Cardi B ha protagonizado infinidad de memes durante los últimos días a raíz de un juicio civil del que ha salido victoriosa. Así, la demanda interpuesta por una exguardia de seguridad, que exigía una indemnización de 24 millones de dólares por un supuesto altercado con la rapera en 2018, ha sido desestimada por un juez de California.
La denuncia de Emani Ellis culpaba a la artista de presuntamente escupirle y arañarle la cara durante una discusión en un consultorio médico de Beverly Hills en 2018. El fallo, sin embargo, determinó que no existían elementos de agresión o negligencia suficiente como para condenar a Cardi B, absolviendo a la rapera de toda responsabilidad.
Ellis trabajaba en el centro médico y aseguraba que llegó a necesitar cirugía plástica por las heridas provocadas por las uñas de Cardi B. La artista, por otro lado, simplemente negó las acusaciones. Además, durante el juicio dejó algunos momentos tan graciosos como surrealistas que, por supuesto, se han viralizado en redes.
Más allá de lanzar un boli a los periodistas o jurar su inocencia por su «lecho de muerte», los momentos más icónicos de la rapera se dieron en los tribunales. Esta se encargó de contestar las preguntas de los abogados con la máxima sinceridad posible, como cuando le preguntan si llamó «gorda» a la demandante: «No, le llamé zorra». O cuando le interrogan sobre sus cambios de pelo: «Ayer tenías el pelo negro y corto, y hoy es rubio y largo. ¿Cuál es tu verdadero pelo?». Cardi B, sin creérselo: «Son pelucas».
"I did not touch that woman."
Cardi B spoke to reporters outside of court after being found not liable in civil suit. pic.twitter.com/kkliqL8Xip
¿Cómo es que se organizó una pre-escucha para prensa y fans del nuevo disco de Blood Orange en una ciudad como Barcelona? ¿Pero tantos seguidores mantiene Dev Hynes tras años desaparecido o dedicado a bandas sonoras, música clásica, escribir para otros? Una vez descubierto el contenido de su quinto disco con su principal alias, es claro que alguien ha entendido en ‘Essex Honey’ una de las obras más relevantes de 2025, por lo que consideró pertinente darle ese tipo de visibilidad. Reunir a un montón de gente para no hacer otra cosa que escuchar el álbum atentamente tenía sentido.
‘Essex Honey’ es uno de los pocos discos que últimamente se ha molestado un mínimo en posicionarse en el lado de la vanguardia. Se acerca al jazz y no con manidos ritmos de contrabajo, líneas de piano o saxos que aparezcan para hacer subrayados. Estos instrumentos pueden emerger cuando menos te lo esperas, cuando piensas que la canción ha acabado, generando melodías áridas pero intrigantes como algunas de las que encontramos hace 50 años en el ambicioso ‘Histoire de Melody Nelson’ de Gainsbourg.
De igual manera, los escasos beats electrónicos, por ejemplo el drum&bass que figura solo en la parte central de ‘The Last of England’, tampoco están cortados por el patrón de las playlists de 2025. Poco después de que Blood Orange haya logrado un par de virales con producciones antiguas (‘Champagne Coast’, ‘Charcoal Baby’), publica el disco más esquivo de su carrera, y a la vez el más estimulante.
Lo que termina de convertir ‘Essex Honey’ en un álbum tan importante es que no es un ejercicio esteta que colgar en la vitrina de un museo. Al contrario, puede ser al mismo tiempo su álbum más pasional y visceral, en tanto que versa sobre el fallecimiento de su madre en 2023. Mirad al chaval de la portada: camina cabizbajo con uniforme, con una pelota de basket en una mano, y un móvil en la otra. Ninguna de las dos cosas le aporta nada. En gran parte de este álbum, Dev Hynes habla de su deseo de volver atrás, de su negativa a aceptar que el tiempo se nos acaba o de su anhelo por volver a tener 13 años. «La realidad del trauma, el dolor y la pena» son los temas del álbum, como ha explicado en NPR. Una de las composiciones más claras sobre esto, ‘Somewhere in Between’, solo puede remitir a Stevie Wonder cuando incorpora la armónica.
‘The Last of England’ se abre con un audio en el que escuchamos hablar a su madre y a su hermana, antes de que la canción incorpore el piano y la mencionada sección drum&bass. Pero es importante también reseñar que no estamos ante un álbum narrativo o lacrimógeno. Lo que nos ofrece Blood Orange son meras pinceladas impresionistas de su pasado, que el oyente puede terminar de rellenar si así lo desea.
Su mayor carácter narrativo puede ser el musical, cuando los arreglos sorprenden como nos sorprende la vida, a veces para mal, y a veces para bien (ese corazón de tela que le dieron en el hospital al fallecer su madre). En ese sentido, las muchas voces invitadas funcionan como un instrumento más, a menudo en segundo plano, incluso pasando tan desapercibidas como la de Lorde. Su amiga Caroline Polachek es quien se queda el coro más agradecido, pues su agudo timbre siempre ha tenido un punto new age muy apto para la espiritualidad, y es su voz la que lleva temas como ‘The Field‘, con su bonito punteo de guitarra, y ‘Mind Loaded‘, a otro nivel. El mismo efecto que añade Mabe Fratti en castellano en ‘I Can Go’.
No se pueden pasar por alto las colaboraciones voluntarias e involuntarias que ha adoptado Blood Orange para este álbum. Sumar a Lorde y a Caroline Polachek y a gente tan guay como Tirzah (en ‘Life’), Brendan Yates de Turnstile (en ‘Scared of It’) o Ben Watt de Everything But the Girl (también en ‘Scared of It’) puede ser relativamente fácil para alguien con la agenda de Blood Orange, que al fin y al cabo ha producido o remezclado a todo Dios. Pero es que aquí también hay recuerdos a artistas que no están precisamente de actualidad, y que agradecen o habrían agradecido una reivindicación en un disco de estas características.
Cuando en ‘Mind Loaded’ Lorde canta «Everything means nothing to me» lo que se está haciendo es un recuerdo a Elliott Smith, escalofriante con la respuesta de Mustafa, el propio Blood Orange y el chelo. Cuando ‘Westerberg’ dice eso de «I’m in love / What’s that song?», es porque se está recordando ‘Alex Chilton‘ de Replacements: el homenaje en esa línea es doble. Yo La Tengo, New Order o Durutti Column a través de la referencia a ‘Sing to Me’ en ‘The Field’ son otros de los artistas rememorados en un recorrido por la música alternativa muy peculiar, cuando aún muchos siguen asociando a Blood Orange al R&B.
La vida que insufla la batería o el detalle de las flautas de ‘Vivid Light’ -con una frase leída por la escritora Zadie Smith- inclina el disco hacia lo clásico, mientras ‘The Train (King’s Cross)’, con sus guitarras eléctricas, lo hace hacia el indie. No parece que haya seguido ninguna norma Blood Orange, salvo la de su instinto, en un álbum con algunos pasajes bellísimos, sobre el paso del tiempo y el pasado que no podemos cambiar, en el que resuenan frases tan tristes como «ya no quiero estar en este mundo».
Miguel, el hombre que un día pareció salvar el R&B, está de vuelta. El autor de discos como ‘Kaleidoscope Dream‘ no publica ningún largo desde 2017, cuando salió ‘War & Leisure‘, aunque es verdad que sí ha sacado algún EP y algunos singles sueltos.
De ellos, según Pitchfork, solo ‘Always Time’ estará en el próximo disco que el artista sacará el 23 de octubre bajo el nombre de ‘Caos’, coincidiendo con su 40º cumpleaños.
En una nota de prensa ha dicho que para «reconstruir, tenía que destruirse a sí mismo», y esa es la confrontación de la que habla en ‘Caos’, donde se explayará sobre su evolución personal, y sobre cómo «la transformación es un proceso violento».
Miguel colaboró en el pasado con estrellas del tamaño de Travis Scott o Mariah Carey. El tema que las plataformas de streaming han convertido en su gran clásico ha sido ‘Sure Thing’, extraído de su debut ‘All I Want Is You’ (2010).
El caso de las endemoniadas de Loudun es uno de los episodios más célebres de posesión demoníaca colectiva de la historia. El suceso, que culminó con un sonado proceso de brujería y la ejecución en la hoguera de un párroco, sirvió de inspiración para la blasfema y enormemente polémica en su día ‘Los demonios’ (1971), una de las películas más reivindicables (disponible en Filmin) del hoy algo olvidado Ken Russell, con un Derek Jarman pletórico como director de arte.
La cineasta Autumn de Wilde, directora de ‘Emma.’ (2020) y habitual realizadora de los clips de Florence, parece haber conjurado el espíritu de histeria colectiva que impregnaba el filme de Russell, donde “everybody scream” mucho y muy fuerte, y lo ha reinterpretado en clave de folk horror gótico y brujeril.
Con una sensibilidad estética a medio camino entre el Robert Eggers de ‘La Bruja’, el romanticismo de las hermanas Brontë y una fiesta de Halloween de un pueblo de Yorkshire, ‘Everybody Scream’ es un aquelarre visual que eleva la noción de baile de San Vito a coreografía pop.
El videoclip puede leerse como una reivindicación del concepto de “histeria femenina” -tradicional arma patriarcal para acallar la rabia de las mujeres- convertido en elemento empoderador. Florence aparece como una “loca del coño”, liderando a un grupo de brujas ruidosas y descaradas que, al pasar de la naturaleza a la civilización, subvierten el orden establecido a grito pelado.
A destacar una escena de extraordinario poder metafórico: Florence vomitando “pensamientos” sobre el rostro del jinete. Maravilla.
¿Está Karol G en su «flop era», como sugería alguien hace poco en nuestros foros? Pues la verdad es que no. ‘Tropicoqueta‘ no parece que vaya a ser 4 veces platino como el anterior ‘Mañana será bonito’, pero dista mucho de ser un «flop».
El nuevo álbum de Karol G se mantiene en el número 4 de los discos más populares en España, en su 10ª semana de edición, y certificado como disco de oro. El platino ha de estar al caer. En Estados Unidos, aguanta en torno al top 60 del Billboard 200: no es Bad Bunny, pero tampoco ha caído con la velocidad de otras novedades.
En cuanto a singles, ‘Si antes te hubiera conocido’ sigue copando toda la campaña al resistir en el top 18 en España 62 semanas después de su lanzamiento. Pero también encontramos ‘Verano rosa’ con Feid en el número 27, ‘Latina Foreva’ en el 70, ‘Papasito’ en el 77… y desde esta semana tenemos una nueva incorporación en el top 100, procedente de este mismo disco.
Se trata de ‘Viajando por el mundo’, la canción que tiene acreditado a Manu Chao. Entra en el puesto 74 dos meses después del lanzamiento de ‘Tropicoqueta’, debido a que se está viralizando en TikTok. Con ella de fondo, la gente comparte imágenes de sus vacaciones, fotos de paisajes, aviones aterrizando y despegando y cosas así. Quizá por la fama de Manu Chao en nuestro país, ‘Viajando por el mundo’ solo está en listas españolas, a diferencia de otros temas del disco de Karol G. En cualquier caso, 5 singles del mismo disco en un top 100 y a estas alturas del verano, no es el concepto de «flop» más exacto, precisamente.
Volviendo a la lista española, ‘Tú vas sin (fav)’ de Rels B continúa en el número 1, ‘Me mareo’ de Kidd Voodoo y JC Reyes sube ya hasta el puesto 2, y rusowsky se aproxima al top 10 con ‘malibU‘: ya es top 12.
En cuanto a entradas nuevas esta semana, la que más recorrido parece que va a tener va a ser ‘Scat Pack’ de Clarent y Omar Courtz (30). También entran ‘Se lo juro mor’ de Feid (32), ‘Pórtate bonito’ de Anuel AA, con Blessd y Ovy on the Drums (65), ‘Dónde’ de Kapo y Ryan Castro (68), ‘Do You Remember’ de Xiyo, Fernandezz y Eix (80), ‘Yogurcito (remix)’ con Blessd, Anuel AA, Luar la L y demás (82), ‘Cosita linda’ de Elena Rose y Justin Quiles (94). Y finalmente, una sorprendente: ‘Antes de que cuente diez’ de Fito y Fitipaldis (98).
Sergio Ramos se ha lanzado al mundo de la música, suscitando el recelo de todo aquel que alguna vez usó la palabra «intrusismo». La red por supuesto se ha llenado de memes. Y es que el futbolista ha publicado esta semana un temita llamado ‘CIBELES’ que no desentonaría en ninguna playlist de novedades, dado su carácter tropical. Sin destacar para bien ni para mal (esto no es aquel desastre que un día presentó en TV Jesulín de Ubrique), Sergio Ramos García figura como co-autor del tema junto a Marval, bajo la producción de Ovy on the Drums, muy conocido por su trabajo con Karol G.
La letra tiene la gracia de parecer dedicada a una mujer pero en verdad versar sobre su relación con el Real Madrid. Se ve mucho más claro en el vídeo, que ha realizado Little Spain, nada menos que la productora de C. Tangana. No, no se ha andado con chiquitas (aunque lo de poner a la Cibeles a llorar, habrá sido idea suya, ¿verdad?).
De momento, hay una desproporción tremenda entre quien escogió ver el vídeo (1,5 millones de reproducciones) y quien decidió escuchar el tema en Spotify (50.000 reproducciones). Las razones parecen evidentes: la gente ha querido más «ver» a Sergio Ramos que oírle «cantar».
La producción de ‘Cibeles’ parece mirarse en Omar Montes, en algún fraseo en Shakira, como mucho en algún tema veraniego de Rels B. Para sorpresa del mundo, su playlist de influencias compartida con Apple Music revela que él en verdad viene de otro lugar muy distinto.
Sergio Ramos es todo un «90’s kid» en una playlist que reúne hits como ‘Always’ de Bon Jovi y ‘Se fue’ de Laura Pausini. No faltan más baladones como ‘More than Words’ de EXTREME ni ‘You Are Not Alone’ de Michael Jackson. ‘I Don’t Want to Miss A Thing’ de Aerosmith certifica que Ramos está muy marcado por la música que salió cuando tenía entre 5 y 9 años (nació en 1986).
Entre temas de otras décadas como ‘Bohemian Rhapsody’ de Queen o ‘The Final Countdown’ de Europe, la única concesión a la actualidad es ‘Si antes te hubiera conocido’ de Karol G. Lo único relativamente parecido a la música que, a la hora de la verdad, ha decidido hacer Sergio Ramos por alguna razón. ¿Esperará alcanzar el éxito, en realidad, también en este otro mundillo? Finiquitado lo del Bernabéu, ¿será su aspiración llenar el Metropolitano?
La decidida apuesta por músicos concursantes, además tan dispares, me hace volver a intentarlo con ‘Masterchef’, un concurso que empecé adorando y terminé aborreciendo. ¿La razón? Su guerra descarnada y sin piedad contra la conciliación, y la deriva de sus jueces, en especial Samantha Vallejo-Nágera y Jordi Cruz. Pepe más o menos supo mantener ese aura entrañable: sigue llorando por cualquier cosa. Pero a mi parecer, Paco Roncero, Eva Arguiñano y Damián Betular les han comido toda la tostada en simpatía, espontaneidad y honestidad.
Nada ha cambiado en esta 10ª edición de «Celebrity» y 13er. año de emisión en total. Ni con alguien tan cabal como José Pablo López al frente de RTVE, el programa logró acabar antes de las 2 de la madrugada. Su concursante Charo Reina se quedó traspuesta durante una prueba, y yo también. Cuesta entender quién demonios puede ser el target de todo esto a la 1.45 de la madrugada de un lunes, cuando hasta el peor antro que me pueda venir a la mente está cerrado.
El cásting, eso sí, no defraudó. Después de haber exprimido a personajes tan televisivos como Yolanda Ramos o Tamara Falcó, han dado con Torito, una de esas personas que nadie quiere cerca, empezando por el pobre violinista Necko, y que cuando se va, misteriosamente deja un vacío. Estuvo regalando picos a quien no lo había pedido, maldirigió la prueba de exteriores con más laca que Julieta Serrano en la escena de la moto de ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’, se lio a huevazo limpio con Parada porque por qué no y anuló cualquier intento de «attention-whorismo» que tuviera el resto de personajes faranduleros, deportistas y sobre todo actores. No querría ser Alejo Sauras o Valeria Ros mientras esta persona siga concursando.
Juanjo Bona, que ya lo había intentado en la edición infantil, no pudo ser más Juanjo Bona. Cantó a pleno pulmón en cuanto le dejaron, reivindicó esa Aragón a la que ha dedicado su disco, el recomendable ‘Recardelino‘, al sacar partido de unos desagradecidos cardos, y sorteó un beef que no venía mucho a cuento, sin perder los estribos. Resultó que Parada encontró una referencia que Juanjo hizo a su edad, edadista. La respuesta de Bona fue echarse a llorar, pero luego supo resolver. Recordó a quién había dedicado su tema ‘Mis tías’, contó lo que le gusta actuar en residencias y tratar con gente mayor. Al final decidió arreglarse con Parada, con la madurez que ya demostró en OT.
No sé si Mala Rodríguez habría reaccionado igual. Deseando estoy comprobar cómo resuelve conflictos en la pequeña pantalla, porque ella como «Mala» sabe dar dónde más duele. Recordad aquel día que en Instagram deseó lo peor que se le puede desear a nuestra redacción: que nos comiéramos un micropene. En ‘Celebrity’ empezó con un plato incomible, picante y soso a la vez, pero salió muy bien parada de la última prueba, con tan solo 3 ingredientes, mostrando que es cierto que guisa puchero para sus 3 hijos. Desconcertó más en algún momento alzacejas, como cuando se puso a hacer estiramientos en el suelo mientras aguardaba una valoración de los jueces. «Me estoy sintiendo Esperanza Aguirre», dirá por alguna razón en el próximo programa. Recuerda a esos gatos que actúan de manera random, y el final de la película ‘Inside Out’ intentó explicar: puede salir por cualquier lado y no le des más vueltas. Algo positivo para un formato de estas características, supongo. Sus caras a veces son un poema.
Soraya Arnelas rebosó simpatía, aunque no ha dejado de momento ninguna escena destacable, es decir, mantiene su perfil un tanto inocuo de ‘Bake Off’. Valeria Vegas también tiene que trabajar su carácter como personaje televisivo, y Carmina Barrios, como jueza invitada, robó el foco a los demás tirándole la caña a David Amor. La madre de Paco León decidió que el humorista le había dicho que «tenía todo grande», como él, cuando no había sucedido nada de eso.
Las 3 horas de programa, el equivalente a escuchar dos veces toda la discografía de, por ejemplo, Amy Winehouse, se completaron con Rosa Benito haciendo un muy bonito recuerdo a Rocío Jurado, Mariló Montero sorprendiéndose a sí misma con sus dotes para cocinar, y el mago Jorge Luengo sacándose cosas de la chistera que nadie le había pedido. Una pena que no fuera al final el primer expulsado…
Sigue sin morir del todo, sigue sin dejar indiferente ‘Masterchef’, y anoche arrancó con un enorme 16% de share. Ahora, a mí, que me suban resúmenes de 45 minutos a RTVE Play…
La policía está investigando la muerte de un hombre adulto en el festival Burning Man, que se celebra durante siete días en el desierto de Black Rock en Nevada. Este fue encontrado en «un charco de sangre» y las autoridades indican que podría tratarse del primer caso de homicidio en la historia del festival.
Los asistentes descubrieron a la víctima durante uno de los momentos más importantes del evento, la quema de la figura que da nombre al festival, y la policía lo declaró como «claramente fallecido». Las autoridades también aclararon que creían que se tratan de un «crimen aislado», a la vez que aconsejaban al público sobre mantenerse «alerta».
La identidad y la causa de la muerte del fallecido no han sido reveladas por el momento. Según USA Today, es la primera vez que existen sospechas sobre un homicidio durante Burning Man. Sin embargo, otras ocho muertes han sucedido en el festival desde 1996.
Mac DeMarco vuelve a sus orígenes en su nuevo disco, pero quedándose solo con la percusión, el bajo y la guitarra. En ‘Guitar’, el cantautor canadiense recurre conscientemente a la simpleza de las demos para construir un proyecto cálido y reconfortante. En este sentido, ‘Shining’ es de los mejores ejemplos. Es la Canción del Día.
Antes de ‘Guitar’, DeMarco cuenta que tenía preparado otro disco de 14 canciones que finalmente fue eliminado por estar «sobreproducido». Él mismo cuenta que sufría de «demoitis». De hecho, en Interview Magazine habló de que originalmente ‘Shining’ tenía un teclado. La ausencia del instrumento se ve clara en el estribillo, que resulta tan desnudo como pacífico y que habla de comprobar «si el sol sigue brillando sobre ella».
El resto de la canción se caracteriza por el falsetto ocasional del artista, que canta sobre un amor que se debilita: «Mi amor debe estar roto / ¿Qué ha pasado?». Por minimalista y calmada que resulte la composición de ‘Shining’, su melodía sigue siendo una de las más efectivas que DeMarco haya compuesto en sus últimos trabajos.
Fifth Harmony se han reunido gracias a los Jonas Brothers. Normani, Lauren Jauregui, Ally Brooke, y Dinah Jane aparecieron por sorpresa en el último concierto de los estadounidenses, confirmando los rumores que circulaban desde el año pasado sobre un posible regreso.
Uno de los últimos conciertos de los hermanos consiguió que Joe Jonas y Demi Lovato recordasen ‘Camp Rock’ después de más de una década. Ahora, ha hecho que la mayoría de Fifth Harmony vuelva a interpretar dos de sus mayores éxitos en el escenario: ‘Worth It’ y ‘Work From Home’. Camila Cabello, que dejó el grupo en 2016, no formó parte de la reunión. Sin embargo, apoyó a sus excompañeras con unos corazones en el post de Instagram del grupo.
Al mismo tiempo, también se ha especulado con una vuelta a los escenarios del grupo de forma oficial. Durante el concierto de los Jonas Brothers, Fifth Harmony desveló un nuevo logo y, posteriormente, puso a la venta merchandising con una pregunta que sugiere que quizá haya más preparado para el futuro inminente: «¿Dónde estuviste el 31 de agosto de 2025?».
Algunas portadas de discos siguen buscando convertirse en pequeñas obras de arte. No me refiero a obras de arte literales, a pinturas como las que decoraban las cubiertas de ‘Ys‘ de Joanna Newsom (2006), ‘Teenage Dream‘ de Katy Perry (2010) o ‘Melodrama‘ (2017) de Lorde, sino a imágenes muy elaboradas, narrativas y visuales, que cuentan una historia.
Este nuevo concepto de portada tiene tres rasgos claros: el encuadre panorámico con fondos paisajísticos o narrativos que aportan amplitud y profundidad; los autores aparecen de cuerpo entero, integrados en la escena; y, por último, son portadas pensadas para ser vistas en grande, sobre todo en un vinilo de 30x30cm.
Uno de los ejemplos tempranos de esta tendencia es ‘Titanic Rising‘ (2019) de Weyes Blood, donde la artista aparecía flotando en una habitación sumergida bajo el agua. También la edición deluxe de ‘Glory‘ de Britney Spears siguió esta idea de paisaje + cuerpo entero. En su caso, Spears aparecía liberada de unas esposas: no hace falta añadir nada más.
Estas portadas tan visuales, panorámicas y narrativas se han multiplicado en los últimos años, con ejemplos como ‘Desire, I Want to Turn Into You‘ (2023) de Caroline Polachek, ‘Harry’s House‘ de Harry Styles (2022) o ‘SOS‘ (2022) de SZA. Pero no ha sido solo cosa de la música internacional o del mainstream: las portadas de ‘FOMO‘ (2023) de Paula Cendejas o ‘Qué lástima‘ (2024) de Maren son igual de espectaculares y panorámicas, como para enmarcarlas y colgarlas en la pared.
En el último par de años la apuesta por portadas panorámicas se ha disparado: algunas cuentan historias intrigantes, como ‘Glory‘ (2025) de Perfume Genius o la portada alternativa de ‘Harlequin‘ (2024) de Lady Gaga; otras juegan con ilusiones ópticas, como ‘Si abro los ojos no es real‘ (2025) de Amaia; y otras pueblan sus escenas de personajes, como ‘Stampede‘ (2024) de Orville Peck o el aún inédito ‘From the Pyre‘ de The Last Dinner Party. Pero las auténticas reinas de las portadas este año están siendo Sabrina Carpenter y Taylor Swift, sobre todo con las ediciones alternativas.
Ambas han lanzado varias portadas alternativas de ‘Man’s Best Friend‘ y ‘The Life of a Showgirl‘, y la clave de esta tendencia está precisamente en el auge del vinilo: son portadas diseñadas para disfrutarse en gran formato, no en CD ni desde la pestaña de Spotify. La variedad de opciones permite a las discográficas vender el mismo disco múltiples veces; los vinilos alternativos abundan porque se venden a mayor precio y se agotan, y los artistas y diseñadores se frotan las manos imaginando nuevas maneras de contar la misma historia; los fans coleccionistas enloquecen.
Gracias al tamaño del vinilo, los diseñadores están experimentando con panorámicas, paisajes y detalles visuales que se pierden en formatos pequeños. Así, la portada deja de ser solo una “imagen de portada” y se convierte en un objeto artístico que el fan desea poseer en físico (muchos cuelgan los vinilos en la pared con marcos adaptados para decorar sus casas). Estas grandes imágenes permiten al público detenerse en los detalles del fondo, la composición y la narrativa, algo que no permite un simple retrato, al menos no de esta manera. Por supuesto, son muchísimo más llamativas en una tienda de discos.
Los artistas se están volviendo locos lanzando portadas alternativas espectaculares, que a menudo mejoran en calidad visual e impacto las originales disponibles en streaming. Es el evidente caso de la cubierta alterna de ‘The Art of Loving’ de Olivia Dean, una explosión de color que contrasta con la aburrida portada oficial. También las ediciones de ‘I Feel Everything’ de Maggie Lindemann (otra que, como Perfume Genius, aparece tirada en el suelo, todo un género visual en sí mismo) o ‘Deeper Well‘ de Kacey Musgraves -con la artista tumbada en el césped en posición fetal- son portadones: inmersivos, narrativos, obras de arte que invitan a descubrir un mundo.
Pero este tipo de portada no vive solo en ediciones alternativas: ciertos artistas, como Zahara con ‘Lento Ternura‘, siguen interesados en lanzar portadas únicas y 100% identificables que son declaraciones de intenciones, manifiestos visuales que representan el disco sin distracciones y de forma icónica, como tantos clásicos del pasado.
Este exceso de opciones ha generado críticas entre algunos melómanos, que consideran que el arte de la portada ha muerto porque ya es imposible publicar imágenes verdaderamente icónicas cuando un disco ya no se identifica con una sola portada, sino con varias. En este sentido, no deja de ser llamativo que la portada más icónica de los últimos tiempos, la de ‘brat‘ (2024) de Charli xcx, represente justo lo contrario de la tendencia actual, recurriendo al minimalismo extremo.
Sin embargo, el debate en torno a la cubierta principal de ‘Man’s Best Friend’ de Sabrina Carpenter ha demostrado que la variedad de portadas alternativas no ha restado impacto a la original. Por supuesto, la portada icónica sigue existiendo, y ahí están las de ‘Virgin‘ (2025) de Lorde, que no muestra un cuerpo entero, o la de ‘Cowboy Carter‘ (2024) de Beyoncé, que sí lo muestra. Ninguna sigue la tendencia de portada panorámica y narrativa, pero ambas comunican contundentemente el contenido de sus respectivos álbumes sin necesidad de imaginar universos visuales llenos de personajes, detalles y escenas en los que perderse.
Los dos primeros discos de CMAT fueron número 1 en Irlanda. A nivel internacional, ha sido poco a poco que le hemos ido pillando el punto. Un temazo como ‘I Don’t Really Care for You‘ por aquí, una colaboración con John Grant por allá, y este año esa fantástica gira en la que ha convocado a varios miles de personas han ido ensanchando su estatus.
Su tercer álbum ‘EURO-COUNTRY’ cuenta con la mejor colección de singles de toda su carrera. Cada uno de ellos es un himno por diferentes motivos. ‘Take a Sexy Picture of Me‘ habla de la esclavitud de las mujeres hacia su físico, de cómo ha lidiado con su cuerpo desde los 9 años para ser «sexy». Con un colorido vídeo y una actitud liberada, es uno de sus más obvios triunfos.
‘EURO-COUNTRY‘ es el tema titular y el más relevante que jamás haya escrito CMAT, pues es una crítica descarnada al capitalismo. También lo es a Irlanda, por lo que ha decidido meterle al álbum una intro sacada de un documental en el que se percibe «la rareza, la belleza y la calidez» de su país, al que, por si acaso hay dudas, adora sobre todas las cosas.
Inmediatamente después de esa intro «Billy Byrne», ‘EURO-COUNTRY’ es muchas cosas a la vez, y todas ellas muy potentes: un recuerdo de las muchas personas que se suicidaron a raíz de la crisis económica de 2008; una crítica a políticos como Bertie Ahern; y una reflexión sobre la razón que ha llevado a CMAT a intentar emular a las estrellas del pop de Estados Unidos, sin ser ella nada de eso. «Creo que podría morir intentándolo, ojalá no fuéramos así», plantea en la que es una de las mejores canciones de 2025.
‘Running/Planning’ se pregunta por los pasos automatizados que siguen las parejas heterosexuales, con una progresión de acordes e intensidad que lleva a un gran clímax. Y hablando de progresiones interesantes, en ‘The Jamie Oliver Petrol Station’ CMAT ha dado con una canción tan épica que le va a servir para abrir y cerrar conciertos de por vida. La letra es una sorpresa: versa sobre la manía que le ha cogido al famoso cocinero, a raíz de topar con sus productos por doquier durante la gira anterior. Al final ella misma recula y asegura que está mal odiar. «No seas tan zorra, piensa que tiene hijos», dice el divertidísimo estribillo. Después, ha terminado asegurando que esta canción de odio es «una canción de amor a Jamie Oliver en verdad, si lo piensas». JA-JA.
Todo esto ya lo sabíamos antes de la salida del álbum. El resto de ‘EURO-COUNTRY’ no es tan político como prometía. De hecho, ella misma dice ya no reconocerse en la despechada ‘Tree Six Foive’ -una canción que ha llevado a la pronunciación irlandesa tras triunfar ‘365’ de Charli XCX-; tampoco en ‘Ready’, que escribió durante la covid y contiene un mensaje optimista sobre salir adelante; ni tampoco en ‘Coronation St’, que escribió cuando tenía 23 años, y ya fue descartada del disco anterior.
Recuperar algunas de estas viejas composiciones ha sido un acierto. ‘Ready’ aporta ese toque ligero en la segunda mitad y ‘Tree Six Foive’, como también ‘When A Good Man Cries’ -sobre hacer llorar a su chico- terminan de llevar el disco hacia el country, estilo que tampoco aparece en todas las canciones. Porque es verdad que el ambicioso concepto de ‘EURO-COUNTRY’ peligraba: a veces ni es tan «euro», ni tan «country».
CMAT ha sido hábil introduciendo la odiada marca Tesla en la canción dedicada a un amigo que falleció (‘Lord, Let that Tesla Crash’), por la rabia que le dio topar con un Tesla a las puertas del apartamento que ambos solían compartir. Y el álbum termina repitiendo varias veces la frase «I’ll make us country anyway» en el tema titulado ‘Janis Joplining’. Otras veces no estamos más que ante un bonito y sencillo disco sobre el desamor y la amistad, como sucede en ‘Iceberg’, dedicada a su mejor amiga de la infancia.
Bad Bunny continúa teniendo el disco más popular del país y ‘Debí tirar más fotos‘ repite en el número 1 una semana más. Además, es la mayor subida en número de copias de estos días, camino hacia el 6º platino.
La entrada más fuerte es la de Stray Kids con ‘Karma’ en el número 6. La boyband surcoreana es top 1 del Billboard 200, en Francia, Australia, Bélgica y Alemania, y ha quedado en el puesto 22 en Reino Unido. Solo en Corea del Sur han vendido más de 2 millones de copias en una semana.
Fuera del top 10, directos al número 13 en España, encontramos a Deftones con ‘Private Music’. El disco de Deftones ha llegado al número 2 en Reino Unido y al top 5 en lugares como Francia o Alemania.
Laufey llega al puesto 26 en España con ‘A Matter of Time’. La artista de jazz pop puede presumir de tener el vinilo más vendido del país, por delante de Deftones, que quedan en el número 2.
Sombr, que ha agotado las localidades para su próxima gira por España, en discos es únicamente top 42 con ‘I Barely Know Her‘. Su nuevo álbum ha quedado en el top 10 en Reino Unido y ha llegado al top 6 en Australia, pero no ha llegado tan lejos en Alemania (25), Francia (37) o Italia (50). Parece que aún le falta para ser un artista global de primera línea.
Por su parte, Wolf Alice han de conformarse con el número 48 en nuestro país con su cuarto álbum ‘The Clearing‘. El disco sí es número 1 en Reino Unido, donde es su segundo álbum en lograr la cima; y top 10 en Alemania. En Australia son top 14 y en Italia top 23, pero en Francia pinchan y quedan en el puesto 109.
Una entrada llamativa en España es la de ‘Don’t Click Play’ de Ava Max, que llega al número 59. En Reino Unido ha quedado fuera del top 100, y de hecho España es su mejor mercado, solo por detrás de Austria (27), Suiza (28) y la parte francesa de Bélgica (25), empatando con Alemania (59). Destaca su distribución en vinilo, que la lleva al puesto 27 en esa sublista española.
La lista de entradas de la semana en España se completa con ‘Legacy: The Creedence Clearwater Revival years’ de John Fogerty, en el puesto 73, y ‘Rosa & Rojo’ de D. Valentino, en el 91.
Este 30 de agosto ha terminado el que será el último tour de Cyndi Lauper. ‘Girls Just Wanna Have Fun Farewell Tour’ se ha desarrollado a lo largo de 69 fechas desde el año pasado, visitando primero Norteamérica, luego Reino Unido, algunos países europeos -sin parada en España-, Australia, Japón y finalmente Norteamérica de nuevo. El Hollywood Bowl de Los Ángeles ha acogido el show final, y ha contenido varias sorpresas.
El setlist habitual, de 16 canciones, ha incluido esta vez ‘Carey’ junto a Joni Mitchell, ‘Time After Time’ con John Legend, ‘True Colors’ con SZA y finalmente ‘Girls Just Want to Have Fun’ con Cher. Ahí es nada. También hubo una quinta colaboración con el telonero Jake Wesley Rogers en una versión de ‘Money Changes Everything’.
SZA y John Legend cumplen su cometido de demostrar que ‘True Colors’ y ‘Time After Time’ son temas universales y válidos para cualquier tiempo, también para sus fans más jóvenes.
Las apariciones públicas de Joni Mitchell son hace tiempo muy contadas, lo que hace su colaboración muy simbólica. Pero hay que destacar especialmente el fin de fiesta que regaló Cher, interpretando «Girls» como si fuera suya.
Fue el fin del concierto, con sección de humor, y participación popular. «Tú eres la reina», dijo una. «No, tú eres la reina», respondió la otra. Cher, por cierto, gritó al final: «os veo pronto». Y es que ella también está grabando el que se supone que va a ser su último trabajo de estudio, y pronto debería haber noticias sobre el mismo.
what do you MEAN Cyndi Lauper brought out SZA for her final show 😭😭 Singing True Colors I love her so much😭 pic.twitter.com/kVTSFGFQxs
El 25º aniversario de Ochoymedio, con JENESAISPOP como medio oficial, no solo va a reunir conciertos de lo mejor del pop español de todos estos años, como Los Punsetes, Mujeres o Miqui Puig. También va a descubrir o contribuir a asentar a artistas nuevos. Es el caso del dúo JUVENTUDE, que ya te habíamos introducido en alguna que otra playlist, y actuará el próximo 23 de octubre en la Sala Upper como parte de este ciclo. Para entonces ya estará en la calle su esperado debut, que llegará el día 3 de octubre.
El grupo sevillano compuesto por Ángel y Nico se estrenó en 2024 con ‘La motillo’, que interpolaba un fragmento del popular villancico «Pero mira cómo beben los peces en el río», solo que sumando «y yo con mi cubata». Un estribillo llamado a ser un fiestón de sus directos. No es el único.
Desde entonces han dado a conocer diversas canciones, como la notable ‘Dicen de ti’, que pululan entre el rock, la psicodelia, el pasodoble y otras formas de folclore. El álbum estará producido por Iñigo Bregel de Los Estanques, y te gustará si te gustan formaciones como Califato 3/4, Morreo o Elastic Band.
Últimamente han presentado sencillos como ‘Reina de mis males’, pero el tema que escogemos como Canción del Día es ‘Morir en primavera’, por lo que tiene de apabullante. El dúo cuenta que un día, mientras estaba concentrado en una partida de ajedrez, le vino a la mente la banda sonora de ‘El violinista en el tejado’ y a partir de ahí decidieron llevársela a su terreno.
La letra de ‘Morir en primavera’ se compone solo de un par de frases, aunque tan grandilocuentes como el sample que manda y ordena casi a modo de guantazo, versando sobre la muerte:
«Hoy voy a subir al cielo por tu calavera
Cantando me despido de la gente que me quiera
Porque voy a amarte hasta el día que me muera
Pero si tengo que morir, coño, que sea en primavera».
Efectos especiales y samples terminan de ornamentar esta canción de poco más de 2 minutos de duración, y que también presentarán el 17 de octubre en la Sala Malandar de Sevilla. Os dejamos con el tracklist del álbum editado por Calaverita Records, del que se han adelantado hasta 6 singles.
Cara A
1- Los Reyes Magos
2- La motillo
3- Mis pecados
4- Los potrillos
5- Reina de mis males
6. Cassius Clay
7- Morir en primavera
Cara B
8- Cariño
9- Dicen de ti
10- Te quiero Juli
11- El día de la aventura
12- Ana mi amor
13- Bello lugar
Spotify informa de que ‘Blinding Lights’ de The Weeknd es la primera canción de la historia en superar los 5.000 millones de streams en la plataforma. Ya sabíamos que era el tema más reproducido en la plataforma sueca, que hace unos años empezó a dejar muy atrás las cifras de Youtube. El vídeo de ‘Despacito’ se acerca a los 9.000 millones de streams en Youtube tras 9 años, pero esa cifra es ya inimaginable para un vídeo actual.
Un vistazo a las canciones más reproducidas de la historia de Spotify, es decir, qué canciones suponen una amenaza para el reinado de The Weeknd, deja claro que su principal competidor está muy lejos. ‘Shape of You’ de Ed Sheeran está en 4.500 millones de streams pero tanto esta canción como la de The Weeknd siguen sumando 1,5 millones de streams diarios sin ventaja clara de ninguna. Están empatadas en popularidad ahora mismo, luego el liderazgo del hit de The Weeknd va para largo.
Por otro lado, un análisis del top 10 deja un gusto amargo en un verano ya muy amargo para Spotify, en tanto que ninguna artista femenina, ni una sola, figura en el mismo. Lo único que podríamos aceptar como colaboración femenina es el sample de un tema antiguo de Kyla que se metió en ‘One Dance’ de Drake. Pero es que el tema original era ‘Do You Mind’ de 2008 y no es el que aparece aquí, obviamente.
La primera mujer que realmente encontramos en la lista de temas más reproducidos de la historia de Spotify lo hace en el número 13. Es Billie Eilish, solo que acompañada de Khalid en ‘Lovely’. Después, Halsey es top 14 con ‘Closer’, una colaboración en la que The Chainsmokers son el artista principal.
Si nos ceñimos a artistas femeninas absolutamente en solitario, la australiana Tones and I aparece en el número 16 con ‘Dance Monkey’ (era top 3 en esta lista hace unos años, pero ha empeorado visiblemente su posición); Taylor Swift en el puesto 29 con ‘Cruel Summer’ y Dua Lipa en el puesto 30 con ‘Don’t Start Now’. Lo demás es un campo de nabos, y es en parte porque su algoritmo no prima precisamente la igualdad.
Esta lista contrasta ligeramente con la reciente de los temas más reproducidos de la historia de Apple Music, donde encontrábamos ‘bad guy’ de Billie Eilish en el top 10 y ‘7 rings’ de Ariana Grande en el número 19. Os dejamos con el top 10 actual histórico de Spotify:
1.-The Weeknd / Blinding Lights 5.000.000.000
2.-Ed Sheeran / Shape of You 4.500.000.000
3.-The Weeknd, Daft Punk / Starboy 4.000.000.000
4.-Lewis Capaldi / Someone You Loved 4.000.000.000
5.-Harry Styles / As It Was 4.000.000.000
6.-The Neighbourhood / Sweater Weather 4.000.000.000
7.-Post Malone, Swae Lee / Sunflower 3.900.000.000
8.-Drake, Wizkid, Kyla / One Dance 3.800.000.000
9.-The Kid Laroi, Justin Bieber / Stay 3.700.000.000
10.-Ed Sheeran / Perfect 3.600.000.000
¿Acabas de llegar de vacaciones, has desconectado todo lo que has podido y no sabes ni por dónde empezar con la actualidad musical? Llegado el mes de septiembre, recopilamos en nuestra playlist LO MEJOR DEL MES todas las «Canciones del Día» de los meses de julio y agosto. Dado el éxito de los temas de Chappell Roan o Sabrina Carpenter, preferimos empezar por otras canciones que han tenido menos visibilidad, como las de googly eyes, que cuenta con créditos de Tove Lo y Flume, o la de Sudan Archives. Tame Impala, Ava Max, Sigrid y Lola Young han contribuido a un verano alternativo.
En cuanto a artistas nacionales, y dado que rusowsky ya estuvo en la playlist de junio, recomendamos Rojuu, Julieta, Hidrogenesse, dani dicostas, Belén Aguilera o, por supuesto, Bad Gyal. La Paloma están entre los lanzamientos más esperados de este otoño. Os dejamos con el listado y la correspondiente playlist, también disponible en Apple Music.
googly eyes / I Don’t Go Out
Amaarae / Girlie-Pop!
CMAT / EURO-COUNTRY
Sudan Archives / MY TYPE
Sofia Kourtesis / Corazón
Tame Impala / End of Summer
Bakar / Lonyo!
Rojuu / Lucky
Hidrogenesse / Imaginado es todo
Doja Cat / Jealous Type
Ava Max / Don’t Click Play
Sabrina Carpenter / Tears
Chappell Roan / The Subway
Tyler, the Creator / Ring Ring Ring
Alizzz / Callaito
Justin Bieber / DAISIES
dexter in the newsagent / Special
Indigo de Souza / Heartthrob
Florence + the Machine / Everybody Scream
Ethel Cain / Fuck Me Eyes
Lola Young / dealer
Sigrid / Jellyfish
ADÉLA / SexOnTheBeat
Six Sex, MCR-T / Bitches like me
Kim Petras / Freak It
Reneé Rapp / Kiss It Kiss It
Ferdous / Carousel
bar italia / Fundraiser
Austra / Math Equation
TSHA / Revolution
Georgia / Wanna Play
BLACKPINK / JUMP
Sugababes / Shook
Mariah Carey, Shenseea, Kehlani / Sugar Sweet
underscores / Music
Gelli Haha / Bounce House
Wet Leg / davina maccall
Laufey / Lover Girl
Loaded Honey, Lydia Kitto / Don’t Speak
Belén Aguilera / Dama en apuros
Tommy Richman / Miami
J Balvin, Gilberto Santa Rosa
Bad Gyal / Da Me
Roy Borland / Considérame
Zara Larsson / Midnight Sun
Turnstile / I CARE
Hayley Williams / Glum
El Gavira, Ruïnosa y las Strippers de Rahola / Las nazis rubias
Silvana Estrada / Lila Alelí
Remy Bond / Moviestar
Alex G / Afterlife
Conan Gray / Vodka Cranberry
La Paloma / Elegante
Barry B / Monster Truck
Dijon / Yamaha
Maruja / Saoirse
Jens Lekman / Candy from a Stranger
Nick León, Erika de Casier / Bikini
Amaarae, Bree Runway, Starkillers / Starkilla
Julieta / Bikini Rojo
dani dicostas / Clímax
The Last Dinner Party / This is the Killer Speaking
Ed Sheeran / A Little More
El segundo disco en solitario de Jehnny Beth tras la separación de su banda Savages nos muestra una versión más agresiva, enfadada y ecléctica de la cantante. ‘You Heartbreaker, You’ es un álbum dispuesto a desestabilizar al oyente, a liberarlo, a enfurecerlo. En JENESAISPOP nos reunimos con la artista para conversar sobre su proceso de creación. Entre muchos de los temas que comentamos, Beth nos cuenta sus intenciones artísticas y sus múltiples influencias, reflexiona sobre el gran momento que vive el rock contemporáneo o y nos confiesa por qué se niega a conocer a Courtney Love.
Empecemos por el sugerente título, ¿por qué ‘You Heartbreaker, You’?
La gente a la que quieres, siempre encuentra una manera de romperte el corazón. Creo que la idea o la ilusión de querer a alguien, implica que te va a hace daño. Pero más que eso, creo que lo que me interesó -retrospectivamente, porque cuando estás haciéndolo, no lo sabes- es la conexión entre el amor y la violencia. Y la idea de que nuestro acercamiento al amor de alguna manera sigue funcionando a un nivel prehistórico.
¿Has visto la portada, no? Cuando estábamos grabando en nuestro estudio con Johnny Hostile, hicimos algunas fotos. Esta fue la primera que me hizo y pensamos que era genial, como un brochazo en un cuadro, así que la usamos para la portada.
Voy a contar una pequeña historia. Mientras hacíamos el disco, estábamos en Londres y caminando por la calle vimos un coche cubierto con una capa de cemento. Nos acercamos pensando «¿qué coño es esto?» Alguien había escrito con el dedo, antes de que el cemento se endureciera “You cheating bastard, I’m pregnant with your child (Cabrón infiel, estoy embarazada de tu hijo)”. No sabíamos si reírnos o tener miedo, pero hicimos fotos, y al volver al estudio volví a pensar en ello. Y creo que era la mejor expresión de esa idea que te decía. Me recordó a las pinturas cavernícolas, a algo muy primitivo. Luego busqué en internet y vi que había una biblioteca entera de coches marcados tras una ruptura o divorcio, como con un gran “CUNT” pintado ahí o cosas así. El tío luego tendría que ir a trabajar con eso escrito. Pensé “guau, qué violento”. Así que el grafiti de la portada viene de que le pedí a un amigo que me pintara eso en el coche, y el diseñador Brian Ruttinger lo cogió y lo puso en la portada.
Y “you heartbreaker, you” es decirle a alguien que te está rompiendo el corazón pero aun así tienes ternura por esa persona, porque amar a alguien es aceptar que te hagan daño.
Mencionas la violencia, este disco es más violento que el anterior…
Oh, totalmente, mucho más. Sí, mucho más, ¿estás más enfadada?
[risas] Me hace gracia que digas esto porque le puse el disco a Karen O de Yeah Yeah Yeahs y su primera reacción fue: “Jehnny, sigues teniendo un acceso directo a tu ira”. Le maravilló eso y a mí me sorprendió que lo dijera pero me di cuenta de que tenía razón. No sé por qué. Creo que tenía que hacer música que me despertara. Espero que este disco te agarre de los hombros y te sacuda. Ser un despertador, en cierta manera. Es tiempo de punk rock. Como dice Henry Rollins, es tiempo de estar alerta y despierto. Además, vivimos en una época donde prestar atención es muy difícil, incluso para escuchar una canción hasta el final. Queríamos crear música que llamara la atención de la gente. En el estudio pensábamos: «si nos aburrimos lo borramos». Fue difícil, eliminamos muchas cosas, pero la idea era no hacer del arte una papelera para nuestro propio tumulto. No usar el arte para intentar resolver nuestros sentimientos. Lo hacemos para que lo disfrutes, hacemos canciones que sean herramientas para conversar, para hacer pogos, para que tengan un propósito. No es un diario, porque nadie quiere leer mi diario, te lo prometo.
Debe ser liberador cantar este tipo de música punk, ¿cuál es tu aspecto favorito de interpretar en directo?
Me encanta estar en el escenario o estar en el rodaje de una película. Me encanta interpretar. Pero necesitas ojos externos para asegurarte de que no eres la única que se lo está pasando bien, porque eso no le importa a nadie. Necesitas alimentarlo con algo nutritivo. La música ahora mismo necesita ser buena comida, ser nutritiva. Es como elegir comer comida rápida o cosas que son saludables para ti. Para mí la música es igual, ten cuidado con lo que escuchas porque puede cambiarte. La interpretación es lo mismo. Es darle a la gente algo que les pueda ayudar o iluminar. Es para lo que sirve el arte, para abrirte los ojos.
«La música es como elegir entre comida rápida o cosas que son saludables para ti: ten cuidado con lo que escuchas porque puede cambiarte»
¿Crees que el panorama en la música rock ha cambiado para las mujeres desde que empezaste?
Es interesante, cuando estaba en Savages la gente decía que el rock había muerto, algo que era bastante raro ya que “hola, lo estábamos haciendo”. A Foo Fighters y a Oasis les invitaban a hablar y todos decían “sí, somos los últimos rockeros que quedan”. Y yo no estaba de acuerdo. Pero unos años más tarde llegaron Idles, Fontaines DC o Turnstile, que está siendo su verano. Es genial. Hay una gran escena ahora mismo. Estoy muy feliz de sacar un disco de guitarras.
Me siento rodeada de grandes e increíbles bandas que hacen música innovadora, que además mezclan géneros. Hay un grupo irlandés realmente genial llamado Enola Gay. Es como que antes iban a fiestas rave y ahora hacen post-punk con influencia rave. Igual que Yard, que también lo mezcla con voces de influencia hip hop por encima. Creo que eso es muy emocionante. Es música punk, pero tiene este rollo de tomar los instrumentos del punk y convertirlos en algo nuevo.
«Cuando estaba en Savages la gente decía que el rock había muerto, algo que era bastante raro ya que “hola, lo estábamos haciendo”. Hay una gran escena de rock ahora mismo. Está siendo el verano de Turnstile»
Esto también se escucha en tu disco, pese a su cohesión es bastante ecléctico. ‘No Good for People’ por ejemplo, tiene cierto estilo dance, ¿tenías alguna referencia en mente?
Sí, muchas. Para la voz escuché mucho a Mike Patton [vocalista de Faith No More]. A nivel vocal tiene una de las mejores técnicas pero también le pone mucha alma. Es capaz de pasar de un suspiro a un grito en un instante, es impresionante. Me gustan esos extremos. Chino de Deftones también tiene esa capacidad, y la de mantener una nota muy larga, algo que también hacen Turnstile. Y de Jonathan Davis de Korn, me gusta la aspereza. Me gusta mucho eso, como cambiar de personaje [en una sola canción]. Dos periodistas me han preguntado que quién cantaba conmigo en ‘Obsession’ y ‘Out Of My Reach’, y les tuve que decir que era solo yo.
La primera vez que escuché el álbum yo también lo pensé, pero luego me di cuenta de que eras solo tú…
No me lo esperaba [risas]. Pero volviendo a las influencias, creo que la protagonista en este disco es la guitarra. Realmente quería hacer un disco de guitarras y hablé con Johnny Hostile desde el principio sobre ello, porque él toca todos los instrumentos en el álbum. Y le dije: «me encantaría que empezaras a escribir con guitarras ahora». Y lo hizo. Hay como dos partes: el sonido shoegaze, con guitarras difusas, al estilo de Deftones; pero también están esos riffs de guitarra como para “headbanging”.
“He evitado muchas veces conocer a Courtney Love”
También escucho algo de Hole en el disco.
Enorme respeto a Courtney Love. He evitado conocerla muchas veces.
¿En serio? ¿Por qué?
Porque soy muy tímida y ella es una persona muy expresiva. Tenemos mucha gente en común y nunca me he atrevido. La respeto mucho. Creo que dijo muchas cosas muy pronto. Influenció a Kurt Cobain a meterse en la primera línea del feminismo. También habló muy pronto de Weinstein, antes que nadie. Y por eso fue muy marginada. Es muy valiente en muchos sentidos e influyente. Y qué cantante. Su capacidad para pasar de lo melódico al “vocal fry” es realmente impresionante. No hay cantantes ahora mismo como ella, con ese nivel de fama que tenía, saliendo en la radio y en la televisión. Necesitamos a más mujeres sin filtros. Las mujeres pueden estar enfadadas y hacer rock también. Ella fue una pionera en eso.
¿Cómo te ves como artista en solitario en este segundo álbum? ¿Ha cambiado tu perspectiva durante estos años?
Mi deseo con ‘To Love Is To Live’ era que fuera muy colaborativo, porque había estado en una banda durante varios años y trabajando solo con esas personas. Se convirtió en algo realmente abierto: había tres productores en el álbum, Johnny Hostile, Flood y Atticus Ross, con Joe de Idles viniendo a cantar, con Cillian Murphy leyendo algo…
Haciendo este disco [‘You Heartbreaker, You’], en cambio, éramos solo Johnny y yo en el estudio. Y fue a propósito. Había una intención. Era una manera de preservar la integridad y la radicalidad del álbum, porque cuanto más abierto estás a las opiniones de los demás, más puedes diluir la visión. Por eso probablemente este disco resulta más cohesivo, espero.
Pero siempre recurro a algunas personas a las que les muestro las cosas en una etapa muy temprana del proceso. Una de ellas es Atticus Ross. Siempre le enseño las demos. Es una persona muy amable que sabe lo que implica hacer música. Me gustan sus comentarios porque siempre son extremadamente radicales, pero expresados con mucha amabilidad. Además es un artista muy versátil también. Lo respeto enormemente. Siempre tiene grandes ideas y nos orienta en el camino. No es del tipo “yo haría esto”, sino que más bien sugiere cosas sabiendo lo que nosotros podríamos hacer. Eso resulta muy inspirador. Otra persona es Dave Sitek. Ha ayudado mucho en este disco simplemente escuchando y dando su opinión.
¿Qué consejo le darías a una versión de ti misma al principio de tu carrera?
Cree en ti misma. Es algo que todavía me digo ahora. No hagas demasiado, no intentes demostrar demasiado. No necesitas hacerlo. Las cosas llegarán, y si haces algo, la gente lo verá. Funciona así. Y dejar de pelear. Creo que ese es un buen consejo.
Según Jehnny Beth, querer a alguien es abrirse a que te rompan el corazón, ya que por mucho amor que haya entre dos personas, es inevitable en ocasiones sentirse dolido o decepcionado. Sin embargo, no hay nada más poderoso que ese sentimiento incontrolable, incomprensible y a veces violento que es la pasión.
“Dijiste que nunca te atreverías a golpearme en una costilla rota, pero me diste una costilla rota de tanto amar” reprocha a su pareja en el agresivo rock industrial a lo Nine Inch Nails de ‘Broken Rib’. Una presentación que ya pone sobre lo mesa uno de los temas más significativos del proyecto: la ira. Beth canaliza toda su rabia en 9 canciones empeñadas en generar una atmósfera densa, cerrada y asfixiante. Y al mismo tiempo, es un proyecto que no oculta su voluntad de satisfacer al público, empleando estructuras efectivas y usando ganchos atractivos para los amantes del género.
En ‘Obsession’, que comienza con la voz de la cantante en un registro gravísimo, casi irreconocible, Beth propone un claro contraste entre una letra romántica y apasionada (“No sé por qué soy tan femenina, estoy desesperada por saber cuándo estaremos juntos, no digas que nunca”) y una producción cargada de tensión, con sonidos de guitarras discordantes y violentas percusiones. ‘I Still Believe’ presenta una fórmula parecida con un sonido post-punk donde sobresale la expresiva interpretación de la artista.
Pese a la cohesión sonora de ‘You Heartbreaker, You’, la excantante de Savages se atreve a incorporar a lo largo de todo el proyecto varios toques de diferentes géneros, incluido el pop. ‘No Good for People’ se apoya en un frenético beat electrónico e incorpora sintetizadores, donde Beth se autodefine como “demasiado crítica” con la gente. El resultado es refrescante, aunque ligeramente frustrante: justo cuando parece que la canción va finalmente a explotar, se acaba, sin terminar de desarrollar las buenas ideas que planteaba. Más satisfactoria es la noventera ‘Out Of My Reach’, que deja a un lado el sonido ruidoso del resto del álbum y ofrece un gran estribillo melódico.
En general, Beth se luce principalmente con las canciones más oscuras y sugerentes como ‘Stop Me Now’, donde se pregunta cuántos años más va a durar con su pareja sobre unos metaleros riffs de guitarra, o en ‘High Resolution Sadness’, el momento más rabioso y potente del álbum. Una canción donde la voz de la artista se vuelve gutural imprimiendo una urgencia que sacude y descoloca (en el buen sentido).
‘You Heartbreaker, You’ llega en un momento trágico y preocupante en un mundo cada vez más deshumanizado. Pese a no contar con un componente político de por sí, la propia artista ha comentado que dados los tiempos oscuros en los que nos encontramos, tenemos que aprender o bien a gritar muy bien o a susurrar. Ella ha optado por lo primero, y el resultado es un disco directo y punk que duele y cruje como una costilla al romperse.
‘BLACK STAR’ de Amaarae, recientemente puntuado con un 8,3/10 por nuestro redactor Jordi Bardají, es nuestro Disco de la Semana. Es verdad que sus mejores bazas llegaron antes de la salida, como ‘S.M.O.‘ o ‘Girlie-Pop!‘, y es verdad que el álbum va perdiendo impacto hacia su final, en concreto tras la aparición de ‘Fineshyt’.
Pero también que aún nos queda alguna pieza por destacar: tras el focus track ‘Starkilla‘, ‘She Is My Drug’ es nuestra Canción del Día para este domingo.
El tema que interpola de manera nada discreta ‘Believe’, nada menos que el mayor hit de Cher, es una de las 3 co-producciones de El Guincho para ‘BLACK STAR’. Las otras son ‘Starkilla’ y la final ‘Free the Youth’. En ‘She Is My Drug’ construye un tema sensual, lleno de referencias sexuales como «wet when you say my name» o esa constante alusión al goteo de «lluvia» que cada cual puede interpretar como quiera.
El autor principal de ‘Believe’, Brian Higgins, que está convenientemente acreditado, ha consentido que se cambie la letra original de la canción, que de manera icónica se preguntaba «¿crees en la vida después del amor?». Lo que Amaarae se pregunta en cambio es «¿crees en el amor sin drogas?», respondiéndose cual Troye Sivan «I can feel the rush and I lean into you» («siento la adrenalina y me inclino hacia ti»).
Aunque ‘BLACK STAR’ se ha concebido más bien como un álbum sobre Ghana y la cultura negra (como deja muy claro su portada y su título), que como un álbum sobre la cultura queer (parece que Amaarae se define como «fluid, hetero y cis»); en la constante unión de sexo y drogas de sus letras, algunos pueden ver de manera muy libre un disco sobre el «chemsex». ‘She Is My Drug’ sería el mayor exponente de esta teoría.
Cuando en 2018 Alanis Morissette se cortó su larga melena, muchos de sus fans reaccionaron como los de Britney el-año-que-se-volvió-loca. Bajo su pelo no emergió una señora calva, chiflada y peligrosa, como describió la prensa sensacionalista a Britney, sino una “viejecita” de 43 años. Este síndrome de Rapunzel está presente en el nuevo videoclip de Chappell Roan, quien comparte con Alanis algo más que una melena icónica.
En ‘The Subway’, Chappell aparece como una versión extrema de la Lilith bíblica, una suerte de Lady Godiva neoyorquina que persigue al fantasma, también melenudo, de un amor roto. El vídeo juega con el pelo como metáfora de una pesada carga emocional, la representación física de un estado de ánimo. Un pelo que impide ver claramente, que estorba, se ensucia, se enreda y se queda atrapado en la puerta de un taxi como la protagonista en sus propios recuerdos.
Chappell se arrastra por la vida y trepa por el cabello verde infinito de su amada, evocando el cuento de los hermanos Grimm, hasta que alcanza una catarsis, una revelación representada como una explosión de baile y sensualidad en un entorno tan gris como el metro. Al final, al tiempo que grita “She’s got away”, Chappell aparece por primera vez con el pelo corto. Liberada.
La Paloma publican su segundo disco, ‘Un golpe de suerte’, bajo el paraguas de Universal. Pero Lucas Sierra, Nico Yubero y Juan Rojo mantienen las mismas inquietudes que cuando comenzaron, si acaso con un sonido más melódico. ‘Elegante’, que se define como «el tema más pop» de un álbum del que también han avanzado ‘Si no me muevo’ y ‘Sé lo que quiero’, es la Canción del Día.
Los arpegios, las guitarras acústicas y una atmósfera reposada son los principales elementos de ‘Elegante’. Esto dista mucho de la distorsión y el feedback de sus primeros trabajos, optando por un sonido inevitablemente más pop. Sin embargo, el grupo sito en Tetuán todavía es capaz de construir himnos al desencanto del siglo XXI.
‘Elegante’ es una concatenación de afirmaciones con la que cualquiera se puede sentir identificado, como «Quiero tener aguante y no un cansancio constante» o «Quiero fumar bastante sin pensar en morirme». Muy similar a la lista de cosas que odian de ‘La edad que tengo’, pero con un giro final: «Yo solo quiero tenerte delante».
‘Un golpe de suerte’ estará disponible el próximo 3 de octubre. Os dejamos con las fechas de su gira. Detalles, en su web.
13 diciembre: Madrid
18 diciembre: Santander
19 diciembre: Santiago
20 diciembre: Oviedo
1 de enero: Zaragoza
15 enero: Bilbao
16 enero: Donosti
30 enero: Valencia
31 enero: Murcia
6 febrero: Palma
7 febrero: Barcelona
13 febrero: Córdoba
14 febrero: Sevilla
27 febrero: Almería
28 febrero: Granada
Diré esto ya por si soy capaz de llamar la atención de una sola persona: lo mejor de Sabrina Carpenter siguen siendo las letras. A principios de este verano la portada de su séptimo álbum armó tremendo jaleo porque la artista aparecía arrodillada y agarrada de los pelos por un hombre. ¿Cómo se llamaba la película? «El mejor amigo del hombre», es decir, el «perro». La «perra», en este caso.
Quienes atendieron al trasfondo de ‘Short ‘N Sweet‘ sabían que lo que había aquí era gato encerrado. La figura de la «perra», de la «zorra» o de la «puta» ha sido resignificada por artistas femeninas desde los tiempos de Meredith Brooks. Taylor Swift, P!nk o Kim Petras han sido algunas de las que se han apropiado de insultos como «slut», como en España Rigoberta Bandini o Zahara. Sabrina Carpenter ha cantado muchas veces sobre lo culpable que se siente por que le gusten los chicos malos… sólo para después retorcer esa idea con vídeos con «plot twist», o con otras letras en las que ella ríe la última, y mejor.
Por eso ‘Manchild‘ es un single tan importante en la carrera de Carpenter. La artista retrata a un «niñato» que no se entiende cómo ha podido sobrevivir tanto tiempo. «Culpo a tu madre», dice, al tiempo que se burla de sus facultades en la cama: «¿acabas de decir que has terminado? No sabía ni que habías empezado». Su vídeo escenifica perfectamente que todo en Sabrina Carpenter es un gran trampantojo.
La influencia de Taylor es evidente, no solo porque Jack Antonoff sea el principal productor del disco, sino por esa obsesión por retratar ex novios canción tras canción. Sin embargo, el componente sexual diferencia claramente a Sabrina, acercándola más al descaro de Madonna. El nuevo single de Sabrina Carpenter se llama ‘Tears’, pero la artista que enseñó a TikTok cómo llorar sin estropear el maquillaje (inclinando toda la cabeza hacia el suelo), no está llorando aquí. Las lágrimas le corren por los «muslos» porque lo que anhela es correrse ella. «Tears run down my thighs»: una de las imágenes más icónicas del pop de 2025.
El reverso de ‘Tears’ es ‘When Did You Get Hot’, que habla sobre un niño feo que se ha transformado en guapo, y con el que quiere jugar al «Naked Twister». Carpenter comienza esta canción «seca como una planta que no podría crecer». ‘Never Getting Laid’ añade al cóctel grandes tetas y pajilleros («siempre te quedará la mano derecha») y su forma de intentar traer de vuelta a su chico en ‘Sugar Talking’ es decir «get your sorry ass to mine». Por algo ha dicho que el disco no es «apto para mojigatos».
Cuando Sabrina recurre a lo emocional, la cosa se pone todavía mejor. En ‘My Man on Willpower’ se queja de que su pareja esté «tan en contacto con sus emociones», que no la toque «ni con un palo de 6 metros». «Se enamoró de la templanza y se le ha ido de las manos», lamenta, cuando ella lo que quiere es un buen meneo. Que Carpenter no es la mujer sumisa que adivinamos en la portada, o solo lo es ocasionalmente, cuando le apetece, como lo somos todas, queda claro cuando, al final, en ‘Goodbye’ busca «una pistola o palabras» para mandar a paseo al pavo, retratado como un lelo que no habla idiomas: «el sentimiento es tan específico, que quiero darte un puñetazo a cada instante». También es significativo un título tan pervertido y sarcástico como ‘Don’t Worry I’ll Make You Worry’.
La artista hace toda esta toxicidad sonar divertida sin baladas aburridas ni aspavientos épicos, a través de melodías desenfadadas y estilos tan pizpiretos como el country o la música disco, que se funden en el single principal ‘Manchild’ porque eso será lo que encontremos en el álbum. A veces más inclinado hacia el terreno disco (‘Tears’, ‘House Tour’). A veces más inclinado hacia los terrenos de Dolly Parton (la etílica ‘Go Go Juice’, con su tronchante cita «Una chica que sabe beber es una chica que ha sido abandonada»). A destacar los toques psicodélicos en ‘Sugar Talking’ o en la autoparódica ‘We Almost Broke Up Again Last Night’: «tuvimos sexo y lo arreglamos, le dijimos a nuestros amigos que había sido una falsa alarma, y luego casi rompimos otra vez».
Esta última destaca por imitar en su estribillo las típicas crecidas de ABBA, también un referente muy obvio en esa caída de teclados de ‘Goodbye’, incluso en lo que tiene de políglota. Nada sonaba tanto a ABBA como esta canción desde, no sé… ¿Music Go Music?
Entre el reggae justito de ‘Nobody’s Son’, que a quien recuerda es a Paris Hilton, y el rap austero tipo Ariana Grande de ‘When Did You Get Hot’, ‘Never Getting Laid’ certifica que a veces lo musical ha quedado en segundo lugar: el disco no luce muy generoso en cuartos o quintos singles. No sé si el público casual estará muy por la labor de sentarse a pensar en las letras de Sabrina Carpenter. Quizá haya mejores cosas que leer, como bulos en X o comentarios manidos en Instagram. Ahora, el carisma del personaje, alimentado por excelentes videoclips y apuesto a que performances resultonas, no tiene precio.
El cantante dominicano Henry Méndez ha protagonizado una polémica recientemente por un concierto en Marbella en el que gritó que «odiaba a los rojos», tras decir «vota a quien te dé la gana, vota a Abascal o a o Mariano Rajoy» (sic). El vídeo ha circulado por las redes sociales, con sus correspondientes abucheos y vítores.
Madrid mantiene las dos contrataciones que ha realizado a Henry Méndez con dinero público, pese a las peticiones del PSOE. El gobierno de Almeida ha indicado que no comparte la “cultura de la cancelación”, aunque tampoco su mensaje. Uno de los shows es dentro del programa de la Hispanidad, pero el otro es en las fiestas de Villa de Vallecas, uno de los pocos barrios en los que suele ganar la izquierda dentro de la capital: en las últimas municipales, Más Madrid, PSOE y Podemos sumaron el 52% de los votos.
Antena 3 ha elaborado un reportaje en Vallecas con declaraciones tales como «Es un barrio complicado para que se diga eso, seguro que habrá follón», «Les voy a decir que compren un tomate de estos que hay ahora mismo tiernos, y se líen a tomatazos» o «Como venga soy capaz de bajar y tirarle un tomate». El show es el 13 de septiembre, en el auditorio municipal de las Trece Rosas, que justo recibe su nombre de 13 mujeres socialistas fusiladas por la dictadura de Francisco Franco en Madrid el 5 de agosto de 1939, varios meses después de haber finalizado la Guerra Civil.
El Ayuntamiento de Elda sí ha decidido cancelar la actuación de Méndez debido a «las inaceptables declaraciones de odio realizadas durante una actuación», como informa El Diario.
Quizá ante el temor de perder más contrataciones o de lo que pueda pasar en shows gratuitos donde puede entrar cualquiera, Henry Méndez ha emitido un comunicado a través de redes sociales. El cantante dice ahora que no guarda «odio ni rencor a nadie, independientemente del color de piel, religión, condición sexual, ideología o nacionalidad».
Se justifica, entonces así: «Simplemente, intenté parar una situación que se viene sucediendo en innumerables eventos de índole musical, donde se repiten cánticos de odio al presidente del país que, para mí, son molestos, pues no tolero la falta de respeto a nada ni a nadie».
Henry Méndez se refiere al grito «Pedro Sánchez, hijo de puta» que ha surgido en algunos eventos, en general de corte urbano. Su respuesta para parar algo tan «molesto» fue concluir que «odiaba a los rojos». Ante lo que matiza: «el vídeo no se ha publicado en su totalidad, solo la parte en la que, por lo incómodo de la situación, proferí un desafortunado comentario». Indica que realizará un Reels explicándose mejor.
También dice: «quiero pedir disculpas a todas las personas que se han sentido agraviadas por el comentario que hace referencia a un color fuertemente relacionado con una postura política». Y recuerda que «España es un país libre y maravilloso con gente increíble y heterogénea. Por eso debe existir y considerarse la libertad de expresión y la diversidad de opiniones y puntos de vista, siempre desde la óptica de la ética y el respeto».
