Slowthai ha anunciado la salida de su tercer disco, llamado ‘UGLY’. Para celebrar su lanzamiento el próximo 3 de marzo, el rapero británico ha compartido la agresiva ‘Selfish’ y ha decidido pasar el día encerrado consigo mismo en una habitación llena de espejos, ante los ojos de sus fans, en un directo de YouTube.
El británico, de nombre real Tyron Frampton, lanzó su último álbum en 2021 y por aquel entonces ya había expresado su amor por el rock y sus derivados, especialmente el punk rock. ‘Selfish’, el lead single de su nuevo disco, tiene mucho de esto último, siendo una caótica e interesante mezcla de rap industrial y post punk. Sobre la letra, Slowthai ha dicho que el hecho de no tener suficiente tiempo para sus seres queridos fue su inspiración.
El título del nuevo LP es un acrónimo de «U Gotta Love Yourself»: «En una época en la que me odiaba a mí mismo, crear este disco me salvó y me enseñó cómo quererme a mí mismo», escribía el de Northampton en un post de Instagram. ‘UGLY’ contiene las colaboraciones de Ethan P. Flynn, Taylor Skye de Jockstrap, el guitarrista Jacob Bugden y el batería Liam Toon. Además, según cuenta NME, Fontaines D.C. aparecen en el tema que da nombre al disco.
Aurora, autora de ‘The Gods We Can Touch’, ha sido confirmada como la nueva cabeza de cartel del festival Vida 2023. Este nuevo adelanto se suma a los grandes nombres internacionales ya anunciados de Suede, The Libertines, Franc Moody, Spiritualized, Alex Amor, Julieta Venegas, Jorge Drexler, L’Impératrice, Whitney o Tim Bernardes. El Vida 2023 se celebrará en Vilanova i la Geltrú del 29 de junio al 1 de julio.
El cartel del Vida Festival, también cuenta con un buen puñado de artistas nacionales como Lori Meyers, El Niño de Elche, Xoel López, Valeria Castro, dani, La Costa Brava, La Plazuela y Ghouljaboy, y muchos artistas de la escena catalana como La Casa Azul, Queralt Lahoz, Núria Graham, Julieta, Ernest Crusats, Killin’ Cactuz, Yaunest, Maria Hein, Hologramma, Habla de mí en presente, Galgo Lento, Rombo, Massaviu, Alba Morena y Selva Nua.
Desde el lanzamiento de su primera canción en 2015 con tan solo doce años, Aurora ha publicado cuatro discos y ha formado parte de bandas sonoras de películas de animación como ‘Frozen II’ y ‘Wolfwalkers’. Las entradas por día del Vida 2023 y los últimos abonos se pueden comprar en la web del festival.
2022 ha sido de Bad Bunny, de Rosalía, de Beyoncé, de Rigoberta… pero también ha sido de Phoebe Bridgers. Y eso que el año pasado, la cantautora estadounidense apenas publicó una canción propia, ‘Sidelines‘, una de las mejores del año, y un EP navideño (por el que se dejaba caer Fiona Apple). Cada vez más popular, no solo en el mundo de la música, sino también en la prensa del corazón a raíz de su relación (ya finalizada) con el actor Paul Mescal, a lo largo del último año, poco a poco, Bridgers se ha ido colando en el imaginario colectivo casi sin que nos hayamos dado cuenta. Hasta ha salido en el artículo viral dedicado a los «nepo babies» de Vulture, y eso que solo es hija de un montador.
Para entender la insistencia con la que la industria de la música está vendiendo a Bridgers no hace falta irse demasiado lejos en el tiempo. Solo en la última semana se ha confirmado que Bridgers será artista invitada en los próximos discos de The National y de Arlo Parks. En el de los primeros, la autora de ‘Kyoto’ aparecerá en hasta dos canciones. Por si fuera poco, en las mismas fechas se ha anunciado también el debut largo de boygenius, el supergrupo formado por Bridgers, Lucy Dacus y Julien Baker. Y hay muchísimo más.
La lista de artistas con los que Bridgers ha colaborado en el último par de años es larga y transversal. Solo en 2022 ha participado en el disco de Marcus Mumford (con quien ya cantó una versión de Radiohead en 2018), en el de MUNA (en el hit de synth-pop ‘Silk Chiffon‘) y también en uno tan insospechado como ‘SOS‘ de SZA, actual número 1 de álbumes en Estados Unidos. También era la artista invitada de ‘I Felt a Funeral, in My Brain’, el último single de Andrew Bird, y hasta se animaba a firmar un texto para la reedición del segundo disco de Bon Iver por su décimo aniversario. Antes, en 2021, Bridgers aparecía nada menos que en la versión regrabada de ‘Red‘ de Taylor Swift (en el tema ‘Nothing New’), en el disco de los Killers, ‘Pressure Machine‘ y, aunque ya casi se nos haya olvidado, porque solo grabó coros, en ‘Solar Power’ de Lorde. Si llegamos a 2020 la encontramos hasta en un disco de Kid Cudi, rapero que ha trabajado con Travis Scott y Kanye West, entre otros.
La omnipresencia de Bridgers en el mundo del pop también ha llegado a discos más especiales. Bridgers ha grabado versiones en ‘The Metallica Blacklist‘, el mastodóntico álbum de versiones de Metallica (grabadas por otros artistas, Bridgers se quedaba ‘Nothing Else Matters’) y en el último álbum de remixes de Paul McCartney. Y en una última vuelta de tuerca, Bridgers versionaba ‘Goodbye to Love’ de los Carpenters… ¡para la banda sonora de ‘Los Minions’! Tampoco el público infantil puede huir de su influencia.
La estrategia es de las clásicas: en un intento por acercar su nombre a un público lo más variado y transversal posible y aprovechar el «hype» que existe en torno al lanzamiento de su próximo disco, el sello Dead Oceans parece haber decidido que Bridgers debe participar en los discos de todos los artistas posibles, y ella ha aceptado encantada. Miedo da la lista de artistas a los que se ha atrevido a decir «no» en los últimos meses. Desde el lanzamiento de ‘Punisher‘ en 2020, Bridgers se ha convertido en una estrella, y no está dudando en jugar sus cartas para que su tercer disco sea un éxito comercial absoluto. Esperamos que lo sea.
Esta semana os hemos hablado de Biig Piig, una de las artistas revelación de 2023 por las que apostamos en el Anuario, y hoy volvemos al libro para recuperar a Hemlocke Springs. Su single viral ‘Girlfriend’ es uno de los temas de pop más divertidos que hemos escuchado en los últimos meses, y la artista suma y sigue.
Otro de sus temas adelantados en TikTok, ‘stranger danger!’ se publicaba oficialmente hace unas pocas semanas y sigue convenciendo del genio de Hemlocke para el pop. De corte más «peligroso» y oscuro, pero igual de electrizante que el single anterior, hay un precedente de su sonido en los B-52’s de los 80: a ellos no pueden sonar más esos «shake your boo thang, baby, shake your boo thang, baby» que Springs canta en el puente… si es que esta frase no está sacada de ‘Shake Your Groove Thing’, el single de Peaches & Herb de 1978.
En un estilo decididamente «amenazante», con sintes ásperos e incluso gritos de terror asomando por aquí y por allá, ‘stranger danger!’ entiende los 80 también como lo entendían muchas bandas indie de mediados de siglo: Ting Tings, New Young Pony Club, Ladyhawke… todos ellos vienen a la mente, en mayor o menor medida, al escuchar este nuevo hit de Hemlocke Springs, en el que los teclados ochenteros de corte cósmico guían el tema hacia un feliz final.
El «peligro» del que nos habla Hemlocke pueden ser los «buitres» que le rodean, pero también ella misma que, con sus canciones, es considerada una amenaza. En ‘stranger danger!’, Springs nos da la bienvenida a su «infierno» y nos asegura que no va a perder un minuto en «capitalizar» sus demonios y lágrimas. A las discográficas parecen dirigirse varias líneas de la canción, como «si quieres una parte de mí, no olvides pagar una comisión» o ese genial «he enviado toda mi información en un archivo .xml».
Los medios cinematográficos americanos informan de lo que era un secreto a voces: el biopic de Madonna ha sido descartado, ya no es un proyecto en marcha de Universal Pictures. Madonna iba a dirigir ella misma la cinta, sobre un guión que había empezado con Diablo Cody y terminado con Erin Cressida Wilson. Lo último que se había sabido al respecto es que M había contado en el late-night de Jimmy Fallon que le estaban obligando a acortarlo, pero ella se veía incapaz de elegir «qué extremidad cortarse».
Con el anuncio de una gira de más de 60 conciertos en Norteamérica y Europa, que ha empezado a preparar ya, se extenderá toda la segunda mitad de este año, y que de hecho acaba de añadir más fechas en Lisboa, Berlín y Colonia debido a la alta demanda de entradas pese a su elevado precio; era evidente que la película estaba paralizada. El proyecto, que iba a estar protagonizado por Julia Garner, queda aparcado. Eso sí, con la certeza de que hay un guión ya escrito que quizá se retome algún día.
Ahora ha presentado la versión en movimiento de dichas fotos, una suerte de videoarte llamado ‘The Enlightment’, dirigido por Luigi & Iango. Se compone de imágenes muy vinculables a la era ‘Rebel Heart’ (los corazones ensangrentados, la Última Cena, las toreras), pero de canciones extraídas de otras épocas: suenan ‘Like a Prayer’, ‘Justify My Love’, ‘Isaac’ y una versión a piano de ‘The Power of Goodbye’, que en los últimos meses ha tenido un minúsculo revival en Youtube. Se desconoce si es un anticipo de lo que veremos en la gira que la traerá a Barcelona los días 1 y 2 de noviembre.
Justin Bieber se suma a la creciente lista de artistas multimillonarios que han vendido los derechos de sus canciones por sumas monstruosas. El canadiense ha vendido la totalidad de su catálogo publicado antes del 31 de diciembre de 2021, el cual abarca 290 canciones, por una suma que ronda los 200 millones de dólares (183 millones de euros).
El catálogo de Bieber, en concreto sus derechos editoriales y de grabación, pasa ahora a manos de la empresa Hipgnosis Songs Capital, la misma que, en el pasado, ha adquirido los derechos del catálogo de otros artistas como Neil Young, Fleetwood Mac, Justin Timberlake o Shakira. Universal, la discográfica de Bieber, seguirá siendo propietaria y administradora de los masters del cantante.
Entre las canciones de Bieber incluidas en el acuerdo -que se rumoreaba ya el pasado mes de diciembre- se encuentran éxitos del tamaño de ‘Baby’, ‘Sorry’, ‘Love Yourself’, ‘Yummy’ o ‘Ghost’ y discos como ‘Purpose‘ (2015) o ‘Justice‘ (2021), solo dos de los seis que ha publicado Bieber en 14 años de carrera. Bieber se encuentra entre los artistas más exitosos del siglo XXI, por lo que es una apuesta segura.
El caso de Bieber es excepcional, pues él apenas cuenta 28 años, mientras la mayoría de artistas que han tomado la decisión de vender su catálogo, como Bruce Springsteen, Bob Dylan, Sting o Neil Young, se encuentran en la etapa final de sus carreras y venden sus derechos por razones de planificación patrimonial. Mientras, empresas como Hipgnosis invierten en el valor seguro de los catálogos clásicos.
Después de 2021, Bieber ha seguido publicando música, en concreto, colaboraciones con Don Toliver (‘Honest’) o con Omah Lay (‘Attention’). Su lanzamiento más reciente es el single ‘Beautiful Love’, dirigido al videojuego ‘Free Fire’. Recientemente, el artista ha sido noticia por sus problemas de salud, que le han llevado a posponer su gira.
Thomas Bangalter, exmiembro de Daft Punk junto con Guy-Manuel de Homem-Christo, ha anunciado un disco en solitario. ‘Mythologies’ estará disponible el próximo 7 de abril y será el primer trabajo orquestal independiente de Bangalter. El proyecto fue ordenado en 2021 por el coreógrafo Angelin Preljocaj para el ballet del mismo nombre, estrenado al año siguiente en la Ópera Nacional de Burdeos.
Descrito como una producción sobre «los mitos fundadores que dan forma a la imaginación colectiva», ‘Mythologies’ se trata de una banda sonora de 90 minutos de duración en la que Bangalter se aleja de la música electrónica y «abraza la historia de la música orquestal de ballet». Su último disco en solitario, con un sonido más tradicional, fue lanzado en 2003 bajo el nombre de ‘Outrage’.
En 2021, Daft Punk anunció su separación. Desde entonces, han lanzado una reedición en vinilo de ‘Homework’, uno de los discos que cambiaron el rumbo de la música electrónica para siempre.
Tracklist:
1 Premiers Mouvements
2 Le Catch
3 Thalestris
4 Les Gémeaux I
5 Les Amazones
6 L’Arrivée d’Alexandre
7 Treize Nuits
8 Danae
9 Zeus
10 L’Accouchement
11 Les Gorgones
12 Renaissances
13 Le Minotaure
14 Eden
15 Arès
16 Aphrodite
17 Les Naïades
18 Pas de Deux
19 Circonvolutions
20 Les Gémeaux II
21 Icare
22 Danse Funèbre
23 La Guerre
Panic! At The Disco ha llegado al final de su recorrido tras 19 años de carrera, tal y como anunciaba esta tarde Brendon Urie, el único miembro original que quedaba del grupo. Urie ha anunciado que él y su mujer están esperando un bebé, por lo que el cantante estadounidense ha decidido terminar este capítulo de su vida y poner su «atención y energía» en crear una familia: «Ha sido un viaje tremendo», comenzaba Urie el comunicado.
«Tanto si habéis estado aquí desde el principio como si nos acabáis de encontrar, ha sido un placer no solo compartir el escenario con gente tan talentosa, sino también compartir nuestro tiempo con vosotros», concluía Urie el sentido comunicado que ha compartido en redes. Panic! At The Disco llevarán a cabo una última gira europea que comenzará en febrero, por la salida del último LP de la banda, ‘Viva Las Vengeance’.
Brendon Urie se unió a Ryan Ross, Spencer Smith y Brent Wilson mientras todavía iba al instituto, y de ahí surgió Panic! At The Disco. Lanzaron su álbum debut en 2005 bajo el nombre de ‘A Fever You Can’t Sweat Out’ y ya consiguieron su primer hit masivo con ‘I Write Sins Not Tragedies’. Al año siguiente, el bajista Brent Wilson dejó la banda, siendo sustituido por Jon Walker.
Un año después del lanzamiento de su segundo LP, ‘Pretty. Odd.’, Ross y Walker dejaron el grupo por «diferencias creativas». Spencer Smith, el batería fundador de Panic! At The Disco, finalmente dejó el conjunto en 2015, dejando a Urie como el único miembro original de la banda. Este consiguió lanzar cinco discos más, desde el ‘Vices & Virtues’ de 2011 hasta el ‘Viva Las Vengeance’ del año pasado.
Este martes se han anunciado las nominaciones a los Óscar 2023, cuya gala tendrá lugar en Los Ángeles el próximo 12 de marzo y será presentada por Jimmy Kimmel. El actor Riz Ahmed y la actriz Allison Williams se han encargado de anunciar las nominaciones de este año.
‘Todo a la vez en todas partes’ se alza como la gran favorita con 11 nominaciones, seguida de cerca por ‘Almas en pena de Inisherin’ y ‘Sin novedad en el frente’, empatadas con 9 candidaturas. ‘Elvis’, de Baz Luhrmann, se coloca en tercera posición con 8 nominaciones. También han sido nominadas a Mejor Película: la secuela de Avatar, ‘Los Fabelman’, ‘Tár’, ‘Top Gun: Maverick’, ‘El triángulo de la tristeza’ y ‘Ellas Hablan’.
Además, Ana de Armas ha sido nominada por primera vez en los Óscar, nada más ni nada menos que en la categoría de Mejor Actriz, por su actuación en ‘Blonde’. El comentado biopic de Andrew Dominik recibía esta semana ocho candidaturas en los Premios Razzie, alzándose como la película más nominada del evento, pero ninguna para la actriz cubano-española.
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En cuanto al apartado musical de la gala, Rihanna (‘Black Panther: Wakanda Forever’) y Lady Gaga (‘Top Gun: Maverick’) se tendrán que enfrentar a la sorpresa de ‘Naatu Naatu’, escrita para la película india ‘RRR’, que ya se alzó sobre ambas cantantes en los Globos de Oro. Sin embargo, una que no se tendrá que preocupar por los Óscar es Taylor Swift, que finalmente no ha recibido ninguna nominación por ‘California’, la canción que había escrito para la cinta ‘Where the Crawdads Sing’.
MEJOR PELÍCULA
Sin novedad en el frente
Avatar: El sentido del agua
Almas en pena de Inisherin
Elvis
Todo a la vez en todas partes
Los Fabelman
Tár
Top Gun: Maverick
El triángulo de la tristeza
Ellas hablan
MEJOR DIRECCIÓN
Martin McDonagh (Almas en pena de Inisherin)
Dan Kwan, Daniel Scheinert (Todo a la vez en todas partes)
Steven Spielberg (Los Fabelman)
Todd Field (TÁR)
Ruben Östlund (El triángulo de la tristeza)
MEJOR ACTOR
Austin Butler (Elvis)
Colin Farrell (Almas en pena de Inisherin)
Brendan Fraser (La Ballena)
Paul Mescal (Aftersun)
Bill Nighy (Living)
MEJOR ACTRIZ
Cate Blanchett (TÁR)
Ana de Armas (Blonde)
Andrea Riseborough (To Leslie)
Michelle Williams (Los Fabelman)
Michelle Yeoh (Todo a la vez en todas partes)
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Jamie Lee Curtis (Todo a la vez en todas partes)
Angela Bassett (Black Panther: Wakanda Forever)
Hong Chau (La ballena)
Kerry Condon (Almas en pena de Inisherin)
Stephanie Hsu (Todo a la vez en todas partes)
MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Brendan Gleeson (Almas en pena de Inisherin)
Brian Tyree Henry (Causeway)
Judd Hirsch (Los Fabelman)
Barry Keoghan (Almas en pena de Inisherin)
Ke Huy Quan (Todo a la vez en todas partes)
MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL
Eo (Polonia)
Argentina, 1985 (Argentina)
Sin novedad en el frente (Alemania)
Close (Bélgica)
The Quiet Girl (Irlanda)
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
Pinocho, de Guillermo del Toro
Marcel the Shell with Shoes
Red
El gato con botas: El último deseo
El monstruo marino
MEJOR GUION ORIGINAL
Almas en pena de Inisherin
Todo a la vez en todas partes
Los Fabelman
TÁR
El triángulo de la tristeza
MEJOR GUION ADAPTADO
Sin novedad en el frente
Puñales por la espalda: El misterio de Glass Onion
Top Gun: Maverick
Living
Ellas hablan
MEJOR CORTO ANIMADO
El niño, el topo, el zorro y el caballo
El marinero volador
Vendedores de hielo
My Year of Dicks
An Ostrich Told Me the World is Fake and I Think I Believe it
MEJOR CORTO
An Irish Goodbye
Ivalu
Le Pupille
Night Ride
The Red Suitcase
MEJOR SONIDO
Sin novedad en el frente
Avatar: La forma del agua
The Batman
Elvis
Top Gun: Maverick
MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL
Sin novedad en el frente
Babylon
Almas en pena de Inisherin
Todo a la vez en todas partes
Los Fabelman
MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
Applause (Tell It Like a Woman) – Música y letra de Diane Warren.
Hold My Hand (Top Gun: Maverick) – Música y letra de Lady Gaga y Bloodpop.
Lift Me up (Black Panther: Wakanda Forever) – Música de Tems, Rihanna, Ryan Coogler y Ludwig Goransson. Letra de Tems y Ryan Coogler.
Naatu Naatu (RRR) – Música de M.M. Keeravaani y letra de Chandrabose.
This is a Life (Todo a la vez en todas partes) – Música de Ryan Lott, David Byrne y Mitski. Letra de Ryan Lott y David byrne.
MEJORES EFECTOS ESPECIALES
Sin novedad en el frente
Avatar: el sentido del agua
The Batman
Black Panther: Wakanda Forever
Top Gun: Maverick
MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO
Babylon
Black Panther: Wakanda Forever
Elvis
Todo a la vez en todas partes
El viaje a París de la señora Harris
MEJOR FOTOGRAFÍA
Sin novedad en el frente
Elvis
TÁR
El imperio de la luz
Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades
MEJOR MONTAJE
Almas en pena de Inisherin
Elvis
Todo a la vez en todas partes
TÁR
Top Gun: Maverick
MEJOR DOCUMENTAL
All that Breathes
La belleza y el dolor
Fire of Love
A House Made of Splinters
Navalny
MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA
Sin novedad en el frente
The Batman
Black Panther: Wakanda Forever
Elvis
La Ballena
Este fin de semana Ralphie Choo ofrecía un concierto en Madrid con el cartel de «sold out» en la puerta. No era la primera vez que el artista actuaba en la capital, pero algo me decía que este show iba a ser especial. En los últimos meses, su canción ‘BULERÍAS DE UN CABALLO MALO’ ha aparecido en Pitchfork y ha llamado la atención de la mismísima Caroline Polachek, quien la ha metido en una de sus playlists.
Sin aún un álbum encima de la mesa, el artista también está siendo confirmado en numerosos festivales de renombre, como Lollapalooza Argentina, Sónar o Mallorca Live Festival. Por lo que todo este contexto nos hacía pensar que los que nos reunimos en la sala Copérnico estábamos ante el despegue de una estrella.
El sonido de Ralphie Choo es tan experimental y lleno de elementos de producción digital que es natural acudir a uno de sus directos con cierto escepticismo. Todos estamos ya muy acostumbrados a ver propuestas sobre un escenario de todo tipo, sin necesidad de que haya una banda tocando en riguroso directo. Pero desde luego no esperas que alguien que hace “pop progresivo” o coquetea con el “flamenco computerizado” según Pitchfork, acompañe su set con un cuarteto de cuerda. Cuatro chicas arropaban a Ralphie sentadas con sus instrumentos y con una linterna de montaña en la frente. Detrás, DRUMMIE lanzando las bases, y a su lado un bajista. Una puesta en escena sencilla y bizarra que anticipaba lo que nos íbamos a encontrar a lo largo de los 60 escasos minutos de show.
El setlist se dividía en dos partes, la primera llena de canciones inéditas y la segunda, de sus hits más que conocidos. Ralphie salía al escenario prácticamente de incógnito, con un gorro y unas gafas puestas. Entre los saltos que pegaba de un lado a otro y la a veces cuestionable iluminación, resultaba complicado cazarle e identificarle. Pero el madrileño comenzó a dejarse ver conforme la cosa avanzaba, enganchando tema tras tema sin pronunciar apenas palabra entre ellos. Dos nuevas canciones abrían la noche antes de dar paso a ‘BULERÍAS’, su tema más internacional y, por lo tanto, coreado por un público muy entregado desde el minuto cero. La voz del artista se mezclaba con los que nos encontrábamos en la pista, a veces perdiéndose entre el coro popular.
Después de una canción aún sin fecha de salida pero con un título que ya atrae (‘Tangos de una moto trucada’), apareció el primer invitado: mori. Ambos unieron fuerzas para interpretar lo que parecía otra canción inédita. A pesar de que la gente no se supiera su letra y su ritmo fuese más lento, la atención estaba puesta en ambos.
A continuación, fue el turno de ‘SANTO ÁNGEL’, quizás la canción más Frank Ocean de su catálogo, responsable de protagonizar uno de los momentos más tiernos e íntimos del set, con un Ralphie invitando a todos a abrazar y besar al de al lado. Pero la locura no tardó en llegar de la mano de ABHIR, con quien cantó otra canción aún por estrenar. Los beats de hip-hop, mezclados con el R&B más melódico, siguen estando presentes en estas nuevas joyas que pronto verán la luz y formarán parte del que será el primer álbum del artista.
Hasta este momento había sido todo un lujo poder escuchar de primera mano los nuevos sonidos que Choo lleva cocinando todos estos meses, pero apetecía cantar y mover el cuerpo al ritmo de algo conocido. Y así fue. La parte final del concierto fue una sucesión de hit tras hit, subiendo la energía cada vez un poco más hasta llegar al pogo máximo. La presencia de Barry B daba paso a una espectacular ‘ROOKIES’ al más puro estilo Travis Scott, para después dejarnos engañar con las palmas de una más chill ‘Lamento de una supernova’.
Pero la traca final llegó con rusowsky junto a Ralphie Choo, quienes interpretaron primero la sensible ‘Dolores’ para coger carrerilla y terminar por todo lo alto con ‘VALENTINO’. La cerveza volaba por los aires entre un círculo de personas que lo daban todo en el foso, con el escenario lleno de artistas y colaboradores que salieron para grabar tal escena. Un final que nos dejó a todos con ganas de más, con el subidón metido en el cuerpo. Quizás la intención de Ralphie Choo fue precisamente esa: la de dejarnos bien arriba deseosos de presenciar un concierto suyo más largo (también algo mejor pulido) y en un recinto más grande. Llegará, todo apunta que más pronto que tarde. 7.
A Pedro Luis Domínguez Quevedo se le nota -al menos en las entrevistas- que el descomunal éxito de su colaboración con Bizarrap le ha dejado descolocado. Nadie podía esperar semejante éxito a nivel internacional: hasta entonces las «Sessions» del productor argentino habían funcionado muy bien, pero nunca hasta ese punto. Quevedo, que hasta el verano de 2022 llevaba tiempo sumando varios logros consecutivos en su carrera de manera más bien discreta, y llegaba por primera vez al número 1 de Singles España en febrero de aquel año con el atestado remix de ‘Cayó la noche’, en el que el canario era solo uno de ocho artistas implicados, de repente alcanzaba un éxito prácticamente inasumible, sin que a nadie le diera tiempo a procesarlo.
El éxito y los dilemas que plantea son temas recurrentes en el discurso de muchos artistas urbanos, y Quevedo no es una excepción. De soñar con sacar el «disco del año» en la intro y alentar el éxito de los artistas canarios (aparecen por aquí Cruz Cafuné) a recordar sus orígenes y tiempos más sencillos en el corte titular, que cierra el álbum con percusiones de hip-hop de corte industrial; ‘DONDE QUIERO ESTAR’ es otro disco que habla de fama, amor y familia sobre bases de reggaetón facilonas y efectivas que no buscan transgredir códigos sino simplemente hacerlo pasar bien. Como dice el propio Quevedo, ya hay otro tipo de músicas para eso.
¿Es ‘DONDE QUIERO ESTAR’ el disco del año? En lo artístico no, ni por ambición, ni por resultados. Quevedo no es un renovador de las músicas latinas ni pretende serlo, tampoco su ambición parece pasar por ahí, y el disco se conforma con darnos una generosa colección de canciones que funcionan por lo que son, ni más ni menos. Cuando funcionan, eso sí.
No es baladí que ‘DONDE QUIERO ESTAR’ cuente varios singles de éxito dentro de su secuencia, todos ellos aún presentes en los primeros puestos de la lista de singles española: la caribeña ‘PLAYA DEL INGLÉS‘ ha sido número 1 en España con la colaboración de Myke Towers, el reggaetón melancólico de ‘VISTA AL MAR’ se acerca a los 200 millones de reproducciones en Spotify, ‘SIN SEÑAL’ es otro pelotazo que se crece gracias a la producción de Ovy on the Drums, conocido por su trabajo con Karol G, y a esa letra dedicada a la búsqueda de uno mismo en medio del caos; y ‘PUNTO G’ es el hit actual de Quevedo, también efectivo.
Todos estos singles de Quevedo cumplen perfectamente su función. Después, el disco tiene otras cosas que ofrecer, para bien y para mal. En el lado positivo hay que comentar las trompetas triunfales de ‘AHORA QUÉ’, que solo pueden ser una respuesta al ‘INDUSTRY BABY‘ de Lil Nas X; o el instrumental de ‘YANKEE’, que, entre sonidos hipnóticos de xilófono, cambios de ritmo varios y una melodía de deje aflamencado, guía hacia una dirección que podría explorar Quevedo en el futuro, con la calma que encuentre cuando «desaparezca» en 2024, como canta precisamente en ‘AHORA QUÉ’, después de haber «coronado 2023».
No reinará este año si depende del sonido genérico de cortes como ‘DAME’, que recuerda demasiado a Bad Bunny cuando este ha publicado ya 800 discos de lo mismo; o esa canción que rima «muñeca» con «jaqueca» no de la manera más lograda; pero ‘DONDE QUIERO ESTAR’ convence menos cuando decide meterse en terrenos alejados del reggaetón. Loable la intención, en cualquier caso, pero las guitarras nu-metal de ‘LUCES AZULES’ apetecen muy poco, la composición orquestal de ‘ME FALTA ALGO’ digamos que no es tan emotiva como pretende, y los ritmos house de ‘CUÉNTALE’ tampoco andan cargados de gracia e inspiración.
‘DONDE QUIERO ESTAR’ es claramente un disco creado en torno a una serie de singles de éxito que mantiene el ritmo pero hace aguas en conjunto. Sin embargo, no es el despropósito que podría haber sido cuando llega tan poco tiempo después del fenómeno de la sesión 52 con Bizarrap. Quevedo no se podía permitir entregar un primer disco que fuera abominable, y en su debut demuestra que ese hit no tiene por qué definir su carrera.
La entrada más fuerte es la de los surcoreanos Enhypen con ‘Border Carnival – Hype’, directa al puesto 17. No podemos dejar de destacar la llegada del disco sorpresa de Belle & Sebastian, ‘Late Developers’, al número 60. Ha habido edición en vinilo, que en la tabla de LP’s ha llegado al puesto 18. En listas británicas este lanzamiento de Belle & Sebastian ha sido número 30, sin igualar el top 10 conseguido en muchas ocasiones de su carrera.
La subida más fuerte corresponde a ‘Plastic Hearts’ de Miley Cyrus. En su semana 55 en lista, el último álbum de Miley hasta ahora asciende del 66 al 20 con motivo de la gran acogida de ‘Flowers’, su nuevo single, anticipo de un próximo álbum.
Otra entrada destacada ha sido la de ‘Neon Noir’ de VV en el puesto 34, gracias en parte al puesto 14 en vinilos. Se trata del proyecto de Ville Valo, a quien recordarás por haber liderado la banda finesa HIM a finales de los años 90.
Por otra parte, el ‘Concierto de Año Nuevo 2023’ de Franz Welser-Möst llega al puesto 39 y ‘Resistencia’ de Yandel al 42. Este es el álbum que incluye una de las canciones más exitosas en este momento, ‘Yandel 150‘ junto a Feid.
Cerramos la lista de novedades con ‘Minisode 1 Blue Hour’ de los surcoreanos Tomorrow x Together en el número 78’; y ‘Claustrofobia’ del gallego Rodrigo Ramos en el número 100.
Dedicamos el nuevo episodio del podcast REVELACIÓN O TIMO a analizar la carrera de Klaus&Kinski. Siempre venerado en esta web, el dúo murciano anunciaba su separación en 2013, hace casi 10 años. Celebrando más bien los 15 años que este 2023 cumplirá su debut ‘Tu hoguera está ardiendo‘, recordamos una trayectoria inmaculada de 3 discos formidables, capaces de sumergirse en la influencia noise pop de «My Bloody» y Los Planetas, pero también en el folclore. Pasodobles, boleros, habaneras y flamenco-antes-de-Rosalía pasaron por un repertorio en el que también cupieron la música disco o el country. En este episodio analizamos también sus letras mordaces y debatimos sobre los más y los menos que el grupo tuvo con nuestra web y, sobre todo, nuestra sección de comentarios.
Alejandro Martínez y Marina Gómez Carruthers han podido participar en el podcast desde la distancia respondiendo a nuestras preguntas mediante WhatsApp de voz, gracias a lo cual hemos podido conocer su visión de aquellos años. Marina nos ha revelado que su disco favorito es ‘Herreros y fatigas’ porque en él tuvieron la oportunidad de crecer, por mucho que la gente siempre se aferre al primer álbum de un grupo. Alejandro coincide: «El primero al fin y al cabo fue una recopilación de lo que íbamos haciendo en maquetas, mezclado un poco mejor, pero no se hizo pensando en hacer un disco. Ocurrió de casualidad a base de recopilar el material que habíamos ido almacenando. Con el segundo había conciencia de hacer un disco y recuerdo pensar “voy a intentar hacerlo bien de verdad” porque como con el primero nos fue relativamente bien… Tampoco ocurrió demasiado (risas) Tuvimos nuestro éxito indie, pero tampoco pasó mucho más».
Recordando aquellos años, Alejandro Martínez habla de una «mezcla de añoranza y descorazonamiento. Hay algo que recuerdas con afecto y mucha intensidad. Ocurrieron muchas cosas durante los años que estuvimos en activo, pasaba todo muy rápido». Apela a unos años especiales en que estás en la madurez, pero aún eres muy joven. Curiosamente, quita hierro al carácter pionero del dúo en su aproximación al folclore español, y recuerda que por aquella época ya estaba en activo Lorena Álvarez: «Es cierto que teníamos cierta querencia folclórica, que podía llamar la atención, y luego se ha puesto de moda inspirarse en el folclore, un poco más ortodoxamente y luego también de manera superficial, aunque no lo digo de manera peyorativa. Tampoco es que nosotros nos inspiráramos en el folclore, lo veíamos de manera bastante lúdica, que nos divirtiera. Tampoco había tanto de folclore estrictamente. Lo único realmente folclórico que hicimos fue un homenaje al Súper 8 de Los Planetas, una versión de ‘Qué puedo hacer’, como si fuera unas parrandas murcianas».
Marina nos ha contado que se reconcilió con la música de Klaus&Kinski el verano pasado: «Durante mucho tiempo había sentido pudor respecto a los discos y no los había escuchado desde que los ensayaba. Hasta el verano pasado que me reconcilié, a nivel técnico e interpretativo. No puedo ser objetiva, estuve ahí cuando se compusieron y conozco todos los detalles, pero creo que sí que puedo decir que muchísimas canciones me siguen pareciendo preciosas, como ‘Autovía de Albacete’, mi favorita desde siempre. De otras me siento orgullosa a nivel técnico, como ‘Sacrificio’. En otras no me gusta cómo lo hice o cómo quedó la producción, aunque la canción sea chulísima, como ‘Flash-back al revés’. Ahora la oigo y pienso que no está bien».
Alejandro recuerda que «Autovía» era favorita de Marina, aunque él tiene otras preferidas: «‘Mengele y el amor’, por la letra, por ser una canción de amor retorcido y tener elementos que luego fueron constantes: la historia, el humor negro, el amor y la pasión, pero desde el polo opuesto de lo que suele ser convencional. También ‘Nunca estás a la altura’ me gustaba mucho aunque Marina la odiaba. Como éramos pareja me decía «esto me lo estás diciendo a mí» (risas) Era complicado distanciarse de eso, por mucho que le expliques que cuando escribes hay una parte de ficción. Si te ciñeras solo a la realidad serías un psicópata. Y si te ciñeras solo a la ficción, pues todo estaría vacío, porque no habría nada. Marina se lo tomaba muy personal, pero por otro lado es normal».
Continúa seleccionando favoritas: «Rey del Mambo», por el rollo coplero: a Marina también le gustaba, nos parecía muy entrañable. ‘Ojo por Diente’ pretendía ser de amor sincero. ‘In the Goethe’, por el mundo literario que hay detrás de ella, un romanticismo sarcástico pero que no dejaba de ser honesto… Aunque siempre me escondo en un muro de humor negro, me considero romántico, pero no de Antena 3 por la tarde, sino del siglo XIX».
Alejandro: «Aunque siempre me escondo en un muro de humor negro, me considero romántico»
Martínez también recuerda el éxito de ‘Mamá, no quiero ir al colegio’ aunque no la seleccionaron como single. «Es la más escuchada en streaming. Tampoco elegíamos los singles con mucho criterio. Es representativa de mezclar la ternura con el catastrofismo y la angustia existencial». Finalmente, reivindica su último EP ‘A cuatro reinas moras’, por su punto coplero y de música de cámara. «Se alejaba un pelín de lo más obvio y comercial, y pasó desapercibido». Curiosamente, en ese abarcar estilos y géneros musicales, Alejandro no cree que se hubieran adentrado en el reggaeton o en el trap, de haber continuado en 2015 o 2020. «No lo creo. Aunque a Marina algo más sí le habría podido tirar. No creo que hubiera salido jamás, no por aversión a lo latino, todo lo contrario. Me interesa lo latino pero lo más antiguo. Me ha pasado toda la vida, no es que me pase ahora porque sea un «carlanco». Ya nací viejo, me interesaba lo antiguo y tenía cierta distancia con el presente».
Con Marina hemos recordado el día en que anunció, improvisadamente, la separación del grupo durante un concierto en Moby Dick: «Sobre el día que dije que ya se había acabado, Alex y yo ya teníamos hablado que no íbamos a hacer más discos, que terminaríamos la gira que teníamos a medias, pero que no íbamos a seguir. No recuerdo si se lo habíamos contado a alguien o era una cosa que sabíamos nosotros, pero estaba claro. Aquellos días sentía que ya no podía más, lo dije y ya estaba. Alejandro siempre me ha apoyado y conté con su cariño y comprensión. No estoy arrepentida, fue el final de una etapa de mi vida y no recuerdo ese hecho concreto como algo muy traumático».
En aquella decisión tuvieron mucho que ver los comentarios negativos recibidos en webs como la nuestra y redes, pese a las excelentes críticas que acumulaba la banda. Gómez no ha esquivado el tema: «Con respecto a -no sé cómo llamarlo- «acoso» de entonces, igual es que yo era muy confiada. Compartía demasiado de mí en mi Facebook y el Facebook del grupo. Y eso trascendía a sitios que yo no me esperaba, y me sentía muy mal. A veces las cosas se malinterpretaban. Me sentía muy mal cuando la gente decía que yo caía fatal, gente que yo no sabía ni cómo se llamaba, con la que ni siquiera había hablado nunca. ¿Cómo te puedo caer mal? Eso me generaba inseguridad. Por otra parte, no es ningún secreto que las críticas, especialmente en JENESAISPOP, las llevaba muy mal. No las críticas de los conciertos, sino lo que iba más allá de lo profesional. Me refiero más a ataques personales. Me sentía muy sola porque cuando yo me desesperaba por esto, la gente me decía: “no leas los comentarios”. Y yo pensaba: “es que aunque no los lea, están ahí” y pensar que cualquiera podía verlos, me hacía sufrir bastante. Habría agradecido un montón que esos comentarios los moderara a alguien o incluso que se baneara a gente que insultaba o amenazaba”.
Marina: «No es ningún secreto que las críticas las llevaba muy mal, no las de los conciertos, sino las que iban más allá de lo profesional»
Preguntada sobre si cree que sufrió machismo cuando no se hablaba tanto ni de este tema ni tampoco de salud mental, respondía: «En su momento yo no percibía que las críticas estuvieran centradas en mí por ser mujer, sino en mi falta de talento musical o mi físico, mi manera de ser o de vestir. Me comparaba con otras artistas del momento y, para mí misma, yo siempre era peor. Sin embargo, los comentarios me dolían un montón. Igual estaba pasando por alto que ninguno de mis compañeros solían sufrir este tipo de ataques y que las otras chicas con las que me comparaba, pues sí. Esto puedo percibirlo ahora que el mundo ha cambiado para mejor».
Sin embargo, se queda con lo positivo y no descarta alguna reunión futura de la banda: «Claro que sí que pienso en juntarnos, pero lo que más echo de menos es extramusical: la furgo, las bromas, el tiempo que pasaba con Pili (violinista del grupo), vivir aventuras y alguna que otra desventura. Ahora me siento más responsable y creo que no podría subirme a un escenario sin haber ensayado todo muchísimo y estar más segura de lo que hago. Creo que estamos mayores para hacer esas cosas. No sé si tiene sentido ya la música en directo o igual es una percepción que tengo yo. Ya no me apetece tanto ir a conciertos».
Por último compartimos una playlist de mejores canciones de Klaus&Kinski llamada «This Is Klaus&Kinski» aprovechando que no hay ninguna todavía llamada así, para todos aquellos que no los conocíais o que os equivocasteis y no os rendisteis a su talento.
John Cale publica esta semana su primer álbum en 7 años bajo el nombre de ‘MERCY’. Se trata de un disco de 71 minutos en el que aparecen en segundo plano colaboradores clave del underground actual.
Weyes Blood es invitada en el single ‘STORY OF BLOOD’, pero es que en otros tracks hallamos a Animal Collective, Laurel Halo, Actress, Sylvan Esso o Dev Hynes. Ya solo por semejante elenco y porque no sabemos cuándo saldrá el próximo álbum interesante de John Cale (tiene 80 años), ‘MERCY’ será nuestro Disco de la Semana. Lo reseñaremos y aprovecharemos también para recuperar su clásico ‘Paris 1919’.
Es aquella obra de principios de los 70 la referencia de la pista final del disco, la menos escuchada en Spotify pero la más indicada para comenzar con el álbum. Un intensísimo piano nos adentra en esta tenebrosa historia en que escuchamos a John Cale repetir “por favor, no te vayas” y “por favor, ven a casa”.
En esta composición de apoyo a alguien, Cale asegura que te recogerá si “saltas por la ventana”. “Yo detendré tu caída, te abrazaré fuerte y te mantendré en calma, allá donde decidas ir”, indica entre una narración de tan espeluznante escena: “vi una silueta en el tejado, y corrí para subir la escalera hacia ti”.
Esta escena de suicidio bien podría ser una metáfora de la deriva del mundo, pues esta es la temática oficial del álbum según informa su sello en España Music As Usual, lo perdido que está el mundo… pero nuestra posibilidad de salvarlo. Dice la interesante nota de prensa:
«Los escritos y grabaciones que dieron forma a MERCY se acumularon durante años, mientras Cale observaba cómo la sociedad se tambaleaba al borde de la distopía. Trump y Brexit, Covid y el cambio climático, derechos civiles y extremismo de derecha: Cale dejó que las malas noticias del día se filtraran en sus líneas, ya sea que eso significara contemplar la soberanía y el estado legal del hielo marino que se derrite cerca de los polos o el armamento desquiciado de americanos. Las lecciones de una vida (todavía siendo) ricamente vivida flotaron en primer plano, también asintieron con la cabeza en el NIGHT CRAWLING. Si siempre estamos lamentando nuestro pasado, ¿no nos estamos reclutando para una decepción permanente? Y al final, como considera junto a Weyes Blood durante “STORY OF BLOOD”, ¿no somos más capaces de salvarnos unos a otros que un dios que nunca conoceremos?«.
Por un lado, este es un gran momento para recordar que Carolina Durante publicaron uno de los mejores discos de 2022. Así fue reconocido en nuestro Anuario, en las páginas de Rockdelux (top 3 nacional) o entre las nominaciones al Premio Ruido, donde por cierto se enfrentará a la misma ‘MOTOMAMI’. Pero además, Carolina Durante se han anotado últimamente otro hit, en concreto la edición de un single conjunto con la revelación Orslok, popularizado en Youtube, que también ha trabajado con gente como Rojuu. Se trata del tema ‘Casa Kira’, que como parte de ‘Cuatro chavales‘ (‘Granja escuela’, sobre todo), nos hablaba del consumo de drogas en una juventud alienada y perdida.
‘Casa Kira’, nuestra «Canción del Día» hoy y ya por encima del millón de escuchas, dice en su estribillo «Quedamos y bebemos y nos drogamos / Y nos queremos y nos quedamos y bebemos». Su estrofa había empezado presentando «la casa del terror / Siempre con los mismos monstruos / Una pista de baile en el salón / Diez metros cuadrados otra dimensión». Orslok añade más de lo mismo: «Queda tiempo, ponte otra, el sol no va a salir / Está tocando la vecina, yo no puedo abrir / Voy con una mierda encima que me da miedo dormir / Me la sudan esas luces, no me pienso ir».
La novedad es que la voz de Diego está pasada por un filtro tipo Autotune, lo que le da un aire renovado a Carolina Durante, sin renunciar a su filosofía punk pop. De hecho, serán Los Nikis quienes telonearán al cuarteto esta semana en tan decisiva fecha en Madrid.
Por otro lado, la recomendación de Rosalía de una banda de este estilo ha sido recibida con sorpresa, y hay quien especula con una posible relación entre su hermana Pilar -que suele trabajar con ella y a la que está muy unida- y el cantante de Carolina Durante, como es el caso de Europa.FM. No es ajeno Diego Ibáñez, también actor en ‘Cardo‘, a las páginas de la prensa rosa, pues antes fue relacionado con Carlota Cossials de Hinds y con Amaia. De hecho, hay hasta quien se ha entretenido realizando un croquis al respecto que ni aquellos cuadros explicativos sobre quién era quién en ‘Twin Peaks’. Os recordamos que en este caso, en base a especulaciones.
El bombazo de Bizarrap y Shakira sigue coronando la lista de Singles España. El «diss» a Gerard Piqué ya acumula unas impresionantes 185 millones de visitas en YouTube, frente a las casi 120 millones de escuchas en Spotify, postulándose como el primer gran fenómeno pop del año. Sin embargo, directamente en el número 2 ha debutado otro absoluto exitazo, ‘Flowers’ de Miley Cyrus.
A día de hoy, que una canción en inglés debute tan alto en la lista de singles española es una anomalía. La última canción de Miley que se posicionaba tan alto en el Top fue ‘Wrecking Ball’, que llegó al número 1 del ranking en 2013, antes de la llegada de la fiebre reggaetonera. Hits tales como ‘Malibu’, ‘Prisoner’ y ‘Midnight Sky’ fueron Top 20, Top 26 y Top 52, respectivamente. Eso sí, aunque no haya conseguido el oro en nuestro país, ‘Flowers’ lleva ya unos día en el Top 1 Global de Spotify, por delante de Bizarrap y Shakira.
Por otro lado, Myke Towers y Justin Quiles firman el segundo debut en lista más fuerte de la semana, aterrizando ‘Whiskey y Coco’ en el puesto 34. Tini, Steve Aoki y La Joaqui entran en el puesto 76 con ‘Muñecas’, mientras que SZA se ha colocado en el número 80 con ‘Kill Bill’, que además ocupa el tercer puesto en el Top 50 Global. Shakira también ha posicionado dos antiguos éxitos a raíz de su nuevo tema: ‘Waka Waka’ (#85) y ‘Hips Don’t Lie’ (#93).
Sila Lua es una de las revelaciones nacionales que nos ha dejado el año 2022 a través de su disco de debut ‘ROMPE’. Una historia conceptual en la que se conjugan diferentes géneros vinculados tanto a lo urbano como a lo alternativo, sobre la que hemos querido profundizar con la artista. Nos encontramos en un barrio céntrico de Madrid a la caza de un bar no demasiado ruidoso en el que poder grabar la conversación.
Es un placer escuchar el origen de la historia de este complejo álbum, su visión sobre el mismo o el porqué de contar con una banda sobre el escenario únicamente compuesta por mujeres, incluso en cuanto a técnica de sonido. Podréis comprobarlo este sábado 28 de enero en Madrid como parte de la programación de Inverfest, y posteriormente en Salamanca (10 de febrero), Ourense (11 de febrero), Murcia (17 de febrero), Valencia (18 de febrero), Bilbao (9 de marzo), Pamplona (10 de marzo), Donosti (11 de marzo), Sevilla (17 de marzo), Granada (18 de marzo) y Barcelona (21 de abril). Además, JENESAISPOP invita -junto a un acompañante- al concierto de Conde Duque a los 5 primeros que enviéis un mail a jenesaispop@gmail.com con el asunto SILA LUA MADRID, indicando vuestros nombres y apellidos.
‘ROMPE’ es un disco conceptual, ¿puedes presentarlo para quien todavía no te conozca?
Nace de la imagen de un barco rompiendo las olas: por eso se llama ‘ROMPE’. Toma como hilo conductor el mar, su cultura, esa poesía, esa inmensidad. Yo quería transmitir ese empuje tanto en la producción como en las letras. También es un primer viaje para mí, como si me subiera a un barco yo sola buscando aventuras.
En el disco también hablas de una historia que le pasó a tu abuela, ¿no?
La primera canción, ‘La hija del capitán’, es la única en tercera persona. Cuento -con un poco de imaginación- la historia de mi abuela y su padre, que murió en un naufragio, al lado del Sáhara. La canción es un requiem. Es una despedida y tiene algo de militar en las percusiones. Digo que le echo imaginación cuando esa niña, tras la muerte de su padre, también decide lanzarse al mar como su padre. El resto del disco ya es en primera persona y es la historia de esa niña que ya ha crecido.
Y que eres tú…
Uso esa historia de mi abuela y su padre para encarnarme y poder contar la mía. Siempre hay ciertas metáforas, pero todo es autobiográfico. Son cosas que me han pasado, pero ordenadas de manera bella. Quería que el viaje fuera de más convulso a menos convulso. ‘ROMPE’, al principio del disco, es una canción muy violenta, llena de dudas. Las primeras canciones son más como preguntas, de escupir más. Y luego hay una parte que empieza con ‘Makara’ y sigue con ‘Viaje al fin de la noche’ que es como más juguetona. El disco termina con ‘Xoias novas’ y ‘Mi nombre’, que ya son canciones más del corazón, más comprensivas, menos convulsas.
¿Te has agobiado con que todas las canciones encajasen en ese concepto o en esa narrativa?
Todas tienen una palabra o una referencia al mar. En ‘Viaje al fin de la noche’ no hay nada marítimo, pero viene de un libro que cuenta aventuras. También es un «viaje». Para mí era importante, a nivel lírico, usar el mar para contar una historia. No que todo fuera sobre el mar. ‘La hija del capitán’ puede ser la canción más obvia, pero otras usan el mar como metáfora para contar algo distinto.
‘Tanta vida’ es una canción anterior, para una serie, ‘La edad de la ira’, que pensé que quedaría peor encajada, pero resulta que es de las que más usan el mar como metáfora.
«Guardo mares desbordados»… Es verdad que la hice por y para la serie, pero al escribirla, yo ya estaba envuelta en este concepto. Entonces salió así. Me dijeron que la pusiera al final, pero me encajaba en el número 9. Pienso que ahí va muy bien.
¿Has tenido dudas sobre qué te podía encajar y qué no, de las canciones que ya habían salido previamente?
He escrito todo, palabra por palabra, por y para el disco. No hay nada reciclado. Hay cosas antiguas que saldrán o no. Me parecía bonito hacerlo al revés, como debe ser: primero pensar el concepto y luego crear todo a partir de ahí. Me ayuda a mi creatividad tener clara una dirección. Antes ya había hecho un EP de arquetipos femeninos, porque estuve una época obsesionada con la mitología griega. Aunque luego abrí el concepto y metí a Rosalía de Castro.
«Con ‘ROMPE’ quería sentar las bases de mi proyecto, que la gente entienda de qué voy»
En la industria es muy habitual meter luego bonus tracks para añadir streamings y demás… Como Bad Bunny recuperando ‘Callaíta’ para ‘Un verano sin ti’.
En ‘Callaíta’ creo que tuvo que cambiar la instrumental y la metió en el disco para que la gente se diera cuenta… Yo quería sentar las bases de mi proyecto, que la gente entienda de qué voy. Yo creo que es distinto cuando estás entre álbumes, lanzando singles… puedes hacer movimientos más inteligentes a nivel márketing. Para mí los álbumes son importantes. Puedes hacer un concepto para una canción pero un álbum siempre va a brillar más, es un concepto más complejo.
La canción que más me llamó la atención del disco en principio fue ‘Patrón’ y me sorprendió ver que no estaba entre las que tenía mejores números…
Yo tampoco lo entendí mucho, pero era muy rara. Cuando la saqué pensé que era súper buena, pero supongo que es difícil (risas).
Es un tema feminista, contra el patriarcado, y la producción es muy interesante. ¿Qué me puedes contar sobre ella?
Esta canción la empezamos mi productor y yo. Yo quería hacer como un trip hop y tenía la letra, con una métrica rara. Luego pensé que sería interesante meterle cuerdas. Con este álbum he aprovechado para hacer cosas que no había podido, como grabar con un cuarteto de cuerdas. Las cuerdas tienen una cosa desgarradora y el mensaje encaja muy bien. Invité a LaTorre, una cantante ecuatoriana, a que la cantara conmigo, y su parte le da luminosidad. Si no, habría sido muy dura, porque uso palabras muy fuertes, como «guerra», «aborten», «suiciden»… y ella es más melódica y la abrió mucho. ‘Patrón’ también es por el patrón del barco… Pero es verdad que habla sobre mujeres y sobre el machismo como problema transversal. Hablo de nosotras y sobre ellos.
«‘Patrón’ es sobre el machismo como problema transversal (…) pero no me interesa la política»
¿Para ti es importante que la música tenga un mensaje?
No, me divierte también la música que no. No tiene por qué. Me gusta la poesía, no me interesa la política. De hecho me aburre la gente que es muy «mensajera». Lo que pasa es que inevitablemente hay cosas que salen. Para mí es imposible no hablar de algo que me importa o me interesa.
‘Viaje al fin de la noche’ tiene esta frase «si consigues que me corra, me caso contigo». No sé si aquí hay algo de reivindicación, si va de que hay gente que es un paquete follando…
(risas) Cada vez que la canto en directo, ya sale la risita… Pero en este caso no era en plan feminista sexual. Lo que digo es que «voy tan ciega, que si aun así consigues que me corra, me caso contigo». Está basada en una historia real y esta persona me llamó cuando se dio cuenta. Me dijo: «¡pero Sila!». Y dije: «pues ya lo siento» (risas). Me dijo: «no, si me gusta…» Y vino a la presentación del disco. Me apetecía hablar de las profundidades del mar, figurando un after. Tuve esta experiencia, y quedaba perfecto.
¿Qué podemos esperar de tu gira?
Actúo en Inverfest, son 11 fechas por toda España, se irán añadiendo más. ¡Espero que todo el mundo compre tickets! Voy con una percusionista y una DJ. La DJ lleva la cabeza de conejo del vídeo, queremos hacer una historia performática, más que conciertos. Habrá partes urbanas, partes tecno… Busco crear ese viaje con luces y canciones, vestuario, y con diferentes géneros. Que haya de todo.
¿Ha sido buscado que todas las músicas seáis mujeres?
Mi DJ, Greta, lleva un año y medio conmigo, me la presentó mi productor, es la hostia. Sí he buscado una teclista femenina. También voy con técnica de sonido mujer, me ha costado encontrarla. En la presentacion quería 4 percusionistas y rollo tribal, pero no encontré 4 percusionistas mujeres.
En el contexto político actual, me parece un mensaje político potente, abiertamente feminista, aunque decías que no te interesaba la política…
Sí, pero bueno. Para mí es algo poético. Yo soy mujer y represento ciertas cosas, me gusta rodearme de otras mujeres talentosas. Si tocaran mal, no las llevaría.
Bueno, estáis empezando. Todo el mundo toca mal al principio. Las bandas de chicos, también.
Yo soy solista, ¡si les pago es para que toquen bien! (risas)
«‘REDUXER’ de alt-J fue una inspiración. Como si yo fuera una indie que quiere ir de rapera o una rapera que quiere de ir de indie»
¿Has trabajado con referentes concretos en lo musical?
Nos hemos dejado llevar por la música, sí había «drums» concretos y a veces pensaba: «vamos a hacer algo parecido». Pero cuando haces música, todas tus referencias están reflejadas. Me gusta mucho la música urbana y yo vengo de ahí. Pero me siento más alternativa, y hay un disco de alt-j que sí ha podido ser una referencia. Hicieron un disco de remixes llamado ‘REDUXER’, a partir de su disco ‘relaxer’, en el que invitan a raperos y productores de urban. Fue una inspiración, pero más en lo conceptual. Como si yo fuera una indie que quiere ir de rapera o una rapera que quiere de ir de indie. Como no atarse a ningún sonido concreto. Que en el disco pueda haber un poco de todo.
Ahora que dices lo de alternativa, en el disco hay cosas que suenan deliberadamente desagradables, como sucias y oscuras…
Este disco ha sido una experimentación. Mi sonido ya era oscuro. Yo empecé estudiando producción musical, hice mis beats, y luego me di cuenta de que me gustaba más hacer canciones que producir. Empecé a colaborar con más gente. Pero para mí es importante estar delante en todo el proceso. Yo no canto la letra y otra persona hace los arreglos. He estado un año y medio en el estudio con mi productor. Las canciones han pasado por ritmos distintos. Ha sido una búsqueda de ver qué le iba a cada canción. Hay algo de mi sonido que tiene cierta oscuridad, suciedad… pero la mezcla es súper limpia, súper pop. La mezcla es como si fuera de Ariana Grande (risas)
¿Te ha llevado un año y medio grabar este disco, entonces?
Ha pasado por diferentes procesos. Estuve en Brasil con Duda Brack y comparábamos hacer un disco con un embarazo. Nunca he estado embarazada pero nos reíamos mucho diciendo que es como hacer un álbum: primero estás toda contenta, y luego a los 3 meses empiezas a vomitar. Entras con energía, pero luego dices: «Dios mío, pero si no tengo nada, ¿cómo voy a hacer este castillo?». Y a la mitad ya te empiezas a sentir bien, ya te dicen si está sano, puedes verlo… Hay altibajos, pero cuando tienes 3 o 4 canciones vas viendo que puedes continuar. Y vas teniendo fe de que el concepto es bueno. He crecido mucho como música, he tenido la oportunidad de seguir creciendo, como con el cuarteto de cuerda. Hay guitarristas, pianistas, percusionistas… Han sido sesiones y experiencias inolvidables. Y eso te «crece» como artista.
Antes de grabar, me comentabas que habías hecho unas sesiones con Marcel Bagés. ¿Y eso?
Hace un año. Cuando escuché ‘Clamor’ flipé, hablé con él, y me dijo que pinchaba ‘Quiero llorar‘ en algún festival. Le dije: «Voy a Barcelona». Estuvimos 2 días en el estudio, pero no acabó de salir nada. ¡Pero es muy majo!
¿Cuándo das el trabajo por acabado?
Hice muy bien en ponerme una deadline… Siempre puedes regrabar voces pero ya tenía las 11 canciones, sabía el orden y hemos estado 1 o 2 meses con arreglitos de última hora. Con esos arreglitos me podía haber tirado otros 6 meses…
«Yo pensaba que si la segunda canción que había hecho, había gente que la buscaba en Shazam en Brasil, Rusia, Ucrania… es que iba por buena dirección. Ahí me puse a hacer el álbum»
¿Sirve de algo sonar en ‘Élite’? Está muy bien entrar en playlists, pero tengo la teoría de que eso no lleva a la gente a tus conciertos…
Sí sirve. Fue un empuje emocional. Cogieron 2 canciones antiguas. ‘Nada’, que fue una de las que escogieron, fue la segunda canción que hice en mi vida. Antes tenía 3.000 o 5.000 plays. Los plays vienen de Shazam, no de las playlists. Yo pensaba que si la segunda canción que había hecho, había gente que la buscaba en Shazam en Brasil, Rusia, Ucrania… es que iba por buena dirección. Ahí me puse a hacer el álbum. Si hubiera lanzado el álbum al mes se hubiera traducido más… pero bueno. Hasta ‘Élite’ yo tenía 8.000 o 10.000 oyentes, no me escuchaba nadie. Llegué a 200.000. Ahora he bajado obviamente, pero esa gente que me escucha ahora es la que está medio pendiente.
¿Cómo te ves en 5 años años? ¿Qué inquietudes tienes? ¿Te agobian los números?
Los números no me importan. Me gustaría hacer la música que me gusta, con buenos medios. Los buenos profesionales cuestan dinero. Me interesa seguir desarrollando mi proyecto y aportar mi visión. Si resulta en un hit, pues muy bien. Me gustan los artistas de álbum, de conceptos, los que van creciendo, más que los que tienen un hit. Aunque un hit siempre viene de puta madre (risas).
Creo que este disco no está muy preocupado por un hit. No sé si es lo que buscabas con ‘ROMPE’ o ‘Viaje al fin de la noche’, pero no me ha dado esa sensación.
Estoy sentando las bases, es lo que quería con este álbum: empezar a sacar singles, explorar… Estoy con la gira, esto no ha hecho más que empezar. Yo quería que fueras a una plataforma y que la gente tuviera claro de qué va Sila.
Te compararán mucho con FKA twigs, pero veo una chulería más tipo Luz Casal en cómo cantas por ejemplo ‘Eres para mí’.
¡Me lo han dicho! Me lo decía una amiga gallega. Creo que es por el tono de voz, lo tiene grave como yo. Luz Casal y FKA twigs… ¡me gusta ese mix!
Kali Uchis acaba de confirmar las conjeturas que lanzábamos tras el lanzamiento de su último single, ‘I Wish you Roses’. El tercer LP de Kali Uchis será en inglés, se titula ‘Red Moon In Venus’ y sale el próximo 3 de marzo. Además, Uchis ha dado a entender que, aparte de los dos que ya había confirmado, tiene otro tercer disco entre manos… ¿en francés?
En el teaser que la colombiana ha subido a redes vemos el punto de vista de la cantante de ‘NO HAY LEY’, que está sentada frente a un televisor, al mismo tiempo que se escucha de fondo un adelanto de una canción inédita. En la pantalla, vemos un menú de selección de idiomas vintage, de televisor antiguo, en el que aparecen el inglés, el español y el francés.
Ya sabíamos que Uchis iba a lanzar un disco en español y otro en inglés, pero lo del francés no lo habíamos visto venir. Podría ser simplemente un añadido para despistar o podría ser la confirmación de que, en algún momento, Kali Uchis lanzará un disco en francés. Finalmente, la cantante selecciona el inglés y se revela el título del disco, ‘Red Moon In Venus’, que será la continuación de ‘Sin Miedo (del amor y otros demonios)’ y ‘Isolation’.
Mario Vaquerizo, líder de las Nancys Rubias, conseguía viralizarse el pasado viernes tras mostrar su apoyo al líder del PP, Alberto Núñez Feijóo, y a la presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, al llegar a FITUR (Feria Internacional de Turismo). En este mismo evento, también se mostró el spot publicitario de Madrid con Mario Vaquerizo que ya dinamitó las redes sociales, llenándolas de memes y opiniones encontradas.
En el anuncio, la Comunidad de Madrid vende el estilo de vida de la capital como «el mejor estilo de vida del mundo», tomando como protagonistas a una mujer que ha venido a Madrid unos días por trabajo, aunque en el anuncio haga todo lo contrario, y al propio Vaquerizo, que hace de camarero hablador: «Nena, ¿qué te pongo? ¿Una cañita? ¿Un vermú? ¿Un vino de Madrid?», le pregunta Vaquerizo a la mujer. Al final, este convence a la empresaria para pasar unos días más en la ciudad y disfrutar de «sus maravillas».
😉 Madrid, el lugar del que todos hablan, con el mejor estilo de vida del mundo.
Las redes se han llenado de comentarios irónicos sobre la visión de Ayuso de la capital española, con algunos parlamentarios de la oposición uniéndose al debate online. Entre ellos, el diputado Javier Padilla de Más Madrid, que ha señalado que «les ha quedado una escaparate para ricos donde los municipios se ven en helicóptero y los madrileños son todos camareros».
Muchos usuarios también recalcaban el hecho de que la protagonista mienta de forma repetida sobre estar en reuniones o desayunando con clientes, cuando en realidad la vemos pasando tiempo de ocio.
Este lunes, Isabel Díaz Ayuso visitaba Espejo Público, el programa de Susana Griso, para responder a las críticas sobre el comentado spot. Al ser preguntada sobre por qué cree que el anuncio ha causado tanto revuelo, Ayuso respondía: «Es porque qué bien va Madrid, qué éxito está teniendo y hay gente conocida que pone su cara para reconocerlo y formar parte de ello, ¿quién no se tomaría una caña con él?», ha defendido Ayuso.
Además, también ha aprovechado para centrarse en las críticas que le han llegado desde la izquierda: «Entonces, un spot como este, que es divertido, desenfadado, alegre y que juega un poco con el «voy a contar una trola que me quiero quedar en Madrid por encima de todo», para los puritanos de la izquierda que dicen «Dios mío, ha mentido…», lo único que demuestran es que están fastidiados y que tienen que criticar por criticar», ha comentado refiriéndose a la polémica sobre las mentiras de la protagonista.
Rosalía ha alcanzado un nuevo logro en su carrera, siendo la artista principal y la «musical curator» del desfile de la nueva colección otoño-invierno de Louis Vuitton, presentado en la Cour Carrée el Louvre. Además de interpretar temas de todas las partes de su discografía, la catalana también ha servido como seleccionadora musical del evento, haciendo que suenen en el recinto artistas como Camarón de la Isla o el dominicano Angel Dior.
El escenario no se trataba de una pasarela al uso, sino que estaba configurado como una casa con diferentes habitaciones, con su salón, comedor e incluso salas de música. Además, algunos modelos también se han encargado de ir escribiendo el nombre de Rosalía por las paredes de la casa. Esta, con unos pantalones holgados y un abombado abrigo blanco, comenzó el show con el remix de ‘CANDY’, incluida en la versión deluxe de ‘MOTOMAMI’, subida en un sedán amarillo ochentero.
A esta le sucedieron versiones diferentes de ‘SAOKO’, ‘DE AQUÍ NO SALES’, ‘DESPECHÁ’, ‘DE PLATA’ y ‘CUUUUTE’. En concreto, destacaron las guitarras eléctricas en ‘DE PLATA’ y el remix de NUSAR3000 de ‘DESPECHÁ’, caracterizado por reconvertir la original a un estilo hyperpop, siguiendo la trend de acelerar las canciones, y por un sample de ‘Sento no Bico da Glock, de los brasileños Gabriel do Borel, MC Lucy y MC Rogê.
Además, Rosalía hizo que Camarón de la Isla (‘Bulerías de la perla’) sonase en un desfile de Louis Vuitton, mientras ella descansaba en un lujoso sofá rojo. La artista de Baix Llobregat anunciaba recientemente la fecha oficial de su nuevo single, en inglés, titulado ‘Lie Like You Love Me’ y adelantado por la misma en su cuenta de Tik Tok. ‘LLYLM’ estará disponible en todas las plataformas el próximo 27 de enero.
Tracklist del show de Rosalía en Louis Vuitton:
CANDY Remix – ROSALÍA (Live Performance)
SAOKO – ROSALÍA (Live Performance)
BULERÍAS DE LA PERLA – Camarón De La Isla
DE AQUÍ NO SALES – ROSALÍA (Live Performance)
DESPECHA (NUSAR3000 Remix) – ROSALÍA
BASBOUSA SONG – Ahmad H Music
DE PLATA – ROSALÍA (Live Performance)
AIO – Angel Dior
CUUUUTE – ROSALÍA (Live Performance)
Todo en Måneskin es excesivo: desde la forma en que ganaron en Eurovisión al éxito de su gira (con el cartel de “sold out” colgado semanas en casi todas las fechas) al status de sex symbol que rodea a Damiano David. Su primer largo tras el periplo eurovisivo tampoco se queda corto: en tiempos de singles, mixtapes de apenas media hora y EPs, se han marcado un disco de 50 minutos de duración (el grupo ha afirmado que llegaron a escribir unas 50 canciones) y para cuyo lanzamiento hasta han escenificado una boda oficiada por el otrora diseñador de Gucci Alessandro Michele.
Si hay algo que define ‘RUSH!’ es su ambición: producido por Max Martin (quien ha trabajado con Katy Perry, Britney Spears o The Weeknd, por dar solo algunos nombres) y con la colaboración de Tom Morello de Rage Against the Machine en ‘Gossip’, este nuevo disco de los italianos consta de 17 temas en los que parecen querer probarlo todo, desde ese rock de corte setentero marca de la casa a estilos más cercanos al punk (´Kool Kids’, cuyo “lyric video” tira de la estética de propaganda soviética que ya reivindicaron de forma parecida Franz Ferdinand) o al rock noventero en ‘Il dono della vitta’.
Otra novedad con respecto a trabajos previos es la cantidad de medios tiempos y baladas: no se limitan a una, sino que además de incluir el single ‘The Loneliest’, añaden ‘Timezone’ (con un punteo que recuerda a los Aerosmith de los 90 y en la que Damiano asegura que prefiere pasar tiempo con su pareja a cumplir con sus obligaciones contractuales) o ‘If Not For You’, con un sonido casi pop y de la que el grupo afirma haberla grabado en una sola toma.
Quienes busquen los riffs de Raggi o ese rock que parece haber llegado hasta hoy desde una cápsula del tiempo, los encontrarán en canciones como ‘Mark Chapman’ o ‘La Fine‘, de las pocas, dicho sea de paso, en las que mantienen el italiano. Una pena, porque es precisamente lo que da un plus de originalidad a unos temas que de no ser por el carisma de Måneskin es posible que pasaran sin pena ni gloria: el mayor lastre del álbum es que al haber tanta canción y tan heterogénea a veces se encalla y algunos temas parecen poco más que relleno.
Llama también la atención de ‘RUSH!’ es la reflexión que hacen del éxito: desde que ganaron Eurovisión han pasado de ser unos casi desconocidos a llenar estadios, girar por todo el mundo, engrosar el cartel de varios festivales (este año estarán incluso en el Primavera Sound) y formar parte de campañas de moda. Son lo suficientemente rockeros como para tener la pátina de autenticidad que marcas y medios buscan, pero lo suficientemente “buenos chicos” como para no causar quebraderos de cabeza a los publicistas. Juegan con la ambigüedad sexual, y en sus canciones hablan abiertamente de su rechazo a las drogas duras y de ignorar la “cocaína sobre la mesa” (´Feel’), desdibujando también los roles de género.
Precisamente muchas de las canciones hacen referencia al mundo de fama, desde ‘Mark Chapman’ a ‘Gossip’ (“este lugar es un circo / solo ves la superficie / esconden la mierda bajo la alfombra / no puedes ver que están fingiendo”) o en ‘Bla Bla Bla’ (“dijiste que soy feo y que mi banda apesta / pero tengo una canción con un billón de streams”). Incluso se ríen de sí mismos en ‘Cool Kids’, dejando claro que no se toman nada demasiado en serio y que lo único que les interesa es el rock.
Este fin de semana se ha publicado la esperada mixtape de Biig Piig, uno de los talentos 2023 por que apostamos en el correspondiente reportaje de nuestro Anuario 2022, que este mes podéis comprar en nuestra tienda sin pagar gastos de envío (España, Península). En verdad os llevamos hablando de ella 3 años, desde antes de la pandemia, cuando llegaban sus primeros EP’s.
Su mixtape definitiva se llama ‘Bubblegum’ como casi, casi, podéis intuir en la imagen, e incluye una colaboración explosiva con Deb Never, también el single ‘This Is What They Meant’, la balada en Spanglish ‘Ghosting’, el medio tiempo guitarrero ‘In the Dark’ y la que es su canción estrella para nuestra redacción. ‘Kerosene’ es nuestra “Canción del Día” hoy.
La artista, que ha cumplido 24 años este domingo, y cuyo nombre verdadero es Jess Smyth, explicaba sobre ‘Kerosene’ a su lanzamiento en otoño, que es “sobre querer que alguien me arranque la ropa”, sobre la “tensión de una relación”. La definía como su canción más “hot”.
En la letra, su chico deja caer “gasolina, dos pasos por delante”. El estribillo no puede ser más gráfico en ese “oh, papi, te deseo esta noche”, ni la segunda estrofa más directa en ese “hágamos cardio, hazme un vídeo, conviérteme en una estrella”. Pero es la producción realizada junto a Zach Nahome y Maverick Sabre la que eleva esta grabación, pues es pura sensualidad y sofisticación -quizá la que falta a la letra-.
Curiosamente, quizá no adivinarías que Biig Pigg se ha inspirado aquí en una grabación improbable: ‘Gasolina’ de Daddy Yankee. Cuenta abiertamente que pensó: “¿qué se parece a la gasolina pero no es gasolina? Quizá el keroseno”. Así lo explicaba a Apple Music la cantante, que pese a ser irlandesa, ha pasado largas temporadas en España, en concreto de los 4 a los 12 años, pues los médicos se lo recomendaron a su hermano al sufrir asma.
Entre las novedades de la semana se encuentra ‘Gloria‘, el tema que da título al nuevo disco de Sam Smith, que sale el 27 de enero. Parecía una extraña elección de single, pues es la intro del álbum, un himno coral que no llega a los 2 minutos. Sin embargo, Smith preparaba algo especial con ella, en concreto, una actuación en Saturday Night Live.
Lo que no esperábamos es que la mismísima Sharon Stone fuera a estar involucrada en la performance, de manera totalmente random. La actriz, que no se dejaba caer por el programa desde el año 1992, aparece tumbada durante la actuación de Smith y solo se levanta para quedarse mirando el horizonte. Mientras, Smith canta ‘Gloria’ acompañade de su coro. El artista británico ha dicho que la palabra «Gloria» representa la voz en su interior que le anima a luchar y a seguir adelante, por lo que Stone vendría a personificar esa musa.
Por supuesto, Smith no ha dejado de presentar el macrohit ‘Unholy‘ a su paso por Saturday Night Live. Con un vestido más extravagante incluso que aquel que Rosalía portó durante su presentación de ‘LA FAMA’ en el mismo programa, Smith canta ‘Unholy’ sin moverse de su posición: Kim Petras se encuentra escondida debajo de su enorme falda y emerge en la segunda estrofa, para después no parar quieta. Hasta aprovecha para cantarse unos pocos adlibs.
La canción que Smith NO ha presentado en Saturday Night Live es su nuevo single. A ‘Gimme‘ le habría venido bien el push, pues el éxito de ‘Unholy’ no ha mantenido el «hype» precisamente: el tema ocupa actualmente el puesto 147 en el chart global de Spotify y está muy lejos de -como mínimo- acercarse a igualar el éxito del single anterior. ¿La dejamos para el verano mejor?
Por otro lado, ‘The Gloria Tour’ arranca en abril y os recordamos que pasa por España: Sam Smith es uno de los nombres confirmados en el cartel de Mad Cool 2023. El tramo europeo de la gira también visita Italia, Francia, Alemania y Bélgica, entre otros países.
Menta han protagonizado la gran sorpresa de las nominaciones al Premio Ruido al encontrar ahí reconocido su primer disco ‘Un momento extraño’, publicado en las últimas semanas de 2022. Ya lo decían en la entrevista que nos concedieron hace unos meses: «Tenemos una flor en el culo».
La gracia de la banda de rock es haber introducido la voz de Meji, más curtida en el mundo del flamenco. Chillona, resonó desde el principio entre guitarras eléctricas con considerable personalidad en temas que Menta fueron publicando desde 2020 en el sello Sonido Muchacho, a destacar su tema debut, la balada noise pop ‘Ojalá te mueras».
‘Un momento extraño’ parte del peor momento emocional en la vida personal de Meji. Quizá por eso todo comienza con un corte llamado ‘Fatal, gracias’ y quizá por eso tiene tanto peso la resaca emocional de ‘Ibuprofeno Normon 600mg’, un tema sin «autoestima ni dignidad» en el que habla de «poner orden en su vida». «Ya ni siento ni padezco», se queja entre botellas vacías, a la espera de un repartidor con algo para comer. ‘Perro dolor’ había reconocido poco antes: «uso como vía de escape el sexo y el alcohol / no hay resaca que me mate ni que pueda con el perro dolor».
La fuerza de la voz de Meji sirve también para quemar contenedores o algo así. La canción más popular de este disco está resultando un tiro llamado ‘Lo que me falta’ en el que amenaza, un tanto planetera: «si descubro que mentías, jugaré todas mis cartas para joderte la vida». En un álbum que sobre todo habla de desamor, un claro deseo de evasión y huida y desarraigo, la revuelta llega a las calles en ‘Segunda parte’: «quemaremos contenedores, robaremos en el Primark, nos colaremos en el metro, la policía no nos verá».
Meji deja el protagonismo a uno de sus compañeros en la penúltima canción de ‘Un momento extraño’, ‘Consecuencias’. Por mucho que sea el tema menos escuchado de este proyecto, funciona junto a sus guitarras fieras: es el tipo de cosa que evita que un álbum se ahogue en lo predecible. Como lo es que todo esto se cierre con otra baladita noise, un estándar de indie noventero llamado ‘Un llanto’. Ellos ya lo advirtieron, muy conscientes de sí mismos: este disco es peor de lo que será el siguiente.
