Como ha venido anunciado ella misma en sus redes sociales, Azealia Banks tiene ya listo su nuevo lanzamiento. Se titula ‘Fantasea Two: The Second Wave’ y es, sobre el papel, la continuación de aquella mixtape titulada así y que lanzó en 2012 –de hecho, aquella estará incluida en el segundo disco del formato físico, ha asegurado–. Tras hablar sobre este álbum, que dijo que superaba en calidad a su debut oficial ‘Broke with Expensive Taste’, ya ha pasado a la «acción» y hoy ha presentado su primer adelanto.
Aunque parecía que ese papel iba a recaer en la canción llamada ‘Anna Wintour’, en la que colabora Mel B de Spice Girls y de la que, de hecho, ha mostrado un fragmento en Facebook, finalmente ha presentado ‘Movin’ On Up’, un tema producido por un dúo de Los Ángeles llamado Newbody. Además de en Tidal, también puede escucharse en Soundcloud y musicalmente sintoniza con ese dance noventero que caracterizó su primer disco. El lanzamiento, lógicamente, incluye su portada, en la que aparece completamente desnuda, apenas cubierta por purpurina y un estratégico emoticono pintado con «rotulador» negro.
Lo que es evidente es que Azealia Banks ha aparcado sus numerosas polémicas para centrarse en publicar su nueva música. Y, no contenta con eso, aún tiene tiempo de hacer versiones de temas de moda, como es el caso de ‘God’s Plan’ de Drake, del que días atrás avanzó un snippet de su remix en Instagram.
‘Lo malo’ de Aitana War se mantiene en el top 1 de lo más votado de la semana, mientras ‘El momento’ de La Casa Azul permanece en el puesto 2. Entre las entradas, la más fuerte es ‘IDGAF’ de Dua Lipa, seguida muy de cerca por lo nuevo de Janelle Monáe. Tom Boyle, La Bien Querida con su nuevo vídeo y Father John Misty están en el top 40 también desde esta semana. Nos despedimos de las canciones de Putochinomaricón, Charli XCX y Katy Perry al llevar ya 10 semanas en la parte baja de la tabla. Ya podéis escuchar nuestra nueva lista de novedades y votar por todas vuestras canciones favoritas aquí.
Las Chillers se han convertido en un fenómeno que no para de crecer: sus espectáculos en directo convertidos en verbenas-karaoke adaptando a un estilo punk-rockero clásicos de Rocío Jurado, Camela, Laura Pausini, Mecano, Mónica Naranjo o Diva International han pasado de ser un secreto entre colegas a llenar escenarios en festivales y arrastrar a montones de fans, entre los que se cuentan numerosas caras populares, desde los hermanos Vaquerizo a Christina Rosenvinge pasando por Ariadna de Los Punsetes o Soy Una Pringada. Y ese fenómeno llega ahora a un nuevo nivel: publicar su primer single compuesto por ellas –aunque hace no mucho ya mostraron su primera incursión en estudio, un featuring en la versión de Las Koplowitz de ‘Esta cobardía‘–.
La canción se llama ‘Siempre juntas’, ha sido compuesta, arreglada y producida junto a Luis Miguélez (la mano del miembro de Dinarama, Fangoria y Glamour to Kill se percibe claramente). Cuando hablamos con Rocío y Adela hace unos meses ellas la definían como una mezcla entre Aerosmith y Camela y, sin duda, acertaron de pleno en su definición. Reúne todos los clichés que rodean al grupo y que conforman su esencia: guitarrazos épicos que coquetean con el heevy, sintes ochenteros a todo dar y un toque lo-fi encantador. Mención aparte merece su portada, una fantasía de bodegón que incluye un miguelito de La Roda, una figura de Lladró (falsa, por supuesto), un cigarro encendido y un chupito de coñac (al menos, nos gusta creer que lo es).
Su letra sigue la misma filosofía, evocando el año 82 –no cabe duda de que ‘Siempre juntas’ podría haber sido un hit entonces– y recitando poblaciones de España, con moteles en los que dos mujeres se permiten amarse libremente. Su «somos reinas, no peones» se va a convertir en un grito de guerra bóller y/o feminista, no cabe duda. Esto merece un buen vídeo, chicas.
Modelo de Respuesta Polar publicaban a finales del año pasado su nuevo álbum, ‘Más movimientos‘, un disco con temas tan bonitos como ‘No me falles’ y con la pegada de ‘Sábados’ o ‘Tu canción’, tras la buena acogida que tuvo el anterior y el éxito de su gira con Izal. Hablamos con Borja Mompó ahora que presentan este largo en una gira por todo el país que incluye el Teatro Lara de Madrid este 8 de marzo y varias fechas del tour Girando por Salas:
2 de marzo – A Coruña – SALA MARDI GRAS (GPS)
3 de marzo – Santiago de Compostela – SALA MOON (GPS)
8 de marzo – Madrid – TEATRO LARA
9 de marzo – San Sebastián – SALA DABADABA
10 de marzo – Huesca – EL VEINTIUNO
16 de marzo – Cádiz – SALA EL PELÍCANO (GPS)
17 de marzo – Badajoz – SALA AFTASI (GPS)
24 de marzo – Palma de Mallorca – SALA RED
¿Qué está suponiendo para Modelo de Respuesta Polar este nuevo disco, ‘Más movimientos’, en comparación con vuestros otros discos?
Nos gustaría decir que es nuestro mejor disco o que son las mejores composiciones hasta la fecha, pero hace tiempo que no somos conscientes de lo que suponen cada uno de nuestros trabajos. Yo lo entiendo como una huida hacia adelante, en la que por el camino voy escribiendo y voy dejando notas mentales por si algún día me sirven para conformar un puzzle con algo más de sentido. Lo disfruto mucho, solo sé eso.
«Queríamos quitar toda la carga ceremonial que supone sacar un cuarto disco»
Sé que leíste la crítica que hicimos, y en ella apuntaba que el disco parecía un poco precipitado por lo bien que habían ido los anteriores. Supongo que no estarás de acuerdo…
Cuando empezamos a componer este disco tuvimos claro que el carácter urgente del mismo era lo que tenía que transmitirse. Por eso no son estructuras muy concienzudas ni estamos ante un setlist perfectamente tallado. Queríamos quitarle toda la carga ceremonial que supone sacar un cuarto disco. De ahí que en tu crítica apreciaras ciertas cosas inacabadas o canciones que no te encajaban del todo. Es una gran observación pero no pretendíamos mucho más que ser inmediatos. No obstante sí insistiré en que ‘Siempre’ es un temazo.
Veo que ya habéis empezado la gira, ¿cómo está funcionando? ¿Este era un disco pensado para el directo a juzgar por el ímpetu con que empiezan temas como ‘Planes’?
Es un disco para encontrarnos cara a cara con nuestro público. Es la primera vez que hacemos una gira extensa de salas y estamos descubriendo cosas que desconocíamos. Por ejemplo, a nuestros fans les gusta cantar las canciones. Cosa que antes no sabíamos y que nos alegra mucho. Fuera máscaras.
Llama la atención que la presentación en Madrid sea en el Teatro Lara, un sitio tan solemne. ¿Os impone tocar en recintos de silencio tan sepulcral donde se ven el triple todas las costuras?
Sí es cierto que vamos a tener que variar un poco el repertorio para sacarle el máximo partido al teatro. Venimos haciendo conciertos un poco más intensos de lo normal y nos va a tocar reconfigurar algunos detalles. Volviendo a tu crítica del disco, hay canciones que ponías en relieve, que por su ruidismo y por no quedar desmejoradas en un teatro, no interpretaremos.
Hay algunas guitarras eléctricas en este disco como sacadas del indie-rock americano. Por la entrevista que te hice otra vez no vi que el rock underground americano (y un pelín también el español) sea una súper influencia para ti. ¿Ha cambiado la cosa o es más cosa de grupo y productor? ¿Quizá consecuencia de las giras?
Es un poco suma de todo. Estoy realmente abierto a nuevas bandas y a cosas que me ayuden a ser mejor compositor. Tengo buenos amigos que me conocen muy bien y se han propuesto ampliar mi espectro musical. Esta semana estoy descubriendo a The Barr Brothers, la canción ‘You Would Have To Lose Your Mind‘ te vuela la cabeza. Todo tiene que notarse en los discos, de no ser así sería realmente decepcionante. Y a nosotros como músicos nos divierte jugar con nuevos sonidos. Venir de temas compuestos a guitarra y voz te permite tomarte ciertas licencias sin perder la esencia.
En el vídeo de ‘Sábados’ no es que acabes muy allá. Un poco de angustia, ¿no? ¿Fue tuya la idea? En caso contrario, cuando la escuchaste, ¿enseguida asentiste? ¿Te pegaba especialmente?
El clip fue idea de Alberto Van Stokkum. Hace tiempo que entendí que era muy importante no opinar de las cosas que no sabes y yo del lenguaje audiovisual no tengo la menor idea. Sigo sin ser especialmente fan de los videoclips pero últimamente estoy bastante a gusto con la gente con la que trabajamos.
«Muchas veces no pones el foco en una canción tuya hasta que alguien te lo dice. Nos pasó en el disco anterior con ‘Momentos similares'»
No puedo evitar esta pregunta: mi canción favorita del último disco es ‘Tu canción’ y resulta que al cabo de unos meses sale un macrohit de Operación Triunfo para Eurovisión llamado igual, ¿alguna opinión sobre esa otra ‘Tu canción’?
No la he escuchado, pero si es un macrohit espero que la SGAE se equivoque y me liquide los derechos a mí.
¿Y sobre la tuya? No es un single… ¿nunca te pareció de las que tenía más pegada?
Hay cosas muy curiosas en esto de escribir y es que muchas veces no pones el foco en una canción tuya hasta que alguien te lo dice. Nos pasó en el disco anterior cuando en el estudio Ricky puso en alza ‘Momentos similares’ y me ha pasado en este disco cuando dijiste que era una canción con potencial. Desde entonces la mimo más en los setlist y me esfuerzo en interpretarla con especial ahínco.
¿Sigues sin estar demasiado pendiente de la actualidad musical? ¿Alguna opinión sobre los temas en boca de todos: el exitazo mundial de ‘Despacito’ y ‘Mi gente’, la última edición de Operación Triunfo, la condena de Valtonyc…?
No me da la vida y ya apenas me reúno con mis amigos a tomar cañas así que imagínate lo puesto que estoy en la parrilla televisiva. Sí leo las noticias y sí me avergüenzo del fútbol, de los ultras rusos y los gobiernos que permiten que esto pase. Suspender las clases por un partido dice mucho de nuestro país y de los intereses económicos que hay detrás de todo esto. No siento más que aburrimiento y desdén hacia muchas de las cosas que suceden a diario en España.
¿Cuáles fueron tus discos o canciones del año el año pasado?
No sé si son los mejores pero creo que se quedan para siempre:
Love is Love – Woods
Ken – Destroyer
Prisoner – Ryan Adams
A deeper understanding – The War on Drugs
Sleep Well Beast – The National
Me ha gustado mucho el diseño del vinilo, con el logo y los colores de los títulos de las canciones antes de letras, en las mismas tonalidades que los colores de la portada. ¿Pero no está como al revés? La galleta del vinilo en sí naranja es de la cara de las canciones “verdes” y viceversa, así que al final no sabes qué lado del disco tienes que poner si quieres oír una canción suelta en alta fidelidad…
Totalmente cierto, espero que no se haya dado cuenta mucha gente de este error. En cualquier caso pocos fallos hay para lo apresurado del proceso. Ni te imaginas el apuro que me dio darme cuenta que en el vinilo no están los agradecimientos y sí en el CD. Me alegra que te haya gustado el diseño, creo que fue un acierto trabajar con Hábitos hermosos, que no son más que tres amigos apasionados del diseño y que me conocen como nadie.
‘Lo divino’ tiene una larga coda instrumental, que tanto en el vinilo como en el libreto del CD, sí tiene letra, que es como una parte de otra canción. ¿Y eso? ¿Es como una carta oculta para su destinataria? ¿Ha llegado finalmente la paloma mensajera?
Esa es otra de mis cagadas fuera de lo meramente musical. Soy bastante desorganizado y sencillamente lo que pasó es que envié a maquetar un trozo de letra que al final no entró en la canción. El mensaje siempre llega pero como decía antes, ni yo mismo sé el objetivo de todo esto.
A continuación, en ’Mucho para ti’, con una letra parecida, sales haciendo una parte en plan “spoken word”. ¿Cómo surgió esa parte? ¿Y te atreverás a llevarla al directo?
Surgió en el local de ensayo en plan, eso que acabo de hacer me da entre cosilla y me emociona. Lo difícil fue encontrar el sitio, estábamos entre una actitud spoken de Mishima y algo de mala leche de un Julio de la Rosa. En directo suena más al segundo y de verdad que acaba cogiendo cuerpo.
Hace 19 años del último disco de Everything But the Girl, pero es que hace ya 8 del último álbum en solitario de Tracey Thorn. Por supuesto hemos sabido de ella en este tiempo a raíz de su notable disco de villancicos ‘Tinsel and Lights‘ (uno de los pocos que recupero cada Navidad), sus libros, el recopilatorio, la banda sonora, sus artículos… pero ningún disco-disco («¡record!») desde que en 2010 nos reconquistara con ‘Love and Its Opposite‘, un estupendo álbum sobre el divorcio, la crisis de los 40 y el miedo a encontrarte en soledad en un bar a esta edad. No recibimos de Tracey Thorn todas las canciones nuevas que nos gustaría, pero al menos, cada vez que vuelve, los temas y a su vez los enfoques no son los habituales en el mundo del pop.
Y su música sigue siendo pop. Habría cabido esperar que de sus años de retiro musical surgieran canciones más intimistas e introspectivas, como sucede en los lanzamientos de su esposo y compañero en Everything But the Girl, Ben Watt. Tracey Thorn continúa apostando por un pop electrónico solo de vez en cuando bailable, mucho menos opresivo que el de la famosa remezcla de ‘Missing’ que aún suena en hilos musicales y gimnasios o el del estupendo ‘Walking Wounded’. En ese sentido, no hay sorpresa y de hecho se hubiera agradecido que Thorn, tantos años después, hubiera arriesgado con un productor que no fuese de nuevo Ewan Pearson, su persona de confianza de la última década, sin demasiado nuevo que decir.
Por suerte, las melodías están ahí. El primer single ‘Queen’ logra sonar festivo y desinhibido, autoafirmativo y a la vez irónico: es una buena representación del disco que Thorn ha querido hacer, pasando a hablar, tras haberlo hecho de «divorcio y hormonas», de una mujer liberada a la que después de media vida todo «le importa una mierda». El feminismo está muy presente en el segundo sencillo y canción central, una ‘Sister‘ de 8 minutos de duración que escribió después de asistir a las marchas de la mujer del año pasado, tras quedarse prendada de uno de los lemas, «I fight like a girl». ¿Es una vuelta de tuerca a una frase machista? ¿Hay sororidad y hermanamiento con la comunidad gay en el despreciativo «luchas como una nena»? Por supuesto, pero también, como nos contó en una entrevista que publicaremos próximamente, verdades como pianos. «Claro que lucho como una chica, ¡porque soy una chica!».
Los roles de género son los protagonistas de ‘Air’, un tema en la estela de ‘Mirrorball’, en el que Thorn recuerda lo que le afectaba de adolescente no ser la chica «femenina» que los chicos querían, para al final alzarse contra eso y concluir: «ya no me importa». ‘Babies’, entre referencias a condones y DIUs, habla sobre la elección de tener hijos o no tenerlos: de la no obligatoriedad de tener que tener hijos porque sí… pero también del acierto de haberlos tenido, en su caso, en el momento exacto en que ha querido.
Y también encontramos en ‘Record’ otras temáticas, como la gentrificación que está destrozando su adorado Londres y otras grandes ciudades como Nueva York, Barcelona o Madrid, en ‘Smoke’, en la que hace repaso de sus antepasados en la capital británica; o el amor en la era de las redes sociales en ‘Face’, sobre una mujer que se desmorona mirando Facebook al topar con un ex. No todas estas canciones están inspiradas en la vida de Tracey Thorn. La autora toma historias de sus hijos o amigos, frases sueltas o imágenes de la vida cotidiana para realizar interesantes reflexiones que van desde lo más privado (la mención expresa de familiares) a lo que nos interesa a todos: cumplir años, ligar en las redes sociales, pagar el alquiler, el miedo que da Donald Trump.
Tracey Thorn ha logrado hacer otro disco breve y universal, en el que apenas algún número como ‘Go’ está algo por debajo de la media. Y aunque hay mucha vistosidad en los arreglos a lo Daft Punk de ‘Dancefloor’ y el soul-funk de ‘Sister’, ‘Record’, llamado así porque lo que le gusta a Thorn es «grabar», hacer «discos» y no conciertos -de nuevo, no habrá gira-, nos regala también momentos intimistas que se crecen con el tiempo por encima del resto. Los singles bailables están bien, pero con el paso de las semanas, las canciones que hacen pupa son ‘Smoke’ y ‘Face’.
Calificación: 7,7/10 Lo mejor: ‘Face’, ‘Queen’, ‘Smoke’, ‘Sister’ Te gustará si te gustan: el otro pop británico, exquisito pero no tan masivo: Saint Etienne, Prefab Sprout… Escúchalo: Spotify
Alizzz es uno de los confirmados en la próxima edición del Sónar, donde realizará su dj set nada menos que entre Bonobo y Diplo. Ya había despuntado con su carrera en solitario pero sin duda su vida ha cambiado, como él mismo reconoce, después de haber producido ‘Ídolo‘, el gran éxito de C. Tangana, aún top 15 en España (streaming álbumes) 20 semanas después de su edición.
Hablamos con Christian Quirante sobre los detalles de ‘Ídolo’, sus inicios en Arkestra, o sus planes de futuro, que incluyen nada menos que a Javiera Mena, Jesse Baez, Juanes y posiblemente -solo posiblemente- su admirada Kali Uchis. C. Tangana presenta este viernes 2 de marzo ‘Ídolo’ en Barcelona y Alizzz estará obviamente por allí y en el after-party de Razzmatazz junto a Steve Lean y Livinglageinvenus, entre otros. Las entradas para el concierto son 20 euros en Ticketea, 28 euros para el concierto + after party. Foto: Alba Ruperez.
Hace bastantes meses que sacaste tu último EP de 3 canciones. Obviamente has estado liado luego con ‘Ídolo’ y ‘Guerrera’, ¿pero has podido avanzar algo este año con tu proyecto en solitario?
Sí, he estado haciendo otros singles, y trabajando con otros artistas, a raíz de trabajar con Pucho. He dejado un poco de lado mi proyecto, que tenía otro sonido bastante diferente a lo que he hecho con Pucho. Con todo lo que ha pasado este último año y todas las influencias, mi sonido ha cambiado mucho respecto a ese EP, ya no me reconozco ahí, de hecho. Sí que quiero seguir con mi proyecto en solitario, pero yo creo que va a tomar otra forma, otro sonido. Tengo canciones hechas pero tengo que cuadrarlo todo y encontrar la salida guay de todo eso.
«Mi sonido ha cambiado mucho respecto al último EP, ya no me reconozco ahí, de hecho»
Canciones tuyas como ‘Your Love’, y alguno de sus remixes o ‘Pull Up On Me’, son auténticos tiros para bailar o correr, pero tu producción y paleta de sonidos parece bastante variada. ¿Alguna canción tuya de la que estés particularmente orgulloso y por la que no te pregunten tanto?
Estoy muy orgulloso de mi EP en Arkestra de 2013. Me parece que se ha mantenido en el tiempo súper bien, cumple 5 años y aunque la producción no está tan afilada como lo que he hecho en los dos últimos años, tiene una frescura que no sé ni de dónde saqué, no me acuerdo de qué escuchaba, pero me flipa cómo se ha mantenido en el tiempo. La canción ‘In Chains’ la ha cogido DoJa Cat, una cantante de R&B de Los Ángeles, y se ha cantado algo encima. Ha hecho una canción nueva con eso y la ha metido en un disco suyo que saldrá por Sony.
¿Qué opinas de la deriva de Arkestra? Hay gente mezclando géneros desde el principio, tipo Bflecha, como tú, pero no todos han tenido tu recorrido…
Ojalá sigan sacando música, siempre que sacan algo es porque tienen algo que aportar, influir en los demás como me influyeron a mí. Yo creo que los ritmos de edición que hay ahora son muy jevis, hay que estar muy encima, hay que sacar música cada muy poco y si no tienes esa mentalidad, es complicado meterse en el mercado. Es lo que le puede pasar a Arkestra o a grandes artistas que hacen muy buena música pero les cuesta seguir el ritmo del mercado actual.
«Algo que estamos haciendo desde España es traer el sonido canadiense y norteamericano e integrarlo dentro de la música latina (…) enriquecer de manera más sofisticada y elegante el sonido latino»
Hay algún ritmo R&B, algo un poco Major Lazer en tu música, pero en general en solitario pareces mucho más británico que cuando trabajas con otra gente. ¿Te ves «British» a ti mismo, próximo a… yo qué sé, Basement Jaxx, Jamie xx, Charli XCX, Disclosure… gente así o no especialmente?
Hace un tiempo me veía más americano que British, la escena de Australia incluso. Pero me he ido alejando, me ha tirado mucho más Latinoamérica, África… y me siento parte de ese otro mundo mucho más. Me sigue molando lo que viene de Canadá, obviamente Estados Unidos o Inglaterra, pero me siento más parte de la sociedad donde vivo y donde me he criado.
Algo que estamos haciendo desde España es traer ese sonido canadiense y norteamericano e integrarlo dentro de la música latina. Al menos es lo que yo estoy haciendo, Pucho también. Es una seña definitoria de lo que estamos haciendo diferente al resto de latinos, enriquecer de manera más sofisticada y elegante el sonido latino.
Las listas británicas están un pelín aburridas desde la llegada del streaming, no parece tan fácil que se favorezca a talentos de la electrónica nuevos como hace unos años Disclosure o AlunaGeorge, por donde podías quizá haberte hecho un camino en aquellos años tú mismo. ¿Cuál es tu opinión al respecto?
Creo que no es momento de mirar hacia afuera ahora mismo. El mundo anglosajón es un mundo que no te quiere, he hecho esfuerzos para formar parte y hacerme un hueco. Alguna vez he estado cerca, y alguna vez me han dado con la puerta en las narices cuando parecía que ya estaba hecho, en plan sellos discográficos importantes, y me he sentido un poco frustrado por intentar entrar en ese juego. He notado más reticencia, son más escépticos a que alguien fuera de esa cultura entre ahí.
Estamos en un punto en el que desde donde estoy, en la sociedad y la cultura donde estoy, podemos desarrollar una carrera larga, importante, y que sea el mundo anglosajón el que luego venga para mí. No yo intentar ir para allá, sino crecer donde me quieren, donde empiezo a ser un artista más importante, y esperar a que si quieren… que vengan.
«Creo que no es momento de mirar al mundo anglosajón (…) Ahora mismo me interesa más trabajar con gente a mi alcance, artistas importantes de Latinoamérica que con los de UK y USA. Tienen una repercusión similar y me es más sencillo, agradable y gratificante».
A diferencia de lo que pasa con C. Tangana, tus principales oyentes en Spotify están en Chile, Los Ángeles y México, por encima de Madrid o Barna, ¿a qué crees que se debe? Y sobre todo, ¿ves tan lejano trabajar con vocalistas de primera línea de UK o USA?
El mundo anglosajón es muy reticente, como te digo. Ahora mismo me interesa más trabajar con gente al alcance, artistas importantes de Latinoamérica, que los de UK y USA. Tienen una repercusión similar y me es más sencillo, agradable y gratificante. Pero no lo veo lejos tampoco, estoy dando pasos, estoy mandando canciones y pueden pasar cosas. Pero no lo veo como algo a lo que aspirar, sino como algo más. Para mí ahora mismo los artistas importantes no depende de en qué país estén. Si viene alguien de UK y USA, bien, pero si no, ya tengo gente importante con la que trabajar en el plano latinoamericano.
¿Nos podrías mencionar un par de los proyectos o mixtapes o canciones que te hayan encandilado en los últimos 3-4 meses?
Creo que a la que he estado más enganchado este año ha sido a Kali Uchis, en especial a ‘Nuestro planeta’ con Rude Boyz, un tema más reggaetonero pero súper classic. Luego mucho africano, tipo Wande Coal, Davido, Tekno o Mr Eazi. Si me tuviera que quedar con un tema sería ‘Skintight’ de Mr Eazi, igual es el que más he escuchado. Saliendo de eso, dvsn, que son de la esfera OVO de Drake, es R&B clasicorro, pero que suena mazo actual. No me quedaría con ningún tema, son súper constantes y me flipa todo.
¿Quién crees que puede dar la sorpresa y hacer el disco del año este año?
Disco igual el de Kali Uchis, lo espero súper ansioso. Tuve la suerte de trabajar con ella en un tema, pero de momento es una demo y no sé si al final saldrá o no. A mí me mola bastante, pero no sé qué hará…
La versatilidad parece tu seña de identidad. Cuando oí el piano salsero de ‘Mala mujer’, pensé que habría una co-autoría de alguien más clásico, pero es vuestra nada más, como ‘Guerrera’, que es más disco-house. ¿Hay mil Alizzz escondidos en contra de lo que creíamos?
Yo creo que si coges todo el trabajo que he hecho hay un hilo conductor, un sentido, un sonido que se palpa. Si me has escuchado siempre, incluso te diría que ‘Mala mujer’, que es como el escalón más gordo de sonido, sí tiene cosas, manera de tocar los pianos y hacer arreglos que me identifican. Sí que el disco de C Tangana ha sido un escalón muy grande de sonido con lo que estaba haciendo, pero no puedo perder la esencia de lo que hago porque soy incapaz de hacer la música de otra manera.
Después de este salto de sonido, creo que lo que estoy haciendo ahora mismo tiene un sonido que se mantiene respecto a esa paleta última con la que estaba trabajando. Me gusta repetir fórmulas, sonidos, como las voces africanas que estoy usando un montón, y creo que nadie lo hace, los samples… Me gusta insistir en eso, para que en cuanto lo escuches, sepas que lo he hecho yo.
Sobre el piano salsero, estábamos escuchando bastante salsa. La canción noté que tenía ese aura. Empecé a escuchar librerías de salsa y encontré un piano de ese rollo, con esa manera tan definitoria de la salsa. Lo probé ahí, y me pareció guay, pero súper raro, no lo había escuchado nunca. Se lo envié a Pucho y me dijo: «este es el beat más comercial que has hecho, tenemos que hacer algo con eso», y el resto es historia.
¿Harás cosas cada vez más distintas en el futuro?
Hacer cosas diferentes es una de mis preocupaciones o señas de identidad. Ahora mismo trabajo con gente muy diversa, sigo haciendo temas con Pucho, estoy haciendo temas con Juanes, estoy trabajando en el disco de Javiera Mena… estoy tocando un montón de palos.
Sony y C. Tangana no quisieron hacer edición física de ‘ídolo’, en sintonía con los tiempos que vivimos. ¿Tú estabas de acuerdo? ¿Tampoco eres un gran coleccionista de físico?
Creo que es una decisión acertada, es como un statement, hacer un disco de ese calibre, saber lo que has hecho, pero que también marque tendencia en ese aspecto. Lo único que me hubiese gustado de que saliese en físico es tener una especie de recuerdo. Igual en algún momento alguien decide dar el paso y convertirlo en una pieza de coleccionismo.
Al margen de eso, el no tener los créditos delante, aparte de los que ahora nos da Spotify, que algo es algo, nos impide ver cuánto de orgánico hay en ‘Ídolo’. Antón nos contó que en ‘Mala mujer’ metisteis una cuica. ¿De dónde salió? ¿Hay muchos instrumentos analógicos o es casi todo «electrónico/digital»?
Si por orgánico te refieres a ghostwriters, gente de industria currando en la sombra, gente que trabaja más por dinero, te puedo asegurar que no hay nadie. El disco lo produje yo entero, Antón escribió todas las letras y luego hay co-producciones, «Livinlarge» en dos temas, El Guincho y Horror Vacui. Los mixes los he hecho yo menos ‘De pie’ que hizo El Guincho. Las voces las mezcló todas Pucho menos ‘De pie’ y ‘Mala mujer’. Y el master lo hizo otro man, que se llamaba Chris Athens, que ha masterizado cosas de Drake y peña así tocha.
Todo el disco está hecho de manera digital, no hay guitarras ni pianos. Todo está hecho con software, tengo un sinte pero no lo utilicé en todo el disco. Todo está hecho con el ordenador que tengo en el estudio.
¿Y la cuica?
La cuica fue idea de Pucho, él quería meter ese instrumento aunque no sabía cómo se llamaba, sabía el sonido que hacía y que era brasileño. Fue gracioso cómo me cantó el sonido que hace. Estábamos en el estudio juntos en Castelldefels, empezamos a buscar y vimos que era una cuica, me puse a buscar librerías de ese instrumento y lo encontré, e intenté reproducir lo que Pucho me cantaba. Mola mucho ese instrumento, se toca por fricción, tiene un agujero y le metes el brazo entero.
¿Cómo trabajasteis este disco y también con El Guincho y otros productores? ¿Funcionáis a través de mail o ha habido bastante viaje entre Madrid y Barcelona u otros lugares?
Fue a distancia, con Pucho hablamos un año prácticamente entero, llamadas, mails, chequeando WhatsApp casi cada día, por nimia que fuese la conversación. También yo iba a Madrid, él venía aquí…
Con los otros productores igual, con LivinLarge nos hemos conocido, pero el curro ha sido por teléfono. Con El Guincho me he visto más porque somos colegas, nos vamos viendo y tenemos más proyectos juntos para el futuro. También, nos gusta trabajar a cada uno en nuestro sitio, y luego reunirnos para poner en común.
¿Hay alguien joven o novel con quien te gustaría trabajar sí o sí, ves asequible pero se te está resistiendo y ya has desistido?
Voy descubriendo a gente que empieza que mola, y de hecho tengo algún proyecto de hacer música con gente que incluso no tiene canciones, pero no quiero decir quién es, porque creo que no está aún en un punto donde lo pueda decir, ¡que me lo van a robar!
Por el contrario, ¿algún artista asentado o mayor, algún ídolo cuya carrera como productor te verías capaz de enriquecer?
Soy poco mitómano y de ídolos. La gente con la que me muero por trabajar no lleva demasiado tiempo, está en un punto entre emergente y artista consagrado, como Kali Uchis, A. Chal o Javiera. Son con los que me mola más trabajar. Hay artistas que me flipan de siempre Frank Ocean o Rihanna, ojalá, pero no tengo uno en concreto que diga: «¡buah!». Tampoco me esmero mucho en hacer llegar música a alguien en concreto, sino que todo me va llegando… y yo agradecido.
En cuanto a producción, indudablemente has estado involucrado en uno de los discos de pop más importantes de los últimos tiempos, que además has co-escrito, ¿no llaman a tu puerta constantemente otros artistas pequeños o incluso multinacionales para que co-escribas y produzcas sus discos? ¿Qué tiene que tener un artista para que le digas que sí? ¿Es una cuestión económica, de tiempo o de feeling?
Me han llegado muchas propuestas de artistas pequeños, intento escuchármelos todos por si hay alguna joya que no conozco. De artistas y multinacionales, me han llegado un montón. Me he metido en pocos proyectos porque tengo poco tiempo, tengo que ser selectivo y tengo que ver que yo puedo subir ese proyecto de alguna manera. No es cuestión de pasta, obviamente tiene que haber pasta porque tiene que ser un proyecto serio. Si no hay pasta porque es alguien que está empezando, tiene que ser algo que me llame especialmente la atención. Pero lo principal es que yo vea algo especial y que vea que puedo hacer que ese proyecto suba unos cuantos peldaños.
Me he metido en el último disco de Javiera Mena, de los que puedo hablar, con Juanes están saliendo cosas interesantes, con Jesse Baez estoy haciendo cosas, aparte de con Pucho. Hay cosas acabadas, serias, puestas sobre la mesa. Con los artistas que no quería trabajar, no te lo puedo decir, porque no quedaría muy bien (se ríe).
Como co-autor y productor electrónico, ¿tus artistas de referencia van más en la línea de, yo qué sé, Roni Size o Goldie por decir alguien, o también te fijas en productores clásicos?
Me fijo mucho en la producción, saber quién la ha hecho me interesa. Pero no suelo basarme en productores en especial. Tengo mis trucos, mis obsesiones incluso, que hacen que todo suene a una manera y no a otros productores. Si te tengo que decir nombres, por ejemplo, Benny Blanco, un productor de pop que lleva mil hits de los guapos que se escuchan en radio. Sky, el productor de J Balvin, produce súper fino, y luego Metro Booming me parece el mejor en la movida más rap.
‘Lo malo’ es un buen tema, engancha, pero a la canción le falta producción, que suene a lo que están intentando vender, un hit, una canción del verano súper tocha (…) hay una burbuja alrededor de Operación Triunfo que hace que productos que no sean de la calidad del mercado estén teniendo ventas y escuchas»
Te intentamos animar a remezclar ‘Lo malo’ en Twitter. Por curiosidad, ¿qué te parece la canción por estructura, letra y acabado, a falta de oír su versión final? Además, has comentado el paralelismo entre «Chico malo» y «Mala mujer»…
Lo decía medio en coña, pero si me hubiesen propuesto producir la canción, darle una vuelta a lo que ya había, me lo hubiese pensado. No sé si lo hubiese acabado haciendo. Hacer un remix no, no me apetece. A la canción le falta producción, que suene a lo que están intentando vender, un hit, una canción del verano súper tocha. Está teniendo un hype que flipas, no sé si he visto que era la canción más escuchada o vendida, pero no me parece que el acabado sea de ese tipo de canción. Creo que hay una burbuja alrededor de Operación Triunfo que hace que productos que no sean de la calidad del mercado estén teniendo ventas y escuchas.. Pero aparte de la disertación de la producción, y OT, la canción es un buen tema, engancha. Y ellas dos, Aitana y Ana, me molan bastante y creo que van a tener unas carreras importantes e igual hay tiempo de currar juntos en el futuro.
Hace nada que Rusos Blancos despedían la gira de ‘Museo del Romanticismo‘ en el Teatro Lara de Madrid, pero ya piensan en el disco siguiente. Hace unos días estrenaban un nuevo single de ese disco, ‘No es tan difícil’, en las plataformas de streaming, y hoy nos llega su videoclip, que tenemos el placer de presentaros en primicia en JENESAISPOP.
Desde la última vez que pude ver al grupo en directo, no me he conseguido quitar de la cabeza lo que se parecen a Astrud. O mejor dicho, lo que podemos disfrutar de Rusos Blancos todos aquellos que sabemos que Astrud ya nunca volverán, y mucho menos tal y como los conocimos hace 20 años. Su repertorio, ya mucho más lleno de hits de lo que esperaba, alterna indiscriminadamente el drama con el humor, lo sintético con lo orgánico, el victimismo y el patetismo del narrador con el sufrimiento real de este… Un estar autocompadeciéndote con una de sus letras cuando de repente, zasca, la carcajada. Algo que se vio muy especialmente en ‘Performance’, el tercer álbum del dúo catalán.
El humor inteligente, el reírse de sí mismos, su concepto de parodia y el presentar a la vez canciones que resultan bonitas y costumbristas, puros retratos de su tiempo, no son lo único que tienen en común Astrud y Rusos Blancos. También está su concepto de la masculinidad, el gusto por los coros femeninos discretos y poco portentosos o la voluntad de cada vez cantar mejor de sus respectivos vocalistas. Igualmente, ambos grupos han optado a menudo por producciones lo-fi de manera deliberada incluso cuando la canción no lo pedía. Comparten también referentes británicos que no tienen nada que ver con el exceso de testosterona de unos Oasis, optando por proyectos más refinados y menos populares y populosos como Pulp o Prefab Sprout.
‘No es tan difícil’ retrata una vez más el desencanto del desamor y la pereza que produce la rutina («hemos tocado fondo otra vez / y yo ya empiezo a perder la cuenta» (…) Las mismas guerras con menos ganas / nos despiertan cada mañana»), y para más inri, añade al final unas castañuelas. Como las que tanto llamaron la atención en su momento en ‘Todo nos parece una mierda’. En el vídeo que estrenamos hoy vemos a Manu bailar… pero no está sino ‘Bailando hacia el desastre’, que es el nombre del nuevo disco que publicarán más adelante a lo largo de este año. ¿No podría ser un título de Astrud?
Después, el grupo tiene por supuesto sus diferencias. Esta canción parece más solemne, más seria, más exenta de humor y quizá por ello las guitarras son casi shoegaze, más indie pop, de un modo que nunca habrían manejado Astrud. El vídeo, inmerso en rosa neón, no tiene nada que ver siquiera con los momentos más coloridos de los autores de ‘Europa’ y ‘Esto debería acabarse aquí’. Y es que el grupo -obvio a estas alturas- tiene sus propias ideas. Esta es la que nos ocupa en este vídeo dirigido por David Tesouro, con la colaboración de Sofía Royo como directora de fotografía: «En él vemos puesto en imágenes, a través de una cuidada estética que insiste en los colores ya utilizados en las portadas de los adelantos del álbum, lo mismo que nos relata la canción: compartir un mismo espacio no siempre evita la incomunicación».
Los valencianos La Plata hicieron, en opinión de nuestra redacción, una de las mejores canciones de 2017, ‘Un atasco‘. La incluyeron en un EP de 7″ que contenía otras dos composiciones estupendas, todas las cuales aparecen regrabadas con Carlos Hernández (Triángulo, Los Planetas) en el disco debut que publican esta noche del 1 al 2 de marzo en las plataformas digitales. También hay una cuidada edición en vinilo, que incorpora un parche en la portada, y las letras en el encarte interior.
El álbum ‘Desorden’ os podemos avanzar que es estupendo, y si la pregunta del millón era si el grupo sería capaz de superar ‘Un atasco’, que ya suma 130.000 reproducciones en Spotify, la respuesta es «sí». De hecho, La Plata han querido ocultar ‘Un atasco’ en la cara B, en una versión ralentizada, mientras dejan que brillen el estribillo de la urgente ‘Fracaso’ o el carácter pop de la final ‘Me miras desde lejos’.
Pero es el muy bien elegido single ‘Miedo’, de ritmo y punteos a lo Smiths con una esperanza puesta en los teclados synth-pop de Patricia Ferragud, el que no ha parado de crecer desde que lo dieran a conocer hace unas semanas. Una canción para escuchar en bucle que parece muy clara en su cometido: «Miedo al fracaso, al vacío, al rechazo, miedo a la nada, miedo a la nada / Miedo al futuro, al presente, al pasado / Miedo a la nada, miedo a la nada». Aquí, la sencilla pero muy expresiva voz de Diego Escriche suena tan de la calle y ocasionalmente desgarrada como la de Eduardo Benavente de Páralisis Permanente o el cantante de Los Claveles, Marcos Rojas.
¿Otra canción punk sobre nihilismo? La banda difiere en una entrevista que nos concedió hace unos días. Escriche indica: «Más que nihilista, queríamos que el disco fuera melancólico, puede que haya toques de eso, pero queremos jugar con los altos y bajos, que haya esperanza». Mientras, la bajista María Gea cree que el disco termina resultando positivo: «Hay veces que para llegar a un punto tienes que pasar por momentos oscuros o nihilistas, pero no quiere decir que no haya una visión optimista. Es un trámite para llegar a eso. El disco me parece súper optimista: tú te das cuenta de que te está pasando algo, y si eres capaz de ver un problema, es porque quieres cambiarlo». El batería Miguel J Carmona añade que «‘Miedo’ son las barreras que tú mismo te pones, es algo psicológico».
La Plata presentan su disco en una fiesta autogestionada en Valencia el 10 de marzo. En ella, han invitado a otros artistas: Fantastic Explosion, Heather, Sierra, Futuro Terror, Vulk, Alfa Estilo, Hyperclear y Volta 91 DJ.
Jack White, uno de los confirmados en Cruïlla y MadCool, sacará un nuevo disco este mes, en concreto el 23 de marzo, y hoy presenta nuevo single. Es curioso porque el primer sencillo de ‘Boarding House Reach’, el controvertido ‘Connected by Love’, fue comparado por algunas voces con Queen, y este nuevo sencillo se parece todavía más a la banda liderada en su momento por Freddie Mercury, en la actualidad con Adam Lambert al frente.
La explicación la encontramos en Rolling Stone. En una entrevista concedida hace unas semanas, Jack White explicaba que ya había intentado publicar este ‘Over And Over And Over’ con anterioridad, pero hasta ahora no había encontrado ocasión de darle salida. Lo intentó con White Stripes, y lo intentó en una colaboración con Jay-Z, sin éxito. A raíz de lo que ha «intentado e intentado cazar» lo que ha llamado su gran «ballena blanca», de repente ha dado con la forma de hacerla funcionar.
En ‘Over And Over And Over’ no falta su poderoso riff habitual marca de la casa, pero sí que aparecen unas voces histriónicas femeninas, además de cambios de ritmo, percusión tribal y efectos grandilocuentes. Ojo a todo este punto teatral porque el largo se cierra con una pista llamada ‘Humoresque’.
Os dejamos también con otra de las pistas que se conocen del disco, ‘Corporation’.
«Me he metido en el rap por casualidad y al final verás que me lo llevo yo». Y dicho y hecho. Esta, una de las frases de la joven rapera Anier, aparece en el que está siendo su mayor hit de momento, ‘Fuego a tregua’, un pepinazo de increíble flow y cuerdas sintetizadas que, desde que se subió hace 3 meses, supera el medio millón de visualizaciones en Youtube, pero que además no se va a quedar ahí.
Su nueva canción, ‘Carnaza’, lleva días destacada entre las «tendencias de Youtube» (ahora mismo es top 28 pero ha sido muy holgadamente y durante largas horas top 10), mostrando que Anier está acumulando rápidamente seguidores y fans fieles. Su secreto es la combinación de sensibilidad y furia que hemos visto en raperos de distinto pelaje, gente como Stormzy, Mala Rodríguez o Mike Skinner que, como ella, no tienen miedo a desnudarse (“Tengo ganas de llorar, me pongo a escribir / Tengo ganas de vivir, no sufrir / Entro dentro de un laberinto pero sé que me pinto un caminito pa salir», en ‘Fuego a tregua’), pero a su vez, no se achantan (“No sé de qué coño fardas / Cállate un rato, porque al final cansas”, en ‘Carnaza’).
Anier, que tiene hasta 6 canciones subidas a Youtube (esperemos que ‘Carnaza’ esté entre los lanzamientos de este viernes), se sirve normalmente de bases duras adornadas de pianos tremebundos, como es el caso de ‘Where’ («Nunca me apoyaron y ahora me tocan las palmas / Dentro de dos años me estarán pidiendo entradas») o ‘Mancha de acuarela’, llevada por un piano tan asequible para las masas como un hit de Coldplay, inspirado en ‘So Cold’ de Ben Cocks, a quien se samplea a través del tráiler de ‘The Good Wife’.
Anier no tiene nada de «buena esposa», pero sí está ganando adeptos gracias a todo lo que puede salir por esa boca por minuto y a su potente imagen (tiene Instagram). Su nombre ya se está dando a conocer también en directo como telonera del rapero gallego Hard GZ, quien ha afirmado que quiere tener solo mujeres como teloneras. Si transmite la mitad de la energía que va en sus vídeos, es obvio que dará que hablar.
El Festival Cruïlla, que se celebra en julio, confirma hoy dos actuaciones más a su variado e interesante cartel, como son Bunbury y nudozurdo, dos talentos totalmente dispares pero en mejor forma de lo que pensabas; y finalmente la distribución por días, que debido a la variedad de la propuesta, seguramente te interesará.
Cruïlla ofrecerá el jueves 12 de julio un cartel reducido pero con cabeza de cartel. Actuarán, Jack White, Seasick Steve, Bunbury, Always Drinking Marching y Band Rolling Vibes Collective. El viernes 13 será el turno para tres de las bandas más esperadas de esta edición, según la propia organización: Prophets of Rage (con miembros de Rage Against the Machine, Public Enemy, y Cypress Hill), N.E.R.D con Pharrell Williams a la cabeza y Kygo. También será el día de Damien Marley, Gilberto Gil, Bomba Estereo, Jessie Ware o Lori Meyers, entre muchos otros.
El sábado 14 se podrá ver a David Byrne, a The Roots y a Justice, así como a Chase & Status Live, Orbital, Izal, Soja, Ben Howard o Els Catarres.
La entrada de jueves tiene un precio de 55 euros más gastos, la de viernes de 65 euros, la de sábado 65 euros también, el abono de dos días 115 euros y el abono de tres días 135 euros.
iceage, uno de esos grupos que fusionan con gran atino una sensibilidad y método radicalmente punk con la accesibilidad de la canción tradicional, sobre todo en su último disco, ‘Plowing in the Field of Love’, ha anunciado un nuevo álbum. Se titula ‘Beyondless’, sale el 4 de mayo y el primer single es ‘Catch It’, que llegaba en enero. Hoy aterriza el segundo y es un pepinazo.
‘Pain Killer’ es un portentoso monolito de punk-rock salvaje y ruidista que, en su explosión de energía, no da tregua de principio a fin, y que incorpora unos arreglos de viento metal y violines tan clásicos que es fácil percibir en ella el espíritu de una canción de Eurovisión presentada por España, Francia o Italia en los 60, o el espíritu del brit-pop de los 90. Una canción que además eleva su elemento accesible sumando a una vocalista invitada, Sky Ferreira, que añade una capa de potencia al conjunto.
La nota de prensa incluye una interesante análisis sobre la letra de ‘Pain Killer’ por parte de Richard Hell de Television:
Las letras de las canciones de Iceage tienen el vocabulario más sofisticado que recuerdo haber encontrado en la música rock. Por ejemplo en «Pain Killer» escuchamos
Praying at the altar of your legs and feet
Your saliva is a drug so bittersweet
I’ll arrogate what’s there to take
In an evanescent embrace
…»Arrogate” (Arrogar)??? Casi sé la palabra, pero tuve que buscarla para estar seguro. Significa «reclamar o apropiarse sin justificación». Es gracioso porque su raíz latina también subyace la palabra «arrogante», que uno podría estar tentado a aplicar a Rønnenfelt por el desprecio que muestra hacia las personas que intentan comprenderlo. Pero simpatizo. Es extremadamente molesto ser caracterizado por otras personas. Y el matiz del significado de la palabra «arrogatar» aporta una sutileza que palabras como «tomar» o «aprovechar» o «reclamar» no lo tienen. Francamente, sin embargo, lo que realmente me gusta de esas líneas es el concepto de rezar a los pies de su amante. Eso es bueno. Me hace pensar en una instancia similar en otro poeta, Charles Baudelaire, que escribió en su «Himno a la belleza».
‘Beyondless’:
01 Hurrah
02 Pain Killer
03 Under the sun
04 The day the music dies
05 Plead the fifth
06 Catch it
07 Thieves like us
08 Take it all
09 Showtime
10 Beyondless
El primer gran single internacional de marzo es ‘No Excuses’, el nuevo single de Meghan Trainor, que avanza el “mejor disco” de su carrera según ella y ya puede escucharse en las plataformas de streaming, y su colorido videoclip, dirigido por el mismo Colin Tilley que estrena hoy videoclip también a través de Iggy Azalea, verse en Youtube.
‘No Excuses’ es un tema bailable, con un punto surfero en las guitarras y unas voces masculinas de ultratumba que se incorporan en el estribillo que dan un poco de yuyu. El tema nos habla de feminismo y contiene frases como “no me faltes al respeto, soy una mujer, ¿es que nunca has conocido a ninguna?”
Y como en la era del streaming no hay tiempo que perder, el tema dura 2 minutos y medio, como ‘Please Mr. Postman’ de The Marvelettes y millones de canciones más publicadas en los 50 y 60. Como en aquellas décadas, esta vuelve a ser una buena época para los singles -si no, que se lo digan a Rihanna-, con la diferencia de que ahora, si no te gusta una canción, en lugar de esperar a que termine o de apagar la radio, haces clic en Spotify para que suene la siguiente canción. ‘No Excuses’ es tan breve que cuando estás a punto de decidir si hacer clic o no, se ha terminado.
Después de la primera votación popular, un jurado profesional ha seleccionado a los nominados que optarán a los Premios MIN 2018, que tendrán lugar el próximo 14 de marzo en el Teatro Circo Price de Madrid y presentará Marta Flich.
El listado definitivo de finalistas se ha dado a conocer esta mañana, en el acto de lectura de nominados, celebrado en El Intruso (Madrid), de la mano de Barei y Yanara Espinoza (cantante de Papaya).
Los Planetas se proclaman como el grupo con más nominaciones, contando con seis, mientras que La M.O.D.A, María Arnal i Marcel Bagés y Xoel López están nomiados en cuatro categorías cada uno. Viva Suecia también es uno de los más nominados, contando con tres de ellas. Se puede consultar el listado completo de nominados en premiosmin.com.
La ceremonia se podrá seguir a través de las redes sociales con el hashtag #PremiosMIN y será retransmitida en directo por Flooxer y a través de la web de El País. Además, por tercer año consecutivo, el público podrá asistir, adquiriendo su entrada a través de Ticketea, a partir de mañana, viernes, 2 de marzo.
Premio El País a Mejor álbum del año
Guadalupe Plata
La M.O.D.A.
Los Planetas
Maria Arnau i Marcel Bagès
Viva Suecia
Premio Flooxer a Mejor artista
Bejo
Belako
La Bien Querida
Los Planetas
Xoel López
Premio Los40 Trending a Mejor artista emergente
Apartamento Acapulco
Las Odio
Maria Arnal i Marcel Bagès
Nathy Peluso
Papaya
Premio Fundación SGAE a Canción del año
Belako / Render Me Numb
La Bien Querida / 7 días juntos
Los Planetas / Islamabad
Maria Arnal i Marcel Bagès / Tú que vienes a rondarme
Xoel López / Madrid
Mejor álbum de pop
Cala Vento / Fruto panorama
La Bien Querida / Fuego
Los Punsetes / ¡VIVA!
Maria Arnal i Marcel Bagès / 45 cerebros y 1 corazón
Xoel López / Sueños y pan
Mejor álbum de rock
Guadalupe Plata / Guadalupe Plata
Josele Santiago / Transilvia
La M.O.D.A. / Salvavida (de las balas perdidas)
Los Planetas / Zona temporalmente autónoma
Pablo und Destruktion / Predación
Mejor grabación de electrónica
Delaporte / One
Delorean / Mikel Laboa
Ed is Dead / Your Last 48 Hours
Fermin Muguruza Eta The Suicide of Western Culture / B-Map 17+100
Penny Necklace / La luz
Mejor álbum de hip-hop y músicas urbanas
Arkano / Bioluminiscencia
Bejo / Hipi Hapa Vacilanduki
Gata Cattana / Banzai
Sharif / Acariciado mundo
Sho-Hai / La última función
Mejor artista internacional
Cigarettes After Sex
Queens of the Stone Age
Father John Misty
The National
The xx
¿Había ganas de un nuevo macrofestival en Galicia en el estilo de Primavera Sound, Mad Cool, Arenal Sound o Azkena Rock? Parece que sí, ya que el festival O Son do Camiño, que anunciaba hace solo unos días su llegada a Santiago de Compostela, anuncia que los 20.000 abonos puestos a la venta para su primera edición se han agotado “en menos de 2 horas”.
O Son do Camiño se celebra los días 28, 29 y 30 de junio en O Monte Do Gozo de Santiago de Compostela y cuenta con la atractiva presencia de grandes nombres internacionales como The Killers, Lenny Kravitz, Jamiroquai, Martin Garrix, Two Door Cinema Club, Franz Ferdinand o Mando Diao, entre otras figuras del indie nacional como León Benavente o Rufus T. Firefly.
Este es el comunicado de O Son do Camiño:
A las diez de la mañana del día de hoy se abría la venta de los abonos de esta primera edición a un precio inicial de 39 euros, oferta que apenas duraba unos pocos minutos. El interés del público de toda España ha sido masivo y ha hecho que los 20.000 abonos que poníamos a la venta se agoten en menos de dos horas.
Sentimos por la gente que no ha llegado a tiempo a comprar sus entradas ya que la demanda ha sido muy superior al aforo a la venta. Antes de las diez de la mañana, ya había miles de personas conectadas a la web del festival esperando para comprar su abono.
El Festival anunciará su programación por días y pondrá las entradas para cada uno de ellos a la venta próximamente. Desde la Organización queremos transmitir nuestro agradecimiento por la confianza que todos aquellos que han comprado su abono han depositado en nosotros. Ahora queda mucho trabajo por delante para que O Son Do Camiño sea la mejor experiencia del año para todos y cada uno de los asistentes.
En dos semanas ‘Fariña’, historia novelada del auge, caída y superviviencia del narcotráfico en Galicia firmada por el periodista Nacho Carretero, ha pasado de ser un libro con algo de repercusión en ámbitos literarios y periodísticos a ser el libro del que más se habla en todo el país –y que se hable de un libro es ya una hazaña– y que sus copias hayan pasado a ser rarezas por las que se pagan pastizales. Y todo por el secuestro judicial ordenado, de manera cautelar, tras la denuncia por supuestas injurias y calumnias de uno de los “personajes” del libro, el exalcalde de O Grove José Alfredo Bea. Ante la polémica, Antena 3, que se hizo con los derechos del libro para adaptarlo a una serie televisiva, ha estado bien viva y ha estrenado el primer capítulo filmado –a modo de piloto para regresar cuando se culmine la filmación– días después de que estallara la controversia. Como parecía probable, la serie fue lo más visto del día de ayer y obtuvo un buen share (21,5%, 3,4 millones de espectadores).
Es evidente que, encargando esta ficción a Bambú (‘Lo que la verdad esconde‘, ‘Las chicas del cable‘), Atresmedia buscaba traducir al lenguaje patrio el éxito de ‘Narcos’, la serie de Netflix que comenzó narrando la “obra y milagros” del narcotraficante colombiano Pablo Escobar. En ese sentido, la serie es impecable desde el punto de vista de entretenimiento televisivo. Sobre todo, da con su propio antihéroe, el excéntrico Sito Miñanco –muy bien interpretado por Javier Rey–, pero además sabe reflejar, con excelentes ambientaciones, localizaciones, fotografía, vestuario y reparto (capitalizado por actores gallegos como el propio Rey, Marta Larralde, Tristán Ulloa, Tamar Novas, Celso Bugallo y buena parte de los secundarios), la Galicia deprimida de los primeros 80, y mantener el interés durante todo el metraje, presentando a los distintos clanes del narcotráfico gallego de manera atractiva –por momentos se asemeja al estilo de Guy Ritchie en ‘Snatch’– y con medidas dosis de una acción con los pies pegados al suelo –o, más bien, a la cubierta–, sin fantasías a lo ‘Fast & Furious’ como las de ‘El Niño’.
Se hace evidente que, en aras del factor ficción, se ha sacrificado la veracidad y el carácter documental que también hubiera sido de agradecer, tal y como el conocido juez Taín se encargó de hacer ver en el debate posterior a la emisión, recomendando incluso un libro distinto a ‘Fariña’ por ser más documentado. “Lo que vemos en la serie se queda corto”, dijo. Seguro que es cierto, y habría quien hubiera agradecido un tratamiento más realista y concienzudo del aspecto documental-informativo, como también es posible que las madres de los hijos que sucumbieron a las sustancias con las que traficaban –representadas también en el debate– agradecerían que no se dulcificara o revistiera de heroicidad el papel de aquellos narcotraficantes. Pero, dado que estamos, pretendidamente, ante la ‘Narcos’ hispana y, por tanto, un entretenimiento, la verdad es que es loable el equilibrio entre realidad y ficción que se logra al menos en este primer capítulo. Lo mejor, sin duda, es que deja con ganas de que se emita pronto el resto de la serie. 7.
MGMT están de promoción presentando ‘Little Dark Age‘, su recomendable nuevo disco, pero, durante su entrevista con Tom Scharpling en The Best Show, han aprovechado para hablar del segundo, ‘Congratulations’. Andrew VanWyngarden (he conseguido escribir esto sin mirar en Wikipedia) y Ben Goldwasser (esto no) han revelado que, en su momento, llegaron a proponer al mismísimo Lou Reed cantar en ‘Lady Dada’s Nightmare’, una de las pistas incluidas en aquel disco, “dedicada”, como sugiere su título, a la entonces ya famosísima Lady Gaga. “Nos reunimos con Lou Reed para desayunar y proponerle hacer un “spoken word” en ‘Lady Dada’s Nightmare’, pero prácticamente nos dijo que la canción no le necesitaba”, ha afirmado MGMT, que proceden a contar que Reed también les aconsejó despedir a sus mánagers, con sus mánagers delante. “Al menos le conocimos”, apuntan Vanwyngarden y Goldwasser.
Lou Reed murió en octubre 2013, por lo que pudo haber escuchado el tercer disco de MGMT, que salió un mes antes. O igual no. El caso es que The velvet Underground siempre ha sido una influencia clara en las canciones del dúo, y es una pena que su público se haya quedado con las ganas de escuchar una posible colaboración entre ambos, por extraña que fuera. Curiosamente, MGMT tocaron con John Cale el año pasado en un concierto especial por el 50 aniversario de ‘The Velvet Underground & Nico’.
Niño de Elche ha visitado Late Motiv, el programa de Andreu Buenafuente en #0, para presentar su larguísimo nuevo disco de 27 canciones, ‘Antología del cante flamenco heterodoxo’. El momento imperdible de su paso por el plató de Buenafuente se ha producido al final, cuando Francisco Contreras -así se llama Niño de Elche- ha desvelado al presentador que, para terminar su visita, cantaría su propia versión del himno de España, como hacía Marta Sánchez recientemente, despertando una gran polémica. La versión de Contreras, claro, ha sido mucho más “heterodoxa”, ya que en lugar de cantar la melodía, su versión se ha compuesto de una serie de impactos vocales interrumpidos, que el “Niño” finalmente ha ahogado tapándose la boca con la mano, como si llevara una mordaza. Finalmente, consigue quitarse esa “mordaza” simbólica y realiza un grito de desesperación, en lo que parece una metáfora sobre la libertad de expresión en España… ¿y la condena de Valtonyc?
En otros puntos de la entrevista, Contreras ha hablado sobre política (“si los políticos superaran miedos y prejuicios, que es lo que yo intento hacer con mi música, las cosas irían mejor”, ha dicho), sobre la longitud de su disco (“las antologías son eternas, cercanas a lo aburrido”) y sobre su interés por hacer arte revolucionario, asegurando: “yo intento revolucionarme cuando me enfrento a un trabajo artístico, intento de no ser el mismo cuando lo empiezo que cuando lo termino… lo más revolucionario es escuchar y escucharse, porque hay que ser muy honesto y reconocer, como decía [Leonard] Cohen, al nazi que llevas dentro”.
Recientemente, Niño de Elche realizaba una entrevista llena de titulares para JENESAISPOP, en la que entre otras cosas hablaba sobre la apropiación cultural, afirmando que la “cultura popular, si es que existe, apropiarte de todo”.
5 millones de streamings en Spotify, una tímida entrada en el “Bubbling Under Hot 100” de Billboard, apariciones en alguna lista australiana y francesa irrelevante… No, ‘Savior‘ de Iggy Azalea no va a “salvar” a la australiana de un nuevo “flop” comercial con esta canción junto a uno de los raperos de moda, Quavo de Migos.
Azalea prueba suerte ahora estrenando el videoclip de ‘Savior’. La australiana interpreta el tema en una iglesia iluminada con luces de neón en este vídeo dirigido por Colin Tilley (‘Slumber Party’ de Britney Spears y Tinashe) en el que presume “looks” muy atractivos y se muestra cual santa y ángel, aunque también cual demonio, como en la escena en la que ahoga a su “yo” angelical en una bañera hacia el final del vídeo.
Un vídeo digno, aunque en tiempos en que recién llegadas al pop como Dua Lipa consiguen el mayor éxito de sus carreras con un séptimo single gracias a un vídeo curradísimo, no parece que el clip para ‘Savior’ vaya a cambiar mucho el destino de esta canción co-escrita por Dr. Luke y que incorpora la melodía de uno de los hits más emblemáticos de los 80. ¿Ha dado el público la espalda definitivamente a Iggy Azalea?
Después del éxito de ‘Hamen‘ -las reseñas fueron excelentes y los datos de ventas y streamings sufrieron un incremento considerable respecto a su anterior trabajo- daba la sensación de que Belako se encontraba en uno de esos puntos de inflexión en los que una banda tiene que tomar la decisión correcta para poder aprovechar la coyuntura.
Dicho y hecho. El grupo decide abandonar Mushroom Pillow, su anterior discográfica, y consolidarse en la autoedición. Con la ayuda de El Segell del Primavera y la distribución internacional de PIAS, ‘Render Me Numb, Trivial Violence’ no solo cumple con las expectativas artísticas sino que, en lo que a proyección se refiere, sienta las bases para dar el salto a la escena internacional sin despeinarse –justo hace unas horas se ha confirmado que en el mes de junio estarán en un festival curado por Queens of the Stone Age en Londres–.
Si ya en su anterior trabajo destacábamos una aparente facilidad a la hora de construir unas canciones en las que en apenas 4 minutos retorcían los arreglos hasta que hicieran «click», en ‘Render Me Numb, Trivial Violence’ siguen en esa misma línea. ‘Maskenfreiheit’, la primera pista del disco, habla sobre un político corrupto que huye de la justicia: «mi imperio se ha hundido por fin / cascadas de cristales podridos / todos que decían ser mis amigos han sido desenmascarados». Dura 3 minutos y al comenzar parece que se haya grabado en una única toma casi en el local de ensayo. De hecho, el disco ha sido grabado en cinta analógica para crear ese efecto. Al acabar lo único que quieres es volver a escucharla para apreciar todos los detalles. Decenas de detalles que paran y aceleran la canción hasta llegar al momento justo en el que Cris sube el tono y rompe la voz. Otro tanto ocurre en ‘Two Faced Simulation’: el cambio de tercio en el 01:30 con el reverb de las guitarras crea una tranquilidad que explota por los aires un minuto después. La aparente sencillez como arma de destrucción masiva.
‘Lungs‘ y ‘Over the Edge‘ dan forma, junto con las electrónicas ‘Nice Church’ y las dos partes de ‘Stumble’, a una primera parte prácticamente perfecta. Oscura, casi apocalíptica y frágil a la vez gracias a la voz inconmensurable de su vocalista, la propuesta de Belako no permite que cierres la boca. Ya no es solo la inmediatez de la producción y la complejidad de los arreglos: es el discurso que arman y cómo consiguen que sea imposible trocear el disco para quedarte con algo en concreto. Ellos mismos afirmaban en una entrevista a este medio que «el formato LP es imprescindible«. Escuchando ‘Render Me Numb, Trivial Violence’ es imposible llevarles la contraria.
Durante esa misma charla, y refiriéndose también al formato disco, apuntaban que «[en él] te da tiempo a desarrollar muchas ideas y preparar un viaje largo lleno de altibajos y texturas diferentes». Y eso es justamente lo que ocurre tras el interludio a lo Arca de ‘Render Arp’. La adictiva y lo-fi ‘Render Me Numb’ da paso a la sucesora de ‘Aaren bez’ solo que, ejem, multiplican su efecto por 100. Que tras la claustrofobia inicial sean capaces de calcarse una referencia a Jean Michel Jarre sin que se rompa la unidad es magistral.
Rizando el rizo, la parte final está protagonizada por la continuidad que se da a dos de los puntales de ‘Hamen’: ‘Something to Adore’ y ‘Hegodun baleak’. La primera echando mano otra vez del lo-fi y del power-pop más descarado para transformar una balada en un hit; y la segunda para dar la estocada final que necesitaba una de las canciones nacionales más originales y emotivas del último lustro. Si en aquella el protagonismo recaía en los emigrantes, aquí parece que son los inmigrantes: «este cielo tiene dos caras / una vez subidos aquí no hay marcha atrás / esta cápsula nos ha cegado completamente / y no podemos ver cómo éramos ballenas en el mar y ahora les damos la espalda».
Para cuando estás intentando asimilar todo lo que has escuchado llega el cierre con el reprise de ‘Maskenfreiheit’ para recordarte que el viaje no ha sido ninguna broma; que ‘Render Me Numb, Trivial Violence’, lejos de ser solo un conjunto de canciones agrupadas en un disco, es, y cito la nota de prensa de la discográfica, «un disco valiente que habla de una sociedad insensible ante las diversas formas de violencia propagadas explícita e implícitamente por la televisión. Un grito de protesta contra la violencia de género, el bloqueo a los refugiados e inmigrantes, la corrupción de la clase política, etc.». Forma y contenido, en definitiva, aunándose para dar forma a un trabajo imponente que, en directo, tal y como se pudo comprobar el sábado en el Palacio Euskalduna de Bilbao, no hace sino ganar enteros.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Over the Edge’, ‘The Friend Thinker’, ‘Nice Church’ y ‘Stumble’ Te gustará si te gusta: ponerte un disco y escucharlo entero. Escúchalo: Spotify
Ni Ed Sheeran ni Future han conseguido que ‘End Game’ de Taylor Swift produzca un impacto real en listas, y tampoco ha hecho gran cosa su videoclip rodado en tres capitales del mundo. El vídeo es “VEVO Certified” desde hace unas semanas, pero la canción ha logrado resultados más bien mediocres tanto en Estados Unidos (top 18) como en Reino Unido (top 49), y en ningún caso ha conseguido mantenerse: está a punto de abandonar el Hot 100 (91) y en la tabla británica ni aparece. En Spotify, ‘End Game’ aún ha de arañar los 80 millones de reproducciones. Para que os hagáis una idea, ‘Gorgeous’ ya los ha superado. Claro, la canción salió antes, pero no ha sido single oficial ni tiene videoclip. Se puede decir que ‘End Game’ ha gustado poco, quizás por culpa de su extraña estructura, y no es poca la gente que opina que la canción parece más larga de lo que es. El tema también es un “grower” para muchos, pero su destino en listas está escrito, y Swift pasa ya página con otro single.
Gary Trust, co-director de Billboard Hot 100, confirma que el cuarto single de ‘reputation’ es ‘Delicate’ (quinto si contamos ‘New Year’s Day’, que se envió a las radios country en noviembre, o sexto si contamos que ‘Gorgeous’ se publicó como single promocional en enero). No hay palabra oficial de Swift al respecto por ahora, pero la cantante ha añadido la canción recientemente a su “playlist” ‘Songs Taylor Loves’, se supone que para estudiar la respuesta del público, que vista la decisión de estrenarla como single, habría sido satisfactoria. ‘Delicate’ llega a las radios pop americanas entre el 12 y el 13 de marzo.
Al contrario que los tres singles anteriores de ‘reputation’, ‘Delicate’ no es una canción arriesgada, sino bien clásica en estructura, pero además es muy melódica, aunque sí corre el riesgo de parecer repetitiva por temática, ya que como ‘End Game’, nos habla del conflicto de Swift por encontrar el amor cuando se encuentra atrapada en una vorágine de mala “reputación”.
Toca esperar si Swift defenderá ‘Delicate’ tal cual, si por el contrario la sacará con algún artista invitado (¿dónde está colaboración de Drake que esperábamos?) y si realizará para este single un videoclip de nuevo junto a su mano derecha Joseph Khan o probará suerte con otro director. Visto lo visto, no tendría mucho que perder cambiando…
Next @taylorswift13 single: "Delicate," impacting pop & adult pop radio March 12-13
¿Recordáis cuando Stevie Wonder escribió completamente en solitario ‘I Just Called To Say I Love You’, quizá el mayor hit de 1984? ¿Recordamos que ‘Beat It’ y ‘Billie Jean’ son autoría únicamente de Michael Jackson y de nadie más? Tracy Chapman no necesitó absolutamente a nadie para escribir ‘Fast Car’, ni David Bowie para convertir en hit ‘Starman’ o ‘Let’s Dance’, ni Lindsey Buckingham para escribir ‘Go Your Own Way’, ni Stevie Nicks para escribir ‘Dreams’, ni Christine McVie para escribir ‘You Make Loving Fun’. Ni Prince para hacer ‘Nothing Compares 2-U’… y la totalidad de su discografía, que además produjo él solo en el 95% de los casos.
Sin embargo, desde hace unos años, esta bonita costumbre de escribir canciones completamente en solitario se ha perdido por completo. La figura del cantautor a lo Dylan continúa viva por supuesto a través de gente como Courtney Barnett, Father John Misty o Sharon Van Etten, pero desde luego no llega a las masas ni a vender millones ni a conseguir la relevancia mediática que en otras décadas sí lograron Leonard Cohen, Tom Waits o Patti Smith. En el mundo del pop, ya es directamente inimaginable que el hit de turno tenga menos de 3 personas en sus créditos, cuando no son 10. Mientras que es fácil recordar que en los 90 Noel Gallagher escribió solo ‘Wonderwall’, Dolores O’Riordan escribió sola ‘Zombie’ y Diane Warren escribió sola ‘Because You Loved Me’, y que hace una década Amy Winehouse escribió sola ‘Rehab’, absolutamente ninguna de las 40 canciones más exitosas de 2017 según Mediatraffic fue hecha por una persona en solitario. En apenas un par encontramos a 2 personas y en varias encontramos a una lista interminable de gente, para regocijo del co-líder de Oasis, que hace un par de años se levantó de su mesa en los premios Ivor Novello para preguntar al equipo de Emeli Sandé cómo es que hacían falta 8 personas para hacer una canción.
Puede que tengan razón Quincy Jones y Nile Rodgers cuando dicen que antes no se acreditaba lo suficiente a músicos y productores. El modo de repartir el pastel parece estar haciendo justicia hasta a la última persona que pasa por el estudio para cambiar un «boy» por un «hoy». Pero en cualquier caso, escribir una canción en compañía de alguien no es malo. Que un co-autor corrija tics o aporte cosas puede ser necesario cuando un artista no tiene conocimientos musicales suficientes o cuando lleva una gran cantidad de discos a las espaldas, como fue el caso de Leonard Cohen, que terminó encontrando en Patrick Leonard a un autor de confianza que tan bien le comprendía. Lo cuestionable del asunto viene cuando se comprueba, en primer lugar, que han sido necesarias hasta 15 personas para escribir una cosa como ‘Strip That Down’ de Liam Payne si sumamos co-autorías, samples, intersecciones, etcétera. La canción es mona y cualquiera puede bailársela, ¿pero ha merecido la pena el despliegue de abogados, papeleo, tiempos de espera, reuniones? ¿A cuánto ha tocado exactamente cada «co-autor»? ¿Más es más? ¿Esta es la obra maestra del futuro que estábamos esperando?
Y en segundo lugar, da verdadero miedo comprobar cómo los mismos autores salidos de «campamentos de composición» se repiten en los créditos de artista tras artista sin ningún tipo de rubor, dando lugar a un oligopolio como un piano tras el que es obligatorio hacerse un par de preguntas. La música pop ha tenido un punto manufacturado desde los años 50, pero las cosas han perdido parte de su gracia desde los tiempos en que Carole King escribía a veces con su persona de confianza, el ya desaparecido Gerry Goffin, o Michael Jackson necesitaba de vez en cuando el hombro amigo de Quincy Jones. Ahora, estos nombres a la sombra, que rara vez conceden entrevistas jugosas y sobre los que no se sabe nada, no funcionan como un Hal David o un Burt Bacharach precisamente: salvo excepciones como Jack Antonoff, que tiene su propio proyecto, es difícil intuir en ellos algún tipo de personalidad y parecen únicamente motivados por lograr un hit facturado al imperativo de las modas y el mercado, impidiendo que cualquier atisbo de originalidad o innovación o rasgo autoral se asome por algún lado.
En la mencionada canción del ex One Direction Liam Payne, encontramos a Steve Mac, que ha co-escrito ‘What About Us’ de P!nk, ‘Rockabye’ de Clean Bandit y nada menos que ‘Shape of You’ de Ed Sheeran. El bueno de Ed tenía todas las papeletas para sumarse un tanto como único autor multimillonario que escribe en solitario de la actualidad, pero como Sia, últimamente prefiere escribir en compañía, y una de las pocas canciones que ha escrito él solo en su último disco, ‘Perfect’, ha decidido lanzarla como single con un co-autoría de Andrea Bocelli y otra de Beyoncé. ¡Venga, Edward Christopher, que Calvin Harris hizo él solo la letra y la música de ‘We Found Love’ para Rihanna!
Siguiendo con Ed Sheeran, ha escrito ‘Castle on the Hill’ con Benjamin Levin, que a su vez ha co-escrito ‘Issues’ de Julia Michaels. Pero es que en los créditos de esta canción también encontramos a Justin Tranter, que ha co-escrito, entre otras muchas canciones de superestrellas, ‘Believer’ de Imagine Dragons. Porque no, tampoco los grupos de pop-rock se limitan a escribir con los miembros de su banda. En los créditos de Imagine Dragons, por supuesto Maroon 5 y por supuesto Clean Bandit, encontramos más nombres conocidos como hacedores de hits, como los mismísimos Mattman & Robin. ¿Dónde quedan los tiempos en que R.E.M. eran los únicos autores de ‘Losing My Religion’ y U2 los únicos autores de ‘One’?
Por supuesto quedan tantos grupos como cantautores ajenos a esta retahíla de nombres que podría extenderse durante horas con canciones que han quedado a punto de llegar a este top 40, como ‘Green Light’ de Lorde y sus créditos en común con Taylor Swift. Podríamos hablar de Arcade Fire, que escriben todas sus canciones, como en España grupos tan masivos y aceptados como Vetusta Morla, pero son llamativas sus visibles dificultades para sonar en radio, ocupar posiciones privilegiadas en las playlists de hits de Spotify o copar las listas de Youtube. ¿No debería alguien premiar a aquellos que deciden huir de la sota, caballo y rey de los nombres de siempre en lugar de castigarlos?
Comprobando que ‘New Rules’ es una de las escasísimas canciones de Dua Lipa que no ha escrito Dua Lipa, que gente con tan poco en común como Julia Michaels y Sam Smith comparte un co-autor, que ni el ultra prestigiosísimo Kendrick Lamar ha escrito una canción en solitario todavía a día de hoy o que cuando no son co-autores se requiere de un sample que implica a media decena de personas, como es el caso de Portugal. The Man, cabe preguntarse… ¿toda esta gente necesita un co-autor de confianza para limar cosillas o está buscando el hit de manera matemática y desesperada, siempre llamando a los mismos teléfonos para asegurarse la pasta, sin arriesgar nada con nombres más desconocidos y, por extensión y en mayor o menor medida, tomándonos el pelo?
Las canciones más populares de 2017 según Mediatraffic
1.-Ed Sheeran / Shape of You
Autores: Ed Sheeran, Steve Mac, Johnny McDaid, Kandi Burruss, Tameka Cottle, Kevin Briggs
3.-The Chainsmokers, Coldplay / Something Just Like This
Autores: Andrew Taggart, Guy Berryman, Jonny Buckland, Will Champion, Chris Martin
4.-Bruno Mars / That’s What I Like
Autores: Bruno Mars, Philip Lawrence, Christopher Brody Brown, James Fauntleroy, Johnathan Yip, Ray Romulus, Jeremy Reeves, Ray McCullough II
5.-Shawn Mendes / There’s Nothing Holdin’ Me Back
Autores: Shawn Mendes, Teddy Geiger, Geoff Warburton, Scott Harris
6.-Ed Sheeran, Beyoncé, Andrea Bocelli / Perfect
Autores: Ed Sheeran, Beyoncé, Andrea Bocelli
7.-French Montana, Swae Lee / Unforgettable
Autores: Karim Kharbouch, Khalif Brown, Christopher Washington, Jake Aujla, McCulloch Sutphin
8.-Ed Sheeran / Castle on the Hill
Autores: Ed Sheeran, Benjamin Levin
9.-Charlie Puth / Attention
Autores: Charlie Puth, Jacob Kasher
10.-Kygo, Selena Gomez / It Ain’t Me
Autores: Kyrre Gørvell-Dahll, Selena Gomez, Andrew Wotman, Brian Lee, Ali Tamposi
11.-DJ Khaled, Justin Bieber, Quavo, Lil Wayne / I’m the One
Autores: Khaled Khaled, Jason Boyd, Justin Bieber, Quavious Marshall, Robert Brackins III, Chancelor Bennett, Dwayne Carter, Jr., Nicholas Balding
12.-Post Malone, 21 Savage / Rockstar
Autores: Austin Post, Shayaa Abraham-Joseph, Louis Bell, Carl Austin Rosen, Jo Vaughn, Virginie Olufunmibi Awoshiley
13.-Clean Bandit, Sean Paul, Anne-Marie / Rockabye
Autores: Jack Patterson, Ina Wroldsen, Steve Mac, Ammar Malik, Sean Paul Henriques
15.-Camila Cabello, Young Thug / Havana
Autores: Camila Cabello, Jeffrey Williams, Adam Feeney, Brittany Hazzard, Ali Tamposi, Brian Lee, Andrew Watt, Pharrell Williams, Louis Bell, Kaan Gunesberk
16.-Imagine Dragons / Thunder
Autores: Dan Reynolds, Wayne Sermon, Ben McKee, Daniel Platzman, Alexander Grant, Jayson DeZuzio
17.-Imagine Dragons / Believer
Autores: Dan Reynolds, Wayne Sermon, Ben McKee, Daniel Platzman, Robin Fredriksson, Mattias Larsson, Justin Tranter
18.-Zayn, Taylor Swift / I Don’t Wanna Live Forever
Autores: Taylor Swift, Sam Dew, Jack Antonoff
19.-J Balvin, Willy William, Beyoncé / Mi gente
Autores: José Osorio, Willy William, Adam Assad, Andrés David Restrepo, Mohombi Nzasi Moupondo
20.-Zedd, Alessia Cara / Stay
Autores: Linus Wiklund, Sarah Aarons, Anders Frøen, Alessia Caracciolo, Anton Zaslavski, Jonnali Parmenius
21.-The Weeknd, Daft Punk / I Feet It Coming
Autores: Abel Tesfaye, Thomas Bangalter, Guy-Manuel de Homem-Christo, Martin McKinney, Henry Walter, Eric Chedeville
22.-Calvin Harris, Pharrel, Katy Perry, Big Sean / Feels
Autores: Adam Wiles, Pharrell Williams, Katy Perry, Brittany Hazzard, Sean Anderson
23.-Kendrick Lamar / Humble
Autores: Kendrick Duckworth, Michael Williams II, Asheton Hogan
24.-Pink / What About Us
Autores: Pink, Steve Mac, Johnny McDaid
25.-Katy Perry, Skip Marley / Chained to the Rhythm
Autores: Katy Perry, Max Martin, Sia Furler, Ali Payami, Skip Marley
26.-Sam Smith / Too Good At Goodbyes
Autores: James Napier, Tor Hermansen, Mikkel Eriksen, Sam Smith
27.-James Arthur / Say You Won’t Let Go
Autores: James Arthur, Neil Ormandy, Steve Solomon
28.-Taylor Swift / Look What You Made Me Do
Autores: Taylor Swift, Jack Antonoff, Fred Fairbrass, Richard Fairbrass, Rob Manzoli
29.-Dua Lipa / New Rules
Autores: Caroline Ailin, Emily Warren, Ian Kirkpatrick
30.-The Chainsmokers / Paris
Autores: Andrew Taggart, Kristoffer Eriksson, Fredrik Häggstam, Charlee Nyman
31.-Liam Payne, Quavo / Strip That Down
Autores: Liam Payne, Steve Mac, Ed Sheeran, Quavious Marshall, Orville Burrell, Rickardo Ducent, Shaun Pizzonia, Brian Thompson, Sylvester Allen, Harold Ray Brown, Morris Dickerson, Le Roy Lonnie Jordan, Charles William Miller, Lee Oskar, Howard E. Scott
32.-Ed Sheeran / Galway Girl
Autores: Ed Sheeran, Amy Wadge, Damian McKee, Eamon Murray, Johnny McDaid, Liam Bradley, Niamh Dunne, Sean Graham, Foy Vance
33.-Julia Michaels / Issues
Autores: Julia Michaels, Benjamin Levin, Tor Hermansen, Mikkel Eriksen, Justin Tranter
34.-Sam Hunt / Body Like a Back Road
Autores: Sam Hunt, Zach Crowell, Shane McAnally, Josh Osborne
35.-Niall Horan / Slow Hands
Autores: Niall Horan, Alexander Izquierdo, John Ryan, Julian Bunetta, Ruth Anne Cunningham, Tobias Jesso Jr.
36.-Maroon 5, SZA / What Lovers Do
Autores: Adam Levine, Benjamin Diehl, Brittany Talia Hazzard, Elina Stridh, Jason Evigan, Oladayo Olatunji, Solána Imani Rowe, Victor Rådström
37.-Future / Mask Off
Autores: Nayvadius Wilburn, Leland Wayne, Tommy Butler
38.-Portugal. The Man / Feel It Still
Autores: Robert Bateman, Zachary Scott Carothers, Freddie Gorman, John Baldwin Gourley, John Hill, Brian Holland, Eric Andrew Howk, Kyle O’Quin, Jason Wade Sechrist, Asa Taccone
39.-Clean Bandit, Zara Larsson / Symphony
Autores: Jack Patterson, Ammar Malik, Ina Wroldsen, Steve McCutcheon
40.-The Chainsmokers, Halsey / Closer
Autores: Andrew Taggart, Ashley Frangipane, Shaun Frank, Frederic Kennett, Isaac Slade, Joe King
Ya hay fecha para ‘Love is Dead’, el nuevo disco de Chvrches: sale el 25 de mayo. No necesitaremos ese tiempo para llegar a la conclusión que ‘Get Out’ se ha quedado muy lejos de ser uno de sus mejores singles, pero tampoco para comprender que la calidad de ‘My Enemy’, el nuevo single del grupo junto a Matt Berninger de The National, es superior en todos los aspectos.
Llama la atención de ‘My Enemy’ su estructura clásica, de acuerdo con las recientes declaraciones de Mayberry sobre que ‘Love is Dead’ será el disco “más pop” del grupo. Es a todas luces un dueto entre Matt Berninger y Lauren Mayberry (sí, en este orden), en el que él canta las estrofas, ella los estribillos y en el que ambos cantan juntos el estribillo final. Les acompaña una producción de synth-pop dramática y elegante, elaborada por Mayberry y sus compañeros de grupo, Iain Cook y Martin Doherty, y pulida por el productor del disco, Greg Kurstin.
‘My Enemy’ plantea, en letra, melodía y sonido, un escenario de verdadera desolación ante un amor convertido en odio, acentuado por un tenso pulso electrónico que a lo largo de la canción crea una palpable atmósfera de angustia, perfecta a su vez para las frases de un Berninger desconsolado, como “no tengo más tiempo para escuchar lo que piensas sobre mí, porque todas tus palabras son tan frías, tan insensibles y tan limpias, pero tus celos son más ciegos que el amor” o “al final, hicimos todo el daño que tú pudiste querer, pero el vacío seguirá y seguirá”.
En el otro lado, Mayberry replica: “podrías ser mi enemigo, podrías ser mi juez, si tú pudieras empezar a recordar todo ese tiempo que consumiste; podrías ser mi cura, podrías demostrarme tu amor, si yo pudiera dejar de recordar todo ese tiempo que tú consumiste”. Como la estructura de ‘My Enemy’, el tema nos cuenta una historia de desamor clásica, pero que en este caso da lugar a una de las canciones más oscuras y dramáticas de la carrera de Chvrches, sin caer la canción en épicas innecesarias. Sin duda, el “amor está muerto”, ¿pero y lo bien que suena?
Bad Bunny, una de las personas más acostumbradas a aparecer en la lista de singles española actualmente, entra directo al número uno con ‘Amorfoda’, que al contrario que el resto de sus temas presentes en el top 10, ‘El baño’ con Enrique Iglesias (top 5) y ‘Sensualidad’ con J Balvin y Prince Royce (top 9), es un señor baladón.
1(E) Bad Bunny / Amorfoda
El cabeza de cartel de Arenal Sound arrebata el número uno a Daddy Yankee, cuyo ‘Duro’ fue número uno la semana pasada. No es la única balada del top 10, ya que ‘Perfect’ de Ed Sheeran saluda desde el número 7, pero sí una balada especialmente minimalista, de las que no se ven tanto siendo número uno.
17(30) Drake / God’s Plan
Buena subida de ‘God’s Plan’ de Drake en España, del 30 al 17. La canción número uno actualmente tanto en Estados Unidos y Reino Unido y en todo el mundo se frota las manos para entrar en unas pocas semanas, si no ya la que viene, en el top 10 español.
34(E) Reik, Ozuna, Wisin / Me niego
El nuevo reggaetón de la banda mexicana Reik, que incluye las colaboraciones de Ozuna y Wisin, es la segunda entrada más fuerte en la lista de singles española, aunque sumando ventas y streamings, lo raro es que no haya entrado un pelín más alto. Es top 34.
56(E) Natos y Waor / Piratas
Los autores de ‘Cicatrices’, el disco más escuchado en streaming la semana pasada, entran en la lista actual con ‘Piratas’. Además, otro tema del dúo, ‘Bicho raro’, entra en el puesto 73, y su tema cicatrices registra una subida importante, del 69 al 39. Por último, su cuarta canción en la lista, ‘Generación perdida’, baja del 90 al 94.
77(E) Marshemllo, Anne-Marie / FRIENDS
El éxito pop del productor Marshmello con la vocalista británica Anne-Marie, que su propio autor describe como el “himno oficial de la friendzone”, llega a España después de irrumpir en el top 10 de éxitos en Reino Unido. El tema también sube posiciones en Estados Unidos, aunque más lentamente. ¿Será uno de los éxitos del verano?
84(E) Bazzi / Mine
El exitazo de ‘Mine’ de Bazzi en las plataformas de streaming producen su entrada en la lista de singles española. Una curiosidad en la lista ya que esta canción de R&B y pop romántico dura exactamente 2 minutos y 10 segundos.
88(E) Rudimental, Jess Glynne, Macklemore, Dan Caplen / These Days
Más exitosa en Reino Unido que ‘FRIENDS’ está siendo ‘These Days’, el nuevo hit de Rudimental junto a Jess Glynne, Macklemore y Dan Caplen, que es top 2 en las islas, y aterriza también en España, en este caso en el puesto 88 de la lista de singles.
95(E) Hailee Stanfield, BloodPop® / Capital Letters
El sensual synth-pop de Hailee Stanfield con uno de los productores de moda, BloodPop, entra en la parte baja de la tabla, en el puesto 95. Es una de las canciones incluidas en la banda sonora de ’50 sombras más libres’. El tema es un éxito en streaming, pero en las listas de ventas oficiales no está haciendo demasiado ruido.
99(E) Sofia Reyes, Jason Derulo, De La Ghetto / 1, 2, 3
El reggaetón políglota de la cantante y actriz mexicana Sofia Reyes junto a Jason Derulo y De La Ghetto representa la entrada más floja en la lista de singles española, aunque mejor no subestimarla, ya que tiene posibilidades.
Como ha venido anunciado ella misma en sus redes sociales, Azealia Banks tiene ya listo su nuevo lanzamiento. Se titula ‘Fantasea Two: The Second Wave’ y es, sobre el papel, la continuación de aquella mixtape titulada así y que lanzó en 2012 –de hecho, aquella estará incluida en el segundo disco del formato físico, ha asegurado–. Tras hablar sobre este álbum, que dijo que superaba en calidad a su debut oficial ‘Broke with Expensive Taste’, ya ha pasado a la «acción» y hoy ha presentado su primer adelanto. 
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