La cantante y actriz Doris Day, una de las últimas supervivientes del Hollywood clásico, ha fallecido esta mañana en su casa de California, confirman medios como PageSix citando un correo electrónico enviado por The Doris Day Animal Foundation. Day acababa de cumplir 97 años el pasado 3 de abril.
Conocida por su voz y aspecto dulces, Day fue especialmente conocida por sus papeles en comedias como ‘Confidencias a medianoche’ de 1959 -por la que logró su única nominación al Oscar- o ‘Yo, ella y la otra’ de 1960, si bien también llegó a trabajar con Alfred Hitchcock en ‘El hombre que sabía demasiado’ de 1956, junto a James Stewart. También protagonizó célebremente ‘Té para dos’ (1950), ‘Calamity Jane’ (1953), ‘Quiéreme o déjame’ (1955), ‘A la luz de la Luna’ (1953) o ‘Pijama para dos’ (1957) y protagonizó su propia sitcom, The Doris Day Show, de 1968 a 1973.
Day compaginó su enorme popularidad como actriz durante mediados de los 50 y 60 con el éxito en la música, siendo una de las intérpretes pop más populares durante dicho periodo. Su canción insignia es ‘Que Sera, Sera (Whatever Will Be, Will Be)’, compuesta para la mencionada película de Hitchcock. Otros de sus éxitos fueron ‘Dream a Little Dream of Me’ o ‘Sentimental Journey’.
También fue muy conocida la labor de Day como activista por los animales, que asumió de manera casi exclusiva tras retirarse del cine y de la televisión a finales de los 60. La artista fundó la Doris Day Pet Foundation en 1978, luchó por mejorar la legislación en favor de los derechos de los animales y era vegetariana, además de una gran amante de las mascotas. Day fue además madre del músico Terry Melcher, productor de los primeros dos álbumes de The Byrds y de varios singles de The Beach Boys, entre ellos ‘Kokomo’.
Grecia intentará clasificarse en la final de Eurovisión este año tras no conseguirlo en el anterior con ‘Better Love’, una balada interpretada por la cantante greco-canadiense Katerine Duska que tiene poco del folclore griego y mucho de la balada pop contemporánea de Leona Lewis.
Este dato no extraña cuando comprobamos que entre los autores de ‘Better Love’ se encuentra el compositor escocés David Sneddon, que ha trabajado con Lana Del Rey (‘National Anthem’) o Hurts (‘Blood, Sweat & Tears’), mientras la producción la firma el inglés Phil Cook (Lewis Capaldi, Ellie Goulding, Paloma Faith). Las conexiones interesantes de Duska no se acaban ahí, pues es colega del cantautor sueco Albin Lee Meldau, con quien ha actuado.
Con su sonido de pop épico, que sienta a Duska como un guante pues la cantante posee un registro cercano al de Florence + the Machine, ‘Better Love’ habla sobre la necesidad de experimentar un amor más profundo, un amor incondicional.
La canción es buena y su clasificación en la final de Eurovisión está asegurada, pues va 11ª en las apuestas. Además, Duska se ha currado para ella un videoclip bastante «arty», de los que no se han visto tantos este año entre los países participantes. Un vídeo que, con sus referencias a deportes como la esgrima o la gimnasia rítmica, está protagonizado exclusivamente por mujeres y parece un homenaje a la feminidad, con su énfasis en objetos como la perla o los cabellos largos, mientras Duska lleva un vestido de gasas de color rosa palo. Por otro lado, la puesta en escena será floral y exuberante, como se ha visto en los ensayos. Calificación: 7/10 Los foros dicen: de «increíble» a «nada especial» En las apuestas: 11ª
En contra de los primeros pronósticos, Vampire Weekend han publicado otro discazo. ‘Father of the Bride‘ es un trabajo extenso, rico en matices y diverso en estilos, en el que Ezra Koenig construye algunas de las mejores canciones de su carrera. También abren nuevos territorios, como los que muestran canciones como la rumbera ‘Sympathy‘. Pero no renuncian a seguir sonando a su versión más reconocible –si acaso, más pulcra y elegante que desmelenada– en canciones como ‘Bambina’ o esta ‘This Life’ que hoy destacamos como nuestra Canción del Día.
Presentada como tercer avance del disco junto a la emocionante ‘Unbearably White’, no es una de las canciones que más destacan del conjunto en principio. Quizá, precisamente, porque nos suena a algo conocido. Sin embargo, se está imponiendo como una de las nuevas composiciones del grupo que más está gustando al público por méritos propios. Es una canción de espíritu alegre, con palmas que marcan su ritmo uptempo y unas guitarras luminosas, salpicada de detalles jugosos: esos «hu-hú»s que se repiten ocasionalmente, la perfecta réplica vocal de Danielle Haim (como contamos, su presencia en la casa que comparte con el productor Ariel Reichshaid y donde se grabó el grueso del disco propició su profusa colaboración en este), el pre-coro que está tomado de ‘Tonight‘ del heterodoxo rapero iLoveMakonnen, el parón instrumental en el tercer estribillo, dejando entrever una bonita línea de piano, un órgano primoroso y detalles de las seis cuerdas… En el lado morboso, también destaca en hecho de que, además de a Koenig y Makonnen, la composición (que no la producción, en la que sí figura Dave Macklovitch de Chromeo) está acreditada a Mark Ronson. Ronson estuvo prometido con Rashida Jones, hija de Quincy y actual pareja de Koenig, con la que tuvo un hijo el pasado año.
En contra de lo que pueda sugerir musicalmente, ‘This Life’ es una canción bastante amarga en lo lírico. Siguiendo la coartada empleada de Koenig, se centra en los múltiples obstáculos con los que una relación de pareja debe lidiar para sobrevivir. Por ejemplo, esos «cheating on you, cheating on me» tomados del tema de iLoveMakonnen, no hablan necesariamente de una infidelidad mutua, sino de cómo, por atavismos sociales, a menudo nos forzamos a aparentar que todo va bien cuando no es así («he estado engañando a toda esta vida y su sufrimiento», dice en el mismo puente). Ezra desarrolla así cómo, pese a que oficialmente todos somos conscientes de que la vida es un camino espinoso, manejamos la idea secreta de que nada de eso va a pasarnos a nosotros, que seremos inmunes al dolor. En el trasfondo de la relación sentimental, el artista neoyorquino lo plasma de manera sencilla y certera con versos como «Cariño, sé que el dolor es tan natural como la lluvia / sólo que pensé que nunca llovía en California» (donde él vive ahora), «Cariño, sé que el odio siempre está acechando en la puerta / sólo que pensé que habíamos cerrado la puerta cuando salimos esta mañana» o la demoledora «mi vida, nuestra enfermedad es la misma que la de los árboles / no somos conscientes de haber vivido en un bosque».
Vampire Weekend está apostando fuertemente por esta canción y la están interpretando en sus múltiples visitas promocionales en radio y televisión: tras interpretarla con su extensa nueva banda de directo en Radio X, días atrás acudían al programa de Jimmy Fallon donde se les unían a los coros no sólo Danielle sino todas las hermanas Haim, regalando un momento realmente memorable. Estas actuaciones también dan idea de qué nos podemos encontrar el próximo mes de julio en Mad Cool 2019, donde el grupo (en el que, como vemos, Baio sigue al bajo y Chris Tomson a las baquetas) presentará formalmente ‘Father of the Bride’ en nuestro país.
El pasado viernes, 10 de mayo, Airbag celebraban uno de los conciertos en sala más multitudinarios de su carrera. Fue en la Sala La Riviera de Madrid, y presentaban en la ciudad su último álbum de estudio, ‘Cementerio indie‘. Un notable disco publicado por el sello madrileño Sonido Muchacho, uno de los más celebrados de la actual escena independiente, precisamente, gracias a la edición de discos de Kokoshca, La Plata y, sobre todo, el debut de Carolina Durante.
Con la sala aparentemente repleta, a tenor de las imágenes subidas por el grupo en redes, y con Axolotes Mexicanos como teloneros insignes, Airbag desgranaron su extenso repertorio para delicia de su parroquia, pero también les obsequiaron con una versión sorpresa: si una semana antes eran Metallica los que sorprendían interpretando la rara ‘Brutus’ de Los Nikis presentándolos como «los Ramones de Algete», Airbag, «los Nikis de Málaga», devolvieron la pelota interpretando ‘Enter Sandman’ del grupo metalero.
Aunque lo mejor fue que para ello contaron con un invitado especial: nada menos que Joaquín Rodríguez de los propios Nikis, vestido de negro, con un pelucón rubio y un «hacha» (la clásica Gibson Flying V). Él cantó el tema (bueno, el trocito que interpretaron), ofreciendo otra de sus apariciones inesperadas: recordemos que meses atrás se subía vestido de presidiario en la Sala Ochoymedio para autoversionarse junto a Carolina Durante.
No fue la única aparición sorpresa de este concierto, puesto que también invitaron a subir a Juan de Pablos, histórico locutor recientemente retirado y al que ellos deben mucho, brindándole una gran ovación, como puede verse en este vídeo. Además de su gira por salas, Airbag estarán tocando este verano en varios festivales, como Oh, See! Fest de Málaga, Prestoso Fest de Xedré (Asturias) y Low Festival de Benidorm. Os dejamos con el vídeo de este momentazo.
Este 12 de mayo se han cumplido 10 años ya de la muerte de Antonio Vega. Miembro de Nacha Pop, uno de los grupos más icónicos de la nueva ola madrileña de los 80, y luego anti-estrella en solitario, construyó un cancionero inconmensurable que ha emocionado y formado parte de la vida de varias generaciones de hispanohablantes. Entre ellas, las de músicos como Zahara, Morgan, Ricardo Lezón de McEnroe, Viva Suecia, Anni B Sweet, Vega o Marwan, que han participado en un homenaje que ha auspiciado El País.
En uno de los artículos presentados este domingo, además de explicar cuál es según ellos el valor de Antonio Vega como compositor y letrista, todos han realizado versiones acústicas de canciones suyas, tanto de su etapa en solitario como de la era Nacha Pop: Zahara versiona ‘Chica de ayer’, Morgan y Toni Jurado (batería del músico madrileño en su última etapa, que ofrece un testimonio de su manera de ser y hacer de primera mano) interpretan ‘Háblame a los ojos’, Viva Suecia hacen ‘Una décima de segundo’, Anni B Sweet interpreta ‘Esperando nada’, Marwan versiona ‘Se dejaba llevar’ y Ricardo Lezón de McEnroe canta ‘El sitio de mi recreo’.
Además, El País publicaba otros textos sobre ‘Chica de Ayer’, su canción más célebre y símbolo de una era en el pop español. Uno, de Antonio Jiménez Barca, desmenuza la intrahistoria de la canción, cómo fue compuesta cuando Antonio hacía la mili en Valencia con 20 años (fue la primera que escribió), y quién era la chica detrás de su título e historia. Otro, de Luigi Landera, se centra en cambio en investigar sobre el supuesto plagio detrás de esa celebrada canción: según se descubrió poco antes de su muerte, ‘Chica de ayer’ tiene un sorprendente parecido con ‘La caza al bisonte‘, una cara B del año 1976 Piero del artista argentino Piero, que en realidad era una versión de un tema publicado un año antes por el italiano Gianni Morandi.
Consultando al mismísimo Teddy Bautista, productor del debut de Nacha Pop en el que se incluía originalmente la canción, el ex-presidente de la SGAE niega rotundamente que ese oscuro tema pudiera ser un referente para Nacho o para él, asegurando que convenció a su autor de acelerarla (inicialmente era una balada) y se inspiró en ‘Do you believe in magic?’ de The Lovin’ Spoonful para los arreglos. Os dejamos con todos los vídeos de las versiones y declaraciones de los grupos arriba citados sobre Antonio Vega.
La pérdida del factor sorpresa era el mayor peligro que corría PUTOCHINOMARICÓN al enfrentarse a su segundo mini LP, que dura 16 minutos en lugar de 18. En ‘Corazón De Cerdo Con Ginseng Al Vapor‘ cada canción era una aventura diferente: una crítica social anti-racismo y anti-homofobia (‘Gente de mierda’), otra a la adicción de internet (‘No tengo wi-fi’), otra a cómo los modelos televisivos y las revistas condicionan nuestra vida (‘El test de la Bravo y la Superpop’), otra al falso activismo de las redes (‘Tú no eres activista’), alguna concesión romántica (‘Remedio casero’)… ¿Cómo superar este hito que le ha llevado a actuar en todo tipo de eventos y fiestas, ‘Cachitos de Nochevieja‘ incluido, y a que Mucho le dedique un tema?
Los dos primeros adelantos de ‘Miseria humana’ reincidían en más o menos lo mismo, además sobre bases parecidas inspiradas en el sonido PC Music que tanto adora, especialmente a través de su ídolo Charli XCX. ‘Doble tic azul‘ vuelve a hablar de la adicción al móvil, en este caso a WhatsApp; y ‘Deporte nacional‘, de quienes únicamente se dedican a «odiar y criticar», si bien es cierto que esta lo hace sobre una base mucho más sucia y rica, casi siniestra. Pero el caso es que Chenta Tsai ha querido desmarcarse de este estilo en el resto del mini LP, abriendo el paso a otros. Por eso quizá lo considera una «mixtape».
Charli XCX es una referencia en ‘2 A.M.’, hasta el punto de que es citada, pero de manera significativa el disco empieza, tras una ‘Intro – Solo para PC’, con una balada sobre la inseguridad a los veintitantos, entre rutina y dificultades para «ser mayor». Recuerda musicalmente a La Casa Azul cuando se sienta al piano, y también un poquito a Alejandro Sanz, y no es la última referencia sorprendente del disco. Radiohead y Pereza conviven para bien en ‘Hasta el fin del mundo’, la cual critica el hastío («El cielo está cayendo y yo como si nada / Escucho a los jinetes y yo sigo en la cama»); y lo mejor de todo llega al final.
Si en un momento PUTOCHINOMARICÓN dudó si explotar más el reggaetón de ‘Marica Pica Pica’ por si era apropiacionista, en ‘Parkineo’ encontramos lo urbano y latino de una Bad Gyal mezclados con el trance de Gala. Y nos despedimos hasta otra con una canción guitarrera que de nuevo recuerda al trabajo de Guille Milkyway, esta vez al más furioso, con una letra de odio que nunca habría podido escribir este -aunque sí Los Planetas-: «Desearía que supieras / Que ojalá te murieras / Y que desaparecieras / Para no verte nunca más». Su voz empieza a tomar otros matices como apreciamos en ese «ya lo sé que está muy mal desear la muerte».
Así que sí, fue genial conocer a un artista que se llamaba PUTOCHINOMARICÓN, curtido en el arte de la performance, inquieto y además muy divertido en directo. Sí, va a tener difícil igualar la viralidad de ‘Gente de mierda’ o la que vivió el mismo corte de 30 segundos «Putochinomaricón, la gente por la calle me llama así». Sin embargo, Tsai no se amilana y empieza a mostrar nuevas ideas sin renunciar a sus principios: aquí sigue habiendo retrato social, crítica social, mordacidad, autocrítica… y también nuevas inquietudes. Putochinomaricón actúa con Confeti de Odio este viernes 17 de mayo a las 21.00 en el OchoyMedio de Madrid.
Calificación: 7,6/10 Lo mejor: ‘Ojalá (te murieras)’, ‘Parkineo’, ‘Deporte nacional’ Te gustará si te gustan: La Casa Azul, el anterior, Charli XCX Escúchalo:Spotify
Lee Fields es uno de los últimos bastiones del soul clásico, después de que sus buenos amigos Charles Bradley y Sharon Jones nos dejaran meses atrás. Little JB –como le llamaron en sus inicios por su parecido físico, vocal e interpretativo con James Brown– cumple este 2019 50 años de carrera publicando un nuevo trabajo, ‘It Rains Love‘, un canto al amor universal que en próximas fechas presenta en nuestro país: el próximo 16 de mayo está con su banda, The Expressions, en la Sala Joy Eslava de Madrid; y al día siguiente, el 17, en la Sala Apolo de Barcelona.
Con motivo de esta visita hemos charlado con Fields telefónicamente. A sus 69 años, su voz suena aún más rota y cascada que en sus álbumes y directos, y, pese a largos años viviendo en Nueva York y Nueva Jersey, conserva un peculiar acento que asumimos proviene de su Carolina del Norte natal, alargando algunas vocales («looove», «tiiiime», «becaaauuse») casi como si las cantara. Es directo y conciso en las respuestas, pero también amable y entrañable, y se le nota emocionado cuando habla de Bradley y Jones, y sobre todo cuando nos revela el traumático suceso personal que le llevó a abandonar la música a principios de los 80 hasta mediados de los 90.
¿Qué tal, Señor Fields? Es un gran honor hablar con usted.
Es un placer charlar contigo. ¿Cómo está yendo el tour?
La gira está yendo maravillosamente, en estas dos semanas la gente está demostrándonos muchísimo amor. Quería hablar sobre su nuevo álbum, ‘It Rains Love’. Está a punto de cumplir 50 años de carrera musical. ¿Cómo es que aún siente la necesidad de escribir y grabar nueva música?
La palabra exacta sería «emocionado». Y es como siempre me he sentido, disfrutando este viaje musical, pasándolo en grande tanto componiendo, como grabando o actuando en directo. Todavía sigue siendo muy divertido.
‘It Rains Love’ es otra gran pieza de música soul en su forma más clásica. No debe ser fácil mantener ese nivel de calidad en cada trabajo que publica. ¿Cómo lo hace?
Bueno, lo que creo que es más importante es que escribimos desde el corazón. Eso es lo que lo hace fácil, escribimos como realmente nos sentimos. No intentamos inventar nada, sino ser honestos con la gente sobre las cosas auténticas de nuestra vida. Así que es fácil.
«Hay una ola de repudiar cosas, y el amor es la respuesta, necesitamos amarnos unos a otros, no odiarnos”.
El amor es la idea canónica detrás de todo el álbum. ¿Por qué decidió hacer un álbum sobre el amor precisamente ahora?
Sentimos que las canciones de este disco son necesarias para estos tiempos. Hablamos sobre las cosas que están ocurriendo en este momento que vivimos, de acuerdo al momento, que es una especie de despertar. Y sentimos que el amor es muy necesario en este tiempo porque hay demasiado odio, demasiado fervor. Así que no fue muy difícil escribirlo porque escribimos sobre lo que vemos y sobre lo que sentimos que es necesario. El amor es muy necesario ahora mismo. Hay una ola de repudiar cosas, y el amor es la respuesta, necesitamos amarnos unos a otros, no odiarnos.
En ese sentido, cantar al amor es hoy día casi una declaración política, justo como cuando usted comenzaba su carrera, en 1969. ¿Lo había pensado?
Bueno, el amor nunca pasa de moda, el amor es Dios y Dios es amor. Estamos pensando en Dios, porque Él es amor. En estos tiempos de Internet necesitamos a Dios más que nunca, porque ahora tenemos una tecnología que realmente puede terminar con la Humanidad tal y como la conocemos hoy. Y necesitamos amor para prevenir una catástrofe, el amor es la respuesta.
En este trabajo hay canciones como ‘Wake Up’ que prueban que la música en su forma más clásica aún puede sonar fresca y abrir nuevos caminos. Habrá quien diga que es algo caduco o «viejo», pero ¿no cree usted que el soul aún tiene mucho que decir?
No hay nada nuevo bajo el sol, todo está hecho ya. Pero, aunque ya se haya cantado antes sobre amor, es el momento de volver a hacerlo precisamente porque no ha cambiado nada. Y el amor siempre suena fresco. Hay que unir a la gente en el amor para asegurarnos de que el futuro sea nuestro y de nuestros progenitores.
«Es fantástico que muchos artistas elijan la música soul porque está muy cerca de la palabra de Dios”.
En todo caso, es cierto que los sonidos clásicos de soul y R&B nutren a muchos artistas actuales que están copando las listas de éxitos. ¿Cómo se siente sobre eso?
Es fantástico que muchos artistas elijan la música soul porque está muy cerca de la palabra de Dios. El soul es consecuencia del gospel. Y si el gospel canta sobre temáticas bíblicas, el soul canta sobre el aquí y el ahora, pero con la esperanza de complacer a Dios. Debemos asegurarnos de que las canciones estén hechas de una manera en que gusten, pero que extiendan el conocimiento del amor y de Dios. Dios está siempre en la ecuación.
¿Pero encuentra usted artistas más jóvenes que le gusten?
Bueno, tratamos con gente de todas las edades y seguro que muchos jóvenes también, buena gente, buenos fieles.
«(Sobre la desaparición de Sharon Jones y Charles Bradley) Cuando pienso en ellos me pongo melancólico, les echo de menos. Mucho”.
En el último par de años hemos tenido que lamentar la muerte de dos grandes amigos suyos, Sharon Jones y Charles Bradley. ¿Se siente usted un poco más solo a la hora de conservar los viejos valores de la música soul?
Como dices, Charles y Sharon eran queridísimos amigos míos, me completaban, eran mi hermano y mi hermana. Pero, aunque me entristece mucho y les echo de menos muchísimo, todos tenemos que hacer ese viaje, no lo podemos evitar. Cuando pienso en ellos me pongo melancólico, les echo de menos. Mucho.
Cuando usted comenzó, a finales de los 60 y primeros 70, trabajó con nombres grandes como B.B. King, Doctor John, Kool and The Gang, Bobby Womack… ¿Qué es lo mejor que aprendió de aquella época?
La mejor lección que he recibido en la música me la dio Solomon Burke hace muuuchos años y que se ha quedado conmigo. Me dijo: «si alguna vez tienes éxito en la música, recuerda una cosa: deletréala con una «m» minúscula y una «N» mayúscula». Es decir, pon énfasis en el Negocio. Así que he tratado de ser el mejor hombre de negocios que he podido. A menudo los jóvenes se olvidan de que esto es un negocio. Cuando compongo, es personal, cuando canto, es personal. Pero al final del día no olvido comprobar mis ganancias y mis gastos.
«(Sobre su abandono de la música en los 80) Pasaron demasiadas cosas en mi vida personal, estaba desconcertado, y la música no alcanzaba”.
Según su biografía, en los 80 usted decidió dejar (o no tuvo opción, no lo sé) el negocio de la música y se dedicó a otros menesteres para mantener a su familia. ¿Cómo recuerda entonces aquella decisión? ¿Se ha arrepentido alguna vez?
No. Verás, hay algo que nunca he contado públicamente hasta hace poco: a finales de los 70, la hermana de mi mujer fue asesinada por su marido, que se suicidó después. Ambos eran muy buenos amigos míos, y acogimos a su único hijo como nuestro. Yo estaba un poco desencantado con la música, tenía un nuevo miembro en mi familia y el asesinato y el suicidio fueron golpes muy duros, fue una locura. Pasaron demasiadas cosas en mi vida personal, estaba desconcertado, y la música no alcanzaba. Durante los 80 la música cambió, me sentía perdido y opté por leer mucho, especialmente la Biblia, porque me preguntaba cómo Dios había podido permitir que esa tragedia tuviera lugar. Nunca lo había contado porque es demasiado personal, pero ahora lo explico porque siento que muchos en mi situación habrían hecho lo mismo: sea cual sea el problema, la familia es lo primero.
¿Y cómo se sintió cuando tuvo la oportunidad de regresar y estar al frente de su propio grupo, The Expressions?
Fue un sentimiento estupendo. Pero aunque siempre disfruté de la música, nunca me arrepentí de dejarlo para dedicar mis energías a ser padre. Incluso aunque no hubiera ocurrido esa tragedia y no hubiera tenido un nuevo miembro en mi familia, yo ya tenía un hijo y mi hija llegaría más tarde. Y estoy satisfecho de haber estado ahí para ellos. Pero ahora puedo volver a disfrutar de estar en la industria musical, como siempre quise.
«(Sobre sus 50 años de carrera) Ha sido un sueño, un sueño hecho realidad”.
Uno de sus grandes valores, para mí, es que está mostrando a las nuevas generaciones cómo es la música soul en su forma más original. ¿Confía en que un nuevo Leon Michels (Nde: su socio musical más fiel, líder de The Expressions y fundador del sello Big Crown Records, en el que publica) pueda estar viéndole entre el público y continúe ese camino?
La música soul siempre existirá. Como he dicho, el soul es consecuencia del gospel, el gospel habla de lo que vendrá y el soul habla del ahora, y eso siempre estará con nosotros. Dentro de 50 años, habrá un hoy y un ahora. Cuando se intervino en las radios, a finales de los 70 y los primeros 80, había directores musicales que elegían lo que se pondría, mercantilizaban a la gente para decir lo que debía sonar. Y a pesar de eso, la música soul sobrevivió, y siempre estará.
Por último, ¿cómo resumiría en pocas palabras sus 50 años de carrera?
¡Ha sido espectacular! (Risas) Ha sido un sueño, un sueño hecho realidad. Ver al público que viene a los conciertos a escuchar mi voz es un sueño.
La actriz Peggy Lipton, conocida por todos los seguidores de ’Twin Peaks’ por su papel de Norma Jennings, ha fallecido a los 72 años como consecuencia de un cáncer. Lipton también trabajó en ‘La patrulla juvenil’ de Aaron Spelling, papel por el que llegó a obtener un Globo de Oro a principios de los 70. La actriz había debutado con tan solo 19 años en ‘Embrujada’, y también era conocida por su participación en otras series como ‘La hora de Alfred Hitchcock’.
No tanta gente sabía que Peggy Lipton fue esposa de Quincy Jones, el que ha sido uno de los productores musicales más importantes de la historia por su implicación sobre todo en la carrera de Michael Jackson, lo que incluyó sus tres grandes obras maestras ‘Off the Wall’, ’Thriller’ y ‘Bad’. Precisamente estuvieron casados en aquellos años, pues contrajeron matrimonio en 1974, se separaron en 1986 y se divorciaron definitivamente en 1990. Habían tenido dos hijos. Fue entonces cuando decidió volver a actuar, nada menos que para David Lynch en el que sin duda era uno de los personajes más queridos. De hecho, apareció recientemente en la tercera temporada de la serie.
Peggy Lipton también hizo sus pinitos en el mundo musical a finales de los 60, editando singles como ‘Wear Your Love Like Heaven’ y ’Stoney End’, la primera escrita por el inigualable Donovan, y la segunda por Laura Nyro, a la postre un hit en manos de Barbra Streisand.
‘Vestida de azul’ es una de las películas más singulares del cine español de la Transición. Primero porque fue pionera en tratar el tema de la transexualidad con humanidad y respeto en un contexto, el cine de destape y clasificado S, dominado por el morbo y el sensacionalismo. Segundo, por estar rodada por un director, Antonio Giménez Rico, que era completamente ajeno, como él mismo reconoce, al mundo que retrató. Uno podría esperar encontrarse detrás de esta película a un director tipo Eloy de la Iglesia o Almodóvar, no a un cineasta que luego sería conocido por sus adaptaciones de Miguel Delibes (‘El disputado voto del señor Cayo’, ‘Las ratas’) o sus intervenciones en el programa ‘Qué grande es el cine’, de Garci.
Tercero, porque tuvo éxito. ‘Vestida de azul’ no es la típica película que nadie vio en su momento y que luego fue reivindicada por las nuevas generaciones convirtiéndola en un filme de culto. La película “desfiló” por la alfombra roja del festival de San Sebastián y se estrenó comercialmente, llevando a las salas a casi 250.000 espectadores, una cifra considerable teniendo en cuenta que en esa época no era habitual ir al cine a ver un documental. Para hacerse una idea, con esas cifras entraría actualmente en el top 20 de filmes españoles más taquilleros del año. Y cuarto, porque a pesar de esa repercusión, con el paso del tiempo fue prácticamente olvidada. No se editó en DVD y apenas se emitió por televisión.
Esa invisibilidad propició que se creara un culto alrededor de ella. De documental de éxito pasó a película maldita. Una de las personas que sucumbieron al embrujo de ese malditismo fue Valeria Vegas, autora de ‘Vestidas de azul. Análisis social y cinematográfico de la mujer transexual en los años de la Transición española’ (Dos Bigotes). “Fue a finales de 2006 cuando vi por primera vez ‘Vestida de azul”, recuerda Vegas en el libro. “Me encontraba en casa de una amiga que se jactaba de que aquella cinta había pertenecido a una de las protagonistas, ya fallecida, con la que mantuvo una amistad”. A partir del visionado de ese VHS, en unas condiciones que hacían honor a su culto, la escritora comenzó a investigar. Fruto de esa indagación es este completísimo y muy recomendable ensayo.
Valeria Vegas, autora también de la biografía de La Veneno, comienza su libro con una explicación muy útil sobre la evolución de las leyes españolas con respecto a la transexualidad -de la Ley de Vagos y Maleantes a la Ley de Identidad de Género-, y sobre la terminología. La autora describe las confusiones léxicas que se daban en esa época (y se siguen dando), donde no estaban muy claras las diferencias entre la condición sexual y la identidad de género. La transexualidad era confundida con travestismo, y considerada como una manifestación extrema de la homosexualidad. Una vez aclarados estos conceptos, el libro se centra en la película. La autora “desviste” ‘Vestida de azul’, analizando sus referentes y antecedentes (un repaso al tema de la transexualidad en el audiovisual español que demuestra la singularidad de este documental), y describiendo su contenido para aquellos lectores que no la hayan visto.
La segunda parte del libro se centra en las seis protagonistas de ‘Vestida de azul’. A través de la (trágica) biografía de cada una de ellas, Vegas indaga en aspectos como la opresión de las mujeres trans, su exclusión y las dificultades de su integración social, la prostitución, o su relevancia social dentro del mundo del espectáculo. Sobre esto último, la autora realiza un muy sugestivo recorrido por la historia de los espectáculos de transformismo en la España de la Transición, por salas míticas de la noche madrileña como Centauros, Dimas (actual Siroco) o Gay Club. El libro se completa con un jugoso material fotográfico y varias entrevistas: al director Antonio Giménez Rico, al transformista en activo Cristian de Samil, que colaboró en la película, y a Josette, una de las dos protagonistas de ‘Vestida de azul’ que sigue viva, a pesar de que en Internet la dieran por muerta. 8. Disponible en Amazon.
No va a ser casual que esta semana el Sonorama haya anunciado a Nacho Cano como un gran bombazo para su cartel 2019 justo unos días después de que se haya publicado ‘Descanso dominical: Tributo a Mecano‘. Porque casi todos los nombres incluidos en este disco han tocado, tocarán o podrían perfectamente tocar en el festival celebrado en Aranda de Duero cada verano desde hace más de 20 años: Love of Lesbian, Iván Ferreiro, Miss Caffeina, Zahara, Elefantes, Vega, Shinova, Reyko… son nombres de presente o pasado independiente. ¿Hacemos una porra para ver cuáles de ellos se contarán entre los «amigos del festival» que, dicen, acompañarán al pequeño de los Cano en su directo allí?
Por su parte este disco confusamente subtitulado «Tributo a Mecano» (¿no será tributo a la obra en sí, más bien?) pretende conmemorar los 30 años de ‘Descanso dominical’, que se cumplieron… hace casi un año. Timing fallido aparte, este trabajo pretende celebrar el quinto álbum de estudio del trío madrileño, que supuso su consagración como superestrellas internacionales (no olvidemos que este disco se vendió como churros en Italia y, sobre todo, Francia). Y, como tales, no ponemos en duda que marcaran las infancias o adolescencias de muchos, si no todos, los artistas congregados. Ahora bien, otra cosa es que la deriva artística seguida por cada uno de ellos refleje esa influencia. ¿Qué es lo ideal? ¿Respetar el original? ¿Olvidarse de él y llevarlo al terreno más cómodo para cada uno? No está nada claro, y el resultado en este caso es dispar y raruno, como mínimo.
Entre los más ajenos a priori se cuentan los ya citados Love of Lesbian & Iván Ferreiro, que hacen de la mansedumbre y el sopor bandera en una sosa ‘La fuerza del destino’ (tiene huevos hacer sosa esta canción) que, para colmo, corrige la errata por antonomasia del pop español, ese «tú contestastes que no». ¿Los hermanos Cano han autorizado cambiar esto pero no «mariconez»? Elefantes se atreven con la ya universal ‘Mujer contra mujer’ transformándola en un pop rock cadencioso, con algún arreglo mono de teclado y un solo de guitarra que quiere acercarse a Wilco (aunque se queda a medias). Un pan sin sal, pese a la bonita voz de Shuarma. Tampoco terminan de clavarlo Shinova con ‘Hermano Sol Hermana Luna’, pese a que la solemnidad acústica de su arranque suena interesante. El guitarrista Daniel Casares con Juan Sueiro, en su revisión de ‘Por la cara’ –la verdad es que nadie la hubiera echado de menos, ¿no?–, y Mäbu, con la adaptación sencillota de ‘»Eungenio» Salvador Dalí’ –les ha tocado bailar con la más fea– se cuentan también entre los que ni chus, ni mus.
Tampoco puede decirse que los artistas de evidentes ecos de Mecano, por cuestiones estéticas o emocionales, triunfen en el intento. Si parecía que Nancys Rubias no podían faltar aquí (Mario Vaquerizo es fan fatal confeso), su ‘Los amantes’ parece una canción de las propias Nancys Rubias (y no, no es un elogio). Tampoco le veo la gracia al tratamiento ¿electro-tanguero? de ‘El blues del esclavo’ que perpetra Aleks Syntek. Ni se explica muy bien lo académicos que han estado Chico y Chica con ‘Fábula’, en la que se echa en falta un poco de manga ancha y humor (¿no les habían invitado por eso?), que al fin y al cabo mucho de eso tenían Mecano. Zahara, con una producción de Juan Sueiro demasiado espaciosa que busca sonar moderna a golpe de adlib, no consigue que en la próxima Nochevieja nos planteemos sustituir el original por su ‘Un año más’.
Mucho mejor resultan, en cambio, algunos artistas más inesperados y/o desconocidos. Sorprenden muy gratamente el tratamiento tecnopop a lo Parade que Veintiuno dan a ‘No hay marcha en Nueva York’, el juego de contrastes de espacio y profundidad que le da Vega a ‘Laika’, la preciosa conversión de ‘Quédate en Madrid’ como balada catatónica al piano que hace Conchita y el tratamiento, yendo de lo pequeño a lo épico, que Miss Caffeina aplican a ‘Hèroes de la Antártida’. Y, sobre todas ellas, la maravillosa revisión que Reyko hacen de ‘El cine’: si su visión del tema como un numerazo de deep house minimalista ya es un puntazo, la maravillosamente seductora voz de Soleil (todas las citadas en este párrafo, más Zahara, podrían hacer un gran papel en ese concierto de Nacho Cano) la propulsa a ser una de las mejores versiones de Mecano que se hayan hecho nunca. Y, personalmente, me convierte en fan irredento del dúo de Mushroom Pillow.
En resumen, los resultados artísticos son tibios, y en buena parte de los casos no pasan de la mera curiosidad. Así que no queda muy claro qué se perseguía en este disco auspiciado y coordinado por el mayor fan y biógrafo pseudooficial del trío, Javier Adrados. Desde luego, la ausencia de nombres tipo Alejandro Sanz, Melendi, Vanesa Martín o similar hace pensar que el objeto de este disco no era hacer caja sin más. ¿La idea es abrir el repertorio de Mecano a un público que no había nacido cuando se editó este disco? Porque es evidente que, salvo un par de nombres, el seguidor medio de estos grupos no está precisamente por debajo de la treintena. ¿O quizá se pretendía reivindicar este disco de cara a un público tirando a underground? Porque, de ser así, quizá nombres que han manifestado abiertamente su afinidad al trío, como Javiera Mena, Doble Pletina, Joe Crepúsculo, Terrier, Francisca Valenzuela, Betacam, Rata Negra (como herederos de Juanita y Los Feos) o hasta Future Islands y Arca, hubieran sido mejores alternativas –nunca mejor dicho– que varios de los implicados.
En todo caso, si se trata de poner en valor la calidad, dignidad y valor de este disco, quizá una buena reedición, con demos, material inédito y notas de los Cano y Ana Torroja hubiera sido mucho más pertinente. Porque si de algo ha servido este disco es para reescuchar la edición original y pararse a pensar lo delirante, para bien y para mal, que pudo llegar a ser este grupo: hoy parece del todo imposible pensar que nadie (que no sean Ojete Calor, Ladilla Rusa y compañía) se plantee seriamente publicar una canción tan paleta como ‘No hay marcha en Nueva York’, cantarle a la primera perra astronauta, las rimas descacharrantes de ‘»Eungenio» Salvador Dalí’ (solo lo del título es digno de tesis) o, sobre todo, dar luz a una canción tan políticamente incorrecta (y racista) como ‘El blues del esclavo’. Ríete tú de la «mariconez». Aunque, en una vuelta de tuerca imposible, una relectura de la letra hace pensar que, como Los Simpsons, Mecano ya predijeron el actual panorama laboral de nuestro país. Así que está claro: no hay mejor tributo a Mecano que escuchar los viejos discos de Mecano.
Calificación: 5/10 Lo mejor: ‘El cine’ por Reyko, ‘Quédate en Madrid’ por Conchita, ‘Laika’ por Vega, ‘Héroes de la Antártida’ por Miss Caffeina, ‘No hay marcha en Nueva York’ por Veintiuno. Te gustará si: eres fan completista de Mecano. Escúchalo:Spotify
Brigitte Laverne ha sorprendido últimamente con un cambio de sonido que podría ser el definitivo, aunque no necesariamente. Si la cantante catalana ya había firmado buenos temas de synth-pop en la onda ‘Drive’ como ‘Tinder Love’ o ‘Crush on You’, su nuevo disco ‘Disco china‘ la encuentra navegando los ritmos punk-pop de grupos como Los Romeos o Los Vegetales, en unas canciones que además están cantadas en castellano para mayor impacto, pues las letras no podrían ser más punzantes y encantadoras en algunos casos.
Aunque el single principal de ‘Disco china’ ha sido ‘Culpable y feliz‘ y por méritos propios, a mí nadie me engaña: el gran hitazo de ‘Disco china’ es el que lo titula. Un tema estelar, enérgico pero cargadísimo de nostalgia sobre todo en la frase final de cada estrofa, que podría haber firmado la primera Sky Ferreira (la del debut, no la de los primeros singles). Igual que ‘I Will’ aunque más luminoso tanto por melodía como por arreglos, ‘Disco china’ aúna punk y sintetizadores ochenteros en un perdigón pop que atrapa a la primera.
Nocturno y embriagador, ‘Disco china’ habla sobre la vida en carretera, con extenuación pero también con sentido del humor y gratitud, como se desprende de esas frases en las que Laverne celebra pasar «diez mil horas en el coche» escuchando «la playlist que hicimos anoche», sonando «mil canciones que consiguen que te emociones».
La canción, protagonizada por cuatro músicos que van «apretados» en el coche y se van repartiendo las tareas durante un largo viaje a Madrid, captura el sentimiento agridulce de dedicarse a lo que uno le gusta aunque implique noches sin dormir y mucha inversión en gasolina. Aunque, en este caso, pesa mucho más lo bueno que lo malo. Y es que Laverne, mirando a una «puesta de sol eterna», canta: «Cuando ya no puedas más, momentos como estos son los que te salvarán, de morir ahogado en un lunes normal». Brigitte Laverne actúa el 8 de junio en el Sidecar, Barcelona.
‘Con altura’ de Rosalía, J Balvin y El Guincho lleva 5 semanas en el número 1 de España, todas las que ha estado en el mercado. Sin embargo, su reinado peligra ante la llegada de las nuevas canciones del verano. En los últimos días ha empezado a recibir la amenaza de ‘La Playa’ de Myke Towers, que ha logrado ser top 1 en Spotify España durante 2 días de esta semana.
Sin embargo, parece que va a ser otra la canción que se va a llevar el gato al agua en la lista que saldrá dentro de 10 días. Se trata de ‘Soltera’ de Lunay. El cantante portorriqueño ya estaba triunfando con este tema, bien posicionado en playlists y listas de éxito, y desde este viernes han decidido sumarse a él nada menos que Daddy Yankee y Bad Bunny (sí, los dos, ¿para qué elegir?) y el remix se ha situado directamente en el número 1 de la lista trending de Youtube España.
Aunque Youtube España no cuenta en Promusicae por alguna razón, la suma de original y remix en Spotify sería de sobra suficiente para derribar a ‘Con altura’ cuando acabe la semana, si no son tan tontos de que compute por separado (que en España lo hemos visto). Por detrás en nuestro país quedará ‘I Don’t Care’ de Ed Sheeran y Justin Bieber, que buscan más bien el número 1 directo en Reino Unido y en Estados Unidos, donde reina el pelotazo de ‘Old Town Road’ con y sin remix.
El tema colaborativo de Edward Christopher y Justin ha sumado 12 millones de streamings en un día a nivel global, siendo top 1 directo en Spotify en Reino Unido y Estados Unidos y top 13 en España.
Entre las novedades de la semana que os hemos presentado en nuestra playlist «Ready for the Weekend», uno de los temas más llamativos era lo nuevo de Avicii, ‘Tough Love’.
Recientemente se ha anunciado el que será el álbum póstumo del DJ y productor, y tras el éxito de ‘SOS’, que justo ha rebasado los 100 millones de streamings en Spotify, y continúa en el top 6 de esta plataforma a nivel global; se estrena el segundo sencillo. ‘Tough Love’ tiene una marcada influencia oriental, según han explicado sus colaboradores Vincent Pontare y Salem Al Fakir de Vargas & Lagola. Al parecer Avicii dejó escrito que quería que este tema fuera un dueto, y en el mejor de los casos una pareja real que hubiera trabajado junta antes.
Según indica Vincent, las influencias indias «encajan perfectamente en una canción en la que estábamos trabajando, algo típico de Tim, que melódicamente era un genio». Si a alguien le sirve de algo el dato, Avicii falleció en Omán, un país relativamente cercano a la India.
El exótico resultado parece haber calado y con 2,5 millones de plays en Spotify solo durante su primer día se garantiza otro hit para el productor sueco. Los streamings millonarios parecen asegurados para el álbum ‘Tim’ que sale el 6 de junio e incluirá colaboraciones nada menos que de Chris Martin o Imagine Dragons.
Srbuk acude a Eurovisión 2019 con el típico medio tiempo chillón, cuyo vídeo ‘Walking Out’ parece inspirarse en los vídeos coreografiados y virales de Dua Lipa, si bien con un blanco y negro y unos trajes un poco más David Fincher en el vídeo de ‘Vogue’.
En el estribillo de ‘Walking Out’, en cambio, la voz se asemeja por tonalidad y grito un poquito a Céline Dion. Pese a todo este preparado de épica y estética, la canción tiene dificultades para diferenciarse de otros cientos que han pasado por el festival, y la subida de tono final, a estas alturas, parece una broma.
Para que no decaiga ese desenlace, la puesta en escena incluirá buenos chorrazos de fuego, mientras la garganta de Srbuk vivirá sus 15 segundos de gloria frente a la audiencia. Para algo le ha tenido que servir entrenarse en La Voz Ucrania, temporada 8. Excepto el año pasado y en otra ocasión, Armenia suele pasar a la final recibiendo votos masivos de Rusia, Georgia y Grecia, y parece que su pase está asegurado.
Calificación: 4/10 En los foros de Eurovisión se dice…: “igual la canción no está mal pero la verdad que esperaba algo más enérgico, otro bop”. marcecar. En las casas de apuestas: 20ª.
P!nk no se ha vuelto a separar de su pareja como pronosticaban algunas de las letras de su álbum anterior. Al contrario, está en un buen momento y así, este nuevo disco sale tan solo un año y medio después de ‘Beautiful Trauma‘. Y sin embargo, es incapaz de terminar de encontrar la estabilidad. Es lo que nos cuenta en varios temas de este disco, de manera muy visible en ‘Happy’, en la que tras hablarnos de la dificultad para aceptar su cuerpo, confiesa: «desde los 22 tengo quien me quiera / e intento creerme que es verdad / pero mi cabeza siempre lía a mi corazón / no importa lo que haga».
P!nk recorre los fantasmas de su mente para tratar de entender por qué se pone tantas trabas a sí misma para ser «feliz». Así, visita a los «monstruos del armario» de su infancia en ‘Circle Game’, quiere «caminar a casa» en el single principal del disco, y trata de buscar el apoyo afectivo en ‘Hurts 2B Human’. Curiosamente, una de las imágenes más bellas nos la deja ‘My Attic’, en la que hay que elogiar que P!nk no se haya puesto de co-autora tras cambiar una coma. La canción es de Julia Michaels y apela a «un ático lleno de huesos y desesperanza / jóvenes emociones que nunca serán capaces de madurar». Quien esté libre de culpa, que tire la primera piedra.
Como habréis adivinado, todo esto se corresponde con un largo surtido de baladas. Pero solo al final, después de esa ‘Love Me Anyway’ con Chris Stapleton ideada para los fans del country profundo de Estados Unidos, el metraje se hace pesado. No es que la final ‘The Last Song of Your Life’ en la estela de los Fleetwood Mac de ‘Landslide’ y casi todos los temas finales de los discos de Dolores O’Riordan, sea mala; es que el disco parece de hecho acabar con ‘Love Me Anyway’. Pasan tantos segundos tras esta que pensé que las dos últimas eran bonus tracks. Pero no. Por lo demás, son varias las canciones lentas las que funcionan, como la tratadísima ’90 Days’ junto a Wrabel, en la que no se cansan de referenciar ‘Fast Car’ de Tracy Chapman. Yo tampoco lo hago.
Pero son varias las animadas también, sobre todo en la primera parte del álbum. ‘Hurts 2B Human’ presenta, de hecho, una balanza equilibrada de canciones bonitas y temas correctos de pop-rock. Salvo alguna colaboración y la parte más «dance», por momentos este es el buen disco que esperamos de Alanis este año, eso sí, como siempre, algo lastrado por la producción y la ausencia de ideas creativas. Vale que el objetivo de P!nk no sea tocar en el Sónar, pero la cabaretera ‘Hustle’ junto a Daniel Reynolds de Imagine Dragons, excitaría más como «opener» en otras manos que las de Jorgen Odegard, quien quiera que sea; ‘Courage’, tan Sia porque es co-autoría de Greg Kurstin, se conforma con recordar a Eurovisión; ‘Walk Me Home’, a ‘El Rey León’; y suena especialmente desfasada ‘Can We Pretend’. Madonna y Gaga no fueron crucificadas en 2012 y 2013 por hacer EDM para que esto siga pasando en 2019 en un disco de primer nivel.
Mientras ‘We Could Have It All’, co-escrita por Beck, da ganas de ponerse ‘New Year’s Day’ de U2 y ‘Happy’ el dúo de Taylor Swift con Zayn, me pregunto por qué no más temas como ‘Hey Why Miss You Sometime’. Con la producción de Max Martin, es una de las más divertidas gracias a su simpático teclado, a sus efectos vocales y a su línea «Jack Daniels type of love / Titanic with your love».
Calificación: 6,4/10 Lo mejor: ‘Hey Why Miss You Sometime’, ’90 Days’, ‘My Attic’ Te gustará si te gusta: Sia, fun., Adele, Imagine Dragons Escúchalo:Spotify
Desde que Delaporte pasaron por La Resistencia para ser entrevistados, hay una canción de su disco ‘Como anoche‘ que se crecía. Se trata de ‘No te vas a olvidar’, un atractivo compendio de influencias tropicales, R&B, hip-hop y el sello Mad Decent, que conquistaba al presentador David Broncano. En concreto apelaba a lo que sucede en el minuto 2.10 de la canción, un subidón sutil a la moda en el que parece que Sandra canta en su tono más agudo, aunque indicara que es un efecto en verdad.
Nada como una guía segundo a segundo para comprender el magnetismo de una composición, pero esta no necesitaba precisamente un libro de instrucciones. Es una de las producciones más avanzadas del grupo y probablemente como sonarían los Moloko de 2019: si ‘Un beso’ recordaba al dúo de Róisín Murphy y Mark Brydon, esta sofisticada canción abunda en esa línea. Delaporte nos lo definían como «un poco macarra» y «un poco Crystal Fighters», alegre como consecuencia de estar «en mayor» y a la vez «dulce»: «Es el único tema en mayor porque los demás son más melancólicos, son menores». Curiosamente a Sandra al principio no le gustó lo que había estando improvisando con el piano, ni cuando Sergio le aportó unos bombos mientras ella cocinaba algo en su retiro para escribir el disco.
“¿Cómo no te va a gustar, Sandra? ¡escúchalo!”. Se empezó a entusiasmar un montón, a hacer piano-voz…”, nos decía Sergio, y al final tanto se ha entusiasmado que es uno de sus temas más celebrados y desde esta semana tiene videoclip de Jaime Massieu. Según la nota de prensa el vídeo representa «la detención del tiempo durante el flirteo, el subidón de adrenalina durante el choque de dos cuerpos y, finalmente, el anhelo de que la magia siga fluyendo. Las coreografías son de Omar Fernández y José Luis Valero». El resultado hace justicia a la canción, pues es colorido y sobrio a la vez, divertido y subyugante: ¿quién no quiere unirse al pogo final?
Delaporte tienen decenas de fechas pendientes en toda España durante los próximos meses, destacando Mad Cool, Bilbao BBK Live o La 2 de Apolo el 23 de noviembre.
Lo mejor del mes: escucha las últimas «Canciones del Día»
La redacción evalúa ‘I Don’t Care’, el single de regreso de Ed Sheeran junto a Justin Bieber.
«De la unión de dos monstruos del pop –y esto puede entenderse en varias acepciones– como Ed Sheeran y Justin Bieber sólo cabe esperar que lo peten. Y, en este caso, está bastante justificado. ‘I Don’t Care’ puede parecer demasiado facilona, pero soy de los que piensan que lo sencillo, a veces, es lo más complicado. Su letra es blandurria al máximo, con calificación para todos los públicos y la (¿falsa?) humildad del inadaptado que no encaja con los demás salvo con esa persona especial, blablabla. Pero es que, dejando ese detalle aparte (esto pretende ser pop masivo, no lo olvidemos), estamos ante una canción muy redonda, cuya principal virtud para mí es cómo es capaz de dar ganas irrefrenables de mover el cucu siendo de lo más contenida y hasta tímida. Y si nos fijamos, podría ser otro baladón de esos que han hecho famosos al británico. Pero la producción de Max Martin y Shellback en esta ocasión evita explotar, manteniéndonos en vilo durante sus tres minutos y medio. Bien jugado, chicos. Ya tenemos una de las canciones que serán más escuchadas en 2019, a buen seguro». Raúl Guillén.
«Como ‘Shape of You’, ‘I Don’t Care’ es lo suficientemente inofensiva como para que me termine enganchando después de ser bombardeado con ella durante todo el verano, y lo suficientemente inane como para olvidarme de ella en cuanto se pase de moda. Me gusta que la canción parece estar compuesta sobre una nota suspendida, lo cual le infiere cierta intriga, y que su sonido tropical no suene del todo desfasado, pero no está de más recordar que Max Martin está detrás de esto y que no esta vez no le ha salido un nuevo ‘Chained to the Rhythm’ o un nuevo ‘God is a Woman’. Más bien le ha salido una cosa totalmente intrascendente. No es que esperara una obra maestra por parte de Ed Sheeran y Justin Bieber, pero sí de Martin, y esta vez no la ha entregado”. Jordi Bardají
«Durante el verano de 2017 me sorprendió lo bien que funcionaba ‘Shape of You’ cuando era pinchada en todo tipo de clubs, y eso que la primera frase del tema era «La discoteca no es el mejor lugar para encontrar a una amante, yo suelo ir a los pubs». Ed Sheeran ha querido seguir sacándole partido a los ritmillos playeros, aquí con una base que para algunos apunta al dembow y para otros un poquito al reggaetón. La letra de ‘I Don’t Care’ nos habla de ese gran drama de primer mundo que es no estar encajando para nada en una fiesta, y esa sensación de desasosiego que conocemos todos en nuestro deseo por sí «encajar» en un grupo social es una virtud para esta canción facilona pero efectiva. A falta de conocer la génesis de la misma, mi única duda es qué pinta en ella Justin Bieber, pues en absoluto necesitaba -ni terminan de pegar en ella- dos narradores masculinos, salvo que fuera para irse juntos desde la fiesta a la cama, y no sé si será el caso (aunque por la foto compartida en Instagram no se descarta). En caso contrario, ¿una maniobra artificiosa y desesperada por conquistar las listas? No era nada necesaria: hay algo mágico en el desarrollo de la canción, una calma y a la vez una épica contenida, que me hace recordar a la seguridad frente a un momento de adversidad que contenía ‘My Way'». Sebas E. Alonso.
Carolina Durante se han convertido en uno de los grupos del momento en España tras conquistar a decenas de miles de personas con la ocurrente parodia social de ‘Cayetano’ y el rescate de una canción del underground de Marcelo Criminal junto a Amaia Romero de Operación Triunfo. Con motivo de la edición de su disco largo editado aún por Sonido Muchacho pero en alianza con Universal, hablamos con Diego, Martín, Juan y Mario sobre el mismo, si se ven como un grupo generacional o la influencia de Los Planetas. Es el bajista Martín quien toma las riendas de la conversación, si bien casi cada vez que Diego habla, sentencia, muy aferrado a su personaje, un guaperas con un punto bastante loco o malvado (siempre me ha recordado un poco a Eduardo Noriega en ‘Tesis’). Juan (baterista) y Mario (guitarra) prefieren permanecer en segundo plano. La entrevista, por cierto, se produce unos días antes del Warm Up, pero el grupo asegura todavía desconocer si van a cantar en el festival ‘Perdona (ahora sí que sí)’ con Amaia o no, pese a que la organización les ha puesto seguidos. En ese momento dicen que ni siquiera lo han hablado. «Evidentemente nos haría ilusión», indican.
¿Cuál es la mejor pregunta que os han hecho?
Diego: «Lo más ridículo que hemos hecho por amor. No es que sea la mejor pregunta, pero me ha descolocado».
Martín: «Unas niñas de la ESO me preguntaron por la poca cantidad de presencia femenina en festivales y que si creíamos que de haber sido un grupo de chicos, haciendo las mismas canciones, habríamos tenido el mismo éxito».
Diego: «Si te lo pregunta un periodista… pero eran unas chavalitas de 13 años».
Es un tema del que se está hablando mucho. ¿Qué respondisteis?
Martín: «Que creo que no». ¿Estabais pensando concretamente en Hinds?
Martín: «No. Pero sí dijimos que a nosotros nadie nos ha puesto en tela de juicio. A ellas sí se las machaca».
Diego: «En España. Fuera no». ¿Y vosotros empezasteis tocando bien?
Martín: «No, yo no tocaba, básicamente. Yo era el que peor tocaba. He ido aprendiendo poco a poco». O sea que en el primer concierto no erais en directo como ahora y nunca se os ha criticado eso…
Diego: «No se nos ha criticado en absoluto el directo. De hecho estuvimos nominados en los Premios MIN al mejor directo, con grupos con sonidazo como Belako, Triángulo… Si alguien me ha impresionado en España por sonido de directo es Triángulo».
Yo en el OchoyMedio os vi muy bien, ¿cuántos directos debíais de llevar ahí? ¿Unos 50?
Diego: «Debíamos llevar 70».
Martín: «Lo pasé tan mal en nuestro 5º concierto, a nivel de tener que parar una canción… Ahora me exijo no tocar por encima de lo que puedo hacer. Y si mejoras, pues lo metes».
¿Dónde fue esto?
Martín: «En la Wurli tocando con La Plata y La Escuela Moderna. Nos han perdonado muchas cosas, aunque ahí llevábamos poco».
Lo primero que llama la atención del disco es que no lleva ninguno de vuestros singles anteriores. Un poco sobrados, ¿no? ¿De quién fue la idea?
Martín: «Fue un consenso. Todo el mundo nos está preguntando eso, pero no es tan loco. Grabas una canción y se queda ya grabada. Igual haces un remaster años después, pero volver a publicar un tema de hace un año, ahora mismo se está haciendo, pero no entiendo muy bien la jugada».
Es una cuestión de expectativas. Si no metes las canciones que están petando en Youtube y Spotify, es porque tienes que tener algo mejor.
Martín: «Pero es que es por esas dos plataformas que menos sentido le veo. Si es para vender discos… Pero en Spotify o Youtube puedo poner las canciones cuando quiera. A mí me jode cuando una canción me gusta de un EP y luego en el disco no es lo que había escuchado porque está regrabada. Luego en digital nunca me la pongo».
Ponme un ejemplo.
Martín: «Me pasó con ‘Ni una canción’ de Las Ligas Menores; con ‘Forgiveness’ de Yawners, con el EP de La Plata… Esas canciones me escucho las del EP, las que me gustaron de primeras».
¿Desde Universal no os pidieron que metierais alguna anterior?
Martín: «Claro, fue como «¿podéis meter ‘Perdona’?» y fue como… no».
Pues mira que Amaia está en la misma compañía.
Diego: «Pero eso sería aprovecharse ya totalmente de Amaia. Meterla y hacerla vendible, sacar provecho».
Pero Marcelo Criminal os lo habría agradecido por los royalties.
Diego: (risas) «¡Ya se está llevando con otras movidas!».
Martín: «Se lleva por editorial, no sé si por ventas».
«Me gusta ayudar a artistas y grupos que personalmente me molan y creo que tienen menos reconocimiento del que me parecía. Y salimos ganando los dos»
¿Cómo descubristeis esta canción de Marcelo Criminal? Yo nunca habría sacado de ahí un hit presentable en OT…
Martín: «Su disco lo sacaron Fikasound, dos colegas, Rober y José. Estuvimos escuchando el disco: ‘Solán de Cabras’, «Democracia»…»
Diego: «Salió esta canción y nos moló mucho. Estábamos al loro, y se la pasé a Martín: «podíamos versionar esto». Pero no por el potencial. Es un tema que nos mola, que me mola llevarlo más a Carolina. Carolina es un grupo que se está dando a conocer, que está tirando para arriba, y me gusta ayudar a artistas y grupos que personalmente me molan y creo que tienen menos reconocimiento del que me parecía. Y salimos ganando los dos».
Martín: «No era un problema de que fuera lo-fi y hubiera que sacar un potencial. A mí me gusta Marcelo como es. Simplemente oyes canciones y dices «esto podríamos versionarlo a ver qué pasa»».
‘Las canciones de Juanita’ supongo que es para Él Mató y Juanita y Los Feos, ¿alguna reacción por su parte?
Martín: «Sí, Violeta nos escribió en plan «joder, la he escuchado, a ver si tocamos».
Diego: «Antes de sacarla, porque en directo estaba en Youtube».
Martín: «Y en el Ocho, el segundo día, tocamos con Rata Negra, el grupo que tienen ahora Violeta y Fa (ex Juanita y los Feos)».
«Hemos logrado «el éxito», pero también lo pensé cuando teloneamos a Los Punsetes. Metiéndome en la cabeza del público general, para llenar el Wizink nos queda…»
Has dicho, Diego, que sois un grupo que «se está dando a conocer», después de haber llenado el Ochoymedio dos días seguidos. Supongo que os estáis poniendo un techo alto.
Diego: «Para nosotros el éxito es muy subjetivo. Yo creo que hemos logrado «el éxito», pero también lo pensé cuando teloneamos a Los Punsetes en Ochoymedio. Metiéndome en la cabeza del público general, si entendemos por éxito llenar el Wizink, aún nos queda…»
Martín: «Queda mucho trabajo. El otro día nos dijeron que el éxito no es fama o prestigio, es algo que falta por construir. Ha dado la casualidad de que hemos dado unos pelotazos. Está siendo muy rápido, pero no vamos a fliparnos por haber llenado».
Editáis en vinilo, ¿soléis comprarlos vosotros?
Juan: «Yo no porque si no lo voy a poner… Me da una pereza darle la vuelta y tal…»
Mario: «Yo compraba CD’s de adolescente, desde que me hice Spotify Premium lo dejé. Pero desde que quitaron 5 millones de canciones de MySpace y a nadie le importó, me ha entrado la neura del físico porque lo perderé todo. ¡Voy a empezar a coleccionar!».
Diego: «¡Cuando se rompa internet!».
Vosotros editáis todo en físico por si acaso, menos la canción con Amaia…
Martín: «La de Amaia está en el flexidisc que regalamos con el disco, para los primeros que lo compren. La única que no está en físico es ‘El himno titular'».
Juan: «El flexidisc que no gira, patinaba…»
Martín: «No lo sabía usar nadie, porque al parecer había que ponerlo encima del vinilo».
Diego: «¡Anda, coño!».
Juan: «No, lo que pasa es que el plato no tenía la base. Hay platos que tienen la base».
A ver, tanto que nos dicen que parecemos la Súper Pop…
Juan: «¡Un poco sí!» (risas)
Pues en la Súper Pop te enseñaban a manejar un flexidisc… Por la moda cassette ni os pregunto, ¿no?
Juan: «Solo tengo el de Confeti de Odio, que me lo regaló, ¿¿¿pero quién tiene esa máquina???».
Martín: «El otro día Björk sacó cassettes».
Diego: «Es el rollo coleccionista».
Martín: «Yo estoy flipando, pero está volviendo. La cinta no sé a quién le suena mejor».
Mario: «A mí me recuerda al coche sonando chungo».
Juan: «Lo que pasa es que está muy barato hacerlos».
Las 3 últimas canciones de vuestro disco son un poco más diferentes a lo que esperaba. ‘Falta sentimiento’ es la intensa. ‘Cuando niño’ me parece un poco yeyé, y la última es la primera vez que me recordáis a Los Planetas de verdad. No sé qué os parece porque los grupos jóvenes están hartos de las comparaciones con Los Planetas…
Martín: «Como Apartamentos Acapulco».
Diego: «Pero son mayores».
O La Plata, que les cabrea mucho…
Martín: «Es que no tienen nada que ver. Entiendo que se enfaden».
¿A vosotros estas canciones os parecen más distintas?
Diego: «Nos dan un poco de pereza los discos que escuchas todo el rato la misma canción. No queremos hacer del disco un tostón, sino variar… Pero ‘Falta sentimiento’ es un poco ‘La noche de los muertos vivientes'».
Martín: «»El Perro» y ‘300 Golpes’ no creo que lleven una línea tan diferente. Me gusta más cómo ha quedado el arreglo en «El Perro». Y el título la puso un tío que vino a vernos».
Diego: «Es como un soneto de Lorca. Y nosotros cero renegar de Los Planetas, referente absoluto».
¿A ellos les gustáis?
Martín: «Sí, versionaron en un concierto ‘El himno titular'».
Diego: «La más diferente del disco sí que es ‘Cuando niño'».
Mario: «Teníamos en el disco o caña o intenso. Para que no fuese agobiante, queríamos meter una canción ligera, relajada, tranquila, de andar la calle».
Para relajado lo de «Me masturbé con tu foto de la semana pasada»… En esta canción de ‘Nuevas formas de hacer el ridículo’ habláis de las redes sociales. ¿Os veis un grupo generacional al ver a tanta gente cantando vuestras letras?
Diego: «Yo creo que… No sé, queda mucho para poder decir eso. Si en algún momento llegamos a serlo, felicidad absoluta, pero todavía queda. No creo que seamos el reflejo de nada. Todavía queda tiempo».
Martín: «Es pronto para decirlo, lo ves cuando miras atrás. No es como: «¡tengo que escribir un himno generacional!».
Pero no estás ciego, ves que la gente se sabe tus canciones de aprendérselas en directos de Youtube…
Diego: «Hemos sacado 8 canciones hasta ahora, no sé, ¿cómo lo verías tú, con esta información?».
«‘Cayetano’ sí creo que va a perdurar en el tiempo. Es una de esas canciones que sale cada mucho»
Yo soy muy determinado, me daría cuenta.
Diego: «‘Cayetano’ sí creo que va a perdurar en el tiempo. Es una de esas canciones que sale cada mucho. Sí que te puedo decir: «¡hostia!»».
¿Es una presión hacer letras para que se las aprenda la gente fácilmente? En «Nuevas formas» dices que «el perfil online supera a la persona», hablas de apps, Instagram, cosas con las que te puedes identificar, ¿ha sido una presión?
Diego: «Cuando empecé a escribir las letras para las canciones del grupo, escribía cosas de mi entorno, cosas que venía. Fue funcionando. Por ahora, está saliendo de una manera muy espontánea, escribo sobre mi vida. Llegará un momento que no me saldrá tan fácil. «Nuevas formas» habla de redes sociales, de Instagram. Es una idea que se me ocurrió, se me ocurre una idea y la apunto. Pero no, no voy a sacar el periódico en plan «¿qué hago hoy para que la gente se sienta reflejada?». Son cosas de mi vida y la gente se ve identificada, mi vida no está alejada a la de cualquier chaval de 20 años».
¿Cómo ha sido lo de que la gente se aprenda vuestras letras por los conciertos de Youtube?
Diego: «Tras el primer concierto colgamos las canciones y gracias a eso Luis de Sonido Muchacho escucha ‘La Noche de los Muertos Vivientes’. Empezamos a tocar ‘Cayetano’ y por CanalyPunto, que va subiendo conciertos pequeños y medianos de toda España, la gente la empieza a escuchar. Así empezó ‘Las canciones de Juanita’. Todo ha ido muy así».
Me acaba de venir a la mente el paso de ‘Cayetano’ por Masterchef. Realmente habéis tenido en común con Los Nikis la creación de un himno ambiguo. Aparecéis mencionados en un programa delante de 3 millones de personas, porque un votante de Ciudadanos, gay, canta ‘Cayetano’.
Martín: «Yo no veo la ambigüedad, pero cada uno ve lo que quiere ver…»
No sé si se verá parodiado o retratado y le gusta.
Martín: «Igual se ve parodiado».
¿Cómo os enterasteis de que salisteis en el programa?
Martín: «Nos empezaron a llegar mensajes, igual que cuando en La Ruleta pusieron un panel con ‘Cayetano’. Hay un vídeo de eso».
(Tras preguntarles su edad, entre 22 y 26 años) ¿Habéis terminado los estudios que cursabais o dejado vuestros trabajos para vivir del grupo?
Martín: «Terminé todo lo que estaba haciendo. Quería hacer Artes Escénicas porque me gusta el teatro».
Diego: «Me quedan 4 asignaturas del INEF en la Politécnica».
Mario: «Había terminado Antropología, me empecé a interesar por la costura, pero fue más o menos con lo del grupo. Me da pena haberlo dejado porque me gusta».
Juan: «Era ayudante de cocina en un hotel, pero lo dejé».
Lo digo porque hemos hecho un cuestionario entre grupos españoles y solo Triángulo de Amor Bizarro vivían de la música, y un poco porque vivían en Galicia.
Diego: «Lo he visto, me lo quiero leer».
Lógicamente no hemos preguntado a grupos tamaño Dorian o Miss Caffeina, sino a los que estaban ahí, ahí. Vosotros ya vivís de esto.
Varios: «Por ahora sí».
Tener 24 años, citar Parálisis Permanente, que te gusten Los Planetas… es un poco raro, ¿no?
Diego: «Unos puretas».
Solo que a vosotros os gustan, no como a Novedades Carminha.
Martín: «Una cosa es lo que me gusta tocar y luego escucho muchas movidas. Música de Berlín, la música de Berghain…»
¿Dejan entrar ahora (a españoles)?
Martín: «Ahora es de turisteo».
Finalmente, a Amaia le pregunté si le daba igual o le afectaba salir en la prensa del corazón, ¿tú cómo lo has llevado, Diego? (…) Por la cara que pones, no muy bien…
Diego: «No, yo qué sé. Un poco coñazo, sin más. Viene también por Amaia, no tiene que ver conmigo. Amaia es una persona que conoce toda España, es algo más suyo que mío. Si yo salgo ahora mismo no me conoce ni Dios. Por Malasaña sí, pero por lo demás…»
Cuando vi el vídeo de ‘Cayetano’ pensé que eras un modelo, un actor…
Diego: «Eso es que se ha hecho un buen trabajo».
Martín: «Alguien me dijo que creían que era yo el cantante, y él un actor».
Diego: «Me alegro de que me digas eso».
La Riviera ya no es lo que era. Ahora es un sitio al que mola ir a conciertos. Desde que se limitó el aforo a algo más de 1.800 personas y se mejoraron las condiciones técnicas -y los grupos empezaron a gastarse parte de su panoja en buenos técnicos de sonido-, asistir a la sala madrileña ha dejado de ser una lotería para pasar a ser algo disfrutable. Dorian, C. Tangana, Zahara o en el plano internacional Halsey han sido algunos de los artistas de música pop que han ofrecido recientemente shows bastante espectaculares en esta sala y anoche era el turno de Miss Caffeina, que acudían con su primer número 1 en ventas en España, ‘Oh Long Johnson‘, bajo el brazo.
El grupo apostó por un escenario en dos alturas con rampa y una serie de leds al fondo con efecto neón ochentero. ‘Oh Long Johnson’ es un disco en el que se han animado a dar un paso más hacia los terrenos de la música electrónica y las tonalidades azules y rosas en cuanto a iluminación fortalecían esa decisión artística. La elegancia del escenario, tan sobrio a la vez, ocultaba por completo el lado más «cheesy» de la banda: si había alguna pequeña rima o alguna pequeña letra que te chirriaba un poco, con el excelente sonido y la escenografía se te olvidaba como cuando ves una fascinante puesta de largo en Eurovisión.
Con eso y con el calor del público, que se cantó prácticamente todo desde el inicio con la propia ‘Oh Long Johnson’, destacando particularmente en el final de la bonita ‘Eres agua’, cuando ya solo se oyen las voces del público entonando que «solo los valientes saben que es inútil pelear con la tormenta»; y por supuesto en hits como ‘Detroit’, Ácido’, ‘Oh! sana’, ‘Mira cómo vuelo’ y ‘Merlí‘, al fin su tema más oído en el semanal de Spotify (le ha costado meses, traduciendo, está siendo un «grower»). Tampoco se han olvidado ni el joven público ni ellos de alguna canción más antigua, como ‘Venimos’ y aquello de «Venimos del mismo lugar / de dormir con desconocidos para evitar / algunas preguntas que no sé contestar».
Alberto Jiménez, un frontman hace rato muy cómodo en el escenario, se dirige varias veces al público para agradecer la fidelidad de Madrid, siempre tan presta a cantar a grito pelado letras de música pop; y sobre todo en su lucha contra el bullying. En ‘Calambre’ cuenta cómo vio un día al matón de su colegio atendiendo a su propio concierto; en ‘Fiesta nacional’ habla de las presiones de la industria musical, incluyendo tener que oír cosas sobre «cómo tienes que sonar» o «nunca digas que eres gay»; y ‘Reinas’ es uno de los momentos más emotivos de la noche, sin que ni siquiera se reserve para los bises, sonando más bien al principio. Y lo que podría haber sido una balada llorica se crece musicalmente por el mimo del grupo, sobre todo en este caso por la incorporación de una batería electrónica distorsionada que la aleja de la ñoñería.
El concierto de Miss Caffeina se benefició también de un enorme dinamismo: lo que Alberto llamó «el ciclo de baladas» fue en verdad una sucesión de temazos vibrantes que incluyó ‘El rescate’, ‘Prende‘ llena de luces de neón, ese homenaje a Chic llamado ‘Planta de interior’ o el lucimiento de bajo y guitarra de ‘Ácido’. En los bises y tras ‘Bitácora’, la tórrida ‘Gladiador’, casi tan sexy como Maluma susurrándote al oído «cha-cha-chá»; y los guiños a Gala (‘Freed from Desire’) y Madonna (‘Vogue’), el primero más celebrado que el segundo como parte de ‘Cola de pez’. Para entonces ha habido cambio de vestuario, entregado a la música disco, y aunque Miss Caffeina guarden su punto de pop-rock español, su evolución les distancia cada vez más y más de coetáneos como Vetusta e Izal. 8.
Björk acaba de inaugurar en el centro de arte de vanguardia The Shed de Nueva York su nuevo espectáculo ‘Cornucopia’, sobre el que ha hablado con detalle en una entrevista con The New York Times en la que, entre otras cosas, revela que no ha ganado un duro en 20 años (dice que todo el dinero que ha ganado lo ha invertido en sus proyectos).
Y se nota porque si algo puede decirse de ‘Utopia‘, su último álbum, es que ha contado con un componente audiovisual realmente exuberante, empezando por el videoclip de ‘the gate’, siguiendo por los conciertos de la gira, con una puesta en escena que emulaba una especie de jungla fantástica; y terminando por supuesto por este ‘Cornucopia’ que parece cuidado al máximo por lo que hemos podido ver en las redes sociales, pues, entre otras cosas, incluye una cámara de reverb dentro del propio escenario, así como la presencia de una flauta circular tocada por varias músicos.
Como puede verse en Setlist.fm, el show incluye pocos temas viejos, entre ellos ‘Venus as a Boy’, ‘Hidden Place’ y ‘Pagan Poetry’, y se centra casi exclusivamente en ‘Utopia’. Entre los temas presentados de este álbum se encuentran ‘the gate’, ‘Utopia’, ‘Arisen My Senses’ y ‘Tabula Rasa’, que pasara por nuestra sección «La canción del día» y para el que la islandesa acaba de presentar un videoclip tan extraño como de costumbre. En este caso, vemos flotar en un espacio gris un ser floral con forma de anfibio… o algo así. Dirige Tobias Gremmler.
Maluma acaba de colaborar con Madonna en el single ‘Medellín’ y poco antes de actuar con ella en los premios Billboard, el cantante colombiano revelaba los detalles de su próximo disco, ’11:11′, que ve la luz el próximo 17 de mayo e incluye otra colaboración con la autora de ‘Rebel Heart’ además de invitados como Ricky Martin, Ty Dolla $ign o Zion & Lennox.
La novedad más reciente de Maluma no pertenece a su próximo disco, sin embargo, sino que es un single del cantante congoleño afincando en Francia Maître Gims, conocido por éxitos como ‘Est-ce que tu m’aimes?’, ‘Jme tire’, ‘Loin’ o ‘La même’. Gims lanzaba hace unas semanas un single con Maluma llamado ‘Hola Señorita (Maria)’ y su videoclip ha llegado esta tarde a Youtube, revelando un mágico paisaje de fondo como es la ciudad de Marrakech.
El vídeo, con su dosis de seducción, piscinas y figurantes exclusivamente femeninas, no va a sorprender a nadie aunque sirve para recordarnos que esta canción, de sonido caribeño pero también curiosamente muy melódica, no estaba tan mal. Digna candidata a ser una de las canciones del verano, incluye grandes rimas como «se rumorea que su nombre es María, quién diría que me enamoraría ese día» o «ella, una señorita bella de la cabeza a los pies, pero lo que mas me gusta es cuando habla francés», tan tontorronas como… ¿encantadoras? Maluma lo ha llamado su nuevo «hit global» pues está cantado en español, inglés y francés, en tanto el tema no deja de incluir guitarras españolas.
Miki ha realizado este viernes el primer ensayo de su actuación en Eurovisión (cabe recordar que España forma parte de los «Big Five» del festival y por tanto se clasifica directamente en la final). Desde Tel Aviv, el cantante catalán ha interpretado ‘La venda‘ desvelando la puesta en escena, y con ella varias sorpresas.
La «performance» de ‘La venda’ será colorida como ha mostrado el primer ensayo, y era de esperar dado el carácter de la canción, pero también contará con una escenografía potente presidida por una estructura rectangular con cubículos que emula una casa, a través de la cual Miki y sus bailarines empezarán su actuación. Detrás de ellos, en las pantallas se proyectarán explosiones de color. Pero el verdadero WTF de la actuación se producirá después con la aparición en el escenario de un robot que parece bailar la rumbita en cuestión… para luego desaparecer.
La idea parece estar calando poco entre los eurofans pues no parece pintar demasiado en la puesta en escena de una canción como ‘La venda’, pero el elemento tecnológico de la actuación no acaba ahí. En el puente de la canción, Miki ha sacado una «kiss cam» con la que supuestamente buscará «interactuar con el público» según La Vanguardia. La actuación termina con Miki y sus bailarines corriendo por la pasarela. Dinámica, desde luego, es un rato, ¿pero quizá también un pelín sobrecargada?
Lizzo publicaba en enero el primer temazo oficial de 2019, un divertidísimo ‘Juice’ que ha terminado convirtiéndose en uno de sus mayores éxitos. ‘Juice’ era el primer avance de ‘Cuz I Love You‘, el tercer álbum de Lizzo y su debut en una multinacional, que llegaba recientemente dejando otros buenos temas como ‘Like a Girl’ o ‘Tempo’ con Missy Elliott. Pero curiosamente el single que más le está funcionando a Lizzo en estos momentos es antiguo.
Lanzado en 2017, ‘Truth Hurts’ empieza con la enorme frase «I just took a DNA test / turns out I’m 100% that bitch» y su vídeo muestra a Lizzo casándose consigo misma. El pegadizo tema ya era uno de los mayores hits de la cantante en las plataformas de streaming pero ha despuntado en las últimas semanas al ser incluida en una nueva comedia de Netflix llamada ‘Alguien especial’. Los streamings de ‘Truth Hurts’ han terminado de dispararse cuando el tema ha sido añadido a la popular playlist de Spotify Today’s Top Hits, seguida por más de 23 millones de personas.
Por supuesto, Lizzo no ha querido perder el vuelo y ha incluido in extremis el tema en su nuevo álbum, donde ahora ocupa la pista 13 (aún es posible escuchar el disco original en Spotify, sin el single en cuestión). Aunque ‘Juice’ sigue siendo el tema de Lizzo más radiado, las escuchas de ‘Truth Hurts’ en streaming son muy superiores y el tema ocupa actualmente el número 22 en la playlist de hits globales de Spotify, por lo que parece que el recorrido de este tema solo acaba de empezar… aunque sea dos años después.
Primavera Sound ha dado a conocer los horarios de su próxima edición, muy esperados pues suelen revelar solapamientos dramáticos, como la ilustradora Rocío Quillahuaman ha representado hilarantemente en una reciente viñeta. El festival se celebra a finales de mayo en el Parc del Fòrum de Barcelona y hoy viernes completa su programación con los DJ sets de Jarvis Cocker el 30 de mayo, Tim Burgess de The Charlatans el 31 y Richard Colburn de Belle and Sebastian el 1 de junio. Además, Primavera Sound informa que Vicky Groovy ya no podrá actuar en el festival y en su lugar estará Phosky como parte del showcase del colectivo Femnøise, junto a Isa·bel y Xols.
En cuanto a los “overlaps”, el 30 de mayo encontramos a FKA twigs actuando casi al mismo tiempo que yaeji, a Mac DeMarco robándole todo el público a Clairo, a Interpol y Guided by Voices dividiendo a la audiencia o a Nas y Sigrid coincidiendo casi plenamente. Por su parte, el 31 de mayo habrá que escoger (o ver a medias) entre Liz Phair, Dirty Projectors y Carly Rae Jepsen; entre Putochinomaricón y Snail Mail (foto) o entre Robyn y Jungle.
Peores son los solapamientos del 1 de junio pues Rosalía y Pusha T actúan exactamente a la misma hora, mientras J Balvin y Primal Scream también coinciden por unos minutos. Además, Jarvis Cocker se solapa con Neneh Cherry, Róisín Murphy con Danny L. Harle y Built to Spill con Nilüfer Yanya. Puedes consultar los horarios al completo en la web del festival o en el .PDF oficial, mucho más práctico.
Por otro lado, cabe mencionar que Primavera Sound estrena este año escenario, el Your Heineken antes conocido como Hidden Stage y cuya programación será escogida en su mayor parte por el público a través de las redes sociales. Entre los muchos artistas confirmados se encuentran The Comet is Coming, Él mató a un policía motorizado ft. J de Los Planetas o Amaia un año después de debutar en el festival; Kokoscha versionando a Las Grecas o Aliment versionando a TV Personalities, entre otros.
La cantante y actriz Doris Day, una de las últimas supervivientes del Hollywood clásico, ha fallecido esta mañana en su casa de California, confirman medios como PageSix citando un correo electrónico enviado por The Doris Day Animal Foundation. Day acababa de cumplir 97 años el pasado 3 de abril. 
Grecia intentará clasificarse en la final de Eurovisión este año tras no conseguirlo en el anterior con ‘Better Love’, una balada interpretada por la cantante greco-canadiense Katerine Duska que tiene poco del folclore griego y mucho de la balada pop contemporánea de Leona Lewis. 
En contra de los primeros pronósticos, Vampire Weekend han publicado otro discazo. ‘
El pasado viernes, 10 de mayo, Airbag celebraban uno de los conciertos en sala 
Este 12 de mayo se han cumplido 10 años ya de 
La pérdida del factor sorpresa era el mayor peligro que corría PUTOCHINOMARICÓN al enfrentarse a su segundo mini LP, que dura 16 minutos en lugar de 18. En ‘
La actriz Peggy Lipton, conocida por todos los seguidores de ’Twin Peaks’ por su papel de Norma Jennings, ha fallecido a los 72 años como consecuencia de un cáncer. Lipton también trabajó en ‘La patrulla juvenil’ de Aaron Spelling, papel por el que llegó a obtener un Globo de Oro a principios de los 70. La actriz había debutado con tan solo 19 años en ‘Embrujada’, y también era conocida por su participación en otras series como ‘La hora de Alfred Hitchcock’.
‘Vestida de azul’ es una de las películas más singulares 
No va a ser casual que esta semana el Sonorama haya anunciado a Nacho Cano como un gran bombazo para su cartel 2019 justo unos días después de que se haya publicado ‘
Brigitte Laverne ha sorprendido últimamente con un cambio de sonido que podría ser el definitivo, aunque no necesariamente. Si la cantante catalana ya había firmado buenos temas de synth-pop en la onda ‘Drive’ como ‘Tinder Love’ o ‘Crush on You’, su nuevo disco ‘
‘Con altura’ de Rosalía, J Balvin y El Guincho lleva 5 semanas en el número 1 de España, todas las que ha estado en el mercado. Sin embargo, su reinado peligra ante la llegada de las nuevas canciones del verano. En los últimos días ha empezado a recibir la amenaza de ‘La Playa’ de Myke Towers, que ha logrado ser top 1 en Spotify España durante 2 días de esta semana.
Entre las novedades de la semana que os hemos presentado en
Srbuk acude a Eurovisión 2019 con el típico medio tiempo chillón, cuyo vídeo ‘Walking Out’ parece inspirarse en los vídeos coreografiados y virales de Dua Lipa, si bien con un blanco y negro y unos trajes un poco más David Fincher en el vídeo de ‘Vogue’. 
P!nk no se ha vuelto a separar de su pareja como pronosticaban algunas de las letras de su álbum anterior. Al contrario, está en un buen momento y así, este nuevo disco sale tan solo un año y medio después de ‘
Desde que 
La redacción evalúa ‘I Don’t Care’, el single de regreso de Ed Sheeran junto a Justin Bieber.
Carolina Durante se han convertido en uno de los grupos del momento en España tras conquistar a decenas de miles de personas con 
Björk acaba de inaugurar en el centro de arte de vanguardia The Shed de Nueva York su nuevo espectáculo ‘Cornucopia’, sobre el que 
Maluma acaba de colaborar con Madonna en el single ‘Medellín’ y poco antes de actuar con ella en los premios Billboard, el cantante colombiano 
Miki ha realizado este viernes el primer ensayo de su actuación en Eurovisión (cabe recordar que España forma parte de los «Big Five» del festival y por tanto se clasifica directamente en la final). Desde Tel Aviv, el cantante catalán ha interpretado ‘
Lizzo publicaba en enero el primer temazo oficial de 2019, un 
