Dedicamos el nuevo episodio de Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP, a la carrera de Katy Perry con motivo del arranque de su residencia en Las Vegas, donde está cantando una veintena de hits aunque no su penúltimo viral en TikTok, ‘Harleys in Hawaii’. Analizamos cómo viniendo de un fracaso comercial como fue ‘Smile’, la cantante ha vuelto a resurgir pese a las ganas de darla por muerta de una parte de la audiencia.
Recorremos su enorme cantidad de singles que llegaron al número 1, el que nos parece el mejor disco de su carrera y también esos directos que ha ofrecido entre lo brillante -la Super Bowl- y lo decepcionante –la gira ‘Witness’-. La dedicación de esta última aún al público infantil nos hace hablar de sus problemas de posicionamiento y estrategia, y de lo que significa la marca Katy Perry, entre disfraces de payasa, apoyo a los demócratas en Estados Unidos y memes y virales continuados. ¿Es la reina del camp como titulaba recientemente la revista Vogue?
En este podcast de Katy Perry planteamos si la artista está creciendo al mismo tiempo que su público, cuál puede ser su álbum más infravalorado y qué esperamos de su futuro. ¿Quizá menos vídeos con 1.000 millones de visitas y más dirección artística?
El segundo disco de REYKO, ‘Pulse’, se ha presentado con singles como ‘Saturday’, ‘The Game’ o ‘Panic’. El dúo formado por Igor y Soleil dejaba atrás la pomposidad de hits pasados como ‘Hierba mala’ y ‘Spinning Over You’ para apostar por un sonido minimalista y ruidoso conectado con el electroclash.
‘People Talk’ era quizá la gran joya perdida de este disco y hoy la recuperamos como “Canción del Día”, para lo que hablamos con el propio dúo sobre las curiosidades detrás de su creación. REYKO actúan el 13 de mayo en Barcelona y el 21 de mayo en Madrid. Las entradas están disponibles en WeGow.
¿Qué nos podéis contar sobre la producción de ‘People Talk’? Citáis como referencia el electroclash, pero realmente es un choque escucharos sobre una caja de ritmos tan básica, después de ciertas cosas que habéis hecho, como más sofisticadas.
Eso es justo lo que queríamos conseguir. Queríamos que ‘People Talk’ y el resto del disco ‘Pulse’, y nuestro primer disco, fueran como el ying y el yang de alguna manera. Que se complementen siendo lo opuesto, el debut siendo más sofisticado y reflexivo, y el segundo siendo más crudo y urgente. Queríamos abrir una puerta nueva en nuestra música y expandir horizontes, para ver dónde nos lleva. Con suerte expandir nuestro público. Hacia lo desconocido con todo (risas).
En cuanto a bases, en realidad la caja de ritmos es exactamente la misma en el primer y el segundo disco. Para dar un ejemplo, la caja de ritmos de ‘People Talk’ y ‘Surrender’ es exactamente la misma, evidentemente cada una producida de una manera diferente. Para los estudiosos de sonidos, es la Roland 808 de toda la vida, la caja de ritmos que se oye en cada track de trap urbano de los últimos 8 años.
‘Pulse’ en realidad es como si Jane Birkin se juntara con Ramones a escribir canciones en el estudio de Kraftwerk
¿Este tema representa lo que habéis estado escuchando últimamente? ¿Creéis que hay más artistas volviendo a este sonido?
En cuanto tuvimos un concepto claro de dónde queríamos que fuera el disco, que era canciones de pop/rock urgentes con bases electrónicas, empezamos a hurgar en Spoti en busca de inspiración. Primero vimos que Billie Eilish y su hermano tenían varias canciones que tiraban por ahí. De allí llegamos a que el electroclash era básicamente eso, punk sobre cajas de ritmos. Aunque claro, yendo más atrás descubrimos que Trent Reznor ya lo hacía en los 90. Y aún más atrás, a finales de los 70 ya lo hacían grupos de post-punk y new wave…
En fin, realmente la idea no era hacer electroclash, pero sí que nos dimos cuenta de que los ingredientes de sonidos tenían similitudes con los que nosotros teníamos en mente. Por otro lado, conociéndonos y sabiendo la temática de nuestras canciones, las melodías, la voz, etc… sabíamos que una vez pusiéramos de nuestra parte iba a sonar a algo completamente distinto… ¡y nuevo y fresco, esperemos! El secreto es juntar cosas que parece que no tengan nada que ver y cruzar los dedos para que el resultado sea escuchable. Varias veces hemos bromeado que ‘Pulse’ en realidad es como si Jane Birkin se juntara con Ramones a escribir canciones en el estudio de Kraftwerk (risas). Sí que vemos que actualmente hay tendencia hacia géneros de rock y al mismo tiempo sin alejarse demasiado de cajas de ritmos. Cada grupo tiene su manera, por supuesto. Como Dry Cleaning o Yard Act, o algún que otro tema de Billie Eilish, por ejemplo.
Nos parecía el momento para hacer un disco excéntrico que represente los tiempos raros de estos dos años
Me gusta que el disco hable poco de amor de pareja, en general creo que hay otros temas como la autoestima, la represión, etc. ¿Este ‘People Talk’ podría ser uno de los que aunara las dos cosas? De hecho, hablando del “qué dirán los demás”, realmente termina siendo una canción de amor, ¿no?
Este disco lo hicimos durante la pandemia, al menos la mayoría de las letras. Una cosa que comentamos mucho durante el proceso es que no tenía ningún sentido sacar un disco en 2021 y hablar de flores y rosas como si el mundo estuviera perfectamente. Nos parecía el momento para hacer un disco excéntrico que represente los tiempos raros de estos dos años. De ahí letras como ‘She Said’ o ‘Panic’. En cuanto a ‘People Talk’, lo que dices, la verdad es que por ahí va el tema. Es como una especie de canción de amor pero con un twist. De todas formas no nos gusta hablar demasiado de nuestras letras para así dejar margen a la interpretación de cada uno. Todos interpretamos las canciones de diferente manera…
¿Por qué el vídeo ha decidido centrarse en un amor entre 2 personas tan jóvenes? ¿Os parece la forma más ilusionante de amor, la más apasionada, la que mejor representa a vuestro público…? Entiendo que puede ser la más apasionada, ¡pero cuando sale mal también es la más tortuosa!
A nosotros ‘People Talk’ siempre nos ha sonado como una canción super juguetona. En nuestra opinión, es el tema con el ritmo más «happy» de todo el disco. Por eso quisimos explotar esa onda juguetona al máximo, reflejándolo con una historia de adolescentes que pasa durante un concierto, donde dos jóvenes se enamoran. Nos pareció la historia «happy» por excelencia. El director Rodrigo Villar y su equipo lo captaron estupendamente. En realidad la moraleja del video de ‘People Talk’ es: si vas a un concierto de REYKO, pillas (risas).
«No tengo la intención de escribir un libro de autoayuda», dice Jeff Tweedy en la página 68 de su libro ‘Cómo componer una canción’, dejando caer que tal afirmación vendrá sucedida de una frase adversativa del tamaño de Chicago. ‘Cómo componer una canción’ parece un libro didáctico para músicos de bedroom pop o cantautores rasgueando una guitarra por primera vez, y a ellos se dedica gran parte del tiempo. Los 24 brevísimos capítulos de este libro decorado con un pentagrama por aquí y por allá reciben nombres como «convertir la composición de canciones en un hábito», «jugando a rimar» o «aprender las canciones de los demás».
La creación musical, como la de otras artes, se ha mitificado hasta el punto de que pareciera cosa de los dioses, como mínimo de puntual inspiración divina. Jeff Tweedy, como ese Nick Cave que afirma que pasa horas al piano hasta que le sale algo, recuerda al compositor novel que la creación de una canción no solo se reduce al hecho de estar inspirado -que por supuesto puede ayudar- sino que a la larga es una cuestión de trabajo, disciplina e interés por lo que hacen los demás. Tweedy tiene la teoría de que si no escuchas mucha música, no serás un gran creador y revela por ejemplo de qué manera le inspiró escuchar por primera vez ‘Andromeda’ de Weyes Blood, una artista mucho más joven que él. Nunca adivinarás qué temas de Wilco salieron de ahí.
Jeff ofrece una amplia gama de trucos más y menos experimentales que van desde escuchar una conversación a expresar cómo te sientes, pasando por escribir todo lo que se te ocurra en un folio y recortarlo, cambiarlo todo de orden y deconstruirlo en busca de un mayor valor poético.
Sin embargo, ‘Cómo componer una canción’ trasciende esa función meramente didáctica para llegar mucho más allá a tres niveles. En primer lugar, por supuesto el libro es una chuchería para todo fan de Wilco. No tanto como su autobiografía ‘Vámonos (para poder volver): Acordes y discordias con Wilco, etc.’, pues es un tomo mucho más modesto en todos los sentidos, pero sí para adentrarnos en el proceso creativo de ‘You and I’ o, por ejemplo, cómo dos canciones tan dispares como ‘Art of Almost’ y ‘One Sunday Morning’ terminaron abriendo y cerrando el mismo disco.
En segundo lugar, los consejos de Jeff Tweedy sirven para inspirar a cualquier tipo de creador: sea teatro, cine, novela o videoclip a lo que te quieras dedicar, ‘Cómo componer una canción’ es toda una motivación para no rendirte por el camino, para sentirte acompañado en los momentos duros de sequía y para recordar que no toda obra ha de ser una obra maestra, que lo importante es que al crear algo, te sientas como «una persona más feliz, con mayor capacidad para lidiar con el mundo».
Lo que nos lleva, por último, a la universalidad definitiva de ‘Cómo componer una canción’. En realidad, detrás de cada «quiero darte amor con mano dura» y detrás de cada «tener buenos modales mola, incluso es algo revolucionario», no estamos asistiendo sino al sabio, sosegado, humilde y tierno relato de una persona que ha asistido a rehabilitación para recuperar las riendas de su vida, y que ahora quiere transmitir sus fuerzas al mundo como buenamente puede y sabe.
‘El buen patrón‘ ha sido la gran ganadora de los Premios Goya al hacerse con los galardones de Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión Original para Fernando León de Aranoa y Mejor Actor para Javier Bardem. El Buen Patrón’ también se ha hecho con los Goya al Mejor Montaje y a la Mejor Música Original.
Particularmente emocionante en este último caso ha sido el mensaje de Zeltia Montes, que a duras penas podía articular palabra, pero supo recordar a las autoras de música obscurecidas por la historia. Hubo varias pullas a unas nominaciones poco dedicadas a mujeres cuando se trata de, por ejemplo, Direcciones Artísticas.
La sorpresa de la noche ha sido la gran cantidad de Goyas que ha ganado ‘Las leyes de la frontera’, un total de 5, como Mejor Guión Adaptado, Mejor Diseño de Vestuario, Mejor Maquillaje y Peluquería o Mejor Actor Revelación para Chechu Salgado. El Goya que no ha podido conseguir la película ha sido el de Mejor Canción, que ha ido a manos de María José Llergo.
También emocionantes han sido los Goyas para ‘Maixabel’, sobre todo el primero de su carrera para Blanca Portillo, que recordaba a sus padres además de a los protagonistas reales de su historia. Tenía palabras de aliento para el resto de nominadas, incluida Penélope Cruz, que nada menos que aspira al Oscar a Mejor Actriz por ‘Madres paralelas’.
Una cinta la de Almodóvar que se ha ido de vacío pese a su reconocimiento en Hollywood, quedándose, eso sí, el mejor momento viral de la noche: cuando se le entregaba el Goya Honorífico Internacional a Cate Blanchett, Pedro pedía al público que se pusiera de pie.
Otros homenajeados de la noche fueron Berlanga y José Sacristán (estupendo en esa frase «gracias a mis hijos por dejarme repetir las tomas»). Entre los momentos musicales, Joaquín Sabina y Leiva han interpretado una emotiva versión de ‘Tan joven y tan viejo’. Al principio de la noche había sido más caótica la versión de ‘Libre’ de Nino Bravo con Bebe, Jedet y Cristina Castaño, con Jedet reivindicando a Isabel Torres, desde fuera de plano. C. Tangana interpretaba con Rita Payès un tema de su próximo EP mientras Luz Casal se encargaba del «In Memoriam».
María José Llergo, autora del espléndido ‘Sanación‘, es la flamante ganadora del Goya a Mejor Canción por ‘Te espera el mar’, el tema de ‘Mediterráneo’.
Llergo, única autora de la composición, ha dejado sin premio a Derby Motoreta’s Burrito Kachimba -cuyo nombre como banda no se ha pronunciado- como autores de ‘Las leyes de la frontera’, a Antonio Orozco con la extrañísima ‘Que me busquen por dentro’ y a Àngel Leiro, Jean-Paul Dupeyron y Xavier Capellas por ‘Burst Out’ de ‘Álbum de posguerra’.
Al recoger el premio, María José Llergo ha recordado que «luchó y soñó para estar en un sitio como este» y, flipando, ha saludado a la que parecía una estrella inalcanzable para ella, Penélope Cruz («Hola, Penélope»). En su dedicatoria ha estado su mánager, Laura Llamas, «por ver su luz cuando ella no la veía», y la compositora del arreglo de cuerdas del tema Paloma Peñarrubia, además de a Oscar Camps, fundador de Open Arms, en guiño a la película ‘Mediterráneo’. Podéis recordar nuestra entrevista con María José Llergo aquí.
María José Llergo tras recibir el premio a la mejor canción original en los #Goya2022:
"No sabéis cuanto tiempo María José pequeñita soñó y luchó por estar en un sitio como este hoy… Hola Penélope"
Cate Le Bon es desde hace rato una de las artistas favoritas de la crítica especializada anglosajona por su singular recuperación del art-pop de los 70. Tras debutar en solitario en 2009, el mayor hit de su carrera llegó con su tercer disco gracias a los milagros del streaming; y el último, ‘Reward’, publicado en 2019, recibía una merecida nominación al Mercury Prize. El nuevo supone un paso al lado.
El sexto álbum de Le Bon recibe su nombre de la famosa ciudad italiana que desapareció en el año 79 D.C. tras la erupción del Vesuvio, y sirve a la galesa para ofrecer una reflexión sobre la «comodificación del dolor humano» presente en la sociedad de hoy. La artista «graba el dolor en una piedra» y lo canaliza a través de su arte, que irónicamente suena más estoico que nunca. Canciones y producción suenan apagados a propósito, pálidos como el rostro de Cate en la portada.
A menudo los arreglos parecen diseñados a propósito para no producir ningún tipo de emoción. Se supone que el sonido ochentero de ‘French Boys’, inspirada en los personajes de chicos jóvenes idealizados del cine francés, o que la ingrávida intro de ‘Dirt on the Bed’ deberían ser excitantes… o no, pero lo que provocan más bien es cierto sopor. La pista titular pierde tanta fuerza hacia el final que parece que Cate se está quedando dormida. ¿De verdad el álbum suena tan plano aposta?
‘Pompeii’ contiene buenos momentos como ‘Moderation’, el single de presentación, que habla sobre la ambición de los seres humanos de llegar a la Luna mientras la población aún se muere de hambre (¿dedicada a Elon Musk?) y, tanto en lo instrumental como en lo melódico, ‘Harbour’ y ‘Running Away’ también resultan singles apañados: el primero se vale de un adictivo «groove» para reflexionar sobre la muerte, y el segundo ofrece el clímax emocional del disco, que sí, lo hay.
Le Bon ha compuesto el álbum completamente sola, en el contexto de la pandemia, principalmente al bajo, y aunque ha contado con la ayuda en la producción de su colega Samur Khouja, el álbum posee un sonido singular y cohesivo basado en la contención que está recibiendo comparaciones con la etapa berlinesa de Bowie. Pero la producción ni es inmersiva ni favorece a las canciones: más bien las aplana como si fueran plastilina. Todos los colores que puedan tener los instrumentos, los hace más grises.
Lo cual no sería malo necesariamente si las canciones tuvieran más atractivos, pero en ‘Pompeii’ las melodías a menudo son tan exangües como la producción, como es el caso de ‘Cry Me Old Trouble’, o tan redundantes como la de ‘Remembering Me’, una «entrada de diario neurótica» que versa sobre la necesidad de las personas de crearse sus propios mitos. Ojalá el disco tuviera un poco más de neurosis en lugar de exactamente lo contrario.
Orville Peck, la nueva estrella estadounidense de la música country, ha anunciado que su nuevo álbum ‘Bronco’ sale el 8 de abril. Este viernes ha adelantado cuatro de las quince pistas que conforman el disco, una de las cuales es el single principal. No os perdáis el portadón de ‘Bronco’.
Desde los tiempos de ‘Pony’ e incluso antes ha sido fácil admirar la clásica voz de Orville Peck, tan apta para los sonoridades de Roy Orbison en las que se ha movido de vez en cuando, por ejemplo en su éxito ‘Dead of Night’, que suena en la segunda temporada de ‘Euphoria’. Faltaba que las canciones estuviesen a la altura de su talento vocal, y en estos cuatro avances no ha decepcionado en absoluto.
En concreto, ‘C’mon Baby, Cry’ es probablemente la gran canción de Orville Peck que estabas esperando. La influencia de Roy Orbison es palpable, mientras el cantante enmascarado a quien recuerda mucho en lo vocal también es a Elvis Presley. En cualquier caso, toda comparación se queda corta delante de una melodía tan clásica y espectacular, que guarda cierto aura de clásico ya en la primera escucha.
Y acorde con su papel de revolucionario del country -Orville Peck forma parte del colectivo LGBTQ+-, ‘C’mon Baby, Cry’ busca romper el caparazón de la masculinidad tóxica, para animar a un chico a llorar si lo necesita. «Puedo ver que estás triste, chico, yo también lo estoy / cariño, no te niegues lo que tu pobre corazón necesita / hace tanto tiempo que él no te llama», canta Orville. A pesar de la melancólica letra, la melodía de ‘C’mon Baby, Cry’ es triunfal y apoteósica, como signo de que la música tiene el poder de cambiar las cosas.
01 Daytona Sand
02 The Curse of the Blackened Eye
03 Outta Time
04 Lafayette
05 C’mon Baby, Cry
06 Iris Rose
07 Kalahari Down
08 Bronco
09 Trample Out the Days
10 Blush
11 Hexie Mountains
12 Let Me Drown
13 Any Turn
14 City of Gold
15 All I Can Say
C Tangana ha interpretado en los Goya un tema nuevo llamado ‘Te venero’, acompañado de la cantante Rita Payés. Como informa la Academia de Cine, les han acompañado una banda y un octeto de vientos y cuerdas. La canción es, oficialmente, un tema inédito de C. Tangana «que recrea una conversación entre una madre y su hijo». La interpretación de ambos ha quedado un poco ahogada por dichos «banda y octeto», ciertamente.
La canción estará incluida en el próximo lanzamiento de Puchito, que anunciaba estos días de cara al próximo viernes, 18 de febrero. Esta era la fecha elegida para el epílogo de su disco ‘El Madrileño‘, el más vendido en España de todo el año 2021.
Cuando está a punto de empezar el ‘Sin cantar ni afinar Tour’, habrá nuevo hit colaborativo para su repertorio. Se tratará de ‘La Culpa’, un tema en el que colaborarán monstruos del streaming como Omar Montes y Daviles de Novelda y también Canelita. El resto del EP o mini álbum se va a componer de temas conocidos por todos como ‘Yate’, el hit ‘Ateo’ con Nathy Peluso o los temas del «Tiny Desk» que también se habían subido a las plataformas de streaming. ‘Bobo’, además de ‘Te venero’, será la colaboración que más motive a sus seguidores en un tracklist que queda como sigue:
1. La Culpa ft @omarmontesofficial @davilesdenovelda_oficial @canelitajonatanvera_oficial
2. Ateo ft @nathypeluso
3. Yate
4. Bobo ft @luisseguraelpapa
5. Te Venero ft @omaraportuondocuba
6. Me Maten (Live at NPR’s Tiny Desk) ft @acarmonaoficial
7. Los Tontos (Live at NPR’s Tiny Desk) ft @kikoveneno.music
8. Un Veneno ft @ninodeelche
9. Para Repartir
A Mitski le encanta el cine de terror. Hace un año, en una entrevista en Rolling Stone, comentó el miedo que pasó con ‘La maldición (Ju-on)’, que vio de adolescente. Ese gusto por el género terrorífico quizás haya influido en la temática del videoclip que ilustra ‘Stay Soft’. Dirigido por Maegan Houang (guionista de la serie ‘Counterpart’), el vídeo se puede interpretar como una pesadilla en la que la cantante es perseguida por dos figuras enmascaradas.
‘Stay Soft’ está situada en un jardín cuya estética remite a las pinturas prerrafaelistas, a los paisajes floridos que aparecen en los cuadros de John Everett Millais (el célebre ‘Ofelia’) o de William Holman Hunt (‘La luz del mundo’). También recuerda mucho al cuento ‘El jardín secreto’, de Frances Hodgson Burnett, adaptado al cine varias veces (la mejor es la de 1993, de Agnieszka Holland).
En el jardín aparece una planta carnívora, un guiño explícito a ‘La pequeña tienda de los horrores’ (1960), el “pequeño” clásico de Roger Corman que tuvo una versión musical, ‘La tienda de los horrores’ (1986), y cuyo remake está rodando Greg Berlanti con Scarlett Johansson y Chris Evans de protagonistas.
Como ocurre en la película, cuando la protagonista le da de comer a la planta se desata la pesadilla. El jardín se oscurece y comienza la persecución. Un acoso que la directora filma utilizando dos recursos clásicos del cine de terror: la cámara lenta, como forma de representar un universo onírico, y el travelling con la cantante siendo arrastrada por el suelo por una fuerza misteriosa que se deja fuera de campo. El final tiene algo de teatral, como una obra kabuki donde importa más el significado de los gestos, muy estilizados, que el naturalismo de los mismos.
Rosalía entra al número 1 directo en JENESAISPOP con ‘SAOKO’, impidiendo a Tove LO llegar a la cima con ‘How Long’. Se trata del 7º número 1 de Rosalía en JENESAISPOP TRAS ‘Malamente’, ‘Pienso en tu mirá’, ‘Di mi nombre’, ‘Aute Cuture’, ‘Dancing in the Park’ y recientemente ‘La fama’. Podéis leer una crítica a favor de «Saoko, papi, saoko» y otra en contra, aquí.
Entra al puesto 3 ‘Beg for You’ de Charli XCX con Rina Sawayama, mientras también hallamos en el top 10 o rozándolo a AURORA, Aguilera con Ozuna y Röyksopp con Goldfrapp. Otras entradas de la semana son lo último de Carolina Durante y Flume.
Ya hay vídeo para ‘Beg for You’, el tercer single que conocemos de ‘Crash’, el nuevo disco que Charli XCX publica el próximo 18 de marzo, tras ‘Good Ones‘ y ‘New Shapes‘ con Christine and the Queens y Caroline Polachek. La canción, que lleva 2 semanas en el top 40 británico, es una colaboración con la también altamente recomendable Rina Sawayama que se basa en un tema llamado ‘Cry for You’ que fue un hit hace 15 años. El vídeo adentra a las dos cantantes en una suerte de ritual bucólico rodeadas de seres extraños.
La canción original es una grabación de September, una cantante sueca que respondía al nombre de Petra Marklund y que consiguió ser top 5 en Reino Unido, entre otros territorios, e incluso colarse en la parte baja del Billboard Hot 100 pese a su sonido europop. Charli XCX ha explicado que llevaba tiempo queriendo colaborar con Rina Sawayama y que cuando recibió el estribillo y se lo puso en el coche, le hizo sentir «extremadamente nostálgica y eufórica». «El sample es algo con lo que siento que mis fans van a conectar», ha indicado antes de saber que el tema iba a ser top 25 en las midweeks británicas, todo un éxito para ella, y sobre todo para Rina, que no tiene aún un top 100 en las islas.
La original ‘Cry for You’ siempre conectó un poquito con ‘Smalltown Boy’ de Bronski Beat mucho antes de que Ed Sheeran lo hiciera. De hecho existe un mash-up de ambas canciones -no muy logrado- desde hace tiempo en Youtube. Lo cual es bastante gracioso, porque Charli XCX y Rina Sawayama han insertado la frase «don’t leave me this way» en la letra: así se llamó el mayor hit de The Communards, que a su vez era una versión de los años 70. Serían 2 referencias a Jimmy Sommerville.
Charli XCX ha querido llevar todo esto a los territorios del UK garage, pero sin que se pierda la sensación de atemporalidad, transmitida por una especie de arpa. Todo el tema de la euforia y la nostalgia tiene también relación con una letra que nos habla de una pareja que no puede estar junta pero que se quiere igual. “Me vuelvo loca cada vez que tienes que coger un vuelo” es la primera frase del tema, mientras que el resto del texto está lleno de referencias a «echarse de menos». Algo que ambas artistas han manifestado en un sencillo vídeo conjunto, bien agarradas la una a la otra.
Charli XCX actuará el día 7 de junio en La Riviera de Madrid y luego lo hará en Primavera Sound. Las entradas para Madrid siguen disponibles en Live Nation.
En algún almacén de Les Arts de Valencia hay ahora mismo 30 Goyas metidos en una caja, dispuestos a encontrarse con su dueño en cosa de 24 horas. Los ganadores de estos galardones son todavía un misterio, pero lo que sí se conoce ya son los artistas que actuarán a lo largo de la trigésima sexta gala del cine español: C. Tangana, Luz Casal, Leiva y Joaquín Sabina.
C. Tangana compartirá escenario con Rita Payes, una cantante y trombonista catalana que puede ser la revelación de la gala. La joven de 22 años no es nueva en el mundo de la música, pero el año pasado publicó su primer álbum de canciones originales llamado ‘COMO LA PIEL’, que mezcla jazz, bossa nova y guitarra clásica.
Leiva, por su parte, ha publicado una foto en su cuenta de Instagram junto a Joaquín Sabina, donde comparte: “estaré acompañando a mi hermano Joaquín Sabina en su reencuentro con el escenario el sábado noche en la gala de los Goya”, lo que sugiere que ambos actuarán juntos.
En cuanto a las películas, que son las protagonistas de la gala, parte como favorita ‘El Buen Patrón’, que se quedó fuera de los Oscars y cuenta con 20 nominaciones en los Goya. También ha dado mucho que hablar ‘Maixabel’ de Iciar Bollaín, con 14 nominaciones, y vuelve Pedro Almodóvar con su ‘Madres Paralelas’.
El DJ y productor Diplo ha anunciado nuevo álbum, y lo ha hecho publicando su primer single, ‘Don’t Forget My Love’ junto a Miguel. El nuevo trabajo homónimo saldrá a la luz el 4 de marzo, y será el primer álbum electrónico que el DJ firma sin ningún otro nombre junto al suyo en 18 años. Desde ‘Florida’ en el año 2004, Diplo ha colaborado con innumerables artistas, ha publicado álbumes completos con Skrillex, Major Lazer y como LSD (trío formado por Labrinth, Sia y Diplo), pero no se había parado a construir un trabajo discográfico completo por sí solo.
El nuevo single junto a Miguel es un tema electrónico listo para bailarlo que podría estar en el ‘Future Nostalgia’ de Dua Lipa, y da pistas sobre el sonido que nos encontraremos en su próximo álbum, pero esta no es la única canción que se ha podido escuchar de ‘Diplo’. Entre la tracklist se pueden leer títulos como el éxito ‘On My Mind’, ‘Promises’, ‘Don’t Be Afraid’ o ‘One By One’, todos singles que ya han visto la luz.
Además, el DJ estará el mismo día del lanzamiento de su nuevo álbum pinchando en la Sala Apolo de Barcelona, y todavía quedan entradas para los interesados.
Cada nueva película de Paul Thomas Anderson despierta una inevitable expectación, tanto entre la cinefilia más palomitera como en la autoral, ya que es uno de esos escasos directores que conectan con prácticamente todo tipo de público.
‘Licorice Pizza’, que acaba de conseguir tres nominaciones a los Oscar, se ambienta en la ciudad de Los Ángeles en los años 70, un periodo y un lugar donde el cineasta pasó su adolescencia. La historia, contada desde una perspectiva puramente nostálgica, reúne a Gary Valentine, un actor adolescente con una gran visión empresarial y a Alana Kane, una joven de 25 años que anda algo perdida en la vida y trabaja haciendo fotos en un instituto. Tras conocerse por insistencia de Gary, que le pide una cita nada más verla, ambos comenzarán a trabajar juntos y se acabarán enamorando. La película va construyendo su relación de manera ligera, en su mayoría en tono cómico y sin un rumbo fijo aparente. Algo que es un gran acierto muchas veces y otras, también un ligero lastre.
Durante la primera hora el tono es divertidísimo y todo fluye a la perfección: la meticulosa dirección de Paul Thomas Anderson y sus preciosos planos secuencia hacen que la cinta se sienta viva, en constante movimiento. Así como el magnífico detalle de que sus personajes estén continuamente corriendo, buscando desesperadamente ser felices, crecer, encontrar su lugar en un mundo a menudo cruel. Aquí, la no-estructura de la película hace de ella una experiencia encantadora. Anderson deja los papeles principales a dos debutantes: Alana Haim, de quien el director es amigo y con quien había colaborado anteriormente dirigiendo sus videoclips, y Cooper Hoffman, hijo del difunto Philip Seymour Hoffman, con quien Anderson contó para prácticamente todas sus películas.
Los dos están excelsos y son el alma de ‘Licorice Pizza’, aportando una necesaria frescura. Su presencia en pantalla es enérgica y deslumbrante. Alana Haim es quien tiene el papel más jugoso y aprovecha cada instante para demostrar su vis cómica y su enorme talento para la interpretación, que le ha valido nominaciones a los Globos de Oro y a los BAFTA. En el reparto también están el resto de la familia Haim (sus otras dos hermanas y sus padres) en roles muy secundarios, y con más tiempo en pantalla aparecen Sean Penn, Tom Waits, Bradley Cooper y Benny Safdie, todos ellos bastante inspirados.
El problema de ‘Licorice Pizza’ es que hacia la mitad el interés comienza a decaer y la construcción de la relación entre ambos protagonistas falla a la hora de hacer que el espectador conecte y entienda su historia de amor. Un poco de tijera le hubiese venido inmejorablemente para resultar menos dispersa y que su impacto fuese mayor. Pero aún con todo, las grandes ideas visuales de su director, el altísimo nivel de sus intérpretes y algunas escenas escritas de forma verdaderamente ingeniosa y divertida hacen que valga la pena. Como en varias de sus películas, Paul Thomas Anderson a veces puede equivocarse, pero sus aciertos casi siempre pesan mucho más.
«Abre la ventana, es tu oportunidad
Puedes esconderte en otra realidad
Pronto llegará tu nueva identidad
Solo te suplico un paseo más»
‘UN PASEO MÁS‘ es uno de los singles que han presentado el nuevo disco del artista catalán Roc Jou, más conocido como Rojuu. Puede ser y es una canción de amor, pero lo más interesante es su uso de palabras como «oportunidad», «realidad» e «identidad». La música del artista ha servido como refugio para una legión de seguidores que, como él, rondan los 18 años, y esta canción vuelve a conseguirlo sobre un lecho de punteos indie pop recién salidos de finales de la década de los 80, espléndidamente producidos por Harto Rodríguez.
‘KOR KOR LAKE’ es el primer disco de estudio de Rojuu tras fichar por Sonido Muchacho (Carolina Durante, Natalia Lacunza, Sen Senra), después de unas cincuenta y siete mixtapes recopiladas en un disco llamado de manera ostentosa ‘Grandes Hits (Antes de los 18)‘. El artista ha ido haciéndose un nombre con cierta filosofía emo trap (él lo llama «shadow pop»), si bien lo mejor de este disco es su lucha contra cualquier tipo de etiqueta clasificadora. De hecho, el tramo medio del álbum, cuando sí aparecen las cajas de ritmo más utilizadas en el mundo del trap, como en ‘REHAB BOYS 2020’ o en ‘ADULTOS DOWN BAD’, nos enfrentamos a la parte más floja de ‘KOR KOR LAKE’, por suerte la excepción.
En sus mejores momentos, el álbum llamado a lanzar definitivamente la carrera de Rojuu –su colaboración con Amaia no, no es su tema más escuchado- es desvergonzadamente pop y luminoso. Ese atisbo de esperanza que se vislumbra en ‘Un paseo más’ explota en temas que suenan optimistas incluso cuando sus textos sugieren lo contrario. ‘NEZUKO’ puede estar hecha desde el despecho de la relación que se acabó… tan sólo para que su estribillo «no volver a verte me da pena (…) llama al médico de cabecera» nos levante con más brío. La misma deliciosa contradicción que encontramos entre el título ‘NADA ME LEVANTA’ y lo que sugiere su producción synth-pop y su bajo disco-funky.
La ausencia de complejos se percibe en esa ‘FANTASÍA PLACEBO’ que definitivamente es como meter en una Thermomix ‘Las de la intuición’ de Shakira y ‘Everywhere’ de Fleetwood Mac; y también remueve ‘¿CUÁNTO TIEMPO NOS QUEDA?’, completando una primera parte de álbum reluciente, de enormes posibilidades comerciales.
Y finalmente está ese cierre de disco, lo mejor para empezar si has pasado los últimos años escuchando a SOPHIE, Charli XCX y PUTOCHINOMARICÓN. ‘NANA’, una fantasía de producción a lo PC Music, es inmediatamente sucedida por la espídica ‘100XRE A TU LADO STARÉ’ -igualmente producida por Carzé-, que medio inspirada en ‘Mi peluchito’, conecta con el espíritu festivo de Vengaboys. Y esta desemboca a su vez en una ‘POST VELADA’ por la que se asoman ecos de drum&bass noventero bajo la producción en este caso de Trillfox. Es la guinda de un gran álbum de pop que empieza a dejar atrás los comentarios paternalistas tipo «está muy bien para su edad», para conquistar a diversas generaciones.
Hoy sale el esperado nuevo trabajo de Big Thief, llamado a ser uno de los discos del año, y en un bando diametralmente opuesto se edita un nuevo EP de Kim Petras llamado «pop de puta» que contiene pistas como «trátame como una puta». Hoy ven la luz también nuevos discos de Alt-J, Spoon, Erik Urano, Vega, Eddie Vedder, Foxes, Blanco Palamera o Raveena.
Hoy destacamos en portada el nuevo single de Fangoria, que es la Canción Del Día, y esta semana nos han gustado también las nuevas propuestas de Caroline Polachek u Odesza. Comentamos ya también los nuevos temas de Moderat y de Karol G con Becky G.
Entre las novedades que ya puedes escuchar en la playlist «Ready for the Weekend» se encuentran los nuevos singles de Sen Senra o Guitarricadelafuente, los avances de los próximos álbumes de Nicki Minaj, Omar Apollo, Father John Misty, Orville Peck o Everything Everything, una versión de Hole por Doja Cat y hoy que Big Thief sacan disco, precisamente la banda revelación shego los versionan, en concreto su viejo tema ‘Pablo’.
Una de las curiosidades del día la firman Los Vinagres y Sidonie, que cantan un tema llamado ‘Covid’, y dedicamos a los nostálgicos la nueva colaboración de Alex Ubago y La Oreja de Van Gogh. Hay también novedades de La Zowi, Jack White, Bree Runway, Aron Piper aka ARON, Diplo con Miguel, Pusha T (producido por Kanye), Foals, Tate McRae o Portugal .The Man.
Isabel Torres, actriz que interpretó a La Veneno en la exitosa serie de Los Javis, en concreto una de las tres etapas vitales de Cristina Ortiz, la más madura, ha fallecido a consecuencia del cáncer de pulmón que padecía. Tenía 52 años.
«Hoy 11 de febrero de 2022, despedimos a Isabel», comunica hoy viernes la página de Instagram oficial de Isabel Torres. «Aunque su familia y amigos sentimos profundamente su pérdida, sabemos que allá donde vaya se divertirá como solo ella sabe. Gracias por todas las muestras de cariño y preocupación. Se ha marchado sintiéndose muy querida y arropada».
La artista canaria desempeñó una larga trayectoria profesional antes de interpretar el papel de su vida en ‘Veneno’. Trabajó en televisión y radio y también era activista por los derechos de las personas LGTBQ+. Por su papel en ‘Veneno’ ganó un Premio Ondas junto a sus compañeras de reparto, Daniela Santiago y Jedet, en la categoría de Mejor intérprete femenina en ficción nacional.
Fangoria han estrenado su nuevo single ‘Mi burbuja vital’. Es el primer adelanto oficial de ‘Edificaciones paganas’, el segundo de los tres epés que el dúo formado por Alaska y Nacho Canut planea lanzar a lo largo de los próximos meses hasta completar la totalidad de su nuevo álbum de estudio. Su lanzamiento previo fue ‘Existencialismo pop‘. ‘Edificaciones paganas’ sale el 4 de marzo.
‘Burbuja vital’ «habla de construir, de edificar, pero no edificios de ladrillos sino un metaverso privado, un mundo virtual donde poder desarrollar una vida más interesante y aventurera que la que nos ofrece la realidad». Y lo que construyen Fangoria en ‘Burbuja vital’ es una canción de música disco clásica y tan divertida y escapista como promete ese estribillo que nos invita a «inventar otra realidad» y a «averiguar qué podría pasar si me atrevo a escapar».
A los 70 lleva concretamente el videoclip de ‘Mi burbuja vital’, un homenaje a los locos cromas que se podían ver en RTVE en la época, cuando Valerio Lazarov se encontraba al mando de la realización de programas como ‘Señoras y señores’ o ‘La última moda’. Hay también un probable guiño a Raffaella Carrà en la peluca rubia de Alaska.
El nuevo EP de Fangoria será un «homenaje a los rascacielos, las torres de apartamentos y los bloques de piso» y contará con una versión «Benidorm» de la saga ‘Satanismo, Arte abstracto y…’, que el grupo ya ha grabado en varios estilos, y que esta vez se sumergirá en la música disco. El EP contará también con la colaboración de Alejandro Sergi de Miranda! y con la de Santi Capote de Ellos.
«Las otras canciones van del Cabaret Electrónico de No me das pena, que grabamos con nuestro colaborador habitual Jon Klein (de Specimen y Siouxsie and the Banshees ), al Tecno Pop de La pregunta del millón y el House Pop noventero de Del uno al diez, las dos producidas con Juan Sueiro», detalla la nota de prensa facilitada por Black Vinyl Records Spain, que también avanza la portada del EP.
El homenaje de Fangoria a Benidorm no puede ser más oportuno ya que Alaska viene de presentar el Benidorm Fest junto a Màxim Huerta e Inés Hernand. De hecho, Alaska «presenta» la actuación de Rigoberta Bandini en la divertida parodia de ‘Polònia’, en una imitación que casi se confunde con la realidad.
Tenemos “G” al cuadrado. Becky G anunciaba esta semana colaboración con la colombiana Karol G en su cuenta de Instagram. El tema, que se llama ‘Mamiii’, es el primero que las dos cantantes lanzan juntas, sin compañía de nadie más, porque sí que habían coincidido y trabajado con anterioridad en el remix de ‘Mi Mala’, junto a Mau y Ricky, Leslie Grace y Lali.
‘Mamiii’ es un reggaetón clasicote que huye del amor tóxico. Eso sí, lo hace totalmente a su manera con frases como «No me vuelvas a llamar / hasta boté el celular / de lo tóxico que eres / se volvió perjudicial», «Pa’ la mierda y nunca vuelvas» o «Yo que fui buena y tú qué gonorrea pagándome así».
Karol G se encuentra en un momento artístico muy productivo tras sus últimas publicaciones. El álbum ‘KG0516‘ rompió fronteras en el reguetón, y la catapultó a la primera fila del panorama musical. Becky G, por su parte, viene de una época más tranquila en la que ha estado alejada de la música, aunque la hemos visto en varias colaboraciones como la de Christina Aguilera, ‘Pa Mis Muchachas’, junto a Nicky Nicole y Nathy Peluso. Sin embargo, afirma estar muy emocionada con las cosas que tiene preparadas, y parece que quiere empezar fuerte con ‘Mamiii’.
Para dar la noticia, la cantante había publicado una foto de las dos en lo que puede ser el set del videoclip para ‘Mamiii’. Becky, vestida con un look veraniego que te transporta a México, y Karol G luciendo un top plateado que recuerda al recientemente fallecido Thierry Mugler dejaban intuir que la canción iba a hacernos mover las caderas.
Uno de los temas que más ha dado que hablar desde la celebración de los Brits el pasado martes es la esperada colaboración entre Ed Sheeran y Taylor Swift. El británico sorprendía en los premios anunciando que pronto podríamos escuchar el remix de su canción ‘The Joker And The Queen‘ con Taylor, que ha salido esta misma noche.
La canción original está incluida en el quinto álbum de estudio de Ed Sheeran que salió a la luz hace unos meses, y esta nueva versión es un regalo para los fans de ambos. No es ningún secreto que los dos cantantes mantienen una gran amistad desde hace años; de hecho, ya han trabajado con anterioridad en canciones como ‘End Game’ o ‘Everything Has Changed’.
Precisamente, el videoclip de ‘Everything Has Changed’ mostraba a unos Ed Sheeran y Taylor Swift de niños, interpretados por dos actores infantiles, apelando a la nostalgia; y el de ‘The Joker and the Queen’ continúa la misma narrativa unos años después y cuenta con los mismos intérpretes, Ava Ames y Jack Lewis. «Ed» y «Taylor» ahora son adolescentes y las circunstancias de la vida han querido que tomen caminos distintos en sus vidas, pero ambos se vuelven a encontrar.
La exclusiva la dio Ed Sheeran en la alfombra roja de los Brits mientras lo entrevistaba LADbible: “sale a la luz el viernes y es con Taylor Swift. Lo anunciamos literalmente en una hora”.
Kanye West y Billie Eilish son dos de las personas que encabezan el festival de Coachella la próxima primavera. Kanye West también es lector de las páginas webs de rap, y una de ellas ha publicado recientemente una noticia sobre Billie después que esta parase brevemente un concierto para ayudar a un fan que estaba encontrando dificultades para respirar.
Durante la pausa de su concierto, Billie supuestamente exclamó que ella «espera a que la gente esté bien para continuar el concierto», frase que TMZ -que publicaba originalmente la noticia- sostiene iba dirigida veladamente a Travis Scott, quien se encuentra actualmente en un embrollo legal después de que 10 personas murieran en el festival ‘ASTROWORLD’ que él dirigía, aplastadas por una avalancha de gente. Algunas de esas personas fallecieron durante el concierto que Travis Scott ofrecía una de las noches, con el rapero ajeno a la tragedia desde el escenario.
Kanye opina que el comentario de Billie iba claramente dirigido a Travis, y ha exclamado en Instagram que solo actuará en Coachella si Billie se disculpa con el autor de ‘Sicko Mode’ por sus palabras. Con letras escritas en mayúscula, el autor de ‘Donda‘ pide a Billie que se disculpe con Travis «y con las familias de la gente que perdió sus vidas» porque «nadie quería que esto sucediera, Travis no tenía ni idea de lo que estaba pasando mientras él estaba en el escenario y está muy dolido por lo que pasó». Kanye confirma que invitará a Travis en su concierto en Coachella, pero que «antes de actuar necesito que Billie se disculpe». Travis le ha puesto «me gusta» al post de Kanye.
Billie, que tiene 22 años menos que Kanye exactamente, no se ha quedado callada y ha contestado brevemente a Kanye en Instagram que «literalmente no he mencionado a Travis en ningún momento» y que «solo estaba ayudando a un fan». Su comentario ha recibido cientos de miles de «likes». ¿Zanjado el asunto?
Billie Eilish responds to Kanye West asking her to apologize for allegedly dissing Travis Scott:
Moderat, uno de los grupos de música electrónica introspectiva de mayor éxito de nuestro siglo, está de vuelta. Se despidieron de la era ‘III’ en 2017 con un macroconcierto en Berlín para 17.000 personas, anunciando un «retiro indefinido» que ha durado 5 años, y ahora la unión entre Apparat, es decir Sascha Ring, y Modeselektor, la suma de Gernot Bronsert y Sebastian Szary, anuncia nuevo disco. Suponemos que bajo su máxima «Tratamos de evitar las tendencias de moda«.
Así lo indica el primera adelanto de su esperado cuarto álbum ‘MORE D4TA’, el cual es casi un acrónimo de su nombre que probablemente reflexione de alguna manera sobre el «Gran Hermano» que está suponiendo la era de las redes sociales. El single se llama ‘FAST LAND’, viene presentado por un videoclip de excelente factura con guiños a Banksy y al cine de autor europeo, mientras la base musical no está tan lejos de los mayores éxitos de Massive Attack solo que con la bruma típica de Moderat. El nuevo álbum sale el 13 de mayo.
La nota de prensa especifica que Moderat se juntaron «hace unos meses y la química y la música volvieron a fluir como de costumbre». El resultado son «10 canciones, 46 minutos de música y 494 palabras».
La gestación del álbum nos habla de cierto romanticismo: «‘MORE D4TA’ tiene sus raíces en el espíritu colaborativo de tres artistas diferentes que antes de ponerse a trabajar en un álbum, decidieron pasar tiempo juntos compartiendo ideas, disfrutando de tiempo juntos y volviendo a familiarizarse musicalmente unos con otros. Y no importa cuán lejos se separe cada miembro de MODERAT, siempre terminan regresando a su propio y único mundo sonoro. Un lugar donde el pop emotivo y los ondulantes paisajes sonoros electrónicos caminan de la mano». MODERAT actuarán en la próxima edición de Sónar Barcelona y en julio en Bilbao BBK Live.
Dua Lipa no pudo recoger su Brit a mejor cantante de pop el pasado martes porque estaba en Miami ensayando para el arranque de la gira ‘Future Nostalgia’, que ha tenido que ser pospuesta varias veces debido a la pandemia.
Parecía que nunca llegaría pero al fin anoche daba comienzo en el estado de Florida, comenzando por el que era uno de los 2 hits principales del que fue el mejor álbum de 2020 y terminando con el otro. Ni que decir tiene que este artículo contiene SPOILERS para los que queráis asistir vírgenes a este tour, si bien no hay enormes sorpresas para quienes asistierais online a su concierto de presentación.
Lo primero que suena en ‘Future Nostalgia Tour’ es una versión extendida de ‘Physical’, terminando con ‘Don’t Start Now’, en un show dividido en actos y varios cambios de vestuario de los que está dando buena cuenta el Twitter dedicado exclusivamente a esta gira.
No falta algún tema del primer disco de Dua Lipa, como ‘New Rules’, aunque sí por ejemplo ‘IDGAF’, pues la cantante ha preferido elegir singles sueltos de aquellos tiempos como fueron ‘One Kiss’ y ‘Electricity’. El foco está puesto sobre todo en el segundo álbum, con temas como ‘Break My Heart’, ‘Levitating’ (en la que «vuela» sobre el escenario) y ‘Hallucinate’ e incluso algún tema menor como el bonus ‘We’re Good’ (con una langosta gigante que en el foro de Popjustice ya comparan con Katy Perry), siendo la mayor sorpresa la incorporación de ‘Cold Heart’ con Elton John que tantas alegrías ha dado a ambos últimamente.
El show es una fantasía de mallots y patines, y alguien ha tenido a bien comparar el vestuario de la última parte del concierto con el look de Chanel en su victoria de Benidorm Fest. Os recordamos que esperamos a Dua Lipa en Madrid y Barcelona el próximo mes de junio, ahora sí que sí. El setlist de anoche podéis consultarlo aquí.
‘Vértigo’ es una novela escrita y publicada hace años que la cantante firmó como Paula Ribó, pero se encuentra descatalogada, así que ha decidido relanzar esta “autoficción” con la ayuda de la editorial Aguilar (Penguin Random House).
La colección Verso & Cuento ha explicado que se trata de un «relato honesto y certero sobre la crisis de los treinta escrito por la artista del momento», sin hacer referencia a la edición anterior de la que se hicieron 400 ejemplares en una primera y segunda edición y después volvió a agotarse. Se desconoce si habrá algún cambio respecto al libro original.
Por otro lado, Rigoberta ha abierto una tienda online donde se pueden encontrar camisetas, sudaderas y gorras con diseños inspirados en su música. También ha utilizado la nueva web para lanzar una edición física en vinilo de sus singles ‘Perra’ y ‘Too Many Drugs’ que se agotaron en cuestión de horas.
Finalmente, la fiebre ‘Ay mamá’ llega a las monas de Pascua y como informa El Diario de Mallorca, la Tetamundi será mona de Pascua este año con el beneplácito de su diseñadora, Marina Salazar.
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