Cecilio G y su pareja han atacado una caseta de Vox que repartía papeletas de propaganda electoral del partido en Lloret de Mar, Barcelona, durante las celebraciones del día del Libro este domingo. Vox Gerona ha denunciado la agresión en Twitter y ha informado de que los dos agresores han sido identificados por los Mossos y la Policía Local.
El vídeo que circula en redes muestra que la pareja de Cecilio empieza a golpear la carpa y a increpar a los integrantes de Vox a gritos de «dais asco» y «la gente homosexual existe, los inmigrantes existen, asquerosos, hijos de puta». Cecilio graba la escena con el móvil y se suma a amenaza e insultar a los militantes: «Tu madre se está follando a un negro y a mí me llamas ridículo. Eres una puta del Estado. Eres una «bitch», no miras por nadie».
La tensión escala definitivamente en el momento en que la joven empieza a tirar objetos contra la caseta -en la que se encuentra la candidata a la alcaldía Coque Hernando- y Cecilio G agrede a uno de los militantes, al que llama «maricón» repetidas veces. Finalmente, los militantes de Vox amenazan con denunciar a Cecilio G y a su pareja y estos abandonan el lugar a pie.
Cecilio G ha dejado su impronta muy evidentemente en la música con discos como ‘MAD MAX POWER’, pero también suele ser noticia por motivos extramusicales. El año pasado, el autor de ‘Million Dollar Baby’ fue detenido en el Sónar por protagonizar varios altercados.
⚠ URGENTE: Agresión a nuestra candidata por Lloret de Mar Coque Hernando y a su equipo municipal.
Los agresores ya han sido identificados por los Mossos y la Policía Local.
‘Lo De Évole’ ha vuelto a acertar con la elección de sus entrevistados y, después de indagar en la figura del mismísimo Papa Francisco con la presencia del mismísimo Papa Francisco, Évole se ha ido a un pueblo de Asturias a entrevistar a Rodrigo Cuevas, uno de los mejores artistas españoles del momento y también desde hace unos cuantos años.
Cuevas, que está de promoción, pues acaba de lanzar el excelente single ‘Más Animal‘, el primer adelanto de su próximo disco (el primero en Sony Music), habla con Évole sobre el bullying que sufrió de pequeño, cuando vivía en Oviedo, una ciudad «muy conservadora» en la que es difícil encajar. Cuevas señala que en el pueblo nunca sufrió acoso, pero que en la ciudad sí.
La reivindicación de la vida rural es clave en el discurso de Rodrigo Cuevas y emerge en la entrevista con Évole. El autor de ‘Manual de Cortejo‘ se muestra contrario a usar esas «máquinas que empeoran la calidad de vida» y pone en valor a las personas mayores, de las que dice haber aprendido «prácticamente todo» y a los que considera una «forma de conocer y leer el mundo».
Cuevas sí tiene televisor en su casa, vio aquella entrevista en la que Miguel Bosé afirmaba que la sociedad era «más libre durante la Transición que ahora» y, preguntado por Évole, comparte su opinión. «Chico, ¿y por qué no saliste del armario hace 40 años? Y todo lo que cuentas de tu familia, de cuando te pillaron, de que te obligaban a matar un ciervo…¿te parecía que eso era más libertad que educar normalmente a un hijo en la verdadera libertad? Que ellos vivieran con más libertad porque les daba igual lo que pasara a su alrededor, porque eso es lo que pasa en la juventud, no quiere decir que la sociedad fuera más libre”. Cuevas concluye: “Les jode que, de repente, haya gente que haya dicho «hasta aquí, ya no te vas a burlar más de mí. Ya no vas a poder hacer un chiste, como hizo Martes y 13 sobre una mujer maltratada, porque esto no es una situación de risa”.
Évole no deja de preguntar a Cuevas por aquel titular que le llamó «transformista supremacista» por ofrecer una charla en Dubái (no dio ninguna actuación como se pensaba). Cuevas respondió con una actuación coplera improvisada desde un cuarto de baño y, en la entrevista, no da más bola a aquel titular de un medio que considera «fake». Cuenta que no suele responder a estas «chorradas» pero que decidió hacerlo y recuerda que acudió a Dubái para hablar del folclore asturiano.
Hits
Uno de los pocos discos actuales que están logrando sobrevivir en las listas de álbumes, en medio de un montón de viejos recopilatorios de Fleetwood Mac y viejos y nuevos álbumes de éxito de Taylor Swift, es el último de Metro Boomin. ‘HEROES & VILLAINS‘ ha despachado el equivalente a 1,6 millones de unidades a nivel global según Mediatraffic y dada su estabilidad, pronto rebasará los 2 millones.
La mayor parte de su éxito viene de Estados Unidos pero también hay que destacar el disco de platino obtenido en Canadá, la plata en Reino Unido y el disco de oro en territorios tan remotos como Dinamarca y Nueva Zelanda. A todas luces es un éxito sobre todo en países anglosajones. Pero incluso en España ha tenido su impacto: esta semana pasa su 17ª semana en el top 100, reentrando en el puesto 85 tras haber alcanzado el puesto 28 el año pasado. Un mérito para el género trapero del productor.
La principal responsable es ‘Creepin’, la canción con The Weeknd y 21 Savage que sampleaba a FuGees. Pero también tienen muy buenas cifras ‘Superhero’ con Future y Chris Brown y ’Trance’ con Travis Scott y Young Thug. Si sumamos que el resto del disco cuenta con más estrellas como John Legend y Don Toliver en otras canciones, topamos con que las 15 pistas del álbum superan los 35 millones de streamings.
De ahí las comillas de las “ventas” del disco, pues casi todos sus puntos vienen del streaming pese a que en este caso al menos sí existen las ediciones en LP y CD. Para hacernos una idea, echemos un ojo a Hits Daily Double. Esta semana ‘Heroes & Villains’ será número 7 en el Billboard con 38.000 “ventas”. De ellas, solo 1.500 son unidades reales. El resto son puntos de streaming.
Flops Nada que ver con la ajustada trayectoria de ‘Cracker Island’ de Gorillaz. Por un momento pensamos que la canción con Bad Bunny ‘Tormenta’ podía salvar los muebles a esta otra banda de Damon Albarn, que vendió 7 y 8 millones de copias de sus dos primeros discos. Pero no ha pasado y el tema ha desaparecido ya tanto de las listas globales como de las españolas tras haber sido top 20 en ambas. No ha habido longevidad.
‘Cracker Island’ desapareció del Billboard 200 tan solo después de 5 semanas. Peor aún, en Reino Unido, todo un bastión para Damon Albarn, el disco solo resistió 4 semanas. Lejos quedan los tiempos en que el debut ‘Gorillaz’ y ‘Demon Days’ resistían 82 y 78 semanas, respectivamente, en las listas británicas. El nuevo álbum no ha aguantado en listas ni siquiera en países donde en principio funcionó durante un mes la canción con Bad Bunny, como España.
Lucen bien los 100 millones de streamings de ‘Tormenta’ y los 90 de ‘New Gold’ con Tame Impala, pero no han conseguido llevar el interés a la totalidad del disco: las cifras de la canción con Beck o ’Tarantula’ son paupérrimas. El álbum ha debido de vender algo más de 200.000 unidades a nivel global (debutó con 124.000 según Mediatraffic), y no tiene pinta de que puedan llegar a ser muchas más.
Solo un año después del lanzamiento de ‘Juro y prometo‘, El Último Vecino tiene nuevo disco bajo el brazo con el que además celebra 10 años en la música. El nuevo trabajo de Gerard Alegre ha sido producido por InnerCut y se presenta con un single que es instantáneamente uno de los mejores que ha publicado el barcelonés, y ya es decir.
‘Demasiado’ deja salir la faceta «rockera» de Gerard en su uso de guitarras eléctricas, que ahora reinan muy por encima de los teclados… lo cual en este caso significa que sigue sonando a los primeros The Cure. El post-punk sigue siendo una influencia, pero Gerard no renuncia a construir una canción claramente pop. Es la Canción Del Día de hoy.
En ‘Demasiado’, Alegre explora una imaginería muy propia del post-punk: le encontramos en un antro, en concreto, en el interior de un baño, desamparado y «herido» por la persona amada, a cuyo corazón no logra llegar por mucho que lo intente. «Tu escudo es demasiado», canta él, que llora las penas en la pista de baile.
Porque Alegre sí mete caras b en sus singles, no como otros, ‘Demasiado’ ha llegado junto con una versión de ‘La vereda de la puerta de atrás’ de Extremoduro que confirma el viraje rock de El Último Vecino: «Hacía años que quería hacer una versión de Extremoduro y al haber dejado salir al pequeño Gerard rockero con Demasiado me ha parecido idóneo que fuera ahora».
El Último Vecino sigue de gira y este mismo sábado estará en Sound Isidro. Os dejamos con el resto de fechas en España y México:
29 de abril: Madrid (Sound Isidro, sala El Sol)
4 de mayo: Ciudad de México, México (Foro Indie Rocks)
5 de mayo: Guadalajara, México (Foro Cuerda Cultura)
6 de mayo: Querétaro, México (Salón Salvaje)
7 de mayo: León, Guanajuato, México (Foro El Callejón)
12 de mayo: Lugo (Facela Fest)
19 de mayo: Barcelona (sala Upload)
El segundo fin de semana de Coachella ha pasado a la historia por la ausencia de Frank Ocean, que se ha visto obligado a cancelar su actuación por razones de salud después de actuar en el primer fin de semana del festival. Finalmente, blink-182 han actuado en su lugar, pero son otros los grandes momentos que ha dejado el segundo pase de Coachella.
Zendaya
La estrella de ‘Euphoria’ no ha podido faltar en el concierto de Labrinth. Zendaya ha cantado los éxitos ‘All for Us’ y ‘I’m Tired’ y de paso ha recordado al público que ella, una vez, fue cantante. Pero Zendaya no ha sido la única estrella invitada en el concierto que Labrinth ha ofrecido en el segundo fin de semana de Coachella. También Sia ha querido pasarse por el set de Labrinth para cantar ‘Thunderclouds’. Le ha acompañado su inseparable Maddie Ziegler.
Bad Bunny se disculpa con Harry Styles
Bad Bunny ha aprovechado su segundo pase en Coachella para disculparse con Harry Styles por la publicación de un tuit proyectado en las pantallas de su escenario en el que parecía que hacía de menos al cantante británico. «Benito podría hacer ‘As it Was’ pero Harry no podría hacer ‘El Apagón'» era el inofensivo mensaje que podía leerse en pantallas antes de que Benito interpretase ‘El Apagón’ y que ofendía a algunos fans de Styles. Benito ha pedido «disculpas» a Harry y ha aclarado que el mensaje se debe a una decisión errada de su equipo.
Bad Bunny’s team apologizes tonight to Harry Styles for the tweet displayed during Coachella last Friday pic.twitter.com/9AebNKeXa6
El set de Four Tet, Skrillex y Fred again
Entre los momentos más comentados del segundo fin de semana de Coachella se encuentra la sesión de cierre realizada por el trío de ases de Four Tet, Skrillex y Fred again. Algunos dicen que ellos tres han «salvado Coachella» tras la cancelación de Frank Ocean. El instante que más está dando para hablar es el de Kieran Hebdan mezclando el brostep de ‘Country Riddim’ de HOL! con ‘Smells Like Teen Spirit’ de Nirvana.
COUNTRY RIDDIM AT COACHELLA MAINSTAGE SOMEONE WAKE ME UPPPPP
Gorillaz y estrellas
La música de Gorillaz es un desfile de superestrellas, y sus conciertos evidentemente también. Bad Bunny se encuentra entre quienes han aparecido en el set de Damon Albarn y los suyos en el segundo fin de semana, algo que no hizo en el primero. Más sorprendente ha sido la aparición de Beck, pues ni siquiera estaba confirmado en el cartel. De La Soul, Little Simz y Thundercat, otros colaboradores de Gorillaz, también se han dejado caer en el segundo pase del grupo.
Becky G homenajea a Selena
La música mexicana está de moda. En el segundo finde de Coachella, Grupo Frontera han actuado con Bad Bunny (ellos tienen ahora mismo el número 1 global) y Peso Pluma ha aparecido en el show de Becky G. La intérprete de ‘Bailé con mi ex’ ha hecho otro homenaje a México y ha cantado un popurrí de Selena Quintanilla conformado por ‘Como La Flor’, ‘La Carcacha’, ‘Bidi Bidi Bom Bom’ y ‘Baila Esta Cumbia’. No es la primera vez que Becky G rinde tributo a Selena.
Twitter blue = able to post 5 minute tribute to Selena @coachella
Carlos Pereiro, ex cantante de Novedades Carminha, publica su primer disco solo como CARLANGAS. Con el mismo carisma lírico que encontrábamos en su anterior formación, pero con un apartado musical mucho más abierto y variado todavía, CARLANGAS ha lanzado su disco debut homónimo este jueves 20 de abril. Aunque este sea su proyecto en solitario, paradójicamente este será el disco en el que más gente ha participado de todos los que ha hecho Pereiro.
Los cuatro adelantos del disco muestran sus referencias actuales, entre las que figuran artistas como Khruangbin, Parcels o Steve Lacy, que se suman a las inspiraciones de siempre, como son The Clash, Beck o A Tribe Called Quest. ‘CARLANGAS’ se trata del primer paso hacia la nueva carrera de Carlos Pereiro, una por la que está totalmente emocionado, tal y como repite frecuentemente durante la entrevista. La gira de presentación ya está en marcha y le llevará por lugares como Mallorca Live, Tomavistas y un larguísimo etcétera.
Hablamos con él sobre los bares, la disolución de Novedades Carminha, todo lo que hizo falta para conseguir su soñada colaboración con Manu Chao y sobre la fresca propuesta de su proyecto en solitario.
¿Siempre sueles quedar en los bares para las entrevistas?
Este me lo han marcado, pero es un sitio que no me resulta ajeno. Si hubiera organizado yo esta ronda de entrevistas lo habría hecho así también.
Son sitios muy cercanos los bares, y también tienen que ver con tu música de alguna manera.
Sí, mi música tiene una vocación popular. Al final, el bar es un sitio donde se junta la peña para socializar y mi música tiene esa pretensión de juntar a las personas. De bajar las armas, que está el mundo con las navajas fuera todo el rato, y que nos relajemos un poco y disfrutemos de la vida. Mi música va bastante de eso.
¿Dirías que esa es la misión principal del disco?
La misión principal de mi música es, digamos, generar una vaselina que nos junte. Yo hago música de baile, y la música de baile es para olvidarnos de lo caro que está todo, para bajar la tensión de la crisis y la pandemia, y disfrutar un poco de la vida. Si mi música hace eso, me doy por satisfecho.
¿Cuándo empezaste a trabajar para tu proyecto en solitario?
Yo siempre estoy haciendo canciones, así que tengo recursos. Parte de estas canciones yo las tenía para un hipotético nuevo disco de Novedades Carminha. Decidimos parar porque sentíamos que estábamos agotados, teníamos la energía bastante baja, como que no nos sentíamos motivados. También porque le dimos bastante a la cabeza en los últimos años, hicimos muchas giras, muchos discos, mucha tensión y sentíamos que necesitábamos ese parón. Entonces, algunas canciones de esas han acabado en este disco y otras me las he ido encontrando por el camino. Yo hacía música antes de Novedades Carminha y voy a seguir haciendo música después. Tengo el veneno de la música dentro.
«El mundo está con las navajas fuera todo el rato. Mi música va de que nos relajemos un poco»
Sí que llegasteis a sacar el primer single de lo que sería el sexto disco de Novedades Carminha, el de ‘Típica Cara’.
Sí, fuimos a grabar y lo hicimos, pero sentíamos que no teníamos que tirar más hacia delante. Ojalá nos podamos volver a juntar en algún momento con la energía necesaria. Yo ahora estoy centrado en CARLANGAS y es lo que me apetece. Este disco es un poco de transición entre Novedades y CARLANGAS, que yo he utilizado también para hacer una foto del último año y donde yo he querido hacer una búsqueda. Volar, a ver que me encontraba por ahí. He currado con gente que tiene perspectivas muy diferentes, y que tiene visiones diferentes de mis canciones, como pueden ser BRONQUIO, Manu Chao, Ortiga, Mundo Prestigio… Yo siempre digo que es un disco de búsqueda, bastante coral, donde toco muchos palos, y un disco para encontrarme. Visto en perspectiva, tengo muy claro por dónde quiero que vaya CARLANGAS de aquí en adelante.
Entonces, ¿el resto de lanzamientos de CARLANGAS no van a ser tan variados como este? Porque empieza con ‘Se Acabó la Broma’, que no hay otra canción igual en todo el disco, luego vas con ‘Regalao’, que es más familiar…
Esa fue la foto de mi año. Yo empecé bastante triste a hacer este disco. No tenía prevista la disolución de Novedades, me afectó y tenía como esa oscuridad… Empecé haciendo canciones como ‘Que Si Quiero O Que Si Tengo’, que a lo mejor son más reflexivas o nostálgicas, y acabé haciendo el disco por ‘Regalao’ o ‘Los Dineros’, que son mucho más luminosas, y creo que era muy honesto también mostrar este proceso. Precisamente, estas dos canciones son las que marcan un poco el futuro, y quiero que el siguiente disco vaya en esta línea.
¿Dónde te metes, Carlangas, cuando te vas?
Es un poco metafórico. No me sentía ubicado después de Novedades Carminha, no sabía por dónde iba a tirar y aquí es donde entran en juego todos los colegas que participan. Es un disco construido alrededor de mucha gente que fue pasando por mi casa, que fue grabando… Hay una guitarra de Jaime de Vera Fauna, unas palmas que me mandó DELLAFUENTE… Quise rodearme de gente con la que conecto mucho artísticamente. Este disco está construido por mogollón de peña y no solo en lo artístico. Natalia Ferviú me hizo la dirección creativa de los videoclips, el arte del disco, la escenografía del directo… Tengo muchas ganas de hacer los 30 festivales que tenemos por delante y está todo preparado para que sea un juergón de baile.
«Para mí es un regalo de la vida que Manu Chao esté en mi primer disco. Es un lujo»
¿Cómo surgió la colaboración con Manu Chao?
Hay ciertos artistas, como Khruangbin ahora, The Clash en los 70, Mano Negra en los 90 o Damon Albarn con todos su proyectos, que son artistas esponja. Son capaces de coger referencias de sitios muy diferentes y con Manu Chao, aunque no lo conocía personalmente, me sentía muy próximo a nivel de referencias. Para mí sus discos son muy importantes y él es un referente. Entonces, a través de un colega en común, yo le escribí una carta hablando de Los Chunguitos, de la rumba, de hacer letras tristes y música alegre, de la música latina, del rock, de cómo veía yo todo esto y de que me encantaría conocerle y enseñarle cosas que estaba haciendo. Le gustó y un par de años después vino a Santiago a tocar, me cogí un tren y me fui ahí a verle. Le enseñé ‘Cae la Noche’ y se implicó mucho en la producción, en grabar, en enseñarnos… y para mí es un regalo de la vida que Manu Chao esté en mi primer disco. Es un lujo.
¿La versión que le enseñaste es parecida a la que hemos escuchado nosotros?
Sí, al final es una canción muy sencilla. Es una canción de música popular, que no es nada ni ajeno a él ni a mí. Fue bastante sencillo el proceso, pero tiene muchos detalles. Contamos con la ayuda de Ortiga en los arreglos, que es uno de los mejores arreglistas de España, y fue un junte muy natural, muy de corazón y por eso creo que me gusta tanto la canción.
Os juntasteis en el estudio, no hubo nada a distancia, ¿no?
No, no, es que yo no hago colaboraciones a distancia. De hecho, siempre que voy a reuniones con mi editorial y mi distribuidora, me hablan de hacer colaboraciones, y yo en este disco lo que necesitaba era cariño y rodearme de los míos. Ya veremos, luego estoy dispuesto a colaborar con mucha peña, incluso con peña que no tenga nada que ver conmigo, me parece muy interesante. Pero en este primer disco necesitaba bajar a tierra y que fuera lo que es. Yo para colaborar necesito tomarme unas birras, compartir tiempo… Lo otro me parece frío.
Suelen decir que no conozcas a tus ídolos, porque puede ser decepcionante.
A los cinco minutos ya no tenía la sensación de estar delante de un ídolo. Él también es un tío muy guay, muy generoso y muy natural, y por eso salió tan bien.
¿Crees que a los fans de Novedades Carminha les va a molar el disco?
Yo creo que sí. Tiene un espíritu muy compartido con lo que era Novedades. Quizás sí que haya un viaje más profundo a nivel de producción y tal, pero por supuesto que creo que les puede molar.
Llevas trabajando con BRONQUIO desde tu primer single, ¿qué crees que aporta a CARLANGAS?
BRONQUIO es que es mi amigo y es un tío que ve la música de un modo muy diferente a mí. Muy diferente, y a la vez tenemos algo en común muy potente. Yo vengo del rock y de sonidos más setenteros y él viene de la pura rave y la electrónica. Conseguimos juntarnos en un término medio que me pareció muy interesante. Cuando sacamos ‘Contigo, Contigo, Contigo’ en 2019, él me llamó para hacer un tema y ahí fue cuando lo conocí. Sentí que había un espíritu común y que compartíamos muchos gustos musicales. Luego hay artistas como Beck o los Beastie Boys que pueden venir más del rock y luego se van a otros terrenos.
«Yo vengo del punk y a mí molestar me puede hacer gracia»
Como la de ‘O Día Que Volvín Nacer’, con Grande Amore, que es puro hip hop.
Grande Amore y yo venimos del punk, y al final la forma de hacer es visceral y urgente. Él es muy colega mío, yo trabajé como coproductor en su futuro disco y nada, le dije que había descubierto un hotel en medio de un pueblo de la España vaciada, un pueblo de 60 personas que tenía una colección de 10.000 vinilos. Nos fuimos a pasar dos días ahí a una venta de carretera y escribimos este tema. Bebiendo birras y escuchando discos.
¿En qué te basaste a la hora de seleccionar los singles?
Con el primero quería tocar los cojones, dar un puñetazo en la mesa y desubicar a la peña. Yo vengo del punk y a mí molestar me puede hacer gracia. Luego era obvio que la de Manu Chao tenía que ser uno, y ‘Los Dineros’ porque quizá sea mi canción favorita del disco y el futuro de lo que va a ser CARLANGAS.
«Estoy hasta los cojones del todos contra todos y no quería hacer una crítica hiriente»
¿A qué tipo de personas criticas en ‘Paseítos Por Madrid’?
Yo no critico a nadie, hago un retrato. Eso viene de que paseando por Malasaña siempre me encontraba a la misma peña, que me decía: «Estuve no sé dónde, estuve no sé qué…». Y yo siempre los veía en el mismo puto bar, el que estaba viajando todo el rato era yo que estaba siempre de gira y estos estaban apalancados en la misma terraza día tras día hablando de viajes y de escenas en otros países y yo decía: «¿Qué coño me estáis contando?». El cosmopaletismo, ¿sabes? Mi intención es también utilizar la retranca, la ironía y también hay parte de autoparodia en todo esto, porque si conozco a toda esta gente es porque me tomo las cervezas por aquí de vez en cuando. Es muy sano reírse de uno mismo y de sus colegas, y van por ahí los tiros. Siempre quiero que tenga esa ligereza, porque estoy hasta los cojones del mundo de todos a la guerra con todos y no quería hacer una crítica hiriente. Para eso hay otra peña.
Lala Hayden es una de esas artistas cuyo currículum no es el típico. Ella no es exactamente una artista emergente, ni siquiera es una personalidad desconocida en el mundo de la farándula. Su nombre real es Laura, allá por 2011 fue presentadora de MTV Spain y, después, formó la banda Anteros, asentada en Londres, una de las revelaciones 2018, y de la que ya os hablamos en su momento con motivo de ‘Full Moon‘, su single de mayor éxito.
El gran hito de Anteros no fue publicar su disco ‘When We Land’ en 2019, ni tocar en multitud de festivales españoles, sino protagonizar un surrealista cameo en la película de Eurovisión. Allí, Hayden y compañía interpretaba a la banda finlandesa The Wonderfour, que se presenta en las semifinales pero no consigue llegar a la final.
Mientras el destino de Anteros continúa en el aire, pues Hayden se tomó un descanso de la banda en 2020 para cuidar su salud mental, Hayden inicia etapa como solista. ‘Girl Becomes’, su primer EP, saldrá este año, y ya se conocen dos adelantos.
El año 2011 sigue presente en el sonido de Hayden. ‘Slice’, su primer single, publicado a finales de marzo, trae los guitarrazos y ritmos dance-punk que en su momento esperamos de grupos como New Young Pony Club o The Rapture. La letra parece una declaración de intenciones, en concreto, una declaración de «comeback»: Hayden quiere «otro trozo del pastel».
El segundo single de Hayden ha llegado este fin de semana: ‘WOMAN’ agrega ahora vocoders a las voces y captura un sonido de rock bailable muy fácilmente asociable a Blondie, grupo al que se siempre se pareció Anteros. En ‘Woman’, Hayden nos habla de los tiempos en que el éxito era su gran ambición: «está en busca de la perfección, no puede ver la meta». Por suerte, tanto en ‘Slice’ como en ‘Woman’, Hayden suena liberada por fin.
En 2011, Joana Vilapuig era la quinceañera más famosa de Cataluña. Su personaje de la anoréxica Cristina en la popularísima serie de TV3 ‘Pulseras rojas’ (tuvo incluso un remake producido por Spielberg, ‘Red Band Society’), la catapultó a la fama con la misma rapidez con la que la industria audiovisual se acabó olvidando de ella. Algo parecido le ocurrió a su hermana pequeña, Mireia. Empezó aún más joven –rodó ‘Héroes’ (2010) con once años-, se incorporó a la serie en la segunda temporada, y al igual que su hermana, le ha costado seguir con su carrera de actriz.
De su amarga experiencia como ex niñas prodigio y actrices adultas precarias ha nacido ‘Selftape’, una terapéutica autoficción que ahonda en el otro lado de la fama y el oficio de actriz, un reverso poblado de dudas, decepciones y mucho, mucho selftape, autograbaciones para castings a distancia. Ese es uno de los aspectos más interesantes de la serie. El hecho de haber empezado tan jóvenes ha propiciado que las dos hermanas tengan un enorme archivo de grabaciones: desde vídeos domésticos de su infancia y entrevistas de cuando triunfaban con ‘Polseres vermelles’, a todo tipo de selftapes para conseguir papeles cuando el teléfono dejó de sonar.
La directora Bárbara Farré, conocida por sus videoclips para Rosalía (‘Fucking Money Man’), Bad Gyal (‘Internationally’) o Amaia (‘El relámpago’), combina con acierto todo este material documental con el relato de ficción. El contraste que se genera, tanto visual como semántico, resulta muy sugerente. Cada grabación del pasado es como una inyección de verdad inoculada en el presente, un fogonazo de realidad que ilumina una narración que, de otra manera, hubiera resultado demasiado convencional.
Y es que, a grandes rasgos, ‘Selftape’ cuenta una historia que nos suena mucho: dos veinteañeras de Barcelona buscando su lugar en el mundo mientras hablan sobre feminismo, problemas sentimentales e insatisfacción vital. ¿No recuerda demasiado a ‘Autodefensa’, la anterior serie original de Filmin? Aunque en el fondo sean muy diferentes, la cercanía en el tiempo y la coincidencia de plataforma hace inevitable compararlas. Y, para mi gusto, ‘Selftape’ no sale del todo bien parada.
Al lado de la frescura, radicalidad y ganas de tocar el coño de ‘Autodefensa’, la serie de las hermanas Vilapuig resulta un drama correcto, de discurso más o menos interesante, pero con poca capacidad para remover emocionalmente al espectador, deslumbrar visualmente o agitar debates sociales. La diferencia entre una serie que “está bien” y la que quizás sea la mejor serie española de 2022.
Lo nuevo de Kora ha sido una reinvención en toda regla. Y mira que estamos acostumbrados a que los artistas jóvenes no conozcan ningún tipo de frontera a la hora de crear nueva música. La catalana, de 21 años, ha conseguido viralizar algunos de sus temas pasados hasta el punto de que sus escuchas se cuentan por millones. Sus hits ‘Marte’ de su EP de 2021 ‘Renacer Pt.1’ y ‘como si nada’ de su disco de 2022 ‘fuera de lugar’ -el primero cerca del disco de oro- se enmarcaron en cierta estética bedroom pop. Algún ritmo funk, un puntito indie, un pelín R&B. Lo típico.
Pero lo de ‘☆☆☆’ es otra cosa. Utilizando beats más house y balearic, y por primera vez Autotune, Kora puede recordar ahora más bien a nombres como John Talabot. Y eso no quiere decir que estemos ante un disco más cerebral o moderno. Al contrario, es una obra más espiritual y pura que imaginamos presentando en un Sónar.
La producción ideada, interpretada, registrada, editada y masterizada por ella misma es el centro de todo, como en una obra de Burial, pero sin que podamos esquivar que las voces y lo que nos cuenta Kora tiene un peso fundamental, como se aprecia en dos de las composiciones más destacadas. ‘olvido’ se inspira en un famoso poema de Neruda («es tan corto el amor, y es tan largo el olvido»), tan famoso que puede parecer algo sobado incluso.
Pero el fondo que le da no tiene nada de carpetero y sí mucho de adulto, con el «flow» de la parte añadida casi rapeada. Es una de las producciones más envolventes que haya entregado recientemente el pop de nuestro país. «No quiero hablar más del tema» es su gancho principal, con permiso del bueno de Pablo.
También esencial es ‘desde arriba’, que versa sobre alguien a quien hemos perdido. Está dedicado con gran sentimiento y esperanza a las personas que ya no están entre nosotros. Suman igualmente ‘mi amor’, techno y cósmica; ‘no fue am0r’, algo electropop sin abandonar esa inspiración house ni tampoco el mensaje profundo («no fue amor, no hubo libertad»); y ‘si tu kieres’, que pone el punto hedonista, con una pizca de sensualidad latina.
Cuenta Kora que esta vez no ha querido que su voz sea el centro de la producción. Y seguro que el mundo de los streamings le da la espalda con esta obra más intangible. Paradójicamente, su voz se alza ahora más relevante en el panorama nacional, capaz de desarrollar cosas tan diferentes como esta.
Kora continúa su tour Girando Por Salas: actúa el 28 de abril en Madrid y el 29 en Toledo.
Cepeda está de gira presentando su disco ‘Sempiterno’, que ha sido número 2 en España. El tour del cantante llegaba este sábado 22 de abril a Salamanca, en concreto a la Sala Potemkin, y Cepeda ha sorprendido con sus disculpas en Twitter por el show.
Pero no se refería a su set, a su voz o a los músicos, sino a las condiciones higiénicas del lugar. Sin mencionar a la sala, ha indicado: «Pido perdón de antemano a toda la gente que ha venido y viene al concierto de Salamanca por el asco que me da alquilar una sala y que no hayan limpiado ni las cucarachas del suelo antes del concierto».
Continuaba: «Quiero lo mejor para la gente que viene a verme y ya que se paga la sala, yo al menos exijo un mínimo de limpieza tanto para mí como para vosotros, y ese mínimo no se cumplía. Btw espero con ansia la demanda y las amenazas del responsable simplemente por decir que no friegas».
A la 1 de la madrugada, añadía: «Ahora que estoy más calmado voy a decir que en 5 años de carrera jamás me he quejado de absolutamente nada de ninguna sala pero llegar y ver a Diego barriendo cucarachas del escenario y el suelo lleno de cristales y bichos de la noche anterior me sacó de mis casillas».
Bilbao, Oviedo, Sevilla y Toledo están en la lista de ciudades que esperan a Cepeda durante los próximos días. JENESAISPOP ha contactado con la Sala Potemkim de Salamanca para conocer su versión de los hechos.
Pido perdón de antemano a toda la gente que ha venido y viene al concierto de Salamanca por el asco que me da alquilar una sala y que no hayan limpiado ni las cucarachas del suelo antes del concierto. Nos vemos ahora.
Ahora que estoy más calmado voy a decir que en 5 años de carrera jamás me he quejado de absolutamente nada de ninguna sala pero llegar y ver a Diego barriendo cucarachas del escenario y el suelo lleno de cristales y bichos de la noche anterior me sacó de mis casillas.
Quiero lo mejor para la gente que viene a verme y ya que se paga la sala, yo al menos exijo un mínimo de limpieza tanto para mí como para vosotros, y ese mínimo no se cumplía. Btw espero con ansia la demanda y las amenazas del responsable simplemente por decir que no friegas ❤️
Hace ya semanas que Chanel y Abraham Mateo anunciaban un nuevo single conjunto llamado ‘Clavaíto’. La intérprete de ‘Slomo’ no puede permitirse otro flop después de ‘Toke‘ y tras haber abandonado BMG por Sony. Este otro tema editado a finales de 2022, ni vinculado al Mundial de Fútbol, era capaz de llegar al top 100 español.
Por eso se ha articulado una campaña diferente para ‘Clavaíto’. Chanel y Abraham Mateo ya han interpretado el tema en directo, en concreto en el Primavera Pop de Los 40 Principales. Han compartido fragmentos. Han avanzado el vídeo. Han cantado el tema en TikTok. Y todo ello sin que el single vaya a salir hasta el próximo viernes, 28 de abril.
Parece claro que están intentando viralizar ‘Clavaíto’ antes de que salga. Un poco como lo que pasó con Rosalía y ‘Despechá‘, que terminó siendo una de las canciones del verano de 2022 tras haber sido presentada en vivo en el ‘Motomami Tour‘.
Y es que los vídeos con la actuación de Primavera Pop donde se ve a Chanel bailar (poca broma) y también a Abraham Mateo, por supuesto han circulado por las redes. No con cifras espectaculares, pero sí circulado al fin y al cabo, quizá a la caza de que, esta vez sí, el tema entre en las playlists adecuadas porque a la gente ya le suene.
Por ejemplo, en el foro de JENESAISPOP ya encontramos opiniones formadas sobre la canción. aallvvaarroo indica que «es mejor bachata que La Fama», en referencia al hit de Rosalía y The Weeknd. Por el contrario, Torrezna la ha calificado como «pachanga del S.XXI». TuoneUdaina aporta: «Yo creo que le sobra ya llevar siempre a toda la troupe de bailarines en plan Norma Duval con su compañía».
Lo cierto es que el tema tiene sus posibilidades dado el furor por la bachata que se ha vivido en los últimos tiempos, no solo por ‘La Fama’, sino por ‘Ateo’ de C. Tangana y Nathy Peluso, y la propia ‘La bachata’ de Manuel Turizo. Por ahí podemos argüir que esta producción llega muy tarde, si bien el estribillo «tan clavaíto que duele» parece lo suficientemente bien construido como para que esto llegue más lejos que ‘Toke’. Lo cual tampoco es que fuera muy difícil…
Nuestro Disco de la Semana es el debut largo de Kara Jackson. ‘why does the earth give us people to love’ sucede a un EP de 10 minutos que la poeta de Illinois publicaba hace 4 años.
La mejor manera de adentrarse en dicho disco quizá no sea a través de los singles, temas más populares o el principio del álbum. Es en su segunda mitad donde duele de verdad, cuando suenan pistas como ‘rat’, ‘curtains’ o el tema titular, que seleccionamos como “Canción del Día” hoy. Sirva como pista este comentario de Youtube: «acabo de perder a un amigo, y esta canción me ha hecho llorar».
El disco ‘why does the earth give us people to love’ habla de la muerte porque la canción homónima está dedicada a una amiga que murió a los 17 años. Kara Jackson se pregunta ahora “por qué el mundo nos da gente a la que amar para luego arrebatárnosla”. Desde su sencillez, apela a otras grandes preguntas de la historia del pop, entonadas con tanta frustración y dolor como ‘Why Does It Always Rain On Me?’ de Travis o ‘Why Does My Heart Feel So Bad?’ de Moby.
Pero esta es una composición de cantautor. De cantautora en este caso, en la que solo la voz y la guitarra habrían bastado para encogernos el corazón. “He enterrado a viejos y jóvenes, he visto torres caer, simplemente estamos esperando nuestro turno. ¿A esto lo llamamos vida?”.
Tras las estrofas y los estribillos, la canción cambia de melodía para añadir un tercer verso demoledor en el que Kara Jackson se deshace (“he entrenado a mis córneas para no llorar, pero no obedecerán esta vez”) y recuerda su adolescencia con su amiga, que sufrió cáncer. “A la edad de 17, tus rodillas eran más débiles que una sábana / Y yo ya no podía creer / La vista de ti se iba desvaneciendo / íbamos a formar una banda / robando la furgoneta a mis padres / Tuve que actualizar mis planes / La línea de la vida estaba escrita en nuestras manos”.
Solo en el último minuto y medio de la canción, aparece una batería pero como apagada, como si intentara hacernos arrancar, pero no pudiera; y sobre todo una sublime sección de cuerdas, a cargo de su colega Sen Morimoto. Para entonces, si esto fuera una producción de Nick Drake sería ‘Day Is Done’. Si Kara Jackson fuera española podríamos añadir la desesperanza de ‘Walking Alone’ o ‘Solo’ de Los Brincos.
Madonna, que visitará Barcelona el próximo otoño, continúa añadiendo fechas a ese Celebration Tour con el que “celebrará” sus 40 años en la industria musical. Esta semana ha añadido una fecha en México que al final son dos al estar a punto de agotarse las entradas para la primera. Madonna actuará en la capital mexicana los días 25 y 27 de enero de 2024.
Cuando la artista confirmó que la gira volvería a Estados Unidos por segunda vez tras pasar por Europa, debido a la alta demanda de entradas, sí indicó que las de diciembre y enero de 2024 serían sus últimas fechas en su país de origen. Esta vez no ha indicado que este sea el fin del tour. Por tanto, es de suponer que Madonna añadirá más fechas en México o incluso otros países de Latinoamérica. El rumor, por ejemplo, es que Chile se anunciará esta semana.
En este momento el Celebration Tour incluye 82 conciertos, sin semanas de descanso entre continente y continente, tan sólo unos días. La cantante solo tiene que añadir 3 shows para igualar el número de fechas de la gira ‘Sticky & Sweet’ (85 conciertos) y 6 para igualar las de la gira ‘MDNA’ (88 shows), que fue su tour más largo. Parece claro que ‘Celebration Tour’ será su gira más longeva, a pesar de que en la anterior ‘Madame X’ tuvo que cancelar varias fechas por una lesión de cadera y otra de rodilla. La gira empieza el 15 de julio en Canadá. A través de Instagram está compartiendo muchos de los ensayos.
Esta semana hemos lanzado otro concurso exclusivo para nuestros seguidores en Instagram para invitaros al 30º Aniversario de Sónar. Tras invitaros el viernes noche cuando actúan Fever Ray, Aphex Twin, Shygirl y muchos otros, os invitamos el sábado noche. Será el turno de Richie Hawtin, Bad Gyal, Little Simz y Samantha Hudson, entre otros.
Para participar tan solo tenéis que dejar un comentario en el correspondiente post de Instagram respondiendo a la pregunta A QUIÉN QUIERES VER EL SÁBADO NOCHE EN SÓNAR.
Premiaremos las 2 respuestas que más LIKES hayan conseguido a finales de semana. Cada uno de los 2 ganadores recibirá una entrada de SÁBADO NOCHE simple. Usa tu imaginación y deja respuestas divertidas para obtener LIKES de nuestros seguidores. El plazo de participación y votación acaba este domingo 23 de abril a las 23.59h.
‘Stargirl Interlude’ acaba de superar los 500 millones de reproducciones en Spotify. La canción de The Weeknd y Lana del Rey contenida en ‘Starboy‘ dobla en streamings a otro dúo de ambos: ‘Lust for Life’, contenido en el disco homónimo de ella. En cualquier caso, «Stargirl» asienta así su condición de interludio más reproducido en esta plataforma, lo cual es casi lo mismo que decir que es el interludio más popular de todos los tiempos.
Y es que ha sido en las últimas 2 o 3 décadas cuando esta forma de corte ha proliferado, sobre todo vinculado a la cultura hip hop. Si decimos «interludio» enseguida pensamos en Kanye, Drake y Missy Elliott, desde los tiempos de ‘Show ‘Em Whatcha Got’ de Public Enemy. Primero porque los discos en torno a los 90 gustaban de durar 1 hora larga como para aprovechar los 74 u 80 minutos posibles de un CD. Y después, efectivamente en la era Spotify, para rellenar y conseguir puntos de streaming con muy poco esfuerzo, cuando el hip hop ya era el nuevo pop.
Son varios los medios que han publicado listas con los mejores interludios de la historia. Casi no hay rastro de música entre los 50 y los 80, salvo alguna excepción tan cristalina como ‘Monday Will Never Be the Same’, una canción a piano de Hüsker Dü de 1984. O la sublime ‘Bron-Yr-Aur’ de Led Zeppelin (‘Physical Graffiti’, 1975).
Al principio de la industria, el 7″ mandaba, con lo cual no había interludio posible. Después, en la era de las canciones de relleno, parece que la industria tardó en contemplar esta posibilidad. Pero también cabe el debate sobre lo que es un interludio, porque la definición de la RAE, concentrada en la música instrumental, no nos vale.
A menos que la pista lo indique expresamente, como es el caso de ‘Stargirl Interlude’, hay veces que el interludio parece definirse precisamente por ser el único instrumental entre un montón de canciones cantadas, como ‘New Orleans nº 1’ de R.E.M., en ‘Automatic for the People’, lo que suena entre ‘Everybody Hurts’ y ‘Sweetness Follows’. ¿Pero era ‘Frosti’ de Björk un interludio en ‘Vespertine’ o una canción con desarrollo y melodía propios que ocupaba un lugar de hecho más importante que otras canciones del disco? ¿’Pet Sounds’ casi al final de ‘Pet Sounds’ de Beach Boys era un interludio o simplemente la penúltima pista, e instrumental?
Otras veces parece simplemente una canción sin terminar, como ‘Birthday Cake’ de Rihanna. Es difícil determinar qué es un interludio y qué no en el Álbum Blanco de los Beatles, con varias canciones en torno al minuto de duración. Tampoco luce exactamente como un interludio ‘Fitter Happier’ en ‘OK Computer’ de Radiohead, pues su texto robotizado es imprescindible para comprender el disco.
Claro que lo mismo es un error de base asociar «interludio» con «irrelevancia». Han sido demasiados los años de pistas innecesarias que más que aportar, estorbaban. Nada que ver con la buena selección de Billboard, en la que comprobábamos cómo pequeños temas de Marvin Gaye, The Stone Roses, Boards of Canada, DJ Shadow, Daft Punk… nos ayudaron a comprender algunas de sus obras maestras con pequeñas ideas sonoras. 50 pistas y 65 minutos de buena música.
Meditaciones de cine (Quentin Tarantino)
Muere un cineasta y nace un escritor. ‘The Movie Critic’ va a ser la décima y última película de Tarantino. Es lo que lleva asegurando el director desde hace más de una década. Pero, por otro lado, ha iniciado una carrera como escritor de lo más prometedora. Tras la novelización de ‘Érase una vez en Hollywood’ (Reservoir Books, 2021), llega su primer libro de cine. Y es una gozada. ‘Meditaciones de cine’ (Reservoir Books) es una mezcla de biografía cinéfila y análisis sobre las películas de los 70. Las que le gustan a Tarantino o le marcaron de alguna manera. Con las que creció y forjó su gusto cinematográfico: ‘Bullitt’, ‘Hermanas’, ‘Taxi Driver’, ‘La casa de los horrores’…
Salvo un par de capítulos dedicados a relatar su formación cinéfila y analizar el Nuevo Hollywood, los demás están centrados en hablar sobre una película en concreto. Pero a hablar como lo hace Tarantino, salpicando su torrencial y apasionado discurso con jugosas anécdotas, reveladoras referencias y eruditas opiniones. También polémicas y discutibles, como deben ser las opiniones sinceras. Algunas no te las esperas, como por ejemplo la de poner el ‘Matador’ de Almodóvar como el ejemplo a seguir para los cineastas en una época, “la horrorosa década de los ochenta”, donde el cine de Hollywood se hizo enormemente conservador. Es solo una muestra de lo que ofrece uno de los libros de cine más divertidos, ingeniosos y contagiosamente entusiastas publicados en mucho tiempo. 8,5.
El retrato de casada (Maggie O’Farrell) Maggie O’Farrell está en racha. Tras su celebrada ‘Hamnet’ (uno de los mejores libros de 2021), la autora norirlandesa regresa con otra novela estupenda, también ambientada en siglo XVI. ‘El retrato de casada’ (Libros del Asteroide) narra la corta vida de Lucrecia de Medici, tercera hija del gran duque de Toscana, que fue obligada a casarse con 13 años (con el duque de Ferrara, de 28 años) y murió con 16 años en circunstancias poco claras. Una niña sensible, inquieta y rebelde, muy dotada para el dibujo, que tenía un “problema” para alguien de su condición: prefería pintar a que la pintaran.
¿Falleció Lucrecia a causa de unas “fiebres pútridas”, como señala la versión oficial? ¿O fue asesinada por su esposo, cansado de esperar un heredero? A partir de este hecho, de la enigmática muerte de Lucrecia, O’Farrell recrea la vida de la joven Medici. La autora demuestra nuevamente su capacidad para transmitir los pensamientos, emociones e intimidad de su protagonista por medio de una prosa cautivadora y un uso excepcional de la tercera persona. Como ficción histórica, aunque la narración se ve algo lastrada por un exceso de descripciones, funciona muy bien. La autora hace un interesante análisis social sobre el pasado, sobre la situación de la mujer en el Renacimiento italiano, con reveladores ecos en el presente. Si te gustó ‘Hamnet’, no te la pierdas. 7,5.
‘Anoxia’ (Miguel Ángel Hernández) Tras la extraordinaria novela de no ficción ‘El dolor de los demás’, Miguel Ángel Hernández regresa a la ficción pura –la de su también estupenda ‘Intento de escapada’- con ‘Anoxia’ (todas publicadas en Anagrama). El origen de esta historia hay que buscarlo en una película de Amenábar: ‘Los otros’ (2001). Ahí fue donde Hernández se enteró de la existencia de los retratos post-mortem, el género fotográfico de difuntos que se popularizó en el siglo XIX. El escritor se obsesionó con el tema (también le pasó a Carlos Areces, quien se hizo coleccionista y publicó hace poco el volumen ‘Post Mortem’) y comenzó a documentarse y a pensar cómo armar una historia sobre este tema.
El resultado de esa investigación es la magnífica ‘Anoxia’. A partir de una premisa irresistible, digna de un thriller de misterio –una viuda dueña de una decadente tienda de fotografía recibe el encargo de retratar a un difunto el día de su entierro-, Miguel Ángel Hernández construye un relato sobre la fotografía como preservadora de la memoria, sobre nuestra relación con la muerte y sobre las dificultades de lidiar con el pasado, de superar un duelo. Una reflexión acerca de la vida y la muerte, sobre sentirse vivo o vivir como si estuviéramos muertos, que también incluye un comentario social: la muerte por contaminación del Mar Menor, las inundaciones ocurridas en 2019 que provocaron la muerte de miles de peces por anoxia, la falta de oxígeno en el agua. 8.
‘Warhol: La vida como arte’ (Blake Gopnik) Si disfrutaste con la miniserie ‘Los diarios de Andy Warhol’, seguro que te interesará esta monumental biografía: más de mil páginas que se complementan con otras setecientas de un anexo de notas disponibles en la web estadounidense de HarperCollins. El historiador y crítico de arte Blake Gopnik ha seguido el rastro –documental y social- dejado por Andy Warhol durante su vida para conocer a Andrew Warhola, el hijo tímido, enfermizo y “rarito” de un matrimonio de inmigrantes eslovacos que llegaron a Pittsburgh a principios del siglo XX. Un hombre que se escondía bajo una peluca platino y una apariencia asexual, y que mentía constantemente sobre sí mismo.
‘Warhol: La vida como arte’ está estructurada por medio de dos grandes líneas temáticas. La primera está centrada en desmontar los mitos que rodean al artista. El acceso a los documentos de la juventud de Warhol le ha permitido a Gopnik conocer cómo fue construyéndose su máscara: como escudo protector para su homosexualidad, como disfraz para superar su timidez e inseguridad como artista y, finalmente, como estrategia publicitaria. La segunda línea comprende el análisis de la obra de Warhol: su significación, influencia, así como la descripción de la escena (contra)cultural donde este reinó como gran gurú del pop art e impulsor del rock experimental y el cine underground. 8.
‘El asesino (The Killer)’ (Matz / Luc Jacamon) Es una de las películas más esperadas del año. David Fincher en la dirección, Michael Fassbender y Tilda Swinton de protagonistas, Trent Reznor y Atticus Ross en la música, y Andrew Kevin Walker -el guionista de ‘Seven’- adaptando la novela gráfica escrita por Alexis Nolent, más conocido por su alias en las viñetas Matz. Fincher y Matz ya se conocían: trabajaron juntos en la adaptación al cómic del clásico ‘La dalia negra’. Y el escritor francés ya había sido llevado al cine en Hollywood: ‘Una bala en la cabeza’ (2012), de Walter Hill.
Con motivo de este estreno, previsto para noviembre, Norma ha publicado la edición integral de ‘El asesino’. Dos volúmenes en el que se relata la historia de un solitario y letal asesino a sueldo, a lo León en ‘El profesional’ (1994), que ejecuta sus encargos con enorme meticulosidad y pasa los tiempos muertos antes de apretar el gatillo filosofando en un tono cínico y amargo (hay más reflexiones en off que diálogos, a ver cómo lo trasladan a la pantalla). Un violento neo-noir, lleno de personajes desagradables, narrado de forma muy atractiva por Matz, gracias también al dibujo de Luc Jacamon, de estilo claro salpicado por viñetas casi experimentales de gran expresividad. 7,5.
Como si nos hubiera escuchado quejarnos sobre dónde estaba la promo de la era ‘Endless Summer Vacation‘, Miley Cyrus acaba de enviar a las radios americanas un tema extraído de este disco. El destinado a competir en popularidad con la omnipresente ‘Flowers’ y otros temas del mercado es ‘Jaded’.
Muchos adivinamos las posibilidades de este otro tema veraniego y de hecho ya ha sido incluido en algunas playlists de Spotify bastante populares, como Pop Rising, Pop Songs, Hit Songs 2023 o mi favorita, Frühlingsgefühle («fiebre de primavera» o «sensaciones primaverales» en alemán).
‘Jaded’ ha sido acogida con los brazos abiertos en las emisoras americanas y ya está en el top 40 diario de las emisoras pop. Solo unos días después de haber sido enviada. De momento su audiencia es modesta, pero las reacciones son positivas. En Europa, falta por ver si también dan el «sí». En Reino Unido, siguen intentando lo de ‘River’ y aquel segundo single permanece en la playlist A de Radio One (BBC), pese a que la única canción en todo el top 100 de Miley Cyrus continúa siendo ‘Flowers’. Un claro ejemplo de Miley contra Miley se cierne sobre las listas durante los próximos meses «de eterno verano».
Lewis Capaldi se anota otro número 1 en Reino Unido con un nuevo baladón. Se trata de ‘Wish You the Best’, que es el 4º single de su inminente segundo disco, ‘Broken By Desire to Be Heavenly Sent’.
Es el 5º número 1 histórico de singles para Lewis Capaldi en su tierra, y el 3º extraído del mismo disco tras la buena aceptación de ‘Forget Me‘ y ‘Pointless’, que continúan en las posiciones 7 y 16 de las listas británicas, respectivamente.
Lo curioso es el modo en que la nueva ‘Wish You the Best’ ha desplazado a ‘Miracles’ de Ellie Goulding y Calvin Harris de la cima de sencillos. En principio la canción estaba destinada al top 3 según las «midweeks», pero finalmente ha alcanzado la cifra de 49.587 unidades. La mayoría han sido puntos de streaming (29.115), pero la venta de CD singles ha sido decisiva.
En total y por insólito que parezca, Lewis Capaldi ha vendido 16.759 CD singles esta semana de ‘Wish You the Best’ a través de su página web. Muchos estaban firmados, y como cuenta la OCC, se vendían a 0,99 libras, gastos de envío incluidos para las islas.
La jugada recuerda poderosamente a la vivida recientemente con ‘Eyes Closed’ de Ed Sheeran. El tema fue número 1, incluyendo las 24.000 copias vendidas del CD single, un formato exitoso durante los años 90 que había caído completamente en desuso, pero que está siendo utilizado para maquillar números.
De manera insólita, nadie se ha molestado en añadir una cara B, una versión acústica o un remix a ninguno de estos 2 CD singles. La gracia de unos pocos es estar firmados; la de la mayoría es ayudar a tu ídolo a sumar números 1. Y que luego digan del K-pop…
“Ya no sé ni qué escribir, solo canto lo que noto” dice Yung Beef en ‘Soul Cry’, la canción que cierra su último EP, ‘Gangster Paradise’. Este año su carrera llega a su primera década, y seguramente haya quien piense que ya no sabe qué escribir, pero de verdad: como que ya se repite y que se ha convertido en una parodia de sí mismo. Pista: no. ‘Gangster Paradise’ no puede venir en mejor momento, porque con ese décimo aniversario despeja cualquier duda al respecto: es probablemente su mejor trabajo desde ‘ADROMICFMS 4‘.
Fernando ha vuelto a contar para la producción con colaboradores como Brodinski, Jose the Engineer o Lex Luger, y suma esta vez a gente como Desro, Font, Mike Vegas, JXHN P o KINGFISHER (que vienen de trabajar con Rojuu y Eladio Carrión, respectivamente). Junto a todos ellos crea una atmósfera propia en este disco, y a la vez es capaz de que no desentonen cosas como que en la misma canción se empiece con una base clásica y punteo, en su segunda parte se atreva a samplear al recientemente fallecido Coolio (más meta que ‘Scream’: ‘Gangsta’s Paradise’ sampleaba a su vez el ‘Pastime Paradise’ de Stevie Wonder), y para colmo se entregue al perreo en su tramo final. Esto es ‘Palm Demons’, donde el artista reflexiona (“llevo diez años en el juego y sigo siendo en el terror”) y deja algún que otro dardo (“ “¿cómo te va? Cuánto sin verte, ¿cómo dejas el odio comerte?” / cómo vendéis el alma por veinte, ¿no lo veis? La Vendición independiente”).
Esa libertad se ve también en el hecho de que, en plenas normas tiktokeras, aquí haya canciones de 5 o casi 7 minutos, con estructuras como la mencionada de ‘Palm Demons’ o la de ‘Soul Cry’ (que gana enteros en su segunda parte, ‘El barrio está de moda’, a la que el toque flamenco y melancólico le sienta como un guante, como lo aparentemente random de referenciar una peli de Abel Ferrara), o en el hecho de que igual meta un sample de Coolio… que un sample de Lana del Rey.
Realmente, no es la primera vez que Fernando samplea un tema que quienes no le escuchan no asociarían a él ni en sueños (hago esa apreciación porque si te molestas en acercarte un poco a su música, ves que tiene todo el sentido), y era precioso por ejemplo el uso de ‘I’m in here’ de Sia en ‘EFFY’. Ni siquiera es la primera vez que samplea a Lana (‘^.^’ y ‘Summertime Sadness‘), pero el de ‘Intro Gangster Paradise’ suena más orgánico que nunca.
Es de sobra sabida la admiración de Fernando por la autora de ‘Fingertips’, y sus fans ciertamente salivamos con que se alineen los astros y haya una posible colaboración futura, pero ‘Intro Gangster Paradise’ es un acercamiento interesante a cómo sería el choque de esos mundos que, realmente, se parecen más de lo que puedes imaginar. “Baby seamos silencioso, amar es peligroso / cantante exitoso, obsesione, acoso / un pie adentro y otro afuera, te ponen pila de prueba / pero todo es tan hermoso cuando cierro los ojos”, rapea Fernando antes de entonar el “everytime I close my eyes…” de ‘Dark Paradise’.
‘Gangster Paradise’ es un gran testimonio del universo propio de Yung Beef, pero no solo por la calle y la melancolía (“cada día hay más maldad, pero zorra, ¿yo qué puedo hacer?” se pregunta en la estupenda ‘S500L 4MATIC’), sino también por su humor, que suele olvidarse cuando se habla de él pero es bastante característico, y aquí está muy presente. “Caprichosito el nene, el primero en el barrio en destrozar hotele”, “tu zorra aquí está a gusto, se tira hasta peo / le di Paulina Rubio, y se tira en trineo”, “los yonquis le dejan sus dientes al Ratoncito Pérez”, “baby, el totito se te parte en El Paraíso de los Gangster” o “haciendo Lucas como Andy” son solo algunas de las perlas que encontramos. Y lo mejor de todo es que éste es solo el primero de (como mínimo) tres EPs de Yung Beef que van a salir este año: están anunciados también ‘Bajo Bajo Mundo’ y ‘El Plugg 3’. Una gran noticia cuando un artista está en plena forma, como es el caso.
Con motivo del Día del Libro y las festividades de Sant Jordi, hay descuentos también en nuestra tienda online, a la que debemos un porcentaje importante de nuestra subsistencia. Hasta finales de mes, es decir, el 30 de abril, todos los libros han sido descontados un 5%, y hay mayores descuentos en PACKS y la revista-anuario 2022. Además, los envíos serán gratis para España utilizando el código DIADELLIBRO. No te quedes sin los lanzamientos autoeditados por JENESAISPOP, como el best-seller ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XXI‘, los libros de Juan Sanguino o los comentados en nuestro podcast. Es aquí.
Mark Stewart, una de las voces más influyentes de finales de los 70, nos ha dejado. El artista ha muerto a los 62 años sin que trascienda la causa. Como vocalista y fundador de The Pop Group, publicó trabajos tan influyentes como ‘Y’ o ‘For How Much Longer Do We Tolerate Mass Murder’, cuyo título lo decía todo. Este segundo trabajo incluiría canciones de nombres también reveladores como ‘Forces of Oppression’ y ‘We Are All Prostitutes’, el sonido de la cual dejaba una huella muy evidente en gente como The Rapture.
En el primero ‘Y’ en principio no se incluiría el single suelto que se convertiría en su gran clásico ‘She Is Beyond Good and Evil’, que ha sido versionado por gente como St Vincent. El tema sí se metería posteriormente en las reediciones en CD o digitales.
La música de The Pop Group deambulaba por el dub, el punk y el funk, pero no podía pasarse por alto la función de la desquiciada voz de Mark Stewart, completamente característica. Cuando hablabas con Javier Corcobado, citaba al artista como influencia: «Como decía Mark Stewart de The Pop Group: aunque sus letras eran muy beligerantes y atacaban al sistema, decía que todas eran de amor». Cuando hablabas con Thurston Moore también hablaba de él. En concreto de la escena de Bristol.
El artista había nacido en dicha ciudad, formando en 1977 The Pop Group junto al guitarrista John Waddington, el bajista Simon Underwood, el guitarrista y saxofonista Gareth Sager y al baterista Bruce Smith. Después de separarse en 1980, Stewart continuó con su carrera en solitario y más adelante trabajaría con Primal Scream (en ‘More Light’), Massive Attack, Tricky, Chicks on Speed o Nine Inch Nails.
En 2010 hubo una gira de reunión e incluso salieron dos discos más de The Pop Group, ‘Citizen Zombie’ y ‘Honeymoon on Mars’. El año pasado Stewart publicó un álbum en solitario pero colaborativo llamado ‘Vs’. Por ahí aparecían talentos tan dispares como los industriales Front 242 o la leyenda del reggae Lee “Scratch” Perry, muestra de la amplitud de su paleta.
En el comunicado sobre el deceso, Daniel Miller de Mute Records cuenta que la última vez que vio a Mark fue hace unos meses en Bristol, improvisando un set con Lee Ranaldo. Recuerda que fue «hilarante» y constructivo, pues después del «stand-up», pasaron varias horas “arreglando el mundo”.
MARK STEWART – 10/8/60 – 21/4/23
Mark Stewart passed away in early hours of Friday 21 April 2023
Mark’s family and friends respectfully ask to be given space at this difficult time. pic.twitter.com/L3FvG2W6kX
Aitana sigue siendo lo más votado de JENESAISPOP con ‘Los Ángeles’, primero en la web y luego en el “Desempate de Twitter”. ‘Easy Lover’ de Ellie Goulding llega al puesto 4 del top 40, siendo la entrada más fuerte. Cerca quedan Caroline Polachek, Rodrigo Cuevas y Romy, todos ellos en el top 10.
Daughter entran hacia la mitad mientras Labrinth lo logra en la parte más baja, quizá porque no ha acreditado a Billie Eilish.
Bueno Perdona es una banda de noise pop, del sur, afincada en Madrid, formada por 5 amigos llamados de Teresa (voz), Joaquim (voz y sintes), Fer (batería), Juanma (voz y guitarra) y David (bajo).
Su EP de debut recibe el nombre de ‘Pocas Cosas En Mucho Tiempo’, con temas más próximos al ruidismo y otros más pop. ‘Metro Madrid’ podría ser una producción de los primeros Planetas. ‘Reproches y polen’, de Los Romeos, más bien.
Por otro lado, tienen una versión de ‘Toma mucha fruta’ de Bom Bom Chip. Es decir, no son unos puretas de Ride, My Bloody Valentine y Slowdive.
Su canción más inmediata recibe el nombre de ‘Las plantas se están muriendo’, quizá te suene de su paso por nuestra playlist Sesión de Control, y está llena de humor y costumbrismo. Alguien que no riega las plantas. Alguien que no responde los mensajes. Alguien que produce una «aniquilación». Alguien que deja morir el amor: «Una vez a la semana me dijiste / yo te juro que fue así cómo lo hice / fue una aniquilación desde el salón al comedor».
Una idea sencilla que, acompañada de la melodía adecuada, es infalible y tiene visos de himno generacional. Bueno Perdona actúan el 22 de abril junto a los alicantinos La Jetée en el Café La Palma de Madrid.
Corría el año 2008 cuando The New Raemon publicaba su primer disco, ‘A propósito de Garfunkel’. En aquel momento conocíamos a Ramón Rodríguez como parte de Madee, entre otros proyectos. Seguro que casi nadie recuerda que la banda en este nuevo proyecto se autodenominaba «Culovoladores«. Nada que ver en la práctica con el humor de tal sobrenombre, pero sí con los proyectos primigenios de los músicos que lo componían. Por ejemplo, Standstill.
A ellos recordaba la producción sobria y elegante de pop-rock de ‘La cafetera’, con pianos y guitarras familiares para seguidores de The National o La Buena Vida. Se elevaban las canciones con finales catárquicos como el de “Yo soy Simon, tú Garfunkel” de ‘Tú, Garfunkel’; con estribillos como el de ‘Fuera complejos (“tanto hablar para nada, tanto hablar por hablar”). Con historias de festivales y camas deshechas como las de ‘¡Hoy estreno!’.
El humor sí se asomaba por títulos como ‘El saben aquel que diu’, ‘Hundir la flota’ y ‘A propósito del asno’, pero lo de las canciones en sí era bien grave y serio, y se desarrollaría en discos posteriores. En ese sonido sólido y profesional tuvieron mucho que ver Ricky Falkner (Standstill, Egon Soda, Love of Lesbian) y Ricky Lavado (Standstill, Nudozurdo, The Secret Society, Egon Soda).
Gracias al desarrollo de álbumes como este o a canciones como ‘Te debo un baile’ de ‘Epés Reunidos’ (2010), discos como ‘Tinieblas, por fin’ y ‘Lluvia y truenos’ lograrían colarse en la lista de ventas española. Algo estaba pasando en el llamado indie, cuando Vetusta Morla, Love of Lesbian… cada uno en su estilo, comenzaban a encabezar festivales. Y lo de The New Raemon era comprensible tanto para sus seguidores, como para los de otros grupos más desconocidos como La Costa Brava y las Charades, ambos mencionados en ‘El cau del pescador’. The New Raemon llegaría luego a colaborar con gente tan dispar como Rocío Márquez y McEnroe.
‘A propósito de Garfunkel’ se ha remasterizado y reeditado con una canción inédita llamada ‘Aurora ocho’. La canción va incluida al final de la reedición conmemorativa de 15º aniversario porque narrativamente cierra la historia que el autor cantó en aquel primer álbum. Una historia de un nacimiento hace muchos años, con citas a Jerez de la Frontera, Granada y Madrid, que este fin de semana volverá a tener sentido. Y es que hay sendos conciertos de presentación hoy 21 de abril en Apolo, Barcelona, y el domingo 23 en el Teatro Eslava de Madrid. Las entradas están a la venta y Leia Destruye va a ser la telonera.
Nada que ver con la ajustada trayectoria de 
Maggie O’Farrell está en racha. Tras su celebrada ‘
Tras la extraordinaria novela de no ficción ‘
Si disfrutaste con la miniserie ‘
Es una de las películas más esperadas del año. 
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