Bad Gyal ha sacado un puñado de singles este año que han terminado formando parte del repertorio de su gira de verano, el Bikini Badness Tour, que se ha presentado en festivales como Mallorca Live o Arenal Sound. Entre ellos se encuentra su dueto con Omar Courtz, ‘Comernos‘, ya Doble Platino en España. Pero también ‘Da Me’, que suma un Disco de Platino.
‘Da Me’ ha alcanzado el puesto 7 en España, actualmente ronda el top 20 y, como habéis destacado en los comentarios de JENESAISPOP, destaca por contar con un chulo videoclip, probablemente el mejor de toda la carrera de Alba Farelo.
El videoclip de ‘Da Me’ está diseñado para lucir el esculpido físico de Bad Gyal, pero la producción de TORSO es especialmente original en su uso de efectos especiales, que transforman la moderna y minimalista casa del vídeo en un organismo desbordado de deseo sexual.
‘Da Me’, que acredita como composición principal a Spread Lof (Kali Uchis, Sebastián Yatra) es otra fusión de estilos latinos de Bad Gyal, esta vez, de reggaeton y bachata. Esta fusión, bajo producción de Jorge Millano (Nicky Jam, Maluma) y Cromo X (Daddy Yankee, C. Tangana), funciona gracias a los expertamente introducidos cambios de ritmo que aceleran y desaceleran la canción.
El pegadizo estribillo coral de ‘Da Me’ destaca en la discografía de la artista catalana, que, en la declaración «en el sexo eres especialista» entrega otro de sus hooks infalibles. La rima siguiente gustaría a Becky G: «Me lo entra, lo siento / Pa ese tamaño estoy lista».
Hace más de 10 años, en los foros de JENESAISPOP ya se hablaba del k-pop como un género con potencial de éxito internacional, en contraste con el más peculiar j-pop. En aquel momento, el viral ‘Gangnam Style’ de Psy ya había abierto las puertas del k-pop al mundo, pero aún pasarían años hasta que este género musical -que también es una industria en sí misma- se convirtiera en un auténtico fenómeno global gracias al éxito de BTS y BLACKPINK.
Y, aun así, el k-pop seguía siendo de nicho, como demostraba el desempeño comercial de ciertos singles o álbumes que se catapultaban al número 1 en su primera semana para después desplomarse. El éxito descomunal de ‘K-Pop Demon Hunters‘ demuestra que el k-pop ha dejado definitivamente de ser un producto de mero fenómeno fan, para convertirse en una exportación cultural absolutamente mainstream y global.
‘K-Pop Demon Hunters’ -en España ‘Las guerreras del k-pop’- ejemplifica además cómo el público infantil puede definir fenómenos culturales. Es un producto familiar, dirigido a niños, y estos lo están visualizando en bucle hasta el punto de que la película, dirigida por Maggie Kang y Chris Appelhans, está en camino de convertirse en la más reproducida de la historia de Netflix. Y con razón: ‘K-Pop Demon Hunters’ es una obra animada muy bien hecha, que funciona en varios niveles y tiene capas.
La película narra la historia de un exitoso trío de k-pop, Hunter/X, que caza demonios para preservar el bien en el mundo. Rumi (Arden Cho), Mira (May Hong) y Zooey (Ji-young Yoo) son las cantantes de este grupo, que con sus voces y canciones mantienen sellado el Honmoon, la barrera mágica que separa el mundo humano del de los demonios. Cuando un grupo masculino de k-pop, los Saja Boys -demonios encubiertos- intenta imponer la maldad en la Tierra, se desencadena la trama y una serie de complicaciones que pondrán en riesgo la amistad de las protagonistas.
El primer gran acierto de ‘K-Pop Demon Hunters’ es ser un musical cuyas canciones no solo tienen el peso esperado en la narrativa, sino que resultan lo suficientemente pegadizas como para haber irrumpido en listas oficiales (‘Golden‘ es ahora mismo la canción más exitosa del mundo). Estas canciones no son extraordinarias a nivel de composición ni producción, pero resultan efectivas y divertidas acompañadas de los atractivos y coloridos visuales en 3D, que, como en ‘Soda Pop’, hacen que “los ojos hagan pop”: y, a la vez, funcionan por sí solas, extraídas de su contexto.
La cinta también logra un buen equilibrio entre drama, humor y fábula transmitidos a través del prisma moderno del pop coreano y la animación digital. Si bien la comedia “goofy” la sitúa firmemente en el terreno del público infantil, no deja de ser, en el fondo, una alegoría comprensible para cualquier espectador que transmite una lección importante: la necesidad de aceptarse a uno mismo, con sus virtudes y defectos, y la manera en que ocultarlos solo genera demonios que seguirán apareciendo aunque intentes ignorarlos.
Más allá de la acción y la animación, ‘K-Pop Demon Hunters’ tiene fondo. Su elemento fantástico se inspira en el chamanismo coreano, y en la trama también se percibe un comentario claro sobre la propia industria del k-pop y la manera en que explota y deshumaniza a sus ídolos (visible en la figura de la mánager de Rumi). Por otro lado, la película acierta al esquivar la típica trama romántica, poniendo el foco en la aceptación personal, en la importancia de la ayuda mutua y, al mismo tiempo, en preservar la independencia de sus personajes.
Vale la pena también detenerse en el aspecto técnico y visual de ‘K-Pop Demon Hunters’, ya que su frenético ritmo logra que el entretenimiento no decaiga. En parte, gracias a su uso de la clásica técnica «smear», un recurso de animación y efectos visuales usado principalmente para transmitir velocidad. Hay quien recomienda ver la película a mitad de velocidad para apreciar sus esmerados detalles visuales. Es posible conectar con ‘K-Pop Demon Hunters’ con el corazón, pero también con la mente, y ahí radica la clave de su éxito.
Un día Kae Tempest le puso un par de maquetas nuevas a su colega, el productor Fraser T Smith, y este no dudó en sincerarse: «no creo que esto sea lo que debería salir de ti ahora mismo. Mejor vamos a empezar otra vez y veamos qué pasa». De esa honestidad en el estudio pueden salir grandes obras, y el quinto disco de Kae Tempest es una tan decisiva que recibe el nombre de ‘Self Titled’. No es que la haya llamado ‘Kae Tempest’, es que ha escrito ‘Self Titled’ en el lomo como para advertir de cuánto va a revelar de su propia historia.
‘Breathe’, que dura 6 minutos y es por mucho el tema más largo, contiene un verso tan revelador como este:
«Fui un chico al principio,
luego llegué a la pubertad y tuve que ser una chica,
de verdad que intenté ser alguien que se adaptara al mundo».
Efectivamente, ‘Self Titled’ es un disco que de manera muy explícita habla sobre la transición del artista que conocimos como Kate Tempest, primero se reconoció como persona no binaria, y finalmente, como hombre trans.
‘I Stand on the Line’ habla sobre vivir una «segunda pubertad a los 37» y ‘Know Yourself’ afronta el tema de estar presentando una nueva voz, contraponiendo su voz actual a un sample de su voz de pequeño. «Vuelvo al niño que fui, buscando un adulto / me vi allí, y le cogí de la mano», dice en este tema para cuyo vídeo se ha contado con una veintena de personas trans y no binarias, que podéis encontrar acreditadas en Youtube.
Por supuesto y como siempre, su propio viaje personal se extiende a lo social, porque como dice en la mencionada ‘Breathe’, su historia también es la de sus amigxs que viven en Londres. Y las de otras personas del mundo, atended: «¿Por qué con todos los problemas que tenemos que resolver, los cuerpos de las personas trans están siempre en la agenda?», se pregunta ‘I Stand on the Line’. «Mientras nos sigan matando por nuestras diferencias, tenemos que seguir viviendo, tenemos que sobrevivir», plantea la misma letra, en referencia a la alta tasa de suicidio en la comunidad.
‘Statue in the Square’ habla de cruzarse con alguien que obviamente nunca ha visto a una persona trans, y es una canción brevísima, que pide ser escuchada en bucle porque su estribillo es tan bueno que no da tiempo a disfrutarlo: «Nunca quieren cerca a una persona como yo, pero cuando me muera, me pondrán una estatua en la plaza».
La transición de Tempest se expone desde diferentes prismas, como el echar de menos tu pasado, o la imposibilidad de tener hijos. Lo primero se plantea en ‘Prayers to Whisper’: «He visto pasar a alguien que llevaba tu chaqueta, me ha dolido recordar la chica que conocí, pero al menos ya no sufres más». Y lo segundo aparece en la evocadora y profunda ‘Bless the Bold Future’, cuyo fondo pulula entre la espiritualidad de Enigma y Jean Michel Jarre. El tema se pregunta si de todas formas merecía la pena tener un bebé teniendo en cuenta «el estado del planeta».
El paso a lo social, de una manera más general, aparece en la rapera ‘Diagnoses’, de beat chorra pero mensaje serio. El estribillo es una enumeración de enfermedades mentales que termina preguntándose si no tenemos un «sobrepronóstico» de nosotros mismos, cuando lo que está mal es el mundo.
Ante este nuevo aluvión de ideas, Fraser T. Smith, que ha trabajado lo mismo con Dave que con RAYE, opta por un fondo a menudo trip hop, un registro en el que Tempest siempre ha estado cómodo, compuesto por bases y pequeños arreglos de cuerda o piano. Si la segunda mitad del disco, una vez pasa el interludio ‘Everything All Together’, resulta algo más plana (‘Forever’, ‘Till Morning’), la primera es absolutamente vibrante gracias a las ideas desplegadas en ‘Know Yourself’, un pop que se convierte en electrodisco, o la synth-pop ‘Sunshine on Catford’, que parece una canción de Pet Shop Boys.
Connie Constance aporta su bonita voz en ‘Hyperdistillation’, y también colaboran en el álbum Tawiah (‘Bless the Bold Future’), Tom de Chemical Brothers (‘Know Yourself’, ‘Diagnoses’) y Young Fathers (‘Breath’), pero es Neil Tennant quien se queda el featuring más distintivo del álbum por lo bonita que resulta dicha y dichosa canción de amor: «Nunca supe lo poco que sabía hasta que te conocí. Nunca supe lo perfecto que era todo, hasta que fui perfecto para ti».
Varias reseñas de ‘Self Titled’ apuntan a que este es el mejor disco de Kae Tempest. Es imposible decidir si es más relevante la decadencia de Europa o la historia de una persona trans. Como dice él, el modo en que la libertad de las personas trans está en el foco es absurdo. Sobre todo si recordamos que estamos viviendo un genocidio en directo y que un estafador ha terminado gobernando el país más poderoso con el beneplácito de las redes sociales y tres oligarcas. La carrera de Kae Tempest está exhibiendo que todo está relacionado.
¿Quién habría imaginado que, de 18 concursantes de Operación Triunfo, solo unos pocos lograrían dedicarse a la música? En absoluto esto ha ocurrido en 25 años de historia del programa. Por alguna razón, para algunos, que Lucas Curotto y Cris Helia hayan terminado desempeñando empleos «ordinarios», no relacionados con la industria musical, o relacionados de manera tangencial, es motivo de humillación y burla en redes sociales.
Fue parecido a presenciar el fin del mundo cuando Lucas Curotto, finalista de Operación Triunfo 2023, fue visto trabajando de camarero en un bar de Madrid. El mundo colapsará en cuanto descubra que su compañero de edición, Cris Helia, está realizando un espectáculo musical en un restaurante canario. Helia fue captado recientemente disfrazado de bogavante.
Ambos no han podido responder a las críticas con más elegancia, afirmando que los ingresos generados de sus empleos actuales les permiten financiar su música. Cris Helia, dando una lección de clase, ha invitado a su hater -que tuvo el descaro de tirarle veneno por privado- a entrar al restaurante y presenciar su show.
No voy a ser yo quien niegue que sorprende ver a dos personas que alcanzaron cierta fama televisiva hace dos años gracias a su talento musical, de vuelta a la vida (relativamente) anónima. Ninguno ha logrado desarrollar una carrera musical masiva. Sin embargo, las personas que se burlan de ellos desde el anonimato de las redes ignoran que la realidad de Cris y Lucas es la del 99% de los artistas y músicos de todo el mundo. Muchos de ellos no concursan en Operación Triunfo, es cierto. Pero muchos de ellos tampoco tienen la valentía de exponerse en un programa televisivo y buscar una oportunidad a través de esa vía.
La industria musical es -sorpresa- extremadamente competitiva, y la mayoría de músicos que se dedican profesionalmente a este oficio lo hacen desde el anonimato. Hay millones de músicos activos en todo el mundo, pero no todos pueden acceder a contratos discográficos, a programas de televisión o a tocar en festivales, simplemente porque no hay espacio ni demanda para todos. Según un informe reciente de la Unión de Músicos en España, más del 60% de los músicos tiene uno o más empleos adicionales a la música para poder sostenerse. Y ahí la responsabilidad de Lucas y Cris ha sido diferenciarse y destacar en la industria, algo que tristemente no han conseguido. Y no pasa nada.
Ni cabe decir que los artistas que logran fama masiva y reciben ingresos millonarios son una minoría: la mayoría de músicos permanecen en nichos locales o regionales y trabajan en educación musical, producción, eventos o empleos fuera de la música para sostenerse. No es solo que no sean Taylor Swift o C. Tangana, es que muchas bandas de indie que aparecen continuamente en revistas especializadas, logran cierto renombre y ganan premios, no se dedican a la música exclusivamente y desempeñan empleos en otros sectores.
Lucas y Cris son el blanco fácil porque han estado expuestos mediáticamente, al contrario que la mayoría de músicos profesionales del mundo. Sin embargo, su situación laboral es resultado de una industria incapaz de absorber todo el talento que existe y no tiene que ver con su talento, sino con la misma estructura de la industria musical. Ellos, por supuesto, se han defendido públicamente, pero les dignifica simplemente trabajar, y quienes tratan de humillarlos no hacen más que proyectar una visión tremendamente miope y reducida del éxito. Ellos -y tantos como ellos- siguen siendo artistas estén en la cima o no.
Conan Gray es una de las superestrellas de la era actual del streaming. ‘Heather’, single extraído de su debut de 2020, ‘Kid Krow’, es uno de esos temas que superan los 2 mil millones de reproducciones en Spotify, y los números de ‘Maniac’, ‘Memories’ o ‘The Cut that Always Bleeds’ son igualmente impresionantes.
Gray es, además, uno de los artistas asociados a Dan Nigro, productor de Olivia Rodrigo y Chappell Roan. Junto a Nigro, Gray ha producido su cuarto álbum, ‘Wishbone‘, que acaba de ver la luz.
El repertorio de ‘Wishbone’ se construye sobre un sonido que hibrida pop-rock, rock alternativo y folk-pop. ‘Vodka Cranberry’ es uno de sus himnos, y la Canción Del Día para hoy sábado.
‘Vodka Cranberry’ se caracteriza por su estribillo coral. También es una sentida composición que mezcla guitarras acústicas y cuerdas dramáticas a la manera del brit-pop de los noventa. A pesar de su tradicional estructura, composición e instrumentación, ‘Vodka Cranberry’ logra destacar convirtiendo la bebida que da título a la canción en un símbolo de desamor. Un cóctel que, en el mundo de Conan Gray, encarna el dolor de una ruptura inminente. ¿Será su respuesta a ‘Espresso’ y ‘Diet Pepsi’?
Quizá por haber bebido demasiado ‘Vodka Cranberry’, Gray no escatima en sentimentalismo. «Sé que me odias, he mirado tu foto y llorado como un crío; habla, no me hagas esperar, si no vas a cortar lo nuestro, lo haré yo», lamenta. La canción invita a cantar a pleno pulmón, y Gray se anota el mérito de incluir el adjetivo «imbécil» en la letra y lograr que suene natural.
‘The Subway’ es el 2º número 1 en JNSP de Chappell Roan, tras haberlo logrado por primera vez hace unos meses con el relanzamiento de ‘Pink Pony Club’. Su gran hit ‘Good Luck, Babe!’ quedó en el top 10 en su momento. La artista ha sumado más del 50% de los votos en las Stories de Instagram. La canción ha sido número 1 en Reino Unido, número 3 en Estados Unidos y número 94 en España.
Ethel Cain, Julieta y Demi Lovato llegan esta semana al top 20 mientras Zara Larsson, HUNTR/X y Bakar llegan al top 40.
Sabrina Carpenter esperará hasta el lanzamiento de ‘Man’s Best Friend’, su nuevo disco, para extraer un segundo single que suceda en listas a ‘Manchild‘, que cumple casi tres meses de vida. ‘Manchild’ se mantiene en el número 15 en Estados Unidos, en el 25 en Reino Unido y en el 20 en el global de Spotify, pero no ha igualado el impacto de ‘Espresso‘, ‘Please Please Please‘ y ‘Taste‘, de momento, y a pesar de que cuenta con probablemente el mejor vídeo del año.
‘Tears’, el corte 2 de ‘Man’s Best Friend’, servirá de segundo sencillo, y lo sabemos porque Carpenter ha anunciado el estreno de su videoclip, que se producirá el mismo día que el del disco, el 29 de agosto.
El avance del vídeo revela una pieza de gran factura, y una estética de cine clásico estadounidense que deriva en terror. Puede ser la continuación del vídeo de ‘Taste’, que también se lanzó de cara a Halloween hace un año.
En el teaser de ‘Tears’, Carpenter se recompone de un accidente de coche; ha chocado con un árbol y caído en la hierba seca. A pesar del accidente, Carpenter mantiene el glamour vistiendo sombrero y tacones de color blanco perla y un vestido lápiz de color azul claro. Cuando se levanta, Sabrina descubre frente a ella una casa de madera y, a continuación, un trueno retumba en el cielo y un rayo corta la oscuridad, iluminando fugazmente la fachada de la casa.
La inspiración de ‘Tears’ esta vez parece apuntar a Hitchcock… ¿y también un poco al cine colonial de los años 30 y 40? Habrá que verlo antes de sacar conclusiones.
Hotline TNT, la banda de rock neoyorquina, es la última en retirar toda su música de Spotify, citando valores incompatibles con los de la empresa sueca. En un breve comunicado firmado por sus cuatro integrantes, Will Anderson, Lucky Hunter, Haylen Trammel y Mike Ralston, el grupo asegura que «la empresa que se presenta como la guardiana de toda la música grabada ha demostrado, sin lugar a dudas, que no se alinea con los valores de la banda de ninguna manera», y defiende que «un mundo más cool es posible”. La obra de Hotline TNT puede escucharse en servicios como Apple Music o Bandcamp. En Spotify, lo único accesible por ahora es un concierto registrado por el sello Audiotree
Hotline TNT explicará su decisión de abandonar Spotify el 5 de septiembre en una transmisión en vivo que podrá seguirse a través de Twitch, Youtube e Instagram. Durante el telemaratón de 24 horas, Hotline TNT venderá 500 copias de ‘Raspberry Moon’, su último disco, y, en palabras de Stereogum, «conversará con artistas, periodistas, dueños de tiendas de discos y otros sobre su música nueva favorita, las fuentes para descubrirla y sus sentimientos sobre Spotify».
La decisión de Hotline TNT llega apenas dos meses después de la salida de ‘Raspberry Moon’, publicado el pasado 20 de junio.
Grupo conocido por su estilo shoegaze, Hotline TNT es autor de tres álbumes largos, los dos últimos, ‘Carthweel’ y ‘Raspberry Moon’ editados en Third Man, el sello discográfico de Jack White. El primero, ‘Nineteen in Love’, fue un lanzamiento independiente.
Dijon es uno de los grandes valores del underground estadounidense desde que en 2021 lanzara su interesante debut, ‘Absolutely‘, que emparejaba su rasposa voz con producciones de folk, R&B, neo-soul y góspel que sonaban como diamantes en bruto, aunque todavía demasiado convencionales para destacar.
En ‘Baby’, su segundo disco, publicado por sorpresa y sin singles, Dijon da dos tazas de su estilo particular y entrega una de las obras más innovadoras del año. El artista de Baltimore, de origen guameño, convierte el estudio en el laboratorio de un genio loco y somete sus canciones a toda clase de experimentos.
Su firma sonora ya era perceptible en ‘Swag‘ de Justin Bieber, donde ejerció como co-productor, pero en ‘Baby’ desata todo el potencial de su propuesta musical. Su sonido crudo y la naturaleza fluida, casi de collage, de sus producciones son llevados al extremo ya en la pista inicial, ‘Baby!’, pero Dijon Duenas también cuida las melodías: en ‘Higher!’ contrastan con el componente alucinógeno de la producción, mientras que en la preciosa balada ‘Rewind’ conmueven sin filtros. Aquí la influencia de Bon Iver, con quien Dijon colaboró en su último disco, resulta innegable.
Aunque ‘Baby’ no es un disco de singles, sino una obra cohesionada que funciona como un todo, algunas pistas logran una alquimia perfecta de inmediatez pop y experimentación musical. ‘Yamaha’ se corona con un guiño a la perfección ochentera e incluye un genial sample de ‘O Superman‘ de Laurie Anderson en sus primeros segundos.
‘Yamaha’, entre percusiones grandiosas y gritos claustrofóbicos, reivindica la aceptación de los sentimientos propios y refleja un álbum también crudo en lo emocional. Dijon expone fragmentos de su vida: su paternidad en varias pistas, el deseo sexual y reproductivo («It’s kinda sexy, let’s go make a baby», canta en ‘Another Baby!’), la reconciliación con su padre en la experimental y densa ‘My Man’, o el recuerdo de una amistad pasada en ‘Rewind’: donde antes había abrazos, ahora solo queda distancia.
Pero en ‘Baby’ no hay distancia, sino un deseo constante de conexión humana. La música suena procesada, editada, dada la vuelta de arriba abajo; de algún modo, Dijon hace al oyente testigo del proceso creativo. El ladrido de un perro se cuela en ‘Loyal & Marie’ y las experimentaciones desbordan en los interludios, composiciones menos definidas, puras investigaciones sonoras en busca de la siguiente dirección.
Dijon brilla cuando se entrega al pop, y ahí resulta imposible no hablar de la influencia de Prince. Una inspiración que (de)construye a su manera en la rítmica ‘Another Baby!’ (esos gritos «here comes the baby» son puro Prince; queda claro que la idea de crear bebés lo inspira) y que culmina en ‘Automatic’: no puede ser casualidad que esta canción comparta título con una de ‘1999’. Cuando el acorde de sintetizador funk se abre paso, el álbum alcanza la gloria.
‘Baby’ concluye con la balada romántica ‘Kindalove’, que vuelve a remitir a Bon Iver. Sin embargo, la obsesión del disco con el groove, sus fusiones de R&B, guitarras y neo-soul y, sobre todo, los requiebros vocales y el falsete de Dijon recuerdan al estilo de otra gran mente del R&B: D’Angelo. Nadie esperaba que Duenas, tras colaborar puntualmente con Charli XCX y BROCKHAMPTON, y ser sampleado en un tema de Kanye West, fuera el próximo gran innovador del pop. Bienvenido.
No, los festivales de la temporada aún no han llegado a su fin. Una cita tradicional de las últimas semanas del verano es Coca-Cola Music Experience, que celebra ya su 15ª edición. Un festival por el que han pasado artistas del tamaño de Måneskin en su momento de mayor fama, o Rauw Alejandro antes de llenar arenas, y que vuelve a celebrarse en el Espacio Iberdrola Music de Madrid. Será los días 12 y 13 de septiembre y a un súper precio como observamos en su página web: 38 € la entrada de día y 70 €, el abono. Traducimos: menos de lo que cuestan muchos conciertos en grandes recintos.
Desde JENESAISPOP recomendamos 8 imprescindibles, a los que hay que sumar a gente como Mayo, uno de los concursantes más interesantes que han salido de OT, o Marc Seguí, cuyo ‘Tiroteo’ se acerca ya a los 1.000 millones de streams.
Viernes: J Balvin
El hombre que revolucionó la música latina con canciones como ‘Mi gente’ y discos como ‘Energía’ o ‘Vibras’ acaba de publicar una de las entregas más libres y creativas de su carrera. El notable ‘Mixteip’ incluye concesiones a la salsa por la vía de Gilberto Santa Rosa y un precioso recuerdo a su obra maestra con Bad Bunny, ‘La canción’, que recibe el nombre de ‘PGBL’. Pronto, ‘Zun Zun’ será presentada también en los VMA’s de MTV.
Viernes: Viva Suecia
Llevan dos años en el top 30 oficial de discos en España con ‘El amor de la clase que sea’, llenan en la capital recintos para 15.000 personas con varios meses de antelación, y ya ultiman el lanzamiento de su próximo álbum. ‘Dolor y gloria’ y ‘Deja encendida la luz’ han sido los adelantos del que será uno de los discos más exitosos de la próxima temporada en España. Al tiempo.
Viernes: Trueno
Que la música en directo es una forma de conectar con los demás e incluso con nosotros mismos es algo que hemos podido vivir en los conciertos del argentino Trueno, en ocasiones con un inesperado punto orgánico por parte de su crew. Seguro que no faltan hits de su disco ‘El último baile’, que ya ha desvelado su edición deluxe. En un festival siempre lleno de sorpresas, ¿cabría esperar algún featuring especial en su set?
Viernes: Daniela Blasco
CCME no ha desatendido cierta querencia por dos cosas muy necesarias: Benidorm Fest y la diversidad. Tras la sonada actuación de Chanel hace unos años, este año la apuesta es Daniela Blasco. Ganas de ver qué es capaz de hacer la intérprete de ‘Uh nana’ en su tiempo de concierto.
Sábado: Lola Índigo
Viene de llenar estadios en tres ciudades de España, donde ha actuado para más de 120.000 personas. Lola Índigo es una de las estrellas del pop mayúsculas de nuestro país, y sobre el escenario de CCME volverá a repasar hits como ‘La reina’, ‘Sin Autotune’, ‘La niña de la escuela’… ‘MOJA1TA’ ha logrado ser una de las canciones del verano.
Sábado: María Becerra
Quien llena estadios en Argentina -una de las mayores cunas de hits recientes para nuestro país, como también se ve en Trueno- es María Becerra. Ha colaborado con Balvin, con Tini, con Enrique Iglesias, con el propio Trueno, con Nicki Nicole, y ha triunfado en solitario con temas como ‘Corazón vacío’. Por cierto, María fue una de las artistas invitadas en el remix de ‘La reina’ de Lola Indigo y ambas actúan el mismo día. Ahí lo dejamos.
Sábado: Carolina Durante
Otros que no hay manera de que salgan de los primeros puestos de las listas españolas son Carolina Durante. Su último álbum, ‘Elige tu propia aventura’, ya es disco de oro, y Diego lo ha defendido en directo, pese a su lesión de rodilla, con uñas y dientes. Tras haber actuado para 60.000 personas en unas fiestas populares de la ciudad, una nueva oportunidad de vibrar con temazos como ‘Joderse la vida’ o ‘Normal’.
Sábado: Leire Martínez
Sin duda, Leire Martínez ha sido una de las mujeres del año en España. Las primeras imágenes de sus actuaciones en solitario son pura adrenalina. ‘Mi nombre’ es una canción totalmente arrolladora sobre la libertad y la independencia, su repertorio de base es también historia de España, y además está sumando a su carrera colaboraciones tan inesperadas como la recientemente realizada junto a Saiko. Se acabó infravalorar a Leire Martínez.
Os dejamos con el cartel completo por días: Viernes 12 de septiembre: J Balvin, Viva Suecia, Trueno, Luck Ra, Micro TDH, Yami Safdie, Alvama Ice, Malmö 040, La Cendejas, Daniela Blasco y Mafalda Cardenal. Sábado 13 de septiembre: Lola Índigo, María Becerra, Tiago PZK, Carolina Durante, Álvaro de Luna, Leire Martínez, L-Gante, Marc Seguí, Lucía de la Puerta, Mayo y Perro Negro.
«Cuando corresponda, lo contaré todo. De momento, ‘Don’t Click Play'». Este es el mensaje que ha aparecido en las redes de Ava Max al tiempo que ha publicado al fin su nuevo disco, cuyo título hay quien está interpretando como una rebelión contra su discográfica.
Ava Max no ha esperado mucho para contarlo todo, pues de manera simultánea se ha publicado una entrevista exclusiva con Rolling Stone en la que lo cuenta todo. O eso creemos a día de hoy.
La artista habla sobre lo duro que ha sido cambiar de management, y sentirse traicionada por dos de sus personas más cercanas: Cirkut, su exnovio, productor y mano derecha, y Madison Love, su antigua amiga y co-autora. Estos han iniciado una relación juntos al romper Cirkut y Ava Max, aparentemente retratada en el single ‘Spot a Fake’, que al final ha sido descartado de este ‘Don’t Click Play’.
Ava Max no habla de manera explícita sobre ellos, pero en absoluto los evita: «He hecho este disco porque quería demostrar que puedo hacer el álbum de mis sueños sin mis últimos colaboradores. Sé que mis fans saben lo que ha pasado: fui traicionada y me rompieron el corazón. De verdad que me ha dolido». Se abre sobre lo mal que lo ha pasado, incluso llorando durante semanas. Dice que «casi se pierde a sí misma». «No podía entrar en un estudio sin llorar, me llevó un mes y medio estar a gusto grabando sin él. Pero al final encontré un par de productores increíbles con los que trabajar y somos como familia».
La artista también reconoce haber desaparecido tras una actuación del 4 de julio que le resultó «incómoda», y reconoce haber estado deprimida. «Tuve que dar un paso atrás porque estaba intentando contentar a todo el mundo». Pero dice sentirse mejor en estas últimas semanas, y con ganas de preparar la gira, que asegura pospuesta, no cancelada.
Respecto a su sello, es parca en palabras («no puedo controlar el modo en que se promociona mi música. Puedo controlar lo que hago yo»), pero sí deja otro tremendo titular cuando se reconoce como «la artista grande peor gestionada de la historia». «Así es como se siente, eso se dice en comentarios», añade.
Puestos a contarlo todo, Ava Max habla también sobre por qué el nuevo single homónimo ‘Don’t Click Play’ menciona que la hayan comparado tanto con Lady Gaga, hasta el punto de parecer «un sample suyo». «Los comentarios sobre todo han sido una locura. Y constantes. Por eso los he puesto en ‘Don’t Click Play’. Era importante para mí (…) Nunca me meto con nadie en mi música. Es empoderador unir a las dos bases de fans».
Finalmente, Ava Max aclara que ‘Don’t Click Play’ no es una invitación a no escuchar el disco, precisamente: «la gente está confundida sobre el título. Significa «no le des al play si no quieres, porque al final, este álbum lo he hecho solo para demostrarme que podía hacerlo». En otro punto asegura: «Soy la razón de que exista ‘Sweet but Psycho’ y ‘Kings & Queens’. Porque puse mi historia en ellas y trabajé duro en ellas. Mucha gente cree que no podría hacer una canción de pop sin mis colaboradores».
Hoy 22 de agosto se publica un buen puñado de discos muy esperados, como los nuevos trabajos de Wolf Alice, Laufey y Deftones o el debut de Sombr. A estos hay que añadir lanzamientos igualmente interesantes de Ava Max, Nourished by Time, Teyana Taylor, TOPS, Mac DeMarco, Jon Batiste o Ciara.
El pop se prepara para Halloween con nuevos singles de Florence + the Machine y Anna von Hausswolff (ambas publican disco ese día), mientras Doja Cat arranca la era de su próximo álbum protagonizando la Canción Del Día. Además, siguen llegando adelantos de los próximos proyectos de Jamie Woon, Sigrid, bar italia, Wednesday o Purity Ring. Carly Rae Jepsen reedita su tercer disco.
Ciñéndonos al pop nacional, no solo Belén Aguilera y Ede siguen desgranando sus inminentes álbumes, sino que presentan chulas colaboraciones, por un lado, Aleesha y l0rna y, por otro, Judeline, que se alía con el productor escocés Sega Bodega. También hay singles de LaBlackie, Kidd Keo o Hoonine.
Como cada viernes cae alguna sorpresa en la playlist, como la colaboración de SG Lewis y London Grammar, o el crédito póstumo de SOPHIE en el nuevo single de LIZ. Además, nueva música de Amber Mark, Royal Otis, ADÉLA, Daniel Caesar, Leigh-Anne, Mr. Eazi, Metrika… ¿Falta algo en la playlist? Cuéntanos y dinos tus novedades favoritas en los comentarios.
En una industria musical permanentemente enamorada de los años 80, era hora de que alguien recuperara un sonido diferente de la época. Doja Cat ha decidido que el post-disco-pop de Jimmy Jam & Terry Lewis (productores de Janet Jackson y Alexander O’Neal) vuelve a tener cabida en el mainstream y lo demuestra lanzando un temazo llamado ‘Jealous Type’ que renueva el sonido de éxitos como ‘The Pleasure Principle‘, ‘Criticize‘ o ‘I Didn’t Mean to Turn You On‘ de Cherrelle, pero que tampoco renuncia al rap que la ha dado a conocer.
‘Jealous Type’, la Canción Del Día de hoy, es un torpedo de pop-disco sintético y funk de Mineápolis a lo Prince que nunca adivinarías producido por Jack Antonoff, pero así es. En la canción, Doja lidia con su inseguridad en una relación que no se termina de materializar y, aunque dice que sus celos no hacen daño, en el rap de la canción reconoce que se le ponen los «ojos verdes» de la «envidia».
Doja remata ‘Jealous Type’ con una pedazo de nota sostenida que lleva la canción a la gloria, y lo presenta con un videoclip más ochentero que los ochenta.
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La información sobre el nuevo trabajo de Doja Cat sigue llegando con cuentagotas. De hecho, la que se suponía la portada oficial del álbum ‘Vie’ no lo es. Doja dice que la portada oficial del disco todavía no se ha realizado. La imagen floral sería una de las portadas alternativas de las ediciones de vinilo. A lo largo de las próximas semanas revelará nuevas ediciones y detalles a razón de uno por semana. Así al menos lo indica la artista en redes.
‘Vie’ contendrá 15 pistas, verá la luz el 26 de septiembre y hace unas semanas se avanzaba en V Magazine que sería «rico en texturas retro y con un fondo sonoro cargado de varias influencias de los años 70 y 80”.
La artista se está explayando sobre lo que ella entiende por música pop: «sé que puedo hacer música pop y el pop es simplemente lo que es popular. Empieza a ser una cosa vista como un deporte por la gente que lo mira por encima, disfrutándolo, pero quizá no respetando lo que es, que es música. Lo ven como si fuera una especie de fútbol para chicas y gays».
Lil Nas X va a pasar el fin de semana en prisión, acusado de haber agredido a un policía en la madrugada del miércoles al jueves en Los Ángeles. El artista fue primero esposado por la policía y después trasladado a un hospital a las 4 de la mañana.
Estaba caminando en calzoncillos y con botas de cowboy, haciendo catwalk como si estuviera sirviendo en una pasarela, cuando algunos transeúntes decidieron llamar a la policía. Primero fue llevado a un hospital ante lo que parecía una sobredosis según los paramédicos, pero al recibir el alta, ha pasado a estar detenido.
Según TMZ, para que se establezca una fianza y pueda salir, tiene que comparecer ante un juez y eso ya no podrá pasar hasta el próximo lunes. En otro tipo de delitos menores, es posible salir antes, pero al haber de por medio una supuesta agresión a un policía, no es una opción.
TMZ publicaba un vídeo del rapero previo a la detención, diciendo algo sobre que se iba a una fiesta y también unas fotos en las que se coloca una señal de tráfico en la cabeza. La policía encontró a Lil Nas X caminando en la mitad de la carretera, le esposaron y después decidieron llevarle al hospital.
Las últimas noticias musicales de Lil Nas X son una serie de singles sueltos entre los que destacamos un ‘Hotbox‘ que por desgracia no ha conseguido entrar en listas. El proyecto al que pertenece, ‘Dreamboy’, no está fechado, y hoy por hoy, incluso parecía algo abandonado.
Un día después de actuar en Madrid por sorpresa el pasado mes de junio, de manera gratuita para fans e invitados, Wolf Alice hablaron con la prensa para promocionar su cuarto disco, ‘The Clearing’. Ellie, Joff, Theo y Joel no se separan en dos grupos para atender a los periodistas como otras bandas. Los cuatro prefieren asistir al completo a cada entrevista, que tratan con mimo y ganas de hablar de su nueva obra.
Bromistas de vez cuando pero a su vez serios y preocupados por encontrar la palabra exacta, explican detalles de letras, producción y la relación con el mundo que nos ha tocado vivir. El disco iba a salir el viernes 29 de agosto, pero se ha adelantado una semana, quizá por la coincidencia con lo nuevo de Sabrina Carpenter, algo que llegué a plantearles. Esta conversación tiene lugar antes de que sepamos eso, o incluso de que se edite ‘The Sofa’ como segundo single.
En este disco hay muchos pianos y sonidos folkies. No hay demasiadas canciones de rock. ¿A qué se debe?
Ellie: «Hemos intentado escribir lo que yo creo que son canciones de pop, solo que las vamos vistiendo de manera diferente. Esta vez muchas han salido del piano, y en lugar de ir pasando partes del piano a las guitarras y a los sintetizadores, las hemos dejado tal cual. No son tan diferentes. Tan solo depende de cómo las vistas».
Joff: «Nunca hemos sido una sola cosa, en ninguno de los discos. Siento que esta vez simplemente hemos encontrado una paleta sónica que seguir. ‘Blue Weekend’ es lo que es y después de llevarlo de gira durante tanto tiempo, te sale hacer algo diferente. Tenía muchas capas en lo sónico y el proceso de grabación fue muy intenso, a decir verdad. Personalmente yo intenté encajar muchas programaciones por aquí y detalles por allá. Esta vez ha sido bastante liberador enfocarse en la simplicidad de las canciones».
Me sorprende mucho lo citados que suelen ser Fleetwood Mac, aunque haga tanto que no saquen nada. ¿Os gustan tanto como parece escuchando el disco?
Joff: «Son clásicos, ¿no? Es difícil encontrar a alguien que te diga «No me gustan Fleetwood Mac». Yo desde luego no conozco a nadie».
Varios: «Alguien que no mole nada». «¡Si alguien te dice eso, huye!» (risas)
Joff: «Eran tan brillantes… Tenían algo del mundo alternativo y eran experimentales, pero todos eran grandes músicos y las canciones son simplemente increíbles. Todo esto junto en un solo grupo. Cuando tienes un grupo en el que no hay un autor sino que hay varios y todos buenísimos, todos son grandes músicos… Es la tormenta perfecta. No creo que sean un grupo de culto. Son uno de los grupos que más han vendido de todos los tiempos. A veces se nos olvida, pero así es».
No hay tantos grupos que suenen como los Beatles, pero sí como ellos, por ejemplo, Haim. Es algo que me pregunto un montón. Me parece muy curioso.
Ellie: «Es verdad, es muy interesante. A mí es que me gustan las canciones pop de amor y me gusta mucho el sonido de la música folk, con sus guitarras y demás. Había pasado por alto o se me había olvidado que hubo un momento en la música de los 70 en el que las guitarras no sonaban agresivas, altísimas, y aun así eran canciones uptempo, animadas. Son una mezcla muy agradable de cosas que me gustan. A veces se te olvida escuchar cosas así o, como dices, a los Beatles, con una mentalidad más moderna».
Anoche disteis un concierto sorpresa en Madrid. Fue un show de rock… no como el álbum. ¿Esto no es una presión para vosotros, para luego ir a festivales, hacer canciones más rock?
Joff: «Sí, el directo siempre es así. Creo que incluso las canciones que no han sido grabadas así terminan sonando más enérgicas y aptas para el escenario. Es lo más natural».
Theo: «No creo que tengamos esa presión, por un montón de razones. ¿Cómo defines el rock, por ejemplo? Es una palabra en la que no te puedes adentrar. Porque, de hecho, yo creo que estas canciones están destinadas al escenario, lo sentíamos así al grabarlas, y lo estamos viendo tocando temas como ‘The Sofa’, que nos salió muy fácilmente anoche. Y además, hay canciones más rock en discos antiguos que son más difíciles de llevar al escenario de lo que yo me imaginaba. Es que depende de lo que entiendas por un concierto de rock».
Sé que Wolf Alice hacéis muchas cosas distintas, incluso bailables. ¿Pero creéis que hay una identidad sónica concreta en este álbum?
Ellie: «Esta vez hemos sido más conscientes de hacer algo cohesivo, pero sin buscarlo, ni apegarnos a esa idea de manera religiosa. No queríamos perjudicar las canciones para que fueran otra cosa. Más bien hemos sido conscientes de estar encontrando algo y hemos seguido ese camino. Me gusta que haya cohesión, pero no hasta el punto de que sea aburrido».
Me gusta mucho ‘White Horses’, pero no sé si va a ser single o no [NdE: dos meses antes de que lo sea]. Supongo que ya tenéis definida una estrategia.
Joel: «Te sorprendería. El próximo single va a ser ‘The Sofa'».
¡No puede ser! ¡No intentéis hacer un ‘Tusk‘! ¡Recordad que fue un flop en lo comercial!
(risas) Theo: «Estamos muy orgullosos de ‘The Sofa’. De hecho, me encanta lo valiente que es sacar ‘The Sofa’ como single. Cuando estamos hablando de las influencias del disco o los periodistas nos hablan del disco, oigo mucho de lo que dicen en ‘The Sofa’. Eso es una razón para que salga antes que el álbum. Creo que contiene lo de Fleetwood Mac, las decisiones de sonido que hemos hecho, las limitaciones, y el hecho de que hayamos buscado algo diferente. Al final la canción se vuelve totalmente maximalista, pasan muchas cosas».
Joff: «Cuando haces un disco, nunca sabes qué va a pasar hasta que sale. Una de las cosas más increíbles de la cultura actual es que no sabes qué canción se va a quedar con la gente. En el último disco, por ejemplo, me sorprendió mucho la acogida de ‘Delicious Things’. Recuerdo tocarla y me vi superado por el modo en que tanta gente seguía la narrativa de una canción tan larga. Ese es el poder de que cuando sacas algo, las cosas puedan cambiar. Es algo muy especial. Es divertido ver cómo la gente las recibe».
A mí me ha gustado ‘Just Two Girls’, pero no sé yo si representará el disco muy bien. Y ‘Midnight Song’, pero claro, no es un single. ¿Qué me podéis contar sobre ‘Just Two Girls’? Me ha hecho pensar en Saint Etienne, que es algo que nunca me había pasado con Wolf Alice. ¿Los conocéis?
Varios: «Sí, sí».
Ellie: «Es una canción que depende mucho de la letra y de la melodía. No se hizo ninguna demo, simplemente fue seguir la historia y la letra, y ahí estaba. Llegó hacia el final del álbum. Queríamos algo animado y al menos líricamente lo era, la enseñé esperando que alguien la llevara hacia algún lado y salió muy rápido. Es una canción muy divertida».
No tengo las letras del disco aún, pero llama mucho la atención que el disco empiece hablando de ser narcisista y masoquista. Es divertido también. ¿Por qué abrís el álbum con ‘Thorns’?
Ellie: «Por su música parecía encajar como apertura. Se beneficia de alguna manera de la experiencia de ‘Blue Weekend’ y empieza donde este acabó. Va sobre explorar qué es ser un performer, o una autora de canciones. Va sobre sacar eso antes de empezar otro disco, en plan «¿de verdad vamos a hacer otro disco?». Y ahí estás, haciéndolo otra vez. Sí. La performance es un tema importante en el disco».
Y de ahí la portada.
Ellie: «Exacto. Pero contrastándolo todo con el hogar, la familia y el amor. Muchas cosas con las que sopesarlo. Siempre hablamos también de la reflexión sobre una misma, el poder, la amistad… pero eso está más rebajado esta vez».
¿Qué me podéis contar de los detalles de producción? Varias canciones van creciendo y ‘Play It Out’ tiene estos sonidos electrónicos al final. ¿Es un álbum muy detallista?
Joff: «Hemos sido bastante detallistas. Queríamos presentarlo como el disco de una banda tocando instrumentos reales, pero tampoco queríamos que fuera como un disco vintage. Por eso una de mis cosas favoritas en el álbum son esos momentos de sintetizador como ‘Play It Out’, o el sentido cinematográfico que tiene ‘Leaning Against The Wall’. Eso creo que sitúa el disco en 2025 en lugar de realizar una oda a un período concreto. Creo que es importante para nosotros tener un poco de todo».
Theo: «Claro. Recuerdo tener esa sensación cuando Ellie mandó la maqueta. Y pensamos en no meterle sintetizadores porque en 1971 no los habría llevado o algo así. Y no teníamos nada así en el disco. Así que para mí es un momentazo».
Joff: «Se trata de buscar los contrastes, pero sin sacrificar nada. Estableces unos parámetros, y te los saltas alguna vez».
«Esta década será recordada por la gente que creó en su habitación, y luego ya fue a un gran estudio»
Ahora que habéis hablado de 2025, ¿por qué creéis que se va a recordar toda esta década?
Theo: «Veo muchísima gente explorando por su cuenta, que parece haber surgido en su habitación y, después de ser artista, ha entrado en un estudio por primera vez. Es muy interesante ver cómo la escritura se ha desarrollado. Hay unos cuantos ejemplos, pero con Steve Lacy fue una de las primeras veces que vimos un éxito masivo con algo así, sin que sonara estúpido. Es como lo de Mk.gee, Alex G o incluso Jack Antonoff, que es una persona que asociarías a la cultura de guitarras, pero lo que hace son canciones pop. Y todo esto que te digo es diferente entre sí. Es como hacer cruces de todo y escoger con cuidado pequeños trozos de diferentes técnicas. En mi caso es toda esta corriente de crear en tu habitación y después llevarlo a un gran estudio».
Joff: «Es la democratización de la tecnología».
¿Qué creéis que habéis aportado vosotros? ¿Qué será recordado de los discos que lleváis?
Joff: «¡Yo los recordaré! (risas) Este que hemos hecho ahora es mi disco favorito de todos los que hemos hecho».
«Es la primera vez que, sin complejos, hemos intentado ser un grupo de verdad. Antes incluso veíamos un «grupo» como algo malo, tipo «ahora tenemos que llevar chaquetas de cuero»
¿En serio? ¡Pero los artistas siempre decís lo mismo!
Joff: «Es que creo que es la primera vez que, sin complejos, hemos intentado ser un grupo de verdad. En otras ocasiones hemos intentado capturar un sentimiento o hemos hecho cosas en canciones, y siempre teníamos miedo de si era rock, o de si estar en un grupo era algo malo, en el sentido de «ahora tenemos que llevar chaquetas de cuero». Ese tipo de cosas. Y esta vez me he dado cuenta de que somos un grupo y estoy orgulloso y muy confiado en mí mismo. Hemos dado un paso adelante en el sentido de pensar «esto es lo que hacemos, se nos da bien y vamos a intentar hacerlo sin autodesprecio o escondiendo cosas en la producción. Es una cuestión de confianza. Esas son mis impresiones del disco, aunque sé que la gente lo escuchará y sentirá otra cosa».
Ellie, ¿qué me dices de las voces, por ejemplo en ‘Midnight Song’, que son tan bonitas? ¿Las has grabado como siempre?
Ellie: «También esta es la primera vez que me he ocupado de lo que quería y he disfrutado de ir al estudio. Normalmente es «vamos a intentar esto. Y esto otro. Y esto otro», o estábamos totalmente desconcertados. En plan «ni lo voy a intentar, solo voy a seguir mi instinto porque tengo demasiado miedo de dar muchas vueltas». No sé, siento que es la primera vez que he considerado mi propia diversión en lugar de estar en plan «no sé quién soy». Ha sido muy especial. Eso te lo da el tiempo. Hemos vivido muchas experiencias, de algunas puedes aprender. Y no creo que haya aprendido tanto de las experiencias hasta que ha llegado este álbum. Antes hacíamos los discos y ya. Y esta vez ha sido como «¿qué quiero hacer?».
¿Os ha llevado mucho tiempo este disco, comparado con otros?
Joff: «Creo que ha sido la vez que más hemos tardado. Una vez llegó Greg [Kurstin] serían como tres meses. El primer disco fue muy rápido, fueron como seis semanas, o así».
Ellie: «Nos ha llevado mucho tiempo, yo creo. Cuando cuento cuánto tardamos en hacer algo, la gente me mira, en plan, estupefacta (risas)».
¿Estáis todos de acuerdo en que este es vuestro mejor disco?
Ellie: «Sí, este. Te tiene que gustar lo que estás presentando en ese momento. Si no, pues no lo sacarías. Quizá cuando seamos abuelas podamos decir que es otro».
Theo: «No, de verdad que lo es. Lo pienso de manera genuina».
Joel: «Nos hemos implicado mucho, ¿sabes? Todos estábamos tan metidos e ilusionados que hubiera extrañado que alguien no lo estuviera».
Joff: «Cuando seamos abuelas, yo seguiré queriendo escuchar este. Será un shock que no me apetezca (risas)».
Theo: «Como ha dicho Ellie, le hemos puesto tanta emoción… Ha sido como hacer una película, muy cansado incluso físicamente. Y como ha dicho Joff, es muy gratificante escuchar este disco».
Joel: «Me lo he puesto en el avión».
Ellie: «¡Yo ya no lo tengo!».
Joff: «¡Yo tampoco!».
«Antes la industria era una dictadura. Había dos radios y dos programas de televisión. Con TikTok los sellos tienen menos control sobre lo que engancha a la gente»
¿Cómo habéis vivido la evolución de la industria? Todo esto de las playlists, el reach…
Joff: «Es interesante. Lo positivo es que más gente tiene acceso a la música. Hay mucha gente rabiosa, yo creo que es la gente que está en la cima, porque hay menos dinero en cada detalle. Pero por el contrario creo que la gente se gasta más dinero que nunca en música, solo que se distribuye en más sitios, ¿sabes lo que quiero decir? Creo que más gente tiene la oportunidad de ser escuchada, que subir contenido es muy fácil por la tecnología y esas barreras se han roto a la hora de acceder a un estudio, a un sello, todo esto. Así que es muy emocionante. Es más democrático que nunca. Y con plataformas como TikTok los sellos tienen menos control sobre lo que engancha a la gente. Así que es muy interesante. Las grandes instituciones ya no son las que mandan. Es la gente. La dinámica ha cambiado».
La verdad que por ejemplo nunca adiviné que Beach House terminarían con streams tan altos.
Theo: «Es lo que decíamos de que la gente escoge los singles. Puedes tener tu momento cualquier día. Es una dinámica interesante que la gente pueda estar al mando. Antes la industria era una dictadura. Había dos radios y dos programas de televisión».
Una pregunta tonta: Sabrina Carpenter acaba de anunciar que va a sacar disco a la vez que vosotros. ¿No os preocupa que os deje sin número 1, especialmente en vuestro país, Reino Unido? ¿No es importante para vosotros?
Ellie: «Es importante para el sello y yo quiero que estén contentos. Pero para mí no, la verdad. Lo importante es lo que el disco signifique para la gente y cuánto les guste. Los números son cosas del sello, algo que mirar para ellos, quizá».
Joff: «Mi ambición con este disco es que siga en la cabeza de la gente una semana después de su salida, eso sería lo genuino, que la gente volviera a él a redescubrir cosas. Espero que el proceso de escucha pueda trascender, aunque como ha dicho Ellie, también mucha gente ha puesto fe en nosotros desde la perspectiva del negocio y sí importa a un montón de gente».
Es una locura ahora mismo, la de discos que solo están en listas una semana.
Ellie: «Así es. Y de repente sale alguien como Chappell Roan, que ha sido número 1 un año después de salir. Eso es emocionante. Nunca sabes cuándo va a pasar. Era algo del pasado. Pero volvió. Es muy inspirador».
«Chappell Roan es un talento superior. Y Charli XCX con AG Cook es de lo más emocionante que hemos vivido»
¿Disfrutáis del mainstream?
Joff: «A mí me encanta. El otro día vi a Chappell Roan en Primavera Sound. Es un talento superior. Es increíble».
Creo que ella misma ha dicho que fue uno de sus mejores conciertos.
Ellie: «Sí».
Joff: «Es de lo mejor que he visto. Es una cantante increíble».
Theo: «Y una gran compositora. Como el pop mainstream de Charli XCX con la producción de AG Cook, eso es lo más emocionante que hemos vivido. Aunque no sea música de guitarras es muy emocionante para nosotros».
Siempre habéis sido muy eclécticos musicalmente, pero aun así me sorprende. Incluso físicamente me lleváis al grunge de los años 90, a los tiempos de mi adolescencia…
Ellie: «A mí no me importa. Si es bueno, es bueno».
Joff: «Las canciones son las canciones. Queríamos hacer las mejores canciones posibles para el disco y transmitirlo en directo. No nos importa cómo nos vistamos nosotros, me va a gustar si eres buen tipo, un amante de la música real, un buen músico».
Esto en los 90 no era así.
Joff: «Qué rollo».
Theo: «Hay un mundo ahí fuera. No tiene sentido para mí ser así».
Brent Hinds ha muerto en un accidente de moto en la noche de este miércoles 20 de agosto, cuando solo tenía 51 años. Al parecer, como informa la prensa local, una furgoneta se ha saltado un «ceda el paso» en Atlanta provocando una colisión de vehículos que ha resultado fatal.
Brent Hinds ha sido co-líder y guitarrista de Mastodon desde el año 2000 hasta este 2025 en que le echaron del grupo, no sin cierta polémica. En concreto, comentó en Instagram que sus compañeros de grupo eran «personas horribles».
En cualquier caso, estuvo presente en discos tan relevantes para el metal progresivo como el debut del grupo ‘Remission’ (2002) o ‘Leviathan’ (2004) y más tarde en ‘The Hunter‘ (2011) -que presentaron en España– y ‘Once More ‘Round the Sun‘ (2014). Su último largo data de 2021.
Al margen de que sus guitarras, amplis, pedales y efectos han sido meticulosamente estudiados en el mundo del metal (curiosamente empezó tocando el banjo), Brent era también un personaje capaz de poner en riesgo su vida por una fiesta, o de colgar en redes cosas como el «Mastodong«, un consolador gigante tallado por él mismo. Que el grupo tenía su humor quedó claro cuando crearon también el «Asstodong» en la era «twerking», a pesar de venir del mundo del metal. También sacaron un split con Feist.
El grupo no ha dejado de compartir un mensaje de dolor, dejando las diferencias de los últimos tiempos: «Nos encontramos en un estado de profunda tristeza y dolor… anoche, Brent Hinds falleció a causa de un trágico accidente. Estamos desconsolados, conmocionados y aún intentando procesar la pérdida de esta fuerza creativa con quien compartimos tantos triunfos, hitos y la creación de música que ha conmovido a tantas personas. Acompañamos en el sentimiento a la familia, amigos y fans de Brent. Os pedimos que respetéis la privacidad de todos en estos momentos difíciles».
Jack White ha vuelto a arremeter duramente contra Donald Trump, después de que el Director de Comunicaciones de la Casa Blanca, Steven Cheung, calificara a White de «perdedor» y de artista «acabado». Todo ello a pesar de que, en 2024, La Casa Blanca utilizó ‘Seven Nation Army’ de los White Stripes en un vídeo promocional de la campaña de Trump. El grupo entonces demandó a Trump, pero retiró la denuncia «sin perjuicio» cuando el republicano ganó las elecciones.
¿El origen de las palabras de Cheung? White había criticado la nueva decoración del Despacho Oval vista durante la reciente reunión de Trump con el presidente ucraniano Vladimir Zelensky. Según White, el histórico despacho, lleno de oro, parece ahora el «camerino de un luchador profesional».
Ante el ataque de Cheung, White ha decidido responder publicando un largo texto en Instagram en el que enumera todos y cada uno de los motivos por los que Trump le parece un «farsante» y un «fascista de medio pelo».
Cheung había declarado que White es un «fraude disfrazado de artista», y White ha contestado que el verdadero fraude es Trump. White asegura que Trump aparenta ser «humano», cristiano», «patriota» y «buen líder», pero que en realidad es un «estafador» que ha vivido de engaños, fracasos financieros y manipulación durante décadas. Además de acusarlo de ser un racista y fascista que utiliza «métodos de la GESTAPO» para detener a personas migrantes, lo responsabiliza de muertes por su «inacción durante la pandemia» y de haber usado su poder solo para beneficiar a millonarios y a su propia imagen.
White denuncia que quienes apoyan a Trump lo hacen solo por el «fanatismo del sistema bipartidista», no por razones inteligentes o morales. Y aunque resalta que él «no es demócrata», sino un artista y empresario independiente, dice haber vivido suficientes años como para reconocer que Trump es «un estafador barato y un saqueador» del pueblo.
White indica, además, que ser insultado por la Casa Blanca le parece «un honor», porque «cualquiera que Trump apoye o admire es un villano que no aporta nada a los demás, solo toma lo que le beneficia a sí mismo».
Anna von Hausswolff, la cantautora y organista sueca, es una de las compositoras de art pop gótico indispensables de la época actual. Entre sus obras esenciales se encuentra ‘All Thoughts Fly’, publicada en 2020. Ningún fan de Diamanda Galás, Nick Cave y Siouxsie Sioux, pero también de Julia Holter o Kate Bush, se la debe perder.
En diciembre de 2021, von Hausswolff se vio obligada a cancelar sus conciertos anunciados en iglesias francesas debido a protestas de grupos católicos fundamentalistas que acusaban a la artista de Gotemburgo de hacer música «satánica». La artista, entonces, lamentó que el «integralismo católico de extrema derecha» hubiera prevalecido sobre el arte y el amor.
Casi un lustro después de aquello, von Hausswolff detalla nuevo disco, ‘Iconoclasts’, y la noticia es que incluye colaboraciones de lujo de Iggy Pop, que participa en ‘The Whole Woman’, y Ethel Cain, quien interviene en ‘Aging Young Women’. ‘Iconoclasts’ incluye otras dos colaboraciones de Abul Mogard y Maria von Hausswolff, hermana de Anna.
El álbum se presenta con dos singles relativamente dispares. Por un lado, ‘The Whole Woman’ es una dramática balada que evoca las murder ballads de Nick Cave. En la canción, Anna e Iggy Pop interpretan a dos enamorados separados por el tiempo y el espacio, en concreto por un «océano» que parece representar, metafóricamente, algún tipo de distancia emocional.
Por su lado, ‘Stardust’ destaca por su intenso sonido de percusiones y órgano. De estilo ancestral, ‘Stardust’ parece exponer una crisis simultáneamente romántica y espiritual. El destinatario de la canción llora irremediablemente, mientras Anna busca romper con los límites de la existencia humana y trascender, buscar «algo más grande que esto». ‘Iconoclasts’ sale en Halloween, como el disco de Florence + the Machine.
Cualquiera puede ser víctima del ojo que todo lo ve de Google Maps, su función Street View, que permite recorrer virtualmente muchas calles del mundo en una vista panorámica en 360º. Post Malone, una de las mayores estrellas del pop del mundo, ha sido aparentemente captado por una cámara en París y, aunque su rostro aparece borroso, sus fans están convencidos de que se trata del autor de ‘Circles’. Tatuajes, vestuario, figura, ese gorro de cowboy dejado en una mesa… todo apunta a que es él.
La imagen es localizable buscando la dirección 330 Rue Saint-Honoré, en París, y accediendo al modo Street View. Al girar la vista en la esquina aparece una persona muy similar a Post Malone, sentada en una cafetería junto a otra, también con el rostro difuminado.
Billboard ha compartido la curiosa noticia en Instagram y Ryan Tedder, productor y líder de la banda OneRepublic, ha intervenido en los comentarios para confirmar que la figura avistada por Google Maps es la de Post Malone. ¿Por qué? Porque ha reconocido a su acompañante, quien no es otro que Louis Bell, productor de confianza del autor de ‘F-1 Trillion‘ (2024).
Según la información oficial de Google Maps, la imagen fue captada en mayo de 2024, y los fans creen que se realizó durante la visita de Post Malone a París, en exactamente esas fechas, para ofrecer un concierto privado en el museo del Louvre. El concierto tuvo lugar el 28 de mayo de 2024 y la dirección de la imagen está situada a 10 minutos del Louvre.
En otro orden de cosas, Post Malone continúa su gira Big Ass World Tour, que el 12 de septiembre de 2025 aterriza en el Estadi Olímpic Lluís Companys de Barcelona. Él, mientras, ha tenido tiempo de realizar una campaña para SKIMS, la marca de ropa interior de Kim Kardashian.
Paul Weller ha presentado una demanda por discriminación contra la firma que gestionaba sus cuentas, Harris and Trotter. La firma de contabilidad y asesoría fiscal decidió dejar de trabajar con Weller después de que el músico manifestara públicamente que Israel está «cometiendo un genocidio» contra Palestina y defendiera el derecho de Palestina a la «autodeterminación».
La firma legal considera que las declaraciones de Weller, particularmente las que acusan a Israel de perpetrar un genocidio, son expresamente «contrarias a Israel» y que, «como firma con raíces judías y muchos socios judíos, no estamos dispuestos a colaborar con alguien que sostenga estas opiniones».
El ex líder de The Jam opina que la decisión de Harris and Trotter le discrimina ilegalmente por sus ideas o creencias personales. Por ello, ha decidido luchar su caso mediante acciones legales.
En la carta legal, Weller afirma que «siempre me he pronunciado contra la injusticia, ya sea el apartheid, la limpieza étnica o el genocidio» e insiste en que «lo que está sucediendo con el pueblo palestino en Gaza es una catástrofe humanitaria». Weller reafirma su convicción de que los ciudadanos de Palestina «tienen derecho a la autodeterminación, a la dignidad y a la protección bajo la ley internacional»; denuncia la «complicidad» de quienes intentan «silenciar» sus palabras, y señala que su decisión de emprender acciones legales busca ayudar a que «otros no sean castigados de manera similar por expresar sus creencias sobre los derechos del pueblo palestino”.
El mismo texto indica que Weller donará donará cualquier indemnización que reciba a los esfuerzos de ayuda humanitaria en Gaza.
Tras el megaviral de ‘Call Me Maybe’, en 2015 Carly Rae Jepsen publicó -contra todo pronóstico- una obra maestra del pop, ‘E•MO•TION‘. El disco cumplió su primera década de vida el pasado mes de junio, Carly acaba de recordar el álbum en un show íntimo en Los Ángeles, y ahora se ha anunciado que ‘E•MO•TION’ será reeditado por su 10º aniversario, incluyendo hasta 6 temas inéditos. Uno de ellos, ‘More’, ya está disponible y es un corte de pop-EDM que remite a las tendencias musicales de la época.
Los 6 temas inéditos de la reedición de ‘E•MO•TION’ incluyen cuatro temas originales y dos remezclas de ‘Run Away with Me’. Además, se añaden a la secuencia ‘Cut to the Feeling’, un single posterior, y los ya conocidos bonus tracks ‘Never Got to Hold You’ y ‘Love Again’.
19. More
20. Guardian Angel
21. Back Of My Heart
22. Lost In Devotion
23. Run Away With Me (Kyle Shearer Remix)
24. Run Away With Me (Rostam Remix)
Sin embargo, el origen de al menos tres pistas inéditas de la reedición de ‘E•MO•TION’ está generando confusión entre los seguidores de la cantante canadiense. La cuenta de fans CRJ Wiki asegura que ‘Back of My Heart’, ‘Lost in Devotion’ y ‘Guardian Angel’ pertenecen a sesiones de discos posteriores. Según esta cuenta, existen dos canciones inéditas de Carly llamadas ‘Back of My Heart’ y una de ellas suena en un documental sobre ‘E•MO•TION’, pero la que figura en el tracklist de la reedición no sería esa canción, sino una completamente diferente. Acorde a esta cuenta, tanto ‘Lost in Devotion’ como ‘Guardian Angel’ pertenecen igualmente a sesiones ulteriores.
Los créditos de estas cuatro canciones filtrados por CRJ Wiki pueden acercarnos ligeramente a la verdad. ‘More’ incluye autoría de CJ Baran, por lo que pertenecería a las sesiones de ‘E•MO•TION’ o ‘Dedicated‘ (2019). Por su lado, la participación de Imad Royal y Rogét Chahayed en ‘Lost in Devotion’ revela que esta canción se habría concebido en las sesiones de ‘Dedicated’ o ‘The Loneliest Time‘ (2022). Uno de los autores de ‘Guardian Angel’, Cole M.G.N., figura en los créditos de ‘The Loveliest Time‘ (2023). En cuanto a ‘Back of My Heart’, es la primera vez que el danés Joe Jeberg aparece como autor en una canción de Carly Rae Jepsen.
En el mundo del pop es habitual que una idea concebida en una etapa musical, sea rescatada y desarrollada en la siguiente o incluso reciclada después de muchos años. Es posible que este sea el caso de las canciones inéditas de ‘E•MO•TION’. O puede ser que, simplemente, a Carly, que ya publicó las caras B de ‘E•MO•TION» en 2016, ya no le quedasen más bonus tracks originales del disco que recuperar y haya decidido tirar de grabaciones posteriores. De alguna manera se asegura que la reedición de ‘E•MO•TION’ vale la pena.
Es una buena noticia que Alison Goldfrapp se dedique a los sonidos synth-pop y ochenteros en su etapa en solitario. Sus hipnóticas melodías y su envolvente voz sientan de lujo a unas producciones impecables que buscan aportar exquisitez a un pop cada vez menos interesado en la innovación. Sin embargo, junto a Will Gregory, las canciones de Goldfrapp parecían apuntar más alto; el tiempo ha demostrado que muchas de ellas se han quedado para siempre con nosotros.
Las canciones de Alison en solitario tienen buenos cimientos, pero no terminan de ser tan grandes como podrían. ‘The Love Invention‘ (2023), su debut en solitario, era un prometedor primer paso, y el disco ofrecía bastante material al que volver, sobre todo para cualquier fan del synth-pop, y aunque Alison terminara perdida dentro de su propio disco, entre producciones que podían ofrecer el espectacular acabado de ‘Gatto Gelato’.
En ‘Flux’, el segundo álbum en solitario de Alison Goldfrapp y el primero editado de forma independiente, las carencias de aquel debut salen a relucir, ya que Alison ha construido las canciones de ‘Flux’ en torno a melodía y letra, al contrario que las de ‘The Love Invention’, que se basaban en el ritmo. Las canciones de ‘Flux’ no están mal en absoluto; de hecho, están bien. Simplemente, no son extraordinarias ni tienen madera para sumar a Alison nuevos fans.
Melodías y producciones vuelven a transmitir un gusto sin igual. ‘Strange Things Happen’ es un precioso synth-pop en caída libre; suena completamente rendido al abismo, en el mejor de los sentidos. ‘Reverberotic’ es su cara opuesta, un peligroso vórtice de future disco que desafía a la pista de baile. Alison acierta volviéndose a rodear, en ‘Flux’, de James Greenwood y Richard X, pero contando también con Stefan Storm de The Sound of Arrows; juntos diseñan un sonido de pop sintético intachable, y el toque de cuerdas en pistas como ‘UltraSky’ es ideal.
Pero, aunque Goldfrapp apunta al «disco heaven» en ‘Flux’, muchas composiciones del álbum no alcanzan esa meta, aunque se quedan cerca. Algunas directamente reciclan melodías viejas de Goldfrapp, como ‘Sound & Light’, cuyos «la la las» están sacados de ‘Little Bird’; o ‘Ordinary Day’, que parece una canción extraída, igualmente, de ‘Seventh Tree‘, solo que disfrazada de disco futurista.
Los sintetizadores fluorescentes de ‘Hey Hi Hello’, el italo disco que abre el álbum, ofrecen una apertura correcta, aunque no tremendamente excitante, y ‘Cinnamon Light’ comete el mayor delito de todos: hacer sonar a Alison como la Kylie Minogue de Stock Aitken Waterman, pero con una canción que no habría pasado de cara B de la época.
‘Flux’ sabe a disco de nicho, de culto, tanto que los singles pueden no ser lo mejor de su repertorio: ‘Find Xanadu’ es un simpático homenaje a la película de Olivia Newton-John, pero la verdadera gema del álbum es ‘Play It (Shine Like a Nova Star)’, que fusiona el nudisco de los 2000 con las maneras del mejor (robo)pop sueco. Sin embargo, destaca a la fuerza dentro de un álbum de composiciones vaporosas como la niebla, y casi igual de inasibles.
En un mundo en el que no solo no hay programas de televisión que emitan videoclips, sino en el que las visitas a Youtube son cada vez más penosas, pocos artistas siguen preocupándose por el componente visual. Florence Welch es una honrosa excepción en una industria que solo busca la pasta a corto plazo y no la artisticidad en el largo. Hoy, una vez más, ha conseguido que el estreno de un single y un vídeo suyos, de manera simultánea, sea un acontecimiento. Solo habremos asistido 5.000 o 10.000 personas a dicho estreno en Youtube, pero no lo olvidaremos, como no hemos olvidado aún la primera vez que vimos el videoclip de ‘What Kind of Man’. Y esas cosas también contarán para algo. Por ejemplo, para vender entradas.
‘Everybody Scream’, que introduce el disco homónimo que saldrá a la venta por Halloween, funciona a 6 niveles, exactamente todos en los que se lo ha propuesto:
A nivel compositivo: ‘Everybody Scream’ es una composición de Florence Welch realizada esta vez junto a Mitski y Mark Bowen (miembro de IDLES), y co-producida por este último junto a la propia Florence y otros dos pesos pesados: Aaron Dessner de The National y el siempre meticuloso y elegante James Ford. De cierto corte blues y con un poco de energía punk, es hoy por hoy un tema con el que Black Keys solo pueden soñar. Destacan hasta 3 partes increíblemente pegadizas:
1.-los versos llenos de coros con palabras tan efectivas y conocidas por cualquier aficionado al pop, como DANCE, SING, MOVE, SHAKE, SCREAM, LOVE, LIVE, GO.
2.-el pre-estribillo que contiene el título de la canción
3.-el estribillo propiamente dicho, con su propia melodía
A nivel performativo: No parece casualidad que una de las mejores «performers» de la actualidad, es decir, Mitski, aparezca en los créditos de una canción que habla sobre actuar, sobre el escenario. Florence Welch es igualmente una de las artistas que mejor ha devorado arenas durante la última década, y pocas como ella volverán a hacerlo con una canción que habla literalmente sobre comerse el escenario.
«Iré a ti a la noche, harapienta y tambaleándome
Agitando el oro como si fuera una pandereta
Con un ramo de zarzas, retorcido y enredado
TE HARÉ CANTAR PARA MÍ, TE HARÉ GRITAR».
Sí, esto lo va a petar en directo.
A nivel ético: La lectura fácil de ‘Everybody Scream’ es que es una canción dedicada a sus fans, pero, oh, no sería una canción de Florence + the Machine si no tuviera ese punto tan turbio en melodía y producción. La canción termina con una outro hablando de brujería, hechizos, de magia que nos protege del mal.
¿Qué es el mal? En la era de las redes sociales, ¿hay algo más tóxico que la relación entre ídolo y fans, entre artista y «haters»? ¿Está venerando Florence la devoción que sienten hacia ella sus seguidores «gritando su nombre», «cada vez más alto», o le parece algo tan terrorífico como el videoclip? Seguramente, haya un poco de cada cosa. La verdad está en el medio.
A nivel visual: Autumn de Wilde, amiga de Elliot Smith, y directora de vídeos y conciertos de Beck, Arcade Fire, Decemberists o la propia Florence, se ha encargado del vídeo, con la marca de Florence + the Machine muy presente. Welch vuelve a destacar como actriz, convulsionando como una exorcizada en un vídeo que presenta una era abiertamente inspirada en el «folk horror». ‘Midsommar’, ‘La Bruja’, ‘Las colinas tienen ojos’ o ‘El bosque’ pueden ser una referencia, junto a otras que repasaremos próximamente en la sección Estética de videoclip.
A nivel coreográfico: Hemos hablado de la influencia del blues, de la estructura, de letra y de estética, pero Florence no elude el pop ni en cuanto a ganchos ni tampoco en unas coreografías más que cuidadas. Las brujas bailando tras Florence al principio del vídeo son como ver un concierto de Lady Gaga dirigido por Tarantino; después, ella hipnotiza en los planos en que baila sola, algunos de fuerte componente sexual, remitiendo a la caza de brujas en la Edad Media. Y qué decir de los momentos en que las actrices bailan poseídas. ¿Aún se hacen gif’s de videoclips? Porque este da para unos cuantos…
A nivel meta: ¿Alguien recuerda cómo terminaba el disco anterior, ‘Dance Fever‘? Con una serie de gente GRITANDO al término del tema llamado ‘Morning Elvis’. ‘Everybody Scream’ abrirá el nuevo álbum, conectando con el anterior, que versaba sobre el «bailar hasta morir» que se practicó en algunas sociedades entre los siglos XIV y XVII. ¿Es una continuación? Esto solo acaba de empezar…
Morgan Wallen, actualmente el artista número 1 en las listas de Estados Unidos, ha renunciado a presentarse a los Grammys, aún los premios más relevantes de América. Así lo ha desvelado el portal de exclusivas Hits Daily Double, y después lo ha confirmado Billboard.
Como saben todos los aficionados a la música pop, son los artistas y los sellos quienes han de presentar sus candidaturas, decidiendo las categorías (rock, pop, country…) y los singles que presentan a cada una. En el caso de Morgan Wallen, se ha sabido que no presentará ‘I’m the Problem’, ni ninguno de sus singles, a ninguna categoría. Y no es ninguna broma: estamos hablando de un álbum que ha sido número 1 del Billboard 200 durante varias semanas y que puede ser el álbum más vendido de todo 2025, a falta de lo que contenga el nuevo de Taylor Swift.
¿Qué pretende Morgan Wallen con esta jugada? Nadie tiene ninguna duda: decir a los Grammys que de ninguna manera va a contar con su presencia para una actuación o entregar un galardón. Vengarse por no haber recibido ningún reconocimiento en el pasado. Restarles credibilidad y todo el empuje que pueda.
Aunque no sea muy conocido en Europa, y menos aún en España, Morgan Wallen es el cantante (de country o no) más famoso de la década en Estados Unidos. ‘Dangerous: The Double Album’ (2021) vendió más de 6 millones de copias en Estados Unidos, y ‘One Thing at a Time’ (2023) los superó, con 7 millones de unidades. Sin embargo, los Grammys pasaron de ambos, incluso en las categorías de música country. Las únicas nominaciones de la Academia a su trabajo son para una colaboración con Post Malone. Y ahí es cuando resulta que cada parte tiene algo de razón.
De un lado, Morgan Wallen tiene que aprender que una entrega de premios se supone dedicada a la calidad. No a tu popularidad. Para eso otro, están los Premios Billboard, de los que tiene unos cuantos. Que los Grammys se dirijan a la calidad y no a las ventas o los streams ha sido una cuestión ampliamente discutida, pues al fin y al cabo son un programa televisivo que se debe a una audiencia masiva. Pero el caso de Morgan Wallen es de los extremos: ‘One Thing at a Time’ tuvo unas críticas nefastas. ¿Qué había que premiar exactamente?
De otro lado, no es que su trabajo con Post Malone sea especialmente mejor. Ni tampoco el de los nominados en las categorías country, una categoría menor, comentada solo de manera local, al menos hasta que llegó Beyoncé. Y ahí es cuando entra el factor «me enfado y no respiro». Porque Morgan Wallen puede mirarse en el espejo y decirse: «vale, sé que no soy Willie Nelson, ¿pero qué tiene Post Malone que no tenga yo?».
Su reacción recuerda a otros grandes damnificados por los Grammys. Tanto Drake como The Weeknd decidieron en distintos momentos de su vida no presentarse a los premios, tras haberse sentido ninguneados con obras anteriores que obtuvieron un enorme impacto. Abel Tesfaye llegó a llamarlos «corruptos».
Es curioso que los tres grandes casos ilustres de enfadados con los Grammys sean hombres. Mientras Björk y Katy Perry siguen sin premio ni grande ni pequeño, pero no pierden la esperanza y ambas continúan presentándose, ellos consiguen hacer sonar todo esto como una batalla «a ver quién mea más lejos». Se echa en falta un poco de humildad por parte de quien ya tiene el reconocimiento de la gente. ¿Son conscientes Drake, Tesfaye, Wallen, de que los Grammys les sobrevivirán y seguirán adelante, sin ellos? ¿De que algún día ellos pasarán de moda, como todos los artistas, y de que los Grammys seguirán ahí?
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