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Little Mix: «Somos una piña»

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De ‘Factor X’ al mundo, Little Mix es una de las exportaciones musicales británicas más exitosas de la última década. Su repertorio de éxitos -entre ellos 5 singles número 1- ya da para un «grandes éxitos», y ‘Between Us’ sale hoy acompañado de 4 canciones nuevas, pero sin una de las integrantes originales de Little Mix. Jesy Nelson abandonaba la formación el año pasado para cuidar de su salud mental y, el pasado mes de octubre, lanzaba su primer single en solitario.

JENESAISPOP tiene oportunidad de charlar, vía Zoom, con el trío formado por Leigh-Anne Pinnock, Perrie Edwards y Jade Thirlwall unos días antes de que se edite ‘Between Us’. Es curioso ver a las tres en un contexto tan completamente natural y desenfadado, sin el maquillaje y atuendos espectaculares, sin la fantasía en general, que suelen presumir en los videoclips y las alfombras rojas. Visten sudadera y dos de ellas acaban de ser madres, por lo que durante la entrevista se escuchan puntuales llantos de bebé de fondo.

Leigh-Anne, el otro día vi el último programa de RuPaul’s Drag Race UK y eras la persona invitada en el jurado. ¿Cómo fue la experiencia?
Leigh-Anne: «Me encantó. Es más impresionante estar en el programa que verlo desde casa, todo por todas partes brilla y te deslumbra. Me gustó mucho vivir el lip-synch en directo y poder ponerme ese pedazo de vestido que llevaba».
¿Quién es el diseñador?
Leigh-Anne: «Moschino».

¿Las tres veis DragRace?
Perrie: «Yo nunca lo había visto antes. Con Jade llegué a ver algún programa cuando estábamos de gira en Estados Unidos pero nunca me he sentado a verlo de verdad, aunque no sé por qué porque estoy segura de que me encantaría».
Jade: «Yo lo empecé a ver en Estados Unidos. Estoy obsesionada con la versión británica pero una de mis ediciones favoritas es de la americana, la que ganó Bianca del Rio. Soy súper fan».

¿Habéis visto la versión española?
Jade: «Todavía no. Es una de las pocas ediciones de DragRace que no he visto, pero estoy familiarizada con algunas de las reinas porque las he visto en las redes sociales, y he escuchado muy buenas cosas sobre el programa. Lo veré. ¿Está en Netflix?».

Creo que no, solo se puede ver en una plataforma española.
Jade: «En cualquier caso la veré. Hay tantas ediciones que es difícil ponerse al día».

Vuestro nuevo disco es un recopilatorio. ¿Qué es lo más valioso que habéis aprendido en estos 10 años de carrera?
Perrie: «Que nuestra amistad es lo más importante que tenemos. Es clave. Y que es importante trabajar duro. Nosotras nos lo hemos currado para llegar adonde hemos llegado, lo cual puede ser muy difícil de conseguir en una industria tan dura como esta. Hemos aprendido que nadie se preocupará por nosotras más que nosotras mismas. Somos una piña y siempre nos apoyamos las unas a las otras».

¿Recordáis escuchar recopilatorios de pequeñas?
Jade: «Yo me acuerdo de los CDs de ‘NOW'».
Leigh-Anne y Perrie: «¡¡Sí!!»
Jade: «Y recuerdo que uno de mis recopilatorios favoritos se llamaba «Pop Princesses»».
Leigh-Anne y Perrie: «¡¡Dios mío, sí!!»
Jade: «¿Os acordáis? Era un recopilatorio que reunía canciones de todas las princesas del pop del momento: Sugababes, Avril Lavigne, Kelly Clarkson, Beyoncé, Rihanna, Christina Aguilera… Estaban todas. Era el la recopilatorio de princesas del pop definitivo. Estaba obsesionada».
Perrie: «Personalmente cuando escucho a algunos artistas siempre me pongo sus grandes éxitos: los «greatest hits» de Céline Dion, los «greatest hits» de Shania Twain, los «greatest hits» de Britney Spears».
Leigh-Anne: «Los «greatest hits» de Mariah Carey».
Perrie: «El de Mariah Carey me lo ponía todas las noches».

Los 25 números 1 de Mariah Carey.
Little Mix: «¡Ese!»

Los discos de grandes éxitos están de moda otra vez, ¿no?
Perrie: «Y para sacar uno tienes que haber tenido una carrera larga. No es tan habitual que una girl band como nosotras saque un grandes éxitos. Para mí es increíble. Es una manera de saber que has triunfado».

Anastacia sacó un «greatest hits» cuando solo llevaba tres discos a sus espaldas, y su carrera no ha sido la misma desde entonces.
Perrie: «Es una de mis artistas favoritas. Justo ayer estaba hablando de ella».
Jade: «Para nosotras tiene sentido sacar un recopilatorio porque llevamos 10 años de carrera, hemos sacado un montón de singles».

«Es importante no perseguir continuamente la idea de obtener un número 1»

Las canciones nuevas están desperdigadas a lo largo del disco, no están ni al principio ni al final. ¿Esta decisión se debe a que confiáis en que también son “hits”?
Jade: «Sí, las cinco canciones son potentes. Nosotras siempre nos hemos enorgullecido de no meter relleno en nuestros discos y este caso es igual. Nos gustan que las canciones nuevas estén mezcladas con las viejas en el álbum porque todas ellas encajan las unas con las otras. Queríamos que la gente percibiera que en el disco todos los singles tienen la misma importancia, y los temas nuevos también».

¿Cuál es vuestro criterio de cara a grabar canciones? ¿Cómo habéis preservado el «sonido Little Mix» a lo largo del tiempo?
Leigh-Anne: «Tiene que ser una canción que te empodere. Nunca escribimos una canción que no te haga sentirte bien o no te eleve los ánimos. Si lo consigue, es una canción de Little Mix. Nosotras queremos hacer sentir bien a la gente. Y nuestras canciones tienen que empoderar… y también ser un poco descaradas. Las canciones nuevas del disco tienen esa actitud».

En el álbum hay una balada, la que da título al disco. Yo cuando pienso en Little Mix no me vienen muchas baladas vuestras a la cabeza. ¿Os apetecía explorar este formato?
Perrie: «Nos encantan las baladas. En cada disco metemos al menos una o dos, pero solo hemos sacado una de single, ‘Secret Love Song’. ‘Between Us’ es una canción de amor para nosotras, habla sobre nuestra amistad y sabemos que cuando la cantemos en directo nos va a ser difícil hacerlo sin llorar. Es una canción que significa mucho para nosotras y los fans la van a adorar».
Leigh-Anne: «Y no olvides el vídeo. ¡Es precioso!»

Sweet Melody‘ ha sido vuestro primer número 1 en Reino Unido en 4 años. ¿Cómo os sentisteis con la noticia? ¿Os interesan especialmente este tipo de logros?
Jade: «Es importante no perseguir continuamente la idea de obtener un número 1. Al principio de nuestra carrera nos preocupábamos por conseguir números 1, pero ahora creemos que, si la canción se sigue escuchando con el paso del tiempo, aunque no sea número 1, es incluso mejor. El número 1 de ‘Sweet Melody’ significó mucho para nosotras porque sucedió en el momento en que cumplíamos diez años de carrera. El significado de ese número 1 es lo más importante para nosotras».

¿Cómo habéis vivido los cambios de tendencias musicales en esta década? Vuestra música los refleja de cierta forma: escuchas ‘Wings’ y piensas en 2011, ‘No More Sad Songs’ y es puro tropical pop.
Jade: «Little Mix siempre se ha adaptado a los nuevos tiempos sin dejar de sonar a Little Mix. Esta es una de las razones por las que hemos superado el paso del tiempo. Aunque cuando sacamos los primeros singles de cada disco siempre nos aseguramos de que no se parezcan a nada de lo que suene en la radio en ese momento. Es difícil adivinar qué va a funcionar y qué no, y más aún encontrar el equilibrio perfecto entre adaptarte a los tiempos y no perder tu esencia como artista. Creo que nosotras lo hemos conseguido».

«Hemos superado el paso del tiempo»

¿Cómo veis las listas de éxitos actuales? ¿Qué estilos pensáis que predominan?
Leigh-Anne: «No presto mucha atención a las listas de éxitos, ni siquiera las entiendo. Supongo que hay de todo, pero a mí me gusta lo que me gusta y tiendo más a escuchar música de la vieja escuela. No soy necesariamente una gran conocedora de las listas de éxitos».
Perrie: «Yo voy por fases también. Hay días que solo escucho lo que triunfa en listas y otros en los que solo escucho música de la vieja escuela. Últimamente no les he prestado demasiada atención».

Las tendencias varían en cada país. En España el 90% de lo que triunfa es el reggaetón.
Leigh-Anne: «¡Me encanta el reggaetón!».

¿Qué canción de vuestro repertorio os da pena que no haya sido single?
Todas a la vez: «‘Wasabi'».

¿Por qué?
Jade: «Queríamos que ‘Wasabi’ fuera uno de los singles de ‘LM5‘ pero, por una serie de circunstancias relacionadas con el cambio de sello, al final no pudo serlo. Es realmente desafortunado. De hecho, ‘Wasabi’ tiene más reproducciones que algunos singles de ese disco y cuando la tocamos en directo la gente se vuelve loca».

A mí me gustan mucho vuestras canciones más 60s, como ‘Love Me Like You’. ¿Os interesa especialmente esta faceta de vuestra música?
Perrie: «Nos gusta explorar todo tipo de sonidos. Lo bueno de estar en una girl band es que puedes hacer cosas diferentes. Nos encanta experimentar, sobre todo cuando lo hacíamos en los primeros discos».

Las colaboraciones con otros artistas también están incluidas en el recopilatorio, como las de Galantis, Anne-Marie o CNCO. ¿Creéis que también forman parte de la historia de Little Mix? ¿No queríais hacer un recopilatorio solo de vuestras canciones?
Jade: «Estamos muy orgullosas de todo lo que hacemos, sea una colaboración o no. Y ‘Heartbreak Anthem’ lo petó, no nos lo esperábamos».

Beyoncé y Jay Z, ¿no hay otra canción de The Doors?

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Beyoncé ha publicado hoy single sin avisar a nadie. ¡Bien! Es una banda sonora. ¡Oh! La comisaria de la banda sonora de ‘El rey león‘ recupera algo de garra no obstante en una canción de raíces rockeras que vuelve a bucear en los orígenes del rhythm & blues. ‘Be Alive’, de la banda sonora de ‘King Richard’, en la que Will Smith interpreta al padre de Venus y Serena Williams, tiene su «punch». Es sólo que es un truco que la familia Knowles ya ha jugado demasiadas veces.

Beyoncé ya se había mostrado como una rockera en el tracklist de ‘Lemonade’, en concreto colaborando con Jack White en aquella joya llamada ‘Don’t Hurt Yourself’. Pero además, había hilvanado su hit ‘Ring the Alarm’ con ‘Five to One’ de The Doors en directo. La base de aquella canción de los de Jim Morrison vuelve a azotar este tema con el que Beyoncé no podía presentar nuevo disco porque es un truco que ya le conocíamos. Esto ha de ser por tanto un pasatiempo.

Siempre es una gozada que una canción nueva descubra una vieja, en concreto este clásico perdido de The Doors que cerraba ‘Waiting for the Sun’, su tercer disco, en 1968, sin haber sido uno de sus singles principales. El problema es que también Mr. Knowles, Jay-Z, ya lo había sampleado en ‘Takeover’, la pista 2 de ‘The Blueprint’, uno de los álbumes que, publicado en 2001, cambiaron el rumbo del siglo XXI. ¿Habrá cuarta canción por parte del matrimonio rebozada sobre la misma base? ¿En algún momento empezará a saberles mal el mismo aceite?



Bilbao BBK Live confirma a LCD Soundsystem, J Balvin, M.I.A, The Killers, Pet Shop Boys….

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LCD Soundsystem, J Balvin, The Killers y Pet Shop Boys son los anunciados cabezas de cartel de la próxima edición de Bilbao BBK Live, que se celebra los próximos 7, 8 y 9 de julio de 2022 en Kobetamendi tras dos años de forzado parón. Bilbao BBK Live será el único festival europeo en el que actuará LCD Soundsystem en 2022.

Stromae, que acaba de publicar su primer single en 8 años; Moderat, Placebo, M.I.A., Nathy Peluso, Bomba Estéreo y Four Tet también se suman a la cita bilbaína, así como la programación completa de Basoa, la carpa electrónica del festival, que contará con The Blessed Madonna, Carl Craig, Helena Hauff o John Talabot, entre otros.

En el festival quedan confirmados también, en el plano internacional, Phoebe Bridgers, Caribou, Supergrass, slowthai, Joy Crookes, BICEP, Planningtorock, BADBADNOTGOOD, Peaches, Inhaler, TOMM¥ €A$H, Stella Donnelly, Mykki Blanco o Moses Sumney.

En el ámbito nacional, el festival contará con Zahara, Nacho Vegas, Dorian, Lori Meyers, Sen Senra, Carolina Durante, Ginebras, rusowsky, Confeti de odio, VVV [Trippin’you] o Laura Sam y Juan Esribano en su proyecto conjunto, además de la «cuadrilla de Iruñea» Chill Mafia, Verde Prato, Nøgen, Ezpalak y DouleurDolor, entre otros.

Los abonos continúan a la venta y existe la opción de pagarlo a plazos. Las entradas de día se ponen hoy 11 de noviembre a la venta a un precio promocional hasta el próximo 16 de diciembre. Habrá camping disponible como en otras ediciones para quien desee alojarse en plena montaña.

RFTW: Silk Sonic, Kylie Minogue, León Benavente, Damon Albarn, DORA…

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Hoy salen los nuevos discos de Silk Sonic (Bruno Mars y Anderson .Paak), Taylor Swift (la versión regrabada de ‘RED’), Kylie Minogue (la reedición de ‘DISCO‘), Damon Albarn, Courtney Barnett, IDLES, Colectivo da Silva, Little Mix (su nuevo recopilatorio de éxitos), Jon Hopkins, The Dodos, Dave Gahan & Soulsavers o Angela Pardal. También están disponibles los nuevos EPs de Beach House y Holly Humberstone.

‘LA FAMA’ de Rosalía y The Weeknd es el gran lanzamiento de la semana en el plano nacional o internacional, y hoy también la Canción Del Día en el site. Es uno de los estrenos musicales que han dejado los últimos días junto a los nuevos singles de Avril Lavigne, Mitski, Arca, Placebo o Let’s Eat Grandma.

Entre las novedades que cabe destacar de la playlist, Arca ha lanzado el primer single del segundo álbum que sacará en diciembre; Jenny Hval presenta single en su fichaje por 4AD; Nilüfer Yanya adelanta su nuevo disco con otro tema guitarrero de los suyos, MØ invoca a ‘Brad Pitt’ y DORA vuelve con ‘Sorry’ tras protagonizar la nueva película de Paco León, que se estrenará el año que viene.

Otros dos lanzamientos notables de la semana son ‘Be Alive’, la canción de Beyoncé que sonará en el biopic ‘King Richard’ sobre el padre de Venus y Serena Williams; y ‘A Drug from God’, el primer single de NPC, la girl group de Grimes creada por inteligencia artificial, cuyos miembros son infinitos.

En la playlist escucharás también novedades de DELLAFUENTE, Baby Queen, Chavales, Flight Facilities, BROODS, Fresquito y Mango, No Rome, León Benavente, Korn, Fort Romeau, Ariadna, Amber Mark, Blanco Palamera o Josephine Foster, LUNA KI, Niños Luchando, Sarria o The Hepburns. Para conocer las novedades más interesantes del indie nacional os invitamos a suscribiros a nuestra playlist quincenal «Sesión de control».

Sólo 2 peros en el hitazo de Rosalía y The Weeknd

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Arranca la era ‘MOTOMAMI’ de Rosalía con el lanzamiento de ‘LA FAMA’, un primer single que adopta forma de bachata ahora que está tan de moda (al menos en España, porque en América Latina realmente nunca se ha dejado de hacer) y que cuenta con la colaboración de uno de los artistas más exitosos de la actualidad en Estados Unidos y obviamente también en todo el mundo, el canadiense Abel Tesfaye aka The Weeknd. Podéis comentar ‘LA FAMA’ en nuestros foros.

Apenas 3 minutos dura ‘LA FAMA’, la nueva bachata de Rosalía y The Weeknd producida por los susodichos y también por Noah Goldstein, Frank Dukes, Dylan Wyggins, Tainy, Sky Rompiendo y El Guincho. Parece que el productor canario continúa su andadura con Rosalía en esta nueva etapa, evidentemente la de mayor proyección comercial de su carrera hasta la fecha.

El tema presenta pocas novedades respecto a lo que ya se conocía, pues Rosalía lo había adelantado ya en TikTok, en concreto su pegadizo estribillo. The Weeknd, que no es Romeo Santos aunque lo parezca, canta en español y goza de generoso protagonismo en la grabación. Sin buscar la vanguardia de ‘El mal querer‘, que se echa de menos, ‘LA FAMA’ opta por equilibrar tradición y el sonido «urbano» contemporáneo sin más misterio.

El vídeo de ‘LA FAMA’ presenta una actuación de Rosalía en una glamuroso evento con el público sentado en mesas. Uno de los asistentes es The Weeknd, que termina apuñalado por la catalana y postrado en unas escaleras, malherido, como si de un capítulo de La Hora Chanante se tratase, y sin que se sepa muy bien si el humor del vídeo es intencionado o no. Es el único pero -junto a la ausencia de la vanguardia de ‘El mal querer’- en un single que ha sido añadido ya en la mayor playlist del mundo, ‘Today’s Top Hits’, que siguen 30 millones de seguidores. El vídeo parece efectivamente una metáfora sobre el peligro de la fama.

Finalmente, no vamos a dejar de comentar el parecido casual de la portada de ‘LA FAMA’ con el de ‘Waste Management‘, la edición en inglés del tercer disco de las rusas t.A.T.u. Mismo concepto, distinta ejecución.

¿Te ha gustado 'LA FAMA' de Rosalía y The Weeknd?

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‘The Sparks Brothers’ según Edgar Wright: gloria a los hermanos Mael

Edgar Wright, el director de ‘Shaun of the Dead’, ‘Baby Driver’ y la próxima ‘Última noche en el Soho’ se estrena como documentalista con su grupo favorito, Sparks. ‘The Sparks Brothers’ no es el primer documental que existe sobre el dúo. Pero sí que es el primero en el que Ron y Russell Mael se implican (y se explican) plenamente. Su reticencia a los documentales, cuentan, es debida a que los ven como un artefacto para homenajear a gente muerta o ya en las últimas. Sin embargo, la insistencia del “fanboy” (así aparece jocosamente en el film) Wright y su carrera como director, ayudaron a hacer el proyecto feliz realidad, dada la querencia de los hermanos Mael por el cine.

Wright explica la historia de Sparks en estricto orden cronológico. Desde del nacimiento de los hermanos Mael en California y su pasión por la música desde bien pequeños, a toda su carrera desde la etapa Halfnelson, llegando hasta la reciente ‘Anette’ de Léos Carax. Un periplo extensísimo que ocupa más de dos horas de metraje, en la que se repasan sus más de 50 años de carrera y sus 25 discos, el fracaso inicial, la marcha a Reino Unido, el bombazo de ‘Kimono My House’ y todo el movimiento fan que conllevó, el paso de epítomes del glam a máximas estrellas del techno-pop, su desaparición entre 1988 y 1994, su pletórico regreso y su fenomenal estado de gracia durante los dos miles. Y, sobre todo, la inquebrantable voluntad del dúo de hacer siempre lo que les ha dado la gana, ajenos a modas o presiones comerciales.

Todo a ritmo Wright. El director sabe imprimir al documental su sello, el frenesí que brilla en sus obras de ficción. ‘The Sparks Brothers’ tiene una estética ultra-pop y algo kitsch, está repletísimo de fantásticas imágenes de archivo (la palma se la lleva un loquísimo concierto en Birmingham de 1974 con las fans desatadas) y anécdotas fabulosas. Y sí, este también es un documental de “cabezas parlantes”. Los primeros, los hermanos Mael narrando su propia historia, claro. Aquí hay una ingente cantidad de entrevistas: amigos y colaboradores (Christi Haydon, Alex Kapranos), productores (Todd Rundgren, Giorgio Moroder, Tony Visconti…), mánagers, fans e incluso alguna que otra víctima colateral de la ambición musical de los Mael. Y donde no hay archivos visuales, Wright se saca de la manga montajes con imágenes de stock o unas divertidísimas animaciones que salpican todo el metraje e ilustran montones de anécdotas. Y lo más importante: el documental está repleto de música, música y más música: clips, actuaciones televisivas y fragmentos de conciertos se muestran de manera generosa.

‘The Sparks Brothers’ es una rendición incondicional y en ningún momento oculta que es producto de un fan. Y quizás es ese el único pero que se le puede poner: que hay demasiados admiradores rindiendo pleitesía. Wright subraya en exceso que Sparks son un grupo de culto idolatrado por otros artistas de culto. La presencia de dúos de electrónica se comprende por la afinidad espiritual: por aquí están “The Other Two”, Stephen Morris y Gillian Gilbert o Erasure. Pero la participación de gente como Beck, Mike Myers, o Flea (entre otros muchos) tampoco aporta nada; el documental habría ganado en agilidad sin ellos. No son necesarios para mostrarnos que Sparks son muy grandes.

Porque al final, lo que hace a ‘The Sparks Brothers’ un film irresistible y memorable es su apabullante cantidad de guiños y detalles, lo abigarrado y excesivo que es. Como los propios Sparks. Pero, sobre todo, por el lujo que supone contar con los Mael explicando su historia. Tan lacónicos como una puede esperar, pero con el punto justo de ironía y desmitificación, sin abandonar nunca sus personajes: Russell el cantante guapo de gran voz, Ron el genio musical impávido e inquietante. ‘The Sparks Brothers’ es una gozosa celebración de su personalidad y su música. Después de verlo, es probable que a) si no eras fan, te vuelvas inmediatamente b) Si ya lo eras, lo seas aún más y te pases semanas obsesionade con su música. SPOILER: A mí me ocurrió.

Kasabian, Two Door Cinema Club, Carolina Durante… al FIB 2022

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El Festival Internacional de Benicàssim ha desvelado los primeros nombres de su cartel para la edición de 2022, la cual se celebrará del día 14 al 17 de julio del año que viene.

De artistas nacionales han confirmado a Love Of Lesbian, Cariño, Ginebras, Carolina Durante, La M.O.D.A., La Habitación Roja, Zahara, Miss Caffeina, Izal, Viva Suecia y La La Love You.

De artistas internaciones el FIB contará con la presencia de Two Door Cinema Club, Circa Waves, Tom Walker, The Kooks, Tyga, Sea Girls, Declan McKenna, Kasabian, Steve Aoki, The Hunna, Tom Grennan y de Joel Corry.

Los abonos han ido vendiéndose desde 39,99 euros a través de su página web fiberfib.com, con el derecho a cámping, glámping o ducha aparte. Esta es la info que han colgado en Instagram:

⛺️ Entrada de Villacamp: desde 25€ + gg, es la zona de acampada que se encuentra en el pueblo de Benicàssim, para disfrutar de su gastronomía y playas. Aquí sólo puedes acamapar si alquilas una tienda de Glamping ya montada.

🎪 Glamping: desde 50€ + gg, es el servicio de tiendas ya listas para que disfrutes de toda la comodidad, tienes de modelos más básicos a las deluxe con colchones y desayuno buffet.

🚿 Duchas: desde 10€ + gg, es el vale de duchas ilimitadas que tienes que comprar de forma anticipada para usar durante los 6 días de camping de #FIB2022

🔁 Reaceso: desde 10€ + gg, compra online este bono que te servirá para entrar y salir de la zona de conciertos de forma ilimitada de jueves 14 a domingo 17.

Mónica Naranjo en La Resistencia: “Si tengo ganas me toco la guitarra”

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Mónica Naranjo se pasó anoche por La Resistencia para promocionar el nuevo reality de Netflix ‘Amor con fianza’ del que es presentadora, para el que pone banda sonora con ‘Lágrimas de un ángel’ y que ya está disponible en la plataforma de streaming.

Durante la entrevista no pudo faltar la mítica pregunta que David Broncano hace a sus invitados sobre sus relaciones sexuales en el último mes y sobre el dinero que tiene en el banco.

“Yo hace muchos años, me casé conmigo misma. La mayoría de veces estamos de acuerdo en todo, también en sexualidad”, respondió. “Porque siempre estás con tu pareja, que eres tú”, añadió Broncano. Para finalizar su explicación Mónica dijo sin tapujos “¿Hoy tengo ganas? Toco la guitarra. ¿No tengo ganas? Pues no la toco”. Esto provocó la risa y aplausos entre el público.

Sin duda, el momento más bizarro de la noche sucedió a final de la entrevista cuando conectaron con dos miembros de público que habían juntado para ver si surgía la llama del amor entre ellos. De repente, pasaron de estar tranquilamente charlando en una sala a estar manteniendo relaciones sexuales. Mónica Naranjo se quedó con la boca abierta del asombro y hasta tuvo que abrazar al oso de peluche del programa para “protegerse” ante semejantes imágenes.

‘Dictadura’ es el nuevo hit de Anuel AA en España

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‘Ateo’ de C. Tangana y Nathy Peluso continúa en el número 1 de singles en España por cuarta semana consecutiva, certificada como disco de platino, a la espera de comprobar qué ocurre con ‘LA FAMA’, lo nuevo de Rosalía y The Weeknd, que también es una bachata.

No hay una sola nueva entrada en todo el top 10, pero ‘Dictadura’ de Anuel AA podría llegar a él pronto. Es la entrada más fuerte directa al top 13 y ahora mismo la encontramos algo más alto en Spotify España, por lo que podría seguir subiendo en las próximas semanas.

En plena promoción por España, Nicki Nicole llega al puesto 28 en este caso acompañada de Rauw Alejandro en el tema ‘Sabe’. A esa altura de la lista, hay que destacar que ‘Salimo de noche’ de Tiago PZK y Trueno protagoniza la subida más fuerte, del número 42 al número 24.

Son modestas las entradas de varios temas que han dado bastante que hablar: ’Tocarte’ de Jorge Drexler y C. Tangana (top 57) y ‘Coldplay’ de Cali y El Dandee y Aitana (top 62).

Las entradas de la semana se completan con ‘Oh na na’ de Myke Tower en el puesto 51, ‘Anuel AA: BZRP Music Session’ de Bizarrap y Anuel AA en el puesto 73, ‘Overpass Graffiti’ de Ed Sheeran en el número 81, ‘Cuarentena’ de Eladio Carrión en el 91 y ‘Vacaxiones’ de Feid’ en el 92.

Destacamos el caso de Ed Sheeran, que sigue en el puesto 29 con un ‘Bad Habits’ que nunca ha pasado del número 26 pero es disco de platino; y ‘Shivers’, que sube al 45, su máximo por el momento. El álbum ‘=’ es número 1 en España.

Let’s Eat Grandma anuncian nuevo disco y sacan single

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El dúo Let’s Eat Grandma, formado por Rosa Walton y Jenny Hollingworth, ha anunciado su nuevo disco ‘Two Ribbons’, que verá la luz el próximo 8 de abril. Además, ha sacado el single principal homónimo del disco.

En un comunicado, Jenny Hollingworth ha explicado que ‘Two Ribbons’ es una canción que trata “sobre dos de las personas más cercanas en mi vida” y sobre cómo su relación con ellas “ha permanecido a través del tiempo a pesar de la pérdida y de los cambios”.

También recalca que la canción habla sobre el aislamiento por duelo y la impotencia ante la muerte. Recordemos que el novio de Hollingworth falleció en abril de 2019, lo que provocó la cancelación de la gira americana del grupo aquel año.

Let’s Eat Grandma tiene previsto dar dos conciertos íntimos en Reino Unido y en su ciudad natal, Norwich, en enero de 2022.

Este nuevo disco es el primero desde 2018, año en que el dúo publicó su tercer LP ‘I’m All Ears’. Te dejamos el tracklist de ‘Two Ribbons’ que incluye el single ‘Hall of Mirrors’:

01 Happy New Year
02 Levitation
03 Watching You Go
04 Hall of Mirrors
05 Insect Loop
06 Half Light
07 Sunday
08 In the Cemetery
09 Strange Conversations
10 Two Ribbons

Jack White anuncia 2 nuevos discos, ‘Fear of the Dawn’ y ‘Entering Heaven Alive’

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¿Los discos dobles vuelven a estar de moda? Parcels acaban de sacar uno, Beach House han anunciado el suyo… Jack White sube la apuesta y anuncia hasta dos nuevos álbumes, individuales el uno del otro. ‘Fear of the Dawn’ sale el 8 de abril y ‘Entering Heaven Alive’ el 22 de julio.

Taking Me Back‘, el single que Jack White estrenaba hace unas semanas, asociado a la banda sonora de ‘Call of Duty’, es la primera pista de ‘Fear of the Dawn’, y de momento el único single que se ha extraído de alguno de los dos proyectos. Desde hoy se puede ver el videoclip para este tema.

El lanzamiento casi seguido de ‘Fear of the Dawn’ y ‘Entering Heaven Alive’ compensa con creces el hecho de que White no saca disco desde hace 4 años. ‘Boarding House Reach‘ salió en 2018. ¿Quizá la acumulación de proyectos durante la pandemia haya tenido algo que ver con esta doble entrega?

Jack White se dio a conocer, por supuesto, como mitad de los White Stripes, una de las bandas de rock más importantes del siglo XXI, así en general. Después, en solitario, especialmente su disco ‘Lazaretto‘ fue un éxito de ventas físicas, en concreto de vinilos. Su debut oficial, ‘Blunderbuss’, vio la luz en 2012.

Fear Of The Dawn:

01 “Taking Me Back”
02 “Fear Of The Dawn”
03 “The White Raven”
04 “Hi-De-Ho” (Feat. Q-Tip)
05 “Eosophobia”
06 “Into The Twilight”
07 “Dusk”
08 “What’s The Trick?”
09 “That Was Then (This Is Now)”
10 “Eosophobia (Reprise)”
11 “Morning, Noon And Night”
12 “Shedding My Velvet”

Entering Heaven Alive:

01 “A Tip From You To Me”
02 “All Along The Way”
03 “Help Me Along”
04 “Love Is Selfish”
05 “I’ve Got You Surrounded (With My Love)”
06 “Queen Of The Bees”
07 “A Tree On Fire From Within”
08 “If I Die Tomorrow”
09 “Please God, Don’t Tell Anyone”
10 “A Madman From Manhattan”
11 “Taking Me Back (Gently)”

Disco de la Semana: Parcels / Day/Night

En un mundo en el que ‘Easy on Me‘ de Adele es la canción más escuchada en todo el globo terráqueo, ¿por qué Parcels no pueden quedarse también con una «parcelita» de ese éxito? Lo tienen (casi) todo: melodías a punta pala, canciones con madera de clásico, estética de los años 70, un estilo casi tan hortera como el de Silk Sonic… y un directo de los que se no ven todos los días. Su debut fue a todas luces uno de los mejores discos de 2018, un ejercicio retro de lo más divertido. Y con el segundo es imposible ya no tomárselos muy en serio.

‘Day/Night’ llega con la premisa de ser un disco doble dividido en dos partes: el día y la noche. En una entrevista con JENESAISPOP cuentan que han buscado explorarse como músicos, indagar en todas sus facetas sin presiones, en definitiva, hacer un disco que les diera el espacio suficiente para probarse a sí mismos, demostrar «lo que son capaces de hacer». Y, a su vez, han querido enmarcarlo en una historia sobre la juventud y la edad adulta, el hogar y la distancia. Consiguen su propósito de superarse con una pequeña reserva: la extensa secuencia de canciones (19 en total) se les termina desinflando por el camino. Lo que no quiere decir que no haya en ambos bastantes cosas a rescatar.

A Parcels esta vez les ha inspirado el «concepto de ópera rock». Pero si estás pensando en ‘Jesucristo Superstar’ o en lo que sea que hace ahora Mónica Naranjo, nada más lejos de la realidad. El debut de Parcels podía entrar dentro de lo kitsch por momentos, pero ‘Day/Night’ opta por perseguir el lado más elegante y tradicional de los años 70 sin dejar de tocar diversos palos (y desvaríos). Además, profundiza en el amor de Parcels por las bandas sonoras dando una gran importancia a los arreglos orquestales, los cuales han sido compuestos por Owen Pallett y se nota, pues algunos ponen los pelos de punta, como los de esa ‘SHADOW’ que pide ser tocada en un recinto tipo Palau de la Música. El espíritu desenfadado de ‘Parcels’ da lugar en ‘Day/Night’ a la madurez, el virtuosismo, la búsqueda del Grammy (que ojalá consigan). Y muchas de las canciones están a la altura.

La mayoría de ellas se encuentran en el primer disco. Están los singles, todos ellos espectaculares, quizá no tan ligeros e inmediatos como los del debut o los de su tema con Daft Punk, pero maravillosos en cuanto los mimas un poco. Y lo mejor es que el álbum los presenta en todo el esplendor de sus versiones originales, extendidas. El pop-soul retro de ‘Free‘ es un estallido de felicidad que habla sobre amar profundamente y anhelar la libertad, y la consigue cuando explota en el estribillo final: ‘Comingback’ es una canción pop absolutamente pletórica llena de guitarrazos que busca la esperanza en el año de la pandemia; el épico ‘Somethinggreater‘ es probablemente el mejor homenaje a ‘Get Lucky’ que se ha hecho hasta ahora y el soft-pop de ‘Theworstthing’ agrega una bienvenida capa de sensualidad al largo -es un poco Ferran Palau– pese a tratar una ruptura.

Otros momentos a destacar en la primera parte de ‘Day/Night’ son los coros sublimes de ‘Nowicaresomemore’, aunque la canción termina demasiado abruptamente por alguna razón; el paseíto de ‘Daywalk’ que visita los planos del country y el easy-listening, y el baladón ‘Outside’ en el que Parcels cantan que «no quiero ser como mi padre, pero tampoco quiero estar solo».

A partir del segundo CD, ‘Day/Night’ entra en terrenos más pantanosos. Y no solo porque la parte ambiental de ‘Nightwalk’ suene literalmente como un paseo por un pantano, para después la canción cambiar de tercio hacia un easy-listening que, por momentos, parece que va a tropezarse con la «exotica» de Les Baxter pero al final no. En el plano nocturno del disco, las composiciones se quedan por detrás del virtuosismo, lo cual es obvio en las estructuras episódicas y diversos cambios de ritmo de la «proggy» ‘Neverloved’ o sobre todo de ‘LordHenry’, que pasa de la música sinfónica a la discoteca y de ahí a un final cacofónico sin que nada parezca tener tanto sentido como en, qué sé yo, ‘Bohemian Rhapsody‘. De hecho, la canción dura 5 minutos y medio y parece el doble, lo cual nunca es buena señal.

La parte nocturna de ‘Day/Night’ claramente huye del hit fácil para mostrar a una banda que quiere experimentar con nuevos sonidos. Deja un hit disco como ‘Famous’, otro de los singles, pero en general opta por lo imprevisible. Así, ‘Once’ es una de las composiciones estilísticamente más puras del largo, en tanto parece una canción pop de los años 50 que podrían haber entonado Elvis Presley o Roy Orbison; y ‘Reflex’ viaja a los 70 espaciales de Vangelis o Jean-Michel Jarre. Ninguna de estas canciones tiene le pegada de los singles, pero serían gratos «album tracks» en un álbum que realmente no necesitaba ser doble. Así, la totalidad de ‘Day/Night’ resulta menos convincente que la del debut pese a su evidente ambición, pero tampoco se puede pasar por alto el nivel de prodigio musical que muestran muchas de estas composiciones, aunque no sean tan inmediatas como otras.

Rodrigo Cuevas busca mitigar la despoblación rural con su nuevo proyecto cultural

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Rodrigo Cuevas lidera una campaña de financiación colectiva con la que se quiere rehabilitar el tejado de lo que será el futuro eje cultural de una de las zonas más despoblada de Asturias, La Benéfica de Piloña – Espaciu Cultural. La campaña, que busca recaudar idealmente un total de 130.000 euros o un mínimo de 94.000 (actualmente se han conseguido reunir 30.000), está activa desde el pasado 28 de octubre y finalizará el día 31 de diciembre de 2021.

El propósito de la rehabilitación de La Benéfica es construir «un espacio que aúne cuatro inquietudes: la expresión artístico cultural, la acción comunitaria, la lucha contra el abandono y la despoblación de las zonas rurales y la trasmisión de conocimientos».

El artista explica: «Queremos un proyecto que dé visibilidad a la expresión artística contemporánea y vanguardista, pero también a la cultura popular y tradicional, y que además facilite la transmisión de conocimiento entre las distintas generaciones». Sería, según nota de prensa, «un espacio totalmente entroncado en la comunidad, que estimule el ecosistema cultural del Conceyu de Piloña, y también un espacio de ocio para los jóvenes y no tan jóvenes», además de «una razón por la que no irse del pueblo, un lugar donde crear y disfrutar de la cultura». Al mismo tiempo, La Benéfica «es un proyecto ambicioso, que pretende tener impacto mucho más allá de Asturias, tejiendo alianzas con proyectos artísticos de toda Europa, y con una programación que haga del centro una referencia a nivel nacional».

Junto con dos de sus vecinos de Piloña (Asturias), el autor de ‘Manual de cortejo‘ compró el año pasado la nave que, en el pasado, sirvió de sede de La Benéfica de Piloña, Sociedad de Socorro Mutuo. Explica la misma nota de prensa que, en la época, «el fin de la sociedad era que los socios, vecinos del pueblo, se ayudasen mutuamente en sus problemas: enfermedades, viudedad, liquidez… Con las aportaciones de los asociados atendían necesidades que el estado, u otras instituciones, no cubrían». El texto señala que «la Sociedad de La Benéfica llegó a tener tanto éxito que construyeron una nave rectangular de unos 400m2 que funcionó como teatro, salón de baile, lugar de encuentro social y cine en domingo», pero que «esta pequeña utopía artística y solidaria finalizó en 1946, y la nave pasó a ser una fábrica de dulce, luego un parking y luego quedó en desuso».

Este año, Rodrigo Cuevas ha presentado la última edición de los premios MIN. Una edición precisamente dedicada a la «España vaciada» que premió a artistas como Rigoberta Bandini, Delaporte o Alizzz, entre otros. Hoy, Cuevas cuestiona el concepto de «España vaciada» en una entrevista porque «es más reconocible desde lo urbano que desde lo rural». Señala que «la gente no se siente muy identificada con esa etiqueta porque viene puesta otra vez desde las ciudades, en plan ‘ahora os vamos a repoblar'», dándose «por hecho que todo el mundo vive en ciudades y todo el mundo quiere vivir en ciudades».

Chaqueta de Chándal, contra la industria farmacéutica en ‘Vademécum’

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Chaqueta de Chándal, esto es, Guillem Caballero (voz y teclados), Natalia Brovedanni (voz y guitarra) y Alfonso Pérez Méndez (batería y coros), es uno de esos grupos perjudicados porque la pandemia les ha pillado en pleno desarrollo. Tuvieron un pequeño éxito con ‘A moderno resabiado no le mires el dentado’, también tenían otras canciones destacables como ‘El amigo del mal’… que toda la España festivalera se sabría ya de memoria de no haber sido porque en 2020 no hubo festivales, y en 2021, tan sólo unos pocos.

Con las mismas posibilidades comerciales de El Columpio Asesino -que igualmente vieron palidecer la promo de uno de sus mejores álbumes, ‘Ataque celeste‘-, Chaqueta de Chándal presentan el primer single de su segundo álbum, a la venta ya en enero de 2022, sucediendo a ‘Gimnasio menor‘.

El tema es crítico con la industria farmacéutica, a la que consideran «evidente poder en la sombra hoy en día, verdadera fábrica de humo y falso bienestar, auténtico mecanismo de control, generador incesante de dinero». Dicen que podría llamarse ‘Lista de cosas por las cuales la gente toma pastillas’ -también «¡No quiero ser otro experimento!», pero al final lo han llamado ‘Vademécum’. Es nuestra «Canción del Día» hoy.

El tema es tan breve como certero, con cierto tono aflamencado, pero también algo kraut y sintético, resultando una extraña mezcla entre Mecano y Neu! JENESAISPOP estrena hoy también el vídeo realizado por Castells & Garay, que explican de la siguiente manera:

“Para nosotros, ‘Vademécum’ habla de un mundo que está tan enfermo que no se puede funcionar en él sin andar medicados todo el día: medicados para la ansiedad, para el dolor, para la diarrea, para el estreñimiento… Decidimos que la mejor manera de inspirarnos para poder expresar visualmente esa locura era sumergirse en ella, juntando todas las pastillas que encontramos en un cubo, tomándonoslas y ver qué salía. Al principio fue bien, pero luego se torció todo un poco. Eso sí, muy satisfechos con el resultado final. Y cuando recuperemos el control de los esfínteres, más”.

El videoclip se grabó entre un bosque y una casa del Vallès a lo largo de un día primerizo del mes de octubre. Lo anticiparán en vivo este noviembre en la Monkey Week y ya tienen fechas para su presentación oficial: 19 de enero en Inverfest, Madrid y 22 de enero en el NEU! de Girona.

Rigoberta Bandini es una «truhana y una señora» en el vídeo de ‘Julio Iglesias’

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Rigoberta Bandini estrena el vídeo de ‘Julio Iglesias’, el primero tras el éxito obtenido por ‘Perra‘ y ‘A ver qué pasa‘. El vídeo tiene ese tono setentero con cierto formato Super 8, donde Rigoberta junto a los tres miembros de su banda recrea escenas propias de la jet set: desayunando en albornoz, jugando al golf… y «lo mezclan con coreografías al estilo del vídeo ‘Amo a Laura’, en diferentes localizaciones». Se trata de un vídeo «irónico lleno de referencias a momentos pop del pasado, marca de la casa de Bandini», que se redondea con un tarareo de ‘Soy un truhán, soy un señor’ del propio Julio Iglesias.

Según la nota de prensa, el vídeo se grabó entre una finca a las afueras de Barcelona y el Club de Golf Llavaneras. La idea y concepto fueron creados por la misma Rigoberta Bandini ayudada por un equipo de profesionales y amigos. La dirección y el montaje vienen de la mano del músico Bernat Cuyàs y los estilismos los firma la diseñadora La Manso (muy conocida por su última línea de anillos) y Laura Magrinya (amiga de la cantante).

‘Julio Iglesias’ es otra de esas canciones de Rigoberta Bandini que recuerdan a mil cosas, y la artista adelantaba a las predicciones compartiendo una playlist de inspiraciones de Spotify en la que aparecen, en este orden, ‘La carretera’ de Julio Iglesias, ‘Words’ de F.R. David, ‘A far l’amore comincia tu’ de Raffaella Carrà, ‘Sharazan’ de Al Bano y Romina Power y ‘Lay All Your Love Over Me’ de ABBA, entre otros clásicos como ‘Barcelona’ de Freddie Mercury y Montserrat Caballé o ‘Gloria’ de Umberto Tozzi.

Por un lado, ‘Julio Iglesias’ suena a todas estas cosas y, por el otro, 100% a Rigoberta Bandini. Algunas influencias son más obvias que otras: la nube de sintetizador de ‘La carretera’, la percusión-susto de ‘A far l’amore comincia tu’, los sintes eurodisco de ‘Gloria’, las melodías POP de ABBA… Hay hasta un momento «silbido» a lo Mariah Carey. Pero ‘Julio Iglesias’ también es otra composición sobresaliente de Rigoberta, de esas que terminan por todo lo alto, tocando el cielo, abrumadas por la felicidad. Aunque con matices.

El sentimiento que predomina en ‘Julio Iglesias’ es la nostalgia. Y no solo en lo musical. En la letra, Rigoberta nos lleva a su infancia. Recuerda los viajes en carretera con su padre, cuando escuchaba a Julio Iglesias en el coche, y los días en que se «morreaba» con la vida; pero también deja un poso agridulce cuando reflexiona sobre la vida adulta. «Tanto trampolín, tanta percusión, y nunca saltamos», canta, antes de dirigirse a sí misma: «niña que se fue, cuida a esta mujer que aún no te ha olvidado».

En este viaje al pasado, Rigoberta visualiza a la adolescente que fue («Paula Ribós sufría y ahora eso es poesía, quería ser atleta y se cortó las tetas, quería estar soltera ni una semana entera») y vuelve a la persona que es hoy («tanta expectación, chutas para gol, y él al otro lado»). En sus propias palabras: «Esta canción es un collage de imágenes que me recuerdan que la mirada hacia el pasado convierte todo lo doloroso en bello. Por mucho que la herida del presente sangre, con perspectiva será inevitablemente poética».

Ed Sheeran deja a Izal sin número 1 en España

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‘=’ de Ed Sheeran es el gran éxito internacional de la semana, con números 1 repartidos por todo el globo: Reino Unido obviamente, Estados Unidos, Australia, Austria, Canadá, Dinamarca, Holanda, Francia, Italia, Irlanda, Noruega, Suecia… y también España. Es el tercer número 1 en álbumes consecutivo para Edward Christopher en nuestro país.

Eso significa que ‘Hogar’ de Izal tiene que conformarse con el puesto 2, lo cual no estaba tan claro, pues ‘Autoterapia’ y ‘Copacabana’ fueron absolutos superventas en España, siendo también top 2, pero resistiendo en las listas alrededor de 2 años completos. Izal presumen en Instagram de ser top 1 en la venta física, es decir, Ed Sheeran les ha arrebatado el número 1 definitivo gracias a los puntos de streaming. De manera extraña, ‘Hogar’ no aparece en el top 100 de vinilos, suponemos que por algún tipo de error o retraso.

En el número 5 encontramos ‘1997’, el notable álbum de Alfred en el que ha colaborado entre otros con Niño de Elche. Otras entradas interesantes en su disparidad total son ’50/50’ de Steve Lean con Beny Jr en el número 27 y ’40 años son pocos’ de Bertín Osborne en el número 30. Por su parte, María Aguado es top 75 con ’1460’.

En el plano internacional The War on Drugs llegan al número 39 con ‘I Don’t Live Here Anymore’; y Ryan Adams sitúa en el número 91 ‘Big Colors’, gracias a la llegada de su vinilo. Siendo top 22 en Estados Unidos y top 6 en Reino Unido, este disco de The War on Drugs no ha igualado los datos de ‘A Deeper Understanding’ en 2017. Tampoco en España, donde fue incluso top 9, si bien antes de que contara tanto el streaming.

La lista de la semana está inundada de reediciones que esperan ser una referencia la próxima Navidad: ‘Flamingos + Lady Blue’ de Bunbury es número 16; ‘Spice’ de Spice Girls es número 21; ‘Senderos de traición’ de Héroes del Silencio es número 25; ‘A Momentary Lapse of Reason’ de Pink Floyd es número 26; y ‘Restless Heart’ de Whitesnake es puesto 83.

Mención especial para las relacionadas con Alaska: ‘Arquitectura efímera + Miro la vida pasar’ de Fangoria en el puesto 36, ‘Deseo carnal + Ni tú ni nadie’ en el puesto 61 y ‘El acto + Nacidos para dominar’ de Parálisis Permanente en el puesto 73.

En cuanto a recopilatorios, ‘Everything Louder Forever’ de Motörhead es puesto 48 y ‘I Will Always Love You’ de Whitney Houston es puesto 85.

Parcels: «Nos ha inspirado el concepto de ópera rock»

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Parcels se dieron a conocer en 2018 con ‘Overnight’, un irresistible tema de disco-funk que estaba producido por los mismísimos Daft Punk cuando los franceses rara vez prestan sus servicios a otros artistas. Los australianos -que viven en Berlín- publicaron su debut ese mismo año, uno de los mejores discos de 2018 por su elegante y divertida visión de pop vintage, plasmada en temazos como ‘Lightenup’, y unos años después entregan en el segundo.

‘Day/Night’ es un ambicioso disco doble en el que Parcels exploran varias facetas con el buen gusto y la maestría musical que les caracteriza, y singles tan certeros como ‘Free’, ‘Comingback’, ‘Somethinggreater’ o ‘Famous’ representan una invitación inmejorable al mundo que han creado en este nuevo trabajo. Hablamos sobre el Disco de la Semana con Louie y Jules vía Zoom.

¿Qué representa el binario «día» y «noche» en este disco? ¿Por qué es un disco doble?
Louie: «Queríamos separar los dos lados de la banda para poder explorar cada uno de ellos de manera más profunda, y los conceptos de «día» y «noche» planteaban el escenario ideal para hacerlo.
Jules: «Para mí, el título de ‘Day/Night’ tiene un significado teatral, como de guion dramático, ya que plantea el escenario de la historia que vamos a contar en el disco. Lógicamente, el día y noche son opuestos, y aunque los opuestos se atraen a veces también se distancian».

El disco suena teatral, es como un musical. ¿Era vuestra ambición hacer un disco tan musical y cinematográfico?
Jules: «No era el plan original pero, cuanto más trabajábamos en el disco, más nos dábamos cuenta de que todos estábamos persiguiendo ese objetivo. Hacer un disco tan cinematográfico nos ha permitido a cada uno de nosotros crear el espacio para poder desarrollar nuestras ideas de manera individual. Cuando buscábamos representar musicalmente un amanecer en el mar o la imagen del desierto de Australia, el espacio que hay en el disco nos ha permitido hacerlo. Al final nos dimos cuenta de que estábamos prácticamente escribiendo la banda sonora de una película que no existe».

De hecho el disco contiene canciones relacionadas: ‘Light’ y ‘Shadow’, ‘Daywalk’ y ‘Nightwalk’, ‘Outside’ e ‘Inside’. ¿Era importante para vosotros conectar el album de esta manera?
Jules: «Sí, pero por otro lado el disco contiene canciones que son personales para cada uno de nosotros y que no encajan necesariamente dentro de ninguna narrativa».
Louie: «Ha sido divertido crear una historia a través de canciones nuevas que ya teníamos escritas. Nos hemos tomado el tiempo de hacer conexiones entre ellas porque estas conexiones hacen que la historia que estamos contando sea más compleja y profunda».

¿La pandemia ha afectado en algo al disco?
Louie: «Empezamos a escribir el disco en los primeros meses de 2020, antes de la pandemia. En principio solo nos afectó en el sentido que nos dio tiempo a escribir más canciones, pensar el disco y planear mejor la grabación. Mentiría si digo que la pandemia no ha afectado al carácter de las letras o la música, pero la manera en que lo ha hecho es un poco más abstracta».
Jules: «Temáticamente, en el disco observamos a Australia desde la distancia, desde una posición de sentirnos distanciados del país, o atrapados, y de cuestionarnos el lugar en el que estamos más que nunca. En ‘Comingback’ reflexionamos sobre la idea de hogar. Musicalmente, de manera subconsciente empezamos a crear imágenes del desierto de Australia en nuestra música, como para volver a él».

¿Qué significan para ti esas imágenes?
Jules: «Para mí representa mi infancia, la nostalgia por el pasado. Ahora que vivo en la ciudad me he dado cuenta de lo hermoso que es el lugar en el que he crecido».

¿La portada representa esa dicotomía?
Jules: La portada tiene muchos significados. Representa la juventud por un lado y la vida adulta por el otro. También la geografía del desierto y la ciudad está representada. Y la simplicidad de ser un niño, en contraposición con la complejidad de ser un adulto. Además, el niño de la portada viste un uniforme, porque un niño al final no es tan libre…

La nota de prensa dice que os habéis inventado un género musical para este álbum llamado “cowboy disco”. ¿Qué engloba este supuesto sonido?
Louie: «¡No habíamos hablado sobre el «cowboy disco» todavía! El término abarca todos los sonidos que exploramos en el disco, todas las influencias que tenemos en la banda. Los «grooves» que tocamos se relacionan con la música disco, y el término «cowboy» otorga una dimensión teatral a la música, y también una conexión folk, de vivir cerca del campo».
Jules: «Musicalmente el término tiene sentido para nosotros porque crecimos escuchando bluegrass, folk y country, y cuando crecimos empezamos a hacer música disco. Una de las canciones del álbum, ‘Theworstthing’, representa el término muy bien: por un lado la letra cuenta una historia y podría ser de una canción de folk y, por el otro, el ritmo entra en los estilos del disco y el funk. Nos parecía interesante juntar ambos mundos».

Queríamos que el disco demostrara lo que somos capaces de hacer más allá de lo que se espera de nosotros

‘Once’ suena puramente como una canción pop de los años 50.
Jules: «‘Once’ era una canción de folk que escribí. Tenía la letra, el estribillo, pero no la música, entonces la tocamos en la banda y cobró sentido cuando la llevamos a ese estilo cinematográfico, de Western».
Louie: «‘Once’ es un ejemplo perfecto que explica por qué el disco está dividido en dos partes. Esta canción probablemente no existiría si no nos hubiésemos dado el tiempo y el espacio de probar otras cosas».

Los singles que habéis sacado son «edits», en realidad sus versiones originales incluidas son más extensas. ¿Echáis de menos escuchar discos y llevaros este tipo de sorpresas?
Jules: «Con los «single edits» buscamos encajar en el mundo moderno, porque queremos que la gente escuche nuestra música y que esta suene en la radio. El proceso de hacerlos nos ha gustado mucho, y me encanta la idea de que una persona escuche las versiones originales y que la experiencia de escuchar el disco sea totalmente nueva».
Louie: «Al fin y al cabo los «single edits» no son más que una solución técnica. Al principio envidiaba a los artistas que son capaces de escribir canciones de 2 o 3 minutos, pero yo también he disfrutado mucho editando las grabaciones originales».

¿Habéis escuchado a PinkPantheress? Sus canciones duran como 1 minuto.
Louie: «¡La estaba escuchando esta mañana! Desde luego escribir canciones tan cortas es la manera más eficiente de hacer música a día de hoy».

Nos ha inspirado el concepto de ópera rock

En el disco dais mucho protagonismo a las cuerdas, a la orquesta. ‘Outside’ por ejemplo, tiene un arreglo de cuerdas espectacular. También ‘LordHenry’. ¿Por qué habéis decidido tirar por esa dirección?
Louie: «Queríamos que el disco tuviera un sonido expansivo y que demostrara lo que somos capaces de hacer más allá de lo que se espera de nosotros. Cuando escribimos las canciones nos aseguramos de dejarles grandes espacios dentro de la música para después poder rellenarlos con cuerdas. También queríamos capturar la energía de una banda sonora o de una producción teatral. A Owen Pallett, que ha compuesto los arreglos, le encantó disponer de esos lienzos en blanco con los que poder trabajar».

Me sorprende que ‘Somethinggreater’ sea el tercer single, es épica, es muy buena, ¿recordáis grabarla como algo especial?
Jules: «Es una de las canciones del disco en la que nos entregamos a nuestro gusto por el rock de los años 80 (ríe). La frase que dice «nos agarramos a algo más grande / nos agarramos a algo diferente» nos pareció muy poderosa, por eso se repite en la canción. Sin duda es un momento de clímax en el disco, resume mucho… la vida en general».
Louie: «Recuerdo enseñarle canciones del disco a algunos amigos y recibir muchos comentarios sobre lo mucho que hemos cambiado y lo poco que sonamos ya a Parcels, pero cuando llegaban a ‘Somethinggreater’ respiraban aliviados. Es el tercer single porque queríamos dar la oportunidad de brillar a otras canciones, demostrar que somos otras cosas».

¿Qué influencias os ha gustado más trabajar?
Jules «Definitivamente nos ha influido el concepto de ópera rock, Pink Floyd… Poder tocar con tanta libertad me ha encantado. Y también he disfrutado de explorar nuestra faceta jazz».
Louie: «Sí, tocar jazz en el disco, por ejemplo en ‘Nitewalk’ o en el final de ‘Famous’, ha sido muy divertido. Hubo momentos durante la grabación que organizamos el estudio como si estuviéramos en un club de jazz de los años 60».

¿Qué os gustaría que la gente se llevara al escuchar este disco?
Louie: «No quiero presionar a la gente ni hacerla sentir que tiene que llevarse algo del disco porque, al fin y al cabo, es un disco largo y caprichoso, pero me gustaría que quien lo escuche lo haga de principio a fin. Una de las razones por las que lo hemos dividido en dos discos es que cualquiera pueda escuchar el de «día» o el de «noche» cuando le apetezca, sin olvidar que es una obra total».
Jules: «Para mí lo bonito de la música es que es muy personal, tú puedes escuchar una canción y hacerla completamente tuya. Espero que la gente que escuche el disco pueda hacer lo mismo».

Colectivo da Silva, Jimena Amarillo, La La Love You… entre los 50 seleccionados para la Edición Extraordinaria de Girando por Salas

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Betacam, Chaqueta de Chándal, Chill Mafia, Colectivo da Silva, Eva Ryjlen, Jimena Amarillo, Joven Dolores, Karmento, La La Love You, Menta y Venturi forman parte de los 50 seleccionados para la Edición Extraordinaria GPS11 de Girando Por Salas.

Estos artistas pertenecen a una lista de 770 inscritos, donde se encuentran tanto grupos como solistas de distintos estilos como pop, rock, electrónica, canción de autor… Los seleccionados se beneficiarán de ayudas para la grabación de un vídeo en directo en una sala aprobada de esta edición, con la posibilidad de contar con público si las circunstancias lo permiten. Además, recibirán una ayuda para la producción y promoción discográfica de sus proyectos.

La iniciativa nace desde el Instituto Nacional de Artes Escénicas de la Música (INAEM) con la que colabora la Federación Coordinadora del Circuito de Músicas Populares (FCMP). En la edición anterior se seleccionaron 26 artistas para girar por todo el país en 157 salas. Fueron 56 conciertos realizados de un total de 157 programados y a los que asistieron 3.439 personas.

Algunas de las bandas y/o solistas que han pasado por Girando por Salas son Izal, Viva Suecia, Morgan, La MODA, Triángulo de Amor Bizarro, Antonio Lizana, Rufus T. Firefly, León Benavente, Varry Brava, Neuman, Novedades Carminha, Sidecars o Veintiuno.

Puedes consultar el listado completo aquí.

Avril Lavigne es una de las artistas más influyentes para el pop de hoy

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Avril Lavigne ya no vende millones de discos como en la época de ‘Let Go’ (2002), ‘Under My Skin’ (2003) y ‘The Best Damn Thing’ (2007) y sus últimos trabajos, como ‘Head Above Water‘ (2019), han pasado desapercibidos entre crítica y público. Sin embargo, la música y estética de Avril está influyendo a toda una generación de nuevos artistas por extraño que pueda parecer. Sin ir más lejos, Billie Eilish le ha llegado a agradecer «haberme convertido en quien soy» y la faceta pop-punk de Olivia Rodrigo y Aitana tiene un claro precedente en Avril. Además, sus cifras en streaming son bastante espectaculares (al menos en Spotify) para tratarse de una artista surgida a principios de los años 2000 -en la época de la piratería- que no saca un disco relevante desde hace casi 15 años.

Pero la música de Avril no solo ha inspirado a una serie de artistas mainstream como ella es (ahora que ha vuelto a una multinacional de la mano de Travis Barker de Blink-182). Dos de las cantautoras de indie-rock que mejores críticas reciben en la actualidad, Soccer Mommy y Snail Mail, se han declarado grandes seguidoras de la canadiense desde su infancia, como ha señalado Billboard, hasta el punto de que Soccer Mommy ha dicho que tenía la música de Avril puesta a todas horas mientras componía ‘Clean’, su debut. Cuando Avril salió a la palestra y se la vendía como la anti-Britney, Soccer Mommy y Snail Mail eran dos de las adolescentes «alternativas» a las que NO les gustaba la música comercial y que se identificaban con la autora de ‘Losing Grip’ -que entonces no dejaba de sonar a la hija de Alanis Morissette y los Cranberries- más que con la princesa del pop.

Especialmente la valoración que ambas realizan de los «album tracks» de Avril Lavigne invita a revaluar su repertorio. Hablan no solo de los singles conocidos por todo el mundo, como ‘Girlfriend’, ‘Complicated’ o ‘Sk8ter Boy’, sino también de temas más desconocidos de ella que les han inspirado, como ‘Too Much to Ask’, ‘Anything but Ordinary’ o ‘Fall to Pieces’, tres temas que hoy recibirían críticas excelentes y reconocimientos tipo «Best New Track» de haber aparecido en discos de Beabadoobee o Pale Waves, otros artistas en los que la influencia de Avril se ha hecho patente. De hecho, el último trabajo de Pale Waves era básicamente un ensayo sobre el «sonido Avril»: un pop-punk lleno de desasosiego, empoderamiento adolescente y melodías imposibles de sacarte de la cabeza representado también en hitazos semi desconocidos como ‘Together’ o ‘I Don’t Have to Try’, o baladones como ‘Keep Holding On’, no solo ese ‘I’m with You’ que llegó a samplear Rihanna hace unos cuantos años.

La influencia de Avril se palpa hasta en el mundo del hip-hop. NYLON le dedicó un artículo al fenómeno, y aunque dicha influencia es perceptible solo vagamente en las vestimentas de raperos como Lil Uzi Vert o Princess Nokia, en otros casos es explícita. Rico Nasty ha dicho que Avril fue uno de sus primeros referentes musicales y tiene un alter ego en su nombre, Trap Lavigne; y artistas como Vic Mensa o el fallecido Nipsey Hussle la han mencionado en algunas de sus letras. Uno de los últimos éxitos de Lil Nas X recuerda a ella.

Los últimos pasos de Avril no han sido nada apetecibles. Sus discos han solido presentar secuencias irregulares, cuando no completamente incongruentes y relleno por doquier. Por cada hitazo como ‘Rock ‘N Roll’ que sacaba te colaba una colaboración con Nicki Minaj o con Marilyn Manson que daba ganas de coger un avión a Plutón. El sonido semi gótico de ‘Head Above Water’ no le ha favorecido, como mínimo, en el plano comercial. Sus trabajo con MOD SUN, un antiguo hippy convertido a punki que además es su pareja, es mejor olvidarlo. La mala imagen de Dr. Luke no ha puesto en buen lugar el que hasta ahora es, a todas luces, su mejor disco, ‘The Best Damn Thing’. Y, desde luego, la absurda teoría surgida en internet según la cual está muerta y le ha sustituido una doble no ha ayudado nada a la imagen que se tiene de ella en el plano virtual.

Pero la influencia de Avril es incuestionable. Y la artista puede que le saque provecho con el lanzamiento de un nuevo single que suena a Olivia Rodrigo y, por lo tanto, a sí misma, cerrando círculo. ‘Bite Me’ ya está disponible y es el primer adelanto de un nuevo disco que se presume llevará por título ‘M.F.P’, siglas de, lo has adivinado, «motherfucking princess». ‘Bite Me’ supone un regreso de Avril a su faceta más pop-punk, la de los primeros discos, especialmente del tercero. Ardemos en deseos de comprobar si ‘Bite Me’ supone también el «comeback» comercial de una de las artistas pop más influyentes para una nueva generación o se queda en otro casi-hit infravalorado como otros que lleva a sus espaldas.

Morgan / The River and the Stone

Air‘ fue compuesto y grabado entre giras. Para ‘The River and the Stone’ Morgan se juntaron en una casa en Francia, cerca de Biarritz, con el productor Campi Campón. No sé hasta qué punto la pandemia les afectó. En diferentes entrevistas ellos explican que salieron relativamente indemnes: su último concierto fue el 25 de febrero de 2020 y ya tenían planeado parar una temporada para preparar este disco. Pero algo sí que les debió afectar, porque ‘The River and the Stone’ es su disco más reconcentrado.

También el mejor grabado. El sonido de ‘The River and the Stone’ es exquisito. Los temas parecen reducir un poco el horizonte estilístico y se concentran entre la balada folk-rock un punto épica, un punto grandilocuente, pero contenida, y el blues rock. Ciertamente, el disco no puede arrancar mejor. ‘Hopeless Prayer’ es tensa y solemne, y lo suficientemente sentida. Apenas está sostenida en un piano algo nervioso, sobre el que reina Nina de Juan. En poco más de dos minutos y medio, Nina es capaz de compensar lo tétrico de la melodía con su voz luminosa; sin duda, es uno de sus grandes triunfos compositivos. Y luego está el hit del disco, ‘River’, un pegadizo tema de blues rock de lo más redondo, con amenazantes coros góspel, pianos cabareteros y palmas, en la onda de los Black Keys; los buenos, los de ‘Brothers’ y ‘El Camino’. También subyuga ‘WDYTYA?’, con su inicio tan Dire Straits. Es una pizca AOR quizás, pero sale triunfante gracias a la melancolía que emana y a las filigranas vocales de Nina, que apabulla y emociona pero sin alardear. O el cruce improbable entre Alabama Shakes y Sufjan Stevens que es la optimista ‘On and On (Wake Me Up)’.

Pero en la segunda mitad del disco algo se tuerce. Morgan siguen ofreciendo temas bien pertrechados, muy bien producidos y tocados… Pero todo va resbalando inexorablemente hacia terrenos anodinos. ‘Alone’ a priori se presenta como la canción principal del álbum; es la más larga (supera los siete minutos), contiene un desarrollo ambicioso y sinuoso: coros, órganos, líneas de sintetizadores vintage, varía progresivamente de la balada sinfónica al folk-rock poderoso. Y aun así, no acaba de despegar. Si no fuera por la fuerte personalidad de Nina, que brilla contra viento y marea, sería difícil de digerir. ‘Paranoid Fall’ puede resultar simpática o desfasada, según te coja; es la pieza más hard-rockera de todo el disco, repleta de guitarras cabalgantes y riffs jevirulos. ‘A Kind of Love’, con toda su fanfarria a la Queen, no acaba de cuajar, y eso que su atmosférico prólogo es muy prometedor. Pero le pierde su desvarío medio country medio glam.

El baladón del disco es ‘Un recuerdo y su rey’. La canción-en-castellano de este disco no alcanza los niveles de ‘El sargento de hierro’, suena demasiado tópica. Pero aun así funciona: lo más bonito es cómo la voz de Nina se quiebra y sus preciosos arreglos de voces del final. Sin embargo, no logra quitar el gusto de boca regular que provoca el tramo final del disco. Su escucha puede resultar algo frustrante, porque deseas que te gusten todas las canciones. Porque están creadas con mimo. Porque sientes que Morgan ponen todo su empeño en sonar mejor que nunca. Porque están cerca de resultar memorables, pero esta vez se quedan en la orilla.

Nicki Nicole le pone letra al opening de La Resistencia

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Nicki Nicole acudió anoche a La Resistencia para promocionar su último disco “Parte de mí”, que publicó a finales de octubre, y para anunciar sus próximos conciertos en España que serán el día 23 de febrero en la Sala Barts de Barcelona y el 24 de febrero en El Invernadero en Madrid.

El mejor momento de la noche ocurrió al final de la entrevista cuando David Broncano le propuso a la cantante componer la letra del opening de La Resistencia. Ella, improvisando, rapeó las siguientes líneas: “Estamos en el inicio de La Resistencia, David Broncano no tiene paciencia. No importa, es un genio atrapado en ciencia. Él hace todo lo que pueda, tiene paciencia para cada invitado. Yo me voy y me invitan de nuevo, qué descarado. ¿Qué pensaste, que quería venir? Tenías razón, pero también me quiero ir.” “Na, mentira, mentira”, finalizó entre risas y Broncano le aseguró que la pondrán en los próximos shows.

En la visita de Nicki Nicole al programa hubo tiempo para que Broncano le mostrase quiénes son Extremoduro, le diese unos obsequios por su futura boda con el rapero argentino Trueno, a la que fue invitado, y para que ella le confesara que escribió a Rafa Nadal por Instagram con un “hola, Rafa’ para que le hablase al presentador.

Además, la argentina mencionó que abrirá la gala de los Latin Grammys 2021 cantando su canción ‘Pa’ mis muchachas’ junto a Christina Aguilera, Becky G y Nathy Peluso. Esto sucederá el próximo 18 de noviembre en el MGM Grand Arena de Las Vegas.

Confesó que esta será la primera vez que se encuentre con Xtina. “Ella tiene de carrera lo que yo tengo de años”, dijo. Reconoce que aunque llegó un “poquito tarde” (recordemos que nació en el 2000), sabe que es “una artista súper completa” y “un “referente”.

Nicki se despidió con la improvisación para la cabecera de La Resistencia y con la promesa de Broncano de ponerla en los siguientes programas.

‘La verdad sobre el caso Wanninkhof’ dignifica la figura de Dolores Vázquez

La cultura del «true crime» no iba a tardar en absorber el caso Wanningkhof, uno de los casos de error judicial más mediáticos de la historia española reciente. El año pasado, Netflix estrenó un documental sobre el caso pero ha sido HBO Max la plataforma que se ha apuntado el tanto de contar con Dolores Vázquez, la persona que fue condenada erróneamente de haber asesinado a Rocío Wanninkhof, para sentarla en una entrevista que se ha hecho esperar más de 20 años.

A diferencia del documental de 1 hora y media de Netflix, ‘Dolores. La verdad sobre el caso Wanninkhof’ profundiza en el caso hasta el punto de alargarse hasta los 6 capítulos, con la producción ejecutiva de Toñi Moreno. Cada uno de ellos recibe el nombre de una mujer importante en la historia y no falta casi nadie por ser entrevistado: de la madre de Rocío, Alicia Hornos, hasta el abogado de Dolores Vázquez, Pedro Apalategui, pasando por la susodicha, aparecen en pantalla para contar su visión.

El caso comienza con la desaparición, el 9 de octubre de 1999, de la joven de 19 años en un pueblo de Málaga. El cuerpo sin vida de Rocío es hallado tres semanas después cerca de Marbella. Dolores Vázquez, amiga de la familia, y ex pareja de Alicia Hornos, madre de la joven asesinada, es detenida como principal sospechosa del crimen. La investigación se centra en ella hasta el punto de que una serie de «indicios», conjeturas y alguna que otra corazonada bastan para incriminarla. Dolores pasa 17 meses en prisión y, llegado el día de la sentencia, es condenada culpable sin pruebas congruentes sobre la mesa. El clima de odio hacia Dolores Vázquez, alimentado desde los medios de comunicación, y materializado en las calles, influye de manera clave en el veredicto.

Más adelante, en 2003, se descubre el cuerpo de otra joven asesinada, Sonia Carabantes, se relaciona su caso con el de Rocío por el hallazgo de unos restos de ADN que aparecen en ambas escenas del crimen y el británico Tony Alexander King, un vecino de Coín que carga con antecedentes penales en Reino Unido, es declarado culpable de ambas muertes. Es, básicamente, una de las pocas veces que un cigarrillo ha dado una buena noticia. Dolores es exculpada pero carga aún con la condena social y se retira de la vida pública.

El debate sobre la morbosidad de ‘Dolores. La verdad sobre el caso Wanninkhof’ debería estar fuera de la mesa. En el documental participan tantos personajes pertenecientes a la constelación del caso que, en algún momento, hasta esperas que la persona condenada termine realizando alguna declaración. Alicia Hornos mantiene que Dolores estuvo implicada en el asesinato de su hija, avivando aún los vientos de la sospecha. Sí, la narración es sensacionalista, pues incluye imágenes del entierro de Rocío, pero también se podría decir que pinta una panorámica completa del suceso, muy bien contado cronológicamente. No es cuestión de desmerecer el trabajo documental y visual de la pieza solo porque cuente una historia real. Y ‘Dolores. La verdad sobre el caso Wanninkhof’ sirve principalmente para dar voz a Dolores Vázquez y también a su brillante abogado, pero también para acercarse a todos los puntos de vista sin juicios.

Dolores no es la primera persona que recibe una condena injusta por asesinato. Tampoco es la primera persona relacionada con el colectivo LGBTQ+ cuya sexualidad influye en su inculpación, aunque hay que puntualizar que ella nunca se identifica con la etiqueta «lesbiana» porque «nunca me he sentido así». Sin embargo, desde el primer momento, la lesbofobia juega un papel fundamental en las acusaciones hacia Dolores y, en este sentido, la escritora y activista LGBTI Beatriz Gimeno realiza algunas de las intervenciones más importantes del documental cuando recuerda que la lesbofobia de la sociedad de entonces motiva desde la base las acusaciones de asesinato hacia Dolores, porque ella ni luce ni se comporta como la «típica» mujer heteronormativa. Y tanto la guardia civil como los medios y la sociedad se alimentan de ese relato absurdo. Habría sido grato que ‘Dolores. La verdad sobre el caso Wanninkhof’ profundizara en la lectura de identidad sexual del caso, porque probablemente diera para mucho más de lo que se muestra finalmente.

Es la única pega que se le puede poner a un documental riguroso y muy bien construido que hace su trabajo de contar una historia mediática con un lenguaje mediático. Pero ‘Dolores. La verdad sobre el caso Wanninkhof’ será mejor todavía cuando haya servido para algo. Dolores Vázquez, que a sus 69 años vive retirada en Betanzos, el pueblo de La Coruña en el que nació, aunque ella se crió en Reino Unido; pide el perdón por parte de la «guardia civil, el fiscal y los jueces» que nunca ha recibido, también del Ministerio de Interior que entró en el trapo de las acusaciones falsas, y recuerda que en 20 años no ha sido indemnizada por el error judicial que ha marcado su vida. Las reparaciones se hacen esperar, pero por lo menos Loli -como prefiere ser conocida- señala que su dignidad permanece intacta. Y dignificar su figura es precisamente lo que consigue el documental.

5 artistas imperdibles de MIRA 2021: del ambient de Ana Roxanne al metal de Duma

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El festival de artes digitales MIRA vuelve a Barcelona después de un año de parón por la razón que todos conocemos. MIRA se celebrará los días 12 y 13 de noviembre en el recinto de Fabra i Coats – Fàbrica de Creació con un cartel que vuelve a centrarse en la música electrónica, las sesiones de DJ, las proyecciones inmersivas y las exposiciones de arte digital.

El jueves 11 de noviembre se celebrará la noche inaugural de MIRA en la sala de exposiciones IDEAL y el mismo día 13 tendrá lugar el fin de fiesta en la sala Razzmatazz. En los días 12 y 13 pasarán por el festival algunos de los artistas asociados al arte digital más interesantes del momento, que comentamos bajo estas líneas.

James Ferraro

«El inventor del vaporwave» es un titular atractivo pero incierto. De todas formas, ‘Far Side Virtual’ es uno de los primeros ejemplos de este subgénero de internet que revisa la música pop de los 80 y la muzak desde una visión crítica con el capitalismo y el consumismo. Es uno de los discos más influyentes de la era de internet, pero Ferrero no se ha quedado estancado en su sonido, como demuestra su disco ‘Sushi’ o la serie ‘Mirai’ que presentará en el festival barcelonés, a través del show ‘Requiem for Recycled Earth’.

Ana Roxanne

Poco a poco, Ana Roxanne se está convirtiendo en une de les artistes de ambient más importantes de su generación. Su delicada música absorbe influencias del jazz, el folk hindustaní o las grabaciones de campo, y además transmite un importante mensaje sobre la fluidez de género. Roxanne es intersexual y su disco ‘Because of a Flower’ explora su identidad a través del símbolo de la flor.

Aquarian

Otro de esos «artistas afincados en Berlín», aunque él es de Canadá, Aquarian acompañará su directo con los visuales de la artista e investigadora china Sougwen Chung. La música de Aquarian, admirada por gente como Aphex Twin, visita las escenas de Detroit, Londres y Berlín y se mueve entre el electro, el jungle y el grime. Su disco ‘The Snake that Eats Itself’ es oscuro, intrigante y claustrofóbico. Te invita a bailar pero te termina engullendo.

Duma

Duma es el dúo de Martin Khanja y Sam Karugu, dos músicos surgidos de la escena de metal sumergida de Nairobi -en auge- que han publicado su debut en el sello Nyegue Nyegue Tapes. El álbum dio bastante que hablar el año pasado por su sonido violento y visceral, que se debate entre el trash metal y el hardcore punk, y también por su curiosa portada. Este año, Duma publican nuevo EP en Sub Pop.

upsammy

La música de Thessa Torsing se debate entre el mundo digital y el natural. Es una IDM recubierta de hiedra y flores. Después de darse a conocer con singles como ‘Zona’, en 2019 publicó su debut largo ‘Wild Chamber’ y en 2020 vio la luz su segundo trabajo, ‘Zoom’. Su portada muestra un trozo de hielo que se derrite en la mano de una persona, y en estos términos se puede describir la música de upsammy.

ABBA arrasan en Reino Unido, superando a Ed Sheeran; y lograrán su mejor marca en EE UU

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Se comentaba en la industria musical que ABBA habían batido un récord de pre-ventas en Reino Unido con el anuncio de su último disco ‘Voyage’: más de 111.000 en total (40.000 ya solo el primer día). Ese extremo ha sido confirmado cuando han salido las “midweeks” británicas este lunes.

ABBA volverán al número 1 de Reino Unido con las mejores ventas semanales de todo 2021, pues el lunes las ventas de ‘Voyage’ en este país iban por 118.000, y el martes por 169.000. Esta cifra ha dejado ya atrás el récord previo de este año de Coldplay con ‘Music of the Spheres’ (101.000), a su vez batido inmediatamente después por ‘=‘ de Ed Sheeran (139.000). ABBA venderán en una semana más de lo que ese tótem llamado Sheeran ha conseguido en dos. Ya solo queda por ver lo que logrará el torbellino llamado Adele.

En Estados Unidos, ABBA no lograrán el número 1 debido al elevado streaming de la cantante de Georgia Summer Walker. Pese a que esta solo va a vender esta semana unas 14.000 copias, los puntos de streaming la elevarán hasta las 185.000. ‘Still Over It’ cuenta con colaboraciones con Cardi B, SZA, Pharrell Williams y Ciara.

‘Voyage’ no alcanzará esa cifra pues rondará las 75.000 unidades y los 80.000 puntos totales sumando el escaso streaming estadounidense. En todo caso, el top 2 que tiene ya asegurado el 9º disco de ABBA supondrá, por mucho, su mejor marca en Estados Unidos.

En Estados Unidos, ABBA fue más un grupo de singles y hasta ahora nunca habían conseguido ningún top 10 en el Billboard 200, tan sólo cuatro tops 20 en la lista de álbumes. Su mejor marca fue ‘ABBA – The Album’, que quedó en el número 14. A la espera de cómo se sostiene esta Navidad, ‘Voyage’ ya puede considerarse un enorme éxito.