Ethel Cain ha anunciado que su segundo disco, ‘Willoughby Tucker, I’ll Always Love You’, se pone a la venta en agosto, en una fecha por determinar. ‘Willoughby Tucker, I’ll Always Love You’ es la precuela de ‘Preacher’s Daughter‘ (2022) y se ambienta en 1986, el «año en que cambió todo». En el universo ficticio de Ethel Cain, Willoughby Tucker es el nombre de su primer novio de instituto.
Cain -cuyo nombre supuestamente de pila es Hayden Anhedonia- comparte la noticia de la llegada de su segundo larga duración en el día de su 27º cumpleaños, hoy 24 de marzo.
Ethel Cain presentará ‘Willoughby Tucker, I’ll Always Love You’ en una gira que recorrerá América del Norte y Europa y que incluye dos penúltimas fechas en España, el 7 de noviembre en la sala Razzmatazz de Barcelona y el 8 de noviembre en el Teatro Eslava de Madrid. Las entradas se ponen a la venta este viernes 28 de marzo a las 10 horas.
‘Perverts‘, el proyecto publicado por Ethel Cain a principios de año, se considera un EP a pesar de su hora y media de duración. ‘Willoughby Tucker, I’ll Always Love You’ se espera sea la verdadera continuación pop de ‘Preacher’s Daughter’, uno de los mejores discos de su año.
Gwen Stefani está plenamente dedicada a su etapa conservadora, tanto que ha publicado un disco de country (no muy bueno) y, recientemente, ha publicado un tuit alabando el trabajo del comentarista político conservador Tucker Carlson, conocido por promover conspiraciones de la extrema derecha. En concreto, Stefani ha elogiado la charla de Carlson con el actor Jonathan Roumie sobre cristianismo.
El mensaje de Stefani ha causado revuelo en redes y ha llevado a muchos usuarios a asumir que Stefani se ha sacado la careta como simpatizante de Trump y de la extrema derecha estadounidense (Stefani reside junto a su marido, el cantante Blake Shelton, en Oklahoma, un estado mayoritariamente republicano).
Stefani, además, ha sumado un nuevo proyecto a su carrera, el de promocionar la app para rezar del actor Mark Wahlberg, Hallow, porque no hay nada más espiritual que orar previo pago.
El influencer queer estadounidense Matt Bernstein ha analizado la supuesta deriva conservadora de Gwen Stefani en un nuevo episodio de su podcast A Bit Fruity en el que Bernstein directamente llama a Stefani «fascista». En este podcast, Bernstein y sus comentaristas invitadas revelan que Stefani siempre ha dicho ser una «chica católica tradicional» aunque haya parecido lo contrario. El trabajo de hemeroteca de Bernstein descubre que Gwen realizó numerosas declaraciones conservadoras en la época de No Doubt y de sus primeros discos en solitario y que, en entrevistas, siempre se desmarcó del discurso feminista. Por ejemplo, durante una convención pro-aborto, Stefani declaró que ella nunca abortaría. A pesar de que Stefani ha proyectado una imagen de mujer moderna, cool y no normativa, Stefani siempre ha sido una chica rica de Orange County que soñaba con casarse y criar a «catorce hijos». Una ‘Orange County Girl’, como se titula uno de sus temas.
Hace tiempo que el mundo no ve a Gwen Stefani de la misma manera que la veía a principios de este siglo. Aunque su debut en solitario de 2004, ‘Love.Angel.Music.Baby‘, sigue sonando avanzado, su apropiación de la cultura japonesa, en concreto de la estética «harajuku», era sumamente racista. No lo sabíamos cuando éramos fans hace 20 años, pero los (no tan) nuevos discursos antirracistas se han encargado de abrirnos los ojos durante la última década. Ya no es aceptable que Stefani se acompañara durante la promoción de ‘Love.Angel.Music.Baby’ de un grupo de cuatro bailarinas japonesas que le seguían a todas partes y a las que solo permitía posar detrás de ella, nunca hablar, y a las que llamó con las cuatro palabras que titulan su disco, como si fueran mascotas. Gwen nunca ha reconocido el racismo de esta acción promocional y siempre ha justificado su decisión asegurando que ama la cultura japonesa, pero esta excusa solo revela una falta de sensibilización con las implicaciones de la apropiación cultural.
Una nueva polémica racista volvió a sacudir a Gwen Stefani en 2012 cuando el videoclip de ‘Looking Hot‘ de No Doubt fue retirado de plataformas por mostrar una imagen estereotipada de los nativos. En esa época, Stefani contaba un segundo álbum en solitario, ‘The Sweet Escape‘ (2006), cuyo primer single, ‘Wind it Up’, era otro ejercicio de apropiación cultural, en concreto del canto tirolés alpino. Una canción, no obstante, divertidísima en todo su absurdo que la crítica de la época no quiso entender por falta de humor, pero que el público abrazó convirtiéndolo en un éxito internacional, después opacado por el single titular.
Las recientes revisiones culturales de la obra de Gwen Stefani claramente han llevado a la artista a tomar menos riesgos en sus siguientes trabajos, reduciendo la apropiación cultural a mínimos ya casi inexistentes. El problema no ha radicado en esa explotación, sin embargo, sino en la manera en que Stefani ha representado estas culturas desde una posición de superioridad, como se analiza en el citado podcast. El tercer álbum de Stefani, ‘This is What the Truth Feels Like‘, publicado en 2016, simplemente se sumaba a la moda de pop tropical de la época y fue criticado por su falta de innovación, y el siguiente era directamente navideño. Es decir, la música de Stefani ha ido cerrando sus puertas al mundo y reduciéndose al consumo estadounidense. Y, en este contexto, ha llegado ‘Bouquet’, un disco de country que no ha arrasado en listas: apenas se ha anotado un puesto 95 en Estados Unidos y un 44 en Reino Unido.
En la última década, Stefani ha intentado volver a la gloria de sus inicios lanzando una serie de singles de sonido vagamente ska, como ‘Baby Don’t Lie’ (2015), ‘Let Me Reintroduce Myself’ (2020) o el extraño ‘Slow Clap‘ (2021), pero ninguno ha tomado las listas. Y, aunque Stefani se marcó un breve comeback en 2024 actuando con No Doubt en el Coachella de ese año, su imagen pública parece seriamente deteriorada, sobre todo de cara a sus fans mujeres y LGBTQ+, que tanto la apoyaron al principio. Hoy es necesario recordar que la Gwen Stefani que crecimos adorando, en realidad, siempre fue una ilusión, una mera imagen proyectada desde los medios de comunicación. ¿Quizá de esto iba el pop, también?
El talento de Stefani, por tanto, va más allá del musical, el cual se da por hecho, pues ella es co-autora de ‘Don’t Speak’, entre otros éxitos de No Doubt, y por supuesto de sus propias canciones y, además, posee un timbre vocal único; sino que se define también por una actitud chaquetera y abiertamente capitalista: ella se convirtió en una diva gay porque así lo pedía el mercado, y cuando este papel dejó de funcionar, probó otra cosa. Ahora, Stefani dirige su carrera musical hacia el conservadurismo porque el clima actual en Estados Unidos -que ha vuelto a dar la victoria en la presidencia a Trump- se lo permite. Que haga country y promocione un app para rezar solo forma parte de la agenda.
Restinga es uno de los fichajes de Raso Estudio (Baiuca, Rodrigo Cuevas, Parquesvr) que en 2025 publican su álbum debut. Detrás de este alias saluda la cantante y compositora hispano-marroquí Herminia Loh Moreno, que propone en su música una mezcla de sensibilidades: ‘Salina’ recuerda al reguetón club alien de Arca, ‘abrazaditas’ se relaja en una forma de bedroom-pop y ‘tú y yo’ incorpora un sample de ‘Sayidati’ (2017) de Zina Daoudia, una melodía árabe como las que escuchaba Restinga de niña cuando viajaba en taxi por Tetuán, ciudad en la que creció antes de mudarse a Sevilla.
Aunque Restinga empezó en la música pinchando como DJ en salas y azoteas de Sevilla, ella toca música desde los ocho años y y formó parte de distintas bandas durante su etapa escolar. Actualmente, Herminia toca el bajo en la banda Pony Pool Club.
Restinga ha despuntado en solitario con el lanzamiento, en 2023, de su primer EP, انا و ياك, que contiene los temas ‘tú y yo’ (este es el título del EP) y ‘abrazaditas’. En ‘abrazaditas’, Restinga explora su bisexualidad como persona proveniente de un contexto que rechaza las sexualidades no normativas. «Durante muchos años he odiado la cultura marroquí”, ha declarado Restinga a El Periódico de España. “Con el tiempo, he aprendido a quedarme con lo bueno, pero creo que si no hubiera sido bisexual todo habría sido muy diferente. El hecho de poder cantar libremente abrazaditas en lugar de “abrazaditos” para mí es muy importante».
La perspectiva de Restinga, añadida a la frescura de su sonido, convierten su propuesta en una de las más originales del underground nacional actual. ‘Salina’, el primer single de su debut, revisaba el «imaginario de Papá Levante» a la vez que mezclaba «música gnawa (típica de Marruecos) con sonidos de club». En la letra, Herminia cantaba «en darija y castellano». Y ‘Desvelhada’, el segundo adelanto, propone un sonido accesible y pop. Es la Canción Del Día de hoy.
El mapa de ‘Desvelhada’ vuelve a ser diverso, fusionando beats propios del UK garage británico con teclados de marcado estilo synth-pop y el sonido de cuerdas pulsadas que evocan algún tipo de laúd. Además, ‘Desvelhada’ cuenta con la colaboración del cantante mexicano dieglitter, artista vinculado al hyperpop. Aunque la estrella de ‘Desvelhada’ es la melodía tarareada de «pa pa pas», siempre infalible. Juntos, Restinga y dieglitter cantan una canción de amor y deseo marcada por el desapego emocional: esperando horas delante del teléfono, a Restinga le consuela saber que su almo-hada aún huele a él.
Conciertos Restinga
24 de abril: Madrid. Sala Siroco – Sound Isidro
5 de junio: Móstoles. Picnic Sessions
7 de junio: Barcelona. Primavera Sound
Dua Lipa ha aprovechado el cuarto concierto de la gira de ‘Radical Optimism’ en Melbourne (Australia) para regalarle a una fan el remix inédito de ‘Physical’ con Troye Sivan. «¿Podemos confiar en ti para que lo filtres»?, preguntó Dua con uno USB rosa en la mano.
Después de atreverse con una versión de Kylie Minogue en su último show australiano, la artista británica contó con la presencia de Troye Sivan para interpretar ‘Rush’, uno de sus éxitos más recientes, con coreografía y todo. Sin embargo, lo más viral del encuentro resultó ser el remix de un tema de hace cinco años.
En menos de 24 horas, la canción ya estaba rulando por internet. «Buen trabajo <3", ha tuiteado Dua. El próximo jueves 27 de marzo se cumple el 5º aniversario de ‘Future Nostalgia’ y todo apunta a que esta colaboración no se va a quedar en un simple tweet. A su vez, el lanzamiento de este disco fue adelantado por otra filtración. En este caso, no intencionada.
‘Night Life’ era una de las grandes canciones de ‘Night Work’, el discazo de Scissor Sisters que este 2025 cumple su 15º aniversario, y que ofrecía un retrato de la noche a veces tenebroso, pero tendiendo casi siempre al hedonismo y la diversión. En este otro ‘Night Life’, el sexto disco de The Horrors, se hace de nuevo un retrato de la noche, pero, como imaginaréis, bastante distinto. Sí comparte, en cambio, el no ceñirse a un lado concreto, y no ser (pese a que en este caso podamos pensar que va a ir en esa dirección) algo tenebroso. ‘Night Life’, de hecho, combina como ningún otro disco de The Horrors su faceta más oscura y la más luminosa, sin que ninguna de las dos se sienta forzada.
Es el primer álbum de estudio de la banda desde 2017, habiendo lanzado en estos años solo los EPs industriales de pandemia, y es también el primer trabajo sin Tom Furse y Joe Spurgen, y con nuevos nombres en la formación: Amelia Kidd de The Ninth Wave y Jordan Cook de Telegram se unen (como teclista y batería respectivamente) a Faris Badwan, Rhys Webb y Joshya Hayward. Ambas cosas podrían haber desembocado en algo malo, tanto porque el público se haya olvidado de ellos (casi diez años, sumándole que algo previo a la pandemia nos parece aún más lejano) como porque los nuevos miembros no encajen con el grupo, y la ausencia de los anteriores se note demasiado. Respecto a lo primero, habrá que ver cómo funciona este regreso; respecto a lo segundo, es todo lo contrario.
El propio Faris Badwan, en entrevista con nuestro medio, reconoce que añadir a Cook y sobre todo a Kidd ha sido clave y que, junto a la producción de Yves Rothman (a quien conocemos por su trabajo en Yves Tumor, pero también con Kim Gordon o girl in red), ha llevado a la banda a explorar nuevos terrenos más que nunca. Y eso que hablamos de un grupo que ha pasado por el punk, el shoegaze, el industrial o incluso el rock de estadio. Pues bien, todos los The Horrors posibles están en este disco, junto a un punto nuevo, de manera que puede decirse que es también una buena manera de empezar a conocerles si nunca les has escuchado: si no te gusta ninguna de las facetas vistas aquí, probablemente no te va a gustar el grupo. Pero es que es difícil que eso ocurra porque no hay canción mala. Quizás ‘Trial By Fire’ es la más formulaica, aunque igualmente encantará a quienes devoraron sus EPs industriales, y ‘When The Rythm Breaks’, cuya melodía recuerda a un ‘Adestes Fideles’ ambient, puede parecer menos compacta y más cercana a la curiosidad.
Sin estar mal, sí son lo más flojillo. Pero todo lo demás podría estar en el apartado “lo mejor” que os dejamos al acabar las reseñas. ‘More Than Life’ es una buena muestra de lo bien que les sienta el shoegaze, ‘Silent Sister’ es la hermana guapa (guapísima) de ‘Trial By Fire’, ‘LA Runaway’, la más accesible, nos lleva a unos terrenos entre Simple Minds, The Cure y The War On Drugs, y la deliciosa electrónica de ‘The Feeling Is Gone’ al mejor TR/ST, a quien también nos recuerda ‘Lotus Eater’, con una construcción de atmósfera magistral. Por su parte, el lead single ‘The Silence That Remains’ es un buen resumen de lo que vas a encontrar en el álbum (con un maravilloso outro), y ‘Ariel’ es directamente uno de los mejores temas de su discografía.
Las atmósferas de todos ellos, la atmósfera del disco en sí, es una pasada, pero la de ‘Ariel’ (que en sus primeros acordes recuerda a los ídem de ‘MERICHANE’, por cierto) se lleva la palma, nada más comenzar el álbum. Tanto la letra como la estructura del tema, con esos sintes que parecen sorprenderte en mitad de la oscuridad, apuntan, como el resto del disco, a la mezcla de euforia y melancolía que Faris admite en entrevistas haber buscado, una ambigüedad que sienta de maravilla a este trabajo, cuyas texturas levantan y te detienen según la canción, o según el momento de la misma canción. Siguiendo con lo que comentábamos antes sobre la posibilidad de que ese público de The Horrors se haya esfumado: pues sí, es posible. De hecho, cuando dimos la noticia de sus cuatro conciertos en España, el único comentario iba en ese sentido, “vestigios de otro tiempo”. No sé si esos fans ya no estarán, pero, desde luego, haber sacado esto como ¡sexto! disco tras veinte años de carrera les da motivos para conseguir nuevo público, y para estar por aquí mucho más tiempo.
Guitarricadelafuente está cada vez más «posicionado», esa palabra que tanto gusta a la industria musical. Su primer disco, ‘La cantera‘ (2022), añadió un capítulo a la reciente reivindicación del folclore español en el pop y fue un éxito. Después, al valenciano Álvaro Lafuente Calvo le llegó una colaboración internacional en el último disco de Troye Sivan. Su sentida forma de interpretar y sus poéticas letras se han ganado el aprecio de un público ávido de propuestas originales. Y de creatividad, ‘Full time papi‘, el nuevo single de Guitarricadelafuente, va sobrado. Es la Canción del Día.
Una producción sorprendente, trabajada junto a Pablo Drexler, pablopablo; Lucas Durán Forga y junto a dos productores estadounidenses, Jasper Harris y Carter Lang, ‘Full time papi’ ha abierto el camino hacia el segundo álbum de Guitarricadelafuente, un trabajo producido principalmente junto a pablopablo pero grabado también en parte en Estados Unidos, que consolidará al artista y le abrirá nuevas puertas.
JENESAISPOP ha podido reunirse con «Guitarrica» en un bar de Barcelona para comentar ‘Full time papi’, su colabo con Troye y, muy, muy, muy por encima, el contenido de su próximo disco. La gira arranca en mayo:
18.05 – Bilbao (Palacio Euskalduna)
24.05 – A Coruña (Coliseum)
27.05 – Cartagena (Auditorio Paco Martín)
29.05 – Sevilla (Cartuja Center)
01.06 – Valencia (Nits de Vivers)
04.06 – San Sebastián (Kursaal)
06.06 – Zaragoza (Sala Multiusos)
21.06 – Las Palmas (Festival Mar Abierto)
22.06 – Santa Cruz de Tenerife (Festival Mar Abierto)
27.06 – Granada (Palacio de Congresos)
02.07 – Barcelona (Alma Festival)
03.07 – Barcelona (Alma Festival)
07.08 – Marbella (Starlite)
21.08 – Mallorca (Es Jardí)
17.10 – Madrid (Movistar Arena)
¿Grabas en tu casa?
Sí, las maquetas. Pero el disco lo hemos grabado en muchos sitios.
Jasper Harris ha producido para SZA. ¿Has trabajado el disco en Los Ángeles? ¿Cómo llegas a Jasper?
Jasper contactó conmigo hace dos años, me dijo que le encantaría trabajar conmigo. Al cabo de un año, en noviembre de 2023, nos conocimos en Nueva York, fuimos al estudio juntos, al Electric Lady, nada menos. Ahí nos vimos por primera vez. Me dijo: «Quedamos ahí». Y yo: «ah, vale». Me contó que una novia que tuvo descubrió mi música tocando en Benicasim y le recomendó mi trabajo. Al final esa relación no salió bien, pero Jasper y yo empezamos a trabajar juntos. Jasper ha participado en el disco aportando muchas ideas, es muy generoso creativamente.
Carter Lang (SZA, Post Malone) también está en el álbum.
Él entró en la ecuación más tarde. Con Carter Lang hubo mucha química. Yo pensaba que no iba a funcionar porque él venía del R&B, pero hubo conexión absoluta. También trabajamos con Frank Dukes (Camila Cabello, Lorde, ‘Motomami‘).
Entiendo que ellos también están hambrientos de probar cosas nuevas.
Yo creo que sí. Aparte la barrera latina que se ha roto, y la barrera del lenguaje que se ha roto, hay un interés en la música de España, a los productores estadounidenses les apetece probar cosas que vengan de un mundo completamente diferente.
¿En el disco habéis experimentado mucho? Esta canción es sorprendente.
Llevo tanto tiempo inmerso en el proceso que no me parece un cambio tan radical.
En ‘Full time papi’ suena un órgano y luego un acordeón. Luego el estribillo es a coro. Tiene mucho cambio,
El acordeón en concreto es una zanfona. Es un instrumento medieval, folclórico, que yo ya habría metido antes en una canción, pero esta vez lo metemos en un mundo, digamos, extranjero. De todos modos, mi objetivo en el disco ha sido que cada canción sea reconocible y reducible a la guitarra.
¿Cómo habéis conseguido meter tantas ideas instrumentales y que la canción se mantenga entera?
El órgano y la zanfona son instrumentos pesados, pero la canción es juguetona, no está hecha para ser contemplativa, sino para disfrutarla con el cuerpo.
¿Por qué ‘Full time papi’ es el primer single del álbum? Es una nueva introducción.
El tema por un lado choca un poco con lo que venía haciendo antes y representa la energía del álbum. Quizá no es tan representativa en el sentido musical porque el disco atraviesa caminos muy diferentes, también hay mucha canción en la que predominan guitarra y voz. Pero el contenido de las letras es otro. El disco habla de dejarse llevar.
¿El disco va de que Guitarricadelafuente se desinhibe y libera?
No me libero porque yo siempre he estado liberado, nunca me he sentido cohibido. Siento que el disco refleja mi madurez, expone un camino de aprendizaje. En ‘La cantera’ sentía que tenía cosas que demostrar porque era mi primer disco, pero en el segundo me ha apetecido simplemente disfrutar. Por ejemplo, en las letras del álbum anterior había que rebuscar mucho para encontrar algo personal, sin tanta capa. Esta vez, me apetecía evolucionar de ese mundo idílico y romántico del campo del primer disco, hacia algo más transparente, directo y de piel.
En la canción cantas «Quiero que me expliques la emoción de pasar de 100 a 0».
Sí, esa frase habla de una persona que siente algo intensamente y, en poco tiempo, deja de sentirlo. Es una reflexión sobre la forma que tenemos de sentir hoy en día, de darlo todo y quitarlo a la primera de cambio porque nos aburrimos. A mí personalmente me desestabiliza, porque puedo pasar de sentirme inseguro a todo lo contrario, y cuando recibes esa dosis de autoestima de golpe, de nuevo te predispones a caer en situaciones parecidas como la que comenta la canción.
¿Qué significa para ti el videoclip?
El vídeo lo hemos trabajado con Albert Moya. La idea era hacer un traspaso de la inocencia y el campo, de esa estética analógica y de film, hacia algo más carnal, porque ya no soy un joven adolescente, ya soy mayor. Soy un full time papi (risas) En el vídeo de ‘Mil y unas noches’ ya mostrábamos esos cuerpos desnudos, pero sin pasarnos de la línea: estaban delimitados por una inocencia. En ‘Full time papi’ quería que el tratamiento de los cuerpos fuera más directo y desnudo. ‘Full time papi’ cuenta un descubrimiento sexual, de uno mismo, de los gustos de uno, de cómo uno se siente en los roles del amor. En el vídeo, la lucha en el barro representa la lucha interna que cada uno tiene consigo mismo, esa lucha por romper la barrera hacia lo que a uno le gustaría experimentar para sentirse cómodo.
«‘Full time papi’ es un descubrimiento sexual: el vídeo habla de romper la barrera hacia lo que a uno le gustaría experimentar para sentirse cómodo»
¿Cuál es tu canción favorita del disco de Troye Sivan?
‘Still Got It’.
Me acordé de esa canción escuchando ‘Full time papi’, por el órgano.
Sí, me encantan esa y ‘One of Your Girls‘. Me encanta todo el disco.
¿Cómo fue el proceso de componer ‘In My Room’ junto a Troye Sivan?
La noche que Troye y yo nos conocimos salimos de fiesta y conectamos súper rápido. Él por redes ya me había likeado alguna cosa, empezamos a hablar y, a los dos días de conocernos, yo estaba de gira con ‘La cantera’ y me escribió Troye por Instagram para decirme que tengo una «voz muy bonita». Había estado escuchando mi música. Entonces, me propuso participar en su disco, que en ese momento lo estaba acabando de grabar en Londres. Viajé de Valencia a Londres y me planté en el estudio a las cuatro de la mañana. A mí me cuesta mucho salir un día del estudio con una canción, le doy muchas vueltas, soy de que repose, de verla en otro contexto y descubrir que sigue teniendo sentido. Cuando llegué al estudio, estaba Oscar Görres (el productor de Troye Sivan) con Troye y, en tres horas, tenía ya mi parte escrita en español.
¿Cómo ves a Troye en el estudio? ¿Le ves más líder o más abierto a aportaciones externas?
A Troye le veo de ambas maneras. Esa es la energía que hay que tener en el estudio porque, si no, para eso, te quedas tú solo. Troye fue súper generoso, me preguntó si me apetecía hacer algo especial. Yo no quería hacer una balada, con él quería hacer algo divertido y enérgico, diferente a lo que solía hacer. Al menos, quería probar. Escribí la letra y se la tuve que traducir entera al inglés para que la entendiese (ríe)
¿Cómo le traduces «fina peletería» a Troye Sivan?
(me enseña las notas de su móvil) «Cold skin is like fine peltry». Troye trabaja con Leland, su letrista. A Leland le pasé mi letra en español, y Troye y él terminaron la letra de ‘In My Room’ juntos en Estados Unidos.
¿Cómo negocias la composición de letras con otras personas? Tus letras son poéticas pero nada abstractas, en realidad son fáciles de entender. No parecen pretenciosas.
Es la primera vez que me he juntado con gente para componer. Antes sentía la necesidad de contar algo muy íntimo, pero en este segundo disco he requerido el input de otras personas. He trabajado con pablopablo, Teo Planell y TRISTÁN!, artistas que me gustan y que me transmiten una aura con la que me siento identificado.
¿Tus productores te dicen fácilmente lo que ven mal, igual que te dicen fácilmente lo que ven bien?
Es que depende mucho de que tú mismo te lo creas. Si vas seguro con algo, el resto de gente lo va a recibir así, y si vas con dudas, lo mismo. En estos procesos de composición, yo me exijo mucho, nunca me mola nada; pero cuando me sale una frase que me gusta, ya salgo satisfecho del estudio.
Te gusta dejar los temas reposar. ¿Eres de reciclar ideas viejas?
Yo no borro ninguna idea musical, mis notas son un vertedero, no tiro nada a la basura. Hay que guardarlo todo. Esta mañana escuchaba una melodía que grabé en diciembre de 2023 que había desechado, y me ha sonado genial. Yo compongo a base de reciclar, escribo una letra, la guardo y más adelante la recupero para meterla en una canción diferente.
Pocas personas más risueñas que Valeria Castro he topado en la industria musical. Entusiasmada con su trabajo, meticulosa con lo que dice y humilde, tiene poco que ver con la persona doliente que a veces encontramos en sus canciones. Valeria Castro no es ni remotamente la cantautora más de «abrirse las venas» que me puede venir a la cabeza, pero es verdad que su segundo álbum, ‘el cuerpo después de todo‘, nuestro Disco de la Semana, habla de desamor, para empezar con una misma, y de alguna que otra relación tóxica. Ella misma nos lo explica.
¿Cómo presentarías este disco?
Es una radiografía de vivencias personales, de cómo afectan al cuerpo. El cuerpo está en el centro de prácticamente todas las canciones, refiriéndose a lo físico, lo que ves, con lo que luchas, lo que somatiza por dentro… Me pareció que podría ser terapéutico plasmar todo lo que me ha ocurrido, que ha sido muy bonito, pero también me ha abrumado y me ha generado toda esta ansiedad. Cómo me miro a mí misma frente al espejo es un tema que llevaba tiempo queriendo sacar, esa enemistad propia creo que le ocupa a muchísima gente. Me he sentido valiente al ponerla en palabras de una manera tierna o más melodiosa. Me estoy sintiendo como que estoy en terapia en cada entrevista que hago, te lo juro (risas)
Esa mirada al «cuerpo», en ‘Tiene que ser más fácil’ es al cuerpo físico de verdad, no es una metáfora como otras veces. Hablas de no estar a gusto con tu cuerpo, ¿cierto?
Totalmente, sí. Al final, yo soy mujer, de repente me he visto más expuesta públicamente, y eso afila ese sentimiento de la mirada ajena. Desde pequeña lo he sentido. El bombardeo de imágenes, del algoritmo y todas estas redes sociales llevan a que te compares mucho y me he visto muchas veces buscando en el espejo un cariño propio que no he encontrado. Este single era: «Voy a reconocer frente a la gente que hay veces que no me siento a gusto con mi cuerpo». De cara a «si lo asumo, quizás ahí empiezo a ganarlo», porque es algo que yo creo que también tenemos muy aprendido. Yo hablo desde el prisma femenino. Hay mucha lucha, lo veo con mis amigas, mis familiares: siempre hay algo de enemistad con el cuerpo físico. Muchas veces intentamos taparlo para no asumir esa lucha que traemos, pero de repente tienes que sacarte fotos, tienes que poner tu imagen en un escenario y no siempre has sido muy amable contigo misma.
«Me he visto muchas veces buscando en el espejo un cariño propio que no he encontrado»
Yo entiendo perfectamente tu discurso como mujer. Aunque también pasa a los hombres. A mí en Instagram solo me salen hombres que tienen 10 años menos, mucho más guapos, todos de gimnasio. Esto genera una frustración, de la que llevamos hablando como 5 años. De cuerpos no normativos, de quererse uno mismo, pero parece como que no avanzamos, ¿qué podemos hacer? ¿Qué tiene que pasar para que nos dejemos de sentir mal con nuestro cuerpo?
No tengo ni la menor idea y creo que esta canción también parte de ahí, ese mantra: «tiene que ser más fácil el quererse, no puede el cuerpo ser tan cruel al verse». Tiene que ser más fácil, pero no tengo ni idea de cómo se hace. Tenemos que ser conscientes de que es así. Yo lo enuncio, pero no sé la solución. Quizás enunciando el problema y no pidiendo la solución siempre a gritos, se pueda a lo mejor, asumir esa vulnerabilidad. Pero yo no tengo la solución. Quizás quien tenga el control del bombardeo de imágenes… o yo qué sé, quién sabe.
¿Tú crees que puede haber una estampida de las redes sociales, gente marchándose masivamente? Yo sueño un poco con ese momento. Estando yo enganchado. Pero me fascinaría.
Creo que sería muy bonito, la verdad. Y probablemente la solución a todo esto que decíamos podría pasar por ahí, porque yo reconozco que mucha de esta información mental que te va ocupando la cabeza viene de lo que estás viendo todo el rato en el móvil. Además, nos dedicamos a un trabajo que es publicar en redes sociales todo el rato. Creo que va a ser muy complicado, pero yo también sueño con esa otra realidad. Ojalá ocurra en algún momento.
«Llegué a los Latin Grammys y me sentí, evidentemente, pez fuerísima del agua»
Antes has hecho referencia a lo abrumada que te has sentido a veces estos dos años. ¿Cuál ha sido el momento en el que has estado peor, que te has visto más superada.
Lo tengo clarísimo y no lo he contado mucho, pero hubo un momento que me vi muy superada: fue en los primeros Latin Grammy a los que fui, que estuve nominada. Llegué allí y me sentí, evidentemente, pez fuerísima del agua. Digo: «¿qué hago yo aquí? No tengo ni idea». A los dos días me iba a hacer mi primera gira por Latinoamérica y se me fue completamente la voz. Fue una afonía completamente psicológica que venía de «no puedo con todo, tengo una cultura de cosas más pequeñas y estas cosas me están superando». Luego fui capaz de salir de ahí y de tirar para adelante, y fue una gira maravillosa, pero es verdad que fue una evidencia muy clara de cómo la presión laboral que yo misma me estaba poniendo se me somatizaba en el cuerpo de una manera que no había sentido nunca.
¿Cómo te curaste?
Una foniatra me ayudó. Yo uso mucho como el ácido hialurónico como limpiador nasal, si quieres entrar en temas médicos (risas) Ahora estoy con una profesora de canto que me ayuda mucho en ese sentido porque analiza mucho cómo a los artistas nos afecta a la garganta lo psicológico.
Adivino que el tema que te agobiaba en los Latin Grammys no era ganar…
Lo tenía claro… Era tener que estar en todos los sitios todo el rato, tener que estar a la altura. A mí eso me ha agobiado siempre mucho, tener que estar a la altura de unas circunstancias que normalmente te pones tú misma, porque luego no vas a un sitio y la vida no se para: todo el mundo sigue viviendo y no se acaba tu carrera tampoco. Pero es verdad que te pones unas presiones de querer conseguirlo todo. No tenía nada que ver con el premio porque eso ya es otra movida. Yo ya sé que los premios no dependen de ti. No aspiro a nada más que a disfrutar siempre.
Has tenido muchas colaboraciones y nominaciones a premios. ¿Qué te ha hecho crecer más? ¿Cuál es el punto de inflexión en estos dos años?
No me gusta pensar que hay clics que activen algo en tu carrera o tu vida. Hay demasiado esfuerzo, demasiados equipos que te apoyan, que ponen mucho de su parte para que las cosas sucedan, como para poner la justificación en un sitio solo. Pero si hablamos de lo personal, yo creo que una de las cosas que más me cambió el chip estos dos años, sobre todo a la hora de colocar prioridades, fue la gira de Latinoamérica. Como empecé tan abajo, con una afonía… Ver el público al otro lado del charco me cambió mucho. Me di cuenta de que algo podía ocurrir, tan lejos de mi tierra y de mi familia. Eso me cambió para asumir todo lo que viniese desde otro prisma, más que las colaboraciones con compañeros. Han sido siempre momentos preciosos de compartir, pero intento no ver en ellos el clic de mi carrera.
¿Alguna de las personas con las que has colaborado te ha dado algún consejo que te haya servido para mantener los pies en la tierra?
Los pies a la tierra me los ata mi madre (risas) Sí recuerdo que fue bonito compartir algo con Julieta Venegas. Yo creo que ya hay poco consejo que te pueda dar la gente, pero precisamente Julieta tiene una hermana gemela como yo. Cuando coincidí, le dije: «Julieta, necesito preguntarte cómo llevas tú el tener una hermana gemela y ser una artista». Porque es algo que a mí personalmente sí me ha preocupado siempre, porque no quiero que mi hermana se sienta mal. Hablé con ella y compartimos esa experiencia de tener una hermana que no se dedica a esto exactamente, que es igual a ti y que a lo mejor le puede generar algún problema en el futuro. Fue muy bonito que alguien me aconsejara cómo abordar esa situación tan personal que nos unía a las dos.
Volviendo al disco, hay algo de amor tóxico también, de dejar un amor tóxico atrás, en ‘Devota’, por ejemplo.
Sí que trae la identificación de la toxicidad de una relación pasada. Identificas lo tóxico cuando ya ha pasado, pero también es bonito plasmarlo en una canción y dejarlo como aprendizaje. Hay una frase que a mí me gusta mucho, y me gusta repetírmela: «son las mías, no tus manos las que necesito». Repetirme a mí misma que soy dueña del cuerpo que habito, también es algo que me importa de cara al futuro, de cara a otras vivencias que pueda tener, que eso no se me olvide, porque en algún momento puede que no me haya sentido tan dueña de las circunstancias. Todo son vivencias, pero también una exagera en las canciones…
Hay una canción que me ha parecido súper triste, ‘Honestamente’, que de repente te pasas media canción diciendo «Que te vaya bonito, yo esta historia no la repito»…
‘Honestamente’ trae también un poco de ironía, no viene con el espíritu de Paquita la del Barrio. Viene de verdad como una cosa casi de indiferencia y hasta cierto cariño.
Te quería preguntar sobre todo por la frase al final de «al verte quizá piense diferente», porque es una derrota. Al final es como que no has dejado la relación atrás. «Al verte, a lo mejor, vuelvo a caer». ¡Eso es muy triste!
¡No me digas eso, Sebas! ¡No, no, ya no caigo, no te preocupes! ¡No voy a caer!
Eso, eso… Queda grabado aquí.
Este disco está un poquito lleno de pequeñas contradicciones, permisos que uno se tiene que dar al vivir. Esto no justifica volver a caer en una relación, sino un permiso a sentir algo por esa persona o lo que fuera. Pero justo ‘Honestamente’ está hecha desde un punto como muy naif, de paz mental. Cuando la escribí no tenía ni rabia ni tristeza ni dolor, simplemente quería dejar escrita una realidad que ocurrió, pero que no veo que me vaya a hacer más infeliz a mí.
¿Y ahora qué tal estás?
Estoy muy bien, Sebas, muchas gracias por preguntarlo. La verdad es que está siendo muy bonito todo este proceso de hablar del disco. Así voy desgranando yo misma mis propios pensamientos y eso a mi psicóloga le viene muy bien: no se lo cuento a ella, se lo cuento a periodistas, así nos ahorramos alguna sesión (risas)
Tengo la teoría de que le aburro a mi psicólogo, pero me da igual, para eso le pago.
Imagínate, yo digo: “o le aburro o está divertidísima conmigo”, no lo sé. Una vez me dijo que era graciosa, eso me gustó, dije: “Qué bien, oye…” Sacar un disco siempre te coloca en un punto muy ilusionante. Pero es verdad que este disco es muy intimista y de un proceso vital que he vivido y siento que es posible que todavía esté en proceso de muchas cosas. Esta visión de mí misma distorsionada todavía la tengo que seguir cuidando. Estos círculos que tengo que crear para que cuando yo no pueda soportarme, haya gente que lo soporte. Y al amor romántico le he puesto unos límites, espero poder cumplirlos. Pero bueno, estoy contenta de situarme en un punto psicológicamente estable, que ya es suficiente y bastante loable, la verdad.
«Al amor romántico le he puesto unos límites, espero poder cumplirlos»
En ‘Devota’, ya hablando de la música estrictamente, me gusta mucho la producción que tiene, cómo empieza el disco, primero de una manera, luego de otra… tiene un viajecito, unas percusiones que no te esperas.
Estoy muy orgullosa de todo, la verdad, porque ha sido un proceso muy interesante y muy bonito junto a Campi Campón, productor del disco. Me propuso hacer las canciones primero tocándolas en directo con un grupo de gente y luego ya viendo qué sacábamos de ahí para la producción. No empezar frente al ordenador y luego ir llamando músicos a que añadieran capas. Queríamos ver cómo se vivían en directo las canciones. Y justo ‘Devota’ transitó por muchos espacios porque esta canción nació del ritmo gallego de panaderas. Que no quedó así, porque la grabamos así y dijimos: “Igual esto queda muy bien para el visual, pero en el disco no tanto”. Pero sí que había un arraigo folclórico que me hace mucha ilusión que haya nacido desde ahí.
El productor tenía claro que tenía que abrir el disco, por esa frase de “no sé por qué empezar primero” y ya te cuenta todo lo que va a venir: un viaje de 11 canciones. Fue muy bonito ver cómo pudo transitar muchos espacios esta canción.
¿Es la producción de que estás más orgullosa?
La canción de la que más orgullosa me siento en producción, probablemente sea ‘el cuerpo después de todo’, que es la que da nombre al disco, porque también ha salido de esa sesión de músicos, todos tocando en directo a ver qué salía. De repente, vino Amaia Miranda, guitarrista maravillosa. Tiene un proyecto precioso, y de repente cogió la guitarra eléctrica. Yo no había visto nunca en una canción mía una guitarra eléctrica (risas). Y de repente vi cómo cabía esa sonoridad porque le aportaba el color que estábamos buscando, a una letra que ya venía con ese paisaje crudo y oscuro de por sí. Me siento muy orgullosa también porque en esa sesión, en la última tocata, yo me eché a llorar y dije: «Vale, tiene que ser por aquí, ¿no? Si yo me acabo de echar a llorar con lo que acaba de pasar en esta sala, es que es por aquí el camino”.
Luego yo soy tan cateta que, en cuanto oigo un oboe o un clarinete siempre pienso en banda sonora. ¿Te han influido las bandas sonoras que has hecho para este álbum?
Es verdad que en este disco se ven esos vientos que nunca había incluido, salvo en ‘La corriente’ un pequeño clarinete. En las reuniones que hacíamos Campi y yo para ponernos músicas y saber por dónde queríamos que fuera el disco, me di cuenta de que quería innovar un poquito poniendo eso, lo que no había puesto nunca, vientos. Puede tener algo de bandas sonoras, porque trabajamos en Ciudad de México y el saxofonista y el clarinetista, Dan Zlotnik, ha trabajado con Iñárritu y Cuarón, y puede tener ese tinte. Pero si tenemos que elegir una inspiración en vientos, venía también por Sufjan Stevens, que me lo enseñó Campi y dije: “Bueno, yo quiero hacer esto, por favor, en mi vida”.
Por esto decías que el disco era como muy mexicano, ¿no? ‘Sentimentalmente’ es como muy latina, aunque no sé si de México…
El ADN mexicano venía de que se grabó entre Ciudad de México y Madrid y en la Ciudad de México estuve con músicos mexicanos que le dieron esos tintes, no tanto a lo mejor el sonido mexicano, pero sí cierta presencia. En ‘debe ser’, con Silvia Pérez Cruz, sí que hay un aire mariachi al final que me trajeron ellos y yo orgullosísima de que lo hayan traído. ‘sentimentalmente’ es verdad que no era tanto mexicana, también teníamos algún venezolano en la sala, y es una cumbia.
«Me parece bonito poner en valor la escritura e interpretación de una sola persona»
Te quiero preguntar por la palabra cantautor y cantautora, como que ya nadie la usa…
Parece que la etiqueta de cantautor se quedó como en el 2010 o así.
Por lo menos hay chicas, tipo María Yfeu, que me recuerda a ti.
Maravillosa…
¿Pero hay chicos cantautores ahora mismo?
Le quitamos el hueco las cantautoras ahora (risas) Yo estoy bastante en paz con la palabra cantautora, la verdad, porque también por ejemplo, el género… Dime tú qué es indie ahora…
Eso ni lo pregunto.
De repente se expandió por el mundo y nadie supo que era el indie. Pero bueno, una cantautora es aquella que escribe y compone sus canciones. Entonces, yo me siento orgullosamente cantautora. Estas canciones están escritas por mí misma, salvo una que está coescrita con unos detalles de otros compañeros. Me parece bonito poner en valor la escritura e interpretación de una sola persona. Tampoco nos debemos a los géneros: que se deban los géneros a las canciones.
Una de las conclusiones del disco es cuando, casi al final, dices: «Aprendí que sí hay quien me valore». Esto es como el desenlace feliz antes de afrontar la campaña, ¿no?
Totalmente. Aprender que el amor no solo puede ser romántico, sino lo que tienes alrededor, las redes que te soportan: familia, amigos o lo que tú creas.
¿Te da un poco de vértigo este par de años que vienen ahora presentando el disco o tienes ganas?
Tengo muchas ganas, porque además traemos un formato de banda que me parece alucinante y me emociona mucho cómo está sonando todo. Solo tengo ganas de poder presentarlo y ver qué ocurre con este disco. En el directo es donde las canciones cogen más peso, más vida y eso me emociona muchísimo, la verdad.
Mariah Carey ha ganado una demanda por 20 millones de dólares interpuesta en 2023 por los cantantes Vince Vance y Troy Powers, que aseguraban que ‘All I Want For Christmas Is You’, el villancico más famoso de la historia, es una copia de una canción suya de 1989 que tiene el mismo nombre.
Aunque las canciones solo se parecen en la temática navideña, Vance aseguraba que se trataba de un plagio. Sin embargo, su propuesta fue rechazada el pasado miércoles en un jurado de California, asegurando que las dos canciones son «diferentes» pese a compartir «clichés habituales de las canciones navideñas».
La jugada le va a salir al revés a Vance, ya que la magistrada Mónica Ramírez Almadani también considera que Vance no ha cumplido con su parte correctamente, por lo que ha impuesto una serie de sanciones para cubrir parte o la totalidad de los honorarios de los abogados de Carey. La principal razón es la de «incurrir en gastos innecesarios respondiendo a argumentos jurídicos frívolos y alegaciones de hecho sin fundamento».
La demanda fue presentada hace tres años y no es la única que Vince Vance ha presentado contra Mariah Carey. En junio de 2022, ya había interpuesto otra contra la diva y su coautor, Walter Afanasieff, que fue desestimada cinco meses después.
Kanye West ha publicado la película de ‘Bully’ en tres versiones diferentes, estas son, «Latest», «Post Hype» y «Post Post Hype». La película se puede visualizar y descargar a través de la plataforma frame.io, aunque ye ha subido la versión «Post Post Hype» directamente a su cuenta de X. En el canal de YouTube de Kanye ahora también está disponible ‘BULLY V1’.
Aunque Kanye ha publicado la película de ‘Bully’, el disco no está disponible en formato audio en ninguna plataforma de streaming y West ha comunicado que «no está acabado». Por otro lado, ha dado a entender que la versión acabada de ‘Donda 2’ «va siguiente» y ha compartido su supuesta portada. West publicó las maquetas de ‘Donda 2’ en 2022 a través de la plataforma Stem Player.
En ‘Bully’, West aúna la producción abrasiva de sus últimos trabajos con su sensibilidad para los samples de la vieja escuela y una visión deconstruida de la composición. En ‘Bully’, Kanye samplea -entre otras canciones- ‘You Can’t Hurry Love’ de las Supremes o ‘Bésame mamá’ de Poncho Sánchez -en una canción interpretada en spanglish- e interpola ‘Close to You’ de los Carpenters.
Aparentemente en promoción de ‘Bully’, Kanye ha vuelto a hacerse el «matón» en X propinando insultos a una serie de artistas o incluso a sus familias. Ha escrito que «los hijos de Beyoncé y Jay-Z son retrasados», ha acusado a Playboi Carti de «pegar a las mujeres», ha acusado a las «discográficas francesas y judías de tratar a los artistas como si fueran prostitutas» y ha cuestionado la veracidad de las reproducciones de streaming y de las listas de éxitos porque «todo el mundo paga por emisiones en la radio».
Desde entonces, Tina y Matthew Knowles han respondido, directa e indirectamente, a los hirientes comentarios del rapero. La madre de Beyoncé lo ha hecho mediante un vídeo de su serie de «bromas cursis»: «¿Qué pasa cuando un muñeco de nieve tiene un berrinche? Que se derrite», exclamaba en el vídeo.
En la descripción del post, dejaba más claro para quien iba dirigido el chiste: «Es difícil mantenerse positiva y elegante delante de la ignorancia y la maldad, pero sé que ningún arma formada contra mí o mi familia prosperará. Esta batalla no es mía, pero sí del Señor, sé que Dios lo tiene controlado». Actualmente, la descripció ha cambiado y la mayoría de sus comentarios han sido eliminados del post.
Matthew Knowles, por otro lado, no ha tenido miedo de nombrar por nombre a Kanye, en unas declaraciones para TMZ: «La gente paga un precio por ser estúpida, especialmente en la industria musical. Espero que Kanye consiga el tipo de ayuda que necesita, en términos de salud mental», concluye.
Todo llega tras las noticias de que Beyoncé y Jay-Z están considerando tomar acción legal contra West. Una fuente de Page Six asegura que la pareja encontró los comentarios «chocantes» y que «de ninguna forma aguantarán» este tipo de declaraciones.
Curiosamente, Carti es uno de los supuestos artistas invitados en ‘Bully’, junto a Ty Dolla $ign, y él mismo acaba de publicar nuevo disco. ‘Vultures 2’, el último álbum de Ye y Dolla, se editó el año pasado, conteniendo un sample no autorizado de Portishead.
Es mayo de 2023 y el trío parisino Oracle Sisters recorre Estados Unidos de gira. De hecho, en septiembre volverán a por más. Son largos trayectos «desde Virginia hasta Chicago, pasando por Kentucky». Este tour realizado a principios de aquel verano, y a finales de aquel verano explica por qué un grupo francés, fan de gente como Air, termina más empapado de sonido americano de lo esperado. Por qué tienen un tema llamado ‘Rodeo’ que suena a góspel, por qué nos hablan de pájaros y ríos en la campestre ‘Riverside’, por qué Fleet Foxes y Vampire Weekend parecen influencias determinadas en su carrera, cuando ellos nos hablan más bien de Talking Heads (palpable sobre todo en ‘Blue Left Hand’) o Richard Hawley.
También de Suicide, cuyo influjo lo escuchamos en el trepidante single ‘Alouette’, aquel tema que se definió como «un tren de alta velocidad» en sintonía con el ritmo de composición que el grupo tuvo que aplicar a principios de 2024, en una antigua casa de campo. En este tema «los piratas, los búhos y los artistas cantan por igual», con la esperanza de que el público se sume después, también.
Oracle Sisters es un grupo, por tanto, que no se apega a un estilo demasiado concreto. Sus escenarios son bucólicos, a veces marcados por una «slide guitar» (‘Shotguns’), otras por un teclado de corte infantil (‘Talk Is Cheap’). Lo que tienen en común siempre sus producciones es lo susurradas que se nos presentan, la delicadeza con que se tratan los instrumentos, el espacio que se les deja en la mezcla, la sutileza con que se introduce por ejemplo el saxo en ‘Riverside’ -tan marcada por sus arreglos acuosos- o sobre todo el final de ‘Moon on the Water’.
Otra característica de ‘Divinations’ es el modo en que se va introduciendo la voz de Julia Johansen. Lewis Lazar y Christopher Willatt pueden parecer los líderes de la banda, un poco al modo bicéfalo de Foxygen o Lemon Twigs, referencias para ellos. Al fin y al cabo, los chicos ya eran amigos de la infancia. Sin embargo, Johansen va pasando de corista a voz principal a medida que avanza la secuencia, obteniendo gran protagonismo en ‘Blue Left Hand’ y finalmente liderando la preciosa nana ‘Talk Is Cheap’.
Editado por su propio sello, Wizard Artists, ‘Divinations’ es un disco que puede gustar a aquellos que mantienen en un pedestal el catálogo de sellos como Elefant o añoran el sonido de La Buena Vida (‘Banshee’). Juré que no volvería a utilizar esta palabra, pero «indie», ese concepto totalmente en desuso, es una palabra que les sienta muy bien.
Oracle Sisters actúan el 24 de marzo en Madrid, el 26 de marzo en Santiago y el 27 de marzo en Bilbao.
Después del arrollador éxito de ‘End Of Beginning’, gracias a su viralización en Tik Tok, Djo está preparado para lanzar su nuevo disco. A juzgar por los dos adelantos disponible, todo indica que el sucesor de ‘DECIDE’ estará a la altura del inmenso hype que Joe Keery carga a sus espaldas. Por suerte, se lo toma con humor. ‘Basic Being Basic’ es la Canción del Día.
Djo presenta ‘The Crux’, disponible el próximo 4 de abril, con la irónica ‘Basic Being Basic’, en la que el cantante y actor estadounidense se saca de la manga una crítica a la superficialidad y al materialismo. A la vez, describe el tipo de conexiones que busca: «Quiero placeres simples, amigos que me cubran la espalda».
Con un ocurrente delivery hablado, a lo LCD Soundsystem, y una base electrónica y estática, a lo LCD Soundsystem, Djo enumera algunos comportamientos que él considera de persona «básica», como «hacer fotos a tu plato» o tener «el gusto cinematográfico de Tarantino».
El estadounidense también aprovecha para tomarse con humor su etapa post viral y llamar «básica» a la gente que pide otro ‘End Of Beginning’: «Preguntaste por ello, aquí está, un ejemplo rápido porque querías los hits / Creo que tienes miedo de ser básico».
El segundo single, aunque es radicalmente diferente a ‘Basic Being Basic’, también resulta una agradable sorpresa. Con una estética retro mucho más refinada que en el disco anterior, ‘Delete Ya’ es un funk de desamor que también incluye una curiosa referencia a ‘Stranger Things’: «Llamo a Charlie y les damos una vuelta a los niños», refiriéndose al actor Charlie Heaton y al elenco principal de la serie.
Kiddo Manteca, productor para artistas como Recycled J, Cruz Cafuné o Quevedo y uno de los más exitosos del país, ha recibido un aluvión de acusaciones en redes sociales provenientes de otros productores que han trabajado con él. Estos aseguran que «no sabe ni producir» y que «lleva robando créditos durante años». Por el momento, no hay respuesta de Kiddo Manteca.
Todo ha surgido a raíz de la salida del último disco de Delaossa, ‘La Madrugá’, en el que Kiddo participa en cuatro canciones como productor y en otras dos como compositor. Productores de la talla de Choclock, El Secreto y Govea La Firma, colaboradores de Cruz Cafuné, no han tardado en inundar las redes con lo que parecía un secreto a voces. El medio GRINDIN’ ya ha bautizado lo ocurrido como «Beatgate».
Choclock, que también aparece como compositor junto a Manteca en la canción ‘Ángel’, declara que «todos los productores que han trabajado con él saben lo que hay»: «Hace tiempo un productor que no sabe ni producir me intentó vender la moto de que él no era un simple beatmaker, y ahora entiendo que tenía toda la razón, es mucho más que eso, es un puto scammer», ha escrito en X.
Según lo que dicen las acusaciones, no es algo que haya ocurrido solo en el disco de Delaossa, sino que lleva en práctica durante años. Así lo ha declarado el productor El Secreto: «Kiddo lleva robando créditos durante años y nadie tiene los cojones de decirle nada». Tampoco se anda con rodeos: «Kiddo Manteca roba beats, da la cara».
Este especifica, acusándole de robar samples a compañeros: «Deja de utilizar samples de gente que después te piden los stems y dices que no los tienes jodida rata». Govea La Firma, por otro lado, se pregunta «a qué otro artista vas a engañar para venderle la moto», ahora que se habría destapado todo: «Hasta tu marca de agua es un robo», concluye.
De ser ciertas estas acusaciones, no queda claro cómo Kiddo Manteca ha podido estar tantos años en activo, pero se presume que habría necesitado la complicidad de otras personas. Kiddo se trata de uno de los productores más exitosos del país, sumando más de 1,5 millones de oyentes mensuales en Spotify y habiendo trabajado con los nombres más potentes del panorama urbano. ‘Veneno’, la canción más streameada de Delaossa, sería una producción suya, junto a J.Moods.
KIDDO MANTECA ROBA BEATS, DA LA CARA
— SECRETO WATCHU DOING FOO?? (@ELSECRETOPROD) March 21, 2025
hace tiempo un “productor” q no sabe ni producir me intentó vender la moto de que él no era un simple beatmaker, y ahora entiendo que tenía toda la razón, es mucho más que eso, es un puto scammer
KIDDO LLEVA ROBANDO CRÉDITOS DURANTE AÑOS Y NADIE TIENE LOS COJONES DE DECIRLE NADA, DA LA CARA JUAN PEDRO
— SECRETO WATCHU DOING FOO?? (@ELSECRETOPROD) March 21, 2025
Ahora q se destapa la manta, a ver a qué otro artista vas a engañar para venderle la moto. Que hasta tu marca de agua es un robo. https://t.co/0nc6YGQnbl
Y DEJA DE UTILIZAR SAMPLES DE GENTE QUE DESPUÉS TE PIDEN LOS STEMS Y DICES QUE NO LOS TIENES JODIDA RATA
— SECRETO WATCHU DOING FOO?? (@ELSECRETOPROD) March 21, 2025
Kiddo Manteca, uno de los productores que más relevancia ha alcanzado en España desde el lustro pasado, acusado de haberse atribuido varias instrumentales que no eran suyas con la complicidad de varias personas más.
En 2010 se produjo un encuentro que marcaría la historia reciente de la televisión británica: el guionista Jack Thorne, que venía de trabajar en la serie de adolescentes ‘Skins’ (2007), coincidió con el actor Stephen Graham -secundario de lujo en filmes como ‘Snatch. Cerdos y diamantes’ (2000) o ‘Gangs of New York’ (2002)- en la trilogía ‘This is England’, una de las grandes series inglesas de la pasada década, también sobre adolescentes. Posteriormente, colaboraron en la impactante ‘The Virtues’ (2019), una joya absoluta (está disponible en Filmin), y el estupendo telefilme sobre el covid Help (2021).
A este tándem se ha sumado ahora el director Philip Barantini, quien ya había trabajado con Graham en la celebrada Hierve (2021), luego ampliada a miniserie en ‘Boiling Point’ (2023). Esta película es un claro precedente estilístico de ‘Adolescencia’ (Netflix): está rodada en un único plano secuencia, al igual que los cuatro capítulos de la serie. En este sentido, el virtuosismo técnico de Barantini es apabullante, yendo más allá de la reciente ‘El colapso’ a través de un uso combinado de steadicam y dron que te deja con la boca abierta (el final del segundo capítulo es un prodigio coreográfico).
Eso sí, a diferencia de otras películas rodadas en un único plano secuencia, que tienen más de alarde formal que de recurso narrativo (‘Victoria’ es un buen ejemplo), en ‘Adolescencia’ esta decisión está totalmente justificada desde un punto de vista dramático: contribuye a una inmersión total del espectador, potenciando aspectos de la trama como el naturalismo (el procedimiento de la detención en la comisaria), la tensión emocional (la evaluación psicológica del chico), el desarrollo de las emociones de los personajes (el capítulo dedicado a la familia)…
La serie (un inesperado exitazo de Netflix a la altura de lo ocurrido con la también británica ‘Mi reno de peluche’) no solo funciona técnicamente, también dramáticamente. Como es habitual en las producciones británicas, el nivel de los intérpretes es altísimo. Sobresale, obviamente, Stephen Graham, pero también el debutante Owen Cooper, quien encarna al adolescente protagonista. Su actuación en el tercer capítulo es asombrosa.
Y, en cuanto al guion de Thorne y Graham, no revelaré detalles de la trama. Únicamente destacar su capacidad para radiografiar el presente y generar debates -sobre la educación y el sistema educativo, la responsabilidad familiar, las brechas generacionales e ideológicas, el impacto social de la manosfera- sin caer en dogmatismos, didactismos ni moralinas.
‘Adolescencia’ es un crudo drama criminal y humano, con reminiscencias de películas como ‘Tenemos que hablar de Kevin’ (2011) o ‘Mass’ (2021), que no juega al “quién lo hizo”, sino al “por qué lo hizo”. No busca culpables ni ofrece respuestas simplistas: solo formula las preguntas adecuadas.
Chappell Roan ha resucitado definitivamente ‘Pink Pony Club’ gracias a una actuación televisiva, y el tema, aparte de haber logrado el número 1 en UK recientemente, también lo consigue en nuestro top 40. En JNSP es el primer top 1 de Chappell Roan, pues ‘Good Luck, Babe!’ nunca pasó del top 10 la pasada primavera por aquí. En aquel momento era número 1 de nuestra lista Dua Lipa.
Chappell Roan es la entrada más fuerte de la semana, pero no la única del top 10: también recibimos a Paul Thin, HAIM y Sugababes. También entran Barry B, Rufus T Firefly, Valeria Castro y Circuit des Yeux.
Sen Senra ha anunciado el disco que pondrá fin a la ambiciosa trilogía de ‘PO2054AZ’, que empezó en 2023 con ‘El Origen’, continuó el año pasado con ‘El Emigrante’ y terminará en 2025 con la última entrega. El volumen III llegará a plataformas el próximo 6 de junio.
El artista gallego ha acompañado el anuncio con una canción que suena apropiada tanto para el comienzo como para el final del proyecto. Como suele ser el caso con Sen Senra, este ha elegido como adelanto del proyecto un tema que sería lo contrario de un single típico.
‘Hasta El Fondo’ es una épica pieza orquestal inspirada «en mi familia, amigos y desconocidos» y que, a la vez, da pistas sobre el futuro de la carrera de Senra. «Ya me van quedando pocas puertas por abrir / En cualquier momento es la de la salida», canta el artista de 29 años.
Senra dará fin a esta etapa con ‘La Última Misa’, cuatro conciertos especiales en Sevilla (17 de octubre), A Coruña (12 de diciembre), Valencia (9 de enero de 2026) y Madrid (30 de enero de 2026). JENESAISPOP es medio colaborador de la fecha madrileña.
Playboi Carti consigue el primer puesto número 1 de su carrera en las listas británicas gracias al impacto de ‘MUSIC’, desbancando a ‘MAYHEM’ de Lady Gaga. Se prevee que el rapero norteamericano también debute en el primer puesto del Billboard 200, superando las ventas del disco de Gaga en su primera semana.
Según Hits Daily Double, Carti debutará con una suma superior a 300.000 unidades en su primera semana, mientras que ‘MAYHEM’ obtuvo 219.000 en el mismo periodo de tiempo. Claramente, sería el mayor logro comercial en la carrera del rapero de 29 años.
En materia de singles, sin embargo, Carti solo ha colocado dos en el top 10 de las listas británicas: la caótica ‘EVIL J0RDAN’ (#7) y la «radio friendly» ‘RATHER LIE’ (#10) con The Weeknd. Por otro lado, ‘TOXIC’, con el británico Skepta, se cuela en el número 21 del top 40.
Esta lista está ahora encabezada por ‘Ordinary’ de Alex Warren. En segunda posición, Chappell Roan consigue otro éxito con su último single, la country ‘The Giver’. Se trata de la primera canción de la estadounidense en debutar dentro del top 10.
Doja Cat y Jack Harlow firman su primera colaboración con ‘Just Us’, un corte de puro hip hop que peca de lo mismo que los últimos lanzamientos del rapero estadounidense: poca chicha. Eso sí, el vídeo está lleno de cameos de tus celebridades favoritas, como Matt Damon o PinkPantheress.
‘Just Us’ llega cinco años después de que Harlow admitiese en un directo de Instagram que Doja Cat era su «crush». Y de eso va la canción, más o menos. Ambas estrellas dedican sus versos a declarar la tensión sexual que sienten por el otro: «Le dije que era muy guapa y solo se sonrojó», rapea Harlow en un delivery monótono que no le hace ningún favor.
Aunque Doja inyecta el tema con un poco más de energía en su parte, en la que se declara «insaciable como Pac-Man», la canción por desgracia se queda en nada más que una excusa para hacer un vídeo lleno de cameos de famosos. Entre estos, John Mayer, Nicholas Braun de ‘Succession’ o la periodista Taylor Rooks. Si Harlow y Doja tuviesen la misma química en el estudio que en el videoclip, otro gallo cantaría.
The Horrors publican hoy ‘Night Life‘, su primer disco con nueva formación: el batería Jordan Cook y la teclista Amelia Kidd se añaden a Faris, Rhys y Joshua (aunque Tom y Joseph no se han ido del todo). ‘Night Life’ es el sucesor de ‘V‘, lo que significa que llevábamos sin un disco de larga duración de The Horrors desde 2017, EPs industriales aparte. Y, si hay público que se ha olvidado de ellos, la banda se encarga de volver a llamar la atención con un trabajo bastante cuidado en el que hay temas tan interesantes como ‘Ariel’. Hablamos con Faris, vocalista y líder del grupo, sobre el camino a este nuevo disco, lo que han ido evolucionando las canciones o la producción de Yves Rothman. Pero también echamos la vista atrás por el 20º aniversario de su formación e, incluso, intentamos preguntarles por el remix que hicieron para Lady Gaga (y por ‘MAYHEM’, pero no hay suerte).
La gira de ‘Night Life’ de The Horrors pasa por España en abril: el grupo visitará Santiago de Compostela (Sala Capitol, 3 de abril), Barcelona (Paral•lel 62, 5 de abril), Madrid (Sala Mon, 6 de abril) y Valencia (Sala Moon, 7 de abril).
Hace casi diez años de vuestro último largo, EPs aparte. ¿Cómo ha sido volver a sentaros para escribir un nuevo disco?
¡No hace diez años! No paran de decirme eso en las entrevistas, y son ocho años. Lo que ocurrió es que empezamos a trabajar en un disco y llegó la pandemia. Eso distorsionó el proceso, y luego vinieron los EPs. Cuando nos dimos cuenta, el último disco era de 2017. Pero no tuvimos un momento de “sentarnos” en sí, sino que fue continuar nuestra actividad más bien.
Es el primer álbum con Amelia Kidd y Jordan Cook. ¿Qué tal ha sido la incorporación?
Cuando empezamos The Horrors, tenía 18 años, me parece increíble que haya pasado tanto tiempo… Llevo más años dentro de The Horrors que fuera. El caso es que en todo este tiempo, la banda es un grupo de amigos, y cuando os veis tanto tiempo para ensayar, para crear, o para salir juntos, puedes pensar que es difícil añadir nuevas personas. Pero no, ha sido súper fácil añadirles a ellos, porque ya eran amigos nuestros de antes. Jordan había tocado para nosotros en el pasado, también toca en el disco en solitario de Amelia, que aún no ha salido pero lo he producido yo. Todo este tiempo, he visto su manera de trabajar, las cosas increíbles que pueden hacer, y fue una decisión muy fácil el hecho de sumarlos a la banda. De hecho, me asusta pensar qué hubiese pasado de no conocer a Jordan y Amelia de antes, porque encontrar a gente que encajase en el mundo de The Horrors, sus personalidades, sus gustos… habría sido muy difícil.
Habéis decidido contar con Yves Rothman para la producción de este disco. Ha trabajado para Yves Tumor, Kim Gordon o girl in red, artistas bastante distintos entre sí, y ahora The Horrors. ¿Había temor de que no entendiese el espíritu de la banda?
No me preocupaba eso; si no hubiese pillado el espíritu de la banda, habríamos cogido a otra persona. Yves produce y toca para Yves Tumor, y la forma en que Yves Tumor construye canciones se parece a la manera en que lo hacemos nosotros: se nota que le encanta la música, la música de cualquier género, de cualquier lugar toma influencias. Construye canciones de una manera poco convencional, más caótica. Y cuando conocimos a Yves (Rothman), nos dimos cuenta de que teníamos gustos musicales en común, pero aparte se adapta muy bien, y se mostraba muy cómodo con nuestra manera de trabajar. Y nosotros también nos sentíamos muy cómodos con él, era como quedar con un amigo. Él venía a Londres, probábamos algunas canciones, y nos gustaba mucho su disposición a cambiar atmósferas de las demos o incluso reinventar del todo las canciones. Por ejemplo, ‘The Feeling Is Gone’ era una demo acústica, y del tirón propuso cambiar e ir en el sentido que finalmente fuimos. Me ha gustado mucho eso, su disposición a ir en distintas direcciones con cada canción.
‘The Silence that Remains’ ha sido el primer single, pero allá por octubre. No sé si era la que teníais compuesta por entonces, o teníais claro que iba a ser vuestro lead single.
Queríamos que fuese lead single, para empezar porque creo que es una de mis favoritas de toda nuestra discografía, y porque creo que encapsula muy bien las distintas habilidades y fortalezas de cada miembro de The Horrors. Pronto vamos a enseñar tres demos del proceso de creación de este disco, todas han cambiado mucho, y me gusta mucho la idea de enseñarlas porque mostrará el viaje tan grande de cada canción, cómo se han desarrollado. En el caso de ‘The Silence That Remains’, comenzó en el dormitorio de Rhys, como muchas de ellas; de hecho, casi todo el disco viene de él y de mí, aislados del exterior en su casa, sin nadie que esperase una fecha concreta. Empezó solo con instrumentos electrónicos y un pequeño tratamiento de guitarra, casi más algo techno. A medida que avanzábamos en la canción, Amelia le fue añadiendo cosas, por ejemplo diferentes tipos de programación, y por supuesto su voz, y Jordan añadió su percusión. Creo que nos enseña un poco cómo podemos trabajar en el futuro.
Creo que mi favorita del nuevo disco es ‘Ariel’, tanto a nivel de sonido, letra, tratamiento vocal e interpretación… ¿qué me puedes contar de ella?
‘Ariel’ es probablemente la favorita de la banda. Ha cambiado mucho de cómo empezó, creo que en algún momento sacaremos la demo para enseñarlo. Es quizás la que más ha cambiado. Empezó un poco como The Jesus & Mary Chain, más electrónico que eso, pero un poco en ese rollo. Y luego quisimos llevarlo a algo con más profundidad y atmósfera. Fue una de las primeras que vimos con Yves y a la que les hicimos esa transformación. Recuerdo que decidimos quitarle todas las baterías, y poner elementos de percusión a lo largo del tema, en lugar de baterías tradicionales. Creo que una gran diferencia en este disco es cómo nos hemos aproximado a la programación de baterías, y a la manera que tenemos de ver el ritmo y cómo funciona éste en los temas. Un poco como los Beach Boys, no es que tuvieran una pista de batería, sino que construían la percusión para eso.
He leído que el punto de partida de ‘Lotus Eater’ fue ‘Five Years’ de Bowie.
Un poco, sí. Pero no fue “vamos a escribir una canción como ‘Five Years’”, The Horrors no trabajamos así. Pero había algo inicialmente en el sentimiento de la canción, y a medida que avanzamos en el proyecto, lo fuimos girando y girando hacia otro lado, a mí luego se me ocurrió la parte spoken word, etc. Creo que yo me aproximo a las letras más desde la literatura o la poesía, y en cambio Rhys tiene un don natural para ganchos instantáneos, algo de lo que yo carezco. Así que los dos funcionamos muy bien.
‘LA Runaway’ es quizás la más accesible, y también la elegida para cerrar. No sé si teníais en mente que fuese la última, pero funciona genial como cierre.
No, The Horrors no trabajamos así. Nunca lo hacemos. No sería natural para nosotros decir “vamos a hacer este tipo de disco, vamos a ir en esta dirección”. Lo que nosotros hacemos es empezar a escribir canción con una textura, o un sentimiento, o una atmósfera, y de ahí vamos sacando más de ese sentimiento, lo desarrollamos. ‘LA Runaway’ tiene un sentimiento más optimista, pero también melancólico; me gustaba mucho ese contraste. Para mí, lo más interesante en la música es el contraste. Prefiero la ambigüedad a lo unidimensional. Respecto a ponerla al final, sí que al decidir el orden pensamos que el disco empieza muy oscuro, y gradualmente va llegando la luz, por eso también ese final más optimista.
«‘¿Lady Gaga? Si se trata de pop stars, prefiero hablar de Charli XCX»
Hablábamos antes de esa no-década que había pasado desde vuestro último disco. Lo que sí es cierto es que este año la banda cumple el 20º aniversario de su formación. Desde el principio, y durante vuestra evolución, se os ha ido comparando con Joy Division, The Cure, Bauhuaus, Portishead… pero mi impresión es que habéis ido consiguiendo un sonido propio y que, a la vez, no es un solo sonido.
Yo también lo siento así. ¿Sabes qué pasa?, que en cuanto una banda tiene vocalista con voz grave, un sonido un poco oscuro, atmosférico y tal, la gente dice “¡Joy Division!”. Y ojo, me encantan Joy Division, no los escucho a diario, pero me encantan. Pero lo cierto es que The Horrors nos conocimos siendo DJs, compartiendo música, y compartiendo música de todo tipo de géneros. Cuando hacemos un disco, buscamos una manera de comunicar nuestras ideas, nuestros sentimientos, y una vez que esas canciones están creadas, dejamos de escuchar otra música, porque ya sabemos qué es lo que hace especiales a nuestras canciones. No tratamos de que se parezcan a canciones de otra gente. Queremos hacer nuestras canciones, no las de otra gente. La gente usa comparaciones porque son atajos para explicar, pero al final son eso, atajos. No muestran la imagen completa.
Una curiosidad para terminar. En el disco de remixes de ‘Born This Way‘ de Lady Gaga, os encargasteis del remix de ‘Bloody Mary’, ¿cómo…?
En realidad fue solo Tom.
Ay, como estaba acreditada la banda en sí pensé que había sido más conjunto. Te pensaba preguntar qué recuerdo tenías de eso, pero claro…
Ninguno (ríe)
¿Por casualidad has escuchado ‘MAYHEM‘, su disco nuevo? También mezcla distintos géneros y, de hecho, en alguna canción llega a acercarse a temas que habéis hecho.
Bueno, no diría yo… (piensa) A ver, es que si tengo que hablar de una popstar, prefiero hablar de Charli XCX. Ha hecho distintas adaptaciones a través de su carrera, su período con SOPHIE fue brillante, y es una persona única en el pop. No me gustan todas sus canciones, pero creo que ha encontrado la manera de hacer algo interesante y encajar en el mundo pop. Lady Gaga… es que no conozco su música, tengo entendido que hubo una época en la que… bueno, realmente no sé lo suficiente de ella, sería como ponerme a adivinar.
Isabel LaRosa es una de las superestrellas del streaming actuales. ¿No te suena? Su single viral, ‘I’m Yours’, suma 500 millones de streamings en Spotify. Otros singles de LaRosa, como ‘older’ o ‘favorite’, acumulan igualmente cifras vertiginosas. En 2025, la promesa de Isabel LaRosa ha de confirmarse con el lanzamiento de su primer disco, ‘Raven’, en abril.
Isabel LaRosa es nacida en 2004 y canta en spanglish porque es cubana por parte de madre y estadounidense por parte de padre. Su música se afilia a los sintetizadores darks y ochenteros, mientras su voz se caracteriza por su registro susurrado. ‘favorite’, uno de los singles que presentan ‘Raven’, suena como si BANKS se hiciera pasar por Kali Uchis, o algo así.
El estilo darkwave popularizado en el último año por Artemas está presente en otro de los sencillos de presentación de ‘Raven’, ‘Pretty Boy’. Curiosamente, tanto Artemas como Isabel LaRosa publican single este viernes: ambos están disponibles en la playlist Ready for the Weekend.
‘Cry for You’, el single de LaRosa que se lanza hoy, habla del recuerdo de una relación sentimental que ha quedado «rota en pedazos». Tanto música como letra de ‘Cry for You’ construyen un escenario de absoluta desolación y desamparo: la «casa está vacía»; la «buena chica» que creyó en el amor está «destrozada y herida», ahora su corazón es gélido. Canta, haciendo un juego de palabras en inglés, «It sounds like I’m heartless, I’m just using my heart less».
La composición de ‘Cry for You’ es cambiante, pasando del synthwave a la guitarra acústica y de vuelta al principio. Es como si apuntara lo mismo a The Weeknd que a Lana Del Rey. Y también a Sabrina Carpenter y Taylor Swift en la estrofa de ‘Cry for You’ que utiliza el humor para quitar un poco de hierro al asunto: «You think you’re such a poеt, darlin’ / I hate to say it, but you’re not that deep / Don’t pretend you’re such a tortured artist / All you ever did was torture me», sentencia Isabel LaRosa. Otro himno dedicado a los «Leonard Cohens» de la vida.
Jeanette es noticia hoy por dos motivos. En primer lugar, es la artista invitada en el nuevo single de Lucas Bun, ‘Como un cristal’ (recordarás a Lucas Bun por su participación en la última edición de Benidorm Fest). En segundo, es versionada -o adaptada, mejor dicho- en una de las canciones incluidas en el nuevo disco de Selena Gomez y Benny Blanco, ‘Ojos tristes’.
‘I Said I Loved Your First’, el disco colaborativo de Selena y Benny, se presenta hoy con el focus track ‘Younger and Hotter than Me’, una balada que recuerda a Lana Del Rey. Sin embargo, destaca el estilo melódico y romántico de ‘Ojos tristes’ porque la canción está basada en ‘El muchacho de los ojos tristes’, el éxito de Jeanette de 1981 compuesto por Manuel Alejandro.
‘Ojos tristes’ actualiza el clásico de Jeanette valiéndose de un sonido de teclados y baterías retro y decadente que sienta de lujo a la voz de Selena. Ella canta en inglés y cede el español a María Zardoya, cantante de The Marías, cuyo timbre recuerda poderosamente al de Jeanette. Los estribillos de ‘Ojos tristes’ y ‘El muchacho de los ojos tristes’ son los mismos.
Selena y Benny han presentado ‘I Said I Loved Your First’ con singles muy diferentes pero que funcionan en conjunto. ‘Sunset Blvd’ puede ser el mejor de todos, un homenaje a los ochenta tal y como lo ha entendido John Maus en su carrera, pero adaptado al mainstream. ‘Scared of Loving You’ ha sido la balada cuqui que funciona mejor en contexto. Y ‘Call Me When You Break Up’ ha sido el dueto obligado con Grace Adams, simpático pero nada suculento.
No pinta absolutamente nada por aquí la recuperación del single con J Balvin ‘I Can’t Get Enough‘, lanzado en 2019, hace 6 años; pero el álbum encierra otras agradables sorpresas, como el pop ochentero de ‘Don’t Wana Cry’, el colorido house de ‘Bluest Flame’ o el trip-hop de ‘You Said You Were Sorry’. ¿Uno de los mejores discos de Selena Gomez, contra todo pronóstico?
La primera vez que me pillé un disgusto televisivo fue cuando Vega fue expulsada de Operación Triunfo en 2002 (sí, yo también me enganché a la tele viendo el colapso de las torres gemelas, pero en ese momento no entendía qué pasaba). Tenía 10 años, aún jugaba a las muñecas y a los muñecos y me repartía cromos con amigos del colegio, pero me identificaba con ella, me encantaba su voz y me parecía auténtica. Ni siquiera vi el programa esa noche; me enteré después de clase y me enfadé. Después se me pasó.
‘India‘, el primer disco de Vega, publicado en 2003, es uno de los mejores debuts de la historia de Operación Triunfo, aunque se nos haya olvidado mientras encumbramos -merecidamente- a Amaia y Juanjo Bona. Por supuesto, la historia de Vega es una historia de resiliencia e independencia en la industria musical. Ella es pionera de aquello que una vez empezamos a llamar indie-mainstream, pero además siendo más indie que mainstream, porque lleva en su propia discográfica independiente desde su quinto disco. Y lleva 9 + 1 directo + 1 disco de versiones.
Conocí a Vega en 2009, en una firma de discos en Fnac: la artista autografiaba su tercer álbum, ‘Metamorfosis‘ (hola Aitana), pero yo, con un poco de morro (e ingenuidad) traje ese y sus dos CDs previos, ‘India’ y ‘Circular’ (2005), para que me los firmase, también. ‘Metamorfosis’ salió al mercado a precio reducido debido a la crisis económica: recuerdo comprármelo en El Corte Inglés por menos de 10 euros. La edición CD del nuevo disco de Vega, ‘IGNIS‘ (2024), tiene un coste de 40 euros en tienda porque a Mercedes Mígel Carpio se le ha ocurrido lanzar una edición literalmente combustible, para cuya fabricación ha invertido una pasta. Del disco no se han lanzado singles, ni mucho menos vídeos.
Vega ha mantenido a su público y ha seguido lanzando discos y dando conciertos, mientras otros hemos seguido otro camino. Por eso, verla en directo -por primera vez- significa afrontar que ha habido otro público ahí fuera que ha construido una conexión con su música, al margen de ti (quizá mantengo esa conexión con la figura de Vega en sí). Muchas veces no perdemos interés porque el artista se haya vuelto mejor o peor, sino simplemente porque nuestro vínculo emocional con su música ha desaparecido. Pero luego han venido otros que han construido un vínculo emocional con los últimos discos de ese artista, igual que nosotros lo hicimos con los primeros.
La gira de ‘IGNIS’ está principalmente dirigida a los últimos. De sus primeros trabajos, Vega recupera ‘Requiem’ -de ‘La Cuenta Atrás’ (2011)- y canta trozos de canciones a capela a petición de sus fans. ‘Grita!’ la canta muy brevemente porque una fan del público se la pide no una sino dos veces, y puede que más, además, haciendo honor al título de la canción: gritando! La relación parasocial con los artistas lleva a estas situaciones. Vega la manejó con humor, pero no está de más pedir que se respete el repertorio de los artistas, ni recordar que los artistas no se suben al escenario para cumplir con peticiones de sus fans como si fueran monos tocando platillos. A menos que ese sea el formato del concierto.
Vega interpretó también ‘La conjura de los necios’ a capela, de su quinto álbum ‘Wolverines‘ (2013), pedida por el público, pero esta la cantó durante más rato, mientras su ayudante, Pablo, afinaba su guitarra porque ella no había podido hacerlo (decía que no puede hablar y afinar a la vez). El concierto de ‘IGNIS’ en Apolo estuvo salpicado de estos momentos de complicidad entre artista y público, como cuando en ‘Requiem’ un músico tocó mal una nota -pudo ser Vega, pero nadie sabe- y la canción se tuvo que reiniciar, provocando risas y aplausos. O como cuando alguien le gritó «guapa» y ella contestó: «a ratos».
En directo, Vega es como en los discos, se aferra al valor aunque le falle (o lo parezca) y se apoya en una voz solemne, grave y majestuosa, una voz que, si se pudiera, se guardaría en un cofre del tesoro, como si fuera oro, porque a oro suena. En directo, también, Vega es como la recordabas a los 10 años: la cordobesa no para de emocionarse. Se emociona, de hecho, desde el primer segundo que pisa el escenario y todavía no ha emitido una palabra. Después cuenta que ver la sala principal de Apolo la había «acojonado» porque suele tocar en la pequeña, pero que, al percibir el «calor» del público, esa sensación se le ha pasado.
El concierto de ‘IGNIS’ se centra por supuesto en ‘IGNIS’, del cual Mercedes toca sus 11 pistas (bueno, 10 + la intro), pero, sobre todo, se ocupa de desplegar un repertorio del mejor pop-rock posible, el que ella graba en sus discos, muy apto para la sala en la que nos encontramos, y que suena muy bien. Apolo hace su labor, pero también tiene que ver el hecho que los seis músicos subidos al escenario (siete contando a Vega) son exactamente los mismos que han grabado ‘IGNIS’. Por eso, el sonido es cálido y envolvente, como el disco. Vega dedica unos cuantos minutos a presentar a sus músicos, entre los cuales se encuentra la cantautora Angie Sánchez, que previamente ha ejercido de telonera.
Por eso, no hace faltar recurrir al cliché de las canciones que «se crecen» en directo y las que no «se crecen» en directo. Es evidente que ‘De Otro Planeta’ va a ser la más coreada y que ‘Incondicional’ y ‘Si Los Árboles Bailan’ van a hacer vibrar al público igualmente. Es de esperar que la animada ‘Litio y Alquitrán’ despierte el lado «canalla» del concierto después de unas pocas baladas. Y es de esperar también que, en el tramo medio del show, el ritmo decaiga ligeramente, por ejemplo, cuando suena ‘Dispárame una canción’ y tú solo puedes pensar en que la última vez que escuchaste la palabra «canalla» fue en los años noventa. La música suena un poco a esa época, también.
La gira de ‘IGNIS’ es la gira de ‘IGNIS’. Por eso, en el repertorio no caben viejos éxitos como ‘Mejor Mañana’, ‘Una vida contigo’, ‘La Verdad’ o ‘Cuánta Decepción’. Puede que en un futuro logre escuchar en directo la maravillosa ‘Berlín’. Sin embargo, en un momento de popularidad de las giras de grandes éxitos, es refrescante escuchar en directo un disco nuevo, te gusten las canciones más (‘Leviatán’) o menos (‘Dispárame una canción’). Para orgullo de Vega, que considera ‘IGNIS’ el primer disco de su carrera que la hecho sentirse «respetada» como artista, las pistas de ‘IGNIS’ ocupan la mayor parte del top 10 de sus canciones más escuchadas en Spotify (6 de 10). Su público sigue escuchando el disco entero.
La atmósfera del concierto de ‘IGNIS’ es casi anacrónica, parecería de los noventa si no fuese porque Vega lee, no sé si las letras o los acordes, desde un iPad apoyado en un trípode. La poesía cotidiana de Vega -que fue adolescente en aquella época- apunta en esa dirección, hablando de licores, cigarrillos y de la música de Aute; y también el sonido de sus guitarras y teclados. Esta energía nos subyuga a todos, sin embargo: a parejas acarameladas, amigos y solitarios. Todos unidos, desde diferentes épocas, generaciones y caminos de la vida, adorando a ‘La Reina Pez‘. Personalmente, echo de menos el «olor a azahar» de sus primeras composiciones, pero Vega no me echa de menos a mí, y eso está bien.
Hace 5 singles Rigoberta Bandini nos asustó con ‘Si muriera mañana‘, un tema de 2 minutos que referenciaba a las personas a punto de fallecer. No, no era un hit del tamaño de ‘Perra’ ni lo pretendía. Ahora sabemos que no era más que la introducción a un disco doble, a la historia que esta vez quiere contarnos la artista Paula Ribó. Si nos retrotraemos aún más, recordaremos que el primer disco de Rigoberta Bandini era en verdad un «grandes éxitos» que incluía casi todos sus singles previos, aquellos hits que comenzaron siendo pequeños y terminaron haciéndose tan grandes que encabezaron festivales y congregaron un par de veces a 10.000 personas en el entonces llamado WiZink Center.
Por tanto, es normal que Ribó haya querido ofrecer algo diferente en su segundo álbum, precisamente porque es la primera vez que construye un disco desde cero. Con un título ambicioso, capaz de construir o destruir una campaña entera, ‘Jesucrista Superstar’ reúne todas sus inquietudes musicales y personales. Tratando temáticas como la obsesión con el físico, la dependencia de las redes, lo bueno y lo malo de la religión o la maternidad, tiene madera para ejercer de nuevo de portavoz generacional. También para elevar al cubo el «hate» de sus detractores: la intro del disco, hablada, contiene la palabra «caca». La bossa del álbum versa sobre unos «spaguettis» que te cambian la vida.
Lo peor que puede decirse de ‘Jesucrista Superstar’ es que no, no contiene hits tan directos como «In Spain», «Drugs» o ‘Ay mamá’. Lo mejor es que hay muchos «growers», también canciones muy bonitas y cotidianas, y que pocos artistas utilizan referencias pop como Rigoberta -de la Coca Cola a Greta Thunberg- e influencias tan queridas como Raffaella Carrá, Franco Battiato o ABBA. A estos últimos apuntan las voces dobladas o triplicadas de ‘Pamela Anderson’, al italiano títulos como ‘Busco un centro de gravedad permanente’ y a la italiana referencias tan campechanas como la de ‘Enamorados’ («la ciudad a punto de estallar, y ella oyendo a Maluma»). Todo ello pasado por supuesto por un filtro de modernidad, que puede devenir en pop electrónico o incluso en hit latino.
Este es el caso de algunas de las producciones más avanzadas del álbum, como «Club de Chavalas Tristes» o ‘JAJAJA’, ambas con la intervención de Alizzz. En ‘JAJAJA’, la percusión es playera, el beat se rompe y los efectos vocales representan el monstruo que llevamos dentro, llevándonos a la adicción al alcohol o a las drogas. Ese subidón, ese «colocón» es justo el lugar al que queríamos que apuntara la música de Rigoberta Bandini cuando decíamos hace unos años que su synth-pop no era lo suficientemente imaginativo. También crece mucho con las escuchas esa bobada coral llamada ‘Todas tienen ganas de jaleo’: las voces de Rigo y Juliana Gattas elogian a un hombre y a «su pito» («Todas tienen ganas de empotrarte, chico»), en este caso parece que con más sentido hedonista que irónico, aunque nunca se sabe.
Hay cierto exceso de canciones chanantes, como ‘La pulga en el sofá’, que habría encajado mejor en un disco de Memé, la prima de Rigoberta; ‘Simpática como problemática’, ¿pegadiza o simplemente irritante?; o ‘Cada día de la semana’, la canción con Rémi Fa, que empieza generando bastante intriga, pero, entre gritos y carcajadas «¡que se acabe el disco ya!», termina tirándose a sí misma por una ventana. Una ocasión perdida, pues las modestas composiciones subidas a plataformas por Rémi Fa han sido un descubrimiento (de Rigoberta Bandini).
Sin embargo, hay un sentido profundo en estas letras, muy evidente y comprensible por cualquiera. Una crisis de mediana edad materializada a través de lenguaje coloquial: ‘Soy mayor’, además de ese estribillo tan gráfico («Soy mayor, qué coñazo»), contiene la impotencia de quien ha pasado de usar pañales a cambiarlos, casi sin darse cuenta. ‘Busco un centro de gravedad permanente’ se desespera por agarrarse a algo en lo que creer o algo que nos equilibre. El dúo con Luz Casal, ‘Canciones alegres para días tristes’, es otro de los momentos más reflexivos del álbum, apegado a un bonito riff de guitarra acústica. «Es desolador: ya no conecto con mi alrededor», narra Rigoberta caminando por la Gran Vía. La frase «Me compro un iPhone para estar mejor» no es baladí, es lo que hacemos todos cuando nos sentimos mal: refugiarnos en la idiotez del consumismo.
Aunque muchas de estas composiciones resulten universales, no se puede pasar por alto que estén escritas por una mujer. La feminidad es protagonista absoluta de dos de los singles principales: ‘Pamela Anderson’, inspirado en un documental de la actriz, con la sílaba «PAM» como vítor inminente de la gira de arenas que aguarda; y ‘KAIMÁN‘, que apunta a ser el gran hit de esta era gracias a TikTok o más bien a su atinado dardo sobre la identidad y el síndrome del impostor en el estribillo: «dime si estoy guapa, si está todo OK (…) Dime si soy alguien o si soy solo un fake».
Todas las referencias en femenino de los textos, lo que incluye «tampax» y «ciclos menstruales», resuenan y dan sentido al título del disco, ‘Jesucrista superstar’, el cual nunca para de regodearse en su carácter musical, por ejemplo en los coros de ‘Amore Amore Amore’, en el giro en las melodías de ‘Aprenderás’ o en el paso de ‘Los milagros nunca ocurren al salir de un after’ a la muy Paloma San Basilio ‘Brindis!!!’. Una ida de olla como la de «Jesucristo superstar» solo se había consentido hasta ahora a un hombre. La visión de Rigoberta Bandini, como letrista, como madre que intenta conciliar, como objeto de críticas, era muy necesaria. Nos habla de «Paulas, y Laias, y Anas, y perras, y emperatrices». «Ni soy una inútil ni soy una crack», concluye en «Club de Xavalas Tristes». Ahora, a los hombres -también a los gays- nos toca escuchar.
Hoy viernes 21 de marzo salen los nuevos discos de Rigoberta Bandini, The Horrors, Tamino, Lia Kali, La Bien Querida, Selena Gomez con Benny Blanco, Teo Lucadamo, y -atención a la revelación- Paco Pecado. De todos ellos anticipamos un tema en nuestra playlist de novedades «Ready for the Weekend«, que suma 6.700 suscritos.
Tenemos novedades de MARINA, Artemas, DEBBY FRIDAY, Ashnikko, Tokischa, Lil Nas X, MØ o Doja Cat (con Jack Harlow).
Sen Senra anticipa su disco con ‘Hasta el fondo’ y, en España, destacamos igualmente lo nuevo de Jimena Amarillo, pablopablo, Confeti de Odio o Maria Rodés. Entre las novedades alternativas, temas nuevos de My Morning Jacket, The Black Keys o Kae Tempest. Noah Cyrus saca tema junto a Fleet Foxes.
Björk ha anunciado la fecha de estreno de la película de su último concierto, ‘Cornucopia‘, que podrá verse en cines de todo el mundo a partir del miércoles 7 de mayo. Sin embargo, en España el estreno se producirá el día después, el jueves 8 de mayo, mientras en Canadá y Francia se lanzará los días 9 y 11 de mayo, respectivamente, informa NME. ‘Cornucopia’ se podrá ver en un total de 25 países, incluyendo Reino Unido, Brasil, Alemania o Suecia. El pase en cines será por «tiempo limitado».
Las entradas para ver la película de ‘Cornucopia’ en cines se ponen a la venta el próximo jueves 27 de marzo, a través de la web de Björk: Cornucopia.
‘Cornucopia’, que ha acogido material de los últimos dos álbumes de estudio de Björk, ‘Utopia‘ (2017) y ‘Fossora‘ (2022), ha sido el concierto más ambicioso de la carrera de Guđmunsdóttir. A lo largo de 45 shows, ‘Cornucopia’ recorrió América del Norte, Europa, Oceanía y Asia entre mayo de 2019 y diciembre de 2023. En España, ‘Cornucopia’ se pudo ver en el Movistar Arena de Madrid (entonces el WiZink) en septiembre de 2023.
Björk ha defendido ‘Cornucopia’ a capa y espada, por ejemplo, aceptando ser entrevistada por el neozelandés Zane Lowe en su espacio de Apple Music, en su primera aparición ante una cámara desde 2018. En su charla con Lowe, Björk comentó el concepto «holístico» de ‘Cornucopia’ y habló de ecologismo, arte, tecnología o edadismo. Sus declaraciones «Últimas noticias, bailaré hasta que tenga 90 años, muchas gracias» circularon por Instagram durante días.
Últimamente, Björk ha sido noticia por criticar el modelo de Spotify y por afirmar que la plataforma sueca es «lo peor que le ha pasado a los músicos». Unas palabras muy parecidas a las que la cantante islandesa compartió previamente en una entrevista con El País.
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Kiddo Manteca, uno de los productores que más relevancia ha alcanzado en España desde el lustro pasado, acusado de haberse atribuido varias instrumentales que no eran suyas con la complicidad de varias personas más.
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