Pongo es una de las artistas que han pasado este verano por el selecto club de las actuaciones de COLORS. Además, la cantante medio portuguesa medio angoleña es una de las artistas que pasarán este fin de semana por Pop Marítims en Valencia. Actúa el día 2 de octubre, como Queralt Lahoz y La Plata (entradas, aquí).
Conocida como adolescente como Pongolove, en 2008 estuvo presente en el viral ‘Kalemba (Wegue Wegue)’ de Buraka Som Sistema, que acercó el kuduro a la música pop. Tras un paréntesis, ya como adulta, volvió en 2019 con un EP llamado ‘Baia’ donde se encontraba su gran temazo ‘Kuzola’. Tras un segundo EP llamado ‘UWA’, este año ha publicado este ‘BRUXOS’ que es hoy nuestra “Canción del Día”.
Pongo suelta aquí todo su ritmazo y energía en un tema que alterna los ritmos africanos con beats más modernos. Aunque es muy claro que aquí es ella quien manda y quien va a dejar un set en vivo de lo más divertido a juzgar por sus bailes, dos beatmakers franceses, King Doudou y Lazy Flow, seguramente tiene mucho que ver con el hecho de que la música de Pongo sea tan escuchada en París y Lyon como en Lisboa y Oporto. Es a Angola y a África a quien Pongo apela al final de este pepinaco, pero seguro que más territorios se unirán a medida que se vayan abriendo las fronteras para la música en directo.
Netflix lo comunicó hace unos días durante el evento de TUDUM, que también confirmó la renovación para la T4 de ‘Sex Education’, presentó un nuevo avance de ‘Stranger Things’ y lanzó un clip exclusivo del final de ‘La Casa De Papel’. En este caso, la continuación de la miniserie ‘Tiger King’ llega el próximo 17 de noviembre y también se ha compartido el primer trailer.
La serie documental creada por Eric Goode y Rebecca Chaiklin fue uno de esos anestésicos digitales que nos hicieron más llevadores los días de confinamiento del año pasado. «Una exploración de la cría de grandes felinos y su extraño inframundo, poblado por personajes excéntricos, como el dueño de zoológico Joseph Maldonado-Passage», esta era la sinopsis de la primera temporada.
Alerta SPOILER, ‘Tiger King 2’ arranca poco después de que Joe Exotic fuese encarcelado. Actualmente cumple una condena de 22 años por abuso animal y por el intento de asesinato de Carole Baskin, la autodenominada «Madre Teresa de los felinos». Es posible que también se indague sobre el misterio del marido perdido de Baskin. De momento, el trailer no ofrece demasiadas pistas a cerca de la trama porque, tal y como muestran, «el mundo no tenía ni idea de lo que estaba a punto de golpear».
Hay que recordar también que después de la cancelación de una serie ambientada en esta historia protagonizada por Nicolas Cage en el papel de Joe Exotic, está en marcha otra en la que John Cameron Mitchell se pone en la piel de Joe Exotic y Kate McKinnon en la de Baskin. Pero todavía no se sabe mucho sobre esta adaptación.
Robert Sylvester Kelly, conocido artísticamente como R. Kelly, ha sido declarado culpable de crimen organizado y de tráfico y abuso sexual por un jurado federal en Brooklyn (Nueva York) en un juicio que ha durado un total de seis semanas y que ha sufrido varios retrasos debido a la pandemia. La sentencia se anunció ayer después de nueve horas de deliberación por parte del jurado. El cantante se enfrenta a una condena de varias décadas en prisión.
Kelly fue acusado por la Fiscalía del Distrito Este de Nueva York y empezó a ser investigado por delitos de crimen organizado, coacción, soborno y transporte de mujeres y niñas para realizar actividades sexuales ilegales durante dos décadas, lo que es una violación de la Ley Mann, que condena estas prácticas. Kelly siempre ha negado todas las acusaciones y se ha declarado inocente de los cargos, a pesar de que ha sido detenido en varias ocasiones y de las declaraciones de los testigos, que coinciden en un patrón de abusos.
Durante cuatro semanas de juicio, al menos 10 mujeres declararon que sufrieron abusos por parte de Kelly. Según informa el periódico El País, las mujeres describían al acusado como: «Una carismática celebridad que frecuentemente escogía a jóvenes víctimas que asistían a sus conciertos, a quienes a veces asaltaba sexualmente entre bambalinas minutos después del espectáculo». Otros medios como NME también exponen estos testimonios. Una mujer dijo que la obligaron a seguir «las reglas de Rob», por ejemplo llamarle «daddy» (papi) o usar ropa holgada para ocultar su figura.
La abogada Gloria Alfred, que representa a varias víctimas de este abuso sexual, calificó a Kelly de «el peor depredador sexual» que ha visto en toda su carrera. «Usó el poder de su estatus como celebridad para reclutar a menores vulnerables con el objetivo de abusar de ellas sexualmente», explicó a la prensa poco después de darse a conocer la sentencia. Hay que recordar que Kelly todavía cuenta con los cargos de pornografía infantil y obstrucción en Illinois, después del retraso por la COVID-19. También enfrenta otros cargos relacionados con el sexo en Minnesota. R. Kelly será sentenciado el próximo 4 de mayo de 2022.
Hits Kanye West no ha entusiasmado a la crítica con ‘DONDA’, el disco que ha venido retrasando durante 2 años. Sin embargo, su éxito comercial incluso sin edición física, es indiscutible. El álbum ha sido número 1 en Estados Unidos, Reino Unido, Irlanda, Italia, Alemania, Francia, Holanda, Dinamarca, Canadá, Bélgica, Suecia… En realidad, terminamos antes diciendo dónde NO ha sido número 1 ‘DONDA’ entre los mercados importantes y la lista terminaría con Japón y España, donde se ha quedado en el puesto 5. Mediatraffic estima lo equivalente a casi 800.000 unidades vendidas, pero lo mejor es que el disco se mantiene fuerte un mes después de su lanzamiento.
De hecho, esta semana hay remontada en Reino Unido: ‘DONDA’ recupera puestos y sube del número 13 al número 11, probando que queda Kanye para rato. Que el disco tenga 27 pistas ayuda, desde luego, pues hay el doble de posibilidades de sumar puntos, pero West también sobrevive en la lista de sencillos: ‘Hurricane’ con The Weeknd continúa en el top 40 y ‘Off the Grid’ continúa en el top 100 dentro de la lista oficial de Reino Unido.
Si nos movemos al resto del mundo, estas 2 canciones continúan en el top 200 global de Spotify, como también ‘Moon’. En Estados Unidos, el éxito de ‘DONDA’ es aún mayor y el disco continúa en el número 2 del Billboard 200 en su tercera semana. ‘Hurricane’ sigue en el top 30 de singles, y de hecho en ese Billboard Hot 100 aparecen las tres canciones del disco mencionadas, pero además sumando ‘Jail’. Nuevos discos de platino para singles y disco aguardan en esta era por la que muchos no daban un duro. ¿Se le ocurrirá a Kanye hacer una buena promo del largo con vídeos de mayor presupuesto, et al?
Flops ‘DONDA’ suma 53/100 en Metacritic. A su lado, ‘Solar Power’ de Lorde suena como un gran disco, pues cuenta con un 69/100 por parte de la crítica musical. Sin embargo, ella no ha retenido a su público con un álbum flojo como Kanye, ni siquiera viniendo de dos discos tan millonarios como ‘Pure Heroine’ y ‘Melodrama’. El primero despachó 6 millones de copias, y el segundo debió de rondar el millón sobre todo gracias a sus puntos de streaming, finalmente estables.
No parece que vaya a ser el escenario de ‘Solar Power’, que solo vendió 101.000 unidades en su primera semana a nivel global según Mediatraffic, no ha sido número 1 en ningún territorio fuera de Australia y Nueva Zelanda, de donde procede la cantante, y acaba de desaparecer de todo el top 100 británico tan sólo después de 4 semanas. Parece que pronto sucederá lo mismo en Estados Unidos, pues esta semana el largo ‘Solar Power’ pasa del número 113 al número 165. Su vida en listas ha sido aproximadamente de un mes.
No parece que nada pueda salvar ‘Solar Power’ del desastre en las listas de éxitos, si no lo ha conseguido ‘Mood Ring’, si bien hay que apuntar que no parece haber sido la intención de Lorde hacer un disco que funcionara en el plano comercial.
La columna «Hits & Flops» no pretende enfrentar a unos artistas con otros, sino analizar desde el punto de vista del márketing las campañas mejor y peor encarriladas por los sellos discográficos. Para números anteriores, pincha aquí. La calidad de los discos al margen de su alcance comercial, es analizada en la sección «Discos».
PODCAST: ‘DONDA’, analizamos el último disco de Kanye West
Arca ha publicado nuevo single por sorpresa. ‘Incendio’ marca, presumiblemente, el inicio de la nueva etapa discográfica de Alejandra Ghersi, ya que la productora venezolana había declarado que su remix de ‘Rain on Me’ de Lady Gaga y Ariana Grande incluido en ‘Dawn of Chromatica‘ cerraría oficialmente la era liderada por el lanzamiento de su disco nominado a un Grammy, ‘KiCk I‘. De hecho, el remix de ‘Rain on Me’ samplea el single ‘Time’, así como ‘Mételo’ de DJ Yirvin.
En concreto, Arca había dicho que el remix de ‘Rain on Me’ es la «última instancia en la q planteo deconstruir y jugar con sonidos de KiCk i antes de despedirnos de esa era para poder darles la bienvenida a kIcK ii y más allá», de lo que se deduce que ‘Incendio’ está abriendo la era de ‘KiCk I’ (la productora ya había confirmado que su proyecto «KiCk’ constaría de varios volúmenes). En este sentido, ‘Incendio’ funciona como explosivo primer single con el que sumergirse en el mundo que Arca está a punto de presentar a su audiencia.
A lo largo de su carrera, Arca ha publicado canciones de varios tipos. Las de los primerosdiscos solían ser abstractas, las de su álbum homónimo ya admitían melodías vocales e incluso influencias de la música popular venezolana, y algunas de ‘KiCk i’ jugaban con bases rítmicas tan duras como las de ‘Mequetrefe’, ‘Riquiquí’ o ‘KLK’ con Rosalía. ‘Incendio’ entra de lleno en el último grupo.
Otra de sus producciones pretendidamente cacofónicas, ‘Incendio’ es una locura de puñetazos industriales y agresivos ritmos carnavalescos que parecen tener lugar en lo más profundo del infierno. Se escucha incluso lo que parece el sonido de una arma de fuego siendo cargada, mientras Alejandra se encarga de levantar los ánimos rapeando por encima cosas como «quemando ese cuerpo», «chupándome los huesos, bien espeso» o «te lanzo triqui traqui pa’ la jeta / ya tú sabes que me reta, que te doy / que te escoñeto toda». Si suena a ida de olla, espera a escuchar la canción.
El disco ‘Nervermind’ de Nirvana, uno de los más exitosos e influyentes de la historia del pop y que llegó a ser número 1 en Estados Unidos, donde es disco de diamante por la distribución de 10 millones de copias, cumplió 30 años el pasado viernes 24 de septiembre. Lo que queda de la banda ya ha decidido cómo celebrarlo, con varias reediciones del disco en diferentes formatos en ‘Nevermind 30th Anniversary Editions’. Puedes reservarlo ya en la web de Universal.
‘Nevermind’ ha sido remasterizado en todos estos formatos a partir de las cintas analógicas originales. Se trata de un total de 94 audios y pistas de video, 70 de ellas no publicadas anteriormente, y que estarán disponibles en diferentes configuraciones que se distribuirán el 12 de noviembre de este año.
Habrá dos ediciones Super Deluxe, una caja de 8 LP + 7″ y un libro fotográfico de 40 páginas:
LP 1 – Nevermind (Disco Remasterizado)
LP 2 – Live in Amsterdam, Holanda (Paradiso, Noviembre 25, 1991)
LP 3 – Live in Amsterdam, Holanda (Paradiso, Noviembre 25, 1991)
LP 4 – Live in Del Mar, California (Pat O’Brien Pavilion, Del Mar Fairgrounds, Diciembre 28, 1991)
LP 5 – Live in Melbourne, Australia para triple j (The Palace, St. Kilda, Febrero 1, 1992)*
LP 6 – Live in Melbourne, Australia para triple j (The Palace, St. Kilda, Febrero 1, 1992)*
LP 7 – Live in Tokyo, Japan (Nakano Sunplaza, Febrero 19, 1992)*
LP 8 – Live in Tokyo, Japan (Nakano Sunplaza, Febrero 19, 1992)*
7″ – ‘Endless, Nameless’, las caras B ‘Even In His Youth’, ‘Aneurysm’
CD 2 – Live in Amsterdam, Netherlands (Paradiso, November 25, 1991)
CD 3 – Live in Del Mar, California (Pat O’Brien Pavilion, Del Mar Fairgrounds, December 28, 1991)
CD 4 – Live in Melbourne, Australia for triple j (The Palace, St. Kilda, February 1, 1992)*
CD 5 – Live in Tokyo, Japan (Nakano Sunplaza, February 19, 1992)*
Blu-ray – Live in Amsterdam, Netherlands (Paradiso, November 25, 1991)*
Todo este material está formado por cuatro conciertos en vivo, Amsterdam (Holanda), Del Mar (California), Melbourne, (Australia) y Tokio (Japón). Todos ellos «documentan la histórica ascensión de Nirvana en el escenario», según un comunicado de prensa.
A pesar de todo el hype de este aniversario, sigue en el aire la demanda de Spencer Eldén, el bebé de la portada de ‘Nervermind’, por «pornografía infantil».
Pocas cosas hay más importantes en el mundo de la música que convertirte en un grupo fiable en el que tu público puede contar. A lo largo de dos discos, a los que ahora han sumado un tercero, los pamploneses Exnovios han conseguido eso mismo, situarse en un momento de su carrera en que un nuevo disco de ellos sabes que te va a gustar aunque no vaya a ser una revolución, por su apego a las melodías pop clásicas de los 60, pero también por su buen gusto a la hora de asimilar influencias.
‘Un nuevo día’, el tercer trabajo de Exnovios, continúa por la misma vía de siempre, ahora sumando otro buen puñado de canciones a su repertorio que su público a buen seguro pedirá en los conciertos. Ese sonido híbrido entre «Juan y Junior y Spacemen 3» que el ahora trío ha practicado desde sus inicios sigue campando a sus anchas en un álbum que refuerza las guitarras, la distorsión, el reverb y la psicodelia sin olvidar de entregar una serie de canciones que defienden a cara y espada su componente nostálgico, sin matarse a buscar una originalidad o una contemporaneidad que sus melodías realmente no necesitan.
En ‘Un nuevo día’, los puntos de partida de Exnovios siguen siendo dos; por un lado, el pop clásico español de los 60 y, por el otro, el rock garajero psicodélico-lisérgico-supercalifragilisticoespialidoso de esa misma época o posterior. Bajo estos parámetros y la estupenda producción de Guillermo Mutiloea, Exnovios profundizan en su sonido a la vez que exploran cómodamente otras cosas sin irse por las ramas de lo experimental. ‘Luz espacio tiempo’, la canción de apertura, es espectacular: de ella destaca no solo su estribillazo sino también una progresión instrumental de guitarras que recuerda a la etapa de ‘Microcastle’ de Deerhunter… cuyo sonido viene a la mente en otros puntos del disco, como en las luminosas guitarras de ‘No aguanto un día más’. La base rítmica de ‘Be My Baby’ de las Ronettes es replicada en ‘Un nuevo día’ y ‘Vente a dormir’, dos canciones que encajarían, por tanto, en el repertorio de Elefant, y ‘Sé que volverás’ es una balada de tintes country.
Al margen de las influencias que Exnovios puedan manejar, que no son tan importantes al fin y al cabo, las canciones de ‘Un nuevo día’ funcionan por sí solas. La canción titular sumerge en guitarras jungle otra melodía redonda de Juan Pedro y Texama Maraví y Tamu Tamurai que incluso suena como si fuera la sintonía de una serie infantil de los 70; la dulzura de la melodía del estribillo de ‘Eres tú’ acompañada de la distorsión de una guitarra da lugar a un momento, me vais a disculpar, exquisito; la letra «los escorpiones siempre me acompañarán» está perfectamente plasmada en la música de ‘Me quieren ver morir’, tan mística y desértica como merece; y ‘¿Dónde estás?’ casi parece una canción de Beach House entre su cadencia 60s, sus armonías chico-chica, su organillo y sus guitarras shoegaze.
Las nuevas composiciones de Exnovios hablan de retroceder en el tiempo, de amores alcanzables solo en sueños o que se han ido para nunca volver o de empezar una nueva vida. No siempre estos mensajes son tan universales como algunas canciones del disco, pues ‘No aguanto un día más’ o la trotona ‘Vuela jambo’ se pierden demasiado en sus ejercicios de estilo. Sin embargo, ‘Un nuevo día’ vuelve a ser un trabajo cuidado al detalle de los pamploneses que vale la pena escuchar más allá de sus mejores cortes.
El Festival Brillante, que ha revolucionado la localidad madrileña de Chapinería, de 2.414 habitantes, durante este fin de semana, colgaba el cartel de «sold out» este sábado con la actuación principal de Los Planetas. La banda de Jota y Floren prefería visitarnos esta vez en formato trío, sin batería y junto a un pianista. El formato, que hubiera podido parecer una bajona para los ávidos de rock y música en directo, se transformó en verdad en la mejor idea si nos atenemos a cuáles son las circunstancias que mandan: la pandemia no se ha dado por superada aún, ni con el 76% de la población española vacunada, y aún hay que celebrar los conciertos en formato teatro, con el público sentado. Fotos: Sharon López (Maria Arnal, Rojuu) y Sergio Albert (Planetas y Panda Bear).
En esta coyuntura, era por tanto la ocasión de recrearse en melodías y detalles, con un repertorio encabezado por ‘Islamabad’, en el que no pueden faltar las versiones adaptadas a piano de imprescindibles como ‘Segundo premio’ y en el que despuntaron delicatessen como ‘Ya no me asomo a la reja’. Jota anunció una ‘Línea 1’ que ciertamente no suelen tocar en directo, y el delirio del público llegó con la interpretación de ‘Santos que yo te pinte’. Fue ahí donde se hizo más duro para el personal de seguridad lidiar con las ganas de levantarse de la gente, si bien ese éxtasis ya lo hemos conocido en otras ocasiones en el repertorio de Los Planetas.
Fue más interesante comprobar de qué manera se mimetizaban un poquito con sus viejos amigos de La Buena Vida, para los que el sonido de piano fue muy importante durante sus últimos años en activo. El concierto de Los Planetas incluyó alguna que otra sorpresa con ‘David y Claudia’ y se cerró en los bises con una muy adecuada versión de ‘Los poetas’. No será el concierto que más recordarás de la banda granaína, pero sí pueden presumir de haberse adaptado bien a la circunstancia.
Este domingo cerraban el festival Maria Arnal i Marcel Bagés. Ya habíamos visto en vivo cómo brilla el excelente ‘Clamor’, por ejemplo en Tomavistas Extra, pero tanto ella como su equipo están terminando de perfilar un espectáculo que podríamos calificar como teatral. Hacía mucho tiempo que un show no me atrapaba tanto como el ofrecido por la cantante junto a sus dos coristas Tarta Relena, que también habían actuado por la tarde. Una voz impresionante, con juegos y coros muy próximos a ‘Medúlla’ de Björk y una serie de trucos escénicos sencillos pero muy efectistas lograban hipnotizar, e incluso hacer callar al asistente más parlanchín del recinto.
Hay multitud de momentos mágicos a lo largo del set de Arnal i Bagès, que trasciende ya las cumbres de un repertorio que incluye ‘Tú que vienes a rondarme’ de su primer disco, la adaptación del ‘Cant de la Sibil.la’, ‘Fiera de mí’ y ‘Ventura’ para terminar en el bis. A veces es lo cuidado de la iluminación, los efectos ópticos que producen una sensación fantasmal en torno a las movimientos de Maria; otras es el sonido ambient de los sintetizadores. Pero siempre un show cautivador que dan ganas de volver a ver en cuanto termina.
Este mismo Escenario Mirador había acogido antes de este cierre una cantidad de propuestas de lo más dispar. El sábado Soleá Morente estuvo especialmente chillona y bailonga -muy María Jiménez- lidiando contra el sol con temas como ‘Lo que te falta’ y ‘Baila conmigo’, dejando paso a la kinkidelia de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba. El líder de estos, que no podía parar de hacer sentadillas, terminó en el suelo tras caer del escenario, sobreviviendo por los pelos y agradeciendo al personal de seguridad la catástrofe que evitaron. El domingo el cambio de tercio fue radical, del trap a la antigua usanza de Chill Mafia -con varios ramalazos de música jamaicana- al concierto de urban pop, muy colorido, de Rojuu, entre samples de Camela y recuerdos a Depresión Sonora. Rojuu relató haber vivido todo un periplo por Mallorca, Almería, Málaga y quién sabe qué lugares más para llegar a tiempo a este concierto, muy aclamado por sus seguidores.
Tras él, salió Panda Bear completamente en solitario, rodeado de pájaros sampleados, como de este mismo “marco incomparable”, para ofrecer un concierto detallista, también muy apto para el formato “sentado”, pero menos resolutivo que el de Planetas o Arnal. En ocasiones era una verdadera gozada verle acariciar -más que tocar- las cuerdas de su guitarra, y escuchar su voz y sus samples, que de hecho dejaron más de un número bailable. En otras, era más difícil mantener la atención mientras el personal de seguridad trataba de hacer sentar a un chiquito que intentaba bailar inocentemente en la primera fila. En cualquier caso, el final con ‘Inner Monologue’ fue bastante deslumbrante.
Pero gran parte del encanto de Festival Brillante es el número de shows que puede verse por el pueblo, y en muchos casos es tan divertido ver la cara de los asistentes casuales como el propio concierto en sí. Yana Zafiro se presentó el sábado frente al ayuntamiento con un distorsionador vocal de efecto terrorífico, en sintonía con unas letras combativas y feministas, bastante riot grrrl y algo tremebundas, de «aquí están todos muertos» a «te voy a romper tu puta cara». En esta última, ‘Hola tío!’, Yana Zafiro emula una conversación de bar entre hombre y mujer con la ayuda de un pedal. Y el domingo Chavales entretuvieron a los asistentes mientras comían en la terraza del bar de la plaza con temas propios como ‘Las plantas de la terraza’ y también versiones de Papa Topo y Junco.
Más restringido era el acceso al pequeño Escenario Palacio, con asientos para unas pocas decenas de personas, que tuvieron que hacer cola para poder asistir a propuestas como la de Morreo. Por allí se pudo ver también a una gran variedad de artistas, como a la argentina SIMONA, que tuvo la ocurrencia de revelar que sus canciones salían desde el fondo de su corazón justo después de cantar un tema sobre estar “desnuda en la playa”, su hit ‘BALI’. Se agradecieron sus ritmos sensuales de R&B, ejecutados por una banda de bajo, batería y guitarra, y terminó con una versión de Virus (‘Sin disfraz’), elogiando que Federico Moura, fallecido en 1988, fuera gay en una época tan «difícil como los años 80».
Una oferta variada, pues, en lo que parece que será una cita recurrente en la comunidad durante los próximos años: Oklou ya ha confirmado su presencia en 2022.
Hace una década, un youtuber llamado Tyler Cullen tuvo la idea de subir a Youtube una serie de vídeos en los que preguntaba a los transeúntes de Nueva York que llevaban auriculares qué canción estaban escuchando en ese momento. La idea se puso de moda y otros youtubers empezaron a subir el mismo tipo de vídeos desde ciudades como Barcelona, Toronto, Buenos Aires, Utrecht, Moscú, Budapest o Madrid. A día de hoy este contenido sigue acumulando cientos de miles de visualizaciones en la plataforma gracias a creadores como RIZWAN., que micrófono y pancarta en mano camina, junto a su compañero cámara, por varias ciudades estadounidenses haciendo a la gente la misma pregunta.
El concepto es bobo pero fascinante. Gracias a este tipo de vídeos cumples la fantasía de conocer qué canción está escuchando una persona random en un momento determinado: es el equivalente a mirar de reojo la pantalla de su teléfono móvil pero llevado a escala youtuber. Tiene cierta gracia ver cómo reacciona la gente cuando una persona la aborda con dicha pregunta: como periodista musical bajas a la realidad cuando descubres que muchas personas no saben ni siquiera qué están escuchando, o saben el artista pero no el título, o saben el título pero no el artista. Algunas personas pasan de la timidez a la risa, otras responden con confusión por que alguien muestre interés en lo que está escuchando. Los «guilty pleasures» siguen existiendo de tal manera que hay quien sale corriendo para evitar responder algo que la deje «mal» ante la cámara.
Por supuesto, a modo de estudio sociológico-musical o incluso periodístico, este tipo de vídeos tienen mucho interés. Los miras y compruebas a pie de calle que efectivamente ‘Donda’ de Kanye West está siendo un exitazo, así como el nuevo álbum de Drake. Hay artistas que se repiten hasta la saciedad, como Taylor Swift o J. Cole. Hay gente en Nueva York que escucha a La Oreja de Van Gogh. Otra que va por la calle consumiendo música inédita de Ariana Grande o Lana Del Rey. Ed Sheeran es un artista que la gente escucha y no quiere decirlo. Un chaval con aspecto de «skater» le da al pop… de los años 30. Músicos de conservatorio escuchan «concertos» que después tienen que ensayar. A una música le pillan escuchándose a sí misma: mejor promo imposible. Algunas personas asumen (con razón) que sabes qué es ‘FourFiveSeconds’ o ‘Tusa’ sin necesidad de nombrar a los artistas. Otras prefieren irse a clásicos tipo ‘Gold’ de Spandau Ballet, ‘Best Friend’ de Aaliyah y Missy Elliott o la banda sonora de ‘Footloose’. Otros se conforman con escuchar «música dominicana» o «música pakistaní» sin que autores y títulos les importen. También descubres artistas nuevos, como el rapero egipcio Ben Samama. Y corroboras que la gente está adicta a los podcasts.
Pasados más de 10 años desde que el «fenómeno ‘What Song Are You Listening To'» emergiera en Youtube, algunos de los vídeos que produjo dicho movimiento incluso parecen documentos históricos a día de hoy. ¿Qué escuchaba la gente de Barcelona en el año 2011? Miras el vídeo de Miss Alabama y viajas al tiempo para rememorar lo mucho que molaban los Temper Trap y lo poco que molaba la moda EDM. La gente escucha a tope el nuevo disco de Beyoncé, que en ese momento es ‘4’. Está de moda «la canción de ‘Hello’ de Martin Solveig». También se escucha «la de la ‘Loba’ de Shakira». Hay mucho rap español sonando en el ambiente aunque no lo sepas, de Falsalarma o Violadores del Verso, hasta el punto de que alguien asume que sabes qué es ‘Capaz’ de Hablando en Plata.
Como los «reaction videos» que muestran a youtubers reaccionando ante la primera escucha de un disco, vídeos como los de RIZWAN. crean adicción porque permiten un tipo de acceso casi «vouyerístico» a la intimidad de una persona. Al fin y al cabo escuchar música grabada no suele ser una práctica social como acudir a un concierto. Casi nadie queda para escuchar un disco de la misma manera que lo hace para ir al cine o, efectivamente, para ver a su grupo favorito en directo, sobre todo porque las primeras escuchas suelen ser difíciles: al no haber asimilado aún la música es posible que no te guste o no entiendas lo que estás escuchando, lo cual es frustrante. La gracia de ver este tipo de vídeos es que conocer qué música escucha una persona en la intimidad de sus auriculares provoca, por unos segundos, la sensación de conocerla. Es otro efecto engañoso (y adictivo) de las redes sociales, sobre todo de Youtube, que es lo más parecido a una máquina del tiempo (y del espacio) que el ser humano ha sido capaz de inventar…. hasta ahora.
El magnate de Tesla, Elon Musk, y la cantante Grimes han puesto fin a su relación, según una exclusiva publicada por ‘Page Six‘. Las cosas de la vida, ellos mismos anunciaron su relación y ahora son los que comunican su final.
Musk ha confirmado que él y Grimes están «semiseparados», pero que mantienen una buena relación de amistad ya que ambos tienen un hijo en común, X AE A-XII Musk, que tiene poco más de un año. En palabras de Elon: «Nos amamos, nos vemos con frecuencia y nos llevamos muy bien».
También ha asegurado que los motivos de su ruptura se deben a su trabajo en SpaceX y Tesla, ya que está «obligado» a estar sobre todo en Texas y en Los Ángeles y a viajar al extranjero de forma constante. Ella se queda con él y con «Baby X’, pero Grimes también tiene sus proyectos, como la grabación del programa ‘Alter Ego, en el que participa como jueza.
La última vez que la pareja fue vista públicamente fue en la Met Gala, a principios de este mes. A pesar de ello, no acudieron juntos a la gala. Grimes caminó sola por la alfombra roja. Musk se reunió con ella en el interior.
Elon Musk suma una nueva separación sentimental. Estuvo casado anteriormente con Justine Wilson, con quien tiene cinco hijos: los gemelos Griffin y Xavier y los trillizos Damian, Saxon y Kai. También estuvo casado dos veces con la actriz Talulah Riley. Se casaron por primera vez en 2010, se divorciaron en 2012, se reconciliaron un año después para casarse en 2013 y divorciarse nuevamente en 2016.
La Ultranada es un grupo de Madrid liderado por el compositor, cantante y músico Javi Romera y compuesto también por David Kelly (guitarra y coros) y Nacho Díaz (bajo, programación y coros). Si has estado atento a la música que se ha cocido en la escena sumergida de Madrid en la última década probablemente te suene el nombre de Romera, pues él formó parte de la banda Platos Rotos, con la que grabó cinco álbumes entre 2010 y 2019. Es, se puede decir, un veterano de la industria que ahora vuelve a empezar de cero.
Bajo la producción de David Baldo de Captains, la música de La Ultranada se define, como mucha de la música que se edita hoy en día, por su eclecticismo. Su primer single publicado, ‘Estamos a punto de empezar’, propone toda una mezcla de estilos: empieza queriendo ser un tema surfero, casi hawaiano, pero pronto descubre una querencia medio tecno… antes de concluir por todo lo alto con un solo de guitarra eléctrica. Melódicamente -y también en lo vocal- remite a Leiva.
El repertorio de La Ultranada explora otros caminos. La comunidad musical Acqustic cita entre las influencias de la banda a Franco Battiato, Andrés Calamaro, Depeche Mode, New Order o Daft Punk y, melódicamente, Battiato parece ser una influencia clave. En lo musical, el pop-rock optimista de ‘La juventud completa’ se mira al espejo de los Decemberists mientras el guitarrero ‘Arcada’ se viste de rock de garaje sin rayar ninguna otra influencia aparente. ‘Corazón’ es puro Andrés Calamaro y los sintetizadores están muy presentes en el último single de La Ultranada, quizá el mejor que ha publicado hasta la fecha.
En primer lugar hay que mencionar que ‘Sufro y me divierto’ no es exactamente el primer single de La Ultranada, pues vio la luz en 2019. Sin embargo, el tema acaba de ser relanzado en una versión remasterizada, por lo que el grupo parece estar apostando por él de manera especial… como no podía ser de otra manera. ‘Sufro y me divierto’ es un desvarío de tecno-pop, guitarras, palmas flamencas, organillos y sintetizadores espaciales que trae a la mente el sonido de artistas como Joe Crepúsculo o Califato 3/4.
En cuanto a su temática, la nota de prensa explica que ‘Sufro y me divierto’ «habla del resultado de la mezcla entre nuestras decisiones, nuestro temperamento y la incertidumbre del destino para terminar simplificando todo muy filosóficamente y de manera que lo pueda entender todo el mundo: «Sufro y me divierto, simplemente, todo el tiempo»».
Hace unos días se ha publicado una reedición del clásico de ‘Buena Vista Social Club’ en una espectacular caja-libro que recupera el disco original -con por supuesto temas tan atemporales como ‘Chan Chan’- junto a algunos inéditos. Será estos días nuestro «Disco de la Semana», momento que aprovecharemos para publicar una charla con Eliades Ochoa, y para seguir revisando el álbum. Entre las canciones inéditas que se han venido publicando como avance este año, hemos conocido grabaciones como ‘Vicenta’, ‘A tus pies’ o ‘La pluma’, que es hoy nuestra «Canción del Día». Foto: Susan Titelman.
‘La pluma’ es una de esas canciones perdidas de Compay Segundo que en este caso se inspira en el romanticismo del siglo XIX. Parecen versos de Gustavo Adolfo Bécquer algunos de los aquí escritos por él («Tú eres el papel y yo la pluma. Pronto recibirás de mi mano una carta de amor»), remitiendo también en cierta medida a Pablo Neruda. ‘La pluma’ es una de las trovas del disco, interpretada junto a la banda Los Muchachos, de las que Ry Cooder quiso rescatar.
Según la nota de prensa es una de las canciones de amor menos conocidas escrita por Compay, pero fue «afortunadamente descubierta por Ry Cooder en esas largas conversaciones en el estudio. Ry le pidió que hablara de los viejos tiempos de la trova y Compay le mostró ‘La Pluma’, un texto creado para una competición de escritura de una empresa de bolígrafos —que nunca llegó a presentar— pero que logró darle vida musical».
El gran libreto que acompaña este lanzamiento nos explica que era muy habitual que los músicos de España, México y otros países latinoamericanos tomaran ideas de los poetas más conocidos del siglo XIX, pero que Compay Segundo prefirió escribir otros propios para acompañar su música. El tema se ha presentado junto a un vídeo de las grabaciones de 1996 en La Havana, grabado por Susan Titelman.
Héloïse Adélaïde Letissier, conocida artísticamente como, Christine and the Queens ha aprovechado su aparición en el concierto Global Citizen Live de París para presentar dos nuevas canciones, tituladas ‘Freedom’, una versión del tema original de George Michael, y ‘Comme l’oiseau’.
Chris ha juntado ambas canciones en un nuevo EP titulado ‘Joseph’, que ya está disponible en las plataformas de streaming y todos sus beneficios irán destinados para la organización internacional Global Citizen, así lo ha confirmado la artista a a través de su perfil de Instagram.
Ambas canciones siguen el hilo de sus último trabajos, entre ellos su último EP, ‘La vita nuova‘, lanzando en febrero de 20210 y que contó con la participación de Caroline Polachek en su tema principal. También los remixes que publicó junto a Populous, A.G. Cook y Logic1000 y el lanzamiento de la canción ‘Eyes of a child’, para una serie de Amazon Prime Video.
El Global Citizen Live 2021 de París ha reunido a artistas de todo el mundo. Entre los más destacados se encuentran Elton John, que ha actuado incluso con sus problemas de salud, The Black Eyed Peas, Anjelique Kidjo, Doja Cat, Ed Sheeran y los ganadores de Eurovisión, Måneskin. Foto: Instagram.
Dos ideas sobrevuelan el 14º disco de Manic Street Preachers, en su momento a la cabeza de aquella cosa llamada de manera genérica y un poco holgazana Brit Pop. Por un lado, el álbum habla a través de su single principal, ‘Orwellian’, de lo poco que se propicia el debate profundo hoy en día. El grupo de James Dean Bratfield y Nicky Wire, siempre ocupado con las causas sociales, está ahora preocupado con razón por lo que es la pérdida de todo contexto. Sin mencionar Twitter, pero dirigiéndose indudablemente a esta red social de manera primordial, cuestionan «el sentido predominante de conflicto entre facciones, impulsado por plataformas digitales que conducen a un estado perpetuo de guerra cultural». Los versos hablan de «tiempos orwellianos» en los que es «imposible escoger un bando», «con frases que bailan y se esconden», «cuando la verdad se transforma en una mentira rota». La letra apela al «apocalipsis», pero este ya no da tanto miedo como conceptos como «trending topic», «bots» y «cancelado».
Hay un poso ABBA en el piano de esta grabación, como también en el de otro single principal, ‘The Secret He Had Missing’. Y esa es la segunda gran idea que Manic Street Preachers han tenido para este lanzamiento. Porque su reconocimiento de la influencia del grupo sueco la confesaron en el NME en abril, es decir, meses antes de que el regreso de los autores de ‘Arrival’ se materializara. Las cosas no van mucho más allá de alguna pista suelta como ‘Happy Bored Alone’, y este no es -desgraciadamente- el «álbum ABBA» de los Manics. Lo que sí podemos decir es que con ambos han sumado un par de buenos singles a futuras recopilaciones y setlists: ‘Orwellian’ hace ciertamente de su piano su gancho principal, sin miedo a parecerse a Keane, mientras la voz de Julia Cumming en ‘The Secret He Had Missing’ da tan buenos resultados como las colaboraciones de The Anchoress en ‘Dylan & Caitlin’ del disco anterior ‘Resistance Is Futile‘ o en su momento Nina Persson en la inolvidable ‘Your Love Alone Is Not Enough’.
‘The Secret He Had Missing’ se basa en la relación entre Augustus John y Gwen John, dos artistas y hermanos galeses a principios del siglo XX, por lo que el juego de voces masculino y femenino tiene además un sentido que trasciende el efecto Pimpinela. Es otra cosa. El otro gran colaborador del disco, Mark Lanegan en ‘Black Diary Entry’, acude con un tono mucho más sombrío para hablarnos de un adiós, en concreto a los días de gloria, un tema que los Manics ya han venido trabajando en los últimos años: «El vacío cuenta su propia historia (…) un adiós lento y doloroso a la gloria». Un valor, el de la nostalgia, del que ya nos hablaba la pista inicial, ‘Still Snowing In Sapporo’, donde la banda recuerda un concierto en Japón del lejano 1993, cuando Richey Edwards aún estaba entre nosotros.
Ese gusto por reverenciar su pasado deja un sabor de boca amargo cuando las composiciones de ‘The Ultra Vivid Lament’ renuncian a distinguirse de otros puntos de su carrera para confundirse sobre todo con las del álbum que sacaron en 2018. Como aquel y otros, este se complementa con un CD2 con las maquetas, cuyo único entretenimiento es comprobar cómo evolucionan las ideas chapurreadas por Nicky durante 1 minuto, hacia otra cosa bastante diferente. Ese estado primigenio de la producción apenas resalta las virtudes de ‘Complicated Illusions’, mientras otras tienen toda la pinta de ir cayendo en el olvido.
Manic Street Preachers se han apuntado con este disco otro número 1 en álbumes en Reino Unido, tan sólo el segundo de su carrera tras ‘This Is My Truth Tell Me Yours’ (1998). ‘The Ultra Vivid Lament’ no es mejor, por ello, que su «disco alemán» ‘Futurology‘ o su «disco folk» ‘Rewind the Film‘. Suena a veces conformista. Hay un momento, en concreto en ‘Don’t Let the Night Divide Us’, en el que nos sugieren: «rechazad toda propaganda / usaremos la paz o la violencia / usaremos la guerra o el silencio / y esto es un aviso, no una oración». La gran pregunta es por qué, entonces, no suena el álbum más revolucionado.
Ha comenzado una nueva temporada del JNSP Song Contest de nuestros foros y la primera edición ya nos ha traído temazos como este de Marilia Monzón, que se estrenaba este verano. Ha corrido más o menos la misma suerte en este concurso, presentada por Tesorito, que ella en OT 2018, quedando en ambos casos hacia la mitad, pero al menos esta composición tiene armas para quedarse con nosotros para siempre.
Desde Canarias y con sólo 21 años, Marilia Monzón ha escrito ella misma esta composición junto a Fernando San Martín. Este ‘La Marea’ se presentaba como la primera parte de un tríptico que de momento se ha completado con ‘La partida’ y ‘La realidad’. Pero es ‘La Marea’ la que hoy consideramos nuestra “Canción del Día”.
La composición es un “canto arrebatado sobre la ausencia del ser querido”, marcada por la agitación de su ritmo orgánico (la percusión es de Martin Bruhn, que ha trabajado con Calamaro y Lafourcade), y una melodía tan pasional como una composición clásica de Mari Trini o Manuel Alejandro. Cada vez que se embarca en un «Y me enredas», Marilia Monzón parece estar apelando al espíritu de tonadilleras tan vehementes y entregadas a sí mismas como Rocío Jurado. El tema busca trazar puentes entre España y Latinoamérica con la producción del hispanoargentino Juan Ibáñez y la mezcla de un ganador de 5 Grammys, el mexicano Eduardo del Águila. El vídeo ha sido dirigido por Rafael Benito.
En el nuevo episodio de «Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP», Sebas y Claudio invitan a Viva Suecia a hablar de Brit Pop, coincidiendo con el estreno en cines del mítico concierto de Oasis en Knebworth. ¿Existió realmente el Brit Pop? ¿Qué le caracteriza para identificarlo, respecto a otros estilos? ¿Qué unía realmente a bandas tan dispares como Oasis, Blur, Suede y Pulp? ¿Cuál fue la función de la mujer o la comunidad gay en el movimiento? Viva Suecia, que en los últimos meses han publicado temas como ‘La voz del presidente’ y ‘Parar la tierra’ en su nueva etapa en Universal, acuden a nuestro podcast para hablar de este fenómeno, tratando otros temas de manera coyuntural como la identidad de la Movida Madrileña o el kraut.
Rafa Val, cantante, plantea, entre otras cosas: «¿qué es el sonido Manchester? ¿Qué es la escena murciana? ¿Qué es el indie? No puedes llamar «indie» a todas las bandas que van a un festival, porque cada uno hace una cosa». También compara a Oasis y Pulp melódicamente, y habla de la figura del «loser de la clase obrera». ‘Don’t Look Back In Anger’ es su canción favorita de la historia, e incluso habla de los discos más infravalorados de Oasis y los Gallagher por separado.
El guitarrista Alberto Cantúa habla de ‘What’s the Story Morning Glory’ y otros de los discos que más le han marcado en su vida (el resto son ajenos al Brit Pop). A medida que avanza el podcast, Alberto va adquiriendo el perfil jocoso de la banda -es el que bromea sobre Red Hot Chili Peppers, Queen y Shakira- y recuerda lo poco que se ligaba en la sala de Brit Pop de La Carroza de Murcia.
Jess Fabric, bajista del grupo y autor del libro ‘Todo un año para cambiar de vida’, reivindica a Suede, en especial ‘Coming Up’ y la actitud de Brett Anderson sobre el escenario. Nos habla también de una conexión improbable entre Kiko Veneno, Blur y Alejandro Sanz. El baterista Fernando prefiere no opinar sobre el orden del día.
La conversación termina con Radiohead y la influencia concreta del Brit Pop en Viva Suecia. En un momento recordamos una parte de la grabación del día en que entrevistábamos a Noel Gallagher en un FIB y Claudio nos trae un juego «Saber y faltar», en el que hay que adivinar si una frase la ha dicho Liam o Noel. Despide el podcast Noel Gallagher, recordando que en música, «it’s all about the tunes».
El quinto disco de James Vincent McMorrow es el primero en una multinacional. Fichar con Sony era el paso lógico para el cantautor irlandés después de que sus canciones hayan aparecido en anuncios publicitarios, en ‘Juego de tronos’ (en este caso una versión de ‘Wicked Games’ de Chris Isaak) o en un disco de Drake o después de haber colaborado con Kygo, rey del tropical house. En ‘Grapefruit Season’, McMorrow ha trabajado con Paul Epworth (Adele, Florence + the Machine, Glass Animals), Lil Silva (Adele, Banks, Kano) y Patrick Wimberly de Chairlift para darle una pátina más elevada a su sonido. ¿Más buenas noticias? No del todo.
En su álbum número cinco, que sucede a ‘We Move‘, James Vincent McMorrow sigue sin haber encontrado un sonido más o menos propio. La sombra de Bon Iver planea muchas de sus nuevas canciones, como de costumbre, y el irlandés tiene la mala suerte de que su timbre se parece bastante al de Justin Vernon, cuando no al de otro artista con el que guarda alguna que otra similitud, el bueno de James Blunt. En ‘Grapefruit Season’ toca varios palos porque asegura que no le interesa la «coherencia» pero sus canciones rara vez están a la altura de los ejercicios de estilo que desarrollan con más o menos acierto.
En ‘Grapefruit Season’ hay intentos de himno medio synth-pop (‘Paradise’), ritmos caribeños (‘Gone’), ecos disco (‘A House and a River’) y funk (‘I Should Go’ con Kenny Blanco) e incluso una copia de Portugal .The Man (‘Planes in the Sky’). Con alguna excepción tipo ‘Cavalier’, McMorrow nunca ha sido un compositor estelar y, mal que le pese, el mayor éxito de su carrera es una versión. En ‘Grapefruit Season’ queda demostrado que tampoco es un compositor tan versátil como probablemente creía. En el mundo de las «songwriting camps» y los créditos compartidos por 200 personas, estas canciones no pasarían el corte.
Las aspiraciones comerciales de ‘Grapefruit Season’ son loables, pero McMorrow convence más cuando no se sube al carro de otros artistas. Sí, pueden recordar y mucho a Bon Iver las armonías de ‘Tru Love’ y ‘Part of Me’ o la producción de ‘Headlights’, pero el irlandés le saca partido a su guitarra acústica cuando quiere. ‘Waiting’, el primer single, es una bonita balada sobre la depresión y ‘We Don’t Kiss Under Umbrellas Like We Used To’ -titulazo- obtiene un interesante sonido en su fusión de guitarras y texturas electrónicas. El buen equilibro de ‘Grapefruit’ entre folk y teclados ambientales dan lugar al mejor in crescendo del disco y a la mejor canción en general… pero es la penúltima.
Dice McMorrow que ‘Grapefruit Season’ habla sobre ese momento en la vida en que esperas que la madurez te haga «click» en la mente, algo que realmente nunca sucede. «En perspectiva me he perdido muchas cosas en la vida esperando esa señal», ha declarado. El disco no inspira ninguna madurez cuando el irlandés sigue aficionado a inflar sus momentos dramáticos como si fueran globos (‘Poison to You’) pero sí cuando se atreve a experimentar con el rock más radio-friendly de los 80 (en ‘Hollywood & Vine’ James le reza a Kanye) u otros sonidos. Desgraciadamente las composiciones, débiles en unos casos, pretenciosamente dramáticas en otros, siguen sin haber evolucionado demasiado.
‘Déjame salir‘ es una de esas películas que cambian el juego como mínimo en su género, el terror, en este caso con una reflexión social absolutamente genial en tiempos coetáneos a Trump (2017) y al movimiento Black Lives Matter. Su director Jordan Peel es ahora uno de los guionistas y productores de esta nueva versión de ‘Candyman’ que ha triunfado especialmente en la taquilla estadounidense y no ha ido nada mal en España, donde se acerca ya al millón de euros recaudados.
Este ‘Candyman’ es una secuela de la película de 1992 ‘Candyman, el dominio de la mente’, que pasa por alto los dos «Candymans» que ha habido en medio, y más aún aquellos que llegaron a barajarse pero se descartaron. Y eso incluye un ‘Candyman vs. Leprechaun’ a lo ‘Freddie vs Jason’ en clave de humor que se llegó a poner sobre la mesa. El actor Tony Todd, presente en el ‘Candyman’ de 1992 y en este nuevo, pero también en los menores de 1995 y 1999, dijo que ni de coña rodaría algo así. Para tratarse de una secuela más ambiciosa, el ‘Candyman’ de 2021 no es tan estilizado como cabría esperar, aunque tiene sus puntitos.
Nia DaCosta, responsable de ‘Little Woods’ (2018), es quien se ha puesto tras las cámaras para volver a contar la historia de esta suerte de «hombre del saco» inspirada en un relato de Clive Barker, aprovechando que la directora ya había realizado un corto de animación sobre ‘Candyman’. Ahora el protagonista es un artista alternativo venido a más, si bien en plena crisis creativa (Yahya Abdul-Mateen II interpreta a Anthony), siendo un dolor de cabeza para todo aquel que le rodea, sobre todo su pareja, la galerista Brianna Cartwright (Teyonah Parris).
El horror que provoca la aparición de este hombre con garfio cada vez que alguien dice 5 veces su nombre frente a un espejo seguirá dando juego de por vida, en este caso adaptándose al mundo del arte -lo que incluye unas cuantas pullas hacia esta industria y también hacia la crítica de la prensa- y también a los siempre irresistibles pasillos de instituto, dejando una de las escenas más icónicas, si bien algo apartada de la trama central. De manera chanante, una nueva versión de ‘Say My Name’ de Destiny’s Child, se ha vinculado con la promoción de la película.
Este ‘Candyman’ vuelve a tratar el tema del racismo en Chicago, con una perspectiva menos supremacista blanca, pues para eso han llamado a Jordan Peel y dirige Nia DaCosta, con el inconveniente de que el factor sorpresa de ‘Déjame salir’ ha desaparecido. Yahya Abdul-Mateen II es un protagonista por momentos tan plomizo como la protagonista de la arty ‘Bliss’, consintiendo que el encanto de esta adaptación se diluya entre las reivindicaciones contra la gentrificación y la reconciliación con los orígenes humildes, el humor que parece aportar la pluma de Nathan Stewart-Jarrett (‘Misfits’) y un argumento que se enreda y se subraya hasta rozar los límites de la telenovela. Poco terror y demasiada intención de trasfondo social en una película en la que las animaciones de aquel corto primigenio de Nia DaCosta aportan cierta entidad: volvería a ver ‘Candyman’ únicamente por su resumen final de la historia del racismo entre sombras chinescas y marionetas.
Rosa Walton y Jenny Hollingworth son amigas desde que tenían cuatro años, y llevan haciendo música juntas bajo el nombre de Let’s Eat Grandma desde 2013. Con tan solo diecisiete, en 2016 sacaron su prometedor debut ‘I, Gemini’, y dos años después llegó el excelente ‘I’m All Ears’ con el que recibieron grandes elogios de la crítica especializada (e incluimos en nuestra lista de los mejores discos de 2018). ‘Hall of Mirrors’ es la primera canción que publican desde entonces y parece indicar el inicio de una nueva era.
El dúo británico presenta un sencillo que pese a durar cinco minutos va directo al grano desde el principio, con unos sintetizadores que rompen a escasos segundos de empezar y que no tardan en mezclarse con una enigmática melodía de teclado. Su sonido, tan alegre como misterioso, inmediatamente nos lleva a un escenario nocturno en el que se palpa la euforia de estar con una persona que te gusta y también la incertidumbre antes de averiguar que eres correspondido.
Probablemente sea el tema más pop y accesible de Let’s Eat Grandma hasta la fecha, lo cual no quiere decir en absoluto que hayan dejado de ser interesantes, ya que la producción está llena de sus característicos y preciosos detalles: sonidos evocadores e imperceptibles en una primera escucha que son capaces de transportarte a otros mundos.
El estribillo es una clara muestra del talento del dúo, que deja algunas imágenes memorables (“El momento en el tiempo en el que nuestras sombras chocaron / y es todo verdad / tus dedos se juntaron con los míos y me seguiste hasta / la sala de espejos”). También encuentran un modo encantador de expresar los sentimientos anteriormente mencionados (“Pensé en ti / y no ha habido una chica que me haya hecho ser tímida / hasta que hablé contigo”). Esa sala de espejos que da título a la canción se puede interpretar como un acceso al autodescubrimiento, a explorar partes de uno mismo. Y también es un escenario perfecto para transmitir los nervios y la intensidad alegre que se retratan.
‘Hall of Mirrors’ es un regreso en plena forma de Let’s Eat Grandma que nos hace darnos cuenta de lo mucho que las habíamos echado de menos.
Charli XCX se mantiene como lo más votado de JENESAISPOP con ‘Good Ones’, mientras Lana del Rey continúa en el puesto 2 con ‘Arcadia’. Las novedades empiezan en el puesto 3, donde irrumpe Lil Nas X con su último single. También al top 10 llega lo nuevo de Alizzz con C. Tangana, ‘Ya no vales’, una canción sobre edadismo. Placebo, Malamute con ‘La Oreja de Van Gogh’, Planningtorock y Sega Bodega también protagonizan nuevas entradas en nuestro top 40.
Cuando me reúno con José González en el Teatro Coliseum de Barcelona -donde tocará esa misma noche- el pasado mes de abril, el estado de la pandemia se estabiliza pero las restricciones de movilidad en Cataluña son aún severas: hay toque de queda de 22.00 a 6.00 y la hostelería solo puede abrir hasta las cinco y media de la tarde. Sigue siendo obligatorio llevar mascarilla por la calle. El recinto de Teatro Coliseum, que está cerrado al mediodía, nos abre sus puertas exclusivamente para entrevistar al cantautor y tengo la oportunidad de charlar con él sin mascarilla pero con distancia de seguridad.
Conversador elegante y reservado, José González habla bajito pero claro y expresa una pequeña risa nerviosa cada vez que termina una frase, especialmente cuando habla de temas serios como la política, como si dicho tema solo pudiera afrontarlo desde la misma humildad que desprende su música. ‘Local Valley‘, su nuevo disco, es una especie de manifiesto sobre la importancia de que los seres humanos nos mantengamos unidos en nuestras diferencias y el cantautor, que habla español perfectamente, nos habla sobre sus influencias o su afición a temas como el eco-modernismo.
Han pasado 6 años desde tu último disco. Has sido padre, ¿ha sido la razón de este «silencio»?
La paternidad ha sido la razón principal. Normalmente soy lento a la hora de componer, pero la paternidad me ha permitido menos tiempo para dedicarme a la música.
¿A qué se refiere el título de ‘Local Valley’?
Por un lado hace referencia a la humanidad que habita el globo terráqueo, a nuestro jardín del Edén. La biosfera es tan pequeña en la escala universal que es como un «pueblo». En la canción ‘Valle Local’ pienso en tribus que se pelean en lugar de trabajar juntos para buscar un mundo mejor.
En Twitter indicas que te interesan los conceptos de altruismo efectivo, eco-modernismo y humanismo sacro. ¿Tienen alguna relación con el disco?
El humanismo sacro juega un papel central en los textos. El concepto alude a que los seres humanos no somos más que primates que han entendido su lugar en la naturaleza y en el cosmos. Habla sobre cómo vivir la vida sin Dios, entre otras cosas. El altruismo efectivo encaja en el disco en relación con el concepto de «valle local», un lugar perfecto pero frágil. Es un movimiento de gente, una comunidad, que estudia los riesgos existenciales o catastróficos de la pandemia, la inteligencia artificial, el bioterrorismo o los supervolcanes. Son temas que polarizan a la gente hasta el punto de pelearse en las conocidas «culture wars», pero yo me pongo del lado de la ciencia y la razón. En el otro lado estaría, por ejemplo, Steve Bannon, ideólogo de Trump que está muy interesado en el nacionalismo cristiano. Bolsanaro es otro ejemplo.
¿Y el eco-modernismo?
El eco-modernismo defiende que la protección del medioambiente no está reñido con las nuevas ideas y la innovación. Pone el énfasis en que las ciudades deberían permitir más espacio a la naturaleza, en contraste con la gente que se quiere ir a vivir a la naturaleza, cultivar su propia comida y que no quiere saber nada de las ciudades. El eco-modernismo defiende la energía nuclear porque toma poco espacio y pocos recursos para la cantidad de energía que contiene.
‘Visions’ es mi intento de hacer un tema similar a ‘Imagine’ de John Lennon
En ‘Visions’ hablas de intentar alcanzar “utopías” imposibles, pero también que “estamos juntos en esto”. ¿Has pasado por etapas de pesimismo ante el mundo en estos últimos años?
Me he inspirado mucho en los Ted Talks de Hans Rosling, un estadista que habla sobre estadísticas globales que demuestran el descenso de la pobreza global. Con datos reales él me ha demostrado que hay muchas cosas que van bien. Por eso, en general me considero optimista aunque soy consciente que sigue habiendo guerras y una pobreza estructural. Él suele decir que no es ni pesimista ni optimista sino «posibilista», defiende que las posibilidades existen pero hay que buscarlas.
¿’Local Valley’ es un disco posibilista?
Sí, sobre todo ‘Visions’, en la que canto a la gente sobre la importancia de sentirse de un proyecto común, el de vivir en el mismo planeta, dentro de un universo que, en realidad, es inmenso y frío y al que nosotros poco le importamos. Por eso tenemos que vivir juntos en el «valle local». ‘Visions’ es mi intento de hacer un tema similar a ‘Imagine’ de John Lennon.
¿Y eso?
Antes me solían llamar para tocar en eventos solidarios, por ejemplo cuando ocurrió el tsunami en Tailandia, y cuando tocaba en estos eventos sentía que no tenía una canción adecuada para cantar, así que versionaba otras, como ‘Imagine’. Pero yo también quería una de esas canciones y escribí ‘Every Age’, y ‘Visions’ sería la continuación.
La música del disco vuelve a ser minimalista, suena cuidada, y a la vez tus melodías de guitarra son complejas. ¿Eres perfeccionista o prefieres confiar en las primeras tomas y en la improvisación?
Ambos. Quiero que la guitarra tenga un componente difícil, interesante; y que el texto tenga profundidad pero no demasiada porque si no no llega a la gente. Cuando hago grabaciones las hago repetidamente hasta que suenan perfectas, pero para mí lo perfecto contiene errores. Me inspira el concepto japonés de «wabi-sabi» según el cual una cosa es perfecta en su imperfección. Uno de los ejemplos mas conocidos son las tazas de té. Es una de las ideas estéticas que tengo en mi cabeza cuando grabo.
Tu disco contiene influencias latinas y africanas. ¿En qué canciones y a qué influencias te refieres en concreto?
En ‘Lilla G’, el estribillo está inspirado en el estilo de canto africano espiritual. Es una canción muy juguetona. ‘Swing’ tiene un estilo infantil y el beat es afropop. Me inspiran el dancehall de Jamaica, el afropop de Nigeria y el highlife de el Congo. Me encantan las guitarras del desierto de Sahel en Mali. Me inspiró mucho tocar allí con Bambino. Desde el segundo disco he intentado imitar el estilo de guitarra de Tuareg pero convergerlo con mi estilo.
¿Por qué has decidido versionar ‘Line of Fire’ de Junip? Tiene 23 millones de streamings, ¿no te da cosa que la gente las confunda?
Me encanta tocarla en vivo y le gusta a la gente, es una de sus canciones preferidas. Además siempre he tenido complejo de sentir que no soy un poeta, y el texto de ‘Line of Fire’, que es largo, es uno de los primeros con los cuales me he sentido un poeta de verdad.
Siempre he tenido complejo de sentir que no soy un poeta
¿No te sientes poeta cuando escribes letras cortas?
En el primer disco escribía letras cortas porque no me salía escribir letras largas. Me fijaba en canciones de Bob Dylan e intentaba hacer letras parecidas pero no era capaz. Sin embargo hay textos cortos que son aún más poéticos que los largos.
¿Qué te ha llevado a cantar en español en ‘El Invento’ y ‘Valle Local’?
Lo he intentado hacer otras veces pero esta vez ha salido natural. También lo he hecho pensando en los temas de las canciones, quería buscar temas personales y encontrar mis raíces.
‘El invento’ empieza con la frase «… y por agradecer» , que ya está empezada, viene de la nada. ¿Es por algo?
Sí, he visto poemas que tienen esa forma, y la música de iglesia, los salmos… muchos empiezan de la misma manera. «Y Dios dijo…’ Me gusta mucho cómo suena.
En el disco hay dos temas en sueco. ¿De qué hablan?
‘Lilla G’ es la canción que le cantaba a mi hija cuando era chiquita, en sueco quiere decir «pequeña viejita». Es una frase cariñosa que se le dice a las niñas y niños en Suecia. ‘En stund på jorden’ es una canción sobre la muerte pero es edificante. Está escrita por Laleh Purkarim. Y ‘Tjomme’ habla del día final.
Cuesta creer que un festival nazca en una situación de incertidumbre total como la que vive la industria musical española desde la pandemia. Ni siendo el país grande con mayor porcentaje de población con la pauta completa de vacunación de toda Europa, sabemos cuándo volverá la normalidad al ocio nocturno. Miquel Iceta, ministro de cultura, está desaparecido al respecto, mientras la Comunidad de Madrid que tanta «libertad» prometió permite la apertura de discotecas sin horario desde esta semana, pero con asientos y sin noticia ninguna para los conciertos. Festival Brillante se celebra esta semana sin beneficiarse de ninguna de dichas medidas, en un horario más bien diurno, con la celebración de conciertos en distintos puntos del pueblo de Chapinería (a 45 minutos de Madrid, en la Sierra Oeste), durante el mediodía, la tarde y primera hora de la noche. Foto Mujeres: Sharon López.
Por si fuera poco jugársela en estas circunstancias, el pronóstico meteorológico dio todo un susto a lo largo de la semana a la organización. Las lluvias hicieron acto de presencia finalmente el viernes por la mañana, pero el suelo de todo el festival es de hormigón, el barro no era una amenaza por tanto, y únicamente hubo que suspender los conciertos de uno de los escenarios pequeños y madrugadores (se reubicarán algunos hoy, atentos al Stories de Festival Brillante), y retrasar algunos del escenario principal. No cayó ni una gota de agua en la tarde-noche y parece que no lloverá el resto del fin de semana. La mañana emerge soleada a este lado de Madrid.
El cartel de Festival Brillante, ideado por socios conocidos por sellos y compañías independientes como Sonido Muchacho, La Castaña y Mont Ventoux, es fiel a una línea estilística muy concreta: el apoyo de la escena nacional con algún nombre suelto de fuera (Oklou ha cancelado por covid-19, si bien ya ha confirmado su presencia en 2022), y con cierta predilección por el indie de la vieja escuela y el bedroom pop actual. La ausencia de nombres masivos a la cabeza tipo Love of Lesbian produce cierta conexión estilística con la línea editorial de Vida Festival o de un Madrid Popfest agigantado y ambicioso como negocio. Con una capacidad para unas 1000 o 2000 personas, se convierte en un punto de encuentro a modo de feria para los amantes de la escena independiente a lo largo de las décadas, con los detalles mimados para el público adulto (se sirve sidra, vino y una estupenda comida veggie) y precios asequibles para el público más joven (cervezas a 1,30 euros en el pueblo). Hoy y el domingo habrá casetas con algunos sellos y más food tracks.
El buen rollo y la tranquilidad reinaron por tanto anoche, y pudo la civilización con la ayuda del personal de seguridad, pese a que hubo algún amago de desmelene a última hora en el concierto de Mujeres. La gente, que ha de ver los conciertos sentada, había empezado a ingeniárselas para bailar en cuclillas o dar pequeños saltos desde su silla antes de que el responsable pertinente pudiera llamar su atención. Todo en cierto tono jocoso, sin los desafíos ni los macarrismos propios de un evento masivo.
Axolotes Mexicanos estuvieron entre los grupos afectados por la lluvia y en lugar de hacia las 16.00 actuaron en el Escenario Plaza más bien hacia las 18.30. El Plaza es un escenario situado en el ayuntamiento de Chapinería, en el que los poseedores de abono pueden sentarse y el resto del público casual observar el show desde los laterales mientras se toman algo en los bares del pueblo. Olaya estuvo bastante divertida ante esa mezcla de fans y público que pasaba por allí (lo cual incluía a Soy Una Pringada, supongo que en el primer grupo), bromeando sobre sus canciones con contenido sexual a esas horas de la tarde, destacando especialmente su ramalazo más punk pop en este contexto. Sonaron temas como ‘Te quiero’ y ‘Que te pires’.
Ya en el Escenario Mirador, el principal y ya con acceso restringido para poseedores del abono, sonaron las canciones dolientes de amor de Ed Maverick, que se deshizo en agradecimiento hacia su público; y más tarde el que era uno de los cabezas de cartel Sen Senra. El cantante gallego ha visto crecer su audiencia a pasos agigantados durante la pandemia y el delirio que provocan en el público los primeros acordes de canciones como ‘Me valdrá la pena’, ‘Tumbado en el jardín viendo atardecer’ o ‘Sublime’ es para verlo. Christian Senra continúa girando con su banda de querencia R&B y detallista, a menudo sentado, un alivio para la organización en este momento porque así el público no se levanta, dejando en un primerísimo plano su voz. Un instrumento más que el artista está mimando con esmero y que dejó algunos de los momentos más hermosos y emotivos de la noche pese al celo que generó entre parte del público. «Es el Mozart de las Rías Baixas», oí bromear a un chico delante de mí. Un concierto precioso, en cualquier caso, el mejor de los que le he visto. Foto Sen Senra: Sergio Albert.
A continuación salían Mujeres, y las ganas de desmadre en un público que lleva año y medio asolado, tenían que contenerse. El trío catalán ha cosechado una colección de hits ideada para el pogo, y tuvimos que luchar contra nuestro yo responsable para no darlo todo con trallazos del tamaño de ‘Tú y yo’, ‘Besos’ o ‘Un sentimiento importante’. En cierto momento detuvieron el concierto para que la gente volviera a sentarse, a petición de la organización, y finalmente tuvieron que acortar el setlist por el retraso en los horarios (o el miedo al desmadre, o ambas). Tuvieron que prescindir de ‘Un glorioso año’ y se despidieron con ‘Al final abrazos’, que sí, funciona sin Cariño, y dejó los ánimos muy arriba.
El festival ha podido realizarse al final de una pandemia, hoy tocan Los Planetas en formato trío y con piano y será más tranquilo, mañana domingo lo harán Panda Bear y Maria Arnal i Marcel Bagès, si bien en Festival Brillante el cartel parece lo de menos. Lo de más es la experiencia de disfrutar un festival independiente y diferente, en sus albores, en un entorno rodeado de sierra y casas rurales, con todas las opciones gastronómicas y de senderismo que conlleva. Hay autobuses que van y vienen a Madrid, pero lo ideal parece alquilar una casa en los alrededores para todo el fin de semana.
Durante décadas las películas de Clint Eastwood parecían servir para cualquier tiempo y para cualquier generación. Veíamos las que protagonizó en los 70 cuando las ponían nuestros padres (‘El bueno, el feo, el malo’, ‘Harry El Sucio’), nos enamorábamos con las que dirigía en los 90 (‘Los puentes de Madison’), definitivamente se convertía en un artista completo que mostrar a nuestros hijos y sobrinos (‘Million Dollar Baby’).
De un tiempo a esta parte, en cambio, está siendo más difícil conectar con él, y no voy a caer en hablar de sus 91 años, aunque sólo sea porque el personaje al que interpreta en ‘Cry Macho’ soporta comentarios edadistas prácticamente a cada escena. En algún lugar de esta cinta había material para derribar el estereotipo del «macho» al mismo tiempo que se contentaba al público de la tercera y cuarta edad con unos cuantos gags al respecto, pero la película renuncia a mirar hacia el futuro para hablarnos estrictamente del pasado. Quizá por eso es necesario explicar en la primera escena que estamos en 1979 y que de ahí no nos vamos a mover demasiado.
Clint Eastwood interpreta a Mike Milo, una vieja gloria del rodeo que viaja a México para buscar a un chaval de 13 años, hijo de un amigo al que debe unos cuantos favores. El encuentro entre ambos pulula entre la lección de vida, la «road movie» y la comedia, si bien con muy poco lustre. La vis cómica se la queda casi en exclusiva «Macho», que no es otro que el gallo que viaja con el joven, un animal con un protagonismo en el clímax final más predecible que el chiste que se hace sobre él y una cazuela. La lección de vida se reserva a una interesante escena en la que, contra todo pronóstico, Clint Eastwood habla de lo «sobrevalorado» que está ser un «macho» («hay que ser idiota para escoger una vida así»), solo que en desconexión total con lo que vemos en el resto de la película, antes y después, casi metido con calzador para tratar de llegar a una generación Z que jamás se pondrá nada de esto. Están demasiado ocupados pensando que country es Lil Nas X.
Y como «road movie» se ha quedado anticuada, por un lado dividiendo a los protagonistas mexicanos escrupulosamente entre muy buenos y muy malos, sin excepciones; y después con una serie de mujeres que caen rendidas en los brazos de Eastwood allá por donde va, de la manera más inverosímil. Que los personajes femeninos son meros adornos incluye a la madre del muchacho (Fernanda Urrejola), que parece recién salida de una telenovela de los años 90 (es bastante más ‘Kassandra’ que ‘Los Ricos también lloran’), a Marta (Natalia Traven) y a sus nietas, todas estas un complemento decorativo para Eastwood, con las que pasar el rato. ¿Tendrá claro cuántas son, siquiera?
Con ciertos problemas de ritmo, puesto que el pobre Eduardo Minett se pasa media película ejerciendo de traductor para desesperación de la audiencia que hable un mínimo de inglés y castellano al mismo tiempo, esto es, un porcentaje escandaloso de la población actual de nuestro país, México y ciertas áreas de Estados Unidos, entre otros lugares; ‘Cry Macho’ no nos devuelve tampoco al Clint Eastwood tierno capaz de sacarnos una lagrimita. Su guión proviene de un texto que N Richard Nash escribió en los 70 y fue rechazado por el propio Eastwood, por Roy Scheider, por Pierce Brosnan, por Burt Lancaster y hasta por Arnold Schwarzenegger. Quizá debió quedarse en aquellos cajones o en las librerías. Para sorpresa de nadie, han sido 11 gallos necesarios para interpretar a Macho: por aquí ya sabíamos que los «machos» a la antigua usanza eran pura fanfarronería.
A Johnny Jewel le preguntaban mucho el porqué del nombre de su icónico sello Italians Do It Better. La camiseta que Madonna portaba en el vídeo de ‘Papa Don’t Preach’ ha resultado ser la respuesta y su interés por la cantante ha llegado al punto de que el sello se ha resarcido de la separación de Chromatics publicando un tributo a Madonna de 20 canciones en una fecha tan random como su 63º cumpleaños. Johnny sabe hasta que a la artista sus amigos la llaman M, y eso es lo único sobre ella que aparece en la portada del álbum, suponemos que por temas legales.
Madonna, de padre migrante italiano, ha sido en verdad más de Europop en general y French Touch en particular, que de italo. Porque ciertamente Madonna podía haber sido más Giorgio Moroder en sus inicios tiene gracia este proyecto: los artistas de Italians Do It Better están especializados en italo disco y están completamente en su salsa cuando recrean los teclados de los hits de aquellos tiempos. Son especialmente una chuchería las versiones de Sally Shapiro de ‘Holiday’, Glüme de ‘Material Girl’ o la de Desire con aquel single perdido que se llamó ‘Angel’. Muchos éxitos de Madonna tenían ganchos instrumentales, normalmente a los teclados, y es ahí donde Italians Do It Better se pone las botas o al menos lo intenta. No faltan revisiones de ‘Lucky Star’, ‘Like a Virgin’ ni ‘Borderline’, canciones que ayudaron a construir el sonido 80’s de manera muy evidente.
Pero uno de los divertimentos del disco es que no va a lo obvio, renunciando a hits como ‘4 Minutes’ o ‘Music’ en favor de curiosidades de su carrera como ‘Beautiful Stranger’, ‘Hollywood’ o dos temas de ‘MDNA‘. La presidenta de Italians Do It Better Megan Louise ha dado libertad a los artistas para escoger el tema que quisieran, y alguien parece haberse dado cuenta de que lo mejor de la última era de Madonna es la calidad de muchos tracks que no fueron single. No habría estado mal escuchar a alguien de esta discográfica tan fina entonar «si tú quieres, nos vamos por Detroit«, pero In Mirrors ha preferido sacar punta al electro ‘I’m Addicted’ y Farah ha convertido ‘Gang Bang’ en una película de terror de serie B protagonizada por Miss Kittin. Más o menos el mismo tratamiento que extrañamente ha recibido ‘Frozen’ con Love Object, arriesgado pero menos efectivo que la destartalada versión de ‘Hung Up’ de Number One Popstar o la bonita balada que JOON ha construido con ‘Papa Don’t Preach’.
La crítica supuestamente más sibarita ya ha corrido a aupar este homenaje por encima de la carrera de la propia Madonna. Para Pitchfork este recopilatorio es muchísimo mejor que el último recopilatorio de la cantante, ‘Celebration’; mejor también que ‘Confessions On a Dance Floor’; y casi tan bueno como ‘Ray of Light’. Y no están solos: me viene a la mente más de una persona que escuchará este álbum antes que un disco entero firmado por Madonna.
Por desgracia, son muchas las versiones que no cumplen con su cometido o que incluso suenan algo desganadas. Jorja Chalmers ha quitado todas las ganas de follar que daba ‘Justify My Love’, produciendo en verdad ganas de nada; Causeway ha desperdiciado una buena idea dream pop sobre ‘Crazy for You’, al final ni ambiental ni bailable; y Juno Francis suena tan desangelada en ‘Beautiful Stranger’ como Double Mixte indeciso entre el witch house y el electro oscuro a lo TR/ST en ‘La Isla Bonita’. Nadie puede adivinar si ha cambiado la letra o se le ha olvidado mientras la recitaba.
Mención especial para MOTHERMARY en un ‘Like a Prayer’ fuera de tono, no se sabe si voluntaria o involuntariamente, no se sabe si en homenaje a la siniestra presentación que Madonna hizo de la misma en Eurovisión… o a la falta de carisma generalizada en los artistas de este sello. Un dato: «20 pistas, 19 artistas, 10 países» y nadie se atrevió a lidiar con la gran obra maestra de Madonna, ‘Vogue’. Quizá era demasiado para ellos equipararse a «Greta Garbo and Monroe, Dietrich and DiMaggio».
Kanye West no ha entusiasmado a la 
‘DONDA’ suma 53/100 en Metacritic. A su lado, 
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