‘Everybody Scream’ arrasa en nuestras Stories una semana más y es top 1 de JENESAISPOP nada menos que con el 66% de los votos. Blood Orange tiene que conformarse con una entrada al top 2 y el 18% de los votos de Insta, lo cual no está nada mal. El trallazo nuevo de Kneecap no ha calado tanto y queda en el número 4. Otras entradas destacadas son las de David Byrne, Juventude, La Paloma y CMAT.
Belén Aguilera cumple hoy 30 años. Se da la circunstancia de que cae en viernes y un 12 de septiembre, a finales de verano y con olor ya a otoño, es un momento idóneo para un álbum como ‘Anela’. La artista ha podido viralizar en el pasado canciones bailables de distinto tipo, del hyper pop al pop de los 2000, pero siempre fue una compositora de melodía clásica, al margen de divas y divos. El resultado de su amplia cultura musical es este álbum que a veces roza lo lírico y al mismo tiempo es 100% ella.
‘Anela’ es un acrónimo de «Aunque No Exista La Arcadia», una frase que aparece en este trabajo haciendo referencia a la felicidad del ahora, en contraposición a la búsqueda de deseo constante. Las composiciones de Belén Aguilera se han caracterizado muchas veces por llevar reflexiones muy necesarias y emocionantes sobre salud mental a un lugar muy parecido a la pista de baile, y este álbum no es una excepción.
En el estreno de ‘Anela’ en la Real Fábrica de Tapices, interpretó todo el disco en orden y entregó un programa de mano con un «track by track» de su puño y letra. Por supuesto cada canción es un auténtico viaje, con frases que son pura terapia: «siempre nos enseñan a evitar lo malo, pero es una parte más del ser humano», dice ‘Ático’. «Siempre elegiré lo que menos me conviene, da igual que me dé miedo», dice ‘Dramático’.
Las más sobrecogedoras son ‘Soledad’ y ‘Salvamento’. La primera incluye la frase «A veces me destruí», y en verdad está dedicada a su abuela, ya fallecida y llamada así, Soledad, intentando a la vez resignificar las connotaciones negativas que suele tener este nombre común. Y ‘Salvamento’ es el tema que más rubor le ha dado cantar, y por eso quizá ha puesto un filtro extremo a su primera mitad. «No sé hacer el amor, sé hacer penitencia», confiesa, condenando formas arcaicas de amor romántico. En la segunda parte del tema, en cambio, se quita la careta, el filtro, acaso aceptando esa parte oscura de sí misma.
Es extraño que un álbum de letras tan ricas, interpretadas por una cantante tan solvente, presente la voz en un plano tan secundario que dificulte la comprensión. La artista dice haber buscado esa mezcla adrede, en un disco que ha querido que fuera «frío» y, viendo los videoclips, yo añadiría que «fantasmagórico». Hay gitanas que leen el futuro, menciones a la muerte, y las bandas sonoras de John Carpenter parecen una influencia en el gran hit del disco, ‘Laberinto‘, lo cual nos lleva a otro de los grandes pros del álbum.
Que este sea un trabajo de coros operísticos, cuerdas, pianos y detalles rococó onda ‘Lubna’ de Mónica Naranjo, elaborado con co-productores como Puche, Naisgai, Nusar3000 y Lionel Castra, no ha impedido que en él aparezcan ritmos R&B (‘Bruja’), techno (‘Atico’), drum&bass (‘Eclipse’) o trip hop (‘Dama en apuros’). Al servicio del mensaje, las canciones van de un género a otro, casi sin que lo notes: he tardado varias escuchas en darme cuenta de que la segunda estrofa de ‘Laberinto’, prácticamente está rapeada.
‘Anela’ termina con un tema llamado ‘Ahora que estoy bien’, medio electrónico medio new-age, con ese sentido de aceptación que se había propuesto este proyecto. Puede parecer obvio, pero es que lo que queda por el camino es el álbum más enriquecedor, poliédrico y confesional que se ha hecho en este país desde ‘PUTA‘. ‘Dama en apuros’ es una reivindicación de la sensibilidad femenina («no soy dama en apuros (…) déjame llorar para mañana ya no llorar»); ‘Mutantes’ habla de cambiar para encajar, de representar «el verbo ser de mil maneras»; ‘Cómo puedo volver’ habla de idealizar algo que ni siquiera ha pasado… y así podríamos seguir. Belén Aguilera te introduce en un laberinto de espejos, solo que a través de su tenebrosidad, de su belleza, de sus contradicciones y finalmente a través de su mensaje positivo, te muestra también un camino de salida.
‘The Dead Dance’ no empezó muy bien en las listas: su segundo día lo pasó fuera del top 100 del Global de Spotify. Pero desde entonces no ha parado de crecer, ayudada por el vídeo de Tim Burton primero, y su presentación en los VMA’s después. El tema que además aparece en la nueva temporada de ‘Miércoles’ asciende ya al puesto 14 de las listas globales. La redacción de JENESAISPOP os ofrece una opinión a favor y otra en contra, así como la posibilidad de votar en este nuevo «Veredicto».
«Confieso que tenía papeletas para odiar ‘The Dead Dance’, porque me parecía un cuadro que Lady Gaga dejase a la mitad la promo de un disco como ‘MAYHEM’, algo que el lanzamiento de este single extra certifica: ¿en serio no iban a ser singles ni ‘Garden of Eden’ ni ‘Perfect Celebrity’? ¿Ni siquiera ‘Vanish Into You‘? ¿O aprovechar que ‘How Bad Do U Want Me’ gustase tanto y la rumorología respecto a Taylor Swift? Pues sí, parece que la edición estándar de ‘MAYHEM’ se da por finiquitada, y ahora pone toda la carne en el asador con este tema creado para ‘Miércoles’ (serie que además me da tremenda pereza), aprovechando para hacer una especie de «edición deluxe» no oficial al añadir en plataformas ‘Kill for Love’ y la estupenda ‘Can’t Stop the High’. Pero al César lo que es del César: Gaga es una maestra haciendo temas como ‘The Dead Dance’, y se nota.
Lanzarla como single es, contratos de Netflix aparte, también una declaración artística de la cantante, que parece preferir la segunda parte de ‘MAYHEM’, claramente de menores posibilidades comerciales. Y es que ‘The Dead Dance’ tiene más que ver con esa segunda parte, pero llevada por un camino bastante más accesible y dirigido a un mainstream al que ‘Killah’ o ‘ZombieBoy’ se les puede resistir un poco más.
La canción va a degüello en su sencillez: inicio con un malvado ex que deja a Gaga medio muerta, y recuperación gracias a la música y al baile, siendo todo el tema una celebración de éste (de lujo para el correspondiente trend infame de TikTok, claro). Estefanía consigue alejar esto de lo formulaico con la progresión de la primera estrofa, el ambiente tenebroso y a la vez alegre que se va creando, una segunda estrofa que empieza a lo grande con esos sintes y guiño a ‘The Rocky Horror Picture Show’ (“you created a criature of the night”) y, por supuesto, el puente. La cantante se acerca deliberadamente a una dicción troglodita en un puente digno de la Gaga más juguetona, que seguramente escribiera junto al estribillo de ‘Abracadabra’ mientras se limaba las uñas. ‘The Dead Dance’ es un temazo cuyo principal aspecto negativo es, para mí, que haya cortado las posibilidades de sus “hermanas” en el disco. Pero ojalá pase lo contrario, que la gente se acerque por esta canción a descubrir el mejor disco que ha sacado la estadounidense en esta segunda década de carrera». Pablo N. Tocino.
«Una vez de cada 10, tengo buen ojo con Lady Gaga: al escuchar ‘The Dead Dance’ escribí que «encajaría en la segunda parte de su último álbum, más o menos en torno a ‘Zombieboy’». Poco después apareció exactamente en ese lugar en una nueva edición del disco. Las otras 9, claramente no me entero de nada. Porque también escribí esto: «no está muy claro que encierre más posibilidades comerciales que ‘Zombieboy'».
También es posible que en este mundo de cifras, caigamos en el error de mezclar calidad y éxito comercial cada día. Porque que un tema triunfe en TikTok o en las playlists no lo hace mejor ni peor. Sigo requiriendo de Paracetamol cada vez que alguien pincha ‘Judas’. Que ‘Bloody Mary’ haya triunfado por una serie en la que no sonaba, no la hace mejor que ‘Scheisse’ ni que ‘Government Hooker’… ‘Venus’, una genialidad absolutamente delirante que debería sonar en todas las fiestas maricas, permanece ignorada. Y ‘911’, sin duda una de las canciones más importantes para comprender qué ocurre dentro de la cabeza de Lady Gaga, y al mismo tiempo TAN divertida, no consiguió ni un top 100.
Suena una y otra vez ‘The Dead Dance’ y sigo sin encontrar el más mínimo atractivo en melodía (forzada), producción (un disco trasnochadísimo), letra (un cliché), voz (ese tono chillón que para mí echa a perder medio ‘MAYHEM’). Al menos, a veces confluyen los astros: entiendo que ‘Die With a Smile’ está en la posición que se merece. Y ‘Abracadabra’, también». Sebas E. Alonso.
Hoy abrimos nuestra playlist Ready for the Weekend con un tema dance. ‘crystallized’, la nueva colaboración de John Summit con Inéz, se ha «teaseado» en festivales en semanas pasadas y en TikTok a la espera de que se viralizara incluso antes de tiempo.
Las playlists la han recibido con los brazos abiertos. Nada menos que abre «mint» de Spotify, que tiene 5 millones de suscritos. También está en «creamy» y «crying on the dance floor», además de en las playlists de novedades. Es decir, la industria la estaba esperando.
‘crystallized’ es efectivamente un tema muy «crying on the dance floor», en el que Inéz nos canta sobre una ruptura. En concreto una que se está superando. «A ti te gusta que duela» se contrapone a «te quise una vez, pero no habrá dos». Su timbre está cercano a lo que podría ofrecernos Fever Ray o cualquiera de las vocalistas amigas de Röyksopp.
La melodía tiene algo que te hace conectar enseguida, como pasó con la descomunal ‘We Are Your Friends’ de Justice y Simian, y la producción tiene subidas y bajadas hechas para ser devoradas por la audiencia de festivales de electrónica.
El DJ John Summit, de Illinois, es habitual de Lollapalooza, Coachella o el enlazado Tomorrowland, donde pinchó este tema este verano. Publicó un disco llamado ‘Comfort in Chaos’ en 2024, donde incluyó sus hits ‘Where You Are’ y ‘Shiver’, así como decenas de singles. Entre sus muchos remixes, trabajos para Ellie Goulding y Anyma. Inéz, mitad de ÄTNA, ya había cantado antes para John Summit, por ejemplo en ‘light years’.
Hoy se anuncia el cartel de SanSan 2026, que se celebrará como siempre en Semana Santa en Benicàssim. Será entre los días 2 y 4 de abril. Los abonos y alojamientos estarán disponibles en www.sansanfestival.com el próximo martes 16 de septiembre a las 12:00. JENESAISPOP vuelve a ser medio oficial de SanSan.
Del lado internacional, SanSan confirma a los islandeses Of Monsters of Men, cuyo ‘Little Talks’ supera los 1.000 millones de streams en Spotify. Y como es habitual, también podréis ver el mejor pop nacional que llena arenas en nuestro país, de mano de Rigoberta Bandini (con su espléndida gira ‘Rigoberta Superstar’), Love of Lesbian, Guitarricadelafuente (autor de uno de los discos del año clarísimos), La M.O.D.A. o La Casa Azul.
El cartel sigue con gente como Xoel López, León Benavente, y artistas tan interesantes como Maria Arnal, Rufus T. Firefly (discazo el suyo de este año), La Élite, pablopablo, Biznaga, Barry B o Califato ¾.
¿Más nombres? Ultraligera, Chiquita Movida, Leo Rizzi o Samuraï. Para cuando llegue 2026 no tendrán nada de «letra pequeña» Sanguijuelas del Guadiana, que no paran de subir en la lista oficial de Promusicae, y ojo también a gente como Gara Durán, Repion o Juventude.
El cartel se completa con Siloé, Angel Stanich, Alizzz pinchando, Perarnau IV Dj Set ft. Drama Av Set (Zahara como DJ), Comandante Twin, Hoonine, Anabel Lee, Las Petunias, Malva, Tiburona, Ultralágrima, Puño Dragón, Anouck y Michael Foster.
Como cada año, el festival también será escaparate para el talento joven de la región con el concurso Groc Talent de la mano del Villarreal F.C., cuyo ganador se subirá al escenario del SanSan.
Finalmente, en esta edición, el 3% de los beneficios se destinará a Médicos Sin Fronteras para apoyar su labor humanitaria en Palestina. Asimismo, durante el proceso de compra de entradas, el público tendrá la posibilidad de añadir un donativo voluntario para esta causa, contribuyendo así de manera directa a la ayuda sobre el terreno.
La semana que viene se celebra Brava Madrid, un festival que en su momento calificamos como «El nuevo Orgullo LGTBIQ+» o -glups- «El Madrid que me representa«. Este año afrontó cierta polémica por su mudanza obligada a Torrejón de Ardoz. Se habilitarán lanzaderas y se ha ampliado el horario de la Renfe, para que el servicio de Cercanías acabe después de los conciertos.
Más compleja es la cuestión política: Brava Madrid está organizado por The Music Republic, como el FIB o Arenal Sound. La plataforma Superstruct compró hace un par de años esta promotora española. Después, otro fondo norteamericano, KKR, que participa en la promoción inmobiliaria en los territorios ocupados ilegalmente por Israel en Palestina, según informaba El Salto, se hizo con la plataforma Superstruct.
Esta semana algunos usuarios han notado en redes sociales que varios artistas que iban a participar han desaparecido del cartel de Brava Madrid. Pero nadie lo ha comunicado, ni el festival, ni los propios artistas. JENESAISPOP se ha puesto en contacto con la organización para obtener una explicación, de momento sin obtener respuesta, como tampoco la obtuvimos respecto al FIB.
Destaca, por ser claramente cabeza de cartel, el caso de Villano Antillano. Pero también han desaparecido del cartel Pixie Lott, Aquaria, Abril Zamora, Lalachús y Oro Jondo.
Permanecen Anastacia, A*Teens, Chanel, La Casa Azul, Javiera Mena, Miss Caffeina, Ms Nina, Daniela Blasco, Olly Alexander, Melanie C, Ojete Calor, Julieta, María Escarmiento, Chica Sobresalto o Deteresa. Suponemos que muchos de ellos hablarán del genocidio en Palestina durante su actuación, como ya se sucedió con Bad Gyal en el FIB o varios artistas en Sónar. Especialmente los españoles, pues nuestro país está más sensibilizado con Palestina que otros como Reino Unido o Alemania, por razones históricas.
Chica Sobresalto ha explicado sobre su caso lo siguiente: “No tengo dinero para cancelar y pagar lo que me cuesta incumplir un contrato. Literalmente no tengo dinero en mi posesión que cubra eso”.
Posición similar a la mostrada por Zahara por actuar en Granada Sound, festival vinculado a los mismos fondos: “No tocar este año supone asumir unas posibles consecuencias legales y económicas vinculadas a un contrato firmado que yo, personalmente, no puedo asumir. Por supuesto el año que viene no tocaré en ningún festival vinculado con KKR, pero con todo mi pesar los de este año no puedo eludirlos”.
Quizá conoces a HEAL de verles actuar en festivales como Primavera Sound. El cuarteto barcelonés formado por Laia Vehí, Dani Ambrosí, Edu Mató y Raúl Pérez -antes en grupos como Wind Atlas, North State, Wann o Glitterhouse- ha publicado un álbum llamado ‘The Shiver’. En él encontramos indie-rock noventero, algún trazo de folk y slowcore.
En su presentación hablaban de construir música a partir de una pseudo-improvisación, lo cual tiene mucho que ver con el tema del que nos ha querido hablar Laia. Invitada a MEISTER OF THE WEEK, nuestra sección comisariada por Jägermusic, el programa musical de Jägermeister, ha querido hablar exactamente de hábitos de composición. Os dejamos también con sus próximas fechas en directo:
19 Septiembre, 2025 – San Agustín – Azpeitia
5 Diciembre, 2025 – Sala Upload w/ Water From Your Eyes – Barcelona
6 Diciembre, 2025 – Sala El Sol w/ Water From Your Eyes – Madrid
¿Por qué habéis escogido hablar de «hábitos de creatividad»? ¿Cuáles son los diferentes hábitos de creatividad que habéis trabajado?
Laia: Lo he escogido yo. Es un tema que me gusta y considero de importancia dentro de una vida de escribir canciones, y creativa en general. No veo que se hable mucho, y me gustaría encontrármelo en las entrevistas de artistas que me gustan. Me interesa. En HEAL como banda tenemos el hábito de si en cualquier momento alguien empieza a tocar algo nuevo, tod@s seguimos. Sin cuestionar, juzgar, decir o esperar nada. Le damos cabida. Seguimos el juego al otro. Lo grabamos y lo subimos al drive. Es como una regla no escrita. You never know.
¿Es un tema que ha sido objeto de debate entre vosotros? ¿Habéis barajado diferentes fórmulas?
Laia: Es un tema que ha salido alguna vez en la furgo, ya que va ligado a la composición de los temas. Los hábitos creativos son personales. Cada un@ busca y encuentra su manera de relacionarse con la creatividad. Todo está bien y es algo vivo, que va cambiando y evolucionando contigo. En mi caso y a día de hoy, metida en HEAL, banda la cual componemos en directo en el local junt@s, no hay mucho tiempo, y escribo las lyrics, mis hábitos creativos han cambiado bastante y se han dirigido a algo concreto, que es: poder llegar al local y conectarme con el presente de manera integral y dar lo mejor de mí. Para poder llegar a ese momento, hay varias cosas que hacerlas con frecuencia me funcionan, como escribir sin tener un fin de producir nada, correr, reducir o quitar alcohol, o no entrar pantallas en dormitorio. Y de todas ellas hay una, que me está funcionando mucho (y con el enganche a las pantallas más) y es antes de ponerme a tocar o escribir, preparo el espacio, hago respiraciones y estiramientos hasta que me noto en calma absoluta y conectada con la curiosidad. Desde ahí, sin intermediarios, empiezo a crear.
Pero vamos, Edu (bajista), por ejemplo toca un montón en casa y cuando llega al local se saca tres tracks nuevos por ensayo XD. o Dani (guitarra) es un tennis geek y le funciona jugar sin parar y tener la energía aquí arriba y sacar riffs en casa; y Raúl (batería) escucha MUCHA música y tiene una librería en su mente que le permite crear con una perspectiva enorme.
¿No creáis en banda, todos juntos en el estudio? ¿Creéis que esa fórmula da más entidad como grupo, que hace estar más unidos?
Laia: Sí, un 90% está creado junt@s en el local. En nuestro caso hacerlo así es nuestro sello, ya que todos estamos aportando nuestra visión, la cual muchas veces nace y viene de lugares distintos. Y 100% sí, componer junt@s nos une siempre porque gozamos mucho haciéndolo. Esos momentos son la principal razón por la cual hacemos música. Y eso lo compartimos. Aparte, que tenemos magnetismo, nos entendemos bien ahí.
Escuchamos mucho de los 90, de banda del garaje de sus padres, en la música de HEAL. ¿Qué opináis de la curiosa forma creación de Radiohead? Ellos pueden tener una canción que no les convence, la tocan en directo, y a los 20 años la terminan de redondear y la editan.
Laia: ¡Radiohead es una de mis bandas pedestal así que esta pregunta me alegra! Las canciones están vivas y cuando tocas en banda cada vez suenan diferente. Por el equipo, por la energía que tengas y tengáis ese día, etc. Algunas canciones cuando las grabas en estudio están fresh, verdes, o directamente las has compuesto ahí.
Así que con el tiempo se van aposentando como el vino. En algunas vas puliendo y generando dinámicas y/o en otras simplemente toman otra dirección. Opino que apoyo 100% todo lo que quieran hacer Radiohead (risas)
¿Hay algún artista o grupo cuya forma de crear os atraiga? ¿Quizá ese tipo de grupos que hacen jams larguísimas en el estudio y luego seleccionan partes para canciones?
Laia: Hmm… buena pregunta. Supongo que cualquier artista y grupo que con los años siga disfrutando y encontrando su manera de expresarse, y se esfuerce un poco para ir evolucionando y entregar algo un poco diferente en cada trabajo. Así rápido, se me ocurre Big Thief. Para mí son un referente en cuanto a llevar muchos años y seguir disfrutando creando junt@s desde un lugar honesto y personal. Probando siempre nuevas maneras de componer, grabar, evolucionar como músicos y como banda. Y eso lo oyes cuando les escuchas. Este último disco por ejemplo, ‘Double Infinity’, notas el directo, notas que dejaron las canciones abiertas y que dejaron pasar a terceros en el estudio y dejaron que la música fuera a donde quisiera. Se arriesgan, buscan.
¿Tenéis gente como Sonic Youth y Yo La Tengo entre vuestros referentes, o más bien artistas de hoy, como Phoebe Bridgers o Porridge Radio o SPRINTS?
Laia: Todooo nos gustan los 80, 90 y los 2025’s! En cada década hay cosas alucinantes.
En cuanto a proceso de composición, hay un par de artistas que han dicho cosas interesantes. Nick Cave cuenta que se pasa horas y horas al piano, que la inspiración no le viene del cielo. ¿Hay mucho mito sobre ese momento «iluminado» y lo que cuenta es el trabajo-trabajo-trabajo?
Laia: Está claro que en la mayoría de casos, quién es muy bueno en algo ha invertido mucho tiempo en ello. Y él es muy bueno. Está claro también, que dentro de la composición, esos momentos “iluminados” existen, y para acceder a ellos debes tener abierto el canal entre tú y la creatividad. A partir de ahí, cada un@ es un mundo y llegamos de formas diferentes. Y en la ecuación también influirá tu momento vital y en qué proyecto estés. Hay gente por ejemplo con una capacidad de conexión con el presente y su mundo interior muy alta y funcionan diferente. Quizá no necesitan tantas horas. Ahora bien, la repetición, los hábitos, te ayudan a mantener eso en el tiempo. La vida no siempre es excitante. Así que mi respuesta sería que esos momentos iluminados son
esporádicos, y que si quieres alimentarlos y/o componer toda tu vida, trabajo y hábitos son tus amichis.
En la misma línea, habla Christina Rosenvinge, que tiene su libro de rimas para consultar, su metodología, piensa mucho la palabra adecuada… ¿Estáis en esa línea o sois más espontáneos?
Laia: En HEAL hasta el momento he escrito las lyrics, y por lo general, soy 100% espontánea en la creación de las melodías vocales, y luego escribo las lyrics a partir de esos sonidos. Entonces muchas veces, esos sonidos condicionan las palabras. Christina escribe en castellano, y estoy segura que si yo también lo hiciera, estaría obsesionada como ella con la palabra adecuada. El inglés y también mi estilo escribiendo, me permite una cierta distancia entre lo que siento y digo. Y eso me deja fluir un poco con las palabras que escojo. De todos modos, me tiro bastante rato con las lyrics, me gustan.
¿Qué canción vuestra se ha beneficiado de un proceso creativo rápido y exprés?
Laia: ‘Closer’, estábamos en plena creación del disco ‘The Shiver’, llegué al local y estaban Edu y Dani tocando el riff que a Edu le acababa de salir, me senté delante de él dejando el bolso y puse a grabar, y canté toda la melodía del tirón.
¿Cuál ha sido más larga y habéis dado más vueltas?
Laia: ‘The Mystery’ necesitó su tiempo.
Buenas noticias para los muchísimos fans de Suede que nos leéis y habéis hecho de la crítica de su nuevo disco ‘Antidepressants’ lo más visto del día en JENESAISPOP. ‘Antidepressants’ es un álbum notable, pero además es que el fuerte de los de Brett Anderson es el directo, y su gira será generosa en citas en nuestro país.
Suede nos visitarán cuando se acerque la primavera. No se ceñirán a Madrid y Barcelona, sino que también estarán en Bilbao, A Coruña, Valencia y Sevilla, en este último caso como parte de Insólito Sevilla Fest. La preventa de entradas comenzará el 17 de septiembre y la venta general el 19 de septiembre ambas a las 10h en lasttour.org. Bajo estas líneas, las fechas:
BILBAO, Santana 27
Lunes, 16 de marzo de 2026 A CORUÑA, Pelícano
Martes, 17 de marzo de 2026 SEVILLA, Cartuja Center – Insólito Sevilla Fest
Sábado, 21 de marzo de 2026 MADRID, La Riviera
Lunes, 23 de marzo de 2026 VALENCIA, Auditorio Roig Arena
Martes, 24 de marzo de 2026 BARCELONA, Razzmatazz
Miércoles, 25 de marzo de 2026
Hoy 12 de septiembre se publican los discos de Belén Aguilera, JADE, Sophie Ellis-Bextor, Parcels, Ed Sheeran, Jens Lekman, Baxter Dury, King Princess, The Hidden Cameras o Twenty One Pilots. De todos ellos podéis escuchar un pedacito en nuestra playlist «Ready for the Weekend» en Spotify. La semana que viene, estrenaremos perfil oficial en Apple Music.
También hay novedades de Kali Uchis, Damiano David, Demi Lovato, Allie X, Rose Gray, Anna of the North, Rex Orange County, Gorillaz, Joy Orbison, Slayyyter y un larguísimo etcétera. Atención por ejemplo a la apuesta más tradicional de Rauw Alejandro.
Tras un agosto en el que casi ningún artista nacional quiso sacar nada, ahora sale todo a la vez. Tenemos nuevos singles de -agárrense que vienen curvas- Viva Suecia, Miss Caffeina, Depresión sonora, Soleá Morente, Vicente Navarro, Los Chivatos, dani dicostas, Besmaya, ELYELLA con Iván Ferreiro y Morad con Israel B, entre muchos otros.
Biig Piig vuelve a España. La artista irlandesa está preparada para llevar a cabo sus primeros conciertos titulares en nuestro país, presentando ni más ni menos que su primer largo, ’11:11′. Se trata de un proyecto tan variado como pegadizo y en el que entran temazos de dance como ‘Ponytail’, pero también reconfortantes himnos de pop, tales como ‘Stay Home’.
Jessica Smyth vivió en España entre los 4 y los 12 años, y es por esa misma razón por la que comenzamos la entrevista hablando en español. Rápidamente, nos damos cuenta de que ha perdido un poco de práctica y nos pasamos al inglés. Me cuenta que en su infancia escuchaba de todo, pero de verdad: Leonard Cohen, D’Angelo, Sum 41, Ben Harper o The Fugees son algunos de los nombres que menciona.
Biig Piig estará presentando su último disco los próximos días 17 y 18 de septiembre en Madrid y Barcelona, respectivamente. El miércoles 17 de septiembre actuará en la Sala Clamores, mientras que el jueves 18 le tocará a la 3 de la Razzmatazz. Las entradas se encuentran a la venta en Fever, a partir de los 25 euros más gastos de distribución.
¿Ha afectado a tu música el hecho de haber vivido en España, Londres, Los Ángeles e Irlanda?
Sí, creo que definitivamente todo ha influido, o al menos ha sido influenciado por todos los lugares en los que he vivido. Y también creo que el deseo general de hacer música se debe a que siempre me he sentido un poco inquieta, especialmente cuando era una niña. Por ejemplo, cuando estaba en Los Ángeles, descubrí que mi sonido había cambiado a algo más de ensueño, porque todo el mundo habla a la mitad de velocidad.
¿Escribes mucho en español?
Crecí aprendiéndolo y fui a una escuela española y todo, así que está ahí. Escribir en español… Siento que cada vez que me sumerjo en ello, se siente un poco como, no sé, algo de mi niña interior. Siento que siempre acaba siendo más una carta directa a alguien, en el sentido de que refleja lo que realmente siento, en comparación con mis letras en inglés. Con Irlanda, obviamente tengo un vínculo muy especial, y cada vez que vuelvo allí la música está por todas partes. En España pasa lo mismo.
¿Te refieres a música en la calle?
Sí, y también la forma en la que encuentras comunidad y la forma en la que conserváis las historias y la cultura, como si estuvieran consagradas. Y siento que, aunque no me sentía completamente como si viviera allí, porque tenía esa especie de dualidad de estar aquí y ser de allí, al volver fue muy bonito ver que las canciones y todo lo demás te traen de vuelta a casa.
«Cada vez que escribo en español, siento que viene de un lugar de nostalgia, de reflexión e intimidad»
¿Cuándo te apetece escribir en español? ¿Qué tipo de estilo crees que le encaja mejor?
Para ser sincera, creo que mi momento favorito es cuando estoy reflexiva o cuando tengo el corazón roto. No sé por qué, pero hay algo melancólico y poético en el español y en cómo se pueden describir las cosas. Creo que es algo del idioma que siempre me ha parecido hermoso, como que nada es aburrido, ¿sabes? Las cosas siempre tienen un toque romántico. Mi deseo de escribir en español también se debe a que mis padres nunca hablaron el idioma. Así que les traducía mucho y hacía cosas como… Creo que todo mi proceso cuando vivía en España se sentía como tener una especie de doble vida en la que vas y hablas un idioma, vuelves a casa y hablas otro. Cada vez que escribo en español, siento que viene de un lugar de nostalgia, de reflexión e intimidad.
Siempre has estado expuesta a muchos tipos de música diferentes. La primera vez que empezaste a hacer música, ¿qué sonido te salió?
Solía tocar mucho la guitarra. Empecé a escribir cuando tenía como 15 años, no, 14. Recuerdo lo primero que hice, porque fue en una clase de música en el colegio y estaban haciendo una especie de concurso de canciones o algo así. Yo solía estar siempre en la sala de música, todo el tiempo. Para ser sincera, era un poco callada. Siempre que había pausas para comer o cualquier otra cosa, prefería estar en la sala de música, jugando y tratando de componer música.
Hay un poco de todo en este disco, pero todo se siente en su sitio. ¿Cómo te enfrentas a todas las posibilidades de la creación?
Me encanta experimentar, obviamente, y me encanta meterme en algo sin saber realmente dónde va a ir a parar, ir descubriéndolo e ir encajando las piezas. Una de las mejores sensaciones que hay es cuando empiezas a escribir solo por escribir, ¿sabes? A veces, no te das cuenta de que también estás escribiendo de forma coherente de una canción a otra o de cómo está tomando forma. Eso me encanta. Últimamente me ha inspirado mucho por esa escena, la escena electrónica, y tengo muchas ganas de profundizar más en ella y ver qué pasa.
Por ejemplo, ‘Stay Home’ no es dance del todo, pero es una de mis favoritas. La encuentro reconfortante y algo triste a la vez, en la letra sobre todo.
Sí, eso fue lo que pasó. Empecé a grabar este disco pensando que iba a hacer un disco de música dance. Pero luego había ciertas canciones como esa o ‘One Way Ticket’ en las que pensaba: «Oh, no quiero dejarlas fuera». Me di cuenta de que también me encantan ese tipo de canciones. Me encanta su intimidad. Y sí, como dices, cuando consigues esos sonidos tan cálidos de las guitarra, el entorno en el que creas la música influye mucho en ella. Y nosotros la escribimos en un pequeño estudio en París. Siento que se transmitía a través de la madera.
Sí veo el elemento dance en ‘Ponytail’ y ‘Favourite Girl’, pero siguen teniendo elementos muy melódicos.
Me encanta tocarlas en vivo. Estoy un poco nerviosa porque creo que este año podría ser el último en el que toque ciertas canciones. Canciones muy antiguas. Me da miedo, porque siempre da miedo lanzarse a algo nuevo.
«Es raro oír que a la gente le guste tanto profundizar en un álbum como en canciones individuales»
¿Siempre has querido hacer un disco? O no era tan importante para ti.
Siempre he querido. Creo que hice tantos EP porque pensaba: «No es perfecto, no está listo, aún no lo he conseguido». Y luego algunos de los EP tienen siete temas que podrían haber acabado siendo un disco, pero siento que me encanta escribir hasta llegar a un punto en el que siento que ya está hecho. No quiero forzar demasiado las cosas. Y con este, sentí que no había terminado de escribirlo y llegamos a unas 11 canciones. Y pensé: «Vale, genial. Parece una tontería y parece un álbum, así que me siento bien al publicarlo». Siempre ha sido estresante. Creo que, especialmente, cuando creces con álbumes tan increíbles. Siento que tal vez eso se ha perdido un poco. Tal vez esté volviendo, pero creo que es raro oír que a la gente le guste tanto profundizar en un álbum como en canciones individuales. Pero, de nuevo, recientemente ha habido algunos discos increíbles que sí siento que han recibido su reconocimiento.
Sí, pero creo que tienden a olvidarse más fácilmente o más rápido.
Obviamente todavía hay gente a la que le encantan los álbumes, pero creo que, en general, a gran escala, ya no le gustan tanto a la gente. Por otra parte, siento que todavía hay álbumes que estoy redescubriendo años y años después. Y luego estaba ese tipo de entramado digital que estaba ocurriendo, que era una locura. Incluso artistas irlandeses y españoles, como C. Tangana, que descubres y piensas: «Oh, esto es genial». Echo de menos los días de Soundcloud. Debería volver a conectarme.
Ya no es lo mismo, ¿no?
No, antes era una locura. Pero creo que el streaming ha cambiado todo el juego. Ya no es como antes. También está el tema de los algoritmos y cómo te llega la música. Creo que el deseo de buscar y emocionarse por artistas que quizá nadie conoce ha desaparecido un poco, pero espero que haya un resurgimiento pronto.
Hay un poco de todo en tu música, pero tiende a ser relajada, casi hipnótica. ¿Cómo traduces esto al sonido en directo?
Siempre me gusta reconstruir un poco las canciones cuando las toco en directo, porque, obviamente, me encanta cómo suena el disco, pero cuando las llevamos a un espacio en directo nos encanta añadirles un saxofón o simplemente la batería en directo. Elementos que les aporten un tipo de energía diferente. Nunca las acelero ni nada por el estilo. Creo que así se consigue una mayor inmersión. El set es todo un viaje. Empieza con una canción triste y pegadiza, luego se convierte en una fiesta dance y, al final, nos ponemos muy tristes. Luego nos llenamos de rabia, soltamos los demonios y terminamos por todo lo alto. Me gusta contar una historia sobre las canciones a lo largo del repertorio, aunque no sean del mismo proyecto. Para mí, la secuencia de emociones tiene mucho sentido para el espectáculo.
También tiene sentido que el concierto sea tan ecléctico como la música.
Siento exactamente lo mismo. Creo que con esos contrastes encuentras una euforia real. Siempre es agradable tener algo así, especialmente cuando estás cantando y la gente te sigue a ti. Es un momento precioso. Y luego, prefiero que sea una celebración en lugar de algo demasiado pesado.
Cuando están a punto de actuar en Madrid, Gorillaz anuncian su nuevo disco. Eso sí, el sucesor de ‘Cracker Island‘ no verá la luz hasta bien entrado el año que viene. ‘The Mountain’ saldrá el 20 de marzo.
El primer single de esta obra se puede escuchar ya y cuenta con Sparks, que justo acaban de sacar un EP que amplía su álbum de este año, ‘MAD!‘. La colaboración de Gorillaz con Sparks se llama ‘Happy Dictator’ y no tenemos ni idea de a quién podría estar dedicada.
En la producción de ‘The Mountain’ han intervenido James Ford, Samuel Egglenton, y Remi Kabaka Jr., aunque el nombre que más sorprende ver en la lista de productores es Bizarrap. En su largo anterior, ya habían trabajado junto a Bad Bunny.
Entre los colaboradores están Idles, Johnny Marr y Omar Souleyman, entre otros. También han conseguido los derechos de varias personas que han fallecido, como Bobby Womack o Mark E. Smith. Gorillaz actúan el 20 de septiembre en Madrid. Pulse of Gaia (Universidad Autónoma) acaba de anunciar en Instagram los horarios del misterioso evento.
01 The Mountain [ft. Dennis Hopper, Ajay Prasanna, Anoushka Shankar, Amaan Ali
Bangash and Ayaan Ali Bangash]
02 The Moon Cave [ft. Asha Puthli, Bobby Womack, Dave Jolicoeur, Jalen Ngonda
and Black Thought]
03 The Happy Dictator [ft. Sparks]
04 The Hardest Thing [ft. Tony Allen]
05 Orange County [ft. Bizarrap, Kara Jackson and Anoushka Shankar]
06 The God of Lying [ft. Idles]
07 The Empty Dream Machine [ft. Black Thought, Johnny Marr and Anoushka
Shankar]
08 The Manifesto [ft. Trueno and Proof]
09 The Plastic Guru [ft. Johnny Marr and Anoushka Shankar]
10 Delirium [ft. Mark E. Smith]
11 Damascus [ft. Omar Souleyman and Yasiin Bey]
12 The Shadowy Light [ft. Asha Bhosle, Gruff Rhys, Ajay Prasanna, Amaan Ali
Bangash and Ayaan Ali Bangash]
13 Casablanca [ft. Paul Simonon and Johny Marr]
14 The Sweet Prince [ft. Ajay Prasanna, Johnny Marr and Anoushka Shankar]
15 The Sad God [ft. Black Thought, Ajay Prasanna and Anoushka Shankar]
Hits
Hace mucho que nos hemos dado cuenta de que el rock fideliza más que el pop. Eso no ha cambiado y ahora podemos subir la apuesta al mundo del hip hop. Ahora que sabemos que Playboi Carti nos visitará el año que viene como telonero de The Weeknd, es pertinente hablar del éxito de su tercer disco, el irregular ‘Music‘, publicado este 2025.
Tras dos álbumes certificados como oro en Estados Unidos, ‘Music’ fue número 1 en este país, pero también en Australia, Reino Unido, Canadá, Suiza, Eslovaquia, Portugal, Nueva Zelanda, Hungría, Dinamarca y Austria, entre otros. En la difícil Italia, llegaba al puesto 3. En la difícil España, al puesto 5.
Debutó con casi 300.000 unidades en Estados Unidos, y después se ha mantenido bien; aún medio año después es número 60 del Billboard 200. El site Mediatraffic estima que ha sobrepasado el millón de copias a nivel global en las últimas semanas. Por supuesto que las colaboraciones con The Weeknd y Travis Scott tienen mucho que ver (además, la vieja ‘Timeless’ sigue muy fuerte en las listas), pero también la aceptación de ‘EVIL JORDAN’.
Flops
Nada parecido podemos decir de Lorde por más que nos gustaría y por más que ‘Virgin’ haya supuesto una recuperación artística respecto a ‘Solar Power’ y que algún single diera algún signo de funcionar a la larga. No ha terminado pasando.
‘What Was That’ llegó a ser top 11 en las listas británicas, y ‘Virgin’, incluso número 1. Sin embargo, el número de semanas que el álbum resistió en el top 100 es desolador: solo 4 semanas, exactamente las mismas que ‘Solar Power’, muy por debajo de ‘Pure Heroine’ (51 semanas) y ‘Melodrama’ (21 semanas). Es difícil hablar de una recuperación comercial respecto al anterior. No hay nada a lo que agarrarse: ‘Solar Power’ -la canción- tiene 178 millones de reproducciones en Spotify, y a ‘What Was That’ le va a costar medio año más alcanzarla.
Sin certificación conocida registrada ni siquiera en Australia, en la minúscula Nueva Zelanda en Austria o Bélgica (únicos lugares donde ‘Virgin’ fue top 1), parece difícil que el disco haya llegado a las 250.000 copias a nivel mundial. Pero lo peor es lo olvidado que parece el proyecto, pese a contener temazos como ‘Hammer’ o ‘Shapeshifter’. ¿Puede haber esperanza para algún tipo de viral, algún Grammy, algún algo…? Contra todo pronóstico, ‘David’ es el tema que más se ha crecido en las últimas semanas, pero es un fenómeno muy incipiente. La gente, lo que continúa escuchando es ‘Ribs’. Bueno, y ‘girl, so confusing’.
Wolf Alice están entre los nominados al Mercury Prize 2025 con su nuevo álbum, ‘The Clearing‘. Eso significa que han sido nominados al prestigioso galardón con todos sus discos. Van 4 de 4, y además lo ganaron con el segundo, ‘Visions of a Life’.
Bromas aparte sobre qué van a hacer el año que NO les nominen, lo cierto es que todas las menciones han sido merecidas, y la de ‘The Clearing’ también. El disco es lo suficientemente bueno como para que ‘Just Two Girls’ no haya sido single hasta varios meses después de haber empezado la campaña. El que podemos considerar el 4º sencillo de ‘The Clearing’ es nuestra Canción del Día hoy.
Por qué este corte no ha sido promocionado antes puede deberse a que no es el corte que mejor representa el álbum: es el más pop, el menos folkie, y una canción que Ellie considera muy divertida. Así nos la explicaba en una entrevista realizada hace unos meses, cuando le comentábamos que incluso recordaba a Saint Etienne: «Es una canción que depende mucho de la letra y de la melodía. No se hizo ninguna demo, simplemente fue seguir la historia y la letra, y ahí estaba. Llegó hacia el final del álbum. Queríamos algo animado y al menos líricamente lo era, la enseñé esperando que alguien la llevara hacia algún lado y salió muy rápido. Es una canción muy divertida».
En un álbum que habla sobre el escenario y la artisticidad, ‘Just Two Girls’ habla de ser «tan solo dos chicas en el bar», «dos niñas en el parque» o «una estrella en el escenario». Las estrofas quitan hierro a preocupaciones absurdas como envidiar a los demás o preocuparse por cosas que no tienen importancia. «¿Cuándo empezaste a obsesionarte tanto con cosas que tienes y cosas que no?».
Roswell ha explicado que se inspiró en conversaciones con amigas, en todo lo que ha aprendido de ellas sobre cosas como hacerse mayor. El vídeo que se acaba de estrenar cuenta con Lucy Boynton (‘Bohemian Rhapsody’, ‘The Politician’) y ha sido dirigido por Colin Solal Cardo. En él vemos justo cómo, de una conversación de «dos chicas» en una cena, surge la diversión, el baile, el dejar atrás las cosas que nos hacen infelices. Y dos mujeres bailando, en un disco abiertamente inspirado en los años 70, solo pueden llevarnos a un nombre hasta ahora improbable para hablar de Wolf Alice: Baccara.
Luz Casal va a publicar un nuevo disco este invierno, aún por fechar, que ha presentado de momento con dos sencillos. Uno era una adaptación muy animada del clásico ‘Todo cambia’, en su momento escrito por el músico chileno Julio Numhauser y popularizado por Mercedes Sosa. El segundo single mantiene el ritmo, pero en un sentido muy diferente.
‘¿Qué has hecho conmigo?’, producida por Paco Salazar, recupera el sonido más rockero de la artista que conocimos en los años 80 pegada a una cazadora de cuero, antes de derivar hacia el bolero o la balada. Este nuevo tema conecta con aquellos inicios y otros temas que hizo después como ‘Loca’, extraído de su ‘V’ disco, un hit en 1989.
‘¿Qué has hecho conmigo?’, además de con aquella inmediatez, cuenta con un estribillo bien desarrollado a partir de la palabra «Tengo». Lo cual puede implicar «un millón de motivos» o «secretos prohibidos». Sintiéndolo mucho por Viva Suecia y Rigoberta Bandini, esto es lo más pegadizo que ha hecho Casal en los últimos años.
Por último, el tema cuenta con una letra original que se inspira «en la emoción de una fan al asistir a un concierto, capturando esos instantes únicos de conexión entre artista y público». «Lo que tú me provocas es sobrenatural», dice Luz en primera persona, situándose en el lugar de la fan, en este caso. Una temática no tan habitual en el mundo del pop-rock, y desde luego no ha sido por falta de oportunidades.
Luz sigue sumando actuaciones a su gira internacional, con Buenos Aires el proximo 12 de octubre. El 17 de enero estará en el Movistar Arena de Madrid, pero también hay fechas por toda Latinoamérica, en Francia o Bélgica. Detalles, en su web.
La actualidad política de Estados Unidos está sacudida por el asesinato del ultraderechista Charlie Kirk, justo cuando le estaban preguntando por los tiroteos masivos en el país. Antes de eso, i-d publicaba una entrevista con Bad Bunny en la que hablaba de la convulsa situación que vive el país, desde que gobierna Trump.
Suzy Exposito le preguntaba si era cierto que su gira no iba a llegar a Estados Unidos y si era por la deportación masiva de latinos. Y Bad Bunny ha respondido que sí.
Decía Benito: «Había muchas razones por las que no actúo en Estados Unidos, y ninguna de ellas viene del odio. He actuado allí muchas veces. Todo ha tenido mucho éxito. Todo ha sido increíble. He disfrutado de conectar con los latinos que han estado viviendo en Estados Unidos. Pero específicamente al hacer una residencia aquí en Puerto Rico, cuando somos un territorio no incorporado de Estados Unidos… La gente de Estados Unidos puede venir y ver el show. Los latinos y los portorriqueños de Estados Unidos pueden también viajar aquí o a cualquier parte del mundo».
A continuación se refiere al ICE, el Servicio de Control de Inmigración y Aduanas de los Estados Unidos: «Está el problema de que la puta ICE podría estar fuera [de mi concierto]. Y es algo de lo que hemos hablado y que nos preocupa mucho». La entrevista termina exactamente ahí, no hay más repregunta, sino una reafirmación de que Puerto Rico es el lugar donde disfrutar de esta gira. Pero queda claro que Benito teme que sus shows se conviertan en una cacería para deportaciones masivas como las que se han visto este año.
La cuestión no es baladí. Estados Unidos es el mercado más importante para Bad Bunny. Aunque sus oyentes se concentren en ciudades hispanohablantes como Ciudad de México, Santiago de Chile, Bogotá, Madrid y Buenos Aires, la población latina de Estados Unidos es tan numerosa que sus últimos discos han sido grandes éxitos en el Billboard 200.
Su último álbum ‘Debí tirar más fotos‘ fue número 1 en Estados Unidos, y 35 semanas después de su edición, continúa en el puesto 14 pese a la feroz competencia de la era streaming. ‘Un verano sin ti’ continúa en el puesto 45 del Billboard 200 oficial después de 174 semanas (más de 3 años). Su sello Rimas Entertainment no está realizando las correspondientes certificaciones, pero por tamaño es difícil que un mercado le esté dando tanto como Estados Unidos. En este lugar, un disco de platino equivale a 1 millón de unidades, no a 40.000 copias como en España.
Hay quien esperaba que la gira de Bad Bunny terminara el año que viene en Estados Unidos tras recorrer Japón, Australia y Europa en la temporada de primavera-verano. Parece que no va a suceder por razones políticas, a menos que se obre un milagro en cuanto a migración.
Cuando estaban en la cresta de la ola, cuando se usaba la expresión «en la cresta de la ola», Suede publicaron un recopilatorio de caras B llamado ‘Sci-Fi Lullabies’. La canción estrella de aquel álbum se llamaba ‘Europe Is Our Playground’. En ‘Antidepressants’, su 10º álbum de estudio, uno de los singles más populares recibe el nombre de ‘Dancing with the Europeans’. En él, Brett Anderson, que desde el Brexit ya no es europeo, «baila con los europeos» porque «tiene un europeo sufriendo dentro».
Suede presentan ‘Antidepressants’ explicando que si ‘Autofiction‘ era su disco punk, este es su disco post-punk. Es el tipo de declaración que ni una sola reseña puede evitar reproducir. Y es que, tras décadas asociándoles más bien al glam de principios de los 70, ahora se sitúan claramente a finales. Nunca habían sonado tanto a Siouxsie como en el tema titular, ni a Joy Division como en ‘The Sound and the Summer’. También el corte ‘Disintegrate’ podría ser una referencia al gran clásico de The Cure de finales de los 80: si Robert Smith no ha registrado tal palabra es porque no le habrán dejado.
Otra declaración estrella de Brett es que pocas bandas de su generación (58 años, este mes) siguen haciendo largos «tan vitalistas» como los suyos. Tiene razón. Si un nuevo disco de Oasis todavía hipotético contuviera esta energía, sería multiplatino en las islas. Más que como anestesiadas por los «antidepresivos», las canciones de este álbum suenan como alguien con toda la voluntad posible de salir del pozo, o que de hecho ya ha salido del mismo pero está rememorando su periplo.
‘Antidepressants’ -la canción- es un éxito compositivo porque con su melodía diferente en el estribillo y la aceleración de su batería, se está levantando de la cama. Cama en la que apenas yacen un par de temas en el disco, y solo en parte: ‘Somewhere Between an Atom and A Star’, de nuevo deudora de Bowie, y ‘June Rain’, que se desarrolla en un hospital. El resto parece el tipo de álbum que harían unos adolescentes en un garaje a quienes hubieran regalado unos discos de Wire y Magazine, a día de hoy.
Hay cierto sentido político en algunas frases de «Europeans» que apelan a «soldados y civiles», también en ‘Criminal Ways’, pero sobre todo una sensación de colectividad, inherente a Suede y a sus conciertos. Siempre pensé que cuando Brett cantaba «We’re trash, you and me» en 1996, no estaba tanto entonando una canción de amor, como arengando a las masas, en plural: «somos basura, vosotros y yo». Ese es el sentimiento de ‘Broken Music for Broken People’, en la que asegura de manera mesiánica que «es la música rota y la gente rota la que salvará el mundo». Que es mejor «creer en algo que no creer en nada».
Los textos y arreglos son tan literales que a menudo Suede caen en clichés tamaño «la vida es un instante» («An Atom and A Star», «Life Is a Moment»). ‘The Sound and The Summer’ va de lo que parece y dice «tenemos el sonido y el verano, la autopista, así que no me jodas». Al final de ‘June Rain’, junto a su productor de confianza Ed Buller han introducido el sonido del tráfico al pasar, cuando Anderson habla del «tráfico al pasar». Lo cierto es que también caía en el cliché el título de la novela del artista ‘Mañanas negras como el carbón‘ y luego estaba sorprendentemente muy bien escrita. Y eso es lo que sucede con este álbum, que está increíblemente bien escrito en cuanto a pre-estribillos y estribillos que se repiten hasta la saciedad. Se defiende Brett en la letra de la canción final ‘Life Is Endless, Life Is a Moment’: «Odiáme si es lo que has de hacer, ámame cuando sea polvo». Así que no, no podemos esperar a que Suede ya no estén para decir que sus últimos discos estaban bastante bien.
Mercury Prize sigue siendo uno de los premios más prestigiosos del mundo. Pueden presumir de haber premiado en más de 30 años de historia a lo mejor de lo mejor de la música británica, de PJ Harvey a The xx, pasando por Portishead, ANHONI o Little Simz.
Últimamente, eso sí, han optado por hacerse los raros, escogiendo en 2024 ‘This Could Be Texas’ de English Teacher por encima de ‘Brat’: o a Ezra Collective en 2023 por encima de Raye o Shygirl. ¿Cuál será el caso de este año?
De momento conocemos la lista de nominados, que incluye grandes obras maestras como las publicadas en los últimos 12 meses por gente como FKA twigs y Fontaines DC; y álbumes tan recientes como los de CMAT, Wolf Alice o Pinkpantheress. Ya sabéis que la cosa va de septiembre a septiembre, por lo que cuenta el otoño pasado, y a la vez este verano.
Entre los nombres míticos, el de Pulp con su primer álbum en 24 años, ‘More‘. Entre los nombres más populares, el de Sam Fender.
NME reporta que las quejas por ausencias se están centrando en Geordie Greep y Laura Marling, momento que aprovecho para reivindicar una vez más esa maravilla llamada ‘Patterns in Repeat‘. Entre los ausentes, también hay que destacar a Kae Tempest y a Wet Leg. Os dejamos con los 12 nominados. El ganador se conocerá el 16 de octubre.
CMAT – ‘Euro-Country’
Emma-Jean Thackray – ‘Weirdo’
FKA Twigs – ‘Eusexua’
Fontaines D.C. – ‘Romance’
Jacob Alon – ‘In Limerence’
Joe Webb – ‘Hamstrings & Hurricanes’
Martin Carthy – ‘Transform Me Then Into A Fish’
Pa Salieu – ‘Afrikan Alien’
PinkPantheress – ‘Fancy That’
Pulp – ‘More’
Sam Fender – ‘People Watching’
Wolf Alice – ‘The Clearing’
PROMUSICAE ha publicado su informe con las cifras de la música grabada en España en el primer semestre de 2025. La industria sigue en alza, principalmente gracias al consumo digital en streaming. Al mismo tiempo, los vinilos no solo son el formato físico más vendido, sino que su consumo sigue creciendo considerablemente.
De esta forma, el total de la industria discográfica española anota un crecimiento del 10,4% en la primera mitad del año. En este sentido, el consumo digital aporta un 89,3% del total de ingresos de la industria y sigue presentando una evolución positiva respecto al año pasado, con una subida del 9,9%.
El streaming sigue siendo la estrella de esta modalidad, representando un 99,2% del consumo digital total. Un 88,6% del valor total de la industria, que equivaldría a 144,2 millones de euros, proviene del streaming, que también crece un 10,2% respecto al primer semestre de 2024.
Antonio Guisasola, presidente de PROMUSICAE, ha asegurado que el streaming es la principal forma de consumo en la actualidad y que «sustenta el mercado discográfico». Asimismo, el público sigue sin olvidar los vinilos, que sorprenden un año más con un crecimiento en ventas del 25,6% respecto al año pasado.
De hecho, el vinilo es el único formato físico que no baja en ventas, a diferencia del CD (-3,2%) y otros formatos (-34,9%). Aun así, el mercado físico ha obtenido resultados positivos y se anota una subida del 14,8% respecto al mismo periodo en 2024. Del total de las ventas en este mercado, el vinilo representa un 68,8%.
Si ayer estabas en un concierto, viendo una serie o peli, leyendo o, como dice uno de nuestros comentaristas, follando, te perdiste una noche histórica de la televisión. No necesariamente para bien. Dice Víctor Juste que este martes se emitió el mejor programa de ‘La Revuelta‘, con lo que no concuerdo. Mientras, en El Hormiguero, Nacho Cano calificaba al gobierno de Pedro Sánchez como «banda criminal».
La invitada de David Broncano era Mariló Montero, dada su participación en ‘Masterchef Celebrity‘. Ni siquiera llegó a sentarse. Ambos se enzarzaron en una discusión política, con la presentadora criticando que «el sanchismo» hubiera tomado la televisión pública en horario de mañana, tarde y noche. Broncano se defendió: «Yo no recibí ninguna llamada política. Soy una persona de izquierdas y progresista pero creo que eso no me debería impedir hacer ningún trabajo». Y también lo hizo un espectador: «decir que hay un genocidio no es ser de izquierdas, defender a los bomberos o que se invierta en enfermedades raras no es ser de izquierdas».
En el Reels más viral del programa de anoche, el presentador de ‘La Revuelta’ cuestiona a todos aquellos que afirman «que ya no se puede decir nada», cuando de hecho lo dicen «en el programa líder de audiencia», refiriéndose a ‘El Hormiguero’; o en el «periódico líder de audiencia». «Si el sanchismo condicionara los contenidos de la televisión pública, no estarías aquí», espetó subrayando que esta contradicción «le petaba la cabeza».
Montero se defendió bien, pues además ella tuvo un programa en TVE en la era Zapatero, pero Broncano perdió los estribos cuando Mariló defendió la tauromaquia como «arte». La presentadora considera que los toros deberían tener cabida en la televisión pública, cree que se habrían «extinguido» de no ser por esta «tradición», y que los «toros viven con más dignidad que el pollo y el conejo que os coméis». Cuando remató con las mujeres a que no se ha dejado torear, David le recriminó usar un «argumento flojo» y tomar una «deriva ridícula». Ya había sentenciado antes que «vivía en 1945».
Visiblemente incómodo cuando Montero retomaba una y otra vez a Pedro Sánchez o el caso del Fiscal General del Estado, Broncano, al que no es habitual escuchar que es abiertamente «de izquierdas» y «progresista», no tuvo su noche más divertida ni ocurrente cuando se estaba definiendo como «cómico» y no como «periodista». Pero fue mucho peor lo de Antena 3.
Lo de ‘El Hormiguero’, líder de audiencia anoche por 1,4 puntos de share, no fue una entrevista, ni una conversación, sino un monólogo de Nacho Cano. Pablo Motos, que empezó el programa diciendo que estaba en «su mejor momento», apenas hizo ninguna pregunta, siendo la más destacada «qué ha pasado con los becarios» a día de hoy. El teclista de Mecano volvió a contar que es víctima de una cacería de «Marlaska y Pedro Sánchez» para tapar el caso de la esposa del presidente, y una vez archivada la trama de los becarios, se ha venido arriba. Asegura que «3 tíos» entraron en su casa a modo «de aviso», pocos días antes de las elecciones del 28-M, que uno de ellos después le pidió perdón y se identificó como policía, y hasta dio nombres a los que apuntar en su trama personal, como el del comisario Alberto Carba o la jueza Inmaculada Iglesias, contra la que se está querellando. Cree que su fallo ha sido, no haber traído becarios desde México, legalmente quizá, pero desde luego muy de aquella manera; sino haber apoyado a Ayuso, y afirma alegremente que la becaria que le denunció está «como una regadera».
Aseveró que contaba todo eso «para que no le pase a nadie más, para que sepáis cómo opera esta banda criminal que nos gobierna», y Pablo Motos no le hizo ni una sola pregunta ni incómoda ni condescendiente sobre absolutamente nada de esto. Ni sobre la ética de tener cuántos becarios o en qué condiciones; si no cree que el presidente del gobierno tiene mejores cosas que hacer que ir a por un grupo querido por todos como Mecano; si no ha oído el audio de Aldama en el que hasta él mismo da a entender que Begoña Gómez es inocente; ni mucho menos sobre, yo qué sé, qué le pareció la policía patriótica de Rajoy. Tampoco corrigió a Nacho Cano cuando dijo que «nuestros impuestos iban a pagar a los criminales que nos gobiernan». ¿Acaso no irán a los bomberos, a la reconstrucción tras la dana, a la sanidad, a la educación, Pablo, y estás mandando ese mensaje tan peligroso a 2 millones de personas?
Y es que la gente va a divertirse a ‘El Hormiguero’… pero cuando interesa, es más que nada, un mitin político, sorteado con aplausos del público. Anoche aplaudieron muy poco, por cierto. Hubo silencios incómodos, como cuando Nacho Cano contó que temía que «le pegaran un tiro». Juraría que allí, hasta entre ese público que acude a divertirse a ‘El Hormiguero’, había gente que no sabía ya dónde mirar, como yo viendo ‘La Revuelta’. Gente que ya no puede más con este nivel de crispación.
Dijo Nacho Cano que cuenta todo esto porque le «importa España». Cuando Broncano trataba de encontrar un punto de conciliación con Mariló, algo que los uniera, concluyeron igualmente que había de ser «el amor por España». Si tal cosa existe, esta guerra ideológica entre programas necesita mucho más humor y mucha menos amargura. Más chistes onda «¿Pepe de Masterchef es de Podemos?», como el que hizo Grison, y menos de todo lo demás. Al final Broncano y Mariló se abrazaron, cuando parecía poco probable. Fue el único plano de toda la noche que dio un poco de esperanza sobre lo que pueda ocurrir con este país en el próximo lustro.
Zaz ha estado este martes en España para ofrecer un showcase y un avituallamiento a la prensa y a algunos fans, en las oficinas de su distribuidora Believe. Tras 5 discos y 5 millones de discos vendidos, el viernes que viene publicará su nuevo álbum, ‘Sains et saufs’.
Acompañada de un guitarrista y en fantástica forma de voz, Zaz interpretó algunas canciones, también pinchó y explicó otras, en un evento muy rico en anécdotas e historias, porque su nuevo disco de hecho lo es. ‘Un enfant pour toujours’ habla, por ejemplo, de cómo un hijo fallecido no puede sustituir a otro, del trauma que eso puede acarrear para el que queda. Una canción que escribió tras la muerte de varios familiares.
Por su parte, ‘Mon cœur tu es fou’ se ha hecho a partir de un texto de la poeta y directora iraní Forough Farrokhzad, fallecida con 32 años en 1967. Su final en vivo es desgarrador, gritando lo que esta artista no pudo gritar por sí misma.
Zaz, que hizo bailar ligeramente con el punto jazz de ‘On peut comme ça’, y habló de cómo ha querido mezclar tradición cabaretera con un poco de modernidad, tiene una luz especial y, sobre las tablas, la sonrisa y el carisma de las grandes estrellas que disfrutan particularmente de los escenarios. Una de las canciones que hizo brillar fue ‘Sains et Saufs’, nuestra Canción del Día hoy.
La intención de ‘Sains et Saufs’ es evocar «el amor reparador y la afirmación de uno mismo frente a las presiones sociales». Porque no estamos hechos para amoldarnos a «cajas» ni para «estar encerrados en jaulas», y porque el amor nos salvará de todo y nos guardará «sanos y salvos», es que Zaz construye esta melodía optimista, que no en vano fue editada en primavera. En el vídeo, Zaz se va abriendo al mar y a la naturaleza, junto a personajes caracterizados por la diversidad.
Zaz actúa el 3 de noviembre en Barcelona, y el 5 de noviembre en Madrid, aunque los tickets para La Riviera ya están agotados.
Tras años de coqueteos con la derecha británica, Morrissey asegura ser «apolítico». En un nuevo comunicado en su página web, el cantante ha revelado que recientemente rechazó «cordialmente» una invitación para actuar en una conferencia del partido político Reform UK, una de las principales fuerzas de la extrema derecha en Reino Unido.
El comunicado aclaraba que Morrissey era «apolítico» y que nunca se había «afiliado a un partido político, o votado, en toda su vida». Al mismo tiempo, aseguró estar «agradecido por la invitación». En dicho evento, Nigel Farage, líder del partido, se reafirmó en su política de «parar los barcos» y «deportar a todo aquel que entre ilegalmente en nuestro país», según informa The Guardian.
En el pasado, Morrissey ha sido relacionado con la derecha a raíz de numerosos comentarios. Por ejemplo, en 2016 se refirió al propio Farage como un «educador liberal» y alguien que «obviamente sería un buen primer ministro».
Por otro lado, en 2019 también declaró su apoyo al partido de extrema derecha For Britain, disuelto en 2022: «El Reino Unido es un lugar lleno de odio y necesitamos a alguien que ponga un fin a la locura y que hable por todos», declaró refiriéndose a Anne Marie Waters, líder del partido.
The Weeknd se superará a sí mismo en su paso por España, realizando tres conciertos en el Riyadh Air Metropolitano. El artista canadiense anunció la semana pasada que la gira ‘After Hours Til Dawn’ visitaría Madrid los días 28 y 29 de agosto de 2026. Ahora, añade una tercera y «última» cita el día domingo 30 de agosto.
Madrid será la única ciudad española que The Weeknd visite en 2026, donde celebrará la trilogía formada por ‘After Hours’ (2020), ‘Dawn FM’ (2022) y ‘Hurry Up Tomorrow’ (2025). Abel Tesfaye volverá al Metropolitano, donde también actuó durante el verano de 2023, pero esta vez la estancia será más larga.
Playboi Carti, además, acompañará al cantante durante todos los conciertos de Europa y Reino Unido. Respecto a los conciertos anunciados en México y Brasil, Anitta será la encargada de telonar el espectáculo.
Las entradas salen a la venta el 12 de septiembre a las 12 del mediodía, a través de Live Nation, Ticketmaster y El Corte Inglés. También hay una preventa el 11 de septiembre en Live Nation a las 12.00 horas.
La policía de Los Ángeles ha encontrado un cadáver en estado de descomposición en un coche Tesla registrado a nombre del cantante d4vd, autor de hits virales de la talla de ‘Here With Me’ y ‘Romantic Homicide’. La broma se hace sola. David Burke, de nombre real, se encuentra cooperando con las autoridades mientras lleva a cabo su gira norteamericana, continuada anoche con normalidad.
Este lunes, a causa de un fuerte hedor, la policía de la ciudad californiana descubrió un cuerpo en el maletero delantero de un vehículo incautado la semana pasada y aparcado en un centro de remolque en pleno Hollywood. Los restos humanos se encontraban en una bolsa y, por el momento, no hay información sobre la persona fallecida. Solo se sabe que es una mujer.
El artista de 20 años no ha hecho comentarios sobre lo ocurrido y se ha comportado de forma normal en redes sociales y en su último concierto, celebrado anoche. Pitchfork asegura que, al intentar contactar con el equipo de representación del artista, se les redirigió al abogado de d4vd, Blair Berk. El medio estadounidense no ha recibido respuesta.
La última vez que vi a Belén Aguilera en directo, casi todo salió mal. Fue en unas fiestas populares de Madrid, yo iba súper emocionado porque estaba entusiasmado como un adolescente con sus temas sobre salud mental. Me estaba aprendiendo de memoria canciones como ‘ANTAGONISTA’ o ‘INTELIGENCIA EMOCIONAL’. Lo de ‘METANOIA‘, que se estaba anticipando por aquella época, iba a ser otro level. Pero el sonido falló un par de veces, el concierto se tuvo que detener y la visibilidad y acústica reducidas propias de este tipo de conciertos gratuitos, al final, nos hizo abandonar.
Dos años después, Belén Aguilera no es que se haya resarcido probablemente con decenas de conciertos que salieron bien, que supongo que también, es que es directamente otra artista. Está presentando un proyecto muy diferente a ‘SUPERPOP‘, más ambicioso y esquinado. ‘Anela’ se publica este viernes, ahora bajo el paraguas de Sony, y este martes se realizó una fiesta de presentación a lo grande, en la Real Fábrica de Tapices de Madrid.
El show es sentado, para un público formado por algo de prensa, muchos invitados, fans selectos e influencers tipo La Pija y La Quinqui, a quienes debemos –no hay que olvidarlo– que haya un gobierno en España que respete un mínimo los Derechos Humanos. Los seguidores de Belén Aguilera son en gran medida queer, hay incluso alguna Drag Race como Hugáceo Crujiente, y el ambiente es distendido y propicio para que la artista termine llorando como una magdalena.
Sin hits ni referencias al pasado, casi sin dirigirse al público hasta los últimos instantes, el set se ciñe al completo a las canciones de ‘Anela’. Este proyecto se ha presentado como el más «lírico y místico» de Belén Aguilera, en general viene bien cargado de esdrújulas, muy visibles en títulos como ‘Ático’ y ‘Dramático’, y el escenario se ha diseñado ad hoc para estos efectos. Aguilera y un cuarteto de cuerda, formado por cuatro mujeres, visten todas de blanco estricto, y a falta de un piano, alguien ha ideado una estructura igual de blanca con forma de piano para acoger el teclado de la artista.
El «live» en sí no es aún el fuerte del show de Belén Aguilera, a la espera de lo que haga el mes que viene en el Movistar Arena. En este show escuchamos cuerdas que no están siendo tocadas en vivo, y viceversa. Hay mucho pregrabado. Sin embargo, los visuales acompañan, espectaculares y tenebrosos, muy sombríos, proyectados en una pantalla gigante no al alcance de cualquier recinto, y sobre todo la artista cumple en cuanto a lo vocal, con una muy meticulosa y trabajada combinación de voces en directo y coros pregrabados, desnudando unas composiciones que hablan sobre miedos interiores, sobre nuestro lado oscuro, sobre llorar y soltar, sobre encontrar la felicidad.
Así está dispuesto en un programa de mano que se reparte a la entrada y refuerza el valor teatral de este espectáculo. Hay ecos de José María Cano en el clasicismo de las composiciones, también del atrevimiento de una Mónica Naranjo, y algo de la electrónica de Björk en ‘Homogenic’ o Madonna en ‘Ray of Light’. ‘Laberinto’ sobrevivirá como hit medio bailable en su setlist del futuro, pero el fondo sigue siendo eminentemente espiritual, muy de mirar hacia dentro. Al final de ‘Soledad’, Belén Aguilera se derrumba por primera vez. Después lo volverá hacer al final, agradeciendo la presencia de su madre, el apoyo de Sony y de todos quienes la están acompañando en el camino. Una artista apasionada con lo que hace que da con ‘Anela’ un paso importante en cuanto a crédito artístico. Aunque tampoco es que necesitara ninguno más.
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