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Charli XCX y Troye Sivan se disfrazan de años 90 en el divertido vídeo de ‘1999’

Por
Sebas E. Alonso
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Charli XCX y Troye Sivan estrenan hoy un divertidísimo vídeo para el single conjunto que compartían hace unos días, llamado ‘1999’. La canción, claramente influida por los beats noventeros, era un cúmulo de referencias expresas a aquella década en que triunfaban ‘Baby One More Time’ de Britney Spears, Eminem o Michael Jackson.

El vídeo sale tan sólo una semana después, por si alguien se había empezado a olvidar de esta canción que en algo recuerda a ‘1 Night’, la colaboración de la propia Charli XCX junto a Mura Masa. Como mínimo en el ansia de querer «volver» al pasado, con esos «go back» repetidos ad nauseam. En el videoclip, Troye y Charli han tenido a bien representar vídeos míticos de TLC, Spice Girls, Backstreet Boys, Eminem y también alguna película como ’Titanic’, ‘American Beauty’ o ‘Matrix’, a la que ya rendían homenaje en la portada del single.

Todo un divertimento sobre el que merece la pena no revelar todas las referencias y sobre el que seguramente alguien publique un “segundo a segundo” en los próximos días. El vídeo ha sido dirigido por Ryan Staake y la propia Charli XCX, que ya se había revelado como directora en el viral ‘Boys’, solo que ahora, en lugar de contar con algunos famosos… los ha interpretado ella con ayuda de un poco de maquillaje y peluquería, tanto para ella como para su colega.

Drake canta en castellano junto a Bad Bunny en la posesiva ‘MIA’, que ya tiene vídeo

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Sebas E. Alonso
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Al fin hoy se publica oficialmente el tema colaborativo entre Bad Bunny y Drake, del que se llevaban un año conociendo teasers y pistas. La canción se llama ‘MIA’, como el posesivo, no como la cantante que ha cancelado en BIME Live, y la canción es un circunloquio sobre la idea de poseer a la mujer deseada. La producción se debate entre el reggaetón y el tropical house que se puso de moda hace 3 años.

Bad Bunny canta: “Dile que tú eres mía, mía / Tú sabes que eres mía, mía / Tú misma lo decías / Cuando yo te lo hacía”, para luego pasar a ofrecerse a sí mismo: “Bebé, yo soy tuyo na’ más”. La letra también contiene una referencia a Romeo Santos (“yo soy tu Romeo, pero no Santos”), quizá en recuerdo de que Drake ya cantó en castellano para este. En concreto sucedió en un tema llamado ‘Odio’, una bachata.

El tema, viral en 3, 2, 1…, se presenta junto a su correspondiente vídeo. Un videoclip callejero con coches y gente bailando y fumando, en el que el mayor entretenimiento es leer los labios de Drake mientras canta en castellano, o comprobar cuán bien o mal integrado aparece en cada plano, rodeado de banderas de Puerto Rico.

Finalmente, os dejamos también con otro vídeo lanzado por Drake esta semana. ‘No Stylist’ es su colaboración con French Montana.

Rosenvinge dedica el Premio Nacional de las Músicas Actuales a «sus sufridos fans»

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Sebas E. Alonso
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Christina Rosenvinge se ha hecho con el Premio Nacional de las Músicas Actuales, que concede el Ministerio de Cultura y Deporte. Según la web oficial del ministerio, el jurado ha destacado “el potencial emocional de su obra y su proceso de búsqueda de una personalidad musical propia, por su talento y la credibilidad de su genuina carrera profesional, rasgos que encuentran una clara expresión en sus más recientes trabajos”. También se ha subrayado “la calidad tanto de su faceta compositiva como de sus actuaciones en directo”. El premio está dotado con 30.000 euros, una cifra bastante similar a la que representa el Mercury Prize en Reino Unido (25.000 libras en 2017). La nota de prensa es un recorrido por su carrera desde Álex y Christina hasta la edición este año del excelente ‘Un hombre rubio’.

El jurado presidido por la directora general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Amaya de Miguel Toral, ha estado integrado por varios locutores de Radio 3, como Tomás Fernando Flores o Julio Ruiz Llorente, junto a otras personalidades de la música. Entre los premiados en convocatorias anteriores se encuentran: Javier Ruibal (2017), Martirio (2016), Jorge Pardo (2015), Carmen París (2014), Luz Casal (2013), Kiko Veneno (2012), Santiago Auserón (2011), Amaral (2010) y Joan Manuel Serrat (2009).

Christina Rosenvinge ha agradecido el premio en las redes, indicando: «Queridos amigos,
Con inmensa alegría comparto con vosotros esta buena noticia. El Ministerio de Cultura de España distingue cada año a un artista de cada disciplina con un premio especial. Es un verdadero honor que este año haya recaído en mi un galardón tan importe. Gracias a todos los que habéis contribuido a levantar este proyecto que no siempre ha dado tantas alegrías en el presente y en el pasado. Gracias sobre todo a vosotros, mis queridos y sufridos fans. Vosotros me habéis puesto aquí y hoy os mando un beso que espero que sintáis en la mejilla a través de la pantalla».

La Canción del Día: «Venga va» es el gran y ambiguo estribillo de Marta Tchai en ‘Calle Durango’

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Sebas E. Alonso
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Marta Tchai nació en Madrid pero pasó casi toda su infancia y adolescencia en Badajoz. Iba para bailarina -también trabajó como actriz en ‘Electra’, ‘Princesas’ o la serie ‘Hermanos y detectives’-, pero después de una complicación tras una lesión en el tobillo decidió centrarse en escribir canciones. A finales de septiembre se ha publicado su quinto disco, ‘Atención peligro’, en el que ha trabajado primero en la producción con Fernando Vacas (Prin LaLa, Russian Red) y luego en las mezclas en los estudios Reno con Luca Petricca.

Aunque el single es ‘Me gustas tú’, en los territorios amables de una Virginia Labuat, hay canciones mejor acabadas en el disco. Es el caso de ‘Como los girasoles’, en la estela de Antonio Vega; o de ‘Calle Durango’, que hoy seleccionamos como «Canción del Día». El tema se abre como un medio tiempo de los Fleetwood Mac más cálidos (los de ‘Dreams’ o ‘Gypsy’) para después recordar un poquito a Tulsa cuando empieza la letra: «La calle Durango se deshace en polvo y fango / yo la observo desde la ventana, no me he querido marchar / pero tú sí que te has ido, no eres tan distinto a mí».

Los preciosos arreglos de metal en la onda de Calexico alimentan el poso de tristeza que tiene la canción, dedicada a alguien que «se ha marchado a Berlín sin mirar atrás»; si bien sirve de contrapunto ese estribillo «venga, venga, venga va», que según como te pille el día suena irónico, desanimado, un poco en plan «qué más puede pasarme»; o por el contrario, como un paso adelante para salir del pozo.

El poema ‘Kanye West no es Picasso’ de Leonard Cohen no tiene ningún desperdicio

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Sebas E. Alonso
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Además de haberse anunciado que existirá un disco póstumo de Leonard Cohen, finiquitado por su hijo, el músico Adam Cohen que en la última época tocaba con él; este otoño se ha editado un libro de poemas del artista, que fallecía en 2016. El libro se llama ‘The Flame’ y de momento solo está a la venta en inglés.

Uno de los poemas ha sido subido a Twitter por la autora Amanda Shires, rescatado por Pitchfork y nadie puede perdérselo, pues en él Leonard Cohen bromea sobre el arte de vanguardia o la ciencia. Se llama “Kanye West no es Picasso”, pues esa es su primera línea mientras la segunda es “yo soy Picasso”.

Otros versos del poema dicen: “Jay-Z no es el Dylan de nada / yo soy el Dylan de nada / soy el Kanye West de Kanye West / El Kanye West del falso gran cambio de la cultura de las chorradas / de una boutique a otra”. O después: “soy el Kanye West que Kanye West cree que es / cuando empuja tu culo fuera del escenario”, en lo que podría ser una referencia a Taylor Swift. El poema termina: “ya no me muevo mucho / nunca lo he hecho / solo revivo después de una guerra / y todavía no hemos tenido ninguna”. Esta maravilla está fechada en 2015.

«Hasta luego, hasta luego, adiós» es el imaginativo nuevo estribillo de Weezer y lo peor es que se pega

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Sebas E. Alonso
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Weezer se han apuntado este año un pedazo de tanto al situar una improvisada versión de ‘Africa’ de Toto en las listas estadounidenses (!) de singles (!!). La broma ha llegado al puesto 51 del Billboard Hot 100 y además será editada en un single de vinilo con la forma de África con motivo del Black Friday.

Pero su carrera sigue y la banda es noticia por presentar hoy el primer single de su próximo disco, que será el ‘Black Album’ de su carrera, siguiendo con la tradición de colores que en su momento ya les vio editar un «álbum azul», un «álbum verde», un «álbum rojo» o un «álbum blanco». El tema se llama ‘Can’t Knock the Hustle’ y se acerca a los sonidos mexicanos, no solo en su estribillo -contagioso a más no poder- «Hasta luego, hasta luego, adiós». Para muchos será otra muestra más de su final; para otros, un divertimento con el que pasar el puente.

El vídeo también merece una mención especial, pues cuenta con alguien que han llamado «Rivers Wentz» y que es Pete Wentz de Fall Out Boy caracterizado como Rivers Cuomo de Weezer ejerciendo un curioso papel. El de un conductor que lleva a una pareja que no para de besarse hasta el punto de que al final del vídeo te preguntas quién era más insoportable, si ellos o él. Ojo porque además de anunciar una gira con Pixies (sin fecha en España), han habilitado la web hastaluegoadios.com invitándote a dar un paseo.

¿Qué te ha parecido 'Can't Knock the Hustle', el nuevo single de Weezer?

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Four Tet y Yung Beef, entre los artistas con que se cierra BIME Live

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Sebas E. Alonso
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Tras las desafortunadas cancelaciones de primero Fever Ray y luego su sustituta M.I.A., que acaba de declarar que se va a replantear de qué manera va a dedicarse a la música, BIME Live informa del cierre de su cartel con una decena de nombres más. A la cabeza encontramos al gran Four Tet, quien acaba de vender 24.000 entradas para sus shows de Londres en apenas una hora.

También se informa de que en GOXO, un «pequeño club dentro de un gran festival» habrá lugar para el trap, hip hop, reggaeton y el R&B de mano de gente como Yung Beef, Florentino, Steve Lean o Flaca, entre otros, como los responsables de Fuego en Razzmatazz. En el cartel ya estaban Slowdive, Aphex Twin, MGMT, Editors, John Maus o Nina Kraviz, y además se incorporan también Hakima Flissi y Unclose, ganadores de Heineken Volume Up, un proyecto de Heineken y BIME para impulsar las bandas emergentes de Bizkaia. Os recordamos que los bonos para BIME, que se celebra en Bilbao el último fin de semana de octubre, valen 90 euros y las entradas de día (cartel por días, bajo estas líneas), 50. Más info, en su web.

Viernes
APHEX TWIN/ EDITORS/ SLOWDIVE/ BELAKO/ JOHN MAUS/ DAMIEN JURADO/ VULK/ THE MAGIC GANG/ ELENA SETIÉN/ UNIFORMS/ UNCLOSE
Gaua: DANIEL AVERY/ KORNÉL KOVÁCS/ C.P.I.
Goxo: YUNG BEEF/ STEVE LEAN/ SARA N’DONGA/ FUEGO SQUAD

Sábado
MGMT/ JON HOPKINS LIVE/ FOUR TET/ STEPHEN MALKMUS & THE JICKS/ JOSÉ GONZÁLEZ/ KURT VILE & THE VIOLATORS/ GUSGUS/ UNKNOWN MORTAL ORCHESTRA/ SUN KIL MOON/ IONNALEE/ ROLLING BLACKOUTS COASTAL FEVER/ NICO CASAL/ HAKIMA FLISSI
Gaua: NINA KRAVIZ/ MUMDANCE/ ALAIN ELEKTRONISCHE
Goxo: FLORENTINO/ FLACA/ MIRAVALLES

The Wave Pictures / Brushes with Happiness

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Sebas E. Alonso
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Los británicos The Wave Pictures, autores de la inolvidable ‘I Love You Like a Madman’, siguen siendo especialmente queridos en nuestro país: Madrid y Barcelona son las ciudades en que más se les escucha solo por detrás de Londres. Este año han publicado dos discos, en verano este ‘Brushes with Happiness’ que nos ocupa; y en un mes llegará al mercado ‘Look Inside Your Heart’, del que ya han presentado varios singles, el último esta misma semana y llamado ‘Sugar’. El álbum venidero será más pop, mientras que el que ya tenemos entre manos es el árido.

‘Brushes with Happiness’ se grabó en una sola noche, mientras el grupo estaba algo borracho, y sus canciones suenan en la primera escucha como algo con lo que abrirte las venas, sin que termines de adivinar qué tipo de desgracia les ha ocurrido para entregarse aquí al sonido slowcore de los Low más trágicos, los Mogwai más tranquilos, Come o Thalia Zedek. Es un álbum impregnado de blues, pero raro es el momento uptempo del álbum, dejando la breve ‘Jim’, entre referencias a maldiciones, vinilos y armónicas, como una solitaria excepción.

Aunque lo que suena a soledad es el disco en sí, lleno de momentos realmente hermosos aunque desolados, como la inicial ‘The Red Suitcase’. Como si la absoluta nada rodeara al estudio de grabación aquella noche que grabaron el álbum a correprisa. Aseguran que se presentaron teniendo solo las letras de David Tattersall y estas parecen influidas por la cercanía del fin del mundo. Hay un tema llamado ‘Rise Up’, pero no tiene nada que te «eleve». Al contrario, su afirmación de que «a medida que la tierra se hace pequeña, el sol se mantiene grande» suena angustiosa como una condena. La pista final, ‘Volcano’, dice algo parecido: «pronto seremos dinamitados hacia el espacio y no hay salida posible del planeta Tierra». Esa referencia al final del mundo hace sonar el recurrente «she is alive» del desgarrado tema titular hasta irónico por mucho que intente contener un mensaje de ánimo: si «ella sigue viva» no parece que le quede mucho tiempo. Y también es desoladora ‘Crow Jane’, un título que parece de Marianne Faithful, e incorpora coros fantasmales a lo Leonard Cohen.

Sin embargo, ‘Brushes with Happiness’ tampoco es un disco tan trágico, o como mínimo contiene sus puntos de luz aunque sea en forma de surrealismo. ‘The Burnt Match’ recuerda por melodía y coros a la PJ Harvey más accesible, y su percusión es bien luminosa; mientras ‘The Little Window’ parte de una cosa tan tonta como la pérdida de 500 euros en efectivo (en serio, The Wave Pictures, ¿así os pagan los bolos?), termina con un mensaje de aprovechar el momento, contiene un gran y optimista estribillo («I love walking in this city») y una gran voz femenina acompañando (hacen coros en el largo Holly Holden y Nina Garthwaite, entre otros). La sinuosa ‘Laces’, con esa cadencia medio funk, nos lo deja claro: antes por unas razones, ahora por otras, si no tienen el seguimiento de Arctic Monkeys, no es porque no lo merezcan.

The Wave Pictures realizan estos días una larguísima gira de 12 fechas por nuestro país. Detalles, en Houston Party. Entradas para Madrid y Sevilla, en Ticketea.

Calificación: 7,2/10

Lo mejor: ‘The Little Window’, ‘Crow Jane’, ‘The Red Suitcase’

Te gustará si te gustan: Thalia Zedek, Come, Low, el último de Arctic Monkeys, Nick Cave, Migala
Escúchalo: Spotify

30 años de ‘Introspective’ de Pet Shop Boys: el disco en 5 claves

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Sebas E. Alonso
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Estos días se cumplen 30 años de ‘Introspective’. Según la web oficial de Pet Shop Boys, el aniversario es hoy mismo, 11 de octubre, mientras según otras fuentes fue ayer, 10 de octubre. Una divergencia que seguramente se produzca debido a que antiguamente los discos se lanzaban o bien los lunes o bien los martes, dependiendo del país. El 10 de octubre de 1988 fue lunes; y el 11, martes. Más allá de eso, se trata no solo de uno de los mejores discos de los años 80, sino de uno muy relevante en el anticipo del sonido de los primeros años 90. En este artículo que publicamos a las 10.30 horas, a la que se abre el álbum, recordamos su valor en 5 claves.

Puede ser el mejor disco de Pet Shop Boys

Pet Shop Boys son uno de los grupos más influyentes del pop electrónico de todos los tiempos, gracias a la elegancia de sus producciones y a sus inteligentes letras. Evidentemente han influido a toda una generación de grupos que en algún momento han jugado con el electropop, como The Killers, pero también su legado ha llegado a otros artistas más jóvenes y diversos que descubren sus composiciones y flipan, como hace poco pasaba a Cardi B. ‘Introspective’ puede ser el mejor álbum de Pet Shop Boys, lo cual es mucho decir, pero por supuesto hay debate. Hay medios que siempre han hablado de ‘Behavior’ como su gran obra maestra, hay quien prefiere ‘Actually’… pero raro es aquel que odie ‘Introspective’ o no sepa apreciar lo bien condensado que está todo su potencial en tan solo 6 canciones por muy largas que sean. Por eso fue elegido «mejor disco de Pet Shop Boys» en el cuadrante de votos de nuestra redacción. Reescuchado hoy, es realmente difícil recordar cuál fue exactamente la sucesión de sencillos, porque ‘Always On My Mind’, ‘Domino Dancing’, ‘Left to My Own Devices’ o incluso la adaptación de Sterling Void de ‘It’s Alright’ han sido constantes reivindicaciones en sus conciertos o en pistas de baile. También se agradeció que grabaran ‘I’m Not Scared’, que habían escrito para Eighth Wonder, y ‘I Want a Dog’, que había sido cara B de ‘Rent’ y, regrabada con Frankie Knuckles, no deslucía nada.

Un disco dance, con orquesta real

‘Introspective’ es un disco dance que presenta versiones maxi, largas y diferentes a las que se enviaron a las radios o estáis viendo en los vídeos. De manera muy clara, el tipo de beats y los pianos definen la música pop electrónica de finales de los 80 y principios de los 90, con el house y el acid impregnando las emisoras. Pero no por ello Pet Shop Boys renunciaron a los instrumentos orgánicos, y de manera significativa, a una gran orquesta. El álbum se abre con ‘Left to My Own Devices’, un tema que relata un día en la vida de una persona, cabiendo en ella el Che Guevara y Debussy, y la grabación lo deja muy claro desde el principio: esta canción producida por Trevor Horn contó con espectaculares arreglos dirigidos por Richard Niles, quien además de volver luego para ‘Go West’, había estado también detrás de ‘Slave to the Rhythm’ de Grace Jones. Niles ha colaborado con artistas del nivel de Paul McCartney, Tina Turner, Ray Charles o James Brown y en 1997 trabajaría en la espectacular ‘Home’ de Depeche Mode.

La anticipación a la moda latina

Cuando el mundo habla de Pet Shop Boys, lo hace asociándolos a una producción fina. Son como pop de alta cultura. Más art que pop. Por eso muchos se llevaron las manos a la cabeza cuando hace poco presentaron un tema de ritmo reggaetón, ‘Twenty-Something’. Pero como bien apuntaba mi compañera Mireia Pería el componente latino ha estado muy presente en la discografía de Neil Tennant y Chris Lowe, y nunca se ciñó a la «gracieta» de ‘Se a vida é’. El asunto daba para una playlist y allí estaba por supuesto ‘Domino Dancing’, que fue el single de presentación oficial de ‘Introspective’ un año después de la versión de ‘Always On My Mind’. Se inspiraron en la isla caribeña de Santa Lucía, y para grabarlo se fueron a Miami para colaborar con Lewis A. Martinée, quien había trabajado para Exposé (‘Season Change’) y lo ha hecho de una forma o de otra con Ricky Martin, Dead or Alive, Enrique Iglesias, Celine Dion, Jermaine Jackson o Elvis Crespo. En su momento el top 7 obtenido por la canción decepcionó muchísimo al dúo. A la larga se ha demostrado quién tenía razón en la incorporación de guitarra española, vientos y ritmos latinos.

Las caras B y la «introspección»

El disco recibe su nombre de que las canciones pretenden ser «introspectivas» pese a ser bailables. ‘Domino Dancing’ es una canción sobre los celos («te he visto hablando con extraños demasiadas veces / el amor que quieres es de otro tipo»), y la melodía de ‘Left to My Own Devices’ se debate entre la frustración y la autoafirmación: es de las de bailar con lágrimas en los ojos, aunque sea de felicidad. Pero quizá se ve más en lo que fueron las caras B del disco, algo más intensas. Mientras ‘Don Juan’ habla de los Balcanes en los años 30, ‘Your Funny Uncle’, al piano, está dedicada a un amigo de Neil Tennant que había fallecido a consecuencia del sida. Se considera el tema que marcaría el tono melancólico del siguiente álbum, ‘Behavior’, pues ‘Being Boring’ está dedicada al mismo amigo.

La estética: de la carta de ajuste al homoerotismo

La portada de ‘Introspective’ no puede ser más característica. Al parecer, el diseñador Mark Farrow se inspiró en un libro de cartas de ajuste para crearla y el resultado no podía ser más pop. O deberíamos decir para crearlas, porque, como veis, aunque mucha gente no se diera cuenta, los diseños fueron diferentes para LP, CD y cassette. Hay quien ha visto un guiño a la bandera gay. Parece muy cogido por los pelos, pero aunque Pet Shop Boys no hablaron de su homosexualidad hasta bien entrados los años 90, el homoerotismo del vídeo de ‘Domino Dancing’ ha sido reconocido por Rolling Stone y hasta por Ricky Martin.


El nuevo vídeo de Mariah Carey no es lo que necesitaba ‘With You’

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Sebas E. Alonso
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Hay una pequeña crisis en el mundo Mariah Carey, sobre todo en el sector que espera un gran retorno mediático para la cantante que tanto ha influido a artistas de nueva generación, como la misma Ariana Grande. Y un poquito también para los que quieran su álbum nuevo, aún no anunciado, para 2018. Sus dos nuevos temas están pasando bastante desapercibidos después de que ‘Beautiful’, primer single del álbum de estudio anterior, fuera número 15 en Estados Unidos. Y no, no fue gracias a Miguel, quien no convierte en oro precisamente todo lo que toca.

‘GTFO’, una de las mejores canciones del momento para nuestra redacción, fue anunciada como “buzz single”, pero ‘With You’ es el single verdadero y ha pasado más desapercibido aún que ‘GTFO’, dejando en el aire la duda de si realmente llegará algo más lejos que este, tras ni hacer acto de presencia en el top 200 de Spotify. Para intentar lograrlo, Mariah Carey ha presentado el sencillo en los AMAs, y además acaba de subir la actuación a Youtube. Al tema no le ha ido muy bien en iTunes USA, a su vez ya una lista irrelevante.

El vídeo de ‘With You’ es una sucesión de planos en blanco y negro de Mariah Carey, en la que la vemos tirada en el suelo debajo de una lámpara, posando en albornoz, bailando muy tímidamente delante de una casa, fingiendo que canta… Hay quien dirá que es un «back to basics» muy fiel a sí misma, pero no desde luego lo que la canción necesitaba para despuntar o alcanzar el hoy en día casi inalcanzable Billboard Hot 100. ¿Seguros todos de que hay un disco en camino para este año o habrá retraso a lo Meghan Trainor?

¿Qué te parece la nueva era de Mariah Carey?

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¿Es esto el verdadero vídeo de ‘breathin’ de Ariana Grande?

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Sebas E. Alonso
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Desde el principio, prácticamente desde el día de edición, el público ha tenido su propia canción favorita de ‘Sweetener’, el último álbum de Ariana Grande. Esa canción ha sido ‘breathin’ y al fin ha llegado el momento de que sea single.

El tema, que ya ha aparecido en listas de manera espontánea, en parte debido a su inclusión en listas de Hits de Spotify, presenta videoclip. Eso sí, después de los enormes vídeos de ‘God Is a Woman’ y ‘No Tears Left to Cry’, no es el vídeo que esperabas. Se trata de un vídeo dedicado enteramente al cerdito de Ariana Grande. A la cantante se le antojó tener un cerdito y su novio Pete Davidson se lo consiguió “en una hora”. Se llama Piggy Smallz. Lo malo es que hay bastante controversia sobre si esto es realmente el vídeo oficial de ‘breathin’, en una extraña búsqueda del nuevo ‘7/11’ que se queda un poquillo corta; o algo que se ha improvisado mientras Ariana Grande se recompone de la muerte de su ex Mac Miller. Ella misma ha ofrecido informaciones contradictorias.

Ante una información de PopCrave dudando de si esto era el vídeo o no, Ariana Grande respondía personalmente que “este era el vídeo oficial”. Y nótese lo de “el vídeo oficial”, no “un vídeo oficial”. Por otro lado a otra usuaria en redes ha indicado que no: “he estado en el infierno literalmente y estoy haciendo lo que puedo para salir adelante. Pensé que esto os haría reír mientras esperáis el (vídeo) verdadero porque me he tomado un pequeño respiro para ocuparme de mí misma”. A la espera de averiguar si Ariana estaba bromeando en el primer mensaje o si está improvisando, os dejamos con el pequeño Piggy.

Las mejores canciones del momento: octubre

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Sebas E. Alonso
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Zahara / Hoy la bestia cena en casa: Raro pero muy pertinente regreso de Zahara en anticipo de la esperadísima continuación de ‘Santa’, con chicha y muchos ganchos aunque en principio no lo parezca.
Joe Crepúsculo / Quizá: El inédito del «greatest hits» de Crepus tiene también un interesante mensaje sobre la indiferencia hacia todo en la era de las redes sociales.
Roosevelt / Shadows: Otro de los divertidos sencillos del segundo disco de Roosevelt, aquí en clave disco.
IDLES / Danny Nedelko: ¿Quién dijo que el rock había muerto? IDLES demuestran todo lo contrario en este agitado ‘Danny Nedelko’ que pasó por “La Canción del Día”.
Villagers / Again: De Villagers escogemos esta vez la preciosa canción que abre ‘The Art of Pretending to Swim‘, un viaje cósmico pese a su arranque folkie.
Low / Disarray: Excelente nuevo álbum el de Low que se cierra con esta brumosa canción en la que no por todo el horror que contiene falta la melodía.
La Estrella de David / Cariño: Hipnótica canción que ha servido de segundo adelanto del nuevo disco que La Estrella de David (Beef, La Bien Querida) va a publicar en Sonido Muchacho.
Alexanderplatz / Odio el siglo XXI (bueno, y el XX también): Primer single del nuevo disco de Alejandro Martínez Moya de Klaus&Kinski, ahora en este nuevo proyecto en solitario. ‘Muera usted mañana‘ ya está en la calle.
Lana del Rey / Mariners Apartment Complex: Avance del próximo álbum que Lana del Rey prepara ya de cara a 2019.
Molly Burch / To the Boys: Deliciosa bossa con tintes country la de Molly Burch, en la que deja claro que ella es «la jefa» y viene a decir que no canta más alto porque no le da la gana.

AlunaGeorge / Superior Emotion: Los primeros AlunaGeorge, deliciosos y elegantes, vuelven en este bonito medio tiempo que han perpetrado con Cautious Clay.
Mariah Carey / GTFO: Estupendo «buzz single» para el próximo disco de Mariah Carey que… ¿acaso ha podido oscurecer un poquito al single verdadero del álbum, ‘With You’?
LCMDF / Another Sucker: Las hermanas finesas LCMDF vuelven tras 8 años y una de sus mejores dianas es este tema fresquísimo por el que Icona Pop matarían ahora mismo.
Jessie Ware / Overtime: Tras un tiempo inmersa en el R&B e incluso la balada latina más fina, Jessie Ware ha publicado un tema lleno de beats noventeros, en anticipo de nueva música que llegará próximamente.
La Casa Azul / Nunca nadie pudo volar: Alocado nuevo tema de La Casa Azul que estará incluido en ‘La gran esfera’ -su cuarto adelanto ya- que suponemos inminente.
Rusos Blancos / Señores: Pese a esa producción sucia que tanto gusta al grupo, nuevo himno generacional absoluto para Rusos Blancos. Atento todo el mundo a la letra.
Cariño / Llorando en la limo: Divertidísima adaptación al tonti-pop (y a mucha honra) de Cariño, desde Elefant, reivindicación de Family incluida.
Sharon Van Etten / Comeback Kid: Imponente avance para el próximo disco de Sharon Van Etten, que sale ya en enero, y que la sitúa más cerca de St Vincent.
Muse / Pressure: El quinto avance de lo nuevo de Muse es una de las canciones más directas y rockeras que han grabado en los tiempos recientes. Gran estribillo.
Agar Agar / Sorry About the Carpet: El dúo parisino compuesto por Clara Cappagli y Armand Bultheel nos ha dado una grata sorpresa con este single de su nuevo disco que nos lleva al electropop clásico de Kraftwerk o Jean Michel Jarre. Gran vídeo.

Sasha Sloan / Normal: Una de las protagonistas de «Revelación o Timo» últimamente ha sido Sasha Sloan, a la que encontrarás en los créditos de gente como Camila Cabello, Charli XCX o Tinashe.
Garbayo / Nitroglicerina: En la estela de los Strokes más inmediatos, Garbayo se lanza en solitario con este tema lleno de ganchos.
Lady Gaga, Bradley Cooper / Shallow: Tema principal de la banda sonora de ‘Ha nacido una estrella’, que está valiendo a Gaga algunas de las mejores críticas de su carrera.
Marta Tchai / Calle Durango: Bonita canción en la estela de Tulsa, Marilia o Antonio Vega de esta cantautora española, también impregnada de metales tex-mex.
Richard Swift / Sept20: Canción final del productor Richard Swift, contenida en su disco póstumo y en la que se despedía de todos nosotros.
Rostam / In a River: Sin noticias de Vampire Weekend, Rostam al menos nos entregaba esta canción hace algunas semanas, que tanto puede gustar a los seguidores de Beirut como a los de su grupo.
Chelsea Boots / Love On Me: Otra prueba de que en la actualidad todo fluye en las playlists del momento. El grupo madrileño Chelsea Boots, que tanto habíamos comparado con Phoenix, se entrega con elegancia a los ritmos reggaetón.
Kokoshca / Bom Bom: Y en la línea, los navarros Kokoshca aúnan lo latino con los sonidos de Joe Crepúsculo en este tema que culmina con un coro «ven a bailar».
Mala Rodríguez, Stylo G / Contigo: Otra colaboración sorprendente este año para Mala Rodríguez ha sido la perpetrada en Spanglish con Stylo G, todo sensualidad.
DJ Snake, Selena Gomez, Ozuna, Cardi B / Taki Taki: Algunos lo llamarán «guilty pleasure», pero en cualquier caso irresistible tema colaborativo que lleva 10 días en el top 1 global de Spotify, y además acaba de estrenar vídeo.

Diego de Carolina Durante nos habla bien o mal de Perro, Estopa, Biznaga, Family, Kings of Convenience, Shakira…

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Sebas E. Alonso
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Carolina Durante han sido uno de los grupos del año sin haber sacado disco al mercado. Cosas de los nuevos tiempos y de ‘Cayetano’. Las entradas para verles en concierto en el OchoyMedio de Madrid se han agotado con 2 meses de antelación, si bien este viernes 12 de octubre podréis verles gratis en Zaragoza y el sábado 13 de octubre en Razzmatazz, Barcelona, dentro del horario de club. Entradas anticipadas, aquí. Pasamos a Diego, líder del grupo, un test sobre sus discos favoritos.

¿Tienes canción favorita de todos los tiempos? En caso negativo, ¿una canción que te haya obsesionado últimamente?
Pues últimamente he escuchado mucho la de ‘Sin Ser Yo Nada de Eso’, de los Perro.

¿Qué canción fue la primera que cantaste o versionaste?
La primera canción que versionamos fue la de ‘Toda Esta Energía’, de Joe Crepúsculo, en nuestro primer concierto.

¿Alguna canción que asocies a un recuerdo infantil?
‘El del Medio de los Chichos’, de Estopa.

¿Qué canción desearías haber escrito?
‘Untitled’, de Los Punsetes.

¿Qué canción odias con toda tu alma?
‘Me enamoré’, de Shakira. Terrible, y lo que sonó…

Actuación vocal que adores.
Hay un vídeo de un concierto de los Kings of Convenience, en la sala Bataclan, donde cantan ‘Know How’ junto a Feist, que me flipa.

Momento musical exacto de una canción que adores.
Desde el minuto 1:43 hasta el final, de la canción ‘Jóvenes Ocultos’, de Biznaga.

¿Alguna canción que en algún momento te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el «guilty-pleasure”?
Muchas de Family.

¿Mejor secuencia de canciones en un disco que hayas oído?
Pues una de las que más me ha flipado en estos años ha sido una de John Maus, del disco titulado ‘John Maus’, ‘Shorts’. Ya sé que tiene tiempo, pero soy joven y lo descubrí hace relativamente poco.

¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
Pues muchas cosas, joder (risas).
Un remix que te haya vuelto loco.
Melii – Icey (Spanish Remix)

¿Sigues comprando discos? En caso afirmativo, ¿cuál fue el último que compraste y en qué formato?
Alguno compro, sí. Compré hace poco ‘Triángulo de Amor Bizarro’, de Triángulo de Amor Bizarro, en vinilo.

¿Tienes en casa reproductor de vinilos, CD’s y cassette o ya solo oyes música con el ordenador o el móvil?
Bueno, escucho música a través del móvil, utilizando altavoces (Spotify, no descargo nada, algo es algo). Nada físico, aunque de vez en cuando compre vinilos que me han flipado, tanto por sus canciones como su portada, pero lo hago por coleccionismo más que nada. He de decir que soy bastante tiquismiquis con el tema de la calidad del sonido, soy incapaz de escuchar música a través de los altavoces del móvil y me cuesta escucharla con el ordenador.

Fundación Víctimas del Terrorismo pide una disculpa a RTVE por entrevistar a Fermín Muguruza

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Sebas E. Alonso
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La presidenta de la Fundación Víctimas del Terrorismo, Marimar Blanco, hermana de Miguel Ángel Blanco, concejal del PP asesinado por ETA en 1997, ha solicitado a Televisión Española una disculpa por la emisión de una entrevista al músico Fermín Muguruza. La entrevista se ha emitido a través del Canal 24 Horas de la cadena pública y en el programa, La Hora Cultural, promocionaba su nueva película, ‘Black is Beltza’.

El comunicado de la Fundación Víctimas del Terrorismo recogido por El Diario critica que se «dé voz a alguien que se ha posicionado del lado de los terroristas» y que ha sido «denunciado en tres ocasiones por apología del terrorismo». Considera que la entrevista «favorece la estrategia de ETA y su entorno de blanquear su imagen». La Fundación «solicita una disculpa», pues Muguruza «ha dedicado una canción a exaltar la figura de dos etarras» y eso «atenta contra la memoria y la dignidad de las víctimas del terrorismo».

La presidenta de la Fundación recuerda la labor de RTVE en materia de terrorismo, que ha sido premiada en el pasado y pide a la nueva directiva «que se mantenga fiel al histórico respeto del ente público a las víctimas y no facilite ningún tipo de apoyo o coartada a la estrategia de falsear la historia del entorno etarra».

La película animada que presenta Muguruza reflexiona sobre la libertad a través de una historia de 1965, cuando «la comparsa de gigantes de Pamplona es invitada a desfilar por la Quinta Avenida de Nueva York, pero la racista administración prohíbe la participación de los gigantes negros». Entre los actores que han participado poniendo sus voces en distintos idiomas están Unax Ugalde, Rossy de Palma, Iseo, Sergi López o Emma Suárez.

No te pierdas: Papa Topo y La Prohibida, entre la copla, la varieté, el tecno y Dinarama en ‘Telenovela’

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Raúl Guillén
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El joven director Marc Ferrer tiene en sus Papa Topo a sus mejores aliados para dar soporte musical (y, de paso, promocional) para sus películas. Así, tras las respectivas bandas sonoras para películas como ‘La maldita primavera’ y ‘Nos parecía importante’ –que nos dejaron maravillas de los autores de ‘Ópalo negro’ como ‘La llamada‘ o ‘Mátame cariño‘–, llega ahora ‘Puta y amada‘, EP publicado por Elefant que compila las tres canciones que el grupo comandado por Adriá Arbona presta para el film de mismo título de Ferrer.

El disco, que se publica oficialmente esta semana y contiene tres inéditos: la versión de ‘Ese hombre’ de Manuel Alejandro con la colaboración vocal de Yurena, que ya conocimos semanas atrás; una canción compuesta por Adriá y Marc llamada ‘Éxtasis total’ e interpretada por Belinda y Delfina («el dúo de divas más inmundo y pop del momento»); y ‘Telenovela’, colaboración entre los propios Papa Topo y La Prohibida. Esta última se acaba de presentar con un vídeo que resulta tan imperdible como la propia canción: un delirio melódico que conjuga querencia coplera y de canción melódica (onda varietés) con una base de electropop que, en un momento dado, sufre una inyección de BPMs que lo eleva a la categoría de tecno, entre guiños a Dinarama, con esa letra ultradramática.

A la altura del irresistible, como decíamos, está el clip oficial, protagonizados por los propios Marc, Adriá y La Prohibida, una catarsis de flirteos, traiciones, sexo, coreografías amateur y melodrama sanguinario al más puro estilo del Almodóvar más trashy, que es sin duda una referencia recurrente en la filmografía de Ferrer. Él mismo, que obviamente dirige el vídeo, incluye una suerte de cameo de Pedro en los créditos. Papa Topo se embarcan esta misma semana en una gira por Sudamérica, mientras seguimos aguardando noticias de ese disco que La Prohibida logró financiar con un crowdfunding de récord.

Cranberries se despedirán con el disco ‘In the End’; Noel Hogan detalla su sonido y grabación

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Sebas E. Alonso
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Los miembros de Cranberries han concedido las primeras entrevistas tras la muerte de Dolores O’Riordan, para promocionar la reedición de 25º aniversario de su debut, planeada antes del fallecimiento de Dolores. Están hablando con selectos medios y si hace unas semanas hablaban con The Guardian, que en los últimos años de vida de Dolores hacían interesantes piezas sobre la banda; ahora lo han hecho con Rolling Stone, otro de los medios que también en vida mejor los trató, dándoles una portada en 1995 sobre la que O’Riordan llegó a bromear: «pues bien, otro millón de copias, más champagne».

Noel Hogan es quien habla ahora con Rolling Stone confirmando que a principios de 2019 saldrá un disco inédito de Cranberries, en el que el grupo había trabajado durante la segunda mitad de 2017. Se llamará ‘In the End’, como la última canción del álbum, y ahora el que fuera único co-autor en la banda junto a Dolores, se explaya sobre su sonido y desarrollo. «Es un álbum muy consistente. Sobre todo en cuanto a letras. Es muy emocionante. Cuando Dolores y yo hablábamos sobre el disco, se mostraba muy entusiasta. Me decía: «están pasando tantas cosas en mi vida y tengo tanto que decir…» Así que fui a Francia el junio pasado para empezar a escribir y empecé a mandarle cosas. Ella vivía en Nueva York en aquella época, y empezamos a dar vueltas a diferentes ideas. Para cuando llegamos a diciembre teníamos el álbum básicamente escrito. Sabíamos qué canciones eran las más potentes, qué canciones requerían un poco más de trabajo… Y entonces, literalmente hasta el día antes en que murió, y si ella murió un lunes por la mañana, me estoy refiriendo al domingo por la mañana, recibí un mail suyo con otra canción diciendo: «mira, no sé si te he mandado esta aún, pero escúchala y mañana hablamos»».

En las últimas semanas, los chicos han podido terminar el álbum. Cuando le preguntan cómo suena, Noel indica que es lo más cercano a los dos primeros discos que han podido hacer, tanto en sonido como en letras, indicando que es algo que han buscado. Como es obvio, Cranberries se despedirán para siempre con este disco, pues Dolores no solo era la voz de la banda, sino la autora principal. Noel, que en un momento de la entrevista dice que Dolores «era muy superior» a él como músico, así lo confirma: «Ninguno de nosotros quiere seguir tras esto. Y estamos contentos de tener este álbum final que ofrecer a los fans. Hemos tenido una carrera increíble, mucho mejor que muchas bandas. Creo que hemos escrito algunas grandes canciones, algunos grandes álbumes. Tenemos buenos recuerdos y hemos vivido experiencias que nos cambiaron a los cuatro. Nuestras vidas habrían sido muy diferentes si no hubiéramos estado en la banda. Pero los Cranberries éramos nosotros cuatro. No hay razón para seguir sin Dolores. Así que lo vamos a dejar después de esto».

En otro momento de la entrevista, responde que se está exagerando un poco por parte de los medios el estado mental de Dolores antes de morir e indica que desde el principio supo que ella no se había suicidado, en contra de lo que se estaba insinuando, pues había trabajado durante meses con ilusión en su siguiente álbum. También habla sobre los inicios de la banda o lo difícil que fue para Dolores socializarse en Irlanda cuando se hizo tan famosa. La entrevista completa la podéis encontrar aquí.

Los Planetas anuncian show en Barcelona con quinteto de cuerda y piano

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Sebas E. Alonso
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Las entradas para ver a Los Planetas en el 75º aniversario de la Sala Apolo de Barcelona el próximo 24 de octubre, por supuesto se han agotado. Sin embargo, el grupo andaluz volverá a la ciudad como parte de la gira de 20º aniversario de ‘Una semana en el motor de un autobús’. La cita tendrá lugar el sábado 10 de noviembre a las 22h en el Auditori de Barcelona y las entradas están a la venta.

Se anuncia como «un show único en el que Jota y Florent interpretarán el disco de principio a fin junto al quinteto de cuerda Cosmotrío y David Montañés al piano. Los arreglos orquestales han sido compuestos especialmente para esta serie de conciertos por Alonso Carmona, Germán Tejerizo y el propio David Montañés».

Continúan así los fastos de celebración de aniversario para el celebrado disco de 1998 que, pese a anticiparse tan pronto como en diciembre del año pasado, han llegado a los oídos de sus fans con cuentagotas, uno a uno. El grupo ha actuado en Madrid presentando el disco, pero en un evento con marca patrocinada; y también lo ha hecho en septiembre en el Auditorio Manuel de Falla de Granada, en aquel caso a los pies de la Alhambra con Jota, Floren y Eric junto a cincuenta músicos de la Orquesta Ciudad de Granada y el Coro de la OCG. Ahora la banda visita Barcelona con el formato reducido de este show. Os dejamos con un vídeo de ‘Segundo Premio’ de esa actuación, recordando que en Barcelona NO habrá 50 músicos sobre el escenario.

La Canción del Día: C. Tangana sufre más que nunca «cuando le miras así», bajo la dirección de Eduardo Casanova

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Sebas E. Alonso
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Una de las canciones más llamativas desde el principio de la notable mixtape que C. Tangana ha publicado este año, ‘Avida Dollars’, que continúa rondando el top 50 de los discos más escuchados del país, era ‘Cuando me miras’. Un maravilloso medio tiempo de R&B que tenía que ser single sí o sí (continúa entre sus temas más reproducidos de Spotify, lo cual es mucho decir) y que al fin tiene videoclip.

La canción era una delicada declaración de amor en la que el narrador pierde totalmente los papeles cuando ella le mira: «Se me cae el móvil al suelo», «Olvido las llaves dentro», «El pin al tercer intento» y Doy like sin quererlo» son solo los primeros desastres narrados en esta canción. En sintonía, C. Tangana aparece ahora ahorcado en el vídeo como para dar de comer a sus «haters» (ya le vimos muerto durante la presentación en directo de ‘Ídolo’ en La Riviera, un espectáculo en el que se cargaba al ídem).

Nada menos que Eduardo Casanova dirige ahora a C. Tangana, acompañado de Úrsula Corberó (‘La casa de papel’, ‘Snatch’) en este breve vídeo -como la canción- lleno de referencias religiosas. Tan breve que hay lugar para escuchar parte de la canción anterior y de la posterior de ‘Avida Dollars’. El vídeo sigue al 100% la estética del director de ‘Pieles’, en una mezcla de pulcritud y colores pop y sordidez que solo puede ser suya, también añadiendo el punto homoerótico que siempre tuvo San Sebastián, con Puchito atravesado por flores. Además de Corberó, también aparecen la culturista Paloma Parra junto a Llé Godoy.

¿Qué te ha parecido el vídeo de 'Cuando me miras' de C. Tangana?

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Camila Cabello se enfrenta a sus fantasmas en su vídeo navideño, ‘Consequences’

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Sebas E. Alonso
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Camila Cabello fue una de las triunfadoras anoche de los American Music Awards, donde se llevó cuatro premios, incluidos los de mejor nuevo/a artista y otros 3 por ‘Havana’. Pero la cantante decidió interpretar en vivo ‘Consequences’, una de las baladas contenidas en su debut en solitario, todo un éxito de ventas/streaming este año, y justo hoy estrena vídeo para la canción, que además presenta en todas las plataformas de streaming una nueva versión con orquesta.

La decisión de estrenar un vídeo para ‘Consequences’ solo puede querer decir que esta es su gran apuesta para la Navidad y el vídeo no puede reincidir en más tópicos, desde la caída de la hoja otoñal a la nieve invernal, pasando por la presencia de fantasmas simbolizando a los que ya no están con nosotros. Ella misma aparece como co-guionista de esta historia junto a Dave Meyers, que ha dirigido el videoclip.

Durante la promoción del álbum, Cabello detalló que para ella ‘Consequences’ era la continuación («las consecuencias») de uno de los singles principales del disco, ‘Never Be the Same’: «Siento que muchas de las canciones pueden estar en la misma historia, en distintas fases, y creo que ‘Consequences’ son las consecuencias de un amor que fue tóxico y difícil de sacar de tu mente. O del tipo de amor que comparas con el de los demás y ves que no es el mismo». Un par de interpretaciones salen, pues, del vídeo, la de la nostalgia y la de «sola estaré bien».

Javier Álvarez avanza ’10’ con la sencilla, bonita e inesperadamente oscura ‘el mar’

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Raúl Guillén
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“Sencilla y bonita”. Eso le dije al propio Javier Álvarez que pensaba cuando tuvo la amabilidad de dejarme escuchar ‘el mar’ cuando, semanas atrás, me recibió en su casa para ofrecerme una entrevista que publicábamos semanas atrás. Se trataba del primer single de ’10’, el primer álbum en casi una década que publica el artista madrileño y que ha sido producido por Ramón Rodríguez, The New Raemon. Foto de Jerónimo Álvarez.

Alejada de producciones más electrónicas de las últimas obras conocidas de Álvarez, ‘el mar’ presenta un sonido muy orgánico y acústico –en ese sentido, más conectada con sus comienzos–, con los clásicos guitarra-bajo-batería y voz como herramientas. De ese modo destaca la melodía vocal sobre todo, con Javier cantando en un tono notablemente alto, con una estructura envolvente y cálida hasta que, en su recta final, una leve subida de intensidad y una repetición inesperada ejercen un efecto mágico. A todo esto, su letra, entre refranes y dichos, habla de “las vidas como ríos” que nos llevan irremediablemente a un océano que, si no nos equivocamos, simbolizaría paradójicamente la muerte.

Un trasfondo oscuro que, a tenor de lo explicado por Javier Álvarez en la citada entrevista, no es extraño: esta obra es la primera que publica desde 2009 y, también, desde que se ha recuperado de una profunda crisis personal. “En 8 años me han pasado muchas cosas y quería contarlas todas en poco más de media hora, así que cuento tantas que hay densidad”, decía já –como abrevia él mismo su nombre– en aquel encuentro. ’10’ se publicará a través de Music Bus Records el próximo 26 de octubre y Javier ya ha anunciado el primer concierto de presentación del álbum, junto a su nueva banda: será el 19 de noviembre en el Teatro Lara de Madrid.

Selena Gomez, Cardi B, Ozuna y DJ Snake resisten volcanes y huracanes con su ‘Taki Taki’

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Raúl Guillén
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Podríamos decir que es sorprendente que ‘Taki Taki‘, el single de DJ Snake secundado por Selena Gomez, Cardi B y Ozuna, haya tenido mucho más éxito en España (esta semana es ya top 3) que en Estados Unidos o Reino Unido (apenas top 30). Pero en realidad no lo es porque, primero, está cantada al 50% en nuestra lengua, y después, lo hace el rapero puertorriqueño. Es sabido que «el negrito de ojos claros» (como se hace llamar) tiene un tirón comercial enorme en nuestro país.

Por eso muchos se alegrarán de dejar atrás el aburrido lyric-video con el que tenían que escuchar hasta ahora la canción y poder ver, al fin, el vídeo oficial que los 4 protagonistas de la canción han presentado. De hecho, ya es top 3 en las tendencias de Youtube España, siendo el vídeo musical más visto en sólo cuestión de horas. El clip está dirigido por Colin Tilley, que en el pasado ha dirigido piezas para Kendrick Lamar –entre otros, el polémico ‘Alright‘–, Nicki Minaj, Justin Bieber, Britney Spears (‘Slumber Party‘ con Tinashe), Iggy Azalea o Meghan Trainor.

El vídeo muestra al cuarteto totalmente inmune al efecto de volcanes, huracanes y un alud de señoritas en ropa interior (sólo en el caso de Ozuna), entre otras catástrofes. De bonita factura estética pero totalmente vacuo de fondo –tampoco es que corresponda en absoluto–, Tilley se limita a hacer planos chulos de cantantes y productor juntos y por separado. Mientras Cardi B gana premios, Ozuna acaba de publicar nuevo disco (‘Aura’) y Selena Gomez retoma ritmo tras sus problemas de salud, el productor francés continúa trabajando en un nuevo álbum que, muy probablemente, contendrá este ‘Taki Taki’.

Zahara anuncia las primeras fechas de presentación de ‘Astronauta’

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Raúl Guillén
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El pasado lunes 8 de octubre Zahara dejaba entrever con un teaser que su esperado nuevo disco se llamaba ‘Astronauta’ y que se publicaría el día 16 de noviembre. Aún dentro de la insinuación, Zahara venía a confirmar al día siguiente la noticia haciendo un retuit de nuestra propia noticia. Algo que, además, confirmaba después el nombre del álbum con un reportaje exclusivo para Telva. Un vídeo en el que charla con su amigo, el diseñador Moisés Nieto, sobre los looks que él diseña para sus conciertos y vídeos, incluidos los del vídeo de ‘Hoy la bestia cena en casa‘.

En su breve y amena charla, además de algunas anécdotas de adolescencia –son amigos desde que por entonces se conocieron en Úbeda– y moda, Zahara confirma el título de la obra y revela alguna clave sobre la estética del disco: la imagen de álbum y gira evocará la ciencia ficción. Aunque, sorprendentemente, los trajes mostrados en el vídeo de su primer single no tendrán nada que ver con esa estética porque –y aquí viene lo curioso y significativo– la canción tampoco es representativa del resto de sus temas.

Y, en este no parar de novedades, hoy Zahara ha anunciado las primeras fechas –pronto anunciará más– de presentación de ‘Astronauta’, a la vez que se ponen a la venta las entradas en su web. La gira comienza el 18 de enero en La Riviera de Madrid y prosigue el 25 del mismo mes en Las Armas de Zaragoza y el 26 en Barcelona (en Festival Mil·lenni 2019); ya en febrero, el día 1 estará en la Industrial Copera de Granada, el 2 en La Trinchera de Málaga y el 9 en Bataplan de Donostia. Su imagen en el cartel de la gira, a medio camino de Comando G y la propaganda soviética en la carrera espacial de los 60, podría ser a lo que se referían Zahara y Moisés en el vídeo anteriormente citado.

Cat Power / Wanderer

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Raúl Guillén
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Es significativo que ‘Wanderer’ sea el primer disco de Cat Power fuera del sello Matador desde hace más de 2 décadas, refugiándose ahora en el británico Domino. No es una cuestión comercial ni accesoria: Chan Marshall y su recién estrenado manager (Andy Slater, ex-ejecutivo de la multi Capitol) decidieron finiquitar su relación con el sello neoyorquino después de que sus ejecutivos la pidieran rehacer este nuevo disco –cosa que, como ha contado ahora, también sucedió con el exitoso ‘Sun’ (2012), a lo que ella accedió, convirtiéndose en su mayor éxito comercial– porque no era lo que querían. Chan ha explicado que uno de sus “jefes” incluso fue al estudio en el que trabajaba y le pidió que escuchara ’25’ de Adele, porque así era como un disco “debía sonar”. Su respuesta a sus ex-patrones, ya fuera de la compañía, llegó en forma de canción: después de aquello compuso ‘Woman’ que es, además de un histórico «que os jodan», una sonada colaboración con su compañera de gira Lana del Rey y también una de las canciones más bonitas e instantáneas de su carrera. Cuál debe ser la cara de esos ejecutivos en este momento…

‘Woman’ es prodigiosa en su (sólo aparente) sencillez y belleza, una canción exquisitamente construida y producida (una lid que Marshall ha vuelto a asumir en solitario), con un mensaje sobre el poder de la creación artística sobreponiéndose a las críticas encaminadas únicamente a lo comercial. “La palabra es lo único que siempre he necesitado / Lo único que de verdad necesito”, cantan Chan y Lana al unísono, como un himno. Pero es cierto que ‘Wanderer’ no es un disco “fácil” y que ‘Woman’ es, claramente, su canción más comercial. Imaginamos que el drama de un ejecutivo musical, como el de un crítico, es tener que decidir si una obra es válida, perdurable y emotiva desde un punto de vista comercial/artístico en cuestión de horas, a veces días. Y, en este caso, las primeras impresiones claramente traicionaron al equipo de Matador.

Porque ‘Wanderer’ es árido y hosco –sus acabados son, las más veces, gruesos, secos, ásperos–, haciéndolo parecer aburrido de inicio –resulta especialmente brillante en su núcleo central, pero pesado hacia su final–. Alcanzar a contemplar su belleza pura es una tarea ardua y, en ese sentido, el décimo disco de estudio de Cat Power está mucho más cerca de los álbumes más personales en la carrera de la artista de Atlanta que de los más exitosos, como el citado ‘Sun’ o ‘The Greatest’. El espíritu de ‘Moon Pix’, ‘You Are Free’ y, sobre todo, su primer disco de versiones –el extraño pero a la larga adorable ‘The Covers Record’ (no así el más ortodoxo ‘Jukebox’), claramente sugerido por la emotiva versión de ‘Stay’ de Rihanna– planea en canciones que, en su mayoría, apenas parecen esbozadas con guitarras y pianos solitarios, percusiones sólo ocasionales y voces (a veces ecos) dobladas por ella misma.

Pero, como piedras recogidas al azar de un camino montañoso, esas tonadas adquieren toda su envergadura lírica observadas detenidamente, con la atención y el cariño pertinentes. Así, uno va siendo cautivado por los detalles: el pianito tímido sobre un colchón de bongos y cuerdas apenas acariciados de ‘In Your Face’, las teclas austeras y de sonido vetusto de ‘Nothing Really Matters’, el cascabel y el bombo que, en modo mujer-orquesta, dan empaque a ‘Robbin Hood’, la guitarra eléctrica entrelazada con el piano solemne y las voces fantasmales –con un uso de filtros vocales parecidos a los usados por Bon Iver y Francis and the Lights– de ‘Horizon’. Fantasmas que acuden de nuevo a la fronteriza –por el sonido de la acústica y el estupendo empleo del español– en ‘Me voy’. Fantasmas de “la gente de generaciones previas que hizo esto antes que” ella, acudiendo a su “reverencia” hacia esos “vagabundos”: sus viajes cruzando de costa a costa desde Miami (donde ahora reside) a Los Ángeles junto a su hijo pequeño y sus guitarras para grabar este disco la han hecho identificarse como una trovadora contemporánea, inspirando el título y el espíritu de ‘Wanderer’, reflejado en las preciosas intro (de tintes celtas) y outro (esa misma letra, con emotivos metales y ecos de folclor indígena norteamericano).

En todo caso, ese aura del músico callejero e itinerante está más presente en lo musical que en lo lírico. Además del valor de las mujeres artistas, ‘Wanderer’ incluye en su temática la autocrítica ante el convulso momento político y social de su país (‘In Your Face’) o una llamada a la unión del pueblo como gran fuerza (‘Horizon’), a la vez que toca aspectos más íntimos. Ahí es donde Marshall muestra toda la fuerza de la palabra a la que aludía en ‘Woman’: todo el poder de su poesía emerge en canciones que exponen relaciones fracasadas, miedos, luchas con sus adicciones y problemas de autoconfianza y salud mental, como en ‘Nothing Really Matters’ (“How can other people’s ways / Be an estimate of your way of life? / Can’t the words, and birds, and trees, and earth / Be the same thing, and be just as right?”), ‘Robbin Hood’ (“When I walk from the bright side / Got to cover my head to my ankle or die / Ooh, Robbin / Ooh, Robbin Hood”) o ‘Black’, para el firmante la segunda mejor canción de este álbum. Una canción esquelética en la que Chan eriza el vello al establecer un símil entre el maltrato machista con la misma muerte, a la vez que establece el canon de su madurez como autora. Ese es, sin duda, el principal valor de ‘Wanderer’.

Calificación: 7,5/10

Lo mejor: ‘Woman’, ‘Black’, ‘Horizon’, ‘Stay’, ‘Nothing Really Matters’

Te gustará si te gustan: Bill Callahan, Joanna Newsom y otros autores que derrochan personalidad y poesía.
Escúchalo: Spotify

Bunbury denuncia en ‘La Hora Musa’ que hubo un «acoso y derribo» contra la cultura musical en España

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Sebas E. Alonso
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Bunbury fue el gran protagonista de ‘La Hora Musa’ anoche, interpretando varias canciones de su repertorio en solitario, como la reciente ‘La actitud correcta’ o el clásico ‘Lady Blue’, y también alguna de Héroes del Silencio como ‘Héroe de leyenda’. También hubo una entrevista en la que habló de su último disco ‘Expectativas‘ y, de manera más llamativa, sobre la ausencia de música en directo en televisión, con la que se mostró extremadamente crítico: «Hubo un tiempo en el que en la televisión había música en prácticamente todos los programas: había música en el programa matinal de Hermida, o en el de María Teresa Campos. Me acuerdo de salir en el Un Dos Tres, en otro programa que se llamaba 3×4 (…) Había música en todos lados. Eso es un bien que tiene un país. Cualquiera que hemos viajado más allá de las fronteras españolas sabemos que hay países en los que la música está en la calle, en un restaurante, en cualquier lugar, en países como Cuba, México… en Nueva Orleans… notas que la cultura forma parte de un país».

Continúa: «Aquí en España hubo un momento en el que era así. Desgraciadamente en los últimos 15 años se hizo un acoso y derribo y ha habido un gran vacío. Ha habido una generación que no ha mamado la música, y lo único que ha mamado es eso parecido a la música que suena en la radio. Es un pie de educación cultural que no tienen. Cojean». En ese momento se habría agradecido algún tipo de repregunta de Maika Makovski sobre a qué se refería exactamente con «eso parecido a la música» (aunque sabemos que no le gusta el reggaetón) o a qué asocia ese «acoso y derribo», aunque el programa parece que se centrará en preguntas blancas, nunca incómodas, y Makovski pasó en ese momento de tensión, de cuestionar el sistema desde dentro, a elogiar el último trabajo de Bunbury.

Por lo demás, el programa no decepcionó presentando un divertido reportaje-entrevista con The Lemon Twigs que incluyó una presentación acústica de ‘If You Give Enough’ en formato «radio edit», eso sí, pese a que el tema original no dura ni 3 minutos; una presentación en vivo algo exenta de carisma de Jorja Smith, que cantó dos temas; y dos actuaciones de Miguel Poveda desde una azotea barcelonesa.

Cabría pensar, en un país tan complicado como España para la «cultura musical» si los cuatro artistas protagonistas del segundo programa de ‘La Hora Musa’ tienen suficiente público en común como para hacer al programa funcionar. De alguna manera cuesta imaginar a un seguidor de Miguel Poveda interesado por The Lemon Twigs, pero traemos buenas noticias y es que el programa subió en audiencia: esta vez no fueron 249.000 espectadores sino 347.000 los que vieron el programa, con el share pasando de ser 1,7% a 2,3%. Además, ‘Cachitos de hierro y cromo’, inmediatamente antes, obtuvo un muy saludable 3,8% de share con 666.000 espectadores. Podéis volver a ver ‘La Hora Musa’ aquí.

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