) y Mau Morgó y producido por el estudio creativo “O”.