La [2] de Apolo, una de las salas de conciertos más importantes de Barcelona, anunció este verano que cerraba temporalmente para mejorar sus instalaciones y “volver como nueva”. La nueva Apolo es ya una realidad y hoy anuncia sus novedades.
La mayor de ellas es la apertura en sus instalaciones de una tercera sala, la [3], con techo abierto y que será “tranquila” y contará con barra propia. El espacio tendrá una estética inspirada en la calle y compaginará “distensión” con “proyectos de creación musical y visual”. Esta sala dispondrá de una programación “diversa” como “workshops especializados, masterclass, conferencias, exposiciones, mercados y conciertos en acústico”, y a partir de 2018 se abrirá en su interior una cabina de radio y un taller de edición de imagen.
Por otra parte, en la [2] se ha ampliado aforo a 800 personas y se han abierto lavabos y camerinos nuevos. Acorde a esta ampliación, en su interior habrá dos barras en lugar de una, la nueva de las cuales será central. En cuanto a la programación nocturna de Nitsa, Apolo anuncia que este pasará a llamarse Astin en horario de club y que su programación se centrará en la música disco y house.
La sala anuncia además mejoras en su sistema de ventilación, de sonido y la apertura de nuevos accesos para personas con movilidad reducida. También arranca Escola de Rock, un “nuevo ciclo de matinales familiares” con el que la sala buscará acercar a las familias “la mejor música rock y pop de las últimas décadas”.
Gord Downie de The Tragically Hip ha fallecido finalmente a los 53 años después de que el año pasado se le diagnosticara un tumor cerebral. Así lo ha comunicado su familia: “Gord murió anoche plácidamente rodeado de sus queridos hijos y familia. Gord sabía que este día iba a llegar y su respuesta fue pasar este tiempo precioso como siempre, haciendo música, acumulando recuerdos y expresando una profunda gratitud a su familia y amigos por una vida bien disfrutada, a menudo sellada con un beso… en los labios”.
The Tragically Hip han sido desde finales de los 80 uno de los grupos más queridos de la escena canadiense, logrando 3 álbumes de diamante (o sea, 10 veces platino) explorando sonoridades folk rock similares a las de R.E.M., Pearl Jam o Wilco y emocionando a una generación de músicos que en los últimos tiempos le han rendido homenaje al recibir horrorizados la noticia de que su enfermedad era terminal. Ha sido el caso de Feist, que le dedicaba un precioso tributo.
El último concierto de Gord Downie con su mítica banda fue en agosto y deja un álbum en solitario preparado llamado ‘Introduce Yerself’ que saldrá este mismo mes. Será el 27 de octubre producido por Kevin Drew de Broken Social Scene. Por su parte, el último largo de The Tragically Hip salía a mediados del año pasado.
La semana pasada Promusicae estrenaba una nueva lista de álbumes que, adaptándose a los nuevos tiempos, en que menos de 100 copias vendidas sirven para llegar al top 100 en España y un par de miles para ser número 1, se mide qué discos son los más escuchados y reproducidos en plataformas de streaming como Spotify o Apple Music.
Esa nueva lista parecía pensada para el lanzamiento del nuevo disco de C. Tangana (Spotify se ha vinculado con la campaña en la lona de Gran Vía), pues no tiene edición física al menos por el momento. El notable y recomendado ‘Ídolo’ es naturalmente el álbum más reproducido en todo el país entre los días 6 y 12 de octubre, y es por tanto número 1 directo en esta lista, desplazando al puesto 2 a Ozuna con ‘Odisea’. En cuanto a ventas, ‘Idolo’ solo está disponible en plataformas digitales y logra una entrada tímida en el puesto 90, mientras Ozuna continúa sin reaparecer.
El éxito de C. Tangana no es una sorpresa precisamente después de que ‘Mala mujer’ haya sido doble platino como single (fue número 1 en los virales de Spotify pero «solo» top 5 en las listas oficiales), y de que ‘De pie’ haya sido capaz de entrar al top 100 nacional. Carne para los haters, a los que van dedicadas varias piezas del largo, como ‘Tiempo’ o la divertida ‘No te pegas’.
No es el único caso interesante que encontramos en la lista de streaming, pues Gata Cattana logra llegar al puesto 33 con su disco póstumo ‘Banzai’. La presencia de Kaydy Cain subiendo del puesto 56 al puesto 43, de Recycled J bajando del puesto 12 al puesto 36, de Bejo en el 82 o de Rels B en el 85 es reflejo sin duda de lo que está pasando en un sector importante del país. Repasamos esta lista de «streaming álbumes», con mención también para la de ventas.
1(E) C. Tangana / Ídolo
Primer número 1 oficial para C. Tangana en España, editado por Sony pero surgido y labrado en el underground durante más de un lustro, y dejando una duda: ¿qué pasará con el disco si es editado en físico? ¿Cuánto será capaz de resistir en el top 100 de streaming? Seguiremos informando.
21(E) Liam Gallagher / As You Were
Buena entrada en streaming para el disco de Liam Gallagher, que además es puesto 4 en ventas en España. Mientras, ‘As You Were’ ha arrasado en Reino Unido, siendo número 1 muy holgadamente, si bien solo puesto 30 en Estados Unidos. España, Italia y Suiza le dan sus mejores resultados en ventas, proporcionalmente, tras Reino Unido e Irlanda.
22(44) Lorde / Melodrama
La subida más fuerte en streaming de la semana es el segundo disco de Lorde, con motivo de su celebrada visita a Barcelona. En ventas el álbum no reentra en el top 100.
24(E) Arkano / Bioluminiscencia
El Langui, Nach, El Chojin o incluso Carlos Jean son algunos de los artistas invitados del nuevo disco de Arkano, que además de lograr una buena posición en streaming, es puesto 80 en ventas. Como en el caso de C. Tangana, mucho más potente en la red que en tiendas.
33(E) Gata Cattana / Banzai
El disco póstumo de Gata Cattana, que su familia ha podido terminar tras la muerte de la artista el pasado mes de marzo, aparece en el puesto 33 después de que varias pistas hayan estado entre los mayores virales del país.
46(E) Angel Stanich / Antigua y barbuda
El nuevo disco de Angel Stanich llega al puesto número 7 en ventas, cuando el anterior ‘Camino ácido’ fue puesto 76 en nuestro país. Su fidelidad se muestra también apareciendo por la lista de «streaming álbumes» en el número 46.
Muy buena entrada en ventas para La Bien Querida con ‘Fuego‘, de hecho la mejor que ha tenido, en el puesto 19. Y eso que aún no hay vinilo. Hasta ahora su mejor dato era ‘Fiesta’, que fue número 30 en ventas. Además, logra colarse en la lista de streaming casi a la altura de Sergio Dalma (!).
64(E) BSO Blade Runner 2049
Curiosamente la banda sonora de la exitosa ‘Blade Runner 2049’ ocupa casi el mismo puesto en ventas (#63) y streaming (#64). Es de Hans Zimmer.
69(E) Marilyn Manson / Heaven Upside Down
El nuevo disco de Marilyn Mason ‘Heaven Upside Down‘ es puesto 6 en ventas en España, pero en las listas de streaming queda por debajo de Angel Stanich o La Bien Querida, muestra de que el álbum está siendo adquirido principalmente por sus fans. ‘Heaven Upside Down’ ha sido número 7 en Reino Unido y número 8 en Estados Unidos.
71(E) Lil Pump / Lil Pump
La primera mixtape del rapero americano Lil Pump se cuela en la lista de streaming española aparte de ser número 3 en Estados Unidos.
93(E) BSO Descendants 2
La banda sonora de ‘Los descendientes’ está siendo reproducida en las plataformas de streaming aparte de ser número 54 en ventas.
Y en ventas…
Los discos que sí logran esta semana entrar entre los más vendidos pero no en las listas de streaming son ‘Todo es ahora’, un directo de Manolo García (puesto 2); ‘Alguien por quien vivir’ de Kele (no Okereke) en el puesto 18; ‘Quinto elemento’ de Tierra Santa (puesto 24); la reedición de ‘Los Ronaldos’ (puesto 26); ‘Campeón’ de Lagarto Amarillo (puesto 45); ‘Mozart’ de Juan Diego Flórez (puesto 54); ‘The Händel Album’ de Philippe Jaroussky (puesto 59); ‘French Touch’ de Carla Bruni (puesto 60); el ‘MTV Unplugged’ de A-ha (puesto 76); ‘Luminiscencia’ de Isma Romero (puesto 81), ‘Un tiro a la salud del imperio’ de Mi Capitán (puesto 88) y ‘Esperanza’ de Ricardo Lezón de McEnroe (puesto 91).
Amber Coffman, anteriormente integrante de los influyentes Dirty Projectors -ahora proyecto en solitario de Dave Longstreth-, es autora de uno de los discos más bonitos de 2017, un ‘City of No Reply’ que ha tardado un lustro en salir, pero para el que Coffman lleva preparándose toda la vida. Las circunstancias de su creación son algo intrincadas: Coffman lo produjo junto a Dave Longstreth, quien fue su pareja durante varios años, pero con quien ya no salía desde hacía tres cuando empezaron a trabajar en el disco. Sin embargo, al término de la creación del álbum, un misterioso acontecimiento truncaba su relación para siempre y Coffman y Longstreth ya no se hablan. Coffman insiste en que el disco no va sobre él, pero Longstreth publicaba este mismo año su propio disco, que sí parece hablar, más explícitamente, sobre ella. Sobre Longstreth, el precioso álbum de ella y otros temas hablamos con Coffman con motivo de su concierto en Barcelona, el 20 de octubre en la sala Apolo, dentro del marco de Primavera Club.
Felicidades por tu disco, lo he estado escuchando mucho, me recuerda mucho a los 70, que fue una época muy buena para la música.
Sí, escuché mucha música de los 70 durante la composición del álbum, es mi época musical favorita.
Has cantado una parodia de Donald Trump en la que imitas a Lana Del Rey a través de imágenes editadas de Ivanka Trump. ¿Cómo surge esta colaboración con Super Deluxe?
[El canal de comedia de Youtube] Super Deluxe hizo un vídeo de Alex Jones [NdE: controvertido periodista de Austin dedicado a las conspiraciones y a las noticias falsas] en el que representaban cómo serían sus diatribas si sonaran como una canción de Bon Iver. Es muy divertido. Yo siempre he querido actuar y hacer comedia, así que el vídeo de Ivanka Trump fue una buena oportunidad para mí, sobre todo porque es un vídeo de contenido político. Ivanka Trump tiene un rollo infantil que encaja con la voz de Lana Del Rey, y el modo en que ambas enuncian las palabras es parecido. Para mí fue un reto imitar a Lana porque su voz y la mía no se parecen nada, pero estoy contenta con el resultado.
«La parodia de Ivanka Trump no es una burla de Lana Del Rey en absoluto»
¿Ves alguna conexión entre Ivanka y Lana? Lana siempre ha sido muy patriótica, aunque ya no tanto, al odiar a Trump…
Super Deluxe tenían un montón de imágenes de archivo de Ivanka Trump delante de banderas americanas, supongo que de ahí nace la conexión. Evidentemente Lana tiene una relación muy fuerte con la cultura americana. Su trabajo evoca esta cultura de una manera curiosa, ligeramente irónica. Pero el vídeo no es una burla de Lana Del Rey en absoluto, ella me gusta.
¿Has leído los comentarios de Youtube del vídeo? Son muy divertidos… “Mi padre es mi padre, cantado por Lana Del Rey”, “No sé de quién se están mofando más, si de Lana o de Trump”, “¿una canción sobre el síndrome del padre ausente con un tono sexual de fondo cantado con voz monótona? La ha clavado”. Aparte de esto a la gente le ha gustado la canción y pide que esté en Spotify…
[ríe] Sí, el vídeo tiene ya cuatro millones de visitas. A mucha gente le ha gustado la canción, incluida gente de la derecha. Por supuesto ha habido reacciones encontradas con el vídeo, que en realidad es el objetivo.
Trump es conocido por acosar a mujeres y tú misma acusaste a un publicista, Heathcliff Berru, de haberte acosado a ti y a otras mujeres en el pasado. Ahora que eres solista, ¿ha sido difícil para ti como mujer solista afrontar ciertas situaciones por culpa del machismo?
Por suerte no. Me siento afortunada en ese aspecto. Revelar públicamente lo que me pasó me ha ayudado a conectar con muchas mujeres y descubrir lo afortunada que he sido en comparación con ellas. Yo he trabajado con gente fantástica.
«Revelar públicamente [el acoso que sufrí] me ha ayudado a descubrir lo afortunada que he sido en comparación con otras mujeres»
El primer single de tu disco ha sido ‘All to Myself’, en la que cantas “hay una voz en mi interior, es momento de que la escuche”. ¿Qué valoras más de trabajar y actuar en solitario? ¿Qué has ganado y qué has perdido al dar el salto?
Siempre he querido cantar en solitario, desde que tengo cinco años, así que hacerlo para mí ha sido un proceso natural. Me parece increíble haber tardado tanto en sacar un disco sola, pero siento que me he estado preparando para ello durante un buen tiempo. Sin embargo, a la vez siento que es algo nuevo para mí, porque siempre he tenido muchas ideas diferentes en mi cabeza, y ahora puedo realizarlas y hacer lo que quiera en cualquier momento.
La distorsión en las voces de ‘All to Myself’… ¿Cómo se han hecho? ¿Es un Prismizer?
Es autotune. Lo que se oye es una voz cantando a través de autotune. Hay una sección de vientos en el puente que suena igual que la voz con autotune, y curiosamente hay gente a la que le cuesta distinguirlos.
¿Qué ha inspirado esta canción? Tiene ecos a balada de Motown clásica, me recuerda a ‘When a Man Loves a Woman’ de Percy Sledge.
¡Interesante! Evidentemente hay discos que, al haberlos escuchado toda mi vida, los he terminado interiorizando, como ‘Perfect Angel’ de Minnie Ripperton o ‘Coat of Many Colors’ de Dolly Parton. Pero ninguna canción del álbum la compuse con el propósito de escribir un tipo de canción concreto. ‘All to Myself’ surgió durante un viaje en coche, la melodía del estribillo me vino a la cabeza mientras conducía por la autopista. Más tarde llegué a casa y di con los acordes de piano y la melodía. Escribí la canción así, de repente, en un día.
«Ninguna de las canciones “incómodas” del álbum tiene que ver con Dave. Las que lo son hablan de otras experiencias con el amor y el desamor que he tenido. Todas las canciones sobre él son positivas»
Trabajaste en ‘City of No Reply’ junto a Dave Longstreth [líder de Dirty Projectors], quien fue pareja tuya hasta 2012. ¿No fue incómodo para ambos trabajar juntas en determinadas letras de tu disco?
Ninguna de las canciones “incómodas” del álbum tiene que ver con Dave. Las que lo son hablan de otras experiencias con el amor y el desamor que he tenido. Todas las canciones sobre él son positivas. Y cuando trabajas con Dave, trabajas con Dave, que es un adicto al trabajo y una persona que, cuando se fija en una idea en el estudio, la persigue obsesivamente. Así que en el estudio siempre teníamos un millón de cosas que hacer, no había tiempo para otras cosas. Y por cierto, y ya he aclarado esto en otras entrevistas y no quiero seguir hablando sobre él, porque mi disco no es sobre él, cuando empezamos a trabajar en el disco, Dave y yo ya llevábamos tres años sin estar juntos. Eso es mucho tiempo.
Sí, de hecho el disco no es exactamente un disco de ruptura: en ‘Dark Night’ cantas “you can just call me, and I’ll be there’, ‘If You Want My Heart’ es optimista, en varios temas cantas sobre el amor a uno mismo… y el sonido del disco es muy brillante y bonito…
Varias canciones del disco empecé a escribirlas después de romper con alguien, pero más tarde estas tomaron un cariz más universal, porque cuando las terminé yo era una persona diferente.
«He escuchado el disco de Dirty Projectors una vez»
No quiero entrar en profundidad en el tema de tu relación con Dave Longstreth, pero su canción ‘Keep Your Name’, que dice “tu corazón dice línea de ropa”, “yo lo que quiero del arte es la verdad, tú la fama”, sorprende de alguien que ha colaborado con Rihanna y Kanye West. ¿Qué intención percibes en esta letra?
No voy a hablar sobre la música de Dave. La gente interpreta lo que está intentando decir en esa canción, pero yo no lo sé. No tengo nada que ver con ella.
¿Has escuchado su disco?
Lo he escuchado una vez.
«Me siento tremendamente honrada de ser parte de ‘Blonde’ [de Frank Ocean]»
Has cantado en ‘Nikes’ de Frank Ocean. Él no se prodiga mucho en público. ¿Cómo llega Ocean a contactar contigo?
Alguien en un campamento de composición nos puso en contacto hace unos años. Entonces, un día que estaba trabajando en Los Ángeles, sin yo esperarlo, me escribió. Durante dos años, [Frank] me escribía cada vez que estaba de paso por Los Ángeles. Quedé con él algunas veces para grabar. Soy una gran fan de lo que hace y me siento tremendamente honrada de ser parte de ‘Blonde’.
De hecho estás un poco metida en el hip hop: has colaborado con J. Cole, Snoop Dogg y Major Lazer. ¿Te interesa mucho el hip-hop? ¿Pretendes seguir colaborado con raperos?
Sí, claro que me gustaría. En cuanto al hip-hop me atraen raperos como J. Cole o Kendrick Lamar que tienen un mensaje muy potente. Pero me interesa hacer cualquier tipo de colaboración. Amo la música y me gustan todo tipos de música.
¿Qué proyectos tienes ahora? ¿Te gustaría sacar otro disco?
Me gustaría seguir escribiendo con colegas, solo por diversión, y quizá a finales de año montar una banda, como en los viejos tiempos… Más allá de esto, todo es posible. Tengo ideas en la cabeza, canciones que me gustaría escribir. Siento que estoy en un espacio creativo diferente ahora mismo y eso me emociona.
Por último, ‘No Coffee’ es una buena canción, suena alegre y el vídeo tiene un punto de humor. Me pregunto… ¿eres más de café o de té?
[suelta una carcajada] ¡Me encanta el café! Estoy bebiendo café ahora mismo. Pero también me encanta el té, tengo un montón de tipos de té en casa. Pero el café es una droga muy poderosa.
¿Conoces alguna tetería interesante en Los Ángeles?
He oído hablar sobre una tetería japonesa en Little Tokyo, pero nunca he estado. Esa es una buena pregunta. Me gustaría probar esa.
P!nk llega a su séptimo disco, el primero en nada menos que 5 años, en una posición envidiable. Consolidada como solista gracias a su buena mano para elegir unos segundos y terceros singles que incluso superan el éxito del primero (‘Just Like a Pill’, ‘Who Knew’ o últimamente ‘Try‘ y ‘Just Give Me a Reason’, dos de sus mayores hits), P!nk cuenta en la industria musical con una posición envidiable para cualquier hombre o mujer. ¿Cómo lo ha logrado? Especializándose en sleepers, manteniéndose fiel a su propio sonido, cediendo lo justito a las modas y alternando los momentos de fragilidad con otros en los que hace alarde de una enorme independencia. Empatizando, por tanto, con facilidad, con todos aquellos y aquellas que sufren y se caen, pero se refugian en la música para poder levantarse.
‘Beautiful Trauma’, esta nueva obra, es un disco marcado por el desamor, hasta el punto de que, a juzgar por sus letras, a pocos extrañaría que su matrimonio llegara en breve a su fin por mucho que hace solo unos meses la cantante tuviera su segundo hijo junto a su marido desde hace 11 años Carey Hart, con quien ya tuvo una fuerte crisis alrededor de 2008. Pero entre las muchas canciones que aquí hablan sobre el fin del amor, surgen otras uptempo que añaden energía y sentido del humor y sirven, de nuevo, para alzarse contra las adversidades.
«Quien quiera que dijera que el amor era dulce / bebió demasiado whisky / quien quiera que dijera que la vida era fácil / nunca ha estado cerca de mí» es una de las frases de ‘Whatever You Want’, uno de los números más pop y optimistas de este álbum que llega a cuestionar con angustia el futuro (‘Where We Go’) o a preguntarse amargamente qué ha pasado, dónde se nos rompió el amor. En el tema escrito junto a su fan y ahora estrella del pop Julia Michaels, ‘For Now’, plantea: «¿Podemos simplemente congelarnos en el tiempo, parar, reboninar y quedarnos allí?», mientras el single ‘What About Us’ habla más o menos de lo mismo aplicando hábilmente las sonoridades de los últimos Coldplay para ofrecer un himno agridulce y muy bien resuelto que esta vez va a estar difícil que supere un segundo o tercer sencillo.
Aunque Eminem puede ser una buena vía para lograrlo. Da un poco de pena que un tipo de 45 años y décadas de experiencia escribiendo no tenga más que un surtido de «sluts», «whores» y «bitches» para aportar humor a ‘Revenge’, pero la verdad es que la canción de venganza de P!nk, de esta mujer que quema habitaciones y pincha coches, como muestra la «traumática pero bonita» canción de apertura titular escrita de nuevo junto a Jack Antonoff de fun. (que también deja su impronta en ‘Better Life’), tiene bastante gracia aunque no comulgues con sus maneras violentas.
Dice ‘Revenge’ optimista que «me llevará un siglo curarme / pero al final lo lograré» y a ello apuntan temas tan veraniegos como ‘Secrets’ o tan animados como ‘Where We Go’ y sobre todo ‘I Am Here’. Lamentablemente en ellos P!nk ha confundido lo atemporal con lo viejuno y si ‘Secrets’ suena a Empire of the Sun un poco demasiado tarde, las dos últimas dan ganas de poner más a Morat que a Mumford & Suns, cuando no la canción dance con guitarrita de la radio de hace dos años (el remix de ‘I Took a Pill in Ibiza’, Avicii, Chainsmokers… esos parecen sus extraños referentes).
Aunque lo peor es que las baladas resultan bastante duras de roer por mucho que vayan sumado estribillos (‘But We Lost It’), traten de evocar con ternura a la infancia (‘Barbies’) o recurran a grandes consolidados co-autores. Ninguna llega a la altura de los zapatos de Adele (que es fan, por cierto), y eso que aquí aparecen varios de los responsables de ’25’. P!nk ya había trabajado con Greg Kurstin o Max Martin, pero ahora además suma a un Tobias Jesso Jr que no me puedo creer que disfrute un mínimo de la chillona y vacía ‘You Get My Love’.
En un mundo en el que las estrellas del pop son cada vez más un «si te he visto no me acuerdo», hay que celebrar la fidelidad y la constancia que genera P!nk, también atribuible a su uso de parámetros bastante rockeros. Algo que se termina echando de menos en este disco blando que deja muchas, muchas ganas de recuperar la irritante pero adictiva pero irritante pero adictiva ‘So What’.
Calificación: 5,2/10 Lo mejor: ‘What About Us’, ‘Beautiful Trauma’, ‘Revenge’ Te gustará si te gustan: Gwen Stefani, Alanis Morissette, Leona Lewis Escúchalo:Spotify
La norteamericana ‘Ozark’ no debe ser ubicada bajo el manido paraguas de series sobre crimen organizado, ni tampoco únicamente comparada con el gigante que fue ‘Breaking Bad’. Los protagonistas sí llevan una doble vida, pero aquí el núcleo familiar va de frente a todos los niveles, justo todo lo contrario del caso de Walter White, y por ahí encontramos más diferencias que parecidos.
Marty Byrde es un ejecutivo financiero en Chicago que, junto a un socio, se dedica a blanquear dinero procedente de un cartel mexicano. Pero a diferencia de White, Byrde toma la decisión de forma voluntaria y no por verse contra las cuerdas por obligación. Todo empieza con la convencionalista trama, por enésima vez, del tráfico de drogas, pero episodio a episodio la horquilla se abre, y es ahí donde ‘Ozark’ encuentra el hueco particular que la distingue del resto.
Para el protagonista principal de los Byrde, interpretado por Jason Bateman, que además dirige algunos capítulos, y por extensión para el resto de su familia televisiva, es norma fundamental la toma de decisiones activamente. Así queda más que expuesto en los primeros minutos, y es algo que se mantiene a rajatabla hasta el último episodio. A una serie de preguntas sobre si “¿el sueño americano ha muerto?”, o “¿ha desaparecido la clase media?”, Marty Byrde va presentando respuestas como que “ahorrar y acumular riqueza poco y nada tiene que ver con burbujas económicas, o con quién sea presidente de los EE UU”. La serie deja muy patente que el dinero no da la felicidad, ni tampoco tranquilidad, pero que sí es en esencia una unidad de medida de las decisiones que tomamos a lo largo de nuestra vida.
Es cierto que entre los argumentos de los detractores de la serie no faltan grandes verdades como: “Netflix no tiene catálogo propio, todo viene de otras cosas o está hecho de retales de otras”, o “hay detalles en ‘Ozark’ que no parecen verosímiles”, pero vendría bien recordar las ocasiones que hemos zanjado un hecho con un “la realidad supera a la ficción”. También hay quien ha tachado la serie como “viejuna serie de antihéroe masculino”, a lo que habría que objetar el carácter valiente y con iniciativa de prácticamente todos los papeles femeninos secundarios. Desde la adolescente que se impone a los pandilleros, a quien lleva los pantalones en la plantación de amapolas, y casi sentencia a bocajarro el final de esta primera temporada. Y no hay que olvidar el papelón de Laura Linney, nominada hasta en tres ocasiones a los Oscar, como esposa de Marty Byrde y uno de valores incuestionables en cuanto a interpretación, construyendo, junto con el resto del reparto, un desfile de acciones que transcurren con una curiosa terapia de consenso y humanidad en oposición a la violencia de los capos de la droga. Dentro del matrimonio -y aparecen un par de ellos- no solo no hay lobos solitarios que tomen decisiones por su cuenta. Se actúa en grupo, en familia.
A todo esto hay que sumar una fotografía impecable (no es muy recomendable verla en un dispositivo móvil o en el metro), una ambientación que nos hace -sin asfixiarnos- hiperventilar, una banda sonora que va de Kanye West a Radiohead, pasando por The Rolling Stones o Dj Shadow, y un ideograma al comienzo de cada episodio con música que no desentonaría en un álbum de The Knife. Una narcótica mezcla con pocas escenas montadas a tiros -por fortuna no se abusa de pirotecnia- lo mismo que sucede con la única de sexo. Eso sí, tan demoledora a lo largo del tiempo, a la par que tan oscura como lo es buscar a tu ex, o peor aún espiar a todos tus ex, en Google.
Calificación: 8/10 Destacamos: lo difícil que es presentar una receta distinta con los mismos ingredientes: narcotráfico, familia, dinero… También la relación familiar basada en valores de respeto, humildad y afecto, sin llegar a la ñoñería o al espíritu protector y arrogante de superhéroe que se enfrenta al supervillano. Te gustará si te gustan: las series sobre organizaciones criminales (‘Narcos’, ‘The Wire’, ‘Breaking Bad…’) o las familiares, desde los Monster a los Simpson, de los Fisher de ‘A dos metros bajo tierra’ a los Crawley de ‘Downton Abbey’, o tan dispares como los Pfefferman de ‘Transparent’ y los Alcántara de la eterna ‘Cuéntame cómo paso’. Predictor: pese a los grandes peros en casi todas las críticas favorables, ha renovado por una segunda temporada. Jason Bateman se debe poner las pilas si no quiere que esos peros vayan en aumento.
Uno de los referentes de la prensa musical mundial, Pitchfork, tiene una divertida sección llamada ‘Over/Under’ en la que un artista invitado valora si los ítems que le propone el redactor están sobre o infravalorados. Puede ser cualquier cosa, desde otro artista a un estupefaciente, pasando por comida, un personaje… cualquier cosa, vaya. En el ‘Over/Under’ de hoy, la invitada es Jessie Ware, en plena promoción de ‘Glasshouse’, el disco que publica este viernes 20 de octubre. Sus respuestas la han revelado como una mujer muy divertida (y malhablada, se nota que es amiga de Adele) que, además, no se ha cortado a la hora de echar en cara al medio la despiadada crítica que hicieron –lo puntuaron con un 2,8 sobre 10– de ‘÷’, el último disco de Ed Sheeran. ¿Quizá espera que a ella también le vayan a dar lo suyo?
Tras arrepentirse un poco de haber aceptado la entrevista al ser preguntada por Mr. Bean (“¿soy mala persona porque no me guste?”), pasa a valorar el hecho de comerse la placenta (“valoré la idea de congelarla (…) [pero] cuando miré esa mierda pensé “no quiero eso cerca de mí””), los tatuajes en el cuello, estar casada con un entrenador personal (como es su caso) o los grupos acapella (a los que adora, por cierto).
Pese a su enorme respuesta al ser preguntada por ’50 sombras de Grey’ –“¿Estáis tratando de joderme con estas preguntas? Es la mejor novela jamás escrita en todo el mundo. (…) Además, estoy en la banda sonora”–, lo mejor llega cuando le preguntan por Ed Sheeran. Su discurso es para tatuárselo (lástima que no quepa en un cuello tamaño normal): “Sí, hicisteis una encantadora reseña [de ‘÷’]. ¿Quién fue? Aquello fue jodidamente grosero, realmente mezquino, vosotros también sabéis que aquello fue la hostia de mezquino. ¡No lo reseñéis, joder! Si váis a ser tan mezquinos… aquello no me gustó. Especialmente porque fui compositora en ese disco también, así que… [Nde: co-escribió ‘New Man’ e hizo coros en esa y otras dos canciones] Creo que es un compositor increíble, y también increíblemente generoso, me ha ayudado mucho. Vuestra reseña fue muy muy vil, y me gustaría que dejarais esto [en el vídeo] y que os diculpéis [Nde: “fucking apologize”]”.
De hecho, Sheeran –que, por cierto, acaba de sufrir un accidente de tráfico con fracturas en ambos brazos– también ha colaborado en el nuevo disco de Ware: él, junto con la cantante y Francis Farewell Starlight, componen el baladón ‘Sam’. Ahora ardemos en deseos por ver qué opina Pitchfork de ‘Glasshouse’. Si queréis saber más sobre cómo plantea el medio del grupo Condé Nast sus reseñas, os invitamos a leer (o releer) la interesante entrevista que nos ofreció su presidente, Chris Kaskey, meses atrás.
Según el propio Ed Sheeran ha contado por medio de dos imágenes en su perfil de Instagram, en el día de ayer, martes 17 de octubre, fue atropellado por un coche mientras circulaba en bicicleta por la ciudad de Londres. Según los médicos, presenta fracturas en la muñeca de su mano derecha y el codo de su brazo izquierdo –tal y como demuestran las fotos–. Esto le obliga a cancelar sine die el tour asiático que se disponía a emprender en los próximos días.
Por el momento, ha cancelado conciertos en Taipei, Osaka, Seoul, Tokyo y Hong Kong. Los siguientes, dice, dependerán de cuál sea la evolución de sus lesiones. Obviamente, alguien ha tenido que redactar por él los mensajes que acompañan estas imágenes.
El año por tanto podría acabar solo regular para Ed Sheeran, que es sin lugar a dudas el triunfador del pop comercial en este año 2017, al menos hasta el momento. ‘Shape of You’ es uno de los singles del año y su disco, ‘÷’, lleva camino de ser el más vendedor de 2017 en todo el mundo si no lo impide, con nada más que dos meses por delante para lograrlo, ‘Reputation’ de Taylor Swift. El tercer álbum del cantautor británico, además, fue nominado de manera inesperada para el prestigioso Mercury Prize británico, provocando reacciones en contra incluso de algún compañero de profesión como Benjamin Clementine.
Según se había anunciado semanas atrás, lo próximo de Naughty Boy, el productor británico que triunfara años atrás como productor principal del debut de Emeli Sandé, además de singles como ‘La La La’ (con Sam Smith) y ‘Runnin´’ (con featuring de Beyoncé), será un disco de adaptaciones de clásicos de la Motown. Será su primer disco desde que publicara en 2013 su debut ‘Hotel Cabana’, un disco repleto de nombres propios del pop como los antes citados más Ed Sheeran, Tinie Tempah, Ella Eyre o Bastille.
El proyecto lleva por título Naughty Town y pretende homenajear al sello que propició el esplendor de la música soul en los años 60 y 70, reinterpretando algunas de las canciones que editaron en aquellos años. De nuevo, estará lleno de artistas invitados en el plano vocal, si bien de momento no han sido desvelados. Bien, en realidad sí que ha sido desvelado uno de ellos: se trata de Laura Mvula, la autora de discos tan fascinantes como ‘Sing To The Moon’ o ‘The Dreamer’ que, pese a eso, fue despedida por Sony Music con muy malas formas y de manera fulminante meses atrás.
Naughty Boy opina que este bache seguro hará crecer artísticamente a la cantante británica y, convencido de su talento, ha apostado por ella para interpretar su personal versión de ‘Dancing Machine’, publicada originalmente por The Jackson 5 en el disco de mismo nombre del año 1974 (podéis escucharla en un vídeo en directo más abajo). En la curiosa web del proyecto, una ciudad animada, podemos encontrar declaraciones de Shahid Khan y Mvula hablando de por qué escogieron esta canción y su método de trabajo.
En su versión, productor e intérprete ofrecen una versión bailable pero muy alejada del disco funk original, con Mvula aportando un toque jamaicano a su voz y convirtiendo los arreglos de metales del original en un hipnótico bucle vocal. Su vídeo, recién estrenado, muestra a un bailarín ataviado con un vestido de fiesta y tacones, haciendo sus pasos de baile en un túnel del metro.
Nueva edición de nuestra sección Sesión de Control, dedicada a las novedades nacionales más interesantes del panorama alternativo y/o independiente de nuestro país. Al final del artículo encontrarás la playlist de Spotify dedicada a esta sección que se renueva quincenalmente. Hoy añadimos en ella nuevas canciones de Refree, Josele Santago, Mariona Aupí, Mow, Los Bengalas…
Refree
Raül Fernández Refree, además de producir a artistas del calado de Lee Ranaldo, Kiko Veneno, Sílvia Pérez Cruz, Christina Rosenvinge o Rosalía, tiene su propia carrera en solitario. El pasado viernes nos sorprendía ha lanzado un álbum sin previo aviso, tan inesperado como su contenido: ocho cortes de música instrumental producto de la improvisación con tres marcas y tipos distintos de guitarras. Pese a sonar árido, lo cierto es que es una música profunda e inspiradora en la que converge su inventiva y versatilidad. Como dice la nota de prensa firmada por nada menos que Niño de Elche, “¿quién se atrevería a negar que en una nota de sus numerosas guitarras no se encierra o, mejor dicho, no se abre, el rock, la electrónica, el minimalismo, el pop o el flamenco?”
Marina Gallardo
Otra que nos ha sorprendido es Marina Gallardo, cuyo último álbum ‘This Is The Sound’ data de una ya lejano (o eso parece) 2012. La cantautora originaria del Puerto de Santa María publica el 27 de octubre en Foehn Records ‘The Sun Rises in the Sky and I Wake Up’, frase que podemos escuchar en la atmosférica y dreampopera ‘White Glances’, segundo adelanto del álbum tras la más convencional ‘Vanishing Fears’.
Xoel López
El que fuera conocido por su proyecto Deluxe, Xoel López, acaba de anunciar también la inminente edición de su 3er disco en solitario, sucesor de ‘Paramales’. Como aquel, ‘Sueños y pan’ (publica Altafonte el día 17 de noviembre) está influenciado por el folclor latinoamericano y el gallego(!), aunque conectado con la contemporaneidad a través de una producción electrónica y festiva. Es, al menos, lo que deducimos tras escuchar su primer adelanto, ‘Jaguar’.
The Unfinished Sympathy
Tras reactivarse el pasado año para, en principio, volver a tocar en directo, uno de los grupos de emo-indie-rock más importantes de la pasada década han terminado fabricando su primer disco desde que publicaran ‘Avida Dollars’ (2009). The Unfinished Sympathy, el grupo del que surgieron Joan Colomo y Eric Fuentes (y El Mal), vuelven además a sus orígenes (es decir, el veterano sello BCore Disc) para publicar ‘It’s A Crush!’ este próximo viernes, día 20 de octubre. En sus dos avances, ‘Sentimental Shock’ y ‘Goodbye/Hello’, sí parecen haber cambiado en estos años… pero a mejor.
Mariona Aupí
Después de formar parte de aquellos Fang que destacaran a finales de los 90 y primeros 00 con su rock á là PJ Harvey y después de sus aventuras músico-poéticas con Carlos Ann, Mariona Aupí lanzó al fin su primer disco en solitario en 2013, ‘Criatura’. Hace tan solo un par de semanas que le ha dado continuidad: en ‘Le Monde’, publicado por La Cúpula, pone de nuevo su expresiva voz al servicio de una lírica a medio camino de Corcobado o Nacho Vegas. ‘3500 días’, con ese clip tan inquietante –entre Lynch y los vídeos de gatitos–, es su estupenda carta de presentación.
Josele Santiago
La voz eterna de Los Enemigos, Josele Santiago, publicaba hace unos días ‘Transilvania’, su cuarto disco en solitario. En esta ocasión se ha atrevido, además, a ponerse en manos de un productor tan implicado y, digamos, invasivo como Refree. Su mano se percibe, por ejemplo, en las voces y sintes de esta ‘Saeta’ que, pese a su sonido abierto y optimista, habla de abusos sexuales por parte de miembros de la Iglesia.
Monserrat
Crowdfunding con final feliz: el grupo alicantino Monserrat alcanzó el objetivo que perseguían para financiar el lanzamiento de su segundo disco, ‘Navega’, y desde hace unas horas está disponible en plataformas de streaming. Como acostumbra la banda del también guitarrista de Rusos Blancos, Javier Monserrat, ‘Navega’ promete clasicismo de guitarras con Beatles, Byrds o Juan y Junior en el horizonte. Pureza.
Mow
El proyecto de Gabriela Casero era una de nuestras apuestas nacionales para este 2017. Tras lograr ser número 1 de nuestro top semanal y acrecentar su popularidad con temas como ‘Come As You Care’ –que pudimos estrenar y que se acerca a las 200.000 reproducciones en Spotify, el pasado 22 de septiembre dio su primer gran paso discográfico con ‘Wom’ su primer EP más o menos homónimo. Además, acaba de estrenar un veraniego y sugerente vídeo a cámara lentísima para ‘Grasiah’, su canción estrella que acumula más escuchas en Manhattan que en nuestro propio país.
El Coleta
Tras ‘M.O.Vida madrileña’, su disco autoeditado en 2015, y en medio de incesantes conciertos con Jarfaiter y Cecilio G., el singular rapero de Moratalaz acaba de anunciar la próxima aparición de un nuevo trabajo. ‘Neokinki’ se lanzará en varias partes, la primera de las cuales se llama ‘La Ruta´Los Xés’, “4 temas de bakalao revolucionario’ entre los que se incluyen aquel ‘Vota PDR’ con Niño de Elche, ‘Camarada cañero’ con Mueveloreina y este ‘Bakaluti Durruti’. Este sábado, 21 de octubre, presentará estas canciones en el festival Autoplacer 2017.
Los Bengala
Este dúo zaragozano se ha labrado una inmejorable reputación gracias a sus directos salvajes y fieros –sus camisas estampadas de tigre les vienen al pelo por algo más qu epor su nombre–, así que ya venía haciendo falta dar continuidad a su debut ‘Incluso festivos’. ‘Año selvático’, grabado durante varios meses debido a constantes interrupciones para proseguir su gira, promete más sudor, rock ’n roll desbocado y mucho estribillo. Por supuesto, seguirán presentándolo incesantemente: esta semana están en Palencia (día 20, Universonoro) y Guadalajara (día 21, Festival Fidegua).
Sí, ya nos hemos enterado de que ‘Despacito’ y ‘Mi gente’ lo han petado a nivel internacional este verano. También de que C. Tangana ha sido durante varias semanas el único artista español de todo el top 10 oficial del país. ¿Pero qué otras canciones han sonado hasta el hartazgo en nuestras fiestas privadas durante los últimos meses? Aprovechando que el otoño ha llegado al fin hoy a la capital y a otros puntos de la península y que mañana lo hará a Barcelona, después de varias semanas a 30 grados o casi, recapitulamos algunas de esas canciones nacionales alternativas del verano.
Una de las que pese a haber sido editada el año pasado no ha dejado de crecer hasta alcanzar los 4 millones de reproducciones en Spotify es ‘Fiebre’ de Bad Gyal. Saludando desde la prensa internacional, llenando su escenario en festivales como el FIB y brillando también en temas más recientes como ‘Jacaranda’, la catalana ha venido demostrando que no es precisamente flor de un día y por tanto abre nuestra playlist. Además, aparece en una de las canciones del recomendable EP del dúo LOWLIGHT, ‘Commotion’, actualmente uno de los virales más populares de Spotify.
Aunque también hemos bailado algunos de los hits de Mueveloreina, Sandro Jeeawock con One Path o Dellafuente y nos hemos reído a carcajadas con las canciones de Pimp Flaco o la argentina asentada en Madrid Ms Nina, el rock’n’roll está lejos de morir. Prueba son los petardos que han soltado Futuro Terror, La Plata, Tigres Leones y Cala Vento. Aunque quienes parecen haberse llevado definitivamente el gato al agua entre la nueva generación de público indie son Novedades Carminha: su canción con burla de Los Planetas ha arrasado.
Que el trap no tiene por qué estar reñido con la vieja guardia lo recuerda la versión de La Zowi de El Último Vecino, que no ha dejado de sonar en bucle en nuestros reproductores en todo este año. Y también lo sabe La Bien Querida, que ha colaborado con YVNG Beef en el pasado y ahora lo hace con algo así como su opuesto, Joan Miquel Oliver, en un single que se acerca a América como las nuevas generaciones, pero no tanto a Jamaica como a Colombia a ritmo de cumbia.
Otras propuestas de esta playlist de 20 canciones son más sui generis, como el delirante ‘Sexy Time’ de Alien Tango (en la imagen), el hit post-jangle pop de The Zephyr Bones, el country lo-fi de Tronco o el himno rrriot de Las Odio. Todo un contraste con las ambiciones de Alizzz, productor de C. Tangana, mucho más pendiente de las modas en el mundo anglosajón; o Dorian, como siempre fieles al synth-pop pero cada vez más un género en sí mismo.
“La música es un mundo muy complicado, te lo digo yo que he estado dentro. A un nivel más local quizás, ¿no?, pero he estado”, dice la monja encarnada por Belén Cuesta en ‘La Llamada‘ (lo siento, sigo fascinado por su interpretación). El Monkey Week, más que un festival al uso, es una oportunidad para que muchos grupos/solistas que están “a un nivel más local quizás, ¿no?” se den a conocer en la industria, y para seguir la pista a propuestas underground-que-tienen-pinta-de-serlo-cada-vez-menos. “Descubre hoy las bandas del mañana”, que dicen ellos. Con una asistencia cifrada por la organización en más de 10.000 personas por día, y más de 200 actuaciones, el festival se ha consolidado ya en Sevilla, donde se trasladó el año pasado desde el Puerto de Santa María en busca de un mayor perfil: en esta 9ª edición parece que lo ha encontrado y, aunque evidentemente no hemos podido asistir a todos los conciertos, sí hemos querido reseñar algunos. Las actuaciones se ubicaron en lugares repartidos por distintos puntos de la ciudad, pero siempre -exceptuando, en el día inaugural, el Teatro Central- alrededor de la Alameda, donde se podían ver de forma gratuita actuaciones en el Escenario Ron Contrabando y en el característico Escenario Happy Place X (o, como lo llamaba todo el mundo, “los coches de choque”). Foto Princess Nokia: Javier Rosa.
En el Teatro Central nos esperaba en el día de la inauguración, sentada con su acordeón, Baby Dee. La cantante y compositora de Cleveland repasó su repertorio acompañada tan solo por un guitarrista, al que después se uniría el español Víctor Herrero, a la hora de tocar ‘When I get home’. Ésta y ‘Calvary’ fueron algunas de las elegidas por la artista para trasladarnos a una noche en La Comarca de ‘El Señor de los Anillos’, todo esto aderezado, por supuesto, con la teatralidad y la carga gestual que la caracteriza. Se despidió con palabras nostálgicas sobre su tierra, y de un show difícil de olvidar pasamos a otro también difícil de olvidar, aunque por distintas razones. Ya lo avisaban carteles de la organización pegados por todo el recinto: “El show de Swans usa unos niveles de sonido bastante altos que son parte integral de la experiencia visceral, rogamos el uso de protectores auditivos” (que se encontraban en un recipiente debajo de cada cartel). Aun así, muchos asistentes lo tomarían como una exageración, puesto que, al empezar el concierto, pocos llevaban protectores… veinte minutos después, y tras un goteo de gente saliendo y volviendo a entrar, prácticamente todos llevaban.
Swans no solo nos desafiaban con respecto a su nivel auditivo, también decidían abrir el concierto con una canción de 45 minutacos: durante los tres cuartos de hora que dura ese experimento solo para directos que es ‘The Knot’ podemos ver retazos de las distintas etapas de la banda desde su reagrupación en 2010 (recordemos que, pese a formarse en 1982, en 1997 dejaron de estar activos). Michael Gira comenta que la gira actual es una despedida ante lo que será de nuevo una disolución de la banda (al menos, en cuanto a su formación actual), y para ello ha preparado esta experiencia en directo, en la que además de ‘The Knot’ hubo espacio para otros temas (como ‘Screen Shot’), y que encantó a sus incondicionales, interesó a quienes aún no les conocían, dejó atónitos a otros (“esto es para venir colocados, deberíamos haber pillado” recomendaba un chico a su amigo entre una canción y otra) e incluso llegó a hacer salir huyendo a unas señoras, que escaparon a los diez minutos diciendo “pero qué locura es ésta”. Los cimientos del Teatro Central seguían en pie al terminar el concierto, pero se comprende que la organización eligiese programarlos en un sitio así de alejado y no en el Teatro Alameda, que sería la principal sede de los conciertos el viernes y sábado.
Así, en el Teatro Alameda vimos al día siguiente un combo de conciertos que se sucedieron siguiendo aquello de “harder better faster stronger”. La primera en actuar fue Nathy Peluso: la madrileña de origen argentino rapeó varios de sus temas, como ‘Esmeralda’ o ‘Alábame’, deleitando a los presentes también con su selección de bases entre el jazz, el funk y el r&b. El público fue entrando en calor, y por supuesto no se resistió a bailar con ella cuando eligió el ‘Pon de Replay’ de Rihanna para despedirse. Pero eso no era nada comparado con lo que el público iba a sudar media hora después, cuando Ms. Nina apareció en el escenario soltando una de sus mayores bombas nada más abrir el show: el sonido de los primeros segundos de ‘Tu Sicaria’ hizo entrar corriendo a quienes habían salido a tomar el aire. Los asistentes no dejaron de perrear durante todo el concierto, pero sin duda hubo puntos de especial entrega: ‘Traketeo’, ‘Chupa Chupa’, ‘Chic’ y especialmente ‘Reinas’. Cerró el show un bis repitiendo ‘Tu Sicaria’, esta vez acompañada de varias chicas del público: “quiero que suban algunas sicarias sevillanas”, pidió Nina.
Y cuando la gente aún estaba recuperándose, llegó la que, más que una “princesa”, fue la reina de la noche (y, para quien esto escribe, del festival en sí): Princess Nokia abrió con sus tres temas más conocidos -‘Tomboy’, ‘Kitana’ y ‘Brujas’-, pero, a diferencia de lo que opinaba mi compañera Mireia al verla en el Sónar, yo no considero que esto hiciese perder fuelle a la actuación. Sin duda soltar esos tres temazos al principio era una decisión arriesgada, pero Destiny no dejó de derrochar una presencia, garra y actitud que hizo que no reparásemos en que el “trío de ases” se había soltado, y que hizo que nos importasen poco los pregrabados sobre los que rapeaba. Se podría hablar de anécdotas sobre su fuerte carácter en cuanto al momento en que paró la actuación para exigir a los técnicos que subiesen el nivel de sonido (su respuesta cuando le tiraron de la falda no la considero “de fuerte carácter”, sino algo lógico), pero Princess Nokia no es Azealia Banks, como demostraba en sus interacciones con el público, al que chocó la mano en múltiples ocasiones y con el que intentaba charlar chapurreando un español que le salía mejor de lo que ella parecía creer. “¿Cómo están mis muhere?” preguntó antes de recordar sus raíces españolas y la complicada situación actual de Puerto Rico. Aconsejó además a las chicas que se empoderasen y que, para evitar “regrets de abuela”, tenían que aprovechar cada momento a pesar de ser criticadas por ello. “Sé lo que hay, nosotras sabemos lo que hay, yo no soy otro rapero con la cabeza metida en mi culo”. Desde luego no lo es y, con solo un disco en el mercado, le espera un futuro muy interesante. Por cierto, que entre los que bailaban los temas de la neoyorquina estaban otros nombres del cartel, como la propia Ms Nina, Pedro LaDroga o Elena de Yawners.
Aunque era difícil alcanzar el punto del viernes, el Teatro Alameda aún tenía grandes momentos que darnos el sábado, como la demostración vocal de Rocío Márquez. “Tenía ganas de tocar en un festival como éste, con un público tan distinto al nuestro” aseguró la cantaora, que dio a conocer su último trabajo, ‘Firmamento‘, y nos llevó de paseo por distintos palos, incluyendo una minera que quiso incluir en el repertorio (“me apetece hacerlo porque es una antítesis meterla en un lugar como éste”). A continuación tendríamos la actuación de Cabezafuego presentando el inclasificable ‘Somos Droga‘: descalzo y acercándose al público, Íñigo dio cuenta de los temas de su último trabajo, pero también tuvo tiempo para otros del anterior ‘Camina Conmigo’, como ‘Cruces de Hierro’.
Distintas salas aledañas a la Alameda (y, ya de madrugada, otras más lejanas, como la Sala X, la Sala Even o la Sala La Calle) albergaron también conciertos destacables. Es el caso de la Sala FunClub, donde pudimos ver entre la decoración con Patti, Dylan y Morrison a Anxela Baltar y Violeta Mosquera. Las Bala dejaron alucinados a los presentes con la visceralidad de un directo en el que presentaban su nuevo disco, el reciente ‘Lume’ (comenzaron con ‘Colmillos’), y en el que también recuperaban alguna que otra del anterior, ‘Human Flesh’ -seguramente las gallegas dejaron callado al chico que soltó “verás tú la niña esa que viste una camiseta de Motörhead”. Antes que ellas también pudimos disfrutar de los canarios Red Beard, y viendo a la banda liderada por Jaime Fleitas desenvolverse tan bien en temas como ‘Nobody’s Gonna Bring Me Down’ se comprende que su reciente gira por EEUU haya funcionado: parecía que estabas en un pequeño concierto de rock sureño (y realmente lo estábamos, solo que en otro Sur).
Con solo un mes de existencia, el acogedor Vinilo Rock Bar albergó algunos de los conciertos, entre ellos el de Pedro LaDroga, habitual de la Sala Múnich (que se encontraba en este mismo emplazamiento antes de cerrarse). ‘Konfussion’, ‘Bien pero mal’ y, por supuesto, ‘Ke kiere ase’ fueron algunas de las elegidas por el sevillano para abrirnos las puertas de la oscuridad witch que caracteriza su trap. La psicodelia invadió la Sala Ítaca con los conciertos de Solo Astra, que presentaron su 7″ ‘Japanese Food’ y tocaron temas del debut ‘Exofase’, y de Alien Tango. A duras penas pudimos ver la camiseta de Pokémon que llevaba Alberto García, el cantante de estos últimos, y es que esa era la principal pega: la banda tocaba en el mismo suelo, lo que hizo que mucha gente intentase ver mejor subiéndose al escenario donde, en una noche típica de la Sala Ítaca, estarían subidas las drags haciendo lipsync (hubiese sido un puntazo mezclar ambos shows).
En el Escenario Jägermusic de la Casa Palacio Monasterio vimos a las Kelly Kapøwsky (no confundir con los vascos del mismo nombre), que presentaban su debut ‘Phantøm City’. Las catalanas llamaron la atención con un sonido a medio camino entre Warpaint y el ‘Secondhand Rapture’ de MSMR. Y finalmente acabamos donde muchos sevillanos acaban también la noche, en la Sala Holiday: no estaba como en otras ocasiones Carmen La Hierbabuena, pero nos esperaban tres conciertos muy interesantes. El viernes fue el turno de El Último Vecino, presentando el que para la redacción fue uno de los mejores discos del pasado año, ‘Voces’, y también temas de su primer EP, aunque el momento cumbre fue su notable versión de La Zowi: fue celebrada la mezcla de trap, The Smiths y el guiño a ellos mismos (‘La Noche Interminable’) de ‘Mi Chulo’.
Al día siguiente descubrimos a los Yawners, que eran solo dos pero hacían como cinco: la entregada voz (y guitarra) de Elena Nieto y la implacable batería de Martín Muñoz convencieron con su skatepunk noventero -con ambos mantuvimos además una interesante conversación que publicaremos más adelante. El dúo tocó las canciones de su único disco hasta el momento, ‘Dizzy’, pero también el reciente single ‘Arco Iris’. Y finalmente llegó una de las horas más esperadas: había que ver si el hype provocado por los distintos videoclips publicados desde el año pasado por Mueveloreina se materializaba en algo a la altura. La respuesta fue afirmativa: el público se sabía muchas de las letras, bailaba temas como ‘Voy’ y ‘Paradiso’, y estuvo especialmente entregado en ‘Cheapqueen’, en la dieantwoordiana ‘I Want It All’ (que los integrantes del grupo quisieron dedicar a los millenials) y, por supuesto, en la reivindicativa ‘Vivas’, con la que cerraron el concierto. Salvo catástrofe, Karma y Joaco son definitivamente carne de cabeza de cartel de aquí a (¿menos de?) un año. Lo cual demostraría, de nuevo, que los del Monkey Week tienen olfato. Foto MueveloReina: Mauri Buhigas.
La familia de Gata Cattana ha sido capaz de sacar este mes el disco que la rapera andaluza asentada en Madrid dejó sin terminar al morir el pasado mes de marzo al sufrir un choque anafiláctico (era asmática y alérgica). Muchas de las canciones que forman parte de ‘Banzai’ se han viralizado durante estos días, entre ellas esta ‘Mi burra’ que destacamos hoy y que cuenta con la participación de Bejo.
Pero no es la suma de Bejo lo que hace de ‘Mi burra’ una de las cumbres de ‘Banzai’, como lo son el corte titular o la melódica ‘El plan’, sino ese estribillazo tan Mala Rodríguez que se clava en el cerebro con suma facilidad («esta es mi burra y primo no me bajo, primo no me bajo, primo no me bajo»). Gata Cattana, que era tan buena rapera como muestra en la propia ‘Banzai’ o en el segundo verso de ‘Hasta el final’, carga aquí contra «ninis» a los que tiene «to chilling» (al fin «están aprendiendo algo útil», indica desafiante), recordando que «a mí sólo me pueden comprar con un submarino teledirigible».
El autor de ‘Hipi Hapa Vacilanduki‘, por su parte, contrapone la agresividad de Gata Cattana (ese «fusil todavía caliente») con unos versos bastante divertidos (aunque no tanto como otras veces, la canción es bastante solemne), como esa referencia al olvidado juego «piedra, papel o tijera», a sus propias «catanas» o ese tontísimo «pero por qué me comes la oreja, como si fueses las viejas / yo no sé de qué te quejas, deja a Bejo con su oveja».
Al margen de que ese «ahora sé que no vale una mierda pero que mañana valdrá el triple» que entona ella pueda resultar premonitorio, una gran canción, no la mejor del disco pero sí una de las más pop y por tanto una buena introducción para el mismo, que agradece la sutil producción de David Unison, de tintes R&B.
Tras salir a la luz el caso Weinstein, que implicaría a uno de los mayores productores de Hollywood en varios casos de acoso, continúan revelándose más sucesos similares. Reese Witherspoon ha dicho que sufrió abusos por parte de un director de cine cuando tenía 16 años, indicando que no fue un hecho aislado. «Siento asco por el director que me acosó cuando tenía 16 años y enfado con los agentes y productores que me hicieron creer que el silencio era condición para mantener mi empleo», ha indicado durante un acto en California, añadiendo que después los casos de acoso y abuso han sido habituales a lo largo de su carrera. Witherspoon ha dicho que después de todos los casos que han salido a la luz ha decidido hablar en voz alta, en representación de otras actrices y guionistas «sobre todo mujeres» que han tenido una experiencia similar.
Por su parte, en el mismo evento, Jennifer Lawrence ha dicho que durante su juventud una productora mujer la obligó a desnudarse junto a otras 5 mujeres para hacerla ver cuán gorda estaba. «Me dijo que tenía que perder 7 kilos en 2 semanas. La productora me hizo desnudarme junto a otras 5 mujeres que estaban mucho, mucho más delgadas que yo. Nos pusieron unas al lado de otras con solo unas cintas tapando nuestras partes. Después de humillarme, esta mujer me dijo que usara mis fotos desnuda para inspirarme para mi dieta». Lawrence acudió a otro productor para contarle el incidente, a lo que este añadió: «no sé por qué todo el mundo piensa que estás tan gorda, yo te veo follable».
Lawrence ha dicho también que «de manera extraña estos hechos van a unir a muchas mujeres» y que ahora sabe que no tiene «que sonreír cuando un hombre la hace sentir incómoda». «Todo ser humano tiene que ser tratado con respeto, como ser humano que es».
MGMT, otrora venerados por las masas gracias a hitazos como ‘Time to Pretend’ y ‘Kids’, y después ya por unos pocos por joyas como el disco ‘Congratulations’, vuelven 4 años después de su álbum homónimo. Durante días han estado compartiendo teasers en las redes sociales y ahora es el momento de conocer su nuevo single, un tema llamado ‘Little Dark Age’, que llega acompañado de un vídeo dirigido por David MacNutt y Nathaniel Axel. El tema es una producción de MGMT con Patrick Wimberly de Chairlift (parece que no solo Caroline va a hacer carrera) y el mítico Dave Fridmann, que también ha mezclado recientemente a Vetusta Morla. El disco nuevo se espera ya para principios de 2018.
‘Little Dark Age’ es tan esquiva como la última discografía del grupo (¿acaso alguien sigue esperando el nuevo ‘Kids’?), hasta el punto de que el estribillo dice “I grieve in stereo / the stereo sounds strange” (la letra completa está subida en el propio Youtube). Eso sí, existe un estribillo que se repite un par de veces, y podríamos estar ante un pequeño grower.
Por su parte el vídeo es la esperable ida de olla de MGMT, con más de un homenaje a The Cure y en concreto a Robert Smith y el vídeo de ’Lullaby’, pero añadiendo su típico toque surrealista, lujurioso y cool, aquí en forma de partido de esgrima y prácticas sadomaso muy de postal.
Continúan saliendo a la luz nuevos casos de abusos en la industria musical y cinematográfica tras el caso Weinstein y el de Björk contra Lars Von Trier (negado por este último), entre muchos otros. Kaya Jones de Pussycat Dolls ha acudido a Twitter para calificar el grupo «más como una red de prostitución» que como «un grupo de chicas». «La verdad es que no estaba en un grupo de chicas, estuve en un círculo de prostitución. Cantamos y fuimos famosas mientras todos los que eran dueños de nosotras hacían dinero», indicaba, antes de decir explícitamente que en el grupo tenían que acostarse con quienes les decían, bajo la amenaza de terminar con su carrera o incluso con «su vida» si se negaban.
Aunque quizá lo peor es que Kaya Jones recuerda que ya ha revelado esto en el pasado sin ocupar titulares. «En 2004 se lo dije a los ejecutivos de Hollywood, en 2005-2006 a la prensa y en 2011 lo volví a repetir. Ahora espero que quede más claro y que los medios me hagan caso». La creadora de la banda, la productora Robin Antin ha respondido que tan solo busca sus «15 minutos de fama», ha calificado sus palabras como «mentiras, ridículas y asquerosas» y asegura que Kaya ni siquiera llegó a ser miembro oficial de la banda, pues según ella tan solo lo estuvo en modo de prueba. Según Blast, estudia tomar acciones legales contra Kaya.
Jones fue miembro de Pussycat Dolls tan solo entre 2003 y 2005, aunque sí llegó a grabar voces para el debut del grupo-franquicia de burlesque editado en 2005, el que contenía su macroéxito ‘Don’t Cha’.
My truth.I wasn’t in a girl group. I was in a prostitution ring.Oh & we happened to sing & be famous. While everyone who owned us made the $
‘My Everything’, el segundo disco de Ariana Grande, vendió varios millones de copias y dio a su autora éxitos como ‘Problem’, ‘Break Free’ o ‘Love Me Harder’. Sin embargo, una persona ha decidido ahora detenerse en su portada, que resulta es todo un misterio. ¿Cómo demonios consiguió Grande sentarse en ese taburete con esa postura, sin utilizar su trasero, solo sus piernas, y cuando parece que, proporcionalmente, su trasero no se sitúa en apoyo alguno?
Jesse McLaren, redactor de Buzzfeed y humorista, ha tratado de averiguar el misterio probando la postura él mismo y ha sido un absoluto desastre. “Ni de broma ese culo está sentado en ese taburete”, ha escrito. Otras personas han probado la postura ellas mismas y han conseguido mantenerla sin demasiado problema, aunque claramente habiendo apoyado sus traseros en el taburete. Algunos creen por tanto que la portada de ‘My Everything’ simplemente es resultado de la edición digital.
Las réplicas de la portada son imperdibles y Grande lo sabe. La cantante ha estado atenta al misterio en Twitter y ha retuiteado el intento de pose de McLaren con el mensaje “la próxima semana en cazadores de mitos…” La intérprete de ‘Dangerous Woman’ no ha querido aclarar si su pose en el taburete de ‘My Everything’ es real o producto de un programa informático… ¿debería probar la postura más gente para animarla a hacerlo?
Tal y como la propia Annie Clark expuso al diseccionar la preciosa ‘New York’ para una emisora de radio, ese “héroe” al que alude en la canción se refiere en buena medida a Prince, Leonard Cohen o David Bowie, todos ellos desaparecidos en los últimos dos años, marcando una etapa trágica para la música popular. Precisamente Bowie, aunque ella nunca lo conoció ni colaboró con él, es una figura que emerge en varios sentidos al enfrentarse a ‘MASSEDUCTION’, el quinto disco de estudio de St. Vincent. Sobre todo, en cuanto a que, como sucedía con el artista británico, Clark se revela como una artista camaleónica, desafiante y magnética como pocos en su generación.
También emerge en forma de influencia musical, especialmente en una ‘Sugarboy’ cuyos coros remiten a ‘Boys Keep Swinging’ y a la etapa electrónica del Duque Blanco en los 90, si bien ‘MASSEDUCTION’ es un disco abierto a múltiples sonidos y texturas. Algunas reconocibles en toda la carrera de St. Vincent –como ese característico zumbido de su guitarra– pero muchas insólitas como ese lado funky tan Prince que refulge en las vibrantes ‘Masseduction’, el medio tiempo ‘Savior’ o la que se eleva como la canción más icónica de esta etapa, ‘Los Ageless’. Pero en esta producción que Clark comparte con el habitual John Congleton y Lars Stalfors (Foster The People) y, sobre todo, con Jack Antonoff, también encontramos guiños a Gary Numan, ABC o Depeche Mode, acentuando el carácter sintético de su sonido 2017.
Pero esa exagerada máscara de neón, brillantina, maquillaje, colores ácidos y estudiadas poses que marcan esta era y que tan bien reflejan sus fantásticos clips, son una especie de decorado tras el cual se esconde una realidad mucho más cruda, triste y cercana a lo terrenal de lo que aparenta (“I am a lot like you”, canta aparentemente al oyente en ‘Sugarboy’). Parece una especie de alegoría, como si quisiera mostrar que la artificiosa vida de lujo y fama que supuestamente le devino tras ganar el Grammy al mejor disco alternativo en 2014 y vivir un romance con la modelo, actriz, cantante (su voz, por cierto, es la que relata esa lista de pastillas para dormir, comer, follar… en ‘Pills’) y socialite Cara Delevigne tuvo, en realidad, tantos momentos oscuros como la de cualquiera.
De hecho, teniendo en cuenta que ha dicho que ‘MASSEDUCTION’ es su disco más íntimo, no resulta complicado entrever en estas letras la frustración de, precisamente, tener una relación sentimental con una celebrity (‘Slow Disco’, ‘Young Lover’) o lidiar con la normalización de las adicciones, ya sea a los estupefacientes (’Pills’), a la tiranía de los roles estéticos y de género (‘Los Ageless’) e incluso al sexo, parcela en la que deja algunos de los momentos más inspirados, divertidos y controvertidos del disco. Si en ‘MASSEDUCTION’ (“Seducción masiva”, más descriptivo imposible) asegura ser incapaz de controlar su libido (“no puedo detener lo que me excita / te sujeto como a una pistola”) entre referencias a Charles Mingus y Nick Cave, en ‘Savior’ detalla juegos de rol sexual (cuero, monjas y enfermeras) que esconden cierta culpabilidad e insatisfacción. Esa dualidad alcanza su máximo exponente en la amarga ‘Happy Birthday, Johnny’ –quizá dirigida al mismo ‘Prince Johnny’ de ‘St. Vincent’, aparentemente perdido en adicciones y que reprocha a Clark su actual estatus semi-estelar– y en la solemne ‘Smoking Section’, en la que aborda con cierto romanticismo y teatralidad la idea del suicidio.
Esa ambivalencia lírica también se traduce en el plano musical, con la tristeza salpicando aquí y allá un álbum que se cierra de manera lúgubre y con unos arreglos propios del Sufjan Stevens más emotivo, contrapuestos a esa exuberancia funk-soul de los singles que mencionábamos antes y algunos momentos en los que el estilo propio de Annie Clark se hace más reconocible (‘Fear The Future’, ‘Young Lover’). Pero eso no resta un ápice de coherencia y unidad a un disco que, más allá del fulgor de sus adelantos, va calando poco a poco. A ello contribuye un sonido espectacular, monumental, en el que se siente que cada uno de los implicados –y son muchos: aparte de los productores citados, encontramos el fabuloso piano del reputado Thomas Bartlett (AKA Doveman), el saxo de Kamasi Washington, la voz de Jenny Lewis, la steel-guitar de Greg Leisz, el bajo de mitos como Pino Palladino y Mike Elizondo o la singular colaboración del dúo de jazz Tuck & Patti, tío y tía de Annie que la iniciaron en el mundo de la música– da lo mejor de sí. Con Annie a la cabeza, que apenas emplea su guitarra para dejar retazos aquí y allá y, a cambio, se esmera en ofrecer una impronta mayúscula como vocalista.
Aunque es cierto que es un disco menos fácil de lo que dejan ver sus adelantos, y que parte del álbum parece sostenerse más en lo estético que en lo compositivo (da la sensación de que algunas de estas canciones –‘Savior’, ‘Pills’, exceptuando su majestuosa coda– quizá no resistirían la prueba de someterse a un tratamiento puramente acústico), no es frecuente encontrar en nuestros días un álbum tan icónico, personal, seductor, emotivo, cargado de significado y digno de ser recordado a lo largo del tiempo como este ‘MASSEDUCTION’.
Calificación: 8,8/10 Lo mejor: ‘Los Ageless’, ‘New York’, ‘Masseduction’, ‘Happy Birthday, Johnny’, ‘Smoking Section’ Te gustará si te gustan: David Bowie, Prince, Perfume Genius, Sufjan Stevens Escúchalo:Spotify
Normalmente un lapso de 3 o 4 años entre disco y disco ha servido de excusa para explicar por qué un artista ha perdido la mitad de sus fans, como ha sucedido a Madonna, Katy Perry o Lorde. Sin embargo, han pasado 5 años desde el último álbum de P!nk y sus seguidores no se han ido absolutamente a ninguna parte. De hecho, el disco que publicaba el pasado viernes va camino de convertirse en uno de los mayores éxitos de su carrera. Si no pasa algo gordo en el mundo del pop, ‘Beautiful Trauma’ va a ser el primer largo de P!nk que sea a la vez número 1 en Reino Unido y Estados Unidos.
Y lo será muy cómodamente. La previsión estadounidense es alucinante, pues Hits Daily Double prevé que se van a vender solo esta semana entre 340.000 y 370.000 copias en el país norteamericano ayudado por un «ticket bundle» de su próxima gira (se rozarían los 400.000 puntos sumando pistas sueltas y streaming). Sería, a la espera de Taylor, el mejor estreno para una solista femenina en este lugar de todo 2017 y uno de los mejores en general. Y Reino Unido no se queda atrás: no hay crisis ni piratería para la artista y ‘Beautiful Trauma’ ha vendido 48.000 unidades solo durante el fin de semana, por lo que el disco de plata (60.000 copias) está garantizado durante la semana 1.
Este entusiasmo del público, que cabía esperar tras la buena aceptación del resultón single ‘What About Us‘ y un segundo sencillo junto a Eminem, contrasta con la indiferencia de la crítica. No es que ‘Beautiful Trauma’ esté teniendo críticas nefastas, sino que a duras penas está siendo reseñado. De momento acumula solo 5 críticas en Metacritic (68/100), mientras Beck acumula 27 reseñas habiendo sacado disco el mismo día, y St Vincent, hasta 31.
El nuevo single de Morrissey se llama ‘Spent the Day in Bed’ (“me he pasado el día en la cama”), pero para su vídeo, el ex líder de The Smiths no se ha metido en ninguna cama, sino que se ha sentado en una silla de ruedas. Desde esta silla Morrissey interpreta la canción junto a su banda en un local vacío (hemos visto a gente cantando desde sillas con bastante más gracia).
En el vídeo aparece el futbolista inglés Joey Barton, de 34 años y que este año ha sido objeto de controversia, al haber sido suspendido 18 meses de la Asociación de Futbol por descubrirse que apostó 1.260 veces por partidos de fútbol entre 2006 y 2016, alguno de ellos contra su propio equipo, los Glasgow Rangers (los futbolistas tienen prohibido apostar). Barton reconocía su adicción a las apuestas en un comunicado. Él es la persona que cuida del “viejo Morrissey” en el vídeo.
‘Low in High School’, el nuevo álbum de Morrissey, sale el 17 de noviembre, acompañado de polémica también debido a su portada, que retrata a un niño portando un cartel en el que puede leerse “hachazo a la Monarquía”. Se desconoce qué relaciona a Morrissey y Barton más allá de este vídeo, pero os dejamos con una imagen de Barton hablando con el cantante que el futbolista colgó en Instagram hace unos días.
Tras las acusaciones de acoso sexual por parte de numerosas actrices de Hollywood contra el productor Harvey Weinstein, uno de los hombres más poderosos de la industria del cine, otros artistas y personalidades destacadas han acudido a las redes sociales para contar sus propias experiencias.
Björk ha sido una de las más notorias. La cantante islandesa ha acusado a un “director danés” de haber abusado sexualmente de ella durante el rodaje de una película. Esta persona solo puede ser Lars von Trier, el único director danés con quien Björk ha trabajado (en ‘Bailando en la oscuridad’). El propio von Trier se ha dado por aludido y negado las acusaciones en un medio danés.
Ahora, Björk ha querido sumarse al movimiento #metoo en redes sociales, iniciado por la actriz Alyssa Milano y que pretende dar visibilidad a la magnitud del problema del acoso sexual en la industria, y ha vuelto a Facebook para detallar su experiencia con el director, escribiendo una lista de los comportamientos y movimientos de naturaleza sexual que este realizó hacia ella y que ella considera “abuso sexual”. Los relata así:
1.- después de cada toma, el director corría hacia mí y me abrazaba durante un buen tiempo delante de todo el equipo o sola y me acariciaba durante varios minutos contra mi voluntad
2.- cuando después de dos meses de esto le dije que parara de tocarme, se enfureció y destrozó una silla delante de todo el equipo. como haría alguien al que siempre han permitido toquetear a sus actrices. luego nos invitaron a irnos a casa.
3.- durante todo el rodaje hubo avances sexuales constantes por su parte, a través de susurros muy incómodos y paralizantes, que para nada yo deseaba, y que incluían descripciones gráficas, a veces estando su mujer a nuestro lado.
4-. durante el rodaje en suecia, me amenazó con saltar del balcón de su habitación a la mía durante la madrugada con una clara intención sexual, mientras su mujer se encontraba en la habitación de al lado. yo escapé a la habitación de mi colega. esto es lo que me hizo darme cuenta de lo grave que era el asunto y lo que me hizo mantenerme firme.
5.- su productor se inventó historias en la prensa de que yo era una persona difícil. esto encaja perfectamente con los métodos y el acoso de weinstein. en mi vida me he comido una camiseta ni tengo muy claro que eso sea posible.
6.- no toleré ser acosada. ahí es cuando me describieron como la difícil. si ser difícil es plantarse ante ser tratada de esa manera, entonces lo soy.
Björk defiende que es “extremadamente difícil” publicar esta información cuando ha sido “ridiculizada” por su acosador, pero que espera su decisión ayude a otras mujeres que han pasado lo mismo, sobre todo “ahora que es el momento oportuno para que pueda haber un cambio”.
El próximo viernes 20 de octubre Bunbury publica ‘Expectativas‘, un nuevo disco de estudio que ahonda en ese sonido más contemporáneo que ya mostró en ‘Palosanto’ y que será presentado con una minigira otoñal en recintos de medio a gran tamaño de capitales como Santander, Barcelona, Madrid, Sevilla, Valencia y Zaragoza –toda la info, aquí–. Días antes tenemos la ocasión de charlar con él –vía mail, por una razón concreta que explica– sobre los recovecos de este nuevo álbum, su poso político-social, la herencia de Bowie o su admiración por Arcade Fire y LCD Soundsystem, además de su personal visión, producto de su dilatada experiencia –primero en Héroes del silencio, luego en solitario– y una postura inquieta, del panorama musical. Aunque, de momento, no traga con el reggaetón.
Mi primera pregunta es un poco como de Telediario, pero creo que es inevitable… El disco se titula ‘Expectativas’. ¿Cuáles son las tuyas sobre este lanzamiento? ¿Qué impresión te gustaría que sacara la gente de estas 11 canciones?
Intentamos siempre hacer el mejor disco posible, contando con las herramientas de las que dispones. Las canciones compuestas para la ocasión y tu talento para llevarlas al lugar que crees que les corresponde. Cuando editas un disco, el deseo siempre es el mismo, que esas canciones encuentren su destinatario, y que emocionen y las disfrute cuanta más gente, mejor. No tengo ninguna aspiración de artista de culto. Me gustaría gustar a mucha más gente. Pero no estoy dispuesto a realizar cambios que comprometan mi propuesta artística.
¿A qué te refieres? ¿Qué se te ha pasado alguna vez por la cabeza que hayas dicho «no, esto no puedo hacerlo»?
No me refiero a nada en concreto. Podría darle un determinado giro a una canción, a la producción de un álbum o a mi carrera entera, de manera que se acercara más a lo que funciona comercialmente en un momento determinado. Simplemente, no se me pasa por la cabeza hacer ese tipo de concesiones.
«Mis etapas más claras parece que se puedan dividir en trilogías»
Musicalmente es un disco muy rockero, continuando la línea de ‘Palosanto’, con numerosos sonidos sintetizados que hacen difícil ubicar la obra en un tiempo o un estilo concreto. ¿Llegaste a hastiarte del perfil más blues-rock fronterizo dylan-stoniano que mantenías en la pasada década?
Mi etapa inmediatamente anterior, miraba hacia las raíces del r&r: el country, el folk, el blues, hillbilly… Fueron tres discos que aunque tienen sus características individuales, pertenecen a esa búsqueda: ‘El Tiempo de las Cerezas’ (2006), ‘Hellville de Luxe’ (2008) y ‘Las Consecuencias’ (2010). Antes venía de una trilogía más centrada en el Mediterráneo, el cabaret y lo latino: ‘Pequeño’ (1999), ‘Flamingos’ (2002) y ‘El Viaje a Ninguna Parte’ (2004). Así que mis etapas más claras parece que se puedan dividir en trilogías. Ahora vengo de ‘Palosanto’ (2013), que es un disco que ya apuntaba a maneras más contemporáneas. Aunque creo que es en este ‘Expectativas’ en el que más claramente quedan apuntados mis intereses actuales. Los sintetizadores analógicos y digitales, secuenciadores y guitarras y baterías procesadas, junto al saxo más free y cercano al afrobeat.
Pregunto esto porque ‘La actitud correcta’ tiene un claro punto glam, ‘Lugares comunes, frases hechas’ y ‘Al filo del cuchillo’ unos bajos muy funkies… ¿Tenías una intención manifiesta de abrirte a nuevas texturas e influencias?
Creo que es un disco más contemporáneo, más alejado de ticks rockistas y con una producción más interesante y actual. Qué haya componentes más bailables me parece interesante, aunque no es la primera vez que lo hago. Pero sí que creo que esta vez, el disco tiene un carácter más homogéneo.
Vuelves a repetir como productor. ¿Te encuentras especialmente cómodo estando a los mandos? ¿Te han propuesto o te has planteado producir a otros artistas?
En mi carrera solista solo he contado con Phil Manzanera como productor en dos ocasiones. El resto de mi discografía la he producido yo. No estoy muy interesado en dejar mis discos en otras manos y que se transforme el concepto sonoro que deseo. Quizás si en algún momento dudo y no tengo claro cuál es el paso a seguir, sea entonces un buen momento para probar a trabajar con alguien.
«En mi caso, la producción es absolutamente innegociable. Me parece parte sustancial de lo que hago»
Ese «no estoy interesado en dejar mis discos en otras manos» es muy tajante. ¿Se debe a malas experiencias? ¿Cuándo decidiste que sería así?
No son malas experiencias. Son experiencias normales, que he podido disfrutar, pero… Cuando he trabajado en canciones sueltas con otros productores, en proyectos paralelos o lo que sea, veo cómo el proyecto se aleja, un poco o un mucho, de lo que tengo en la cabeza. Hay artistas de todo tipo. Algunos no se dedican a la producción, o no es algo que les importe tanto o no se sienten capacitados. En mi caso, la producción es absolutamente innegociable. Me parece parte sustancial de lo que hago.
Curiosamente, en un momento del cortometraje que avanzaba ‘Expectativas’ vemos que te encuentras incómodo con algo y te marchas de estudio. ¿Es más agotador trabajar así, llevando tú el peso de toda la dirección artística?
Bueno, es un momento en la grabación en la que no te sientes capaz de enfocarte lo suficiente. En una grabación hay momentos de todo tipo. De duda, confianza, alegría, emoción, descubrimiento, azar, magia, seriedad, sensatez o locura. Pero sí, como bien dices, participar como compositor, intérprete y productor te obliga a desdoblarte en múltiples ocasiones y no siempre estás en el lugar que te corresponde con el enfoque que necesitas. Pero es parte del trabajo y, creo, he aprendido a hacerlo y organizarme más o menos bien, la mayor parte del tiempo.
Una de las características de este disco, y de las cosas que encuentro más interesantes, es la profusión de vientos, sobre todo de saxos, que no puedo dejar de relacionar con David Bowie. ¿Qué supuso para ti su desaparición? ¿Has podido ver la exposición ‘Bowie Is’?
No, no la he visto todavía. Espero verla si coincide con mi próxima visita a la ciudad. Soy muy fan de Bowie. Es quizás mi influencia más importante. Aunque es difícil escapar de su influencia. Casi toda la música blanca que se hace en el mundo viene de influencia directa de Bowie o de Dylan. Son las dos influencias más potentes sobre la música popular.
«[En ‘Expectativas’] se buscan refugios en el Arte y en el Amor, principalmente, para aislarte y disfrutar de razones importantes por las que merece la pena levantarse cada día»
Ya la nota de prensa establece la relación de este disco con ‘Palosanto’, entre el contenido político-social de aquel y de este. Si entonces, en canciones como ‘Despierta’, se invitaba precisamente a eso, a levantarse y combatir con el empuje y la ilusión que supuso el 15M y otros movimientos para la ciudadanía, ‘Expectativas’ parece bajar los brazos, resignado al chocar una y otra vez con la realidad. ¿O queda esperanza?
Es cierto que es un disco más oscuro y con poco lugar a la esperanza. Aunque que creo que, en la segunda parte del álbum, se buscan refugios en el Arte y en el Amor, principalmente, para aislarte y disfrutar de razones importantes por las que merece la pena levantarse cada día.
‘Expectativas’ quiere retratar una distopía a lo ‘1984’, ‘Un mundo feliz’ o ‘Diamond Dogs’ que es tristemente muy parecida a nuestra realidad. ¿Qué es lo que te ha movido para escribir estas letras tan crudas y directas?
No hace falta mirar mucho a tu alrededor, ni leer demasiados periódicos, para llegar al descreimiento en nuestros gobernantes y su escaso interés por nuestro bienestar. Aunque este no es un disco político, solo intento reflejar un momento social concreto que es el que nos ha tocado vivir.
En algunas de ellas (diría que la más clara es ‘Parecemos tontos’) apuntas a la responsabilidad del ciudadano medio por encima de la de la clase política con la situación actual, y en ‘Supongo’ aludes a una evolución cíclica que nos impide salir del mismo punto. ¿Piensas que la situación es cada vez más irreversible?
Por supuesto que existe la posibilidad de revertir el curso de los acontecimientos. También es cierto que no se ve ni la voluntad ni el empuje ni la capacidad de lucha suficiente. Pero eso es a día de hoy. Puede que mañana cambien las cosas y pequeños detonantes o voluntades sinceras ayuden y nos veamos en un momento evolutivo distinto.
Imagino que el fondo tras ‘Cuna de Caín’ quizá es más genérico, pero cualquiera diría que está inspirada por la situación de estos días en Cataluña, ¿verdad?
Pues no está inspirada ni remotamente en el tema. Es una canción que escribí hace tiempo y está basada en una relación entre dos personas que no se soportan y necesitan poner tierra de por medio para na acabar el uno con el otro.
«Vetusta Morla y Love of Lesbian (…), León Benavente, Viva Suecia y Rufus T. Firefly. Todos ellos me parece que tienen un talento incuestionable»
‘La actitud correcta’ parece hablar de la estandarización del arte, e incluso aludes a un músico figurado que asegura que “su nuevo disco será la hostia” pero no tiene “ese no sé qué”. ¿Quién dirías que sí tiene ese pellizco/duende/lo-que-sea en nuestro país?
Hay muchos artistas que me parece que tienen algo único y especial en generaciones anteriores a la mía y que su larga trayectoria les avala. Y en la generación inmediatamente posterior a la mía veo grupos como Vetusta Morla y Love of Lesbian, con personalidad clarísima, en música y textos. Y otros que vienen y habrá que seguir, como León Benavente, Viva Suecia y Rufus T. Firefly. Todos ellos me parece que tienen un talento incuestionable.
¿Qué le dirías a quien te acuse de oportunista por mojarte ahora en cuestiones políticas y no haberlo hecho durante años?
El primer disco con canciones comprometidas fue posiblemente ‘Avalancha’ (1995) y ‘El Viaje a Ninguna Parte’ (2004) tenía también algunas canciones que mostraban posicionamientos claros. Y, claro, mis dos últimos discos de estudio: ‘Palosanto’ y ‘Expectativas’. De todas formas, no creo que haya que defenderse de ese tipo de acusaciones. No existe oportunismo menos productivo que pronunciarte en un país en el que el linchamiento está a la orden del día.
Se ha vuelto un arquetipo decir que el rock ya no es lo que era, que hay demasiado reggaetón y pop, que la música de guitarras es cosa del pasado… y, sin embargo, al margen de 4 o 5 artistas pop, en nuestro país la mayoría de los artistas jóvenes que venden discos –que al final es la vara de medir el éxito de nuestra generación, creo yo– siguen siendo bandas y artistas como Vetusta Morla, Iván Ferreiro, Los Planetas, Lori Meyers o tú mismo. ¿No crees que hay cierto victimismo, en realidad?
Supongo que tienes toda la razón y que en alguna ocasión hayamos pecado de victimismo. En mi opinión, el momento de la música de nuestro país, y el de las escenas colombiana, mexicana, argentina y chilena, es excelente. Discos y autores de gran calidad, con quizás algo menos de exposición en radio y tv que en otras décadas. Pero, creo también tenemos la posibilidad, vía streaming, de escuchar más música que nunca, y puedes atender a lo que ocurre en otros géneros como la electrónica, el country, el pop comercial o el jazz. Del reggeatón, no sé nada apenas, porque apenas lo he escuchado y lo que he escuchado no me pareció ni interesante, ni digno de reseñar. Pero puedo estar equivocado y que haya un Bob Marley o un John Lennon o un Miles Davis que desconozca.
«[‘Reflektor’] es un disco fantástico. Soy muy fan de Arcade Fire y de LCD y creo que James Murphy mostró una cara fascinante del grupo»
Vuelvo a la nota de prensa, donde se cita ‘Reflektor’ de Arcade Fire como posible reminiscencia para ‘Lugares comunes, frases hechas’. ¿Ha sido un disco que te haya influido o gustado especialmente, hasta el punto de que se cite ahí?
Es un disco fantástico. Soy muy fan de Arcade Fire y de LCD [Nde: Soundsystem, obviamente] y creo que James Murphy mostró una cara fascinante del grupo. Me encanta que veas esa reminiscencia en ‘Lugares comunes…’, uno descubre detalles donde menos lo espera. Ha sido una influencia (obviamente no la única), sobre todo en el diseño de producción.
Sabemos, por esas interesantes playlists que haces con lo que más te gusta de cada año, que estás muy al día de lo que pasa en el pop y el rock mundial. Por curiosidad, ¿estás entre los que adoran o los que odian el nuevo disco de los canadienses?
A mí no me parece el mejor disco del grupo, pero no me parece en absoluto un mal disco. Creo que tiene canciones muy buenas por las que más de uno de los que los critican darían un brazo o una pierna. Y aunque sea solo por “Creature Comfort” ese disco ya merece la pena. Creo que no hace falta posicionarse radicalmente entre el amor y la falta de respeto. Entre medio, se encuentran más detalles válidos y sutiles.
«O eres de Bowie o eres de Dylan. O sea, o te interesa el presente o te interesan las raíces. A mí me interesan los dos»
¿Sientes que es una responsabilidad para un artista estar al día en lo que pasa en la música? Pienso que es algo que es muy poco común, especialmente en artistas de tu generación y anteriores, y que sería muy sano e inspirador.
Creo que hay dos corrientes principales. O eres de Bowie o eres de Dylan. O sea, o te interesa el presente o te interesan las raíces. A mí me interesan los dos, pero por lo general a los músicos, sobre todo llegados a determinada a edad, empiezan a interesarse por saber de dónde viene lo que hacen y cada vez tiran más atrás hasta, como le pasa al propio Dylan, hacer música anterior a su propio nacimiento.
Por ejemplo, ¿qué dirías que te ha aportado colaborar con León Benavente o DePedro, o Vetusta Morla?
He colaborado mucho con artistas de distintos géneros, latinos, hispanos e incluso algún anglosajón. Y siempre es bueno, aunque sea por un momento, ponerse en la piel de otro autor. Comprender, asimilar sus recovecos, sus trucos y sus giros. Es parte de un aprendizaje que no debemos abandonar.
Por último, quería preguntarte qué hay que hacer para eso que, de tu generación, apenas tú y tus propios paisanos Amaral habéis logrado y parece tan difícil en este país: mantener vuestra vigencia durante décadas, uniendo a varias generaciones de público.
Las fórmulas del éxito o de la conexión con el público son complicadas de transmitir. No sé si era Boy George quién decía que era un 75% trabajo, un 20% talento y un 5% suerte. Yo no creo en la suerte. Creo que lo que proyectas es con lo que te encuentras.
Llama la atención que alguien como Enrique Bunbury escoja responder sus entrevistas vía mail, no personalmente, cuando precisamente suele preferirse lo contrario. ¿Por qué te resulta más cómodo?
No me resulta más cómodo. Todo lo contrario. Invierto mucho más tiempo y esfuerzo. Pero creo que merece la pena. Pienso mejor lo que quiero decir. Cuando son cara a cara, respondes lo primero que se te ocurre. Y, además, así me aseguro un poco más, el que aparezcan las respuestas escritas correctamente. Creo que de esta manera todos salimos ganando.
Continúa el salseo entre Marilyn Manson y Justin Bieber. El autor de ‘Heaven Upside Down’ ha vuelto a opinar en una entrevista de radio sobre el intérprete de ‘Sorry’ y la camiseta de Manson que vendió durante su última gira mundial, la misma que enemistaba a ambos artistas después de que Bieber dijera en la cara a Manson que le “había hecho relevante otra vez” gracias a la camiseta.
Manson dice ahora que no puede saber qué pasó por la cabeza de Bieber para que se le ocurriera vender esa camiseta porque él “no sabe cómo usar la mente de una ardilla”, pero que prefiere no pelear con Bieber porque él no pelea con “niñas”. Por otro lado, apunta que Bieber está “en un culto sexual religioso con la versión asiática de Dave Navarro” y que ahí no “lleva una camisa” [sic] (Navarro es integrante de Jane’s Addiction). Manson podría referirse a la iglesia de Hillsong, a la que el intérprete de ‘Baby’ se ha convertido recientemente, y que muchos fans especulan sería el motivo por el que canceló las fechas restantes de última gira mundial.
Manson valora de todas formas que Bieber “se identifique con la integridad que intento representar en la música rock”. “Pero si yo no lo hago, ¿quién lo va a hacer? Si tocas la cobra, te va a morder. Y si besas a la cobra, te va a envenenar”, ha apuntado. “No sé muy bien qué quiere decir esta metáfora, pero puedes absorberla y meterla en tu cerebro”.
Joaquín Sabina se encuentra en Latinoamérica promocionando su nuevo disco, ‘Lo niego todo’. Él había sido una de las primeras celebridades en opinar sobre el conflicto entre España y Cataluña, apoyando las palabras de Joan Manuel Serrat sobre la falta de transparencia del referéndum, que en su opinión ha creado una “gran fractura social”.
Durante una rueda de prensa en Quito, Ecuador, el autor de ’19 días y 500 noches’ ha respondido a unas preguntas sobre la situación de España y Cataluña, tras lo que ha vuelto a posicionarse en contra del referéndum, concretamente de los políticos catalanes que han “dividido Cataluña por la mitad, que es lo peor que puede hacer un gobernante”. Sabina ha defendido que “esto no es cómo lo están vendiendo y se lee en la prensa extranjera de que es Cataluña contra España, es Cataluña contra Cataluña”. El cantante lamenta además que esta división haya dado pie a que haya familias que “ya no se hablan entre ellas”, o “amigos míos que ya no pueden opinar públicamente porque quieran seguir siendo españoles».
En cualquier caso, Sabina se ha mostrado sobre todo enemigo de las fronteras, explicando que está “radicalmente en contra de alguien que quiera hacer una patria mas pequeñita teniendo una tan grande”. Ha continuado: “Yo creo que el siglo XXI es el siglo de borrar fronteras en lugar de hacer fronteras nuevas. Yo creo que Europa, donde vivo, los mayores males que ha tenido han sido por culpa del nacionalismo, [como] las dos guerras mundiales”. Consciente de la resonancia que pueden adquirir sus palabras, no obstante, el cantante ha querido aclarar: “Yo no soy un político ni un opinador político. Soy un ciudadano que se preocupa por las cosas que pasan en mi país».
La [2] de Apolo, una de las salas de conciertos más importantes de Barcelona, anunció este verano que cerraba temporalmente para mejorar sus instalaciones y “volver como nueva”. La nueva Apolo es ya una realidad y hoy anuncia sus novedades.
Gord Downie de The Tragically Hip ha fallecido finalmente a los 53 años después de que el año pasado se le diagnosticara un tumor cerebral. Así lo ha comunicado su familia: “Gord murió anoche plácidamente rodeado de sus queridos hijos y familia. Gord sabía que este día iba a llegar y su respuesta fue pasar este tiempo precioso como siempre, haciendo música, acumulando recuerdos y expresando una profunda gratitud a su familia y amigos por una vida bien disfrutada, a menudo sellada con un beso… en los labios”. 
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Amber Coffman, anteriormente integrante de los influyentes Dirty Projectors -ahora proyecto en solitario de Dave Longstreth-, es autora de uno de los discos más bonitos de 2017, un ‘
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La norteamericana ‘Ozark’ no debe ser ubicada bajo el manido paraguas de series sobre crimen organizado, ni tampoco únicamente comparada con 
Uno de los referentes de la prensa musical mundial, Pitchfork, tiene una divertida sección llamada ‘Over/Under’ en la que un artista invitado valora si los ítems que le propone el redactor están sobre o infravalorados. Puede ser cualquier cosa, desde otro artista a un estupefaciente, pasando por comida, un personaje… cualquier cosa, vaya. En el ‘Over/Under’ de hoy, la invitada es Jessie Ware, en plena promoción de ‘
Según se había anunciado semanas atrás, lo próximo de Naughty Boy, el productor británico que triunfara años atrás como productor principal del debut de Emeli Sandé, además de singles como ‘La La La’ (con Sam Smith) y ‘
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Sí, ya nos hemos enterado de que ‘Despacito’ y ‘Mi gente’ lo han petado a nivel internacional este verano. También de que C. Tangana ha sido durante varias semanas el único artista español de todo el top 10 oficial del país. ¿Pero qué otras canciones han sonado hasta el hartazgo en nuestras fiestas privadas durante los últimos meses? Aprovechando que el otoño ha llegado al fin hoy a la capital y a otros puntos de la península y que mañana lo hará a Barcelona, después de varias semanas a 30 grados o casi, recapitulamos algunas de esas canciones nacionales alternativas del verano.
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