Novedades Carminha parecían tener la vida medio resuelta. Generaban streamings. Llenaban Rivieras. Colaboraban con DELLAFUENTE. No tenían prejuicios. Les llamaban de festivales. Y una cosa rara: tanto Carlangas como Anxo daban buenas entrevistas. Sumando que habían logrado aparecer en ‘La Resistencia’, y que hay verdaderas hostias por salir de cualquier manera en lo de Broncano, las razones de su separación lucen incomprensibles. Como si no quisiera recordarlas, Carlangas se tapa la cara en la portada de su primer disco solo.
El caso es que el cantante retoma su carrera exactamente donde quedó la del grupo gallego. Si Novedades Carminha se revelaban como grandes seguidores del pop experimental de finales de los 70, pero sin cerrarse a nuevos ritmos y movimientos, en este debut sencillamente llamado ‘Carlangas’ cabe algo de eso y, después, absolutamente de todo.
‘Regalao’ sería la típica producción de Novedades Carminha, con cierto ritmo funk y después una maraña de guitarras en contraste, pero ‘Se acabó la broma‘ es una producción atrevida que permite el perreo y ‘Paseítos por Madrid’ -ácida en su retrato costumbrista- alterna las guitarras con el drum&bass. Es una buena noticia que él mismo afirme que ‘Los dineros’ es una pista del Carlangas del futuro, sencillamente porque es una de las mejor redondeadas entre su aire canallita, su ritmazo, su réplica de vientos y ese puente a la eléctrica tan españolete.
Entre canciones que despuntan sobre todo por su título (‘Que si quiero o que si tengo’) y un «Interludio» que no necesitaba un disco de 23 minutos, hay dos sorpresas muy gratas. Al final, una colaboración con Manu Chao: por fin alguien plantea un «featuring» diferente. El ex Mano Negra conviene pasarse por ‘Cae la noche’, que precisamente se pregunta cuál será el destino del ex Novedades Carminha.
Y hacia la mitad hay una espectacular colaboración llamada ‘O Día Que Volvín Nacer’, con grandes talentos como Grande Amore y Mundo Prestigio. Una aproximación al hip hop, solo que como producida por los mejores Avalanches. Es como un vuelo inexistente entre Australia y Atlanta con escala en Galicia.
Con todo lo que mola el sonido de ‘O Día Que Volvín Nacer’, no logra quitar a ‘Carlangas’ cierta sensación de mixtape. Estamos ya acostumbrados a que en un disco pueda caber de todo, pero hay que optimizar el modo en que ese todo queda desplegado. Hoy en día sí pueden caber en un mismo disco ideas, guitarras, coros y palmas de Dellafuente, Ortiga, Bronquio, Adrián Costa y músicos de Vera Fauna, Bifannah y La Trinidad, como aquí sucede. Sólo hay que sentarse al final de la jornada para orquestar los elementos de manera óptima.
En la penúltima fecha de su gira europea y la tercera en España tras Barcelona y Valencia, Big Thief pasaron por la capital española para presentar su último y excelente álbum ‘Dragon New Warm Mountain I Believe In You’. Un trabajo con el que han recibido las mejores críticas de su carrera y los ha impulsado, aun más si cabe, a la cabeza de la música alternativa contemporánea. El cuarteto de Brooklyn ya está más que consagrados como uno de los grupos más fascinantes del momento, y esa expectación se vivió en La Riviera, donde asistió un público variopinto con gente de todas las edades y donde se respiraba una clara energía melómana. Entre conversaciones escuchadas a los asistentes sobre el Primavera Sound o cuándo fue la última vez que vieron a los autores de ‘Mythological Beauty’ en directo, comenzaba su telonero Lutalo, en la que era su primera gira europea. Simplemente con una guitarra eléctrica y nadie más que él en el escenario -excepto en una canción-, el emergente cantautor americano mezcló canciones nuevas con otras más antiguas en un set agradable.
Sobre las 21:15, Big Thief aparecieron sobre el escenario y se hizo el silencio. Lenker, que llevaba un sombrero, se mostró agradecida de la acogida del público y saludó con un tímido “Hola” en español antes de empezar. Siempre es difícil anticipar cuál será su setlist, ya que lo van cambiando en cada concierto dentro de la misma gira. Esta vez sorprendieron inaugurándolo con una canción nueva, aún inédita: una balada llamada ‘Already Lost’ que recuerda al sonido de ‘U.F.O.F‘ -completamente olvidado en el concierto- y que sonó cautivadora gracias a la imponente dulzura de la voz de Adrianne Lenker. En segundo lugar, llegó otro tema que aún no está disponible en ningún sitio, ‘Happiness’, aunque llevan tocándolo desde 2020. No es habitual que un concierto empiece con dos canciones que la gran mayoría del público no conoce, pero es una muestra de la irreverencia de Big Thief. Ellos van a lo suyo, hacen lo que quieren y les funciona perfectamente. Ambas sirvieron como un sabroso aperitivo antes de dar pie a sus éxitos mayores. Aunque más adelante sonaron las también inéditas ‘Vampire Empire’ y ‘Born for Loving You’.
Alguien en el público suplicó que tocaran ‘Time Escaping’. No estaba en el setlist, pero Lenker la recitó como si fuese un poema, en lo que fue un momento tan desconcertante como divertido. La primera canción que realmente hizo que la gente cantara al unísono fue ‘Certainty’, una de las más escuchadas de su nuevo álbum, cuya versión en directo es aún mejor que la de estudio. Pese a su intimismo, resultó ser una canción hecha para corear en grupo a pleno pulmón. A lo largo de todo el concierto, Big Thief derrocharon la energía de una banda en la que todos los integrantes se entienden y se respetan profundamente entre ellos. Por eso su música es tan especial, a veces incluso de la manera más inexplicable: son pura química.
Otra muestra de ello es ‘Shark Smile’, que dedicaron a María, una fan que cumplía años ese mismo día, e hicieron que la felicitásemos todos cantándole “Cumpleaños Feliz” en español. En ella la banda se lució con el ruidoso pasaje instrumental -recortado en la versión editada- y recordaron con su contagiosa melodía por qué es una de sus canciones más populares. Tampoco faltó en el set ‘Simulation Swarm’, uno de los mejores cortes del último disco. Pero si hablamos de canciones importantes, ‘Not’, sacada de su cuarto álbum ‘Two Hands’, seguramente se lleva la palma. Fue el momento más bonito de la noche y de los más explosivos gracias a esa magnífica segunda parte instrumental protagonizada por sus grandiosos riffs.
Siguiendo esa línea de rock ruidoso, antes del bis llegaron ‘Flower of Blood’, con grito final de una expresiva Adrianne Lenker y una ‘Dragon New Warm Mountain I Believe in You’ ahora transformada en una suerte de pieza de rock progresivo en la que incluso el guitarrista Buck Meek se tiró al suelo mientras tocaba.
La banda no tardó en regresar al escenario para tocar ‘Spud Infinity’ concluyendo con alegría una gran noche. Noah Lenker, hermano de la cantante, fue invitado a tocar el arpa de boca que marca el característico ritmo de la canción. Todo el mundo cantaba y bailaba; una preciosa energía rebotaba entre el público y el escenario.
Culminaba así un espectáculo repleto de actuaciones técnicamente perfectas, donde Big Thief supo mantener sin problemas su prestigioso estatus.
Ed Sheeran cerró 2021 «tocado pero nada hundido», pues el éxito de ‘Bad Habits’ y ‘Shivers’ continuaba a principios de 2022 aunque el disco producía cifras muy inferiores a las de sus anteriores trabajos (apenas 2 millones de copias vendidas).
2023 podría ser un año diferente para Sheeran. ‘-’ o ‘Subtract’, su nuevo disco, sale el 5 de mayo, el viernes que viene, pero los números no están acompañando tanto como otras veces. Hay que matizar: en Reino Unido, su mercado principal, le sigue yendo estupendamente, aunque peor que en la era anterior. ‘Eyes Closed‘ se mantiene en el puesto 6 de los singles más exitosos, pero solo ha aguantado una semana en el número 1, mientras ‘Bad Habits’ resistió hasta 11. A nivel local, aún así, no se puede hablar de «flop» en absoluto.
‘Boat’, el nuevo tema Sheeran, no está funcionando tan bien. En parte porque ‘Eyes Closed’ se mantiene fuerte en las islas, en parte porque no es un sencillo oficial, pero el debut de ‘Boat’ en el puesto 46 de la lista de singles británica no augura nada bueno para este tema de corte acústico co-escrito por Aaron Dressner. ‘Visiting Hours’, aquel otro single «no oficial» de Sheeran, entró en el 5. De acuerdo, era su primer single en años, pero ‘Boat’ ha contado con el apoyo de New Music Friday, la playlist más importante del mundo, donde ha sonado en segundo lugar, y no ha funcionado.
En Estados Unidos el éxito de ‘Eyes Closed’ es modesto. Después de lograr su mejor dato en el puesto 26 del Billboard, el tema ocupa el 47. ‘Boat’ no ha logrado entrar en lista. Peor aún, ‘Eyes Closed’ está completamente ausente de todo el top 200 de Estados Unidos en Spotify. No hace falta decir que ‘Boat’ también. Sin embargo, la radio estadounidense sí ha acogido ‘Eyes Closed’ con los brazos abiertos y la canción se mantiene entre las 20 más radiadas del país.
Las cifras globales son preocupantes. ‘Eyes Closed’ está ya fuera de todo el top 50 diario global, aunque resiste en el 71. Para una canción de Ed Sheeran, uno de los 10 artistas más escuchados en el mundo, publicada hace apenas un mes, co-escrita por Max Martin, es un mal dato. Su «peak» fue en el 18, después de entrar en el 23. Pero es que ‘Boat’ ni siquiera ha logrado irrumpir dentro del top 100 y no ha pasado del 139. ‘Boat’ ha conseguido mejores datos en listas oficiales de Países Bajos (10) o Australia (19) incluso que en Reino Unido, pero solo ‘Eyes Closed’ mantiene un recorrido en estos territorios.
Acostumbrado a sumar macrohit tras macrohit, Ed Sheeran vive aparentemente su era más modesta. Y a nadie podrán engañar diciendo cosas como que era la intención, por mucho que este vaya a ser su disco «folk», el más oscuro y personal, pues es de Ed Sheeran de quien estamos hablando. No cabe duda de que las ventas de ‘Subtract’ volverán a contarse por millones y que veremos el disco entre los más exitosos de 2023, pero es innegable que el público le está acompañando en este viaje menos que antes.
Jessie Ware entra directamente en el número 1 de nuestro top 40 con ‘Begin Again’, primero votada por los lectores de la web y luego confirmada por el “Desempate de Twitter”. Es el 6º número 1 de Jessie Ware en el top 40 de JNSP, tras ‘Want Your Feeling’, ‘Say You Love Me’, ‘What’s Your Pleasure’, ‘Remember Where You Are’ y ‘Free Yourself’. El anterior single ‘Pearls’ quedaba en el puesto 2.
Esta vez queda en el puesto 2 lo nuevo de Rodrigo Cuevas tras pasar por Lo de Évole, mientras en el número 4 queda ‘NeverStop’ de Alison Goldfrapp. Otras entradas son lo nuevo de PUTOCHINOMARICÓN, Miss Caffeina, NATHY PELUSO, BB trickz, Susanne Sundfør y Feist.
Este viernes inauguró una nueva edición del festival murciano WARM UP Estrella de Levante, y lo hizo celebrando que es su quinto aniversario, y que las cifras de ventas no pueden ser mejores: solo anoche se contabilizaron 16.000 personas en el recinto de La FICA, y eso que el primero era el día “pequeño”, pues se espera mucha más asistencia el sábado y el domingo. Este fin de semana actúan Moderat, The Kooks, Amaia, Franz Ferdinand, Guitarricadelafuente, Viva Suecia, Natalia Lacunza y Temples, entre muchos otros.
Hay quienes se decepcionaron con Miss Caffeina o empezaron a mirarles de otra manera -para mal- cuando “se pasaron al pop” (yo diría “se fueron entregando más y más al pop”, porque pop siempre hubo). Podría entenderlo más si hubiese sido por oportunismo, pero en cada concierto de la banda al que asistes ves lo orgánico del asunto, porque se nota que a su líder, Alberto Jiménez, le encanta el pop, y le encanta ser diva pop. La mezcla de diva pop con ser frontman de una banda es un buen combo, y anoche volvimos a comprobarlo.
El carisma de Alberto se une por supuesto al buen hacer de sus compañeros, y da como resultado un concierto muy divertido donde, aunque el formato festivalero perjudique el espectáculo pop que podría ser, hay lugar para momentazos. Uno de ellos fue, desde luego, la coda de ‘Cola de pez’: si en el WARM UP de 2018 vimos a Alberto arrancarse por ‘Freed from Desire’ (anoche propiedad de Ojete Calor), ahora es el turno de ‘Break My Soul’ de Beyoncé e incluso de un “It’s Britney, bitch” metido justo cuando rompe.
Otro momentazo lo vivimos en el mash-up de la ahora más reggaetonera ‘El rescate’ con, atención, ‘Candy’ de Rosalía. Otro, en los coreadísimos estribillos de ‘Oh Long Johnson’, ‘Venimos’, ‘Dancetería’ (para cerrar), ‘Oh! Sana’, ‘Merlí’, ‘Prende’, ‘Bitácora’ o ‘Mira como vuelo’, donde se notaba la diferencia de entusiasmo fan respecto a sus últimos temas. Al contrario que mi compañero Sebas, yo sí encuentro ‘El año del tigre‘ un disco flojo, entiendo que también perjudicado por ir detrás de su mejor disco, un ‘Oh Long Johnson‘ de cuyo potencial ellos mismos parecen ser conscientes, puesto que tocaron, no ya la misma, sino más cantidad de canciones que del último. Incluso ‘Para toda la vida’ y ‘Shangai Baby‘, del reciente EP homónimo, parecieron funcionar mejor que las tigresas.
Diego Jurado
Pero, si hablamos de momentazos, el mayor fue con ‘Reina‘, confirmada ya como la mejor balada de Miss Caffeina (lo siento por la también fantástica ‘Eres agua’), probablemente su mejor canción en general, y quizás una de las mejores canciones que el pop español ha dado en los últimos tiempos. Lejos de desentonar entre el hedonismo y brilli-brilli del show, el contraste favorece aún más a la letra a corazón abierto de Alberto, y era bastante emotivo ver cómo había quien coreaba, sí, pero también había quien miraba con semblante serio el escenario, intentando aguantar las lágrimas… y acababa sonriendo mientras se le escapaba alguna. La música y, sobre todo, la experiencia colectiva de la música en directo, tiene esta magia.
Y de esa magia no hubo mucho en el que a priori era el plato fuerte de la noche, los cabezas de cartel Kasabian. El público no parecía especialmente entregado salvo cuando Sergio Pizzorno intentaba interactuar con él, a veces chapurreando español (el momento en que alguien pareció aclararle desde atrás que “thank you” era “gracias” después de que dijese “arigato” no tuvo precio), a veces tirando de algún clásico para estas cosas como el “are you with me?!”. Es cierto que hay una leve mejora respecto a su tediosa vez anterior en el WARM UP (no sabemos si influirán los cambios en la formación), pero aún hay margen para estar a la altura de los directos de otras bandas similares.
Diego Jurado
Las pantallas parecían reflejar símbolos de la alquimia, en sintonía con el nuevo disco de los británicos, ‘The Alchemist’s Euphoria’, el primero tras la marcha de Tom Meighan. Estas animaciones y el maravillosamente hortera vestuario de Pizzorno animaron las interpretaciones de un repertorio en el que hubo sitio para las nuevas como ‘CHEMICALS’ o ‘SCRIPTVRE’, pero, sobre todo, para lo que ya se sabía que funcionaba: no faltaron ‘Club Foot’, ‘You’re in Love with a Psycho’ o ‘L.S.F.’. Hubo espacio también para una celebrada versión de ‘One More Time’ de Daft Punk (que, como contaremos ahora, era la segunda vez en la noche que sonaba en la FICA), en la que Pizzorno aprovechó para acercarse al público.
Como decimos, ‘One More Time’ sonó anoche dos veces (no pun intended), y en ambas hay truco: una fue esta cover de Kasabian, y otra fue un mashup con… Iván Ferreiro. Miriam Boluda, más conocida como Innmir, fue la encargada de amenizar con su set las esperas entre conciertos del Escenario Estrella Levante, y desde el Escenario Polo Club hacía mezclas loquísimas como la que acabamos de mencionar, donde conseguía que ‘Años 80’ y ‘One More Time’ casasen bien. No fue el único WTF de una selección en la que también unió con maestría ‘Funkytown’ con ‘Bizcochito’ o ‘Gimme! Gimme! Gimme!’ con ‘Perra’. Nos sonaba por los remixes de ‘La ruta del amor’ o ‘El fin del mundo’ junto a ELYELLA, pero también ha ido sacando temas propios, el último junto a valverdina, ‘quien me quiere (no me quiere contigo)’. Habrá que estar atentos.
Para los más fiesteros aguardaban luego también los propios ELYELLA, que cerraron a lo grande la primera jornada entre sus remixes y los temas propios sacados junto a Ginebras, La La Love You o Viva Suecia. Pero el Oro de la noche no fue para Innmir ni ELYELLA, ni para las estrellas internacionales Kasabian, ni para la colección de temazos de Miss Caffeina… sino para Ojete Calor.
“Cuando nos dijeron de venir al SOS (!) nos pusimos súper contentos, porque pensábamos que se celebraba en Cartagena… luego vino el bajón al ver que era en Murcia. No estamos a favor de la independencia de Cataluña, pero sí de la vuestra, tenéis hasta lengua propia, ¿no? Porque eso que habláis, castellano no es”. Soltar esto -sobre todo peligroso lo de Cartagena- y aún así tener al público en el bolsillo no está al alcance de muchos, o quizás precisamente ése es uno de los motivos: a veces es complicado saber qué es performance o qué no (la silla de ruedas por un esguince del pobre Areces no lo era, como él mismo aclaró), y te da exactamente igual, porque para Ojete Calor todo es absurdo y todo es maravilloso. Qué bien tan mal.
Filtros hay pocos en un bolo donde lo mismo sueltan que “el novio de Rosalía está lleno de tatuajes, parece un delincuente… ¿y habéis intentado pronunciar su nombre sin decir “rabo”?”, que Areces se refiere a sí mismo como “minusválido”, que sueltan al público que “por lo que habéis pagado no nos pidáis más tiempo: por este caché, Miley Cyrus viene, se tira un pedo y se va”, que cantan en la descacharrante ‘Extremismo mal‘ que “ni nazis ni judios”. Lo que sí hay es un continuo desfile de carcajadas, ninguna por parte del dúo, mil por parte del público, tanto de sus fans como de quienes no les conocían o solo conocían ‘Mocatriz’ y ‘Agapimú’ (que por supuesto no faltaron, la segunda con dedicatoria a “nuestra diosa Ana Belén”).
A hits como ‘0.60’, ‘Corre Sarah Connor’ o ‘Qué bien tan mal’ se les sumaba una interpolación de Chimo Bayo, la más nueva ‘Morreo’, un popurrí imposible de “canciones bajonas” (‘Cocoguagua’, ‘Sin miedo a nada’, ‘Cadillac Solitario’, ‘No nos moverán’, ‘A tu lado’, ‘Como un vagabundo’… y ‘Bomba’ de King Africa), o un ‘Sinceridad no pedida’ en acústico, con problemas de afinación al principio: “¿quién ha afinado esta guitarra? ¿Kasabian?”, preguntaron en la que no fue la única mención a los británicos.
“Kasabian nos han visto en los camerinos y nos han mirado raro… qué sabrán ellas, si son un puñao de indies”, comentaron luego, aclarando que “nosotras es que somos mainstream” con ironía. Pero, como en muchos momentos de Ojete Calor, no sabes hasta qué punto es ironía cuando miras y te das cuenta de que la gente está saltando más con ellos que con Kasabian. La mezcla de humor incómodo, slapstick y pop petardo de Carlos Areces y Aníbal Gómez demostró ser capaz de convertirse en la protagonista de la jornada de inauguración de un festival.
La carrera por el número 1 de álbumes en Reino Unido de la semana se disputaba entre Enter Shikari y Everything But the Girl. Con el Record Store Day por medio, finalmente Shikari se han quedado con el 1, The 1975 con el 2 con un directo, y Everything But the Girl con el 3 con ‘Fuse‘.
El dúo de Tracey Thorn y Ben Watts, que ha vuelto con nuevo disco después de 24 años de ausencia, logra con ‘Fuse’ el mejor dato de su carrera en Reino Unido en materia de álbumes, pues este dato supera el top 4 de ‘Walking Wounded’, su gran obra maestra.
Las ventas de ‘Fuse’ en Reino Unido se estiman en torno a las 12.000 copias vendidas (11.977). Son unas miles menos que las despachadas por The 1975 con ‘Live with the BBC Philharmonic Orchestra’ (12.716) y por Enter Shikari con ‘A Kiss for the Whole World’ (13.513). En el 4 ha quedado Taylor Swift con ‘folklore: the long pond studio sessions’ (11.132) y en el 5 The Weeknd con su recopilatorio ‘Highlights‘ (8.023). Ambos lanzamientos provienen del Record Store Day.
¿Cuáles han sido los mejores datos históricos de Everything But the Girl en las islas? Aparte de ‘Walking Wounded’, el dúo llevó ‘Love Not Money’, su debut, al número 10, ‘The Language of Love’ también al 10 y su recopilatorio ‘Home Movies’ al 5. ‘Temperamental’, el que hasta ‘Fuse’ era su último álbum de estudio, quedó en el 16.
El buen dato de ‘Fuse’ puede haber animado a Everything But the Girl a continuar el camino de su regreso a la música. En Instagram, Thorn y Watts han celebrado el top 3 logrado por el álbum y han «brindado por el futuro». Os recordamos nuestra entrevista con ellos.
Kali Uchis ha publicado este año un álbum notable. ‘Red Moon in Venus’ fue en su momento nuestro “Disco de la Semana”. En su semana de lanzamiento apostábamos por el single ‘I Wish You Roses’ como el mejor tema del largo, pero es finalmente ‘Moonlight’ el que se ha llevado el gato el agua. El tema estrena vídeo y ha llegado tras muchos esfuerzos al top 50 del Global de Spotify. Superará los 100 millones de streamings a diferencia de las otras pistas del álbum.
Nuestra “Canción del Día” hoy es una de las producciones más sensuales de Kali Uchis. La ha realizado junto a Benny Blanco, Cashmere Cat y Leon Michels. Y tal circunstancia es aprovechada por la artista para recrearse en ello en un vídeo lleno de coches y capós, chorros de agua y poca ropa. También la Luna, presente en el título del disco, tiene un peso fundamental, con una simbología clara.
Aunque este es el disco en inglés de los dos que Kali Uchis pretende sacar este año, reluce particularmente la frase “Veo una muñeca cuando miro en el espejo, kiss, kiss”, mientras el gancho fundamental del tema es ese inicio de estribillo en que dice que simplemente quiere retozar con su amante. Una canción sencilla -no es su producción más ambiciosa- que no obstante va a encontrar su lugar este próximo verano entre las preferencias del público.
Beyoncé ha mandado nuevo single a la radio británica. Y no se ha decantado ni por la «fan favorite» ‘Alien Superstar‘, ni por la ganadora del Grammy ‘Plastic Off the Sofa’, ni por la que más streamings suma al margen de los singles previos (‘Energy’) ni tampoco por ‘America Has a Problem’, que ha pegado un pequeño salto de popularidad y ahora mismo es la quinta canción más escuchada de Beyoncé en Spotify y, por tanto, la tercera más escuchada del disco.
La canción por la que ha apostado Beyoncé es ‘Virgo’s Groove’, la más larga del disco, aunque también una de las más veraniegas. Hoy, ‘Virgo’s Groove’ ha sido añadida a la lista de reproducción de BBC Radio 1 y ha sonado por primera vez en la radio británica. Eso sí, lo ha hecho en una versión abreviada que prescinde de muchos de esos melismas espectaculares que tanto han enriquecido la grabación original.
La inclusión de ‘Virgo’s Groove’ en la playlist de Radio BBC 1 garantiza que este es el tercer single oficial extraído de ‘Renaissance‘. El disco se mantiene dentro del top 100 de álbumes más vendidos de Reino Unido (en el puesto 87) y también en el de Estados Unidos (puesto 55) a escasas semanas de que arranque su gira de presentación en Estocolmo, que pasa por Barcelona en junio.
A pesar de que ‘Renaissance’ no ha contado con un solo videoclip, algo inusual en cualquier proyecto de Knowles, pionera de los álbumes visuales, el disco ha volado solo gracias a la pegada de sus singles. ‘Break My Soul’, la mejor canción de 2022 para Jenesaispop, funcionaba estupendamente, pero ‘Cuff It’ funcionaba mejor todavía sin necesidad de llegar al número 1 en ningún mercado, en modo «sleeper», especialmente en el mercado anglosajón.
“La libertad es un sonido y el placer es un derecho” sentencia sugerente Jessie Ware en la canción homónima que abre su quinto álbum ‘That! Feels Good!’ y, sobre esto orbita cada una de las diez pistas que lo componen. La cantante inglesa empieza su “manifiesto del placer” con varias voces acompañándola -entre ellas las de Kylie Minogue y Róisín Murphy- repitiendo con sensualidad la frase titular antes de rendirse a un contagioso ritmo funky. El placer está servido, la fiesta comienza.
Tras el milagroso ‘What’s Your Pleasure?’, Ware sigue sin querer encender las luces de la pista de baile, un espacio en el que ha encontrado un oasis creativo con el que reinventarse e impulsar su arte a lugares fascinantes. Su música funciona como un bálsamo para, no solamente curar las penas, sino también para celebrarse a uno mismo. ‘Free Yourself’ invita a desinhibirse, liberarse de todo aquello que estorba para llegar a la euforia, a un estado de felicidad plena. También ‘Pearls’, un exuberante número disco con el que bailar hasta que el collar de perlas que llevas puesto se te rompa. Es una imagen potente que ayuda a comprender la fiesta a la que Jessie Ware te ha invitado: elegante y glamourosa, pero no por ello menos divertida. La cantante, además, hace gala de su poderoso rango vocal, haciendo piruetas con su voz y pasándoselo en grande llegando a notas imposibles.
La rotunda fuerza de sus interpretaciones vocales le permiten mostrarse más segura de sí misma que nunca. Como en ‘Hello Love’, una emocionante “power ballad”, con una exquisita sección de vientos. La letra comienza con una Jessie cabizbaja, recordando el dolor de una ruptura, pero enseguida la canción se ilumina en un precioso y esperanzador estribillo que da la bienvenida a un nuevo amor.
Todas las canciones de ‘That! Feels Good!’ suenan grandes, épicas, cargadas de elementos en los que perderse. Si entendemos este quinto álbum como una gran fiesta, ‘Begin Again’ es ese punto de la noche en el que todo el mundo está sincronizado, disfrutando del momento y entregándose a él sin pensar en nada más. Situada en el corazón del álbum, Jessie Ware nos transporta a Brasil con su ritmo influido por la samba y el soul con enorme clase y elegancia. Justo después en la secuencia, la ochentera ‘Beautiful People’, con sus animadas percusiones, es una desatada celebración de los clubs como vía de escape.
Ware tiene claro que las discotecas son lugares en los que desear y sentirse deseado. Al igual que en su predecesor, la sexualidad es uno de los principales temas que sobrevuelan el álbum. En la divertidísima, frenética y muy sexy ‘Freak Me Now’, se niega a dejar de sentir el calor corporal de esa persona a la que tanto desea en la pista de baile. De forma similar ‘Shake the Bottle’ encuentra varias frases memorables para describir su excitación sexual sin nunca resultar explícita. Mediante juegos de palabras y metáforas sobre agitar y descorchar botellas, es una canción juguetona y gamberra que funciona como un tiro dentro de la secuencia.
El mayor distanciamiento del dance llega en el penúltimo corte, con el R&B de ‘Lightning’, un tema estupendo que, si palidece ligeramente frente al resto, se debe únicamente al altísimo nivel que aquí se ofrece. Por último, cierra la fiesta ‘These Lips’, un clímax irresistible y sensual con una producción llena de imponentes secciones de cuerda y viento, explosivos coros e insinuantes suspiros.
‘That! Feels Good!’ nos sumerge en un gozoso mundo nocturno de cuerpos que bailan, sudan, se entrelazan y se desean. Jessie Ware firma otro trabajo refinado y exultante, con alma retro y de una alegría luminosa que, efectivamente, hace de la libertad un sonido y del placer un derecho.
Parte de la redacción evalúa ‘Like Crazy’, el éxito de Jimin, de BTS.
«Jimin continúa entre lo más oído en el mundo con ‘Like Crazy’. Puede que esté riendo último: su caída en el Billboard ha podido ser histórica, pero la canción se resiste a abandonar el top 50 global de Spotify. Su sonido de synth-pop nocturno trae a la mente los nombres típicos -The Weeknd, Kandinsky, Roosevelt- pero ‘Like Crazy’ agrega una extraña melodía de arpa a la ecuación que la hace particularmente interesante, y cuando Jimin canta que está «perdido en las luces», el paisaje sonoro te absorbe con él y te adentra en esa noche intoxicada en la que nada más importa que bailar hasta el amanecer.
Una profunda melancolía -provocada por haber perdido un ser querido- habita en la melodía de esta estupenda canción que tampoco escatima en misterio («tengo miedo de que todo va a desaparecer» parece una frase de Baudrillard o de Mark Fisher) y que logra ser tan embriagadora en su retrato de una noche de hedonismo teñida de dolor como solo el mejor pop consigue». Jordi Bardají
«Jimin sigue avanzando sus canciones en solitario, y los fans de BTS las reciben encantados. ¿El resto del mundo? No está tan claro, a juzgar por la caída histórica de la que hablábamos hace unos días. ‘Like Crazy’ no solo no ofrece absolutamente nada nuevo, sino que carece de emoción alguna, por mucho que el cantante haya querido asociarla a la película homónima protagonizada por Jennifer Lawrence (reclutando a Shelby Young para recrear diálogos). Ahora que están saliendo tantas “canciones” creadas por IAs, algunas de ellas mezclas imposibles como Taylor Swift e Ylenia Padilla, me dices que ‘Like Crazy’ es una de ellas y me lo creo perfectamente.
Por supuesto hay muchísima gente imitando a The Weeknd, y por supuesto Tesfaye no ha inventado los sintes, pero nada en la producción de Pdogg y GHSTLOOP (ambos vinculados a BTS) hace pensar que esto no sea un trabajo de clase de alguna uni privada en la que le hayan dicho al alumno “hazme algo tipo The Weeknd”. Pero sin la gracia melódica y sin el ojo en las letras que puede llegar a tener The Weeknd, claro». Pablo Tocino
Hace poco menos de un año nos preguntábamos dónde se había metido Jess Glynne. Después de colocar siete singles en el número 1 de la lista de singles británica -más que cualquier otra solista- y dos álbumes también en el número 1, Glynne desapareció.
Motivos no le faltaron: después de tachar de «discriminatorio» el trato que había recibido por parte de un restaurante pijo por no dejarle entrar en chándal (en plena pandemia), y después de usar una palabra tránsfoba en un podcast por la que tuvo que disculparse, muchos le dieron la espalda.
Al menos, en Twitter. Habrá que ver cómo recibe el mundo real el regreso de Glynne, que se ha materializado esta noche con el lanzamiento de ‘Silly Me’. En el tema, Glynne se reinventa y sustituye su habitual sonido dance-pop por uno arraigado en el soul, el pop y el blues que le instalan en las mismas coordenadas que podemos encontrar a Adele o Sam Smith.
En la letra, Glynne repasa algunos errores que ha cometido en el pasado, desde los 19 hasta los 25, cuando por fin ha aprendido a quererse a sí misma. La letra no contiene ninguna referencia a sus criticados gestos, quizá porque tampoco era necesario darle más vueltas al asunto: la gente ya no se acuerda y menos aún quiere recordarlos en una canción pop.
‘Silly Me’ es el primer adelanto del nuevo disco de Glynne, que llegará en 2023. En una entrevista con Rolling Stone UK, ha dicho que es un trabajo «honesto y vulnerable», pero en el que no faltará el pop, por ejemplo en el corte nu-disco de ‘Love is Not Enough’, en el medio tiempo ‘Enough’ o en el tema acústico ‘Promise Me’. Joni Mitchell y Amy Winehouse han sido las principales influencias en este trabajo cuya fecha de lanzamiento se desconoce por ahora.
Turian Boy, es decir, el joven Álex Vidal, ha trabajado para gente como Bearoid, Borja Niut o Gume. Es músico de acompañamiento de valverdina o François, y también prepara a largo plazo un disco en el que deberían ir sus colaboraciones con gente como Stephen Please o Flavia Marsano. Además, con VLEX y las sesiones IRL ha creado un espacio de vanguardia por el que ya ha pasado gente como LVL1 y Teo Planell.
Su música cuenta con referencias como AG Cook, Mura Masa o Yung Lean, así que es toda una sorpresa que, cuando le hemos preguntado sobre qué quería hablar en nuestra sección Meister of the Week, comisariada por Jägermusic, su respuesta ha sido una sorpresa. Turian Boy se ha revelado como un fan total de Amy Winehouse, pese a que la descubrió una vez que la artista ya había muerto…
¿Por qué has elegido hablar de Amy Winehouse en esta sección?
Amy fue un punto muy importante en mi vida y en mi manera de expresarme artísticamente. Fue un paso ver cómo alguien podía expresarse tan intensamente y sin filtros sobre lo que sentía. A partir de ahí cambió mucho mi forma de entender la música y lo que me gusta de ella, sobre todo en las letras. Seguramente es una de mis artistas favoritas ever y de las que más me han influenciado a la hora de enfocar mi trabajo.
¿Cuándo y de qué forma la descubriste?
La verdad que no recuerdo exactamente el momento, pero cuando me enganché profundamente de ella ya fue años después de que muriera. Yo tendría 20/22 años. Evidentemente de pequeño escuchaba hablar de ella y de su vida pero en ese momento no escuchaba su música. Cuando conecté con ella fue algo muy importante en mi vida: me pasaba horas viendo sus directos y de qué formas tan diferentes interpretaba las canciones en cada uno de ellos.
¿Cuál es tu canción favorita de su carrera y por qué?
Pues no es fácil, pero creo que tengo más o menos claro que es ‘Tears Dry On Their Own’. Es increíble todo lo que transmite. Y cuando se publicó la original ya… Son 2 moods diferentes y plenos, creo que es una canción, como muchas suyas, que te llenan completamente el alma, y pueden cambiarte el mood en un segundo. La versión lenta y orquestada es magnífica. Y además siempre tengo en mi mente cómo ella la cantaba en directo, deslizándose por el tempo y jugando con la canción todo el rato, es muy estimulante ver cómo dominaba eso.
‘Back to Black’ está asumido como su mejor disco. ¿Estás de acuerdo? ¿Algún detalle que quieras destacar de él a nivel arreglos, letras, alguna parte de la interpretación vocal, algún detallito sobre ‘Back to Black’ que podría habérsenos escapado?
‘Back to Black’ es un disco que reúne todo lo que debe tener una masterpiece. La narrativa y las letras son íntimas, sinceras, desgarradoras y directas. Si además lo juntas con un nivel de composición e interpretación exquisitos, pues poco se puede decir. Yo, cómo no, me obsesioné con Salaam Remi y Mark Ronson. Sus producciones dejan el espacio para Amy y a la vez hacen que brille. El uso de elementos del jazz y soul, el rollo Billie Holiday y Motown, esos toques reggaes que le encantaban a ella… llevado al momento en el que se produjo, tiene una esencia que hace que el disco sea atemporal. Este sin ninguna duda sería uno de mis top 3 discos favoritos ever.
Hay gente que reivindica ‘Frank’ por su mezcla de R&B y jazz. ¿Hay algo en él que te haya marcado especialmente?
La verdad que ‘Frank’ es un gran disco y la influencia de este en el neo-soul británico se ve en todas las artistas que han hecho este estilo durante los últimos 20 años. Creo que es un disco mucho más R&B, donde se la ve a ella investigar e ir avanzando en su propio conocimiento de su forma de interpretar y componer.
«Podría discutir si ‘Lioness’ es mi disco favorito de ella»
Y en cuanto a su disco póstumo, ¿algo que reivindicar?
No es un disco que se pueda poner al nivel de ‘Back to Black’ en cuanto a obra completa porque no lo es. Pero a mí es un disco que me encanta, incluso tiene temas que me gustan más que temas de ‘Back to Black’. Permite ver a otra Amy, menos oscura y, ver cómo baila sobre las canciones, como con ‘Our Day Will Come’… uf, increíble. Recuerdo quemar este disco cuando iba en coche a la universidad y romantizar mi vida y llorar tanto de felicidad como de tristeza. Podría discutir si es mi disco favorito de ella.
Realmente Amy Winehouse tiene una producción muy escasa. ¿Crees que eso ha contribuido a alimentar cierto aura de mito?
Evidentemente si ahora tuviéramos 6-7 discos de ella, el interés y la calidad en la obra, y sobre todo el contexto y el avance de las corrientes harían que fuera diferente su figura. No se le quitaría nada de valor, pero claro, si haces una obra maestra + 2 discos increíbles únicamente, y le sumas toda su vida y universo personal, pues la figura de Amy queda como un mito, que es lo que fue. ¡Para qué mentir!
Por otro lado, el número de oyentes mensuales (solo 14 millones, a duras penas está en el top 500 de Spotify) es la viva imagen de que tales cifras no retratan qué artistas han sido un mito y quiénes no. ¿Qué piensas de todo esto y de la obsesión por las cifras de Spotify?
Ufff, la verdad es que me importa bien poco esto. Demasiado capitalista para mí todo el tema de escuchas y valorar por las escuchas. No me interesa.
«Demasiado capitalista para mí todo el tema de escuchas y valorar por las escuchas. No me interesa»
En principio no te habríamos adivinado fan de alguien que hacía soul clásico, R&B, música jamaicana… como Amy. ¿Qué crees que pensaría ella de producciones tipo ‘dame 1 señal‘?
La verdad, no tengo claro que le gustara (risas) No me importaría tampoco. No sé si en un año a mí mismo me seguirá gustando. La verdad, no tengo demasiado apego. Todo lo que hago lo veo más como un camino y un aprendizaje y me gusta disfrutar de él.
¿En qué parte de tu música crees que podemos sentirla más? ¿Quizá en el rollo de picar una guitarra de ‘tan bien’?
Básicamente en los estilos que estoy haciendo últimamente no se palpa tan claramente, pero mi forma de producir y de enfocar producciones tanto propias como ajenas, tienen mucho de su influencia y de cómo ella sabía moverse por sus propios temas. El dominio del tempo, melodía, letra… era increíble en discos pero sobre todo en directo. Eso es algo que siempre intento tener en cuenta y transmitir cuando trabajo con artistas. Además, su forma de escribir letras me cambió la forma de entender esto. Ella era muy real, muy sincera y muy directa, iba sin rodeos y eso me marcó para siempre.
«No me importaría no gustar a Amy. Todo lo que hago lo veo más como un camino y un aprendizaje»
¿Alguna cosa sobre tu futuro que quisieras anticipar?
Sinceramente, entre todos mis proyectos (IRL, Vlex) y todas las producciones a otras artistas, mi proyecto me cuesta desarrollarlo. Necesito ese espacio de calma para poder generar algo que de verdad me interese. Pero tengo muchas ganas de sacar cosas en las que estoy ya trabajando con artistas que me encantan. Este año seguro saco un par de cosas más :)
Sonorama Ribera está celebrando una serie de fiestas llamadas La Caja Sorpresa en el Hard Rock Hotel de Madrid, en las que actúan un par de artistas secretos, y se revelan confirmados para el festival. La próxima es el 25 de mayo y podéis asistir siguiendo las instrucciones de su web e Instagram.
Este jueves se ha celebrado la segunda de ellas (en la primera tocó Nena Daconte), con las actuaciones de Tessa -quienes hicieron una adaptación de ‘Zombie’ de Cranberries- y El Kanka, que solo con su guitarra y muchas ganas de interactuar con el público, se propuso interpretar 4 temas nuevos y 4 de sus hits.
Pero las miradas estaban puestas en las confirmaciones de cara al festival que se celebra como siempre en agosto en Aranda de Duero, en este caso del 9 al 13. Se proyectaba un vídeo con los anuncios en riguroso orden alfabético, y era divertido comprobar cuáles conseguían los vítores del público. Algunos de los nombres más celebrados, ya tan sólo a través de su proyección en una televisión, fueron Alizzz, León Benavente y sobre todo Lori Meyers.
También están entre los nombres confirmados Dillom, Trueno, My Brightest Diamond, Fusa Nocta, Bely Basarte… y así hasta 60 nombres que se suman a otros ya conocidos como Amaral por sus 25 años de carrera (fue el primer festival en que actuaron), Jorge Drexler, Vetusta Morla, Viva Suecia, Arde Bogotá o Ginebras.
Otro de los grandes nombres en Sonorama Ribera 2023 es Fiesta Polenta, la fiesta de referencia en Latinoamérica que llega por primera vez a España para hacer bailar al festival.
Javier Ajenjo, el carismático director de Sonorama Ribera, tomó el micro para presentar a los artistas sorpresa, y para hablar en favor de la paridad, de su preocupación de que su cartel fuera inclusivo y por la huella de carbono. También anunció una zona de prensa por primera vez en la historia del festival, reivindicando la labor de la misma. Curiosamente, dijo que cada vez iba a invitar a menos artistas «británicos y estadounidenses» para centrarse en la oferta de otros países, sobre todo el nuestro, aunque bromeando sobre que tampoco le iba a decir «que no a Wilco».
En la última semana de abril se amontonan las novedades musicales que reunimos ya en la playlist «Ready for the Weekend» seguida por más de 6.160 personas. Jessie Ware lanza el que está siendo el Disco de la Semana en estas páginas, sobre el que acabamos de hablar con la artista. Además, The National publican su nuevo disco -anunciado en marquesinas- con colaboración de Taylor Swift.
Esta ha sido también la semana de Bb trickz, que ha lanzado su primer EP un lunes random. La sorpresa la ha dado Jack Harlow sacando disco casi sin avisar. Desde hoy pueden escucharse también los nuevos trabajos de DELLAFUENTE, Labrinth, Bebe Rexha, Renaldo & Clara, Indigo da Souza, Anaju o Tim Hecker, además el EP de Beach House.
En materia de singles sueltos hay tela para cortar. ‘Clavaíto‘ de Chanel y Abraham Mateo es la Canción Del Día, Kesha lanza los sorprendentes adelantos de su nuevo disco, Jess Glynne vuelve después de bastantes años, Blanca Paloma saca single antes personarse en Eurovisión, Chromeo cuentan con La Roux para su pegadizo nuevo tema y Samantha Hudson baila «sola y adicta al sonido»…
Las novedades continúan. Esta semana hemos asistido a los regresos de PJ Harvey y Miguel, también a la alianza de Tame Impala y Thundercat, Four Tet ha sacado single post-Coachella en clave de trip-hop y Bomba Estéreo han sacado una «romántica champeta».
En la playlist juntamos ya también lo nuevo de Stephen Sanchez, Maria Paula, Niall Horan, Niña Polaca, Mando Diao, Arde Bogotá, El Columpio Asesino con Santi Balmes, Dagny, el single en solitario de Grian Chatten de Fontaines DC, Leiva, Ganges, Jason Derulo…
Si estabas impaciente por que Rihanna continuara por la senda de inspiración artística que le llevó en 2016 a publicar el mejor disco de su carrera, ‘Anti‘, vas a tener que esperar un rato porque Rihanna tiene que participar en la película de ‘Los Pitufos’.
En rueda de prensa, Rihanna ha confirmado que doblará a Putifina Pitufina en la nueva película de ‘Los Pitufos’. Además, Rihanna participará en la producción de la película y aportará canciones a la banda sonora.
Rihanna, que está embarazada de su segundo hijo, ha declarado que «hacer animación es un viaje divertido para mí» porque «puedo interpretar un personaje y simplemente imaginar, puedo ser yo misma, llegar (al estudio) en pijama en mi tercer trimestre de embarazo y ser una malota azul». RihRih espera ganar «puntos de mamá guay» cuando sus hijos vean la película.
Rihanna será solo una de varias estrellas femeninas que han doblado a Pitufina. Katy Perry asumió este rol en las primeras dos películas animadas de ‘Los Pitufos’, estrenadas en 2011 y 2013, y después Demi Lovato le cogió el testigo en 2017.
Las novedades musicales de Rihanna siguen vinculadas por tanto al mundo del cine. Sus singles más recientes, ‘Lift Me Up’ y ‘Born Again’, forman parte de la banda sonora de ‘Wakanda Forever’. Con ‘Lift Me Up’ Rihanna consiguió sendas nominaciones a los Oscar y a los Globos de Oro.
La cuarta de ‘Los Pitufos’ ya tiene fecha de estreno, el 14 de febrero de 2025, y está siendo dirigida por Christopher Miller, director de ‘Spider-Man: un nuevo universo‘ (2018) o ‘The Lego Movie’ (2014).
Chanel ha estrenado esta noche su nuevo single, ‘Clavaíto’, un dueto con Abraham Mateo que tiene posibilidades de convertirse en una de las canciones del verano. Aunque sea solo porque el estribillo «tan clavaíto que duele» es insidiosamente pegadizo. Será que su campaña para viralizar ‘Clavaíto’ antes de tiempo con actuaciones en directo y bailes de TikTok ha funcionado.
Tampoco es ‘Clavaíto’ la típica bachata. Es verdad que repite la historia de ‘La Bachata’ de Manuel Turizo, la de una persona que no supera una ruptura aunque haga ver que sí. Chanel trata de ahogar su dolor «tras una botella» y Abraham, ojo, pasea «solo» con un frío que «ni en el polo». Rimas, cari.
Pero lo mejor de ‘Clavaíto’ es que musicalmente presenta alicientes a los que agarrarse. La producción de Dani Ruiz y el propio Abraham Mateo no escatima en efectos electrónicos ni duda en distorsionar la voz de Chanel para hacerla sonar como una cyborg. Los primeros segundos de ‘Clavaíto’ hasta remiten a Daft Punk por su uso de voces vocoderizadas, pero luego la canción incorpora palmas que recuerdan a las bulerías flamencas. Todo en menos de tres minutos.
El vídeo de ‘Clavaíto’ juega evidentemente con la tensión romántico/sexual entre Chanel y Abraham pero lo hace en un entorno clandestino, en una especie de club de lucha regentado por Chanel al que acuden delincuentes interesados en afilar, ejem, sus sables.
Tras la pobre acogida de su tercer disco ‘Glasshouse’, Jessie Ware sufrió una crisis creativa que le llevó a plantearse dejar la música. Pese a ello, decidió darle una última oportunidad con ‘What’s Your Pleasure?’, virando hacia un sonido discotequero. Su éxito crítico superó cualquiera de sus expectativas, motivándola a seguir adelante y a continuar explorando su lado más dance. Tres años más tarde, con la cantante británica ya totalmente convertida en una auténtica diva pop, llega su quinto largo, ‘That! Feels Good!’, un trabajo hedonista y exultante, sexy y elegante, que nombramos Disco de la Semana.
Muy agradable, cercana y elocuente, Ware me recibe a través de una videollamada de Zoom aproximadamente una semana antes del lanzamiento de su nueva criatura. Conversamos sobre la importancia de estar en contacto con sus fans, del apoyo que recibe de la comunidad LGBT, de liberar su gran voz o del revelador recuerdo de una fiesta de Off Sónar.
¿Qué tal estás? ¿Cómo llevas el proceso que va antes de sacar el álbum?
¡No sé! Siento que es como una cosa hipotética hasta que no está realmente fuera, así que de momento… he hecho este disco, estoy hablando de él y después esta música ya será de la gente. Es muy emocionante.
Ha habido un cambio evidente en tu música desde ‘What’s Your Pleasure?,’ que era de estilo disco y muy bailable. Este álbum es un poco diferente pero también disco. ¿Crees que la pandemia ha afectado a tu creatividad y te ha hecho querer seguir sacando música tan alegre?
Sin duda afectó al principio de este disco, cómo lo creamos, ya que no podíamos estar cara a cara. Había un anhelo por el escapismo, la alegría, viajar, ir a otros lugares… Esto influyó al principio del álbum. Desató algo en mí que era muy emocionante, porque estábamos confinados en un espacio y esto hizo que mi imaginación se volviera loca, lo cual fue increíble. Ahora siento que he adquirido una nueva habilidad escribiendo canciones. No querría nunca volver a un confinamiento por una pandemia de covid en absoluto, pero admito que me hizo trabajar de manera diferente, y estoy disfrutando haciendo este tipo de música y creo que la gente está disfrutando escuchándola. Creo que eso es importante, al menos para mí: ofrecer música para que mis fans disfruten. A lo mejor llega un punto en el que dicen “mira, ya no me gusta” y está bien, pero por el momento siento que hay una constante comunicación -y conversación- con mis fans, y eso me encanta.
Te pregunto lo de la pandemia porque hay un sentimiento de colectividad a lo largo de todo este disco, e incluso empieza no solamente con tu voz, sino con otras voces también. Es una bonita forma de comenzar, como si fuese un gran baile colectivo. Porque la temática del álbum es sobre ser uno mismo, sentirse libre, bailar las penas… ¿no?
En este disco… como que no fui demasiado consciente de los temas. O sea, sabía que haría que la gente se sintiera bien y queríamos promover ese “manifiesto de placer” como si estuviéramos guiñando un ojo [al oyente]. Supongo que los periodistas analizan más el trabajo que yo misma, si se me permite decirlo. Yo simplemente estoy haciéndolo y creándolo, y por supuesto, hay un proceso de pensamiento detrás, pero no es tan estratégico… cuando lo juntas todo y la gente lo examina, ve estas cosas que quizás yo no era tan consciente de ellas.
No era demasiado consciente de que estaba hablando tanto sobre libertad hasta que todo el mundo me lo dijo y me quedé como “bueno, sí, claro”… ‘Free Yourself’, ‘Pearls’, ‘That! Feels Good!’… y es como “vale, sí, tenéis razón”. Pero creo que esa especie de inocencia al no analizar cuando estás haciendo el disco y simplemente lo estás haciendo y ya, es apasionante para mí. Y ver que realmente hay una energía temática total es bastante satisfactorio, porque no era algo consciente, ¿sabes?
El concepto del disco es muy “camp” ¿fue esto consciente?… desde el título, que parece una respuesta a ‘What’s Your Pleasure?’… ¿quizás?
Hmmm… [duda] ¡Sí! Y ahora voy a decir eso en mi próxima entrevista, en plan “sí, eso es lo que pretendía ser”. Es brillante, nunca lo había pensado…
¡¿En serio?!
¡¡No!!
«La inocencia de no analizar el disco cuando lo estás haciendo es apasionante para mí»
Y también es muy “camp” en lo visual y algunas letras. Siento que hay algo queer en la música dance, y en tus dos últimos álbumes te has rodeado de gente queer para hacerlos. ¿De qué manera te inspira la comunidad LGBT cuando haces música? Si es que es una inspiración…
Estoy pensando con quién me he rodeado… Creo que la comunidad queer se ha manifestado muy abiertamente apoyándome, por lo que estoy muy agradecida y lo disfruto mucho. Me han incitado a pasármelo mejor con mi música y a encontrar libertad en ella, me han animado y eso me gusta, como que me dicen “¡Venga, vamos!”, y creo que eso me ha permitido rebelarme en carácter y en las actuaciones. Cuando digo carácter, pienso en todas las reinas que me ha encantado ver haciendo lip-sync de mis canciones o actuando con ellas. Así que he disfrutado mucho eso, y es algo que ha crecido mucho en los últimos años y creo que es genial.
Espero ofrecer un lugar para que la gente de la comunidad queer se sienta libre, segura de sí misma, empoderada… y un sitio en el que puedan echarse un buen baile. Mi música, por supuesto, es para todo el mundo, pero valoro mucho el apoyo de la comunidad LGBTQ+, es profundo y precioso.
Quiero preguntarte sobre tus interpretaciones vocales en este disco, son particularmente cautivadoras, probablemente las más ambiciosas por ahora…
¡Sí!
¿Este reto fue deliberado? ‘Pearls’, por ejemplo, es una locura.
¡Ya!… [sonríe]. No fue algo consciente. Creo que es el tiempo y el lugar donde me encuentro. Sentía que podía revelar más de mi voz y creo que estaba bastante acostumbrada a la gente disfrutando de la suavidad sensual de mi voz… Cuando empecé, creo que solo gente como Romy de The xx estaba haciéndolo aparte de mí. Nos gustaba esta voz tierna, susurrante… Yo tengo como una “gran voz” que usaba de vez en cuando, pero pensaba “oh, la gente está disfrutando de este otro lado” y creo que es cuando actúo que la gente se da cuenta de que tengo un mayor alcance vocal.
En este álbum no fue como “voy a enseñarle a todo el mundo que puedo llegar a esa nota altísima y voy a hacer algo espectacular”, no. En realidad, siempre depende de la persona con la que trabajas. Stuart Price [NdE: productor de varias canciones del disco] fue la persona que sacó esa voz fuera de mí. Parece encantado cada vez que canto de esa manera, mientras que yo creo que a veces es un poco demasiado. Pero a él le sorprendió y le emocionó así que fue como “te está gustando, voy a hacerlo un poco más”. Fue genial.
«Es cuando actúo que la gente se da cuenta de que tengo un mayor alcance vocal»
También hay mucho hablado en el disco, como en ‘Shake the Bottle’ o en ‘Beautiful People’, ¿cómo surgió eso?
Creo que ya experimenté con eso en canciones como ‘Eyes Closed’ , de la Deluxe [NdE: de ‘What’s Your Pleasure?’], y lo he hecho en ‘Please’… uso siempre como una voz hablada que está muy baja en la mezcla, y es para sacar a esta especie de personalidad dominante que adopté durante ‘What’s Your Pleasure?’, cantando con un látigo. Es un personaje mío que es muy divertido de interpretar, como una dominatrix autoritaria. Así que, sobre las partes habladas, en ‘Beautiful People’, tenía muy en mente a Prince, completamente. También aquella canción ‘Always Wear Sunscreen’ [NdE: Everybody’s Free (To Wear Sunscreen)’, de Baz Luhrmann] con esa especie de monólogo. Esas fueron las referencias, y claro, también Debbie Harry y The Tom Tom Club… Esas eran las cosas en las que estaba pensando.
También hay bastantes ritmos latinos, sobre todo en ‘Begin Again’, ¿Cómo te acercaste a estos sonidos y cuáles fueron tus influencias?
Siento atracción por los sonidos latinos. Pasé un par de meses en Brasil cuando tenía 19 años y nunca lo superé, me encantó. Estaba fascinada. Me gusta la sensualidad, los movimientos corporales que puedes hacer [con la música latina], la fluidez, la pasión. Con ‘Begin Again’ fue como… Recuerdo estar en Barcelona y oír a Hudson Mohawke cantar ‘Another Star’ de Stevie Wonder en una fiesta de Off Sónar, y fue como “madre mía, esto es muy diferente al set de HudMo [NdE: Hudson Mohawke]”. Y la tocó y fue un sentimiento genial escuchar esta canción en España, en Barcelona, con gente preciosa, todos bailábamos… Siempre ha sido un recuerdo para mí, así que cuando hicimos ‘Begin Again’ me dije “¿Cómo hago que la gente quiera bailar, pero a la vez tener un beat que sea importante y tener esa especie de momento de celebración coral?” … Así que sí, eso fue una gran referencia para mí.
«En las partes habladas del disco tenía en mente a Prince, Debbie Harry y The Tom Tom Club»
Quería preguntarte sobre el “track list”. ‘These Lips’ me parece un gran acierto como cierre. ¿Dedicas mucho tiempo a pensar en la secuencia del disco?
Sí, me vuelvo un poco loca. A veces algunas canciones tienen sentido. Supe en cuanto hicimos ‘That! Feels Good!’ que iba a abrir el disco, y añadí las voces y cosas así porque fue como “vamos a poner más de esto”. Pero sí, es bastante frustrante. Tengo que pensar en ello como un set, y en cómo va a llevar a alguien en un viaje, cómo cobra sentido todo junto, cómo quedará cuando le das la vuelta al vinilo y empiezas de nuevo. Hay una enorme cantidad de cosas que tener en cuenta. ‘These Lips’ se siente como un gran final porque sigue y sigue, casi como si la fiesta se fuese a otra habitación, y me encanta eso, pero también tiene la belleza y el romance que dan esos grandes “vocals”. Empiezas el álbum con una energía funk y esto es más delicado, más sexy, como de after… Pero sí, unas veces es más fácil que otras, es fantástico cuando tiene sentido. He estado en desacuerdo con mis managers, que me decían “¿y qué me dices de esta?” y yo como “¡No!”, y vuelves a intentarlo… Es muy, muy prueba y error.
«Creo que rompí un poco el ordenador de James Ford con la cantidad de voces que puse en ‘Begin Again’»
¿Cuál dirías que fue la canción más complicada de hacer?
Creo que rompí un poco el ordenador de James Ford [NdE: productor de la canción] con la cantidad de voces que puse en ‘Begin Again’. Pobre hombre… me encanta añadir capas y capas de voces. Quería que se sintiera como si fuese una habitación de diez mil personas cantando a la vez. Déjame que piense… La mezcla de ‘Begin Again’ fue difícil porque hay muchas cosas y hay que ver cómo vas sacando partes. Es una canción bastante maximalista, pero no quieres fatigar al oyente, así que fue bastante complicado equilibrarlo, porque tu lanzas todas tus ideas en plan “sí, genial”, pero luego piensas “espérate, ahora ¿cómo añadimos el piano a esta parte? ¿Cómo hacemos esto otro?”… Sí, probablemente ‘Begin Again’, fue la más difícil.
Las catalanas mis amigas fuman todas se presentan en su biografía oficial como «tres lesbianas chulísimas que vienen a partirles el ano a los cisheteros con un dildo de color rosa». También Spotify ha consentido que metan en su descripción oficial esta genialidad: «bla bla bla grupo emergente de punk queer bla bla bla».
Por si no fuera suficientemente gráfica esta presentación, las canciones de Eva (batería y voz), Shei (guitarra) y Mer (bajo y voz), hablan por sí solas. De momento solo tienen 3, la última de las cuales se llama como ellas, ‘mis amigas fuman todas’ y repite su título hasta rabiar.
Las dos primeras eran igual de pegadizas pero más imaginativas. ‘No es la primera vez que pasa’ es el retrato de una experiencia etílica, que no ha acabado muy bien («No sé dónde estoy, vuelvo a estar borracha / no puedo parar, esta semana estoy en racha»). Quizá incluso alguien pueda entrever cierta ambigüedad #MeToo
Por su parte, ‘Pintas de punki’ es de momento su tema más rico y ácido, por lo que contiene de crítica social, sobre los prejuicios. «Por culpa de mis pintas, todo el mundo sabe lo que voy a hacer, antes de que lo haga», «No me siento mal por lo que dice la gente, tenían razón: soy una delincuente» o «Como luzco punki, todo el mundo sabe que soy de Bizkaia, me drogo y me meto rayas» son algunos de sus dardos.
Con el atrevimiento y el desparpajo de Kaka de Luxe, pero un discurso más actual, mis amigas fuman todas prometen ofrecer uno de los directos más destartalados y divertidos de nuestros tiempos. Este viernes 28 de abril estarán en el Espai Jove La Fontana de Barcelona. Decían que iban a hacer una versión de Estopa, pero parece que al final, no. Para más información, visitad su Instagram.
El 29 de julio se celebrará la primera edición de BELLA FESTIVAL, dentro del ciclo Oasisss Marbella Fest. Será obviamente en la ciudad malagueña. Los artistas confirmados son Leiva, Guitarricadelafuente, Dorian y la revelación Arde Bogotá, que en los últimos meses está atrapando a decenas de miles de nuevos fans gracias a su sonido Bunbury. La apertura de puertas del festival será a las 17:00h y las entradas se pueden adquirir a partir de hoy en la web www.bellafestival.es.
BELLA FESTIVAL también contará con las djs Ley, lNNMIR y Laura Put, entre otras actividades, y una gran oferta gastronómica en las diferentes áreas del multitudinario recinto que está llamado a «revolucionar el ocio nocturno de la Costa del Sol» según la nota de prensa.
Según ese mismo texto, «Bella Festival es un evento muy especial por el que pasarán grandes figuras de la música indie en todas sus vertientes para hacer vibrar hasta a las 30.000 personas que puede acoger el nuevo espacio multiusos Oasisss Marbella Fest. Un lugar ubicado en la ciudad de Marbella, concretamente en la localidad de San Pedro de Alcántara, que cuenta con más de 80.000 m2 donde cada fin de semana se celebrará un evento diferente (…) Situado en San Pedro de Alcántara en La Finca La Caridad (Recinto Ferial San Pedro de Alcántara) es una iniciativa que cuenta con el apoyo del Excmo Ayuntamiento de Marbella y tiene como socio principal a Hard Rock
Bella Festival en la gran celebración del indie en la Costa del Sol que no te puedes perder».
PJ Harvey ha anunciado un nuevo disco, presentado por un single entonado en voz tenue. No es ‘Good Fortune’. El álbum recibe el nombre de ‘I Inside the Old I Dying‘ y el sencillo, ‘A Child’s Question, August’. Será la pista 8 del disco, mientras que la pista 10 se llama ‘August’ y la pista 11, ‘A Child’s Question, July’. Lo que nos da una idea del sentido conceptual, nuevamente, de este trabajo.
La autora del bélico ‘Let England Shake‘ se inspira ahora en el libro de poesía que lanzaba el año pasado bajo el nombre de ‘Orlam‘. Estaba escrito en un dialecto de Dorset y traducido en la página opuesta, centrándose en la historia de una niña de 9 años llamada Ira, en los últimos momentos de inocencia.
Ira vive en la granja Hook en el pueblo de Underwhelem, recurriéndose a las supersticiones del oeste de Inglaterra y a la imaginación de la niña como recurso. El libro recrea su último año de inocencia, mes a mes, lo que explica la mención a julio y agosto en la secuencia del disco, y además Ira tiene a un soldado-fantasma llamado Wyman-Elvis como ídolo. Su lema es “Love Me Tender”.
Seguro que con este fondo, es más fácil de comprender lo que PJ Harvey nos quiere decir con esta canción. Aunque los niños que vemos en el videoclip son menores de 9 años, es evidente que la inspiración bucólica de la letra es la misma que la del libro, y ahora ese “Love Me Tender” es un estribillo alternativo al de Elvis Presley, a quien PJ Harvey ha mostrado todos sus respetos, por ejemplo en Rolling Stone. «Es como un Dios en el libro», declaraba.
‘A Child’s Question, August’, nuestra «Canción del Día» para este jueves, nos habla del duelo de los pájaros, de la muerte del verano, de una noche creciente y un día menguante, como aperitivo de una historia sobre la que todavía no sabemos demasiado. La artista parece querer dar al libro de ‘Orlam’ la relevancia que hasta ahora no había obtenido, y lo logrará a través de lo que mejor se le da: las guitarras ásperas.
Una de las leyendas del punk pop de nuestro país es Patricia Escoín, líder de Los Romeos, una de las formaciones más icónicas de los 80, y luego de los reivindicables Lula y Los Amantes.
En los últimos tiempos la hemos visto al frente de un nuevo grupo llamado Exfan y con esta otra formación tiene un nuevo disco llamado ‘Pura luz’. Se trata de un álbum lleno de ganchos, y como es habitual, directo a la yugular (10 canciones, 30 minutos), en el que despuntan temas como ‘Fuego’ y ‘Nada es verdad’.
Entre medios tiempos sentidos como ‘Lucía’, mantienen la llama viva la sección rítmica y las guitarras contundentes de cosas como ‘Ángel’, con un ligero aire a lo años 50. El sexo, habitual en sus letras, como se vio en temas pasados como ‘Perrito‘, está aquí presente en ‘Basilisco’ o ‘Pura luz’, con ese «queríamos follar, follar, follar…»
Por último, la parte final del álbum queda marcada por la aparición de la pegadiza ‘Abrazo mortal’ («¡es un no parar!»), el mencionado single ‘Pura luz’ y la despedida con delay de ‘Esto se va a acabar’. Exfan actúan hoy jueves 27 de abril en Wurlitzer, Madrid, como parte del ciclo Escenarios Madrid de Vibra Mahou. Mañana viernes 28 estarán en Santander, el sábado 29 en Gijón y el domingo 30 de abril en Logroño.
Ahora que llegan las Fiestas del 2 de Mayo, comenzamos Sesión de Control, nuestra playlist dedicada al pop nacional y en castellano, con la ‘Samba de Madryd’ con letras en negro que se acaban de sacar de la manga Tigres Leones y Estrella Fugaz. Algunas de sus frases son: “Madrid es un infierno y mejor salir corriendo que aguantar”; “vamos chaval, corre y vete ya”; “esta ciudad te mata y nos están echando hasta de nuestras casas”. Se trata de una adaptación de Chico Buarque. La original junto a Toquinho la hicieron como homenaje a los exiliados de la dictadura brasileña.
Pero en verdad, el inicio de la playlist está marcado por la experimentalidad y el riesgo de propuestas como Ruiseñora, que sacan EP alternando los folclores extremeño y canarios con la electrónica; el productor Khotton Palm; la andina LaTorre, TRISTÁN! con Teo Lucadamo o BRONQUIO de nuevo con 41V1L, empujando los límites de la música latina.
Otros viejos conocidos con nuevos temas son trashi, El Faro, Juicy BAE o Die Katapult. El dúo formado por Anna Fredriksson (Los Ganglios) y Elena Comas (Neleonard) ha estrenado 2 temas a la vez, a medio camino entre Stereo Total y Kraftwerk, estilo que las ha caracterizado siempre. Produce Ian Catt.
En cuanto a artistas no tan habituales por aquí, destacamos al medio nipón medio español iuky, que ha presentado disco con colaboraciones como Ghouljaboy; Ordinary Guy, el proyecto en solitario de David Alonso de Baywaves, que estrena medio tiempo sintético; o LALA Hayden, de quien os hablábamos recientemente. Además, el dúo asturiano Autoescuela tiene nuevo disco y Sonido Muchacho ha fichado a shakeitmila, proyecto de Carla Rodríguez entre el punk pop y el hyperpop.
Tras el éxito de ‘Autodefensa‘ y el estreno también de ‘Selftape‘, Filmin sigue vinculada al mundo de la modernidad. En este caso, nunca mejor dicho, porque acaba de anunciarse que la próxima semana se estrenará ‘Putos Modernos’. En concreto, el 4 de mayo, a la vuelta del puente.
Son 4 capítulos de menos de 3 minutos, lo cual quiere decir que estamos hablando de una producción de poco más de 10 minutos en total. La inspiración es la cuenta del colectivo Putos Modernos en Instagram con casi 400.000 seguidores en parodia de la modernidad. La idea ha sido «hacer humor para Internet pero rodado en cine».
Según la nota de prensa, «a modo de pequeños retales de la vida posmoderna, los episodios retratan escenas de cotidianidad “sin filtros ni autotune”, buscando la incomodidad del espectador en la observación de la propia condición humana y sobredimensionando los pequeños grandes problemas del Primer Mundo».
Afirma Joan Alvares, co-guionista de la serie que «‘Putos Modernos’ es postpostureo y autoparodia: hay algo de todos nosotros en cada uno de los personajes». El realizador madrileño José Gasset ha sido el encargado de dirigir estos 4 primeros capítulos con un elenco formado por nombres como Teresa Riott, Roger Coma, Inés Hernand, Maria Molins, Jordi Vilches, Octavi Pujades, Raquel Córcoles (AKA Moderna de Pueblo), Carlos Carrero, Luís Heras o Ahikar Azcona, con cameo especial de Santi Millán. La nota de prensa afirma que salir aquí será un «revulsivo para sus carreras».
Entre las historias que veremos, «una pareja de esnobs forzados a apreciar experiencias carísimas que no comprenden, un triatleta cuarentón incapaz de bajar a por su comida, una influencer que cada vez que se va de escapada rural pierde la cobertura y la compostura, o una señora de pelo azul que exige un champú 100% natural para su mechón». Los protagonistas «buscan vuelos baratos desde un móvil muy caro, van corriendo a clase de mindfulness y combinan plumón y tobillos al aire”.
Fugees fue uno de los grupos más influyentes del hip hop durante los 90. Hemos seguido hablando de Wyclef Jean, no tanto como nos habría gustado de Lauryn Hill, y el miembro olvidado es Prakazrel Samuel Michel, más conocido como «Pras Michel». Este llegó a sacar un par de álbumes, pero luego se concentró en los negocios y acaba de ser declarado culpable de 10 cargos, por un tribunal de Washington.
Entre otros cargos, se le acusa de conspiración para defraudar a EE.UU., de manipulación de testigos y de actuar como agente no registrado de un gobierno extranjero. En concreto habría intentado influir en decisiones tanto de la administración Obama como de la administración Trump, de manera ilegal.
Se relaciona a Pras Michel con el empresario malasio Jho Low, a su vez en búsqueda y captura de manera internacional. Jho Low es conocido por haber estado involucrado en el llamado escándalo 1MDB. El ex Primer Ministro de Malasia, Najib Razak, fue acusado de canalizar más de 700 millones de dólares desde esta empresa (1Malaysia Development Berhad) de desarrollo estratégico dirigida por el gobierno, a sus cuentas personales, y Jho Low habría estado involucrado.
Pras Michel, que se enfrenta hasta a 20 años de prisión, ha declarado que si Jho Low le pagó 20 millones de dólares, fue para conseguir una foto con Obama. El fiscal asevera que más de 800.000 dólares de ese dinero se habrían destinado a la campaña de Obama a través de donantes de paja, de manera ilegal. El objetivo habría sido influir en las decisiones de Estados Unidos respecto a Jho Low y el escándalo 1MDB. En concreto, para que abandonaran la investigación.
La versión de Pras Michel es que solo intentó ayudar a Low a buscar un abogado en Estados Unidos y que utilizó su dinero como quiso, como informa la CNN. Su declaración exacta ha sido: «Podría haberme comprado 12 elefantes si hubiera querido».
En el juicio también ha testificado Leonardo diCaprio porque Jho Low financió parte de ‘El lobo de Wall Street‘. El actor simplemente ha dicho que interpretó que era un gran magnate en Malasia y Abu Dhabi.
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