ADÉLA es una cantante de 21 años de Bratislava, Eslovaquia que acaba de publicar su primer EP, ‘The Provocateur’. Por si no fuera suficiente evidente que ADÉLA ese tipo de artista que disfruta «provocando» e «incomodando» – en sus palabras-, la artista aparece en la portada de ‘The Provocateur’ orinando de pie en la calle, apuntando sobre una pared.
Estudiante de las divas del pop canónicas del siglo XXI -Madonna, Britney, Beyoncé, Lady Gaga-, y formada en ballet clásico durante su adolescencia, Adéla Jergová se dio a conocer en 2023 tras aparecer en el reality de Netflix ‘The Debut: Dream Academy’, el programa que creó al exitoso girl group KATSEYE. En 2024 lanzó su primer single, ‘Homewrecked’, que evoca el estilo de Marina Diamandis.
Otros como ‘MachineGirl’ o ‘Superscar’ remiten a Gaga, Britney o al electroclash dosmilero, y ‘SexOnTheBeat’ pone ya toda la carne en el asador con un beat machacón que combina elementos industriales y vocoder en el estilo de ‘Pop the Glock’ de Uffie. Es la Canción Del Día.
‘SexOnTheBeat’ es un banger pop-electro que asume y a la vez comenta su propia sexualización. ADÉLA exhibe su físico y sexualidad en ‘SexOnTheBeat’, pero se proclama a sí misma «ramera de la discográfica» y ruega al oyente que la «fetichice». Incluso pone en duda su propia agencia: «Hago mi baile sucio esta noche, te lo sirvo en bandeja, te hago creer que la decisión es mía», desafía ADÉLA, que subraya: «Me da igual si me quieres follar o salvar, me moldeo a tu antojo».
El videoclip de ‘SexOnTheBeat’ representa el mensaje de la canción visualmente de manera impactante, con ADÉLA sirviendo coreografía y flexibilidad como pocas. La provocación iba en serio…
Lana Del Rey cambia de planes respecto a su próximo álbum, que ya no se titulará ‘The Right Person Will Stay’, sino ‘Stove’, y saldrá en enero de 2026. O eso dice la artista en su recién publicada entrevista con W Magazine.
La portada del editorial puede dar de qué hablar por su evidente estética “tradwife”, de moda últimamente. El título de ‘Stove’ («cocina» o «estufa»), por su significado doméstico, de alguna manera se relaciona con esta tendencia.
Lana ha explicado que ‘Stove’ iba a salir antes -la fecha inicial era mayo de este año- pero que su lanzamiento se ha retrasado porque decidió añadir seis canciones nuevas. Debido a que las letras son personales, han “necesitado tiempo” para completarse.
‘Stove’ tendrá un «aire country en su mayor parte». Sin embargo, Lana reconoce que quizá llegue tarde a la moda: «Hace ocho años, cuando quería hacer un disco country, nadie pensaba en el country. ¡Ahora todos se están yendo al country! Me he preguntado: ¿Debería jubilar todas mis botas de piel de serpiente? ¿Debería guardar mis sombreros vaqueros en una bodega?”
Una de esas seis nuevas canciones añadidas al disco anteriormente conocido como ‘Lasso’ podría ser ‘All About Ethel’, que Lana ha adelantado en Instagram y es un diss track dedicado a Ethel Cain, a quien acusa de “burlarse” de su peso en unos mensajes antiguos.
Taylor Swift y Travis Kelce han anunciado su compromiso en un post de Instagram conjunto, compuesto por una sesión de fotos en la que aparecen posando frente a un arco de flores. «Vuestra profesora de inglés y vuestro monitor de gimnasio se casan», expresa el comunicado.
Swift y Kelce se conocieron en 2023 y desde entonces han protagonizado episodios públicos como su famoso beso en la Super Bowl de 2024. Últimamente, Swift ha aparecido en New Heights, el pódcast de Kelce, para anunciar su nuevo disco, ‘The Life of a Showgirl‘.
Swift ha salido con célebres músicos y actores a lo largo de su vida, como Jake Gyllenhaal, Harry Styles o Joe Alwyn, con quien salió durante seis años. Sin embargo, es la primera vez que se compromete.
Mariah Carey será la gran protagonista de la próxima ceremonia de los MTV Video Music Awards, que se celebrará el 7 de septiembre. Carey recibirá el Vanguard Award, actuará y promocionará su nuevo disco, ‘Here for It All‘, que se lanzará el 26 de ese mes.
El premio, antiguamente conocido como “Michael Jackson Video Vanguard Award”, se creó para reconocer la innovación en el mundo del videoclip. Aunque la videografía de Carey no es conocida por su innovación, sin duda forma parte de la historia de MTV y del pop en general. Estos son sus 10 mejores vídeos.
10.- Type Dangerous
Una superproducción 100% Joseph Kahn, el vídeo de ‘Type Dangerous’ incluye humor, autohomenaje, autoparodia y un cameo del famoso youtuber Mr. Beast. Dividido en siete actos, cada uno dedicado un “tipo peligroso” diferente, el clip destaca por su elevada producción, uso de efectos especiales, escenas de acción y diversidad de escenarios y vestuario.
Fun fact: ‘Type Dangerous’ samplea ‘Eric B. Is President’ de Eric B. & Rakim.
9.- Always Be My Baby (1996)
Uno de esos vídeos puros e inocentes de la Mariah Carey pre-‘Butterfly‘ (1997), el clip de ‘Always Be My Baby’, dirigido por la propia Mariah, narra un romance de campamento de verano. Rodado en el campamento del Fresh Air Fund de Nueva York, una organización benéfica patrocinada por Carey, el vídeo es recordado por la escena de Mariah meciéndose de noche en un columpio de neumático, sobre un lago.
Fun fact: ‘Always Be My Baby’ cuenta con un remix totalmente diferente a la canción original que suma a Da Brat y Xscape.
8.- We Belong Together (2005)
Pocos recuerdan que el vídeo de ‘We Belong Together’ es la continuación del de ‘It’s Like That’: en este vídeo doble, Mariah se reencuentra con un amor de juventud y, el día de su boda con el personaje interpretado por Eric Roberts, que es donde se sitúa la historia de ‘We Belong Together’, decide escaparse con el chico más joven y guapo, interpretado por un Wentworth Miller que está a punto de debutar en ‘Prison Break’. Plot twist: Miller sale del armario en 2013.
Fun fact: ‘We Belong Together’ es la canción más exitosa de 2005 en Estados Unidos.
7.- Obsessed (2009)
Años antes de que Lady Gaga presentara a su alter ego drag king, Jo Calderone, Mariah Carey ya había jugado con el travestismo en el videoclip de ‘Obsessed’. En él se disfraza de acosador, parodiando la obsesión masculina. Mariah, reclinada con glamour en su chaise-longue, pasa total del tío, que acaba como Regina George en aquella escena de ‘Mean Girls’ (2004). Los rumores dicen que Mariah interpreta a Eminem en el vídeo, pero, aunque ella lo niega, el rapero llega a publicar una canción en respuesta a ‘Obsessed’, ‘The Warning’.
Fun fact: ‘Obsessed’ se viraliza en TikTok en 2019 y actualmente es la canción más popular de Mariah Carey en Spotify.
6.- Boy (I Need You) (2003)
Claro antecesor de ‘Toxic’ de Britney Spears, el vídeo de ‘Boy (I Need You)’, una colaboración con el rapero Cam’ron, llega antes y está dirigido por la misma persona, Joseph Kahn, con quien Carey trabaja por primera vez. En el clip, Khan sitúa a Carey en una fantasía retrofuturista con guiños a las películas de ‘Godzilla’, a la serie ‘Speed Racer’ y al surrealismo de los anuncios televisivos japoneses. Khan lo concibe como una extensión del vídeo de ‘Doesn’t Really Matter’ (2001) de Janet Jackson.
Fun fact: ‘Boy (I Need You)’ es un remake de ‘Oh Boy’, un single de Cam’Ron publicado el mismo año.
5.- My All (1998)
Mariah, sola, naufragando en la oscuridad, encuentra su camino en los brazos de un joven marinero que la espera en un faro en medio del océano. Suena a cliché romántico, pero el videoclip de ‘My All’, dirigido por el prestigioso fotógrafo Herb Ritts, y filmado en Puerto Rico, destaca en su obra gracias a su preciosa cinematografía y rodaje en blanco y negro.
Fun fact: ‘My All’ fue el quinto single extraído de ‘Butterfly’, aunque solo el segundo internacional, y fue el más exitoso de todos.
4.- Fantasy (1995)
Mariah declara en la época de ‘Honey’ que decide liberarse porque el público antes la toma por la «Mary Poppins de los noventa». A este percepción contribuyen vídeos como el de ‘Fantasy’, que marca su debut como directora. En el clip, Carey aparece risueña y feliz en un parque de diversiones, patinando o montada en una montaña rusa. Estas imágenes son suficientes para convertir el vídeo en icónico.
Fun fact: El remix de ‘Fantasy’ con Ol’ Dirty Bastard revoluciona el pop introduciendo en el mainstream el modelo de canción de hip-pop que combina en igualdad de peso el rap y la melodía pop.
3.- Touch My Body (2008)
La fantasía sexual de un empollón exagerada hasta el absurdo, el vídeo de ‘Touch My Body’, que vuelve a reunir a Carey con Brett Ratner, es una sucesión de escenas infantilizadoras: Mariah juega a las pistolas láser, pasea un unicornio vestida de princesa medieval, luce falda corta a lo «Lolita». Una sátira del imaginario masculino, de la manera en que muchos hombres perciben a las mujeres, el vídeo incluye la memorable participación del cómico Jack McBrayer de ’30 Rock’.
Fun fact: ‘Touch My Body’ es el último single número 1 de Mariah Carey en Estados Unidos lanzado en el siglo XXI.
2.- Heartbreaker (1999)
La dicotomía chica buena / chica mala es un cliché del pop, pero Mariah y su director Brett Ratner le dan la vuelta en ‘Heartbreaker’ para parodiar su imagen pública y la manera en que la sociedad enfrenta a las mujeres. Además de tirarse de los pelos con Bianca, su alter ego, y de protagonizar la pelea de gatas más recordada de la videografía pop, sirve coreografía en crop top de ganchillo y tejanos: ¿qué más se puede pedir?
Fun fact: El vídeo de ‘Heartbreaker’ es uno de los más caros de la historia: su producción asciende a 2,5 millones de dólares.
1.- Honey (1997)
En ‘Honey’ nace la Mariah que todos conocemos. No habla muy bien español, pero el balconing se le da de lujo y aprovecha para lucir cuerpo en bikini, en una de las escenas más icónicas de su videografía. A nadie se le escaparon los paralelismos entre el vídeo de ‘Honey’ y el «opresivo» matrimonio de Carey y Tommy Motola, de quien Mariah se estaba divorciando. Los hombres trajeados de negro del vídeo no son otra cosa que ejecutivos de la industria musical.
Fun fact: ‘Honey’ samplea ‘Hey DJ’ de The World’s Famous Supreme Team y ‘The Body Rock’ de los Treacherous Three.
Manuel de la Calva, mitad del Dúo Dinámico, ha fallecido a los 88 años en el Hospital Anderson de Madrid. Lo ha confirmado su compañero de grupo, Ramón Arcusa, que también ha explicado para EFE que el cantante y compositor sufría una fibrosis pulmonar. Arcusa asegura que Manuel se mostraba «positivo, dicharachero y peleando hasta hace poco».
Hace 3 años, a Manuel de la Calva se le diagnosticó una fibrosis pulmonar tras desplomarse en un concierto en Sitges (Barcelona). Arcusa ha publicado un emotivo mensaje en redes sociales dedicado a su «compañero de cien aventuras y mil canciones», al que también llama «el alma de Dúo»: «No lloréis por él, no le gustaría», ha escrito en X.
Manuel era la mitad del Dúo Dinámico, uno de los grupos más influyentes de la historia del pop español. Desde finales de los 50, cosecharon éxitos de la talla de ‘Quince años tiene mi amor’, ‘Esos ojitos negros’ y ‘Amor de verano’, los cuales también les convirtieron en precursores del fenómeno fan de la década de los 60. Sin embargo, siempre serán recordados por ser los autores de ‘La, La, La’, la canción con la que Massiel ganó Eurovisión en 1968. En los 80, resucitaron con ‘Resistiré’, utilizada en ‘Átame’ de Pedro Almodóvar, y revitalizada como himno de resistencia durante la pandemia de coronavirus en 2020.
JENESAISPOP entrevistó al Dúo Dinámico en 2016. En aquella ocasión, Arcusa aseguró que el grupo se trataba de uno de los primeros indies: «Tuvimos que inventar cosas que no se conocían. Impusimos nuestras canciones, nuestros arreglos, nuestra visión de la imagen, luchando contra una compañía de discos que estaba anquilosada».
Manolo de la Calva, mi amigo del alma, más que hermano, compañero de cien aventuras y de mil canciones nos ha dejado hoy.
No lloréis por él, no le gustaría. Fue el alma de Dúo, siempre alegre, optimista, positivo. Cantad con él en esta despedida.
Radar Joven sigue creciendo. Su tercera edición fue la más exitosa hasta el momento, con más de 6.000 asistentes y casi una treintena de conciertos agotados, y la siguiente está preparada para superarla con los 57 conciertos que ha preparado en 27 salas de la capital española del 15 de octubre al 8 de noviembre.
Para volver a poner en valor el joven talento nacional, y en colaboración con Madrid en Vivo, Radar Joven ha elegido a Alba Reche, Aiko El Grupo, joseluis, Kiliki, La Texana, Remei de Ca la Fresca, Sila Lúa y Somos La Herencia, entre muchos otros nombres que serán desvelados próximamente al completo.
Las salas más emblemáticas de Madrid recibirán los conciertos de estos artistas, entre los que se encuentran algunas de las mayores promesas del panorama. ‘Por ahora para siempre’, el debut de joseluis, es uno de nuestros favoritos del año, mientras que otros, como ‘Danzas de Amor y Veneno’ de Sila Lúa, tampoco tienen desperdicio.
Todas las entradas para los conciertos de Radar Joven tendrán un precio de 7 euros. También existirá una oferta para comprar dos por 10 euros, además de descuentos del 50% con el Carné Joven (3,5 euros por entrada). Tanto en la web del ciclo como en la operadora de venta se anunciarán más bonificaciones.
Daniel Caesar es a la vez uno de los artistas más populares -sus cifras millonarias en plataformas así lo corroboran- y subestimados del R&B moderno. Sí, su faceta más baladesca, sobre todo al principio de su carrera, puede hacerse pesada. Qué bien que también se guarde temazos tan difíciles de obviar como ‘Call On Me’. Es la Canción del Día.
Su nombre no suele aparecer en la conversación, pero Caesar sigue siendo uno de los colaboradores preferidos de los mayores artistas. Ya sea por la belleza de su voz, prestándola en proyectos como ‘CHROMAKOPIA’ o el próximo disco de Blood Orange, o por sus talentos compositivos, como le demostró a Justin Bieber en ‘SWAG’, Caesar siempre suele estar ocupado.
Tras el lanzamiento de la solemne ‘Have A Baby (With Me)’, el artista de 30 años ha desvelado una de las canciones más inmediatas de su carrera, que también significa un cambio estilístico considerable. Una progresión de acordes levemente distorsionados da comienzo a ‘Call On Me’, antes de que la melodía que se saca Caesar de la manga venda por completo el tema antes de los 20 segundos.
La influencia de Miguel es clara, mientras que la producción corre a cargo de Jordan Evans, Matthew Burnett y Rami Dawod. Evans y Burnett llevan colaborando con Caesar durante toda su carrera. Dawod, por otro lado, está detrás del sonido de varios singles de Frank Ocean. Entre ellos, ‘Chanel’ y ‘Lens’. Más de ellos en ‘Son of Spergy’, el próximo disco de Daniel Caesar, disponible el 24 de octubre.
Ay… crees que conoces a alguien y resulta que lo único que conoces seguro es su nombre. La decepción marca esta etapa de Ava Max. Es lo que nos cuenta en ‘Know Somebody’, una de las composiciones que parecen dedicadas a su ex pareja y ex productor Cirkut, tras liarse este con su co-autora, Madison Love. La artista se ha sentido traicionada y ha vivido una clarísima crisis de autoconfianza. ‘Don’t Click Play’ es un álbum que ha ideado solo para demostrarse que podía seguir adelante sin las personas con las que creó ‘Sweet but Psycho’ y ‘Kings & Queens’.
Ahora junto a productores más desconocidos como Inverness y Pink Slip, entre otros, Ava Max continúa entregada a los beats ochenteros, aunque con matices.
‘Know Somebody’ es un medio tiempo con algún ramalazo italo, el single ‘Wet, Hot American Dream’ bebe del HI-NRG, ‘Lovin Myself’ es puro electropop, ‘Take My Call’ presenta guitarras post-disco, ‘Lost Your Faith’ incluye un solo que ni un tema jevi… Pero todo aquí excepto ‘Fight for Me’ -más cerca de Timbaland o la actual Tate McRae- se encamina hacia la década de la laca y las hombreras.
Las canciones son exactamente lo que parecen en una primera escucha y desde el primer segundo. ‘Sucks to Be My Ex’ plantea «tiene que ser una mierda ser mi ex, ¿porque después de mí, ¿con quién vas a salir?». En ‘How Can I Dance’ aprende a bailar sola. En ‘Lovin Myself’ se consuela con Versace, Donatella, Marilyn y Chanel No. 5.
El mal trago de Ava Max se nota porque incluso cuando está construyendo un banger como el propio ‘Don’t Click Play’, que podría haber sido muy divertido por su tratamiento de su parecido con Lady Gaga, la cantante suena triste. El disco carece de baladas y ese es uno de sus puntos fuertes, pero en ‘Don’t Click Play’ la fiesta nunca llega a reventar. Ni siquiera cuando presenta una canción que sabe a Eurovisión, ‘World’s Smallest Violin’.
Agradable y ágil en su media hora de duración, ‘Don’t Click Play’ es más el álbum que Ava Max necesitaba grabar, que el que necesitaba el público. En su intento de recomponerse, la artista ha parecido olvidar que su segundo álbum, ‘Diamonds & Dancefloors‘ ya funcionó bastante peor que su debut. Para recuperar público necesitaba algo más de garra o de desgarro.
Cosquín Rock celebrará su segunda edición en España el próximo sábado 30 de agosto. El festival internacional llevará a Valladolid una jornada formada por un cartel variado y preparado para todo tipo de públicos, con Sebastián Yatra, YSY A o Love of Lesbian entre los cabezas de cartel. JENESAISPOP es medio oficial.
Estos compartirán escenario en el Pingüinos Arena con Marlena, León Gieco, Agarrate Catalina, Instituto Mexicano del Sonido, Silvestre y La Naranja, Garfield y NDLR (Rubén de La Pegatina). A continuación, seleccionamos los nombres imprescindibles de Cosquín Rock 2025.
Sebastián Yatra
El artista colombiano es el plato fuerte de Cosquín Rock, siendo su único concierto en Castilla y León como parte de su actual gira mundial, ‘Entre tanta gente’. Yatra promete presentar su disco ‘Milagro’ con un «show de locos», formado por seis músicos, una monumental escenografía y un desfile de hits de la talla de ‘Tacones Rojos’, ‘Traicionera’ o ‘Pareja del Año’.
Love of Lesbian
Lo 25 años de carrera de Love of Lesbian también serán protagonistas del festival vallisoletano. Santi Balmes y los suyos repasarán los himnos más grandes de su trayectoria -‘Club de fans de John Boy’, ‘Allí donde solíamos gritar’, ‘Fascinados’- como parte de La Hermandad Tour. Las favoritas de ‘Ejército de Salvación’ tampoco faltarán en el set.
YSY A
Por supuesto, el ecléctico cartel de Cosquín también incluye uno de los pesos pesados del trap en Latinoamérica. El show del argentino, pionero del género en el país, promete ser uno de los más intensos y particulares de la jornada, mezclando las nuevas corrientes con la música autóctona de su país. Así, el tango no faltará en Valladolid.
Barry B
El artista revelación de Aranda de Duero también ofrecerá un espectáculo de contrastes, mezclando pop, rock, electrónica y hip hop en el mismo concierto. Barry hará temblar el Cosquín con nuevos himnos, tales como ‘Yo pensaba que me había tocado Dios’, ‘Infancia mal calibrada’ o la desgarradora ‘El lago de mi pena’.
Duncan Dhu
Mikel Erentxun seguirá celebrando en Cosquín Rock los 40 años del grupo fundado en 1984 junto a Diego Vasallo, que no participa en esta gira. Aun así, canciones como ‘Cien gaviotas’ o ‘En algún lugar’ seguirán traspasando generaciones en el Pingüinos Arena.
Sanguijuelas del Guadiana, el grupo extremeño que hace unos meses comparábamos lo mismo con Estopa que con Daft Punk, ya son un éxito en nuestro país. Además de sumar 125.000 oyentes en Spotify, el grupo ha logrado colarse en el top 88 en España con su primer disco.
Puede parecerte poco, pero en verdad ‘Revolá’ se editó en mayo y no aparece en la lista de vinilos más vendidos. Eso significa que está funcionando de manera orgánica, a modo de «sleeper», poco a poco, y gracias al boca oreja. De hecho, están en el número 104 de los discos más escuchados de Apple España, y subiendo. Entre sus mayores éxitos, la pizpireta ‘100 AMAPOLAS’ y un tema que entendemos que subirá la semana que viene: ‘Septiembre’. Para mayor mérito, edita Infarto Producciones.
Centrándonos en la lista española, Bad Bunny mantiene el número 1 con ‘DtMf‘ y Aitana el número 2 con ‘Cuarto azul‘. La subida más fuerte es la de Billie Eilish con ‘Hit me Hard & Soft‘, que pasa del 46 al puesto 8 por una reimpresión del vinilo, que de hecho es el LP más vendido del país estos días.
Las entradas se completan con ‘Wishbone’ de Conan Gray (top 2 en UK y top 3 en USA), que llega al puesto 20; Maroon 5, que no pasan del puesto 50 con ‘Love Is Like‘, el álbum con el que definitivamente se les ha acabado la buena racha; y la reedición de ‘La cantera’ de Guitarricadelafuente en el puesto 96.
Lil Nas X ha comparecido este lunes ante el Tribunal Superior del Condado de Los Ángeles, en California, para declararse no culpable de cuatro delitos graves que se le imputan. La Fiscalía lo acusa de haber agredido y causado lesiones a tres agentes de policía, y de resistirse a un cuarto, cuando fue interceptado el pasado viernes mientras caminaba desnudo por Ventura Boulevard, en el Valle de San Fernando.
Tras el altercado, el rapero de ‘Old Town Road’ fue trasladado al hospital, ya que se sospechaba que podía estar bajo los efectos de una sobredosis. Posteriormente, fue trasladado a prisión, donde ha pasado el fin de semana.
Aunque los cuatro delitos graves podrían acarrearle varios años de prisión, el juez ha fijado a Lil Nas X una fianza de 75.000 dólares para poder salir de prisión bajo fianza, cuantía que Lil Nas X ha abonado, procediendo a su salida de prisión. Además, se le ha impuesto la obligación de no poseer, consumir ni manipular drogas ilegales, así como de inscribirse en un programa ambulatorio.
Lady Gaga está probando nuevas formas de promoción para el lanzamiento de ‘Dead Dance’, la canción que ha escrito para la serie ‘Miércoles’ y que aún no tiene fecha de salida. Así, la autora de ‘Mayhem’ ha encendido el ordenador y ha probado uno de los juegos más populares de Roblox, el divino ‘Dress To Impress’.
Este es, básicamente, un juego de pasarela de moda que consiste en vestir a tu personaje lo más fielmente posible a la temática otorgada. Una especie de MET Gala, pero en 3D. De esta forma, la propia Lady Gaga se encargó de responder algunas preguntas de sus fans mientras estos lucían los looks más icónicos de la cantante en la pasarela, incluido el vestido de carne.
Al principio, los usuarios no creían que la verdadera Gaga estuviese al mando de su personaje. Por eso mismo, se encargó de desmentir los rumores subiendo una fotografía a X: «Por si os preguntabais si era yo de verdad», escribió la cantante a la vez que mostraba la pantalla de su portátil.
The developers of the Dress To Impress X Lady Gaga event issue an apology after fans complained about the nature of the event and felt as though it was “falsely advertised” pic.twitter.com/sbS3OPhx0w
— ⋆⭒˚ᶠᵃⁿ she thinks her piss is wine ⋆⭒˚ (@grxndesenigma) August 24, 2025
Despite some users’ complaints, calling it “inappropriate,” the Dress To Impress team decided to keep Lady Gaga’s “meat dress” in the game. pic.twitter.com/nOHwLe6hAG
Tras años de batallas legales, Andy Summers y Stewart Copeland finalmente habrían demandado a Sting, acusándole de deber millones de libras en «regalías perdidas». Según The Sun, los miembros de The Police consideran que no han recibido una compensación económica a la altura de sus contribuciones a la banda.
Según indica el tabloide británico, los abogados de ambas partes habrían intentando, «en repetidas ocasiones», alcanzar un «acuerdo extrajudicial». Sin embargo, no se ha llegado a materializar. Summers y Copeland defienden que, aunque el vocalista figure como el autor de sus mayores éxitos, su contribución a esas canciones debe ser reconocida.
A través de su equipo de representación, Sting ha negado que la demanda tenga algo que ver con la canción ‘Every Breath You Take’. Se calcula que el artista británico, único compositor de la pieza, ingresa alrededor de 635.000 euros anuales en derechos de autor solo por este tema.
Rels B mantiene el número 1 de la lista de singles española con ‘Tú vas sin (fav)‘. La subida más fuerte es la de ‘Me mareo’ de Kidd Voodoo con JC Reyes, que pasa del puesto 12 al puesto 5.
La única novedad de la semana es ‘Seteadora’ de Laja, uno de los numerosos singles que el artista autoeditado ha lanzado este año con la intención de revitalizar el drill en español, introduciendo también otros beats como el jersey. El tema, que se lanzó en mayo, aparece al fin en el puesto 88 en la lista oficial española, y además seguirá subiendo, pues ronda ya el top 50 en Spotify España.
‘INSIDIOUS’, editada a finales del año pasado, y el más reciente ‘AVENTADOR’ también están entre sus temas más populares. Varias referencias al cine de terror aparecen en sus vídeos, y de hecho tiene una canción llamada ‘Friday 13th’.
También hay una llamada ‘Silent Hill’, otra titulada ‘HEATH LEDGER’ y otra titulada ‘Ghost’, aunque no descuida la política: otros títulos son ‘UKRAINE’ y ‘GAZA’, si bien no son los más populares. En suma, ha superado el millón de oyentes en Spotify. La mayoría están en ciudades españolas, destacando el tercer lugar de Santo Domingo.
Otros movimientos destacados de la lista española son la nueva subida de ‘malibU’ de rusowsky, que alcanza ya el top 15, un nuevo máximo; o La Oreja de Van Gogh, que vuelve al número 98 con ‘Rosas’, ya certificada como quíntuple platino.
A sombr ya le ha caído el sambenito de «industry plant» por haberse anotado dos éxitos internacionales antes incluso de publicar su disco de debut. Lo ha logrado con ‘Back to Friends‘ y ‘Undressed’, dos himnos de indie-pop-rock que han conquistado a la generación tiktokera y plantado cara en listas a artistas ya consagrados. sombr, que tiene 20 años, ha de ser, sí o sí, un producto.
Sin embargo, la realidad es otra. Aunque sombr -se pronuncia «somber», su nombre real es Shane Michael Boose- cuenta con el respaldo de una discográfica multinacional, lo cierto es que él compone desde joven, se ha formado en la conocida escuela musical LaGuardia y, además, es el primer productor de sus canciones. Esto, unido a que ha crecido escuchando a los clásicos del pop y el rock, construye una propuesta muy bien atada a nivel técnico. Quizá demasiado.
‘I Barely Know Her’, el debut de sombr, es uno de esos discos técnicamente perfectos: las canciones son excelentes, los estribillos infalibles, las armonías grandiosas, las letras cercanas, las actuaciones vocales sobresalientes, las influencias adecuadas. Todo está en su sitio, todo suena de maravilla. Pero hay un vacío, y es esa misma perfección, que no permite ver la humanidad de sombr, sus luces y sombras.
Las canciones de sombr son catedrales emocionales. Esa es su envergadura, y probablemente es responsable de que todos sus cimientos estén en su sitio, el co-autor y co-productor Tony Berg, quien, tras trabajar con Paul McCartney o Phoebe Bridgers, asiste en esta ocasión al jovencísimo artista neoyorquino.
Las influencias de sombr no le corresponderían por edad, ya que ‘Crushing’ evoca el britpop retro de los 90, y la escena indie-rock de principios de los 2000 -más o menos cuando sombr nació- inspira las guitarras stroke-ianas de ‘Back to Friends’, la energía disco-rock de ’12 to 12′ o la guitarrera ‘Come Closer’. Y a pesar de su juventud, canciones como ‘I Wish I Knew How to Quit You’ suenan como si hubieran vivido tres vidas, como si Tears for Fears vivieran su auge hoy.
La fórmula de ‘Back to Friends’ y ‘Undressed’ se sigue a rajatabla en un álbum que hila un himno tras otro. ¿Pero es una canción un himno, si busca serlo deliberadamente? Aunque las composiciones son incontestables, la fórmula se desgasta en seguida por culpa de dos problemas. En primer lugar, las interpretaciones vocales de sombr son tan dramáticas que rozan el emo, pero su voz suena en todo momento distorsionada, sucia, pasada por un filtro de micro viejo. Es una decisión estética que hace que sus canciones parezcan artificiales.
En segundo, sus letras están plagadas de frases vacías y clichés románticos, probablemente resultado de su juventud. Pero líneas como «podemos ser más que amigos, te quiero amar hasta el fin de mis días» (‘Dime’), «cómo podemos ser amigos de nuevo, si acabamos de compartir cama» (‘Back to Friends’), «dime si nuestra historia ha acabado o nuestros corazones siguen latiendo juntos» («I Wish I Knew») son genéricas, no cuentan nada particularmente personal de sombr, y su ambigüedad, su carencia de significado, contrasta con el dramatismo de las canciones. sombr las interpreta con gran intención, pero, al final, no dicen nada.
Cada canción de ‘I Barely Know Her’ está potenciada al máximo: es difícil recordar un disco de debut reciente tan consistente y cohesivo. El único inconveniente es que la perfección técnica de todas las canciones apela a la palatabilidad inmediata y masiva, pero roba sus canciones de matices interesantes y, sobre todo, no refleja la turbulencia emocional que sugieren las letras. Elliott Smith o Bon Iver supieron extraer belleza de la mierda, pero sombr -de momento- les admira desde la distancia.
Maluma ha decidido elogiar el gobierno de Nayib Bukele en su último concierto en El Salvador. El artista decidió alabar la gestión de Bukele, asegurando que, «como colombiano», su país tiene «muchísimo que aprender del país hermano El Salvador».
La gira actual de Maluma, nombrada ‘+Pretty +Dirty World Tour’, está siendo la más polémica de su carrera. Hace unas semanas, el colombiano ocupaba titulares por regañar a una madre que había llevado a su bebé a un concierto suyo. Ahora, ha decidido alabar la gestión de Bukele en el Salvador: «Me alegra muchísimo la situación por la que está pasando el país. Felicidades».
Este aseguró que «la energía del lugar se siente bonita» y destacó la limpieza de las calles, así como lo «amorosas y cariñosas» que son los ciudadanos. Al mismo tiempo, y en un gesto fuera de lo común, Maluma salía al escenario con la gran mayoría de sus tatuajes cubiertos. En El Salvador, puedes ser arrestado si llevas el tatuaje equivocado.
Desde su llegada a la presidencia de El Salvador en 2019, Nayib Bukele ha estado bajo la mirada de organizaciones como Amnistía Internacional debido a las conductas represivas que ha impuesto en el país. Recientemente, este reformó la constitución salvadoreña para permitir la reelección presidencial indefinida, lo que podría mantenerle para siempre en el poder.
🚨| ÚLTIMA HORA: El artista colombiano Maluma, da un concierto en El Salvador, y alaba el cambio positivo que ha tenido el país 🇸🇻 gracias al presidente @nayibbukele y dice que Colombia 🇨🇴 tiene muchísimas cosas que aprender de este país.🔥 Dale ME GUSTA Y RT si estás de acuerdo. pic.twitter.com/axGmDtdMPo
TikTok no siempre es esa odiosa red social en la que circulan libremente los bulos y se popularizan bobadas. También es una plataforma donde se resucitan clásicos perdidos, como ‘Dreams’ de Fleetwood Mac, o incluso algunos que nunca terminaron de serlo. Ya nos lo decían hace poco Wolf Alice: desde que existe esta plataforma «los sellos tienen menos control sobre lo que engancha a la gente» y es el pueblo el que decide los singles.
Pues bien, la gente ha decidido en los últimos meses rescatar del olvido ‘Let Down’ de Radiohead, un tema que no fue en principio de los más populares de ‘OK Computer’ (1997). El tema ha rozado solo ahora el top 50 del Global de Spotify, y actualmente lo encontramos en el número 72. Se está usando en todo tipo de vídeos: para felicitar un cumpleaños al jugador de baloncesto Kobe Bryant, para recordar a un perro muerto, o vinculados a la serie ‘Ginny and Georgia’. Con 375 millones de streams en Spotify, ya es la 6ª canción más escuchada de Radiohead de la historia, y adivinamos que pronto superará a ‘Fake Plastic Trees’ y ‘High and Dry’. Es decir, ya ha llegado más lejos incluso de lo que llegó en nuestro top de 50 mejores canciones de Radiohead, donde le otorgamos el 7º lugar.
‘OK Computer’ fue un éxito instantáneo en su momento. Vendió 7 millones de copias durante su campaña, mucho antes de que contaran los puntos de streaming. Muy pocos meses después de su salida, ya empezó a aparecer en listas de lo mejor de todos los tiempos, y a día de hoy sigue siendo considerado el puente perfecto entre la música del siglo XX y la del siglo XXI.
‘Let Down’ se barajó como uno de los sencillos principales de aquel álbum, pero se descartó porque al grupo no le gustó el videoclip que se le dedicó, el cual permanece inédito. Se hizo un single promocional y se envió a las radios, pero no pudo rotar en MTV al modo en que lo hacían, a todas horas, ‘Paranoid Android’ y sobre todo ‘Karma Police’. Sin embargo, siempre ha sido una de las producciones más elogiadas del álbum, y también una de las favoritas de sus seguidores, gracias a la pasión con la que Thom Yorke entona el espectacular tramo final, y también a la que contienen muchas de sus frases, algunas tan visuales que en cierta medida creerás haber visto el mencionado videoclip.
La grabación tiene la peculiaridad de contener varias capas de guitarras y pianos que dejan la extraña sensación de estar escuchando algo mágico, casi una caja de música. El guitarrista Ed O’Brien mencionó la influencia del muro de sonido de Phil Spector en la grabación, y Jonny Greenwood habló más bien de un efecto de desfase atribuido a Steve Reich, pues además de esa batería que a veces parece entrar deliberadamente tarde, la guitarra sigue un compás diferente al del resto de los instrumentos.
La comunión de elementos y voces que a veces parecen fluir a su libre albedrío, dan lugar a un final perfecto. Tras un puente casi instrumental, Thom Yorke hace sonar varias líneas a la vez. Cuenta la leyenda que la maqueta tenía dos versos extra, pero no les convencían y en su lugar se decidió superponer el texto icónico «one day I am gonna grow wings», uno de los que la gente incluso ahora se está tatuando, con el coro «you know where you are», produciendo un efecto precioso. El tema se grabó a las 3 de la madrugada en un gran salón de St Catherine’s Court, una conocida mansión de Somerset, donde el productor Nigel Godrich se opuso ferozmente a que el tema terminara en «fade out».
Hablando de sentirse como «bichos aplastados contra el asfalto», ‘Let Down’ parecía la prima moderna de ‘Creep’, conectando también con el vídeo de ‘Just’, en el que precisamente varios humanos aparecen pegados sin motivo al suelo. Sin embargo, como todo ‘OK Computer’, va un paso más allá y esconde intenciones más complejas. Oficialmente el tema habla sobre el miedo a estar atrapado y también de la alienación: «sobre esa sensación que tienes cuando estás en tránsito pero no tienes el control, simplemente pasas por miles de lugares y miles de personas y estás completamente alejado de eso». De ahí las menciones a autopistas y medios de transporte, lugares donde escuchar ‘Let Down’ con buenos auriculares, posee un encanto especial.
Pero también es una canción crítica con el sentimentalismo atribuido a la generación X. «El sentimentalismo es ser emocional por el mero hecho de serlo. Nos bombardean con sentimientos, la gente se emociona. Esa es la «decepción» («let down»): sentir todas las emociones es falso. O mejor dicho, todas las emociones están en el mismo plano, ya sea un anuncio de coches o una canción pop». Jonny Greenwood elogiaba a Andy Warhol cuando dijo que podía disfrutar de su propio aburrimiento. «‘Let Down’ va sobre eso».
En un momento en que la «decepción», para muchos de sus fans, está siendo la tibieza y sobre todo lo tarde que han tratado el genocidio en Gaza, Radiohead cuentan en verdad con dos viejos temas en las listas de éxitos: ‘Creep’, omnipresente en los últimos lustros, y ahora también, ‘Let Down’.
Dos nuevos valores del urban español se han juntado para un temazo. Por un lado, Aleesha, la ibicenca afincada en Barcelona que no por nada es conocida como ‘La Patrona’. Por otro, la murciana L0rna, autora de la increíble ‘Mr. Sexo Beat‘.
Juntas, Aleesha y L0rna entregan ‘Superstar’, porque superestrellas son desde el día en que nacieron. Así lo afirman sobre este nostálgico beat de hip-hop de Manu Oliva y Jaasu que trae de vuelta el sonido crunk de los dosmiles. Ying Yang Twins, Lil Jon o Ciara han podido estar en su punto de mira.
El tema está lleno del descaro esperado. Aleesha, por su lado, presume de cochazo, pelazo, uñas y «cara de presumía». Y desafía: «Mi ex dice que estoy loca, y puede que sea verdad». En el estribillo cuela una referencia a ‘Who’s That Chick‘ de Rihanna y David Guetta. Al menos, lo es en nuestra cabeza. ¡Alguien tenía que reivindicar aquel temazo!
l0rna entra en el beat a mitad de canción con la chulería que la caracteriza. Además de presumir de confianza, disciplina y pasta en el bolso, manda un saludo a su colega Bea Pelea y otro a las «guapas» porque «las que envidian son feas».
‘Superstar’ es adictiva desde la primera escucha, gracias también a su minimalista beat, que va agregando elementos progresivamente: los rasgueos de guitarra acústica y la melodía de teclado que se fusionan en el estribillo emiten cierto eco arábigo.
El único elemento de ‘Superstar’ que no funciona es su forzada parte hablada, que incluye una broma sobre el miembro de un ex, igual de pequeño que un lápiz labial.
Verónica Echegui, actriz madrileña que saltó a la fama en 2006 con su papel protagonista en ‘Yo soy la Juani’ de Bigas Luna, que le valió una nominación a Mejor actriz revelación en los Goya, ha fallecido a los 42 años en Madrid, informa El País, como consecuencia de un cáncer.
Echegui, nacida en 1983, actuó en ‘Yo soy la Juani’ junto a Daní Martín, de El Canto del Loco. Después, volvió a ser nominada a los Goya por sus papeles de presidiaria en ‘El patio de mi cárcel’ (2008) de Belén Macías, y de profesora destinada a Nepal en ‘Katmandú, un espejo en el cielo’ (2011), de Icíar Bollaín, en ambos casos en la categoría de Mejor actriz principal. Aunque el Goya lo terminó ganando en 2022 como directora por el corto de ficción ‘Tótem loba’.
Echegui sumó papeles tan recientemente como en 2024, el de ‘Justicia artificial’ y, en el último lustro, había aparecido en ‘Explota Explota‘ (2020), el biopic de Raffaella Carrà; ‘Objetos’ (2022) o incluso en la segunda temporada de ‘Paquita Salas’, donde encarnó a la actriz vasca Edurne Bengoetxea, una parodia de Miren Gaztañaga. Echegui participó también en videoclips musicales como ‘Quizá‘ (2018) de Joe Crepúsculo.
Los eventos de escucha colectiva de álbumes -conocidos como listening parties- resisten a la era de las playlists y al supuesto déficit de atención. Se han consolidado como una forma de socializar en torno a un artista favorito y disfrutar de discos de manera “exclusiva”, antes que la mayoría. Artistas como Aitana los han convertido en acontecimientos masivos, mientras tiendas de discos de todo el mundo, por ejemplo, El Genio Equivocado, en Barcelona, recurren a ellos para reunir a melómanos en su espacio, recientemente en torno al último álbum de Ethel Cain.
Luego están los eventos de «música a ciegas«, muy populares en los últimos tiempos. En estos encuentros el público escucha, en la oscuridad, álbumes al completo, normalmente clásicos de la historia de la música de artistas como Radiohead, Depeche Mode o, entre las últimas incorporaciones al canon, Rosalía o Taylor Swift. Estos eventos no tienen un fin promocional, sino puramente recreativo.
Los artistas celebran escuchas exclusivas de discos como una manera de premiar la lealtad y el apoyo de sus fans. Entre los últimos en sumarse a la moda está Blood Orange, que estos días ha presentado su nuevo álbum, ‘Essex Honey’, en varias ciudades del mundo, incluida Barcelona.
En el espacio Nica de Casa Bonay, un selecto grupo de seguidores de Dev Hynes, que han accedido al espacio previa reserva de entrada, se reúne para descubrir en primicia las canciones del álbum. El lugar, con cortinas y sillones rojos iluminados por una luz cálida, mantiene abierto el bar para quien quiera acercarse por una cerveza. El ambiente es de escucha atenta pero relajada: no se trata de una ceremonia solemne: la sensación es de estar en casa compartiendo música con amigos, aunque con el respeto que exige enfrentarse a material inédito, casi como si se tratara de un secreto.
El espacio también destaca por su calidad de sonido, algo que se percibe claramente al escuchar ‘Essex Honey’, un álbum rico en matices de jazz, indie-pop, R&B y folk, y tan inquieto que las canciones pueden incluir diferentes géneros y estilos dentro de sí mismas. Algunas, como la conocida ‘Somewhere in Between’, recurren a constantes cambios de ritmo y secciones musicales, pero la atmósfera se mantiene siempre tan urbana como melancólica. Hynes concibe el álbum como una exploración del duelo y una reflexión sobre su juventud, y como un intento de procesar estas emociones dentro de un contexto de «duelo y pérdida colectiva».
La versión presentada en el evento fluye sin pausas, lo que hace que a veces resulte difícil seguir cada canción. Desde el inicio con la hipnótica ‘Look at You’, el público recibe la música ensimismado, cerrando los ojos, ladeando la cabeza, observando tímidamente la reacción del resto de asistentes. La mayoría escuchamos el disco sentados en el suelo, pero otros se relajan en sillones y sofás. A mí se me escapa una sonrisa escuchando la preciosa composición pastoral ‘Countryside’, pero la sensación general es que el público se deja envolver por la música y sus detalles.
La música de ‘Essex Honey’ es variada, mutante, escurridiza. De pronto ‘Lost of England’ incluye violines que introduce un acelerado beat de breakbeat; de pronto las voces de Caroline Polachek y Lorde emergen, inconfundibles, en la bellísima ‘Mind Loaded’. ‘Life’, la canción más sexy («quiero verte desnuda toda la noche») pasa del slow jam R&B a la guitarra minimalista en un pestañeo: la voz de Tirzah encuentra de repente su lugar, sonando tan cálida como siempre.
Como si Dev Hynes quisiera repasar décadas de historia de la música o incluso su propia carrera como artista y productor, ‘Essex Honey’ no teme pasar de la electrónica de ‘Westerberg’ al indie-pop de ‘The Train (King’s Cross)’, que remite a su etapa como Lightspeed Champion, pero sobre todo recorre por su sangre una influencia del jazz evidente en la instrumentación -clarinetes, flautas, cuerdas de todo tipo- y el carácter fluido y libre de las composiciones. Y ‘(I Listened) Ever Night’ incluso introduce percusiones con ecos a la samba, solo para pasar a la pista de baile inmediatamente después. ‘Essex Honey’ se publica este viernes.
Las giras internacionales son tremendamente exigentes, y si no, que se lo digan a Kylie Minogue, que este fin de semana ha sido captada sufriendo un “pequeño colapso respiratorio” tras finalizar su reciente concierto en Ciudad de México, un episodio que, por fortuna, quedó en un susto.
Kylie habría experimentado un malestar posiblemente relacionado con el agotamiento y la altura de la capital mexicana, según cuenta Muzikali Records. “La artista, siempre profesional, fue atendida rápidamente por su equipo tras bambalinas, recostándose para recibir auxilio”, señala la publicación.
El clip que circula en redes sociales muestra a Kylie cerrando el show radiante. Sin embargo, al retirarse del escenario comienza a sentirse indispuesta: se coloca la mano al pecho, parece perder estabilidad y, según se ve en las imágenes, se pone de frente y cae, posiblemente asistida por un guardia de seguridad. No queda claro en el vídeo si llegó a desmayarse.
Kylie no ha comentado el episodio en redes, pero ha seguido publicando contenido con total normalidad y buen ánimo, por lo que parece que se encuentra recuperada del pequeño percance.
Gracias al usuario @timeout por compartir el vídeo en nuestros foros.
@muzikalirecords ¡Kylie Minogue deslumbra en el Palacio de los Deportes! 🌟 Anoche, la reina del pop-disco, Kylie Minogue, de 57 años, hizo vibrar a más de 20,000 fans en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México con su esperado Tension Tour 2025. Tras 14 años de ausencia, la australiana ofreció un espectáculo lleno de energía, nostalgia y coreografías impecables, interpretando éxitos como Can’t Get You Out of My Head, Padam Padam y Love at First Sight, además de temas de su aclamado álbum Tension. El show fue un derroche de glamour y profesionalismo, consolidando su reinado en el pop mundial. Sin embargo, al finalizar, Kylie sufrió un pequeño colapso respiratorio, posiblemente por el agotamiento y la altura de la CDMX. La artista, siempre profesional, fue atendida rápidamente por su equipo tras bambalinas, recostándose para recibir auxilio. Los fans expresaron su preocupación y apoyo en redes, destacando su entrega total en el escenario. ¡Kylie, eres una diosa! 💖 #TensionTour#KylieMinogue#CDMX♬ sonido original – Muzikali Récords
Ava Max ha hecho su tercer disco para probarse a sí misma que era capaz de hacer música sin su ex pareja, Cirkut. inverness y Pink Slip son los productores que han demostrado que Henry Russell Walter no es precisamente insustituible. El electropop de Ava Max tiende a lo genérico y este ‘Don’t Click Play’ no se deshace de eso. Su mérito es conseguirlo con gracia.
Este título que además da nombre al álbum puede ser premonitorio, pues ya nos hemos dado cuenta de que este no va a ser el proyecto más exitoso de Ava Max, pero sí pretende ser irónico. El pre-estribillo dice «no le des al play, no lo pongas, porque te va a encantar y vas a querer ponértelo dos veces». Algo que funciona con esta producción adictiva que, durando 2 minutos, invita a la escucha «en repeat».
Hay dos claves para ello: un «Dum-dum, da-da» que se pega como un chicle, como ya sucedía en el mítico ‘Tom’s Dinner’ de Suzanne Vega y tantas otras canciones a lo largo de la historia del pop. Y luego, la tristeza con que Ava Max se hace eco de las críticas que ha leído en X.
Dice el espectacular segundo verso: «En X es un tema de conversación constante: «ella es una imitación de Gaga cantando samples». ¿Pero no puede ‘Kings and Queens’ quedar bien junto a ‘Poker Faces’? Me estoy queriendo a mí misma, por mucho que lo odies».
Este coger el toro por los cuernos roza lo sublime. Lo único que no le perdonamos es que no haya videoclip para el día del estreno. ¿Os imagináis que Lady Gaga recogiera el guante y se animara a participar en un remix o en una presentación en directo de la canción, interpretando justo ese segundo verso? Con Gaga inmersa en la gira de ‘MAYHEM’ parece poco probable, pero por pedir que no quede…
El festival Riverland de Asturias ha vivido este fin de semana un extraño episodio cuando Bb Trickz ha irrumpido en el escenario durante la actuación de la rapera castellonense Metrika, acompañada de su equipo, para increparla y agredirla.
En un vídeo que circula en redes se puede ver a Bb Trickz subir al escenario, arrebatarle el micrófono a Metrika de forma brusca y espetarle: “¿Tú no me dijiste que me ibas a robar los racks?”. En la jerga del hip-hop, el término racks hace referencia tanto al éxito como a fajos de billetes.
El incidente escala hasta el punto que uno de los acompañantes de Bb Trickz lanza un vaso con agua y hielo contra la cabeza de Metrika. Según el testimonio de la propia rapera en otro vídeo compartido en redes, el enfrentamiento continuó en los camerinos:
“Me han mojado el pelo, pero el mánager de Bb Trickz se ha llevado un puñetazo en la boca. Ella se encerró en el camerino y hasta que no la sacaron por la fuerza… Es lo que hay, ¿no? Ya la pillaremos, ya la pillaremos”, declara Metrika.
El festival Riverland se ha celebrado este fin de semana, del 22 al 24 de agosto, en Arriondas, Asturias, con Rusowsky, LaBlackie, Barry B o Mushkaa también entre los nombres confirmados.
Que Dios -o quien sea- se apiade del resto de los mortales, si Wolf Alice, que fueron nominados al Mercury Prize con su primer disco, lo ganaron con el segundo, y fueron número 1 en UK con el tercero, han tenido problemas de autoafirmación. Ya lo decía Björk, que «no hay mapa ni brújula» capaz de ayudar a entender el «comportamiento humano».
‘The Clearing’, el cuarto álbum del grupo británico, se presenta como el primero en el que Wolf Alice se han aceptado como banda, se han planteado qué querían hacer y lo han llevado a cabo. La idea principal ha sido centrarse en la sencillez de las canciones, dejarlas a piano si así es como habían surgido y -lo más singular-, elaborar un disco sobre la «performance» como concepto, lo que explica su espectacular portada.
‘Thorns’ abre el álbum justo enfrentándose al proceso compositivo, con todo lo que eso conlleva de «narcisista» y de «masoquista». El single ‘Bloom Baby Bloom’, en el que Ellie Rowsell se ha planteado cantar «como Axl Rose pero en chica», contiene otra parte del concepto, cuando el pre-estribillo dice algo así como «mírame cómo lo intento de fuerte, estoy harta de intentarlo tanto». Esta especie de mambo raro no tiene continuidad en un álbum que rehúye de más efectos jazzy o de improvisación, para rendirse, en general, al folk y al soft rock de los años 60 y 70. Ese «aceptarse como banda» parece significar que no tienen por qué ponerse una chupa de cuero, sino que pueden hacer lo que quieran.
Los discos de Wolf Alice siempre han sido variados, nunca han sido la banda de grunge que aparentaban por imagen, y ahora esa diversidad la encontramos en canciones como ‘Just Two Girls’, a medio camino entre ABBA y las producciones de Ian Catt para gente como Saint Etienne. Pero en general el álbum llama la atención por lo poco rockero que es, a destacar la bellísima guitarra de ‘Leaning Against the Wall’ -un tema surtido de matices electrónicos-, o el piano que manda en ‘Play It Out’, que habla sobre la pérdida de la fertilidad, y ‘Midnight Song’, sobre encontrarte con la niña que fuiste.
Porque de alguna manera ‘The Clearing’ también habla sobre la identidad del artista es que una canción como ‘White Horses’ encaja a la perfección en este álbum. En ella la voz principal no es la de Ellie, sino la del batería Joel Amey, que bucea en el origen de sus antepasados, por los que se ha preguntado siempre al haber sido su madre y su tía, adoptadas. La melodía y la progresión de la canción, totalmente setenteras, son espectaculares, y Ellie Rowsell no tiene de qué preocuparse. Hacer segundas voces puede ser muy gratificante, porque implica que sólo tienes que cantar la mejor parte de una canción, y aquí Rowsell está exultante, elevando un tema que ya estaba muy arriba desde el principio. Ahí es cuando más te acuerdas de cuánto sumaban juntos Buckingham, Nicks y McVie.
En cuanto al concepto, el grupo ha hecho un esfuerzo por introducir palabras y elementos relacionados con la «actuación» en canciones que parecían no tener tanto que ver. «¿Es el amor nuestra más perfecta performance?», plantea ‘Leaning Against the Wall’, y a continuación ‘Passenger Seat’ versa sobre las canciones que unen.
Finalmente, ‘Bread Butter Tea Sugar’ y ‘Safe in the World’ pueden resultar más planas en una parte central que suele ser la más difícil de rellenar en un trabajo, pero el grupo logra equilibrar las cosas dejando para el final dos de los tres singles que llevamos: ‘White Horses’ y el ya «fan favorite» que supone ‘The Sofa’. Un tema que acepta la posibilidad de ser diferentes cosas en la vida, por ejemplo «salvaje» o por ejemplo «una zorra» cuando te enfadas. Wolf Alice superan la presión de tener que mostrarse como «una preciosa reina intelectual» o un grupo «salvaje» pidiendo un pequeño respiro. La sección de cuerdas se lo concede. Misión cumplida.
